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REVISTA DE CINE | AÑO 1 | NÚMERO 1 | ABRIL-MAYO 2012

LA MAGIA DE MÉLIÈS HUGO Y SCORSESE CAMPEONES MORALES EL ARTISTA UN OSCAR AL SILENCIO GEORGE CLOONEY EN LOS DESCENDIENTES ¿EL NUEVO GASSMAN? LA DAMA DE HIERRO ¿WHAT? BAZOFI/BAFICI

LOS MEJORES ESTRENOS: CRONENBERG: FREUD VERSUS JUNG DRIVE COMO BULLIT PERO SIN SUBTÍTULOS J. EDGAR ¿AUTOBIOGRAFÍA DE CLINT EASTWOOD?

PEZ DORADO
EDITORIAL
El PEZ DORADO es una revista que nace de la muerte de otra y en ese sentido nació huérfana. Su madre, la revista del Grupo de Cine, está ahí, cristalizada en ese número cero que será infinito. Hace ya unos años, convocados por Luis Polo, nuestro director, nos juntamos con unos amigos vagamente cinéfilos en un grupo de internet para charlar de cine. Mucho tiempo después se nos ocurrió hacer una revista y luego de enfrentamientos, discusiones y amistades que quedaron por el camino, salió la GdC, que circula ahora por la web y que nos dejó el gusto amargo de no poder continuarla más allá de ese primer número, a esta altura con seguidores que la consideran «de culto». Sin embargo, como en esas películas en las que el huevo del monstruo vencido aparece en un disimulado plano final, acá estamos otra vez, rompiendo el cascarón, con nombre nuevo y con una reDirector: Luis Polo Jefe de redacción: Francisco Abelenda Corrección: Victoria Ceccotti Ilustración de tapa y contratapa: Edgar Piñeiro Diseño: Rosario Salinas Redactores invitados: Soledad Bianchi Forencia D’Angelo Agustina Gálligo Wetzel Pablo Sebastián García Micaela Garuzzo Germán Gonzáles Sosa Laura Malena Kornfeld John Lake Oscar Mainieri Luciano Mariconda Ana Monsell Edgar Piñeiro Florencia Polo Nahuel Rodríguez Acosta Rosario Salinas Cristian Sema Editor responsable: Francisco Abelenda Email: redaccion.pezdorado@gmail.com

dacción completamente renovada. Dice Norman Mailer: «Todos deben cantar y tocar la guitarra, bailar y dar conferencias, todos deben escribir libros y editar periódicos. Entonces será posible derribar la casta de manipuladores que enferman la mente con sus venéreas creativas. Artistas, periodistas, intelectuales, conforman el virus más peligroso que ha engendrado este sistema». Pensando en esto, entonces, nos pusimos a escribir y a instar a otros a hacerlo. Como nos gusta el cine escribimos sobre cine, como nos gusta convocar, convocamos. Es embriagador formar parte de un grupo que pretende, por qué no, ser la arena que se filtre entre los engranajes de ese sistema tan bien aceitado. Y buscar otra voz, otras palabras, otro tono. Un efecto polisémico como el que logran las vanguardias. El deseo del gran Norman es en la actualidad un poco más viable porque gracias a las redes sociales, al e-mail, a los grupos de internet, a los blogs, a las publicaciones electrónicas, somos hoy muchos más los que escribimos, cantamos, editamos periódicos. Si Walter Benjamin viviera, escribiría hoy, sin dudas, una actualización de su extraordinario artículo sobre la reproductibilidad técnica, esa impresionante revolución tecnológica que dio paso al cine. Hoy la obra de arte –y el cine lo es– se enfrenta a una nueva era, la de su reproductibilidad digital. Cualquiera, con un poco de dinero (no mucho), puede disfrutar en su casa de la filmografía casi completa de John Ford o de Howard Hawks. Puede ver los últimos estrenos y repasar su película favorita tantas veces como quiera. Esta revolución tecnológica llegó también a la escritura, a la crítica. Para Douglas Sirk el cine era «el arte de la fugacidad y la memoria». Hoy podemos ver una y otra vez aquella escena que antes era fugaz y los memoriosos sabemos que con IMdB la memoria cinéfila vale mucho menos. La cinefilia en crisis

se decanta. El Pez dorado busca hacer frente a ese nuevo desafío, a teorizar sobre lo que fue y lo que será la culminación del arte de occidente. Hoy, como en una película que recién comienza, la teoría es contemplación. Ya será explicación. Y por qué no, poesía. Nuestra revista, el Pez dorado toma su nombre del pececito que desde hace años busca David Lynch, ese artista que se vale del cine para ponernos con la cabeza al revés. Ese pez huidizo que nada por aguas profundas, turbulentas y que para encontrarlo hace falta saber sumergirse. Y esta revista, como las vanguardias más activas, está llena de jóvenes, que ante la convocatoria no dudaron en incorporarse al grupo de redactores. Esperamos que pueda notarse su entusiasmo y su calidad, su pasión por el cine y su madurez argumentativa. En este número nos ocupamos de las ganadoras de los Oscars, esa infatuada ceremonia que otorga año a año los premios que casi siempre son aceptados sin protestar. Y sin protestar embestimos contra ellos, a veces enamorándonos de las películas premiadas y sus actores, a veces frunciendo el ceño por el desacuerdo. También nos ocupamos de los últimos estrenos, en las salas y en la sala, porque todavía el camino comercial marca el camino de la discusión. Escribimos sobre nuestro encuentro con el cine, sobre lo que es para nosotros, sobre las películas que amamos y sobre nosotros mismos. Y nos ocupamos de escribir, sobre todo, del pez dorado, que los lectores podrán encontrar entre sus páginas, sumidos en la desesperación y el espanto, la risa y las lágrimas, la alegría y el dolor, la ternura y la crueldad. En fin, la búsqueda de la consolación por el amor, por una cinefilia, la menos despreciable.

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Contenido
Oscars 3 4 6 8 12 16 18 21 23 Un certain regard 26 Cine clásico 28 Ripeando 31 VHS raro 34 En subjetiva 37 38 ¿Sabía usted que? 40 Lo nuevo 41 42 45 48 52 54 57 59 62 64 BAFICI/BAZOFI 71 72 73 74 75 76 77 78 Oscars 2012: autohomenaje por Luis Polo Silencios, formas y palabras por Pablo Sebastián García Decir sin hablar por Ana Monsell Hugo, Scorsese y por qué Cameron se equivocó por Germán González Sosa De inventos e inventores por Edgar Piñeiro Tras mi manto de prejuicios por Luis Polo Brancaleone en Hawaii por Rosario Salinas Soy buena, soy lista, soy importante por Luis Polo Humillados y ofendidos por Luciano Mariconda Las virtudes del ciclista por Laura Malena Kornfeld Madame Bovary en Irlanda por Oscar Mainieri Castillos de arena por Luciano Mariconda Argentinos por el mundo por Cristian Sema Un trato roto por Florencia Polo Cine 3D por Agustina Gálligo Wetzel ¿Sabía usted que? por John Lake Estrenos por Francisco Abelenda El buey solo bien se lame por Soledad Bianchi Equinos todo terreno por John Lake La peste por Francisco Abelenda De género. Degeneró por Germán González Sosa El efecto mariposa por Rosario Salinas La Hammer una vez más por John Lake Violencia nunca dejes de gritar por Soledad Bianchi La llamada salvaje por Luciano Mariconda Sobremesa por Micaela Garuzzo, Luciano Mariconda y Nahuel Rodríguez Salto a la adultez de un hombre adulto por Micaela Garuzzo La mala educación por Luciano Mariconda Sangre y agua por Micaela Garuzzo Efecto tardío por Florencia D’Angelo Todos los fuegos el fuego por Luciano Mariconda Eterno disconforme por Nahuel Rodríguez Bipolar por Luciano Mariconda Bazofiando por Cristian Sema

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Oscars

»Luis Polo«

Oscars 2012: autohomenaje
a es un lugar común leer en diferentes medios que los premios Oscar 2012 fueron un homenaje al cine, un guiño a la conciencia de sí que el cine fue adquiriendo. Frente a esto hay que decir una obviedad: los Oscar son fundamentalmente una premiación a la industria americana, por lo tanto habría que hablar del homenaje que Hollywood se hace, año a año, a sí mismo. Las dos películas que compitieron con más posibilidades de ganar indagaban sobre los orígenes del cine: la producción francobelga (y a la postre ganadora) El artista (The artist) se ocupó del cine americano, y la producción de EE.UU., La invención de Hugo Cabret (Hugo), del cine francés. Pero, ¿qué sentido tiene hacer en 2011 una película con los cánones de 1927? Si nos situamos en la época en que se desarrolla El artista sería como si hoy se intentara reescribir Ulises letra por letra, tarea que ya anticipara Borges con su extraordinario Paul Menard, autor del Quijote. Tal vez para el que emprendiera semejante labor podría cambiarle la vida ¿pero lo sería para la literatura? Esa ficción borgeana, donde se juega con la cuestión del original y la copia, quiso realizarla Gus van Sant al filmar en 1998 una remake de Psicosis (Psycho) repitiendo cuadro por cuadro y en colores la película de Hitchcock. Pero el cine no es literatura y además, desde Kierkegaard, la repetición es con diferencias: a su versión le faltan Anthony Perkins, Janet Leigh, John Gavin, Vera Miles. Seguramente se recordará con cariño a La Invención de Hugo Cabret y a El artista pero no porque hayan logrado un cambio significativo en el cine pese a que dicen que, gracias al 3D, Scorsese pudo realizar tomas imposibles con otra técnica. En ese sentido es más complejo el tema que plantea El artista con la llegada del sonoro. Pero su intento de recrear el espíritu del cine mudo resulta tan naif que el momento crucial en que refleja los sonidos del mundo pasa inadvertido pese a que es la escena más lograda. El cine se negaba a reproducir el ruido de una copa al romperse o la risa desagradable de una mujer o el silencioso vuelo de una pluma. Slavoj Žižek, en el documental Guía perversa del cine (The pervert’s guide to cinema), plantea a partir de la teoría freudiana del deseo y recurriendo al análisis de varios films clásicos, algo radical del sonido y de la voz en relación al cine: con la incorporación del sonido se introdujo la dimensión humana, la estructura ficcional y tragicómica de la experiencia del sujeto. Como ningún otro arte, el cine muestra que ya no se trata de ver cuánto hay de ficción en la realidad sino que, por el contrario, la pregunta es cuánto hay de realidad en la ficción humana.

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de movimientos suspendidos. Y es verdad: El artista es una película muda porque no acude a palabras habladas como modo de expresión. Dice Houellebecq que en la historia del mundo ha habido un arte que estudiaba el movimiento. además de escritor y ensayista. formas y palabras El artista The artist Director: Michel Hazanavicius Intérpretes: Jean Dujardin Bérénice Bejo John Goodman Duración: 100’ País de origen: Francia | Bélgica Año: 2011 S i alguien nos pregunta por El artista. guardan la secreta ilusión de suspender el tiempo. un arte que consiguió desarrollarse durante unos treinta años. Luego desapareció. expresadas en algunas películas de Murnau. de Eisenstein. Sin embargo. aunque se mueve en un plano más abstracto y conceptual) que históricamente han tratado de expresar la experiencia humana a través de representaciones petrificadas. El cine mudo. ¿es una obra de cine mudo? En esta breve nota sostendremos que no: El artista es una película muda pero no es una obra de cine mudo. al mismo tiempo.Oscars »Pablo Sebastián García« Silencio. A veces expresan la suavidad del punto de equilibrio. Ambas. la pintura y la escultura (podría tal vez haber incluido la arquitectura. por el contrario. lo primero que nos viene a la mente es que se trata de una película muda. Sucede que la distinción entre figura y fondo es la base de nuestras representaciones. pero el cine mudo intenta captar. la forma en movimiento. algo así como la explosión congelada. busca un camino de expresión entre la forma y el proceso que la engendra. al parecer para siempre. Houellebecq es un cineasta incipiente. Cuando habla del cine mudo lo hace en el marco de las artes plásticas: hay dos artes. de Dreyer. 2012 abril | mayo Pez dorado 4 . y que entre 1925 y 1930 produjo sus mejores obras. a veces la exasperación violenta.

que era completamente la visión de la pantalla sobre ción era encarar una investigación incapaz de comprender palabras. porque a través de rada de Ulises (Theo Angelopoulos. se nota. Pensemos cómo podríamos percibir ese mundo: el viento sopla entre la hierba (Eisenstein). ella presienten la mirada de 1995). Estas son las imágenes que El mundo. con cambios de teriores). donde un ex soldado y ahora cineasta busca en las fuentes del Sin embargo. porque el conjunto «da un salto». Leí una vez una Imágenes en blanco y de los movimientos del mundo (exnota de Kenzaburo Oé en la que ha. Puede ser música. sino que su mayor ambiblaba de su hijo microcéfalo. es verdad que hay ins. En este sentido. en la puerta de sus casas. pero esos sonidos no son siempre palabras. El papel de la música. moviéndose con la familiaridad de lo cotidiano. De de los sentimientos (interiores) ni hecho no es tan así. como sí lo es reír al escuchar el canto de los pájasus casas. no debe dejar de destacarse lo que para Houellebecq es la última esperanza de amor entre los seres vivos: la maravillosa (y heroica) presencia de un perrito.Oscars rostro (Dreyer). el cine silencio terrible. Expresa su esencia a través mudo no era sólo una investigación de la forma y el movimiento. porque a través de ella presienten la mirada de Apolo. cotidiano. pero atentos a la Balcanes y que aparece en La micámara.Apolo. nacimiento de Apolo para encontrar tantes en el cine mudo en que cualesa primera cinta: unas pocas imágenes en quier palabra es imposible y en que la música blanco y negro. 5 Pez dorado abril | mayo 2012 . el mundo es refractario a las palabras. filmada también en blanco y negro. El artista no es una sin embargo. dice David Lynch. 1905) que se filmó en los sonidos. sin embargo. funciona en un evoca Houellebecq.negro. En este ámbito. El artista es una muy buena película de entretenimiento. ya fa. Ah. dice Houellebecq. Pero es otra cosa. con cambios de luminosidad misma puede volverse pesada y vulgar. en la puerta de obra de cine mudo. y la cual aparecen personajes de las condiciones de la percepción. moviéndose con Las hilanderas (Miltos y Yannakis ros. una lágrima se desliza por un que dificultan la visión de la pantalla sobre la cual aparecen personajes humildes. es «calzar» con la imagen y realzarla. que se parece en algún punto al canto de las aves o al rumor del mar. El mundo nos interpela con la familiaridad de lo Manakis. pero esto sucede porque no concuerda con la imagen. Un cineasta no puede poner música a una escena y esperar que funcione: esa pieza musical puede no tener nada que ver con las imágenes. se hace presente aquello de que «el resultado es mayor que la suma de las partes». Kenzaburo lo veía sonhumildes. Pero cuando calza. pero atentos a la cámara. En todo caso.luminosidad que dificultan llecido. y también carente (casi) de palabras.

Lo hace a través de esta trama que se genera entre George y Peppy. Aunque también se trata de una película hecha para gustar. conoce casualmente a Peppy Miller (Bérenice Bejo).Oscars Siempre fuiste mi espejo quiero decir que para verme tenía que mirarte. que intenta rescatar algo de los orígenes del cine y poner freno a la adrenalina actual. una película «muda» en el auge de los efectos especiales y el 3D que puede transmitir infinidad de sentimientos sólo con imágenes. entre el silencio y el sonido. «felizmente» casado y sin nada (por ahora) de qué preocuparse. El director Michel Hazanavicius intenta así crear (o recrear) una película muda tomando y apoyándose en elementos característicos de los años 20 pero con una mirada situada en la actualidad. Bolero. atrapar al público y generar grandes re2012 abril | mayo Pez dorado 6 . Con el tiempo y mientras la vida amorosa y la carrera de George se dirigen hacia el abismo. de oportunismo o de ambas cosas? Un artista crea algo nuevo e irrepetible tomando indefectiblemente algo anterior. Julio Cortázar »Ana Monsell« Decir sin hablar eorge Valentine (Jean Dujardin). atraer. El artista es una obra placentera. pero podemos intentar descifrar algo de esa incógnita y sumar otras: ¿El estilo es el de los años 20? ¿Se trata de un homenaje. en donde los actores pueden ser lo suficientemente expresivos como para reemplazar las palabras por los movimientos. su admiradora y aspirante a actriz. generando ilusiones y fantasías. instaura ya sea su realidad o la realidad de un modo distinto. un famoso y exitoso galán/actor/estrella del cine mudo. Peppy se convertirá en la gran estrella de las películas sonoras y en su sostén para llegar a aceptar y adaptarse a esta nueva etapa. gesticulando teatralmente para decir sin hablar. Quizás no sepamos con precisión aquello que lo motivó a hacer esta G película. la caída de un cine y el surgimiento de otro.

al El cine se mira a sí mismo en un espejo que lo lenguaje corporal y la expresión facial. europeos. rados del cine. de ese blanco y negro que experimenta angustia y que no puede reflejarse en los espeenamora y en el que nos vemos refle. Otra forma de filmar. hacernos sentir por un acrecentado por no poder escuchar rato parte de ese mundo que no co.Oscars caudaciones. un encuentro entre papor no poder escuchar su Lloyd o de Buster Keaton o ha escusado y futuro.su caída se hace inminente. Los años 20 pertenecieron al cine mudo. se apuesta por una muda». a la refleja en el pasado. futuro a veces cruel con aquellos que quedasegún sus costumbres y su historia personal. ron anclados en el recuerdo. El renacer para algunos y el final comienza a transformarse. Un identificarse. Ayer y hoy. El cine conlleva muchos mundos posibles y el silen. mejor escena justamente es aquella en la que quedando bien con unos y otros. 7 Pez dorado abril | mayo 2012 . avanza.terror ante lo nuevo. de Harold confluencia. abuelos. americanos… ¡y con su propia cuenta bancaria! para el protagonista y para nosotros. Y es Un guión sencillo. lo desconocido. Y en esa imagen siempre está el pierde algo de aquella ilusión. renegar de sus influencias. esa transición entre lo que fue el cine cio de aquellos años posiblemente y lo que iría a ser. El artista reflejarse en los espejos Y deja ver los conflictos que generó de nuestra historia. la película se vuelve imprevistamente sonora. Y en su enforma de actuar. de aquella cine. una de Chaplin. y la fábula del renacipropia voz casi como un chado algo de ellas. Como si Hazanavicius hubiera magia que El artista intenta recuperar. pero también para otros. Sin vampiro que no puede parte de nuestros padres. La pensado en hacer algo distinto. casi naif. otros guiones y una mirada cuentro con el sonoro el cine gana. lo jos Y su caída se hace inminente.George Valentine su propia voz casi como un vampiro nocimos. en mayor o menor medida. jados porque quién no ha visto «una desconocido. Porque son miento está también aquí. entre un pasado atrape a quienes puedan de alguna manera siempre mejor y un futuro lleno de brillo. diferente. otra creatividad y a la imaginación. sorprendente. acrecentado Sin embargo. encandila desde el cuando George Valentine experimenta angusinicio por el sólo hecho de evocar los años dotia y terror ante lo nuevo.

Con la aparición y mejoramiento de nuevos recursos como los videojuegos e Internet entre otros. Algo parecido pasa con el 3D. 1963). Por la complejidad de su proyección se tuvo que esperar hasta mediados de 1930 para que la Metro Goldwyn Mayer lanzara los primeros cortos en 3 dimensiones.Oscars »Germán González Sosa« Hugo. su hijo bas2012 abril | mayo Pez dorado 8 P . pasó sin pena ni gloria pero dejando primitivas joyas de coleccionistas como una versión de Los Pájaros de Alfred Hitchcock (The Birds. en 6. De esos llenos de optimismo y fascinación por un lado y resistencia y conservadurismo por el otro. el color y la pantalla panorámica fueron tecnologías que postergaron su aplicación hasta que los números no le cerraron a la industria y necesitaron refrescarle la cara al cine. Novedad vintage: Como ya todos sabrán (salvo algún que otro despistado o alguien demasiado inocente) el 3D no es cosa nueva. el cine fue perdiendo mucho terreno. a modo de ensayo. 7 u 8 puntos claros y ágiles para el lector. La única certeza que tenemos hoy por hoy es el cambio. De ahí en más. Scorsese y por qué Cameron se equivocó La invención de Hugo Cabret Hugo Director: Martin Scorsese Intérpretes: Ben Kingsley Sacha Baron Cohen Asa Butterfield Cloë Grace Moretz Duración: 126’ País de origen: EE.UU. Año: 2011 osiblemente estemos frente a un momento bisagra en la historia del cine. Cine en crisis: De manera cíclica la historia del cine se repite sin remordimientos. El cine cambió. va a cambiar o está cambiando (nótese que es el escritor el que no tiene tantas certezas) e intentaremos explicitar esta teoría aquí. Ya desde los comienzos mismos del cine se hicieron pruebas acerca de esta «nueva» tecnología que tuvo su primer largometraje oficial en 1922 según la comodísima e improbable Wikipedia. El sonido. Incluso se encuentra en una paradoja edípica en donde el videojuego.

la industria. cinéfilo cargado de variados estímulos para la pero pobre. hiperestimulado en forma y colores. Algunos de gran nivel 3D. La técnica parecía un poco primitiva. pro-indígenas. la industria y que posee el record de revisionismo cinéfilo más allá de la inyección de adrenataquilla en cines: James Cameron. Definitivamente necesario. El lenguaje del ecológica y una especie mutante de western 1 Dato al margen que quizás sea de interés para el lector: Avatar. 9 Pez dorado abril | mayo 2012 . ¿En que se equivocó Cameron?: Todos ganaron. y de terror. La respuesta llegó de la mano de la no tan nueva pero perfeccionada tecnología del 3D. estático. el narcisismo de Cameron se hace cargo sólo de una: de que en un futuro se hablará de Avatar como de un antes y un después en la historia del cine. director de Titanic (1997 ¿y 2012?) Avatar. amenaza con matarlo y completar el incesto con su propia madre. la adaptación del cómic convertido en tanque hollywoodense del momento. del artista. lo llamaron para eso y únicamente así puede entenderse la reinterpretación que hizo de El mago de Oz (The Wizard of Oz. Se nutre de escenarios y cola masividad industrial y la mirada reografías ya vistas anteriormente en personal («artística» si se quiere). inmodificable. El deseo pronto de quien escribe es que logre concretarlo alguna vez y no termine como El milagro secreto (Jorge Luis Borges. subestima supo moverse entre las exigencias de interpretación crítica. se empezó a imponer con algunos estrenos de terror. juega con su atractivo pero es claro que el como la tensión entre la industria codiciosa recurso más importante en el film es la narrapara con la mirada sacra y pura del artista. Eso él lo supo bien. como el Final fantasy IX. Ficciones 1944). por lo menos se asegura film… pero ese capital está vedado a los proser recordado por esto y no tanto ductores (salvo contadas excepciopor trabajos anteriores de mayor canes). Pero de las muchas interpretaciones. Alrededor del 2008. y algunas manera autoconsciente de sólo ser Encima. Inrecurso cinematográfico y darle preponderancluso Cameron ganó su podio en el Olimpo cia en la construcción del sentido sobre el del cine.Oscars tardo –que tomó muchas cualidades narrativas intrínsecas del cine para perfeccionarse–. La película peca de dacional del cine en 3 dimensiones. casi apelaba al cine de atracciones. tuvo que postergar su estreno mundial una semana al ser opacado por el lanzamiento. Cameron no ve un más allá en el interpretación crítica. se recurrió al último En Avatar predomina un lidad. desconocido. faltaba legitimizar el «nuevo» clar alguna otra tecnología cincuentona. Ni El mago de Oz fue la primera película en color. El director lanza un discurso tranquilizaalgunas bastante berretas como la moralina dor. bah. a su vez. Victor Fleming 1939): los personajes viajan a un mundo nuevo. gital mientras simultáneamente él y así como nace Avatar 1 (2010). fue un borrador en el que Cameron experimentó para luego poder filmar su verdadera obsesión que es la adaptación del manga Battle Angel del cual compró los derechos allá por el ochenta y pico. y ción. Industria del cambio: Con el panorama en contra había que tomar medidas que devolvieran la fe en el cine y parar la huída masiva de creyentes. perfecto para filmar la película funcon la mirada sacra y pura Warcraft . y hasta se expresan con citas explícitas como «Ya no están en Kansas señoritas» que se encargó de formular el coronel Miles (Stephen Lang). Algunos de gran nivel al 3D. es como la tensión entre la videojuegos y explotadas de mejor por eso que se volvió el personaje industria codiciosa para forma. Los anteojitos salvaron al cine. Iron man (de Jon Favreau). Por ende. La gente volvió masivamente al cine y se generó una nueva excusa para no quedarse en casa a buscar los Torrents. Cameron tenía en lista de esbastante berretas como la parte del acostumbramiento de la pera hacía ya más de 10 años un film moralina ecológica y una mirada. algo faltaba. pero ambas oficializan la entrada al nuevo mundo cinematográfico. Avatar la rompió. ese mismo día. superó a su hermana mayor Titanic e instauró un nuevo récord de taquilla. mal que mal. que volvió a facturar millones y se adjudicó por lo menos Caballito de Troya: Ya con la mitad del pro10 años más de vida antes de tener que reciblema resuelto. Se probó con un contradictorio motion capture que prometía realismo pero consiguió esquemáticos maniquíes estelares de vacua artificialidad. a la industria. de alguna manera. El protagonista pierde 20 mique no había podido concretar por especie mutante de nutos en pasearnos por el mundo di«falta de tecnología adecuada». ni Avatar la primera en 3D. del GTA4. El problema reside en lo que director autoral ligado fuertemente a aportó realmente Cameron al cine. De a poco. El cargado de variados estímulos para la lina que tanto le andaba faltando. etc. Una humillación terrible que remarcaba el desinterés del espectador por ir a las salas. Es western pro-indígenas. En la el espectador se adaptan a las nuepelícula predomina un revisionismo vas dimensiones.

nunca se va siempre le gustó ver cuentos fílmicos y que depoder salir de él. hay que seguir contando historias con imágenes. La tradición oral. Fue los guiños. conocerá las citas y zar su propia aventura cinematográfica. fantástico. dramas. nada sale de allí (…) el mundo tigo privilegiado del mundo que se devela a su alrededor. Para explicarlo mejor voy a servirme de los dichos de un detractor. técnica y mística al cine. donde la imaginacerrado. La la imaginación no conoce la memoria me es esquiva. ya sea parte de los oradores en imágenes. que sólo el cinéfilo entenderá voraba películas incluso desde antes de empeciertos códigos internos. transforma la sórdida realidad en un Sí es cierto que Hugo transcurre en un mundo lugar atractivo. Es un tesrealidad en un lugar tren. quien le introdujo sueños y pesadillas. abre el debate sobre la influencia del nuevo recurso que tiene en sus manos. lleno de roman. Más allá de no ser una cita textual. y que nadie que no haya sido «initestigo constante y no dejará de serlo aunque cine sigue siendo el mismo. 2012 abril | mayo Pez dorado 10 . ahora visual. ¿Dije riel y que ese mundo cerrado es el cine. el transmitir de generación en generación historias con relevancia social y a la vez un legado. onanismo cinéfilo me quedó grabada. En términos de representación. por ende.Oscars El eterno retorno: Uno de esos legados es el de Georges Méliès. todo pasa en la estación de templación de la historia. Lejos de desligarse de la discusión. las 3 dimensiones son un firulete más con el que puede jugar el cuentista. ya que ces. magia y ciencia. La inHugo? Quise decir Martin. La mirada curiosa e que sostiene algo como que «Hugo Víctima y victimario: Hugo oscila es una película que se encierra sobre entre el protagonismo y la mera con. la idea del mirada curiosa e inocente (y no tanto) los límites del pesimismo. el 3D no aporta nada al sentido como sí lo hicieron el planosecuencia o la profundidad de campo como destacó Bazin en ¿Qué es el cine? (Qu’est-ce que le cinéma?.inocente (y no tanto) transforma la sórdida sí misma. 1958).atractivo. fantástico. donde cinéfilo queda limitado a eso». aventuras y misterios. es una herencia que es necesario conservar. al que de manera aislada y. donde la aventura pasa por un único ción no conoce los límites del pesimismo. mantiene su importancia fundamental en la cultura. Ese hombre con la terpretación del detractor es que el cine nace capacidad de fascinación de un niño.

El incendio. la conjura de los necios: Como dijimos. subraya la importancia del nuevo chiche de la industria. misterioso e incomprensible para el niño. Es decir. dan paso al nacimiento de la tragedia que deviene en aventura. –2. El restaurador: Con la creación de un pasado mítico que comulga con un presente tecnológico. formada a su vez también por pequeños engranajes individuales que al relacionarse entre sí. el espectador ideal. por supuesto. . como por ejemplo: . 2. el director nos cuenta la tragedia del cine perdido. acusa al director de críptico y elitista. Gracias a la profundidad extra. La fascinación del mundo en maquetas y la sensación de profundidad que daban sobre la pantalla plana. Un mundo clausurado. –3. Los destinos entrelazados de manera cronométrica son la excusa para ficcionalizar la historia del cine: el nacimiento de la ilusión de Papá Georges y su 11 Pez dorado abril | mayo 2012 cas) o el despótico reciclaje de químicos. eran de un material inestable y sumamente combustible.Oscars ciado» podrá disfrutar del arte que nació en una estación de tren parisina. El encuentro del autómata en el museo. lo amplía hermanando las artes narrativas y se evidencia en la relación de Hugo e posterior frustración y abandono de su obra. París. –15. que encarna «la importancia artística» que en esos años se le daba al cine. en una estación de tren. en blanco y negro (o pintadas a mano) captando la atención de cinéfilos y no tanto. En una clase de Historia del Cine I hecha cuento. ya sea en explosiones de cinematecas (como la que hizo que se perdiera el 90% del archivo de películas sue- Isabelle. Una secuencia interminable. no pensamos hacerlo. Digamos que París es un mecanismo formado por otros pequeños mecanismos y engranajes. al fin y al cabo. Todo impregnado con un estímulo sorprendente que fomenta el atractivo. –100. Escenarios imposibles pueden ser inventados con exagerada perfección abundantes en geométricas y ambiciosas arquitecturas en donde cada esquina distante tiene su detalle sobresaliente. Scorsese se da el lujo de rescatar y proyectar en un cine 3D películas mudas. en los años primitivos del cine. 100. eterna. . siempre será un poco primitivo. 15. –1><1. nos da la clave de que el material fílmico estaba siendo guardado en el mismo lugar. compacto. los espacios se recorren con mayor virtuosismo en cargados planos secuencia y una multiplicidad de historias pueden desarrollarse simultáneamente. y a su vez. De esta forma. funcionan y hacen funcionar a ese mecanismo mayor. Las vidas de los personajes están relacionadas entre sí por la mística de una ciudad que fomenta sus deseos y pasiones. Nada más alejado de la realidad: Hugo posee un atractivo fantástico para quien se deje llevar por la mirada inocente y comparta el punto de vista del protagonista. y un atractivo dramático para quien ponga una distancia más racional y pueda entretenerse con la tensión y el peligro de los huérfanos a lo Dickens. la trama se desenvuelve en un mismo lugar. Uno de ellos es la estación. Básicamente. Scorsese universaliza y comparte las peripecias del detrás de escena que debieron afrontar los pioneros de la imagen en movimiento. 3. El juego intertextual con la literatura abre ese mundo «cerrado». El cine nunca tiene que dejar de asombrar porque. el resto del mundo responde a un fuera de campo. se pone de manifiesto en macro y micro. tiene fundamentos reales: las películas. Podríamos alegar que responde a una necesidad de la representación pero sólo afirmaríamos la interpretación adjudicando un sentido sintomático y. permite al director tener un mayor control de lo que sucede. El mundo reducido. pero además se toma prestada la imagen de Julio Verne para asociarlo explícitamente con Méliès y así jerarquizarlo.

Por otra parte. La Torre Eiffel planteaba a los desconcertados parisinos un interrogante: ¿era una escultura urbana o una gran arquitectura escultórica para pasear por dentro y poder así tener una nueva percepción de la ciudad? Las primeras edificaciones de Hector Guimard ponían de manifiesto la refinada estética Art Noveau con sus líneas orgánicas y florales en las ornamentadas fachadas y en los etéreos y luminosos espacios interiores de palacios. Hacia fin del siglo. Su talento como mago y creador de mundos le proporcionó la destreza para perfeccionar el invento de los Lumière y buscar todo tipo de trucos ópticos y efectos visuales para dar vida a sus fantásticas historias. El paisaje urbano se llenó de cartelerías de Adolf Mucha. viviendas particulares y edificios públicos. los espectáculos. esa urbe ya tenía la fisonomía de una ciudad moderna: los grandes bulevares y avenidas y los amplios espacios para la recreación y el ocio habían reemplazado en su centro a las tortuosas callejuelas medievales. vidrio y hormigón armado (el material moderno por excelencia) se elevaban desafiando las estéticas tradicionales y académicas. Las ideas higienistas imponían áreas parquizadas. generando una L »Edgar Piñeiro« De inventos e inventores intensa vida nocturna signada por la bohemia. los divertimentos como el cabaret. Alphonse Mucha Jardin de Paris. una red de potabilización del agua corriente y desagües cloacales. Jules Chéret . imponiendo su propio lenguaje. Jules Chéret y Toulouse-Lautrec que anunciaban los nuevos espectáculos y productos de la pujante era de la industria. por supuesto.Oscars a invención de George Méliès: Cuando George Méliès transitó por las calles de París. las obras de Julio Verne. este nuevo recurso no se 2012 abril | mayo Pez dorado 12 JOB. Carteles de Chéret y de Mucha: En este París de fin del siglo XIX. los cafés y el cine… Los grandes espacios de acero. y la fuerza motriz de sus usinas impulsaba el ritmo de la sociedad. Era la metrópolis que se electrificaba. el mago de George Méliès observó en las filmaciones de los hermanos Lumière el potencial innovador de este nuevo recurso tecnológico: ser un demiurgo para una sociedad en busca de novedad. las editoriales de libros vendían con gran aceptación popular libros clásicos ilustrados por Doré y. edificaciones asoleadas y amplias.

13 Pez dorado abril | mayo 2012 .

Estos directores. concientes cámara se acerca en un falso travede las potencialidades descubiertas lling y una cuidadosa superposición por los pioneros (Lumière. La inventiva de Méliès fue del lenguaje cinematográfico establecido hacer que el «actor-Luna» acercara su rostro luego por la Nouvelle Vague.Oscars desprendía de una concepción teatral todavía latente. Con respecto a hacia la cámara y por un corte de montaje René Claire. puesta de manifiesto en las interpretaciones gestuales (por la ausencia de sonido) de los actores y la cámara estática filmando cada escena de la obras. Si era consciente de las limitaciones visuales que 2012 abril | mayo Pez dorado 14 . cada fotograma se representa como dando paso a continuación a otro El París de Hugo. Méliès. toda connotación realista y dando rienda suelta a su imaginación. Entonces. plano. En El viaje a la Luna (1900). y Claire. situado una estampa de cuentos de hadas. fue rodado hombres en la Luna de H. no se puede dejar de comparar el apareciera el proyectil en su ojo. Clément círculo de la blanca cara de la luna. no ajeno a esta concepción. uno de sus más conocidos cortometrajes. y como todos sus filmes. Wells. se muestra es la cuna de una intensa vida creapartimientos (la nave de los explorativa e intelectual y vio surgir una plédores) en un cañón que apunta hacia transfigurado. Otro corte nos muestra el fotograma se representa como Vigo. se muestra transfigurado. Méliès y Feuillade) da la ilusión de que el proyectil se incrustó en dieron el impulso para la renovación moderna ojo del rostro lunar. Méliès hace una libre ofrecían los rollos ortocromáticos al no captar ciertos colores de la realidad. Las imágenes sin medios tonos eran percibidas como si les faltara volumen. En sus filmes. que eran traducidos al blanco intenso o al negro. nos muestra un claustro de científicos debaEl París de Hugo. articuló la narración de sus historias con una sucesión de planos secuencia cuyo corte de montaje permitía al espectador tener la lectura del cambio de la escena denotando la variación de una situación espacial y temporal a otra. G. la como una estampa de cuentos de hadas. Méliès a otros filmes de este formidable director. La historia se orgaLa invención de Martin Scorsese: En más de niza en una sucesión de planos secuencia y una oportunidad Scorsese manifestó su gusto cada uno describe una situación: el primero por el cine de Godard y las películas francesas. Esta pequeña joya de 14 mi- nutos contó con bailarinas del teatro adaptación de la popular novela de Julio municipal del Châtelet y acróbatas del Foliés Verne De la Tierra a la Luna y de Los primeros Bergère. Ubicados a la derecha de poética e irreal de esa ciudad. Renoir. un corte nos guerras. eliminando en su estudio del Theatre Robert-Houdin. situado históricamente entre tiendo sobre el viaje a la Luna. objetos y vestuarios. la escenografía contemplan el disco del plaHugo suscita varias lecturas que se remontan neta Tierra sobre el horizonte selenita. Cocteau. Es notable cómo el movimiento estético del Art Noveau era plasmado en cada fotograma. cada yade de directores innovadores el satélite. donde una serie de mujeres históricamente entre Esta ciudad mágica y fantasmagórica colocan una enorme bala con comguerras. comienzo de Hugo… con su film Bajo los teOtro aspecto lleno de ironía y poesía visual en chos de París cuando la cámara en movieste film se da cuando los astronautas salen miento se sitúa sobre las azoteas de los del torpedo con sus trajes de frac y galera en edificios mostrando una panorámica nocturna. este director lo corregía pintando de gris (a modo de sombreados) todas las escenografías. traslada al observatorio astronómico. el desolado paisaje. acentuando aún más la plasticidad de sus imágenes ornamentales y orgánicas. se pintaba a mano cada elemento de la de la puesta en escena.

bién está la manera en que el director naje. su mujer y su hija adoptiva son piezas fundamentales de un mecanismo vital que gravitará sobre Hugo y su búsqueda. Scorsese pone nuevamente su mirada en los valores que operan en cada personaje y el ambiente en que se desenvuelven. Esto se evidencia cuando se muestrayecto de vida y que los impulsan a su destra. Así se plantea caracteres conplanta su cámara casi siempre desde un ántradictorios pero esenciales en la dramática gulo en el que permite ver en la toma panoráexistencia. sus creencias. El movimiento de sus engranajes es regido por las particularidades de cada individuo. ambi. mujer del perro. inviDe Niro / Joe Pesci. lo histórico tagonista evoca su trágica historia personal.  Este film esboza una meditación sobre el cine que. como el taxista. objetos. movidos por pasiones. a la aceptación de esa ilusión como divertimento y como reflexión de lenguaje común establecido por la imagen. se proyecta el film de los hermanos Lumière y Esta cosmovisión planteada por el director el efecto que produce en los espectadores. a modo de analogía. La metáfora conceptualiza la vida de cada persona como pieza irremplazable. quedó instituido como la fábrica de sueños cuyo consumo masivo conllevó. la vendedora de flores. Tamconvicciones éticas de cada persode campo. Hugo Cabret. como desde su origen. la relojería. La está presente en todos sus filmes: tanto los misma sensación de confusión que operó en policías criados con valores culturales diferenun lejano 1892 se genera en numerosas setes en Los infiltrados. el sonido y el montaje. lo que el cine buscó: recons- truir lo real y provocar la confusión con lo irreal temas de valores que fueron forjados en su e ilusorio.cámara casi siempre desde mentos atmosféricos al salirse del espacio ilusorio de la pantalla. ve su mundo como un exquisito y complejo engranaje y esta visión connota metafóricamente la propia visión de Scorsese. desde su gestación.un ángulo en el que acentuados por una iluminación en ción de unos y la perdición de otros. En Pandillas de Nueva York o en mica la perspectiva del espacio representado Casino se conjugan los perfiles con moral ancon una nítida profundidad de campo. como el policía. permite ver en la toma Scorsese siempre manifestó la inpanorámica la perspectiva donde las figuras humanas aparecen en varias secuencias situadas dentro fluencia que tuvo su formación catódel espacio representado de un espectral borde de luz que dilica a la hora de configurar las con una nítida profundidad buja los contornos de la figura. convicciones morales y sis- George. Papá 15 Pez dorado abril | mayo 2012 . amores. la joven cuencias de este film.Oscars bien en esta película resulta claro su homenaje a los pioneros del cine. producto de la maravillosa fábuscando una respuesta que dé sentido a su brica de sueños y su precioso mecanismo de vida. y lo inventado. tagónica en los papeles que interpretan LeoNo es casual que se remarque el tratamiento nardo Di Caprio / Daniel Day-Lewis y Robert artificial e irreal de la puesta en escena. tando al espectador a aceptar los confusos líEn el film La invención de Hugo Cabret el promites entre lo imaginario y lo real. los efectos de prostituta y su proxeneta en Taxi DriTambién está la manera en tridimensionalidad que nos producen ver. la secuencia en donde tino final. transportes y elecomplicado dispositivo de la vida. por parte del espectador. Otros personajes. Efectos ciones y cuyo destino signa la salva. inserta en un formidable mecanismo de relojería. son las piezas esenciales del que el director planta su los rostros. Aquí el 3D se utiliza como un recurso cargado de significación estética e invita a plantear.

Entonces vale la pena recordar que no hay virginidad al momento de ver una película. Morir en Madrid. Queimada. se ve con (o a través de) todo tipo de prejuicios. Grant Duración: 105’ País de origen: Reino Unido Año: 2011 A ntes que nada quiero contar que me han criticado mucho por mi favorable opinión sobre La dama de hierro (The iron lady). el mismo que unos días antes había echado a los trabajadores de la plaza de Mayo. Los biopics sobre políticos me interesan. cuando me sentía atravesado por Z. porque admiro su cine. Pero llego hasta ahí. su literatura. Como era imposible ser un opositor acérrimo asistí al concierto de rock –hasta ese momento los rockeros eran considerados enemigos internos– en apoyo a los soldados combatientes. Lo más logrado (y que fue lo más criticado) es la concepción y el montaje de ambos mundos. No son nada comparadas con las que recibí en 1982 por mi casi solitaria oposición a la guerra de Malvinas. El planteo de La dama de hierro es el tradicional de las dos facetas de la vida de un político. la pública y la privada. etc.Oscars »Luis Polo« Tras mi manto de prejuicios La dama de hierro The Iron Lady Director: Phyllida Lloyd Intérpretes: Meryl Streep Jim Broadbent Richard E. Desde Malvinas no tengo neutralidad frente a la política de Gran Bretaña sobre las islas (tema de agenda política en el presente) parcialidad que se extiende a cualquier enfrentamiento deportivo entre argentinos e ingleses. La trama parte del presente de Margaret That2012 abril | mayo Pez dorado 16 . más aún si se trata de personajes controvertidos. La guerra de Argelia. desde los conscientes a los inconscientes. Militarmente era un suicidio pelear contra la segunda fuerza militar del mundo (que contaba con el apoyo de EE.UU. su rock. La Patagonia rebelde.) y políticamente era apoyar un desesperado salvoconducto del gobierno militar. Es un legado del cine de los 60 y 70.

2008. En un escalón más bajo se encuentran Che. que generó un revuelo de duras críticas dentro del peronismo. 17 Pez dorado abril | mayo 2012 La caída (Der Untergang. 2008. Mi nombre es Harvey Milk (Milk. sumadas a un rígido control monetario. entre ellas la polémica Ay Juancito. Clint Eastwood). Recomiendo ver La dama de hierro no sólo porque toca parte de nuestra historia. 2006. el argentino (Che. Oliver Hirschbiegel) con una impresionante interpretación de Bruno Ganz. 2011. viuda y con algunos problemas de memoria. lo válido es el recurso ficcional del que se vale Phyllida Lloyd pues resuelve de un modo original la acartonada vida de una mujer y su esposo para nada flemático. 2003. se la ve anciana. part one. . Quedan varias en el tintero. El caimán (Il caimano. Gus van Sant) con Sean Penn. a partir de la mirada de la brigadista roja interpretada por Maya Sansa. Entre los biopics que vi en los últimos años. 2008. y Evita (Evita. en la que surge el fantasma de su esposo. Marco Bellocchio) sobre el secuestro de Aldo Moro. Buenos días. 2004. Walter Salles) con Gael García Bernal y Rodrigo de la Serna. y la reciente J. notte. por lejos su mejor filme en años y con una gran actuación de Leonardo Di Caprio. Jonathan Price y Antonio Banderas. A través de esa fractura. Nanni Moretti) con Bruno Bonomo. compuesto por Roberto Herliztka. noche (Buon giorno. Como ya dije. Tengo la opinión de que muchos biopics políticos reflejan una cierta admiración de los directores y más aún de los actores quienes requieren de cierta empatía para lograr el personaje. Sus fuertes ideas liberales la sostuvieron en medio de las críticas parlamentarias y de las masivas huelgas obreras debido al cierre de las fábricas por su política de privatizaciones que. Steven Soderbergh) con Benicio del Toro. 1996. Este presente con fisuras permitió jugar a su directora con un mundo ficcional y otro histórico.Oscars cher. conformaron un período conocido como Thatcherismo o Reaganomanía. sino fundamentalmente porque por su estructura narrativa tiene un buen lenguaje cinematográfico y eso atraviesa cualquier prejuicio previo. Diarios de motocicleta (2004. Desde los solitarios y modestos comienzos en las tradicionales filas del partido Conservador –ambiente duro en el que se forjó su convicción y su famoso apodo político–. Alan Parker) con Madonna. lo mejor de La dama de hierro está en cómo construye la vida de pareja. en realidad no importa. Lamentablemente para los argentinos la toma de Malvinas fue para Thatchter su gran posibilidad para mejorar su deteriorada imagen política y lograr ser reelecta en 1983. No sé si su matrimonio fue así. allí se destaca el contrapunto entre una «dama de hierro» que es la figura importante –papel por el que Meryl Streep ganó el Oscar a Mejor Actriz Principal de este año– y un esposo con un espíritu de polichinela (impecable papel de Jim Broadbent) que la acompaña desde un segundo plano. Edgar. destaco varios con grandes actuaciones: Il divo (Il divo: la spettacolare vida de Giulio Andreotti. lo que se refleja muy claramente en la película. hasta el momento en que se convirtió en la primer mujer en acceder al cargo de Primer Ministro. Edgar (J. de Héctor Olivera y con guión de José Pablo Feinman. se recorre su vida en un interesante ida y vuelta. Paolo Sorrentino) con Toni Servillo.

Año: 2011 a película comienza con una referencia a Hawaii como una tierra paradisíaca en la que todos sus habitantes deberían ser felices. ya que si bien es muy rico por la herencia familiar. Hay un plazo que vence en 7 años y los posibles compradores son un fondo de Chicago.Oscars »Rosario Salinas« Brancaleone en Hawaii Los descendientes The Descendants Director: Alexander Payne Guión: Alexander Payne Nat Faxon Jim Rash Intérpretes: George Clooney Shailene Woodley Amara Miller Nick Krause Matthew Lillard John Goodman Duración: 115’ País de origen: EE. la crisis personal de Matt. Dos relatos que corren paralelos y se entrecruzan articulan esta película. canchas de golf. Pero Matt se encuentra en una encrucijada. él y su familia viven de sus ingresos como abogado. un rico terrateniente. Matt King (George Cloney) y su familia son los «descendientes» de un banquero y una princesa hawaiana que aunaron sus vidas y sus propiedades. en virtud de una ley que prohíbe la tenencia a perpetuidad de tierras. shoppings. la sustitución de ámbitos naturales por la vulgaridad del lujo. económico. aunque al mismo tiempo. Ahora descubre que 2012 abril | mayo Pez dorado 18 L . casi un antihéroe. un hombre corriente. Un peligro inminente acecha este paraíso. el tema de las tierras. un comprador local. poseen una de las mayores extensiones de terrenos vírgenes que deben ser vendidos. Hay un dilema social. o Don Holitzer. y ahora. de profesión abogado. gracias a sus antepasados. De la noche a la mañana su vida ha cambiado. él era un padre ausente. su mujer está en estado de coma desde hace más de veinte días y la situación parece irreversible. la naturaleza al servicio de una civilización que ilumina y pavimenta. por el otro. Por un lado. en ambos casos las inversiones inmobiliarias convertirán estas tierras vírgenes en resorts.UU. con un mundo propio que giraba alrededor de su trabajo. cultural. es la historia que subyace y se entrelaza con los acontecimientos actuales.

pero están ahí desafiándolo. de asegurar los lazos afectivos. Un último excelentes negocios. Matt decide convocar a los amigos conversación con uno de sus primos. Sus personajes son Matt. que va en madre. carencias. Sus personajes son cer. una isla Se agrega otro elemento a esta tra. Deja de lado tierras y que como Brian es agente inmobiliasus sentimientos y decide buscarlo. deben cerrar heentre lo cómico y lo dramático. El dolor 19 Pez dorado abril | mayo 2012 . esa frontera. primero mujer le era infiel. Parten hacia Kauai. Matt descubre algunos entretelones que nos presenta Payne es humana. Verlos deambular por esas playas. sus dos hijas ellas. Están puestos esperanzada con algo de todos los ingredientes para generar ironía. Ahora todo está claro. uno detrás de otro. teza. descubre que el amante de su que la desconectarán de los aparatos que la mujer es el cuñado de Holitzer. buscar formas de relacionarse con Un cuarteto integrado por Matt. una de 10 y otra de librado. luego las hijas y cerrando la fila Sid. Durante una queribles. sin caer en lo cínico. suplir imperfecciones.Oscars convierte a este antihéroe en un hombre equidebe dedicarse a sus hijas. incobusca de Brian Speer (Matthew Lillard). esperanque seguramente hubiera preferido desconozada con algo de ironía. que rede su mujer para que puedan despedirse –ya side en esa isla. Brian es por el cual estaba dispuesta a dejarlo. homenaje. difuminando ridas y seguir adelante. el municación. Debe aprender cómo se configura agente inmobiliario y amante de la una familia. cercana. 16 años. uno de los inmantienen con vida– y se da cuenta de que versionistas interesados en la compra de sus hay un gran ausente: el amante. la queribles. es una imagen increíble. desolación y al mismo tiempo película se mueve constantemente una inquebrantable fortaleza. hay trisun drama grotesco. un último acto de perdón y reconMatt está paralizado. respira hondo y trata de ciliación: acercarla al hombre que ella amaba y disimularlo. sin embargo.La mirada que nos gedia: Matt se entera de que su presenta Payne es humana. esposa. de aplay Sid –un amigo de la hija mayor– forman una car el dolor por la muerte inminente de su especie de «armada Brancaleone». La mirada En Kauai. darle la rio se ocupará del loteo de los terrenos y hará posibilidad de despedirse de ella.

un bar-restaurant típico hawaiano. playas hermosas y el trópico. dientes». podemos ver tierras. «sus» terrenos. clima cálido. estarán más unidos. descubre que la «ausen. y no proporafrontar una dura realidad haciéndola comcionarle un tratamiento de desintoxicación. esto puede parecer una venganza aunque nadie más consciente de la inutilidad de la venganza como Matt. Matt aprende a sobreponerse en la el dolor y la muerte necesita expresar el dolor a través adversidad. que la mentira. o cuando en Kauai espía el piadamente cuidadas. pero no logran contrarrestar el estado de ánimo de Matt sino todo lo con- a costa de Matt. es alcamisas floreadas. como Sid. con espectáculo en vivo.playas hermosas y camisas unos zapatos que dan la sensación de que le van grandes– a casa de res personas después de esta desgrafloreadas. cuando Alex tuvo un bungalow en que vive Brian. al salir es entonces aferrarse a sus hijas y a sus volver se detiene en un puente. Momento para recordar que no todos este papel de hombre maduro. George Cloney desempeña a la perfección trario. el trado en kilos. El club del ukelele: tres hombres viejos cantando canciones típicas de la región. la hija menor. el film se centra más en el personaje de Matt. clima cálido. prensible. con sus ukeleles y sus camisas hawaianas. unos amigos para interrogarlos cia. de pronto se encuencia» de su mujer de alguna manera va medio de melodías tra corriendo ridículamente –con a hacer que su vida sea mejor. La música es muy estridente. vivir a lo que le está pasando. la solución fue Parecería que sólo con humor se puede enviarla a un colegio internada. Lo esencial del libro –de la escritora hawaiana Kaui Hart Hemmings– está presente. Brian no ganará dinero 2012 abril | mayo Pez dorado 20 . Aunque tanto Scottie.también suceden aquí en de su cuerpo. un poco enson felices en el trópico. La película recibió el Oscar 2012 a la mejor adaptación de guión. dando paso al perdón y a la reconSus tierras también fueron desatendidas. episodio con drogas y alcohol. el amigo de Alex. dolor y la muerte también suceden Momento para recordar En la película nuestro protagonista aquí en medio de melodías pegajoque no todos son felices en necesita de las catarsis para sobresas.Oscars quien gestionará la venta de ciento veinte mil hectáreas de terrenos. ciliación. su vida pegajosas. ¿eso era lo que tenía en mente su mujer? Esta escena se desarrolla en el Tiki man. son personajes más importante en el libro. No venderá. que la mentira. lo que nos permitirá seguir viviendo ahora siente que debe hacer algo para manteaunque el olvido y su potencia purificadora nerlas. y la de sus hijas. guien que no sabe cómo reaccionar. para legarlas a sus propios «descenno nos sean accesibles. Su modo de acerca de con quién lo engañaba su mujer. los tres serán mejo. En el pasado sus hijas no fueron aproque esta llorando.

ser dejadas como herencia de madre a hija) no es por su propia liberación ni por la liberación de la raza con ruptura con la estructura política de EE.UU. Aquí se trata de una historia de mujeres de raza negra cuando ya no son esclavas sino empleadas domésticas.UU. ambientada en Mississippi a comienzos de los 60.UU. El color púrpura y Conduciendo a Miss Daisy. La película. soy importante Historias cruzadas The help Director: Tate Taylor Intérpretes: Emma Stone Viola Davis Octavia Spencer Bryce Dallas Howard Jessica Chastain Duración: 146’ País de origen: EE. El planteo de la historia es muy actual. inteligente y adinerada) que a diferencia de sus amigas ha estudiado en la universidad. Chapeau. amiga de la infancia de la directora– cuyo tema central es uno de los típicos relatos del cine americano: uno de los tantos procesos civilizadores de EE. Su lucha silenciosa en medio de todo tipo de humillaciones (entre ellas. esa es Hollywood. El esquema narrativo es simple y atractivo: Skeeter. una joven blanca (que es linda. Esto sucede con Historias cruzadas (The help) –adaptación de la novela homónima escrita por Kathryn Stockett. soy lista. buena.Oscars »Luis Polo« Soy buena. tragar y reproducir un producto con su marca. el relato de esta película está en serie con la recordada ¿Sabes quién viene a cenar esta noche?. al regre- S 21 Pez dorado abril | mayo 2012 . tal como en esos años ya planteaba el «black power». se centra en el sometimiento de la raza negra a la «nueva esclavitud» a un sistema social diferente –nada menos que a la potencia capitalista por excelencia– que devino adaptación y deseo de ser ciudadano americano. es el de la vida íntima y no el de los asesinatos del Ku Klux Klan reflejado en Mississippi en llamas ni el de las luchas de Malcom X. En ese sentido. sino que es un logro que obtendrán por una postergación o el diferimiento del deseo. Año: 2011 i hay una máquina cultural-industrial capaz de tomar.

cuenta con una excelente amnuevo. hijo con fantaheroína negra que no puede realizar interesante pero lo hace sías de matar al padre. La pérdida del riqueza narrativa: lo negro rar al cine de Spike Lee para verlo en hijo hará que Aibileen tome un camino es lo bueno y lo blanco es el cine. presidente del país. 2012 abril | mayo Pez dorado 22 . pero hubo que espeun accidente y posterior abandono del cuidado del patrón. también los había hijo ha muerto como consecuencia de lo limita y le hace perder en la raza negra. Skeeter). Es cierto. ¿habrá próximamente un presidente de origen latino? Volviendo a Historias cruzadas. o sea típica ese anhelo de superación ya que su con un esquematismo que situación edípica). fidelidad que se sostiene en la identificación a En el mundo de los blancos. esta tarea encierra un plus. reparto. un trabajo circular sin solución de continuidad. son desalmados y/o estúpidos. fundo. pero ¿y si el muy bien Mallick en El árbol de la hijo muere sin vehiculizar ese deseo? Esto es lo que le sucede a Aibileen. moramente simplista. actuaciones. que marcará el rumbo a las bientación y con grandes otras mujeres. en el EEUU prolos emblemas de la cultura del amo. es un goce que aporta una cuota de placer y que el amo terminará por aceptar: su sacrificio tendrá por rédito que alguno de sus hijos lleguen a la universidad y puedan subir el EE. madre sometida. después trabajadores sin derechos. leja: más fidelidad al sistema imposible. tú quien lo ganó como mejor actriz de eres importante». y Octavia Spencer. sobre todo las mujeres. Viola no lo diga) por la frase que inculcaba a sus Davis. La universidad le dio un saber nuevo al amo. un saber que le da conciencia de algo que no maneja y que por ende le produce culpa.UU con su fuerte poderío económico y cultural. una crónica de su sufrimiento. gerentes. A la película no le faltan mérilo malo (a excepción de tos. habían conflictos en esa época. sea la potencia mundial que es sin el sacrificio y los aportes de la raza negra. resulta sumacanas a través del progreso de sus hijos. la El planteo de la película es vida (padre severo con gran autoridad. El trabajo de estas mujeres consiste en educar a los niños blancos quienes de adultos serán sus amos. Pese a esto no quería dejar pasar por El planteo de la película es interesante pero lo alto la limitación del guión en «negro bueno y hace con un esquematismo que lo limita y le blanco malo que por sentir culpa busca ser hace perder riqueza narrativa: lo negro es lo bueno» que impidió a Historias cruzadas ser bueno y lo blanco es lo malo (a excepción de una película memorable. Sin embargo. y por último ciudadanos de pleno derecho. Hoy su lugar lo ocupan los latinos.Oscars sar a su ciudad natal quiere escribir. a efectos de aspiran a ser consideradas ciudadanas ameriestablecer un contraste narrativo. Es impensable que EE. tú eres lista. primero los hizo esclavos –tema central de la Guerra de Secesión–. o sea. pero la visión de los blancos. lo refleja un hijo es un deseo en potencia. tanto es así que dos de Skeeter y en el que se guiará (aunque sus actrices fueron nominadas al Oscar. camino señalado por Skeeter). directores de cine. como mejor actriz. La gran máquina americana del capitalismo los hizo parte esencial de su poderío y también los hizo desear ser parte de ese mecanismo. Desde su lugar de postergación personal ción. amitas blancas: «tú eres buena. profesionales.UU. es cogran peldaño que los saque de una vida miserrecta la visión de la situación de discriminarable. a partir del relato de las criadas.

ambos hablan de frente. Segundo. En realidad. Luego de esta presentación. hay un juez. Por último. se produce algo extraño. pero a su vez. Una voz seca. en estos minutos iniciales. contaminada por conflictos externos. la introducción hacia un tema que será central en la película pero que se verá afectado por la aparición de otras subtramas. La cámara se posiciona desde el punto de vista de la justicia y es la pareja quien mira hacia ella. como si se compusiesen por múltiples capas. es un acto de presión sobre una identidad. al mismo tiempo. el film muestra a los protagonistas Nader y Simin exponer las razones por las que piden un divorcio. están viendo al público. El minucioso trabajo del director Asghar Farhadi obliga a apreciar las escenas en reiteradas ocasiones. mirando la oscuridad interrumpida por las brillantes y fugaces ráfagas de luz del láser de la máquina. Al no verlo. Lo que se exhibe es la historia de una pareja a punto de desaparecer. impaciente y amenazante. se lo escucha. inexistente ante algunos conflictos. lo que primero se ve es una acción pero que. Pero entre nosotros y ellos. se presentan hacia el espectador. Es el conflicto de una familia lo que parece concen- 23 Pez dorado abril | mayo 2012 . mientras que él se ve imposibilitado para hacerlo ya que su padre se encuentra muy enfermo. Uno invisible. que manifiesta la existencia de un estado político y legal intangible. En primer lugar. en esta secuencia se pueden realizar varias consideraciones. recubre un discurso propio. De este modo. exponiendo sus opiniones y obligándolo a que adquiera un rol de jurado. Más allá de ser la copia de un registro. más allá de cualquier poder que esté delante de ellos. la trama parece tener un objetivo dramático claro. se acentúa un poder determinante y final. Estas se verán asfixiadas por parte de un régimen invisible a lo largo del relato.Oscars a secuencia de créditos es ejemplar: alguien abre una fotocopiadora y acomoda los documentos de varias personas. Cada uno de estos papeles se encuentra aplastado. entre ellos los de la pareja protagónica. intimidante. Por ejemplo. Ella pretende viajar al exterior con su hija para encontrarse con sus familiares. L »Luciano Mariconda« Humillados y ofendidos La separación A separation Director: Asghar Farhadi Intérpretes: Peyman Moaadi Leila Hatami Sareh Bayat Shahab Hosseini Sarina Farhad Duración: 123’ País de origen: Irán Año: 2011 Después de esta presentación. Sin embargo. el tratamiento por el cual se expone tanto a los protagonistas como al nudo dramático principal. Hasta cierto punto del film.

luego de esta secuencia. la separación del matrimonio queda suspendida ante la urgencia de otras subtramas. en lo físico pero también en lo el relato permite que la película vaya aumentando su poder dramático. Víctima de un confuso episodio. Por un lado. esto permite la incertidumbre del espectador. Farhadi los explica. ya que deberá esperar hasta la resolución para conocer la verdad. y sin la necesidad de alterar el poder que tiene una imagen. Esta multiplicidad en embargo. La principal característica de estos directores es la ubicación de la cámara por detrás de los personajes. Sin psicológico. juegue con un inesperado suspenso a favor del poder argumental. A partir de este momento. En La separación se usa este estilo de manera parcial. De este modo. los protagonistas realizan un acto que tiene una consecuencia. ya que en su cine la realidad no es manipulada. Lo que se capta y lo que se ve. Por ejemplo.Oscars trar la atención del director. Por el contrario. El movimiento argumental –con sus temas y situaciones– está aliado con el registro estético que el director lleva a cabo con su cámara. pero se observa una pequeña trampa que se contradice con el realismo visualmente expuesto. el estilo propuesto por Farhadi tiene similitudes con el cine de los hermanos Dardenne. también es obligado a ser partícipe de los demás hechos. no se pierde ningún detalle porque el público se abastece de la identidad de cada personaje. cuando Simin arma las valijas para mudarse a la casa de su madre. el director pretende estar ubicado siempre en el lugar preciso para retratar las secretas miradas de cada integrante de la familia. No es casual que la dirección se esfuerce tanto en crear un espectador omnipresente. es llamativa una maniobra del realizador: hay dos hechos centrales en el film que no son mostrados. Es cierto que esto genera la incertidumbre buscada. es notable la forma en que el director utiliza ciertos elementos para mostrar a los personajes en diferentes acciones. será crucial para la vida de los demás personajes. Este hostigamiento funciona como un pasado que atormenta. Más allá de las acciones. Por ejemplo. la repercusión que tiene en su marido y en la hija de ambos. La llegada de una mujer que debe cuidar al padre del protagonista. persiguiéndolos continuamente. Farhadi suministra una tramposa intriga que no se encuentra en los otros realizadores. Recién en el final. Por momentos. no solo son los movimientos de cada personaje. el joven padre de El niño vende a su hijo recién nacido. A diferencia de los Dardenne. una serie de hechos desafortunados. la cámara adopta un estilo similar a lo largo de la película. culpará a Nader de haberla arrojado por las escaleras de su departamento. A partir de este hecho –que es mostrado– la cámara nunca deja de lado las acciones posteriores del personaje. tomar el acto en sí. por el otro. se sumarán para complicar las ya resquebrajadas relaciones. valiéndose del suspenso. Sin embargo. No es casual que se muevan dentro 2012 abril | mayo Pez dorado 24 . Por ejemplo. Es contradictorio que un film que opera siempre en un plano real. el objetivo de la cámara tiene un doble propósito. Y si antes se mencionaba que el espectador debía hacerse cargo de un veredicto en el matrimonio. En su cine. Si bien hay una mirada estática en la primera escena del film. Es interesante observar la forma en que el realizador maneja numerosas temáticas en simultáneo. no se sabe si Nader golpeó a la mujer que cuida a su padre porque el director decide valerse del fuera de campo.

su descripción de un objeto básico y cotidiano. Primero. tan condenable como comprensible. deja de haber personajes para dar paso a los partícipes de un juicio: se advierte en un desfile de acusados. a su todo es expuesto de frente. desde un ambiente. Este mismo recurso es repetido tando de encontrarse una verdad en una realicuando la mujer debe cambiarle la ropa al dad demasiado asfixiante. la totalidad del relato funPor un lado. En este sentido. Así ocurre en una de las primeras escenas. hay una persona que teme contradetir de estos conflictos sobre el estado de las cir las voluntades sociales y religiosas impuescosas. a su vez. el pasillo y las escaleras lo que puede ocurrir en otros casos. por también lo rechaza. se puede espiar otro. El parte argumental y su sorprende. a diferencia de más esta oposición. pero terminan cayendo en la agresión y acusación. De no solo no deja pasar a un personaje. las acciones de todos están limitadas por este mismo aspecto: todos atestiguan. por lo que el rechazo es físico y. incluso en el cine iraní. 25 Pez dorado abril | mayo 2012 . Por otro lado. jueces. Todo parece fluir con una naturalidad que nalidad es más clara. a los gritos. por ejemplo. Es notable cómo la grosamente encuentra la sutileza. el espectador termina formando la tercera parte del proceso: la del jurado.Oscars de una casa llena de ventanas por las que. su color verde acentúa las diferenciona gracias a numerosas piezas que van arcias entre el exterior y el interior. Por el con. no deja descripción de un objeto más habituado a los silencios y los entrever lo que hay dentro del lugar. están caracterizados mediante un no hay una frialdad ni un cálculo excolor gris frío y monótono. Incluso. cómplices. En segundo plano. inocentes y culpables.radica en dos aspectos: su tremo en la puesta en escena. sino que esta forma. claro. la to. propia del sistema iraní. las dos famien cualquier escena de La separación que en lias se verán enfrentadas por el conflicto princitoda Un dios salvaje. puertas y vidrios. un momento clave se sitúa en una puerta. se analizan con detalle. Detrás de ese vidrio director no se vale de una mirada crítica a parahumado. Es interesante como las miradas están siempre enmarcadas a través de ventanas. Es extraño.La fuerza de la secuencia trario. pero sufren su separación. En este film. incluso cálida. Farhadi milacon sus específicas reglas. A su vez. la película –por contenido. al haber en el medio una verdad y una mentira. pal que tiene su resolución en una corte. el padre del protagonista. lo mal que está el mundo y ciertas tetas por su país. La fuerza de la secuencia complejidad– lleva al público a tomar una deciradica en dos aspectos: su parte argumental y sión ética sobre el conflicto. querellantes. dentro del departamento. ya que se ven. Hay más ingenio y claridad A medida que pasan los minutos. cuando la hija –mientras estudia– observa detenidamente los movimientos de su padre intentando acomodar su vida mientras su madre arma las valijas para mudarse. visual. máticas habituales. intentan explicar lo que sucedió. detalles no tan vistosos. trama empieza a derivar en un proceso judicial. travez. Para reforzar mándose una sobre otra pero. básico y cotidiano. entre el movimiento y el grito. vidrio de la puerta. Lo que establece una conexión visual (pero nunca física) entre los protagonistas. testigos. que Tanto los protagonistas como las acciones se ven incluidas en este nuevo orden de denominaciones. Una pero en una película que se basa en la mezcla corte distinta.

Sin embargo.Un certain regard »Laura Malena Kornfeld« Las virtudes del ciclista El niño de la bicicleta Le gamin au vélo Director: Jean-Pierre Dardenne Luc Dardenne Intérpretes: Cécile De France Thomas Doret Jérémie Renier Duración: 87’ País de origen: Bélgica | Francia | Italia Año: 2011 l niño de la bicicleta (2011) es la última película de los hermanos belgas Jean-Pierre y Luc Dardenne. la humillación y el egoísmo. capaz de darle al niño del título contención. amor y respeto. En un mundo sórdido. Dos: tiene una auténtica heroína de la clase trabajadora: Samantha. sensible. el de un barrio proletario. aunque sea fugazmente. en el que predominan la crueldad. si bien fue exhibida en el mismo ciclo del Gaumont en el que se conoció Melancolía. noble. la peluquera. No es una rareza desdeñable. muy cada tanto alguien arriesga un gesto leal. el retaceo total de lugares comunes. el ascetismo de sus diálogos. a menudo lúmpenes. digno o solidario. que quedan en los márgenes del estado de bienestar europeo. Uno: tiene un final casi feliz. dolor y más dolor». A lo largo de los años. sin que pierda ninguna de las virtudes estéticas mayores que caracterizan a sus directores: el consistente minimalismo de la trama. que aún no se estrenó oficialmente en la Argentina. fuerte. entre tanta oscuridad. que brilla como una joya deslumbrante. Ambas rarezas vuelven a esta película más luminosa. los Dardenne han sabido permanecer fieles al ambiente retratado en sus primeros documentales: el de los trabajadores pobres. El ambiente de El niño de la bicicleta es. inteligente. en diciembre pasado. sin demagogias y sin mentiras. la traición. considerando que el muy justo título de la crítica a una de las películas más celebradas de los Dardenne (Rosetta) fue «Dolor. 2012 abril | mayo Pez dorado 26 E . también. Una mujer bella. sin castigos. un par de características la distinguen en el panorama de la cinematografía Dardenne.

de sus afectos o de sus posesiones. sino esa bicicleta. a Cyril la vida se le viene escapado sin rastros. como las mil y una. capándose: se escapa una y otra del orfanato Conocemos a Cyril por medio de una cámara para buscar a su padre y para recuperar su bique se niega a fingir transparencia o pasar cicleta. a su vez. desde el comienzo hasta el fin de la película. sin explicisin demasiada amabilidad. Una vez que nos instalamos en esa incópresión francesa les quatro cents coups. de 1996. en El niño de la bicicleta. significado. aprende a caer y levantarse de nuevo. que se le volverá en contra cuando se aferre a las personas equivocadas. que somete a su bicicleta. esquiva un de un movimiento vertiginoso. curtido. Los escapes frenéticos. desde el inicio de su histoencima mil y una veces. Es como si. fielmente. el personaje de Renier. se narran en El niño de la bicicleta. ques. Es un niño de fidelidades y tozudeces: allí reside el corazón de su inocencia. Nada lo desconocida para evitar que lo devuelsimboliza mejor que la velocidad a la Nada lo simboliza mejor van al orfanato. Los cuatroLa de Cyril es una vida inasible. de una colisión casual: Es que la cámara emula la velocidad frenética él se abraza desesperadamente a esa con que Cyril siente la vida. como somete a su bicicleta. buenos y malos. Casi la misma edad tenía el protagonista de la primera película famosa de los Dardenne. de hecho. Samantha nace. Imrecurrentes: los escapes y las colisiones. das. ahora cluso su objeto más preciado. los marcará a los dos. El niño de la bicicleta hiciera carne la exlugar. El vértigo nos marea y nos tensándose a sí mismo. Por el análisis minucioso que hace en algún momento para comprobar que es la suya. al estilo danés. Igual capa por todos lados: la madre parece haberse que a Antoine Doinel. provocan choAquí el movimiento aporta: forma. huye de Samantha para encarar un desapercibida: está todo el tiempo en medio robo desgraciado desde el inicio. también huye. cámara en mano «dogmática».Un certain regard El niño de la bicicleta se llama Cyril. su hijo. se extiende la película. como buen ciclista ria. que se le escientos golpes. si la vida se le escapa. la bicicleta. la abuela que lo crió se acaba de irse para que es. mejor ocasión. caballo en cuerpo y espíritu.como un jinete unido a su tará mareado con tanto movimiento. entonces. Pero. La relación entre Cyril y punto de vista. tozudo y tiene unos trece años. pero también permite concebir la posibilidad de un final feliz. In27 Pez dorado abril | mayo 2012 . pero de Cyril. terales. a ponernos en su tarlo. tensándola que la velocidad a la que que ella tiene que suspender hasta una a ella y tensándose a sí mismo. La promesa. Igor terminaba escapando de su padre. Allí Igor (el espléndido Jérémie Renier) conducía una motocicleta con la misma desesperación que Cyril su bicicleta. incluyendo decepciones y caílleva a preguntarnos si también él es. se le está yendo de las manos todo el tiempo. Paradojas: en La promesa. entendemos que no solo le importa tener una bicicleta. es fuerte. justamente. justo antes de que la explosión hormonal lo destierre para siempre del paraíso que es (o debería ser) la infancia. siempre. posible no rememorar. ocupado en explotar y estafar inmigrantes pobres. Pero no es una ajuste de cuentas que amenaza terminar mal. su padre huyó del barrio sin avisar. Cyril también vive esadulto. Cyril nunca está seguro. la gran película de Truffaut. Ese impacto-abrazo. Y. En esa dialéctica de huidas y choques Y con ese truco la cámara nos obliga. un jinete unido a su caballo en cuerpo tensándola a ella y Varios otros choques metafóricos y liy espíritu. que se moda perspectiva reconocemos dos motivos podría traducir.

Madeleine. Después. finalmente. contó con el aporte de capitales internacionales que le ayudaron a financiar películas tan colosales como El puente sobre el río Kwai (1957). El fotógrafo del pánico). hizo la primera parte de su carrera en Inglaterra y. cota contra la que debe medirse cada nueva adaptación dickensiana. más pasional. en la que dos personajes casados 2012 abril | mayo Pez dorado 28 E . Su nombre quedó ligado a la superproducción de calidad. cumbre imperecedera del melodrama. está el gran Alfred Hitchcock. dos films han quedado como joyas bellamente buriladas: Oliver Twist (1947). haciendo olvidar aquella primera etapa de dramas domésticos (La vida manda. En segundo lugar. el impersonal Carol Reed (El tercer hombre). Doctor Zhivago (1965). el refinado David Lean. Es papá quien manda).Cine clásico »Oscar Mainieri« Madame Bovary en Irlanda La hija de Ryan Ryan’s daugter Director: David Lean Intérpretes: Robert Mitchum Trevor Howard John Mills Christopher Jones Leo McKern Sarah Miles Duración: 195’ País de origen: EE. tras el éxito de Locura de verano (1955). arbitrario y adorado por Martin Scorsese. Finalmente. La hija de Ryan (1970) y. y ajeno a los avatares de las modas. Año: 1970 l canon del cine inglés clásico está integrado por cuatro nombres. el colorido Michael Powell (Narciso negro. sudor y lágrimas –codirigida junto al dramaturgo Noel Coward– y La barrera del sonido esta última vinculada también con el avance tecnológico en la aviación). alguna comedia (Un espíritu burlón) y dos films relacionados con la guerra (Sangre. Al igual que Hitchcock. A la cabeza. Pasaje a la India (1984). y Breve encuentro (1945).UU. Lawrence de Arabia (1962). ganadoras de Oscars y variados premios internacionales. adaptaciones de Dickens (Oliver Twist y Grandes ilusiones). más sujeto a la experimentación. Apasionada. Breve encuentro. David Lean nació en 1908 y falleció en 1991. De esa primera etapa.

no por un príncipe árabe de nolos pétreos y rústicos acantilados de Irlanda. todos los films tienen en común una gran interrelación entre los personajes y el paisaje que los envuelve e influencia. vela sino por su marido. El más cálido e La hija de Ryan fue ñado física y psicológicamente intenso de los romances tendrá lugar en pensada por Lean y su por su intervención en la Primera la estepa siberiana de Doctor Zhivago. faro moral del film– de las fantasías de Rosie la llevará a casarse con su admirado Charles. daque superará al hombre. Rosie Ryan (Sarah Miles) y Charles –«Rosie» se transformará en «Rose»– tras ser O’Shaughnessy (Robert Mitchum. guionista Robert Bolt una de las películas más taquilleras de como una adaptación muy Pensada por Lean y su guionista todos los tiempos. La hija de Ryan puede ser vían por mar a ser utilizado para desterrar a las leída como el proceso de expulsión de dos fuerzas ocupacionales. la selva de Siam sirve como teatro de otras mujeres y su mente está llena de fantasías románticas derivadas de novelitas como «La amante del rey». La Flaubert. actor fetiche del director. Guerra Mundial. En la segunda. Charles. Rosie se daba el gusto 29 Pez dorado abril | mayo 2012 . ganador del compromiso matrimonial se basa fundamenOscar por esta interpretación) y la del coronel talmente en la satisfacción de la carne. un actor tan rígido como la pierna que pleja y multifacética si las hay. En Pasaje a la India. lo que derivará en una serie de malenhija de Ryan entreverará la trama tendidos y confusiones que casi llevarán del adulterio con los intentos de al conflicto a dos naciones y al autoconocilos revolucionarios irlandeses por recibir un miento a varios personajes. Su padre la ha malcriado llenándola de costosos regalos y llamándola «princesa». En Laoficial británico Randolph Doryan (Christopher wrence de Arabia. en un papel descubierta por Charles y sus vecinos –que a contrapelo de lo que nos tenía habituados). En Locura de verano la bella Venecia hace que una nerviosa solterona de vacaciones (impagable Katharine Hepburn) se permita un romance con fecha de vencimiento con un italiano seductor (Rossano Brazzi). aprovecharán para bajarle los humos– y será son demasiado cosmopolitas y cultos para ser rescatada de la ordalía a la que la someten los asimilados por el poblado que los alberga en pueblerinos. indiferente a la causa nacionalista –plena de complots para expulsar a los ocupantes ingleses–. ejemplo de biografía comJones. pasa los ratos libres leyendo y escuchando a Beethoven en su victrola. La irrealidad –señalada por el padre Collins (Trevor Howard). cargamento de armas que los alemanes les enPor el contrario.Cine clásico viven el embrión de una historia de amor abortado por las restricciones que se imponen ellos mismos y las convenciones sociales de la época. el desierto carga su personaje pero con la apariencia vulcontribuye a crear y vestir a la leyenda nerable de un James Dean). En El puente sobre el río Kwai. Robert Bolt como una adaptación libre de la novela Madame Lean confrontará a la inglesa Adela muy libre de la novela Madame Quested con el caos sensual de ese país. Rosie viste ropas que la diferencian de las tras perder su sombrilla. Al comienzo del film. Bovary de Gustave Bovary de Gustave Flaubert. el maestro del pueblo. lo que hace que su destino sea ser envidiada. Para Saito (Sessue Hayakawa)– confronten y nos eso tendrá que esperar la llegada del joven demuestren la futilidad de toda guerra. El film seguirá el propersonajes que no condicen con el paisaje que ceso de maduración de la protagonista los rodea. des- operaciones para que dos voluntades sesudas cubriendo la noche de bodas que no será él –la del coronel británico Nicholson (Alec Guinquien se las cumpla: la muchacha cree que el ness.

a la vez que sigue los rastros que lo conducirán a la cueva donde hasta hace poco estuvieron los amantes). la espectacular secuencia de la tormenta –rodada in situ. y será él quien ponga en su mano el elemento con el que el mayor se suicidará. la puesta en imágenes de la fantasía de Charles (que ve en su mente a su mujer recorriendo la playa del brazo de Doryan. aquellos mismos críticos que menoscabaron sus virtudes saludaron «el regreso de un gran maestro». para no hablar de la esmerada composición de las imágenes y nos recuerdan la maestría del director para el manejo del color y el montaje.com. Michael es una figura fundamental en el relato. Entonces. hacia el final. catorce años pasaron hasta Pasaje a la India. el flashback que gatilla en Doryan el ritmo hipnótico del golpeteo del pie de Michael (John Mills) sobre la madera en la taberna. la brisa que desflora un diente de león y la amalgama de verdes pasteles y marrones. sin efectos especiales– mientras dad de su puesta en escena. son todas muestras de excelencia fílmica. plena de alusiones a la imagen de las gaviotas en suspensión que encerraba la fantasía de satisfacción para la muchacha. proclive a las metáforas (Lean fue el editor de 40 películas antes de ser director). realizados con bajos presupuestos y espíritu inconformista). La hija de Ryan hoy es reivindicada como una de las muestras más acabadas de la visión de un espíritu romántico y refinado que confiaba en el poder de la imagen y en la inteligencia del espectador para saborearla y degustarla. reflejando grotescamente a los apolíneos Rose y a Doryan alternativamente. TALLER DE LECTURA E INTERPRETACIÓN EL LENGUAJE CINEMATOGRÁFICO Docente: Lic. Infravalorada en el momento de su estreno (fue destrozada por la crítica debido a la fastuosi- presente en la escena de amor entre Rosie y el mayor Doryan en el bosque.ar 2012 abril | mayo Pez dorado 30 . Rosie será capaz de verlo como un igual. cuando el viento le vuela el sombrero y se ve claramente cómo los pueblerinos se han ensañado con su otrora lustrosa cabellera. en un período donde se privilegiaban films para jóvenes como Busco mi destino y Bonnie and Clyde. el tonto del pueblo (John Mills. El roce de las hojas de los árboles. Oscar Mainieri ALFRED HITCHCOCK | STANLEY KUBRICK | INGMAR BERGMAN | WOODY ALLEN | LUCRECIA MARTEL CELIAP (Centro de Lingüística Aplicada) celiap.Cine clásico de despreciar a Michael. La refinada elegancia del estilo Lean se hace los lugareños recogen parte del cargamento desperdigado por los alemanes en el mar. ganador del Oscar por este papel) que sólo mostraba admiración por ella. De hecho. El ataque replegó al director sobre sí. ironías de la vida.

son vidas que se asemejan a millones. con la cabeza en alto viendo una increíble tormenta que se le acerca. Esta existencia. que forman una sociedad. ahora. Sin grandes complicaciones.UU.Ripeando »Luciano Mariconda« Castillos de arena Take Shelter Director: Jeff Nichols Intérpretes: Michael Shannon Jessica Chastain Shea Whigham Katy Mixon Duración: 120’ País de origen: EE. El director corta la escena mostrándolo. Si dos personajes comparten un espacio. será la puesta en escena la que mezcle las diferentes posturas: ciertos momentos de tormenta estarán enmarcados en un ambiente poderosamente soleado. un empleo. Está casado. Pero. Se decide operar mediante estos contrastes porque. tiene una hija. a lo largo del film. de consistencia aceitosa. se interrumpe cuando el protagonista comienza a sufrir una serie de pesadillas y visiones que presagian el Apocalipsis. quieto. hay un fuerte discurso entre lo real y lo ficticio. la lluvia. uno verá un plácido cielo azul mientras que el otro se asustará con su cara opuesta. El pueblo en Take Shelter es la representación de un país entrando de a poco en una crisis. más allá de cada visión. La solución se halla en su refugio subterráneo. dura pero satisfactoria. duchándose. que se le escurre entre los dedos con dificultoso esfuerzo. amigos y el respeto de la comunidad. Año: 2011 urtis posee una buena vida. Estas premoniciones describen una gran tormenta que va a desatar la destrucción y el posterior caos en el orden social. de la cual solo el trabajo C 31 Pez dorado abril | mayo 2012 . Encontramos al protagonista parado. De repente. apacible y trabajador. Una lluvia distinta: anaranjada. Todos pertenecen a un mundo común. Es parte de una sociedad que soluciona sus cotidianos problemas mediante el sudor del trabajo. Y no es casual que la claridad de esta nueva secuencia elimine la impureza y la oscuridad de lo visto antes.

les opuestas. construyendo el insólito necientes a la misma familia pero americana de 2008. duralambres para su mascota hasta el miendo en sus camas. Las pesadillas lo depositan en un mundo hostil. como en la reciente Larry Crowne. mientras. su esposo construye se vuelve a reflotar la idea del autoabastecialgo tan innecesario (aunque para él no lo es. En una interede la sociedad. Todos los habitantes parecen estar situados en un mismo nivel. Nichols contrapone al rior déficit que afectó a buena parte Mientras todos siguen marido con su mujer. la idea es más Y ese refugio no sólo parece estar destinado a radical: la supervivencia se encuentra en la 2012 abril | mayo Pez dorado 32 . Mientras todos siguen arriba. Y después ya adquirirá un de dos aspectos disímiles: lo material y lo container para extender ese refugio para torafectivo. comprará una cerca para su perro. sino Hay una escena que ejemplifica la dipueden ser válidas) es que esta peferencia entre dos personajes pertelícula es una metáfora sobre la crisis también de forma literal. objetivo de ahorrar para unas futuras Y. dad. un universo serva que la esposa vende la ropa un pueblo que debe defender el tra. por eso el elogio de su amigo: «Tienes una buena vida. En claro) como la cerca que aísla a su mascota. A su vez. en sus premoniciones. la reconstrucción de la Como sucede en esta película. mostrando a camas. nes (hay muchas posibles y todas psicológicamente. construyendo el insólito refugio contra fuertes y concretas: desde la débil red de tormentas. Es interesante obsolo psicológicamente. durmiendo en sus sante oposición por montaje. dite. la película de Hanks. Es una comunidad que se admira entre sí. realizará actos que no tendrán sentido Primero.paralelo se construye por que confecciona en su casa con el bajo como último refugio económico. el protagonista comienza a desprenderse.Ripeando determina quién se ajusta al desarrollo y quién a un estancamiento económico y social. Y desde esa superficie. éste le ciones. lo que hay en Curtis es la separación quebrase un brazo. el respeto del otro. el desarrollo. Detrás de estas acluego de que. Murallas que lo protegen de Unas de las múltiples interpretaciodesciende no solo ataques. En Take Shelter. esta aproximación caótica traerá consigo una mirada dual sobre los personajes. Esta comenzó que se encuentran en esferas sociacon la quiebra de bancos y el poste. para el resto de la gente. debajo. la destrucción traerá consigo un descenso económico así como también la desesperanza en el hombre. inexistentes. posiblemente. La realidad –aquella en la que los seres queridos de Curtis pretenden ayudarlo– queda relegada a un segundo plano. sino también de forma servar cómo las paredes se vuelven más literal. Y desde esa superficie. Temiendo por su seguri- alienación bajo tierra. El protagonista empezará a valerse de objetos y herramientas para la seguridad de su familia. Primero de sus pertenencias y luego del mundo que lo rodea. se obmática de forma sutil. miento como solución a la crisis capitalista. Al fin y al cabo. El film trata esta tearriba. la construcción no siemvarias corrientes y asignaturas que permitían pre es sinónimo de progreso. en donde la sociedad lo amenaza. a partir del trabajo.refugio contra tormentas. desciende no nados olvidado en su jardín. Contrariamente al resto. en la cual las sociedad se daba a partir del conocimiento de apariencias engañan. Creo que el mejor cumplido que se le puede hacer a un hombre es ver su vida y decir: ‘ese hombre está haciendo las cosas bien’». Una posible vida post apocalíptica va a instaurar un nuevo rumbo socio-económico. uno que determina. un universo duro material que refuerza su esconparalelo se construye por debajo. vacaciones.

paradójicamente. la comida Castillos que pueden ser poderosos. guien más observa la tempestad entre paredes subterráneas. paradójicamente.Ripeando la protección contra una tormenta. Es notable cómo se presenta ante los ojos del personaje: luego de sufrir ataques paranoicos por sus visiones. En el lugar aparecen componenmismos con los que juegan el padre y su hija tes de extrema necesidad: las camas. Una que denota la existencia de un 33 Pez dorado abril | mayo 2012 .inseguro por las personas de un material débil. un momento de descanso. Mientras se observa una fuerte actitud en su predicción. el insobre el final en una tranquila playa. odoro. Y ese espacio se llena de grimas confirman una batalla perdida. hay una sig. Se derrumba no sólo es inseguro por las personas que se cierra sobre él. Algo que siempre estuvo ahí pero no tuvo injerencias en su vida hasta ese momento. cuando Curtis y su familia comen convencional. Es un personaje luchando contra sus propios fantasmas. Él advierte pero en potencial. Es la pritormenta y esa lluvia aceitosa que cae sobre mera y única vez que se observa una exploatónitas manos. Sobre el final. El es. se tras una de sus visiones. La secuencia demuestra que detrás de él hay una lucha entre creer en sus visiones o unirse al pensamiento negativo del resto de la sociedad. Todos terminan nificación especial. Abre las puertas y entra. están hechos propósito de este objeto. el silencio que brinda ese nuevo hogar parece detener al film de tanta pesadilla. Curtis lleva a cabo que lo habitan. A los gritos aduna cuestión genética. Es una pausa que será un definitivo alivio ante tanto caos. los muebles. las láy bajo la sociedad. al mismo tiempo –y esto es lo más interesante y sutil de la escena– hay una duda en su afirmación. se encuentra subterráneas. La dualidad adquiere la forma de manifestación. A El mundo ya no sólo es pero que en el fondo. Si es real o ficticio. sión. físico o mental. se desgonista está loco o no. Y otra vez las miradas. Se sienta. Este momento es el único que mente no importan. fácilmente al ser vulnerable ante cualque lo habitan. En Take Shelter alcape. Una solución que se encuentra bajo tierra hombre abrumado. enlatada y las máscaras de gas. Esto se puede analizar desde una simple línea de diálogo: «Duerman bien en sus camas. quién puede ver la desvierte que nadie se encuentra preparado para trucción y quién no son asuntos que reallo que vendrá. si el protaen una cena organizada por el pueblo. Curtis lo ve a lo lejos. acercarse. Le otorga a él y al público. Una sensación invade hasta a la puesta en escena: la seguridad. porque si esta tormenta resulta ser verdadera. Los vida paralela. si todo se resume a ata la furia del protagonista. El escape. sino destruyéndose con la mínima brisa.se encuentra entre paredes quier ataque. Nichols no necesita armar un final Justamente. El mundo ya encuentra en peligro. Y su plan luego de quedarse sin aire también por un ambiente esa vida sufrida pero inalterable. la calma. sino también por un ambiente que se cierra sobre él. no lo harán nunca más». elementos que conforman la existencia de una Todos los humanos son castillos de arena. No delante de esa desentona con el resto del relato.

Argentina. no sólo los éxitos de Hollywood eran distribuidos en todo el mundo. Juan Leyrado. Y.com. Fiebre (1970). Esta máquina que revolucionó el tiempo libre y la relación de los espectadores con el cine se llamó «videograbadora» (VCR = Video Cassette Recorder). para mediados de los ochenta. ya formaba una parte esencial de la vida cotidiana de casi todas las familias de clase media. editoras y películas lanzadas se incrementó exponencialmente durante al menos veinte años. con Rodolfo Ranni. A medida que la gente comenzó a tener un acceso cada vez más masivo a este artefacto. Argentina. Betiana Blum. Guillermo Murray y Pedro Laxalt. María Leal. incluso de Argentina. sino que las editoras intentaban. con Ricardo Bauleo. Para ser vendidas en el extranjero. Susana Beltrán y Gloria Prat. La búsqueda (1985). Argentina. De Juan Carlos Desanzo. Argentina. Argentina. Elvia Andreoli.VHS Raro »Cristian Sema« Argentinos por el mundo de RaroVHS. De Emilio Vieyra. De Armando Bo con Isabel Sarli. Atrapadas (1984). De Armando Bo con Carlos Amaury. por ese motivo. La casa de las siete tumbas (1982). Argentina. India (1960). el deseo de alquilar películas creció de tal manera que la cantidad de videoclubes. las películas nacionales pasaban por un proceso de doblaje 2012 abril | mayo Pez dorado 34 A . Camila Perissé. De Armando Bo con Isabel Sarli. Luisina Brando. Juan Leyrado. Ruth de Souza y Moacyr Deriquém. Horacio Priani. Rita Terranova. Favela (1960). Andrea Tenuta. fines de los años setenta se introdujo en los hogares de unos pocos tecnófilos un aparato que. Argentina. Miguel Ángel Solá. Armando Bo. De Pedro Stocki con Soledad Silveyra. De Aníbal Di Salvo con Leonor Benedetto. Mirta Busnelli.ar Sangre de vírgenes (1967). María Rosa Gallo. mediante carátulas llamativas. comercializar producciones de todos los países del mundo. títulos ridículos o datos engañosos.

Mirta género. sino que pasaba con las de todo el Baulex» y Rolo Puente como «Raoul Monroy» mundo. Por ese motivo las 35 Pez dorado abril | mayo 2012 . sino de torRodolfo Ranni y «Andrew Bennett» en lugar de peza de la editora argentina. que cortó la seAndrea Tenuta. que no está en la tulo de la película fue cambiado por La justicia copia distribuida en Argentina por Video Esde Sally sino que fue innecesariamente doblada paña/Magnum Golden Video y sí está preal español ibérico. Asimismo. sobre usarse los originales. cuando en una «transguirlos en inglés. se sustituían los créditos por gresora» y célebre escena. existía la las copias distribuidas en Estados UniBusnelli en «Mirtha Busnel Gill» y. Por ejemplo. muchos de los crédicuencia previa a los créditos iniciales. o en caso de no conseuna cárcel de mujeres. al cambiar el curiosidad mayor puede verse en la película idioma y los nombres de los actores. una genial traducción literal. no sólo el típor la música Heavy Metal. Jesus ron los únicos con identidades altera. orina a Leonor las. (Condemned to Hell . cluye una ridícula charla en la que Tebios. En el mercado norteamericano de cine de Benedetto. Es conocido entre los amantes del cine en la edición italiana de la película de vampiros de terror europeo las modificaciones que sude Emilio Vieyra filmada en Bariloche en 1967 frían los más celebres directores. Por este mente haya sucedido con películas latinoamerimotivo. por Sangre de vírgenes (Il Sangue delle ejemplo. aunque los cualquier nombre que cuenta con una secuencia inicial en la casos abundan y se podría hacer una nota sólo sobre estos ridículos cam. Dicho fragmento se encuentra género. tadores no querían ver films extranjeros sino pero en la griega (de MTC Video) está intacta. Pero bres de los actores también se americanizaban cabe aclarar que esto no es algo que solapara disimular el origen de los mismos.fuese evidentemente latino que se presentan los personajes e inse modificaba. Pero no fuecomo «Anthony Dawson». hechos en Estados Unidos. Una tos eran modificados porque. Rita Te. porque Juan Leyrado se Ricci como «Anthony Richmond» en transforma en «John Leyard». Ricardo Bauleo figura como «Richard canas.VHS Raro películas se doblaban y cualquier nombre que o subtitulado. En la carátula pueden leerse sente al menos en tres ediciones extranjeras.En el mercado norteamericano de cine de Franco como «Jess Franco» y Tonino das.TransWorld Enpelículas se doblaban y La búsqueda de Juan Carlos Desanzo tertainment USA). nombres como «Rudolph Ranni» en lugar de No se trata de un caso de censura.General Video). en suposición de que los dos de sus películas. existía la suposición de que los especcensurado en la versión de Estados Unidos. Y. zamientos extranjeros de películas argentinas para corroborar si hay dirigida por Aníbal Di Salvo en 1984 Por ese motivo las diferencias de metraje.espectadores no querían También es interesante rastrear lanrranova era «Rita Newland» en la edi. Camila Perisse. en el VHS español de Empire nuta confiesa a sus padres su afición Video de La búsqueda. Antonio Margheriti aparecía Vergini .ver films extranjeros sino ción de Estados Unidos de Atrapadas hechos en Estados Unidos. fondos negros o fotogramas fijos de las películuego de una golpiza grupal. pero en muchos casos los nomfuese evidentemente latino se modificaba. no podían nacional Atrapadas de Aníbal Di Salvo.

VHS Raro gunas fueron fieles a la exuberante figura de la y en la japonesa (de VAP Video) las escenas morocha argentina.Isabel Sarli de 1960 ters de cine de terror de la época. es supedel material fílmico nunca fue una durante la década del rada ampliamente por el VHS de prioridad en la Argentina. la sobria gráfica argentina en la que lo más espeluznante es Soleen blanco y negro. en otras los diseños de las sexuales están completas pero los genitales carátulas y cajas fueron innecesariamente enson cubiertos con un efecto de blureado (esta gañosos. Por último. solían utilizarse importante rastrear las copias que ilustraciones llamativas en Condor Video hecho en California circulan en otros países. El ejemplo más notorio es el de la tradición japonesa de censurar los genitales edición italiana de Fiebre titulada Febbre di no es exclusiva de estas cintas. En el cine de a una rubia desnuda entre dos caballos. especialmente durante la década del tal para reconstruir el recorrido de muchas de ochenta. la película Solá en el mejor estilo grindhouse de los pósde la dupla Armando Bo . a las copias que circulan en el país. La preservación motivo. la película rodada en decisivo para que las tica de la foto no corresponde a la Brasil en 1960. por eso es ochenta. nunca aparece y la estées que Favela. sino que se Donna (Eden Video – Italia) que tiene a la cantrata de una práctica llamada bokashi que tante Maddonna en la tapa y en la contratapa afecta también a la pornografía).las tapas de los videos. las políticas al respecto parepriorizar que la imagen se María Rosa Gallo estrangula al persocen estar comenzando a cambiar. Por ese tumbas. sin formar parte de los títulos «canóvas en las tapas de los videos. sin para el mercado latinoamericano: la tapa muestra una ilustración en la que lidad. Por el conde Estados Unidos de Condor Video películas resultaran atractivas en los trario. beza decapitada de Miguel Ángel encontró y restauró India. lo correspondiese con la naje de Soledad Silveyra mientras que se refleja. con la otra mano. por ejemplo. ciones nacionales provenientes de distintas Por último. videoclubes y se alquilasen de terror nacional La casa de las siete mientras que las copias que tienen los canales de televisión locales son era el arte de tapa. versa en las diferentes ediciones. especialmente dad Silveyra semi-desnuda. que estuvo perdida por casi cincuenta años y Sin dudas. sostiene la caMuseo del Cine Pablo Ducrós Hicken película en cuestión. conseguir estos videos de producserá presentada en el Bafici de este año. esa rubia. solían utilizarse ilustraciones llamatiellas que. un factor decisivo para que las pelípartes del planeta no sólo tiene un valor coculas resultaran atractivas en los videoclubes y leccionista/fetichista. en que el que. tuviela imagen se correspondiese con la película en ron una distribución internacional cuestión. sino que también se se alquilasen era el arte de tapa. Si bien en al- 2012 abril | mayo Pez dorado 36 . en el caso de la gótica película titulado Carioca Erótica (Favela). La suerte de «La Coca» Sarli fue didesconocida. sin priorizar que nicos» de la historia del cine argentino. En la actua. y aunArmando Bo e Isabel Sarli una particularidad que el argumento de la película está que se pudo encontrar con respecto relacionado con equinos. Por ese motrata de objetos de un gran interés documentivo. es a color en el video época en que fue filmada. un factor obviamente.

el «punto de quiebre» de las negociaciones… El 37 Pez dorado abril | mayo 2012 N Papá por siempre (1993) que casi casi me tira la teoría abajo. muchas veces hay un ganador y un perdedor. Pero a la vez. Sí señor. Eso no está bien. Acentos poco creíbles. por generar un desagrado más intrínseco que contextual. Sin dudas soy uno de ellos. específicamente. Incluso en algunas ocasiones el diálogo se corta bruscamente y alguien sale corriendo de la habitación. puedo decir que también existen «dealmakers». Hay una situación puntual de la que quiero hablar. Hablamos al mismo tiempo. detalles que las convirtieron en seres abominables dignos de mi mayor desprecio. quizás por la comodidad de lo conocido.En subjetiva Nada es realmente interesante. Robin Williams–. Sí parece ser una buena película. Cualquiera que haya visto El curioso caso de Benjamin Button (2008) sabe de lo que hablo. yo tengo la ventaja. Una situación insalvable es ver personajes que envejecen gracias a la «magia» de gruesas capas de maquillaje sobre el jovial rostro de un entregado actor. haciendo de un mafioso ruso que habla en inglés. Gracias. a mí me gustaría lograr una conciliación. estimado cinéfilo. Antes de ponerlo por escrito me aseguré de no dejar cabos sueltos. que vivió en nuestro Chaco. y organizo la reunión. se lo robé a Liz Lemon. Y el cine nunca fue la excepción: muchas veces se nos dificultó terminar alguna película porque nos ganaron las ansias de discutirla. Mis familiares me han reclamado que cambio de opinión constantemente en mis gustos en general y. Cierto. pero no. Es algo que va más allá de la subjetividad porque es muy probable que un dealbreaker. Y acepté que eso iba a cambiar indefectiblemente con el correr de los años. eso sí. creo. ¡Me regocijé en mi subjetividad! Y quiero ser más específica: en un rapto de sinceridad voy a decir que. se mantenga en el tiempo. se lo robó a Jerry Seinfeld. Y no tengo ningún interés en que aparezca en la pantalla de alguna oscura sala de cine. él me necesita. Fue un alivio. en relación a las películas. lo innegociable es innegociable eternamente. Pero siempre vuelvo al cine a ver sus películas. legendario personaje de la sitcom 30 Rock. Al terminar la sesión. de disuadirnos. quizás por un poco de nostalgia o por la esperanza de ver algo genial. pero sí momentos altos y momentos bajos. Aparece lo que en negocios se conoce como un dealbreaker. Billy Baldwin (1972) término no lo tomé de alguna clase de mediación. Alguien me habló de »Florencia Polo« Un trato roto unca fui de creer en la neutralidad. No es una situación equilibrada. Mi familia es de esas en las que los caracteres distan de fuertes a fuertísimos y las opiniones acompañan a estos seres fielmente. dejé de decir que esta o aquella era «buena» o «mala»: lo único que iba a valer de ahí en más era si me había gustado o no. ¿De dónde nace este rechazo? Sencillamente. hay que decidir. debe tener tantas peculiaridades como yo. seguramente distintas. algo innegociable. Al notar que esto era verdad. Otro. este señor me pone incómoda. PD: luego de escribir lo anterior vi Medianoche en París (2011) y aquí me encontré con la contracara de lo que venía pensando. Casi terminando ¿dejo la sensación de que soy la única persona que se enfrenta a estos dilemas? Aclaro que usted. a menos que sea personal Billy Baldwin Designs. películas consideradas «bastante agradables» me resultaron insoportables por pequeñeces. ¿Algunos ejemplos? No puedo ver una película con Robin Williams. pero la idea de él –aclaro él. Aquí no se me podrá señalar como persona de poca convicción. de padre danés. Puede ser que esté haciendo la misma película desde hace 30 años y que con aburridos resultados haya convertido a una docena de grandes actores en una mala versión de sí mismo. ¿Se acuerdan del acento de Viggo Mortensen en Promesas del Este (2007)? Un señor nacido en New York. Yo paso. que a su vez. . no pocas veces. Woody Allen. vestido de mujer cerca de esos niños pequeños me resulta insoportable. no hay silencios. Veo mi relación con un film como si ambos estuviésemos buscando un acuerdo de partes. pero no.

las la mayoría de sus fuerzas calles de Park City se convirtieron en en dos temas: sexualidad y gramas de salud en EE. pude ver gran parte de las películas. más mundana que celestial. aunque sin escapar de su deber ningún dato como para hacer mucho randezhacia el medio ambiente. con sus casitas de colores y la nieve El siempre político Slavery by Another Name. en algún punto fue una ventaja porque estuve Park City. paseamos por toda la ciulícula no puede dejar de recomendarse. en otras palabras. mi destino terminó denotado en The atomic States of America – siendo una hermosa ciudad en el sur-oeste de sobre crecer en una comunidad de reactores Estados Unidos. auspiciados Göteborg International Film Festival. por mí ¿ ción a la gente sobre el festival. Para mi sorpresa.En subjetiva »Agustina Gálligo Wetzel« Un racconto de Sundance 2012. Ganadora del IngLo más importante de la organización de Sunmar Bergman International Debut Award en el dance somos los Volunteers que. la ciudad lícula italiana Corpo Celeste. los colectivos pesar de seguir con la tradición contemplativa urbanos se convierten en Theater Loops y de los italianos por la religión se destaca por el hacen recorridos con destino a todos los teauso impecable del humor y la simplicidad. El encuentian Theatre. El 2012 vino un asidero de trípodes. mi curemos ver). así fue que. The Marc. antes de venir. tro de Marta con la fe. Escape Fire: The Fight to Rescue en algún punto recuerda al sur de la Argentina. The Egypuna visión más espiritual y artística. y me fue bien. American Healthcare. en esta oportunidad vouz. decir verdad. la transición y la farsa.UU. aunque sin ñadoras y lentes de marco negro Ray escapar de su deber hacia cargado. lidad y religión. Y es divertido. Finding North. que a entera está de fiesta. esta pepor Kenneth Cole. sumamente pintoresca. religiosa como la extraordinaria peeverywhere. las aberraciones en los protardó en hacerse notar: de pronto. El festival empezó el 19 de enero y no Sundance esta vez dispuso cumentales que tocan temas como la miseria. eran nulas. y la esclavitud disfrazada. dad con camperas anaranjadas dando informa2012 abril | mayo Pez dorado 38 . series dodecorando los techos. Redsdonde su «rebelde» espiritualidad se dibuja tone Cinema 8. Yarrow Hotel Cinema.religión. camisitas le. porque aquí es donde vivo desde cerca de las caritas conocidas que todos quehace ya cuatro meses y. sólo tenia que pararme hipsters no le gusta una cita que incluya afuera del Library Theatre a morirme de frío una película del Festival de Sundance? unas buenas horas y asegurarme de que la Este año tuve la suerte de autoinvitarme a gente de prensa tenga sus tickets (esto en gran parte de las proyecciones del festival. Una vez que terminaba mi «ardua» riosidad determinó que en enero estaría siendo tarea podía entrar a la proyección. A bajo. Prospector Square Theatre. en tros de la ciudad: The Eccles Center. volunteer de Sundance. The library Center Theatre. lo único que sabía era que iba a El siempre político Sundance esta vez dispuso trabajar en un renombrado centro de ski y que la mayoría de sus fuerzas en dos temas: sexuael 80% de la población en Utah es mormona.  un poco limitada por los tiempos de mi traMis expectativas para este viaje.  A qué chica con ambiciones un poquito Mi tarea era fácil. con mucho para decir en 10 proyecciones de tonalidad claramente Ban. que nucleares–. hipsters el medio ambiente. Temple.

Love free or die y Keep the Lights on. Un debut bajo la mirada sin precedentes y la inequívoca postura de su protagonista. una película seductora y corrupta sobre quien redefinió la performance artística durante 40 años usando su cuerpo como medio. filmada y coeditada por Alison Klayman. « Marina Abramovic: The Artist is present: primera dirección de Matthew Akers.ar/argentina/RADIOPALERMO_94. de Ira Sachs.cienradios. por ahora… SIEMPRE LIBRE Francisco Abelenda Clara Abelenda FM 94. contento: películas como la chilena Young and Wild. « Ethel: Rory Kennedy se focaliza en los cuentos de juventud de su abuela Ethel Kennedy y las «privacidades y publicidades» de una familia enigmática.com. Esta primera obra de Marialy Rivas (de la que ya se podría decir que es una revolucionaria del cine chileno). Finalmente. Y esto es todo. que da lugar al artista individual como símbolo de la opresión en China y una voz poderosa contra un país que aún le niega la libertad a sus ciudadanos. Mis documentales preferidos de Sundance fueron:  « Ai Wei Wei: Never Sorry: dirigida. música de David Byrne y Sean Penn haciendo de un punk fracasado con una estética bien The Cure. con una visualidad energética y una narrativa muy cool y contemporánea. producida. y pierde. ofrece una mirada muy honesta hacia lo corpóreo y la carnalidad del amor joven y alocado. que no marca diferencias entre la vida y el arte. con su padre como padre ficcional de la protagonista Marion y con Chris Rock « Arbitrage: con Richard Gere. imperdible y reveladora. como: « The end of love: de Mark Webber « VHS: cámara en mano al estilo The Blair Witch Project pero muy terroríficamente freak « The first time: de Jonathan Kasdan. Tim Roth y Susan Sarandon « Bachelorette: con Kirsten Dunst « Celeste and Jesse forever: con Karen.7/home SIEMPRE LIBRE 39 Pez dorado abril | mayo 2012 . un amor de jovencitos « For Ellen: ¡impecable! (de So Yong Kim) « The Surrogate: con John Hawkes y Helen Hunt « About the Pink sky: de Keiichi Kobayashi « Two days in New York: dirigida por Julie Delpy. película premiada por la interpretación Francisca Gavilán en el rol de la cantante.En subjetiva El público gay. pero sin olvidar la humildad. Young and Wild se llevó merecidamente el premio al mejor guión: es una película sumamente divertida y sincera. Es un retrato íntimo y un encuentro con una mujer intrigante. « Reality Bites: de Ben Stiller « An oversimplification of her beauty « This Must be the place: con la genial Frances McDormand. de The office (¡¡Hermosa!!) « For a Good time call…The words: 5 estrellas « Violeta se fue a los cielos: Andres Wood y su mirada sobre la artista chilena Violeta Parra. resulta un retrato de una pareja que da todo por ganar. Se revelan las historias detrás de las revistas de tendencia. « About face: la intimidante mirada desde los lentes de Timothy Greenfield-Sanders acerca de una mujer que redefinió a través de la imagen el sentido de la belleza femenina. « The Queen of Versailles: un estudio fascinante sobre la familia y el American Dream. Y si hay algo que caracteriza a Sundance son las pequeñas historias difíciles de olvidar.7 RADIO PALERMO Martes 21 hs Domingo 12 hs http://www. resultaron imperdibles. con un afán explícito y nada porno de rescatar al cine chileno del machismo. muy parecida a Juno. cada mujer es entrevistada en un estudio y comparten su experiencia. claramente inspirada en el blog de la guionista Camila Gutiérrez Berner.

Además de Carné y Duvivier. El actor Tandil en 1972 en el barrio Ambassador de aquellos años. fue detenido y enviado a Francia donde fue encarcelado en la prisión de Fresnes. Por ser colaboracionista. Luego de tres años en prisión fue teatrales y en el cine. Los españoles que llegaron al país. desistió de participar en el film Les enfants du paradis de Marcel Carné y fue sustituido por Pierre Renoir. manes el país galo. Algunos dicen que sobrevivía mane(1938) de Marcel Carné una vez más junto a jando un taxi. un drama exagerado con Jesuscristo (¡vaya paradoja!) en el film sobrevivía manejando un mucho de propaganda oficial según la Golgotha (1935) de Julien Duvivier. Las poblaciones cordoSantiago Gómez Cou. Al invadir los aley seguirá eternamente condenado. la embajada les Vanel. Comy el suplicio con un final oscuro y cercano a la partió elenco junto a Jean-Louis Barrault. y su colaboración con el bando nazi fue tal que llegó a realizar transmisiones antisemitas por la radio. Madeleine Renaud y francesa no se quiso hacer cargo de su tumba Micheline Presle entre otros. de tendencia fascista. en 1951 llegó a Buedocumental Oro nazi en la Argentina (2004). de gran Duvivier. El rol de Algunos dicen que Zoe Ducós. nos Aires. junto a Juan José Miguez y entre los años 1933 y 1943. Los alemanes. en bajos forzados. Perdió sus derechos civiles su mayoría republicanos. donde vivía a fue en Río Turbio (1954). Charpobreza. taxi. donde vivía a los 72 años destacó en El muelle de las brumas de edad. otros lo recuerdan crónica de la época. de Alejandro en Europa en el decenio comprendido los 72 años de edad. «¡Era demasiado bella del Graf Spee. donde formó parte del numeroso de Rolo Pereyra. Marcel Pagnol y Jean Renoir. otros lo recuerdan conduciendo Gabin. reseña los vínculos de los goelenco de La orquídea. mitió escapar a España. Dos películas menores saltaron a la fama debido a la cacería que se fueron su mínima participación en la cinematoorganizó tras ellos para purgar sus culpas.¿Sabía usted que? Populista Francés. curiosamente su rival político. Wehner. fue condenado a diez años de trala guerra. cobraron notoriedad como ciudadano francés y sus bienes fueron a través de sus actuaciones en los escenarios confiscados. se hizo miembro del Partido 2012 abril | mayo Pez dorado 40 L . Madeleine Renaud y el director Julien das del treinta y del cuarenta. film de Ernesto Arancibiernos de entonces con los nazis y las facilidabia con libreto de Ulyses Petit de Murat: un medes con las que estos contaron para lodrama protagonizado por Laura Hidalgo y establecerse en el país. La muerte lo enjunto a Jean Gabin. en cambio. lo llenó de elogios contró en Tandil en 1972 en el barrio y le abrió las puertas del estrellato. Su vida osciló entre la gloria Abel Gance. Le Vigan su bicicleta por la ciudad mientras el viento fue dirigido por otros grandes directores como hinchaba su capa. durante las décarrault . Finalmente. Luego de recibir varias amenazas de muerte en 1943. La última participación de Le Vigan francés Robert Le Vigan tuvo su cenit El Calvario. El Calvario. puesto en libertad bajo palabra. Fernandel. como para que la amaran sólo por su ¿Y los franceses? Los franceses tamalma!». decía el programa del cine bién tuvieron su paso por nuestro La muerte lo encontró en país con más pena que gloria. lo que le perpertenecientes al partido nacional socialista. Se conduciendo su bicicleta. No obstante los testimonios »John Lake« Sabía usted que… en su favor de sus ex colegas Jean-Louis Baa Argentina fue refugio. Al intentar escapar a Suiza. en el cual una muchacha besas de Villa General Belgrano y La Cumbrerefrena sus impulsos sexuales hasta que se cita fueron vinculadas por un tiempo con parte casa y tiene una hija que le es quitada por el de la tripulación que escapó del hundimiento marido que la abandona. entre ellos el escritor Louis Ferdinand Céline. en el juicio que tuvo lugar en noviemcantidad de europeos que escapaban de bre de 1946. Se refugió en el castillo alemán de Sigmaringen junto a otros colaboracionistas. El grafía hispana.

publicamos una conversación entre los redactores sobre Los juegos del hambre de Gary Ross. algunos todavía miran televisión y con el zapping combinan Volver al futuro con Los puentes de Madison. hay algo que desde hace años nos unifica y hace hablar a todos de las mismas películas: los estrenos de los jueves en Buenos Aires. Sin embargo. para escribir sobre The Grey. la maravillosa película con la fenomenal Jennifer Lawrence. E 41 Pez dorado abril | mayo 2012 . con las que a pesar de todo parece haber disfrutado. lo que nos alegra muchísimo. nos deja ver su inclinación indisimulable por el cine europeo y sus contactos literarios. un ratito cada una. Unos bajan películas. Rosario Salinas. esa gran película. mucho más. Y hay más. Finalmente. En las páginas siguientes Soledad Bianchi intenta destruir a Drive. Francisco Abelenda entendió muy mal las preferencias de Cronenberg por Jung en Un método peligroso y termina haciendo una perturbadora apología del psicoanálisis. dependiendo de su mayor o menor destreza a la hora de ponerse el parche en el ojo. en la que el tono poético conduce al desarrollo de una impresionante fiesta cinéfila. que va en camino de convertirse en la primera actriz «fetiche» de nuestra revista. Germán Sosa se ocupa de J. Y así se hace difícil hablar de cine o pensarlo siquiera en forma colectiva. otros las ven por Cuevana. otra película salvaje de Joe Carnahan. Edgar identificando al inefable director del FBI con el mismísimo Clint Eastwood en una arriesgada asimilación. Y acá estamos pegando cartelitos. Deliverance. Y parece que lo consigue. para perdernos lo menos posible. También se anima a una apología de Peter Capusotto y sus tres dimensiones. El comienzo de este año fue muy rico y esta variedad queda reflejada en la primera sección de nuestra revista. En medio de esta confusión imperante cada uno ve en su casa lo que puede o lo que quiere.Lo nuevo s difícil orientarse entre la maraña de películas que circulan por la web y que se pueden conseguir al módico precio de un clic. para darse una panzada de cinefilia. con la sutil ironía que lo caracteriza. John Lake. Si el «pez dorado» tiene que ser encontrado. Luciano Mariconda rescata esa gran película de John Boorman. se las agarra con una película grandiosa como Caballo de guerra y con La dama de negro. otros siguen yendo al videoclub de la esquina. con su valoración de El mal del sueño. para comenzar a vislumbrar por donde hay que ir para buscar el huidizo «pez dorado». no estaría mal tener algunas coordenadas. porque cada uno sintoniza su propia estación.

Esas imágenes son las que ponen al descubierto a la propia producción de la película. los panorámicos encuadres de 2012 abril | mayo Pez dorado 42 . movimientos sostenidos que comprueban su impasibilidad al volante. calculador y preciso en su forma de conducir. agresividad y algo de nerviosismo en el desencadenamiento furtivo del personaje. escarbadientes que sostiene sin cansancio en su boca. suciedad. son motivadas por la emoción y las buenas imágenes. donde todo se vuelve exagerado. En este momento. alerta.UU Año: 2011 U n hombre sin pasado. mostrando el detrás de escena de otro producto. espanto. casto y conmovedor en su vida cotidiana.Lo nuevo »Soledad Bianchi« El buey solo bien se lame Drive: Acción a máxima velocidad Drive Director: Nicolas Winding Refn Intérpretes: Ryan Gosling Carey Mulligan Ron Perlman Duración: 100’ País de origen: EE. Por eso. sorteando la poca creatividad del guión y el ascetismo en la construcción del personaje. Este arranque es totalmente contrario a su personalidad de buey en su otro trabajo. las escenas que contienen lo que el título promete (no el amplificado por la distribuidora local). misteriosamente sin nombre. Sigiloso. Cuando el director saca a pasear al protagonista en el auto. trabaja como doble de acción. El hombre. esta vez de acción. surgen destellos artísticos como los virtuosos cambios de cámara. misterioso en su mirada. cubierto de símbolos que intentan definirlo: campera blanca con escorpión de sobresaliente tamaño y brillo. En estas secuencias se desarrollan procedimientos exagerados que en Drive se esconden por la sutileza de las imágenes. el director Nicolas Winding Refn muestra  lo que hace con la plata de Hollywood. Sangre fría. Esto último no es buen indicio para un intento de héroe. hasta el momento-homenaje al matafuego de Gaspar Noé en Irreversible. el que realiza con fines delictivos.

rración simple. y su tico. mentirosa. por su fotografía y sus encuadres.Lo nuevo manteniendo todo hecho pasado en secreto. con tendencias noveleras. ante la mirada de ella. a quien nunca había visto. amplios esquemas ya impuestos cuando se desata la violencia perdesde el fin de los géneros conven. barranco de lo espectacular. en la personalidad del esconder los baches que se van uniendo sin buey prospera una sensibilidad de límites inacción.solo parecen justificadas ción. quien consimple. cae en el Hasta aquí. un niño moreno de grandes ojos negros buen gusto se siguen proyectando. a románticas. hace más sospechosa. con pequeñas citas o hechos triviasospechados. perfectos colores. nunca pestañea. se vuelve máticas. 43 Pez dorado abril | mayo 2012 . de la insistente que se encarga de esgrimir su cotidianeidad. ni las imágenes que con hijo. comienza el momento romántico-sentitagonista están tan límpidas como su aspecto. Cosas que pasan. cursis. fiesa tenerlas tan sucias como él. Cuando aparece la vecina de momento de tratar de darle un giro dramádulce mirada. mentirosa. va a ser conductor de competi. porque impone al y le consigue dinero para arreglar un resto de la historia y que personaje acciones que no tienen auto. de estrechar ese profundo beso que El buey también tiene otro trabajo porque impone al quienes gustaron de la excesiva his(otro más) como segundo en un tapersonaje acciones que no toria romántica esperaron con anller mecánico. Pero la curiosidad se desvanece al revelarse que se apagan como lo hace la película al sus debilidades. mental. Y es ahí cuando Drive se hace más sospechosa. pueden símil gato de Sherk.por los golpes bruscos de concordancia con el resto de la historia y que solo parecen justificadas sueño y así llega a estrechar sus efecto que se generan a por los golpes bruscos de efecto manos sucias de motor con las de favor de una narración que se generan a favor de una naBernie (Albert Brooks). luego cionales. de ciudad y de misterio. Pero el ambiente no es de en. donde la película que entusiasmaba no como las de este mafioso de pura cepa. que se vuelven de drasente. Este primer cambio en su preles.Y es ahí cuando Drive se vertida. Gracias a su dueño. Cuando lo aunque la narración remarca que las del prohace. El buey. cayendo en más brusco al final de la película. la presentación del personaje. A partir de ahí. además. que intenta asegurar su futuro con él tienen concordancia con el sias.

por lo tanto. quien gusta de esta quien gusta de esta película. hasta la llegada de ella y su pequeño gato con botas. pero que nunca lo vió pestañear. 2012 abril | mayo Pez dorado 44 . bien tenidos hace que todo. olvidándose de para poner en imágenes la acción (ya sea contar. cuando lo hacen. la comedia. Algo que no se tuvo en cuenta es que el espectador atento había notado que esa mirada fija desvanecía toda posibilidad de vínculo o confianza con alguien.transcurrir de la película. Parece más una burla a de decir esa frase. es película. como Nino (Ron Perlman) el mafioso.Lo nuevo necesidad de gustar. con caligrafía de películas añoradas. parezca forzado. justificación alguna con el tentos a todos. evidencian sin más esta falta de creatividad. En un momento donde de la película. Evilas diferentes posibilidades de narradores. judío. Las notas de color. La ironía se hace presente cuando su socio. bien lamido. rada no resiste en la posición rígida antes cuenta haber sido director de cine y haber mostrada. como ya anticipaban esos títulos de rosa gastado. o denciar todo para provocar. incluso desde antes Parece más una burla a en cuenta. hasta del poperos ya sea desde el montaje como lo in. los románticos y los intentan algunas películas al explotar teresados por las citas cinematográficas. de gran Se habla poco y. la copia de recursos que el espectador hace concientes para emocionarse. acercándose a otro género no experimentado hasta el momento por la película. solo para gustar. dejando de lado para encontrar el lugar aún más interesante la forma. de gran entusiasmo estético pero de una napara dar explicaciones que quitan el entusiasmo estético pero rración que se vuelve ausente de goce de la propia percepción de las de una narración que se justificación alguna con el transcurrir imágenes. cuando su mi- El harto homenaje. la propia estética. ochentosos. «europea». De eso se trata la historia de este para cubrirla o ejercitarla). En una charla entre el dueño del taller y su vecina (en la que el protagonista deja de estar en cámara) su único allegado y jefe afirma que el conductor es un buen tipo. Drive busca dejar conestaría bueno desafiar el posmoder. desvirtúa lo gracioso al destacar este intento de genialidad una y otra vez. desde los amantes de los autos. Bernie. El mismo hecho de remarcarlo con hecho productos malos pero con estética palabras y luego con constantes planos corconsiderada por los críticos como tos que se obsesionan con la mirada. desmotivan el inicio del 2012. Drive sigue repibuey. dueño de una pizzería en un intento por ser italiano. tiendo los movimientos.vuelve ausente de nismo con nuevas figuras de relato. Los símbolos que no se muestran se sobreexponen en pantalla.

apodado Joey. El campeón (The Champ). más mesurado. supo mantener un cierto equilibrio. Año: 2011 as películas en las que se da la combinatoria de niños-adolescentes-caballos suelen presentar algunas de las siguientes características: hermosas cabalgatas en praderas cubiertas de verdor bajo cielos gualdos cuando cae el sol. Las primeras imágenes de Caballo de guerra muestran. el director de War Horse. De allí en más comenzarán las andanzas y penurias de Joey en el quinquenio 1913-1918. Pero no.Lo nuevo »John Lake« Equinos todo terreno Caballo de guerra War Horse Director: Steven Spielberg Intérpretes: Jeremy Irving Peter Mullan Emily Watson Duración: 146’ País de origen: EE. a través de una panorámica. un paisaje con elevaciones donde el viento sacude los pastos crecidos en un día diáfano. Steven Spielberg. el joven padecerá una gran soledad. camina por la cornisa y a veces sucumbe a la tentación. de Franco Zeffirelli. Un adolescente inglés llamado Albert lo amansa y le enseña el duro trabajo de cargar el arado. El verano del potro. nuevamente alemanes para finalmente retornar a las manos del joven inglés que lo crió.UU. franceses. el protagonista. a menudo afloran los sentimientos. se desencadena alguna desgracia o conflicto que produce un nudo en la garganta de los espectadores seguido de un torrente de lágrimas. pero cuando su padre lo vende al ejército inglés por necesidades económicas. La audiencia presiente que en cualquier momento aparecerá Julie Andrews para entonar The sound of music. Joey cambia varias veces de dueño: alemanes. fue un fiel ejemplo del descontrol y manipulación de los sentimientos del público. la cámara se dirige hacia una yegua que está pariendo un potrillo. Ya en plena contienda mundial. el caballo es sometido L 45 Pez dorado abril | mayo 2012 . jóvenes protagonistas que se encariñan en demasía de los corceles. Durante la guerra.

pero consciente de que se hizo justicia. frido. Se ve que lo dominai». Filmadas con los tia o bien el hogar de los Weasley. El público aplaude luego de haber suzan ambas formas. un híbrido. gico y contrastan con el realismo de cede a los convencionalismos. habla un inglés afecjoven a su terruño junto al caballo. Da En el desenlace. habla un invuelven a caminar y los ciegos recuperan la glés perfecto sin ninguna deformación. como en el multiestelar film de Anthony Asquith El Rolls Royce amarillo (1964): el vehículo. Albert supera la ceguera para abrazar a adaptaciones lingüísticas se asemejan a las papi y mami bajo un crepúsculo más dorado de los directores teatrales argentinos cuando que la última puesta de Aída que realizó Zeffideben enfrentar a un autor clásico no se derelli en la Scala de Milán. finalizaba como transporte de heridos en una de las guerras mundiales. Sufre. Para destrabar a Joey de sus ataduras. e incluso termina enredado en alambres de púas en medio de trincheras. se ve que sabí inglés. El final feliz satisface ciden por el «vosotros» o el «voceo» y utilia todos. Acarrea ambulancias. Tales vista. Sin embargo. Spielberg cede a los las escenas bélicas. es que el generoso presupuesto con el que contó (que incluyó hasta a un entrenador ni compasión como el alazán de Spielberg. el mueve al espectador: el reencuentro actor galo que personifica al abuelo inmediato conmueve al de Joey con su primer amo (momenen el capítulo francés de las desven. salvo un «grand-père». luego de ser patrimonio de magnates y gángsteres. paso a las emociones convencionalismos. Joey lucha y suda mientras arrastra cañones en terrenos fangosos. ¡oh casualidad!. táneamente ciego) y el retorno del turas de Joey. antaño. Por otra parte. En conclusión. Spielberg rias son una magnífica recreación viparecen surgidas de un cuento másual. son frecuentes los encuentros caballerescos que tienen lugar entre trincheras rivales. pero no mucho más que el burro Baltasar en Au hasard Balthazar de Robert Bresson. mientras que su nieta. Así como tado. Niels Arestrup. las secuencias multitudinarecargadas y en exceso coloridas. Baltasar no despertaba piedad Mundial. sumadas a algún emociones fáciles. domina a la perfección la lengua de Shakespeare. la protagonista de La Bella y la besrentiis o de Samuel Goldwyn. las escenas bélicas como así La granja y la aldea inglesa como así también también las concentraciones en los pueblos la «ferme» francesa tienen un aire a la casa son dignas de una producción de Dino de Laude Bella. un soldado inglés se tropieza con uno alemán que. supuestamente en las telenovelas vespertinas las paralíticas francesa. Artificiosas. En la filmografía que recrea la Primera Guerra 2012 abril | mayo Pez dorado 46 . la familia mismos recursos de las películas de amiga de Harry Potter.espectador. Se suscita entonces un diálogo digno de la chacarera Pateando sapos: — «–Hola negro. El de gansos) no fue malgastado en efectos esascetismo de Bresson no permitía exteriorizar peciales surgidos de las computadoras: no eslas impresiones del alma. catimó en extras. sumadas a algún película al ser hablada en su totaligolpe bajo que de golpe bajo que de inmediato condad en inglés.Lo nuevo a todo tipo de esfuerzos. En el desenlace. Si hay algo que hay que agradecerle a Spielberg. Da paso a las existen ciertas ambigüedades en la fáciles. transporta raudamente soldados fugitivos. ¿pande vai? / —Me vua ir pa James Craik / —Che que bien que lo pronunciai.

Lo nuevo 47 Pez dorado abril | mayo 2012 .

Un momento fecundo en el que las singularidades 2012 abril | mayo Pez dorado 48 . la interpretación de los sueños y la psicopatología de la vida cotidiana. Sigmund Freud a C. El siglo XX se inicia con grandes invenciones y la teoría freudiana es uno de ellos. secretos inconfesables y relaciones cruzadas. Sus primeros escritos. una etapa importantísima en la constitución de los cimientos del psicoanálisis freudiano.Lo nuevo Si supieran que les traemos la peste. alguien colocaría una placa con la leyenda «En esta casa. en esa casa. Esto muestra que Freud era perfectamente consciente de cuánto revolucionaría a la sociedad –casi como una mutación metafísica– su teoría sobre el origen sexual de las neurosis. Mientras se desarrollaban los cimientos de esta nueva «ciencia» (como hubiera querido Freud que la consideraran) la sociedad mundial se mostraba entre curiosa y escandalizada por las revelaciones del pulcro médico vienés. el 24 de julio de 1895.. Jung llegando al puerto de New York »Francisco Abelenda« La peste Un método peligroso A dangerous method Director: David Cronenberg Intérpretes: Keira Knightley Michael Fassbender Viggo Mortensen Duración: 99’ País de origen: Alemania | Canadá | Reino Unido Año: 2011 D esde sus inicios. la historia del psicoanálisis estuvo signada por episodios truculentos de sexo. que por un lado eran comprados y leídos por todo el mundo. le fue revelado al doctor Sigmund Freud el secreto de los sueños». Freud escribe a un amigo una memorable carta desde su lugar de veraneo. Es que Freud desde sus primeras publicaciones puso el acento en descubrimientos que necesariamente generarían un gran impacto en una sociedad acostumbrada a esconder bajo la alfombra todo lo que contradijera la moral puritana de la época. El cineasta canadiense David Cronenberg lleva al cine. en Un método peligroso. G. diciéndole que algún día.. por el otro ocasionaron un rechazo casi generalizado en la conservadora «comunidad médica».

por supuesto. casi de clase B. Pacto de amor (Dead Ringers. pero mirados con cierto recelo por la sociedad médica europea. Carl Gustav Jung. M. mezclánlas películas bizarras. para llegar al clímax sexual. siniestra. una «no-judío» para que no se considerara a su «ciencia» una internacional sionista o algo similar. Además. texto casi olvidado sobre las conse. y Spider. Y Freud necesitaba imperiosamente un sus genes con una mosca vulgar.deformaciones y de qué manera la anatomía los protagonistas deben mutilarse manos.constituye un destino inexorable para los seres Butterfly. algo sorprendida. La pandilla de Freud estaba formada por médicos un tanto marginales. 1991) la sexualidad se vuelve directamente extraña y deforme. le sigue el ritmo sin desfallecer y sin necesidad de fusionar sus cromosomas con ningún insecto. esa línea: Crash. mujer con una deformidad física en sus órganos genitales. paralelamente. en la que el experimento es ir Jeff Goldblum) que acaba de intercambiar 49 Pez dorado abril | mayo 2012 . inadecuado. 1986) que darse cuenta nunca de que no se trata de una inicia su exploración. sin Es con La mosca (The Fly. 1988) lo sexual se vuelve todavía más bizarro y la angustia. En geisha. el prototipo de lo que el antisemitismo que comenzaba a ensombrecer Europa consideraría el perfecto ejemplar ario. impropio. En Festín desnudo (Naked Lunch. Uno de ellos. como dose intrincadamente con el uniRabid (1977) o la terrorífica Scanners (1981). en la que un hombre tiene cuencias psíquicas de la diferencia una gozosa y tormentosa relación anatómica de los sexos. sus mutaciones. ¿Quién mejor que este joven brillante para darle legitimidad a ese grupo de «indeseables»? Sin embargo esto no se lograría sin consecuencias. con máquinas de ria coherencia. era un prestigioso y joven médico protestante suizo. como señala Freud en su en accidentes automovilísticos. Sexo con insectos. que han mantenido siempre una extraordinaextraño). Desde la primera época con escribir que hablan y dan órdenes. destino inexorable para los seres hu. deformaciones y de qué cuerpos. casi todos eran judíos. una fría película en manera la anatomía constituye un la que. cada uno de ellos con particularidades muy interesantes. de la sexualidad «anormal». En su siguiente film. alienígena: no en el sentido de extra-planetaria sino en el sentido La sexualidad alienígena que encierra la palabra latina alienus (ajeno. sus la confluencia de los Las siguientes obras continúan en mutaciones. va ocupando un lugar creciente en la vida de esos dos médicos geniales (Jeremy Irons interpretando a dos gemelos idénticos) y su relación –sexual– con una de sus pacientes. Cronenberg es uno de los pocos cineastas que pertenece a otro. al comienzo algo tímida mujer sino de otro hombre disfrazado de y disimulada. ha explorado la conCronenberg ha explorado verso fabuloso de William Burroughs. humanos. un hombre anatómicamente comesa película un científico (interpretado por pleto. un útero bicorne al que sus amantes podían acceder mediante un instrumental inventado por ellos mismos. fluencia de los cuerpos. de muchos años con su amante. tiene jornadas interminables de sexo desaforado con su bellísima novia (Geena Davis) que.Lo nuevo de los precursores jugaron un rol fundamental en la conformación del mito sobre la figura de Freud y sus seguidores.

Este impulso. la pulsión sexual. y el sadomasoquismo con el que se conectan La sexualidad inconsciente está expresado por Cronenberg con la misma Basta con leer a Dostoievski –anterior a naturalidad con la que mostraría un beso o Freud– para advertir que la idea del inconsuna caricia. a quien el método de Freud logró curar (como a tantas mujeres de la época) de la más grave de las histerias y relatar. con la intención de que su descubrinada de miles y miles que intuían que la solumiento e invento perdurasen. como la del psicoanálisis. dio lugar a la implementación del método de la cura por la palabra y daría paso a una fogosa relación entre paciente y médico. Freud. el psicoanálisis y más allá de nuestra consciencia (y a veces de sus pasiones. Ferenczi fue amante sivoluntad. la un impulso vital más viaje en barco a Estados Unidos.Lo nuevo hacia donde nunca se había ido. estableció una ción a sus pesares (o los de sus hijos) estaba férrea disciplina sobre la cuestión y jamás relacionada con esta cuestión que Borges llapermitió que estas tendencias florecieran. evidentemente el más lúcido de todos pero a la vez fascinación y la consulta resigellos. Sabina Spielrein. Y que lo que poderoso que cualquier ron alegres animadores de la tenhabía allí era siniestro. recorría Europa. que pondría en riesgo toda la estructura sobre la que estaba construida la vida y las relaciones de Jung. Un método peligroso narra coanalítica Internacional. Y raba un éxito. rienda suelta a lo que impulsa la un impulso vital más poderoso que transferencia que nace entre pacualquier otra fuerza y que cualquier ciente y psicoanalista. la esquizofrenia y la extrañísima sexualidad embrionaria que puede sobrevenir en un personaje al que sabiamente llama «Araña». fuemanera de llegar a él. por supuesto que esto iba a causar rechazo. ¿Cuál era entonces la novedad película propiciando la cura por el de lo que venía a contarle al mundo? sexo libre. contenidas. mantuvo a raya dentro de la Asociación PsiComo decíamos. un grave peligro. en un momento en el que su fama. podemos leer nuestra voluntad) era conocida y aceptada sobre casos similares entre los pioneros de para la época en que Freud comienza a elaboesta corriente. además. y un tímido Sandor FeLa noticia fue que había hallado la Un espanto dominado por renczi. Las maría «la cara obscena de la ciencia ficción». violentas. Otto Gross. cruzado por la mirada de Freud. y su maestro. llante pero completamente perturbada por su enfermedad nerviosa– con Carl Gustav Jung. la causa de todos los pacomo parte de un tratamiento que él considedecimientos de sus pacientes neuróticos. siempre. es multáneamente de una paciente y de su hija. a los límites de la locura. ciente como una fuerza que nos hace mover En el libro Partes de guerra. siempre espantoso. los avatares de esta relación y las tensiones que produjo en el naciente movimiento psicoanalítico. de John Forrester. al que vemos en la escena del vía regia de acceso al inconsciente. que se vio obligado el encuentro entre una chica rusa –bella y bri2012 abril | mayo Pez dorado 50 . Por todo esto no sorprende que Cronenberg elija contar la historia de la relación entre Jung y una paciente suya. Un espanto dominado por otra fuerza y que cualquier dencia –abortada por Freud– de dar voluntad. La tormentosa relación que se inicia y las sesiones de sexo entre Jung y Sabina Spielrein son extrañas. que aparece en la rar sus teorías. para Freud. Este encuentro.

La sexualidad olvidada En la actualidad el psicoanálisis sufre el embate de algunos pensadores europeos que lo consideran nefasto y reivindican las terapias breves para resolver problemas puntuales de la vida cotidiana. Ferenczi y Otto Gross murieron jóvenes. en un momento clave de la película. 54 11 4875 7670 Buenos Aires . sistémicas. pululan y dejan al psicoanálisis en un lugar de cierta marginalidad de la que nunca consiguió salir del todo. lo han vaciado de todo lo que tenía de inquietante en relación a la sexualidad para convertirlo nada más que en el relato de una infancia en la que un chiquillo rivaliza con su padre por el amor de su madre. Incluso fue publicado un «libro negro». a generar el rechazo que profetizó su creador. domesticarla e incluso usarla para películas risueñas de algún neurótico neoyorquino que por el momento sigue apasionando a la «psicoanalizada» sociedad argentina. algunas vertientes actuales del psicoanálisis. Las terapias cognitivas. por el contrario. Si no es del todo así en Estados Unidos es sólo porque la bestia capitalista norteamericana supo tragarse la peste que Freud les llevó. muchos años después. Jung se separó del psicoanálisis en medio de ensoñaciones místicas y fue famoso hasta su muerte. La Paragráfica Librería de Arte y Diseño Av. junto a la medicación como camino posible para tratar las enfermedades mentales. Sin embargo siempre hubo psicoanalistas que mantuvieron la impronta perturbadora que rescata Cronenberg y de este modo. Cronenberg. el psicoanálisis va a continuar generando el mismo rechazo». Córdoba 1785 locales 4. Freud continuó con el mismo tesón hasta hacer posible que su teoría se extendiera a todo el mundo.Argentina 51 Pez dorado abril | mayo 2012 . La película rescata esta vertiente «subversiva» y «peligrosa» del método freudiano. una y otra vez. hace decir a Freud una frase que nos lo advierte: «dentro de cien años. esta teoría vuelve.Lo nuevo a crear para evitar el «psicoanálisis salvaje». conductuales. 5 y 6 Tel. que relata los supuestos horrores que habría generado esta práctica terapéutica en sus cien años de historia. como el del comunismo y el del peronismo.

como lo hace con la mayoría de los personajes en J. de género cinematográfico. Degeneró J. Creo. Año: 2011 B orges decía que todo dato referido a una persona sirve como biografía. Entonces se inventa un final ideal. Para tratar de no caer en demasiadas imprecisiones. resulta ser más fatigoso y deformante. su cine le devuelve una imagen ideal. sino también qué leyó. No sólo dónde nació. Por suerte. o por lo menos. El conflicto con su imagen devenida se vuelve un trauma escondido en sus películas. Cómo Eastwood reconstruye cinematográficamente la imagen de uno de los capos de la CIA habla más del veterano director que del proto-fascista denostado. pero la realidad o.UU. Edgar es entonces una de esas biografías particulares. repasemos al azar dos películas anteriores del director: Gran Torino (2008) y Más allá de la vida (2010). Edgard. o sí de Hoover. construyen una idea de ella. En retrospectiva. mejor dicho. estudió o vivió. Hubiese sido tristísimo que el personaje falleciera de una infección respiratoria o una aneurisma. el presente. de juventud. En la primera nos sentamos a ver la muerte del actor y la degeneración del autor. significativo. escribió y las mujeres que tuvo hablan de la persona. ya de viejo. no sin cierta épica y sacrificio personal que llene de sentido la pérdida. Pero no sólo deja atrás su cuerpo físico sino que se lleva 2012 abril | mayo Pez dorado 52 . pero también de Clint Eastwood. Comienza con su desaparición física y luego se evidencia con el deterioramiento de sus protagonistas. Edgar Director: Clint Eastwood Intérpretes: Leonardo Di Caprio Armie Hammer Naomi Watts Duración: 137’ País de origen: EE. No sobre Hoover como cree uno al entrar al cine. J.Lo nuevo »Germán González Sosa« De género. es ahí cuando empieza un conflicto de Eastwood con la edad.

Al parecer. Se lleva también a la tumba el legado fordiano (recuerdo una nota de Raro VHS en donde destacaba la condición de «ex-empleado de Ford» de Eastwoood en Gran Torino. fabulador y paranoico. (tómese la «amenaza roja» comentarios negativos y devoluciones tediosas. reprimido. asfixiante en la interpretación. obsesionado por un viejo auto que el tiempo convirtió en clásico. La metafí. Se desata un violencia reprimida que el persoveinte minutos de película. símbolos de barre con todo en los primeros paranoico. Eastwood retoma la historia de Norman Bates. De esa juego de espejos en donde naje ejerce para consigo y los drástica y catastrófica limpieza queda un espacio vacío en donde se la propia imagen se vuelve demás. refleja en una sociedad cula hemos podido zafar de en este caso. le da forma en imáge- nes al nacimiento de la psicosis arraigada en inexistente que agrava la soledad) dándole la cultura y política estadounidense. sin dejar el patriotismo de lado y a chers. ron la biografía convertida en autodesde la puesta en escena barroca. que su padre putativo tiona la viciada mirada conservadora repuinsinuó en Más corazón que odio (The Searblicana.insoportable y a la vez se quecen el metalenguaje de la pelísica del artista está en reinventarse. Se desata un juego de espejos en donde la propia imagen se vuelve insoportable y a la vez se refleja en una sociedad temerosa e insegura (tómese la «amenaza roja» como uno de tantos ejemplos del pavor norteamericano). No vielatente. cierta identidad nacional (y por qué no industrial) que se globalizó y estandarizó generando varios Hollywoods por el mundo. una como uno de tantos peraban un poco más de intriga película con un nervio patológico ejemplos del pavor policial y chusmerío político. el el espacio vital de un personaje no menos eterno presente de Eastwood. industrias que mutaron o sólo se opacaron y una sensación de pertenencia disfraza de Welles y con la versatilidad travestida desnuda las complejidades de la mente de Hoover. John Ford 1956) en la escena final su vez condena al macarthismo. opresiva y abarrotada norteamericano).Lo nuevo con él cierta mirada estética sobre el cine. biografía que sigue escribiendo y saturada de objetos que consumen reescribiendo capítulos en el presente. Eastwood se toma las licencias que le da su edad y. El máximo exponente de la inteligencia estatal y símbolo conservador se ve reducido a un personaje gris. símbolo conservador se ve sufría. inteligencia estatal y En la segunda. Ni con todos estos detalles que enripuede volver a construir. Literalmente gris. Di Caprio se 53 Pez dorado abril | mayo 2012 . fabulador y ras fálicas la pantalla. muchos esAlgo de eso pasa en J. dejando con un cinismo neurótico hace boreducido a un personaje de lado las sutilezas. sesgado por la mirada nostálgica y melancólica de pasados olvidados. resignificarse como di.temerosa e insegura rector. donde un agotado John Wayne mira desde fuera de la casa sin El máximo exponente de la concebido en los mismos términos castradores que Hoover imponía y poder entrar a compartir la alegría. Cuesun corte definitivo. escribe una precuela. reprimido. Edgar. en Más allá de la vida. llena de figurrón y cuenta nueva.

donde fueron a buscar a su hija Helen (Maria Elise Miller). que acaba de llegar al país. una adolescente. No quedaba en mí la menor partícula de divinidad: supe elevar mi alma hasta la excesiva altura de esta voluptuosidad inefable. la capital de Camerún. pero han tomado la decisión de volver a Europa para estar cerca de su hija. pero el curso de los hechos va ganando en complejidad psicológica y nos muestra una transformación en Ebbo: él no desea volver a Europa. el registro de los casos ha bajado drásticamente. sumiéndolo en un estado de indecisión que se va incrementando día a día. La película comienza con una escena en la que Ebbo y Vera están volviendo desde el aeropuerto a su casa en Yaundé. Su mujer e hija parten de regreso mientras él se encarga de mostrar el trabajo a su reemplazante y discutir la continuación del programa con las autoridades locales. el médico considera que su trabajo ha sido exitoso y la enfermedad está controlada. La vida de Ebbo y Vera transcurre apaciblemente en Yaundé. Ulrich Köhler narra la historia de un matrimonio –Ebbo Velten (Pierre Bokma) y Vera Velten (Jenny Schily)– que está viviendo desde hace unos años en África.Lo nuevo ¡Por fin había llegado el día en que yo me convirtiese en un puerco! Ensayaba mis dientes sobre la corteza de los árboles. ya que los últimos dos años ha estado viviendo y estudiando en Alemania. Conde de Lautréamont »Rosario Salinas« El efecto mariposa El mal del sueño Schlafkrankheit Director: Ulrich Köhler Intérpretes: Pierre Bokma Jean-christophe Folly Jenny Schily Duración: 91’ País de origen: Alemania | Francia | Holanda Año: 2011 n El mal del sueño. mi hocico. Cantos de Maldoror. el dilema que se le plantea es perder a su hija y a la mujer que ama o alejarse de ese entorno que vive como incomprensible y detestable pero que al mismo tiempo lo fascina. Su actitud respecto de África 2012 abril | mayo Pez dorado 54 E . Él es un médico de origen alemán que está a cargo de un programa para la erradicación de la enfermedad conocida como «el mal del sueño». Hasta aquí el film está construido por escenas cotidianas. su tercer largometraje. lo contemplaba con delicia. por otra parte.

los el grado de corrupción que muescambia desde dentro hacia fuera. Es muy crítico respecto de la En ambas. un resplandor. y por otro. uno de los méEl mal del sueño: la quietud de la selva. es después de haber vivido siete años en Inglael mismo río Congo. va de la condescendencia a la hostialgo tenue. sus instinhabitantes. en el que Ebbo nada con terra. transcurrido entre la novela y la película. los cambia interior» le dice el doctor que revisa Este clima nos remite inevitabledesde dentro hacia fuera. cuesnos de la Estación Central y al que los homtionando la capacidad de las ayudas directas bres no podían matar aunque descargaran que solo benefician a unos pocos creando posus armas sobre él. el río tropical tan inquienegro de lo que yo soy» cuando este admite tante. Aunque Köhler no lo cite gration to the North. se siente tanto en El corazón de las tinieblas como en consustanciado con el lugar. Hay resplandor. como el halo que deja lidad.Lo nuevo y sus misterios lo que está siempre presente. ese habla acerca de las bondades del mercado que merodeaba por las noches en los terrepara resolver los problemas de África. el que hipnotizaba como una sermara salta en el tiempo y en el espacio. el dicos locales le llega a decir «tú eres más resplandor del sol. también es ambigua. por un lado. transforma a los eficacia de la ayuda europea dado como el halo que deja un hombres. Hasta un hipopótamo transcurrido tres años y estamos en una sala encantado aparece en el film de Köhler. algo imperceptible. desprecia a sus protagonistas. transforma a «allí los cambios se producen en el dos fuerzas en pugna. de conferencias europea donde un disertante como aquel del que nos hablara Marlow. Es el continente africano . los metamorfosea. a los que trata de un modo que tos. la intuición de lo disla posibilidad de una transmutación entre tinto es lo que afecta la vida interior de los distintas especies. un libro de Tayeb Salih en sus créditos. Esta mirada está una sensación de extrañamiento y de habiplasmada en la segunda parte del film. han piente a Marlow. metamorfosea. vuelve a su tierra natal. aunque más de un siglo haya que cuenta la historia de un sudanés que. algo tenue. su subconsciente. a Marlow antes de su partida hacia el continente negro. algo imperceptible. los ellas girará la balanza a su favor. La cátualidad. En ambas. tran las autoridades locales. el aislamiento. pero una de los hombres. mente a El corazón de las tinieblas Köhler reconoce la influencia de Season of Mide Joseph Conrad.

En ese sentido es un personaje más parecido a Marlow y su fascinación por esa tierra extraña.Lo nuevo breza y mayor desigualdad. El director nos plantea un vida en África. circundado por un río siempre preCamerún de visita. tiene otra familia. Del mismo modo que El corazón de las tinieblas es una novela acerca de los europeos y el más vil de los saqueos. final abierto. no está en su casa. como abriendo una caja china dos inciertos y el movimiento del desde el interior. No está en anuncia.europeos y sus relaciones la atmósfera está saturada de humedad y el silencio de ese paisaje tan fermedad en provecho propio. en medio de la selva con En este contexto nos enteramos de que Ebbo una excelente fotografía. Nzila será enviado por la OMS a Camerún para evaluar el progreso del programa sanitario contra el mal del sueño. su hija Helen está por llegar a los saqueos. nos muestra que follaje. Su historia es la del choque entre la concepción que Nzila –cuyos abuelos provenían del Congo– traía en su mente acerca de África y la realidad a la que se enfrenta. algo va a suceder. que se retira visiblemente indignado por los conceptos neoliberales vertidos por el conferenciante. Del inescrutable como el destino se va forma de llevar las cosas no es la mismo modo que El metiendo en el corazón de los persoconvencional. con una implacable necesidad de provocar terror y que se perdió irremediablemente en la oscuridad fascinado por lo abominable. una profunda calma los el hospital. su con ese continente. Aparece en escena Alex Nzila (Jean-Christophe Folly) un joven médico francés. El mal del sueño no es una película sobre África. todo cana. Acaba una novela acerca de los europeos y el más vil de rodea como una presencia ominosa de tener una hija con su mujer afria la espera de algo fantástico. es mando una estructura impenetrable. al llegar descubrirá su condición de habitante de dos mundos. todo lo mos qué está haciendo. es una película sobre los europeos y sus relaciones con ese continente. Los grados de tensión y calma se altereuropea ignora el curso que ha tomado su nan todo el tiempo. un final que el espectador deberá blas. utilizando los fondos para la ayuda al una película sobre los programa de erradicación de la en. cuyas distinta de la que conocimos en la ramas se mezclan y confunden forprimera parte. Hay una variedad inmensa de nuestro personaje es una persona El mal del sueño no es una plantas de altura considerable. pero su familia sente. Las escenas finales nos muestran una caza nocturna. Una oscuridad se adivina en él. las épocas son distintas y eso cambia interpretar. Köhler mediante tral. que parece tomar vida a través de los ruiesa elipsis. como las diferencias de interacción: Ebbo no es ese ser consumido por el deseo de poder. brindándole una salida a nuestro pero no es el Kurtz de El corazón de las tiniepersonaje. en un paisaje especnunca regresó a Alemania. está película sobre África. tanto las características de los personajes 2012 abril | mayo Pez dorado 56 . de hecho ya no sabecorazón de las tinieblas es najes.

una vez finalizada las siete películas basadas en la obra de la escritora J. Por otro lado. en el fondo. Van Helsing (el antagonista de Drácula). dejaban entrever una velada crítica a la hipocresía de la sociedad victoriana. El color rojo sangre. consigue arribar a la aislada mansión para organizar los escritos. La dama de negro. Sorprendido. la introducción de la sensualidad y cierto anticlericalismo fueron una marca registrada de sus realizaciones que. K. del director inglés James Watkins. Al igual que el Dr. el joven letrado hace caso omiso de las advertencias. Luego de sortear algunas dificultades. las velas mortecinas y los pasadizos oscuros. Daniel Radcliffe. A principios del siglo XX. El director Terence Fischer. recreaba atmósferas espectrales donde abundaban las criptas húmedas. Rowling. de las puertas y ventanales que se cierran a su paso y de las miradas hoscas de los pobladores. el protagonista indiscutido de la saga Harry Potter. Desconoce que en aquel remoto paraje H 57 Pez dorado abril | mayo 2012 .Lo nuevo »John Lake« La Hammer una vez más La dama de negro The Woman in Black Director: James Watkins Intérpretes: Daniel Radcliffe Ciarán Hinds Roger Allam Duración: 95’ País de origen: Inglaterra | Canadá | Suecia Año: 2011 acia fines de la década del cincuenta. es rechazado por los desconfiados habitantes del lugar que no le quieren brindar alojamiento y sí deshacerse cuanto antes del inoportuno visitante. debía redireccionar su carrera y tomar un nuevo rumbo. un producto muy ligado a la estética de la Hammer. el joven abogado viudo Arthur Kipps. la productora inglesa Hammer actualizó el género de terror. su estrella máxima. se dirige a un pequeño pueblo para poner en orden la documentación de una aristócrata recientemente fallecida. es el primer paso de Radcliffe en esta nueva etapa luego de incursionar un tiempo por las tablas (Equus).

donde la influencia del binomio Hammer-Fischer se hace sentir. Es allí. ya que el joven actor está presente un ciento por ciento en la pantalla. 2012 abril | mayo Pez dorado 58 . en los largos momentos que el abogado transcurre a solas en la inmensidad de la propiedad. para luego rematar la escena con un plano corto. acompañado de un grito o un primerísimo plano que sobresalta al espectador. el viento no ulula. Arthur. las puertas no chirrían. hay un zootropo. En cambio. con escenarios suntuosos y recargados. La tensión se manifiesta por medio del silencio. Por suerte. como en El mastín de los Baskerville de Fischer. mientras la cámara descubre el interior de espacios sombríos y laberínticos a través de secuencias largas con tiempos morosos. ofrece un tenebroso escondite para los cadáveres. También se evidencia una obsesión por la utilería. los lobos no aúllan. La dama de negro. se transforma en un mundo lleno de pesadillas y alucinaciones en las largas noches. No hay música que anticipe el miedo. las sombras se deslizan por las paredes y espacios vidriados. los bosques son frondosos. ase un hacha.Lo nuevo lo aguarda el mal. Convertido en un muggle (los seres sin poderes má- dados con esmero en clara representación del sosiego de la campiña inglesa. las tumbas se profanan y la ciénaga. En reemplazo. en representación exacta de ambientes pretéritos: entre los abundantes adornos de los salones. No hay cantos de pájaros ni jardines cui- hace girar para ver las imágenes en su interior. los cuchillos filosos y los desmembramientos están ausentes. para complacencia de muchos espectadores. las motosierras reposan en los depósitos a buen resguardo. La amplia casona de apariencia inofensiva a la luz del día. que no pudo superar aún la muerte de su esposa al dar a luz a su único hijo. artilugio precursor del cinematógrafo. debe enfrentar el acecho de figuras fantasmagóricas que deambulan por el jardín y los recovecos del caserón. ya que este año ha sido tan proclive a premiar todo aquello que tuviese que ver con los albores del cine! Los fanáticos de Daniel Radcliffe estarán de parabienes. La fuerza dramática de la acción está dada por la imagen despojada de sonido. que el abogado Kipps gicos en la serie Harry Potter). es un típico producto de terror gótico donde la sangre a borbotones. no puede esgrimir una varita para protegerse. ¡Qué extraño que la Academia de Hollywood no haya nominado a La dama de negro para un Oscar.

la precursora del punk grita. sobre todo. mostrándolo en la sala de cine. etc. Por eso. consolas de videojuegos o el ruido (llamado por algunos música) que sale a un volumen saturado de parlantes de autos tuneados. y lo hace con términos agudos. en su exceso. le quita las dudas a los novatos sobre el nuevo sistema cinematográfico. o. la virtualidad y el bombardeo de información inútil generado por las nuevas tecnologías como celulares. después sáqueselos». son los que promulgan el entretenimiento vacío. así como en los cantitos de clásica melodía Club del clan. la película ridiculiza al espectador. Así activa a quien está sentado en su butaca y. Se lleva la situación hacia la furia desatada. ponéte los anteojos y miráme esta». que impulsan con fuerza la síntesis que dicta Violencia: meterse el entretenimiento más allá del coxis. se vuelve cada vez más desfachatado y grotesco. dicho en sus propias palabras «Si querés ver el 3D a mí no me molesta. L 59 Pez dorado abril | mayo 2012 . en la de los años 10 del siglo XXI. de exuberante energía.Lo nuevo »Soledad Bianchi« Violencia. Tema a tratar: el entretenimiento. justificada en las geniales frases de Violencia y la virtuosa interpretación de Diego Capusotto. convirtiendo la guarangada en humor. cuya guía espiritual será Violencia Rivas. nunca dejes de gritar Peter Capusotto y sus 3 dimensiones Director: Pedro Saborido Intérpretes: Diego Capusotto Ivana Acosta Jacqueline Decibe Duración: 93’ País de origen: Argentina Año: 2012 a voz de Saborido nos invita a viajar por este falso documental en 3 dimensiones. mostrando la vida cotidiana de la ídola de los 60. que expondrá una y otra vez las desventajas de vivir en Argentina. Desde el principio. Y así transcurre. Durante toda la película deja en claro que los medios de comunicación. a su vez. Las órdenes para entender la tecnología empiezan: «Póngase los anteojos. cámaras de fotos digitales.. ligero y desgastado que.

permanece en el lugar Capusotto. los personajes liberan todo su podiciendo que Bombita no se da cuenta de que tencial. en ese mismo lugar y tan hostil como aquel repulsivo antro que mostraba la tele. En este caso. Antes. Ahora se vuelve político. desbordando las aguas calmas del entretenimiento apla- cado por el sistema para impulsar la ignoranacogedores complejos ofrecen. tervinieron otros campos. ya no es una pizzería en Donovan y General Chamizo en Gerli. transgrediendo diferentes sectores de la sociedad. utilizando el recurso tecnológico esta rock y los intensos –siempre unders y utilizando el recurso tecnológico vez sí hacia el espectador.Lo nuevo Luego de la instrucción para que no nos distraigamos con las boludeces del 3D. con Peter in the Sky with «es solo un juguete». Él también va a vivir el entretenimiento 3D. símil Buzz. arrojados por Violencia rimentación por los distintos convertida de forma sencilla y lúcida Rivas al final de la película. re2012 abril | mayo Pez dorado 60 . el clásico de la actualidad reformujactaron. quien trata la perfección a la dupla. con su personaje más pasivo. El efecto vencia en los ciudadanos argentinos (esto último dible de las tres dimensiones. formatos fue haciéndolos crecer en en humor. al menos en un prila tele de aire. yendo ahora sí más allá del campo musical. 7. por lo general inéditos– videos de esta vez sí hacia el espectador. Este dúo no sólo mantiene la línea crítica que lo caracterizó a lo largo de su trayectoria. La expedel 3D vuelta suciedad. Diego Capusotto. dimensión. es así como uno sale después mentos parecen tener contacto con el de ver la película). Otros elementos serán simbolizando el enojo que contenido. o la parodia de Toy Story. a los que de sostener en su mano una mezcla sólo esperan a Pomelo o se sorprende gaseosa y pochoclos. «6. Primero de la película. tomando como excusa el que trasciende la tercera dimensión. y tantos otros. La magia Otros elementos serán den con Jesús de Laferrere. sino una sala de cine. Y si bien el comentario siempre estuvo presente. porque todo tiene un sentido más lado. personajes y crítica social. ahora es mucho más contundente. arrojados por Violencia Rivas al final incluyendo así más público. viene el auspiciante. mer visionado o quizás la misma risa haga a los DVDs editados. están involucrados. allá de lo comercial. para demostrar las sensaciones que experimentará el espectador al ver una película con esta tecnología. Desde el fuera de Peter Capusotto y sus 3 dimensiones deja campo. la crítica era hacia el rock o a lo comestible de la música comercial en el que este género. Por la masividad «pomelera» de la que nunca se ejemplo. también a los piratas y a perder ciertas joyas que duran segundos. a simulando salir de la pantalla. asesor Algunos chistes quizás no lleguen a peronístico como dicen los créditos). En el libro de Peter vestido como Woody. Pocho». Ahí aparece nuestro héroe en pantalla. Con la coherencia en el cuando Bombita. Luego. se va volando al mensaje que siempre lograron mantener. simbolizando el enojo trasciende la tercera en cable. En la radio. Iconodemidis (en este caso. donde los eleelevando la voz. que golpean al los que van por el actor. y de ahí el traspaso a Internet. exageración. entendimiento de todos. ingrito de «¡Al socialismo y más allá…!» y Perón. espectador es ironizado. son arrojados objetos contundentes contento a quienes gozan de cada chiste. Saborido-Capusotto. a los que entienden a personaje-Capusotto-espectador. pero en un ambiente distinto a los asientos y lentes que los formulan el pasado con elementos contemporáneos. sino que no se detiene y agita cada vez más sectores.

sin olvidarse de hacer reír. Una pequeña revolución contra los estilos impuestos. pensadas. sin necesidad sensatos del entretenimiento del siglo. Consumando su paso por la mass-media. cula. impregnan profundidad trascendiendo el croma. abren el campo a los escuchas. Ahora. En cine. Un loro está en libertad. todo esto es exque en la pantalla chica. nueva evolución. que exlento que llama a la inteligencia de quien lo pone la realidad a través del género de la codisfruta. lo llenan de artefactos tecnológicos: televisión. ciega y abnegada a lo ya visto o dicho. la vida ordinaria. Sin un estallido de La película siempre habla directo. imEl resultado es doblemente satisfacpero con más recursos y pregnado de realidades de las que torio: por un lado. Muchas grandes ideas. rutinaria. celular. Le abren la puerta de la llido de producción. y así se mofa de la actualidad. berreta pero efectiva. desde el 3D hasta la inserción de este tipo de humor en la pantalla grande. vacíos. cias a la plebe por la 9 de Julio. el guión de la libertad que en la pantalla no se pueden escapar. La emoción de un producto claro. queda idiotizado por sus elementos de vivos y espacios bien definidos. El taotro. sin necesidad de grandes jaula. o un combate Esto serán sólo tres-cuatro minutos de pelía todo lujo entre el Mesías del conurbano. Todo es necesario. lleno de insurrección y arrebato. marcan la impronta de Peter Capussoto. también llama a gritar. el elemento que faltaba a esa escenografía que se presentaba extravagante. querer que Violencia siga gritando y cada vez planeadas. Por ejemplo. La velocidad con que los gags corren por el espacio virtual obliga a volver a buscar ese disfrute poco comparable con los productos ausentes de tantas agallas. Esto no es nada del gran todo Jesús de Laferrere y «el rollinga» construido por los dos seres más convertido en «careta». producción. play station. Sin un estaentretenimiento. Los colores del arco iris y las estrellas que se extienden sobre este. o revolución. siendo más libres en conceptos. salvo que se dupla y la puesta en escena del dihagan visibles y así empiece una rector a través del humorista. completa la paradoja. un arca puesto en pantalla por Saborido-Capusotto. sobre todo. a media.Lo nuevo Diamonds. pero con más recursos y libertad gando a ser Messi. prefiere quedarse juelementos. el contenido crítico. El loro no escapa. con un guión que no deja espacios más fuerte. profundizando los contenidos. cumpliendo con la estética que siempre prepondera. La excusa del 3D. el cine viene a dar el golpe de gracia. de colores momento. Lo encierran. liderada por Miky Vainilla que se mueve gradonde la metáfora queda mejor explicada. de grandes elementos. El loro se olvida del afuera. por el chica. sino que se va conjugando en cada 61 Pez dorado abril | mayo 2012 .

La muerte –al igual que en otros momentos de la película. a la calma. por lo que todo se percibe a través de sus ojos. los establece dentro de una lúgubre atmósfera causada por la muerte de la esposa de John. Esta unión muestra un igual grado de interés en el delineamiento de cada personaje así como en las geniales secuencias de acción. Al día siguiente. Está a punto de disparar cuando el aullido de un lobo lo desconcierta. la nada.Lo nuevo J ohn camina por un frío lugar que parece estar alejado de toda civilización. el avión en el que viaja se estrella en medio de la nieve. detrás de esos árboles que lo rodean. Joe Carnahan. con el avión estrellado y el peligro que los amenaza. impidiendo que una parte consuma a la otra. sale una manada de lobos que los ataca. El vacío mismo. en la lejanía. gritos y descontrol. A su alrededor todo son risas. arrastrando al espectador. Sin embargo. El protagonista analiza el mundo y a sus habitantes desde una trágica perspectiva a partir de su pérdida personal. Al comienzo del film. El viento y la distancia que se crea entre cada uno de ellos no dejan que se escuchen los pedidos de auxilio. El director. mientras que en la otra se hace foco en el creciente sentido trágico que se apodera del relato. Y en tiempos en los que el cine parece dividirse para grupos opuestos. Luego. Entra a un bar y toma algo.se hace presente. y el director lo acompaña. la mirada es subjetiva. 2012 abril | mayo Pez dorado 62 . consume sus gritos de ayuda. Ya no habrá pasajeros sino sobrevivientes de una tragedia que siempre los estuvo esperando. Se aleja de ahí y se somete. con el accidente. lo despierta.UU. »Luciano Mariconda« La llamada salvaje El líder The Grey Director: Joe Carnahan Intérpretes: Liam Neeson Frank Grillo Dermot Mulroney Dallas Roberts Duración: 115’ País de origen: EE. aparecerán los tópicos del cine de aventuras. Año: 2011 Estos primeros minutos de El líder son extraños. Esta construcción fuertemente dramática sirve para la rápida identificación con el protagonista. Desenfunda su rifle y se lo coloca en la boca. La conexión se establece con el personaje. Es la Naturaleza. del blanco profundo. que lo llama. delante suyo hay personas salvajes. Este constante diálogo se puede analizar en una escena particular: los sobrevivientes caminan en un desierto de nieve y. en soledad. Según su visión. Esta secuencia ejemplifica la forma en la que el film se divide en dos: en una parte se centra en los peligros de los personajes. desprendidas de conflictos internos. esta película se abre a la unificación de todos los públicos.

Él se acerca. Le describe lo que le sucederá en pocos minutos. lo observa y le dice que no va a sobre- presente un choque entre la civilización y la barbarie que el realizador expone con profundidad. A partir de la tragedia. se percibe internamente el momento exacto de un alma dejando este mundo. Se descubre. demostrará que un elemento atado a lo frívolo. A su vez. atmósfera-. el protagonista es desafiado por otro líder. Una naturaleza salvaje. de Jorge Luis Borges. que acaso no sabrá manejar. Y es también un símbolo de desesperanza: la recolección aumenta. que en la ciudad se presentan como obligatorios. se requiere la formación de un grupo y John surge como líder que lleva las riendas de la situación y del resto de sus integrantes. El final de cada personaje se encuentra en esas inhóspitas tierras. sino una más íntima. Lo que queda. insignificante en esas tierras). Cuando decide enfrentarlos. John apoya las billeteras en el blanco suelo y valiéndose de sus últimas armas. miedo: componentes que los llenan de humanismo. Hay en el personaje un alto grado de conocimiento de la muerte. Recuerdos que se materializan. Carnahan suprime los rastros que hacen a la modernidad. una billetera determinará vivir. Una gran escena del film. Serán las fotos y documentos los recuerdos que cada personaje poseerá hasta el momento de su muerte. lo que significa –siempre con imágenes. un viejo le arroja un cuchillo para que rete a duelo al líder de la banda. No hay una lucha entre el hombre y la devastadora Naturaleza. que los minimiza a meros restos de una civilización inexistente. La importancia de este objeto radica en las pertenencias íntimas que contiene. John pide juntar las billeteras de los fallecidos para entregárselas a cada una de las familias. Lo tranquiliza diciendo que un reconfortante calor. Quién las deja en el suelo y quién las recoge. cercana al final. en el caso de que logren sobrevivir. Surge así la idea de un futuro programado.las pocas probabilidades de superviviencia. cualquier aspecto material es eliminado. ya nada podrá ser objeto de rescate (como lo demuestra ese reloj con GPS. Al no haber un modo de salvación mediante la tecnología. es el último rastro de la civilización en un ambiente hostil. Como se menciona en el comienzo. el significado de cada una de las demás vidas. en la ferocidad del ambiente cobran un sentido inútil. cruda. . llenará su cuerpo de a poco. Existe en ellos una fuerte sensación de peligro. en medio de la nada.Lo nuevo permite que su mundo se amplíe. se arroja sobre el salvaje animal. actuaciones. Quedarse con el dinero es inútil. El director es muy sutil: logra cargar la escena de calidez y paz. Pero su elección no es casual. En una cantina un grupo de personas lo molestan. perteneciente a otra especie. Es la barbarie contra la civilización. no en el dinero. Un estado primitivo que lleva a los personajes a debatir internamente su capacidad para sobrevivir. que un personaje intenta guardar en vano. al igual que en la obra maestra de John Boorman. y sale a la llanura» rezan las últimas palabras del cuento. pero principalmente. John responde a un llamado de la Naturaleza. En El Sur. el destino de Juan Dahlmann es terminar en un ambiente ajeno. Por otro lado. Estos. los elementos que se poseen para el combate son de caracter primario. Se hace 63 Pez dorado abril | mayo 2012 quién vive y quién no. al mismo tiempo en John y en el espectador. la urbanidad debe enfrentarse a la remota naturaleza. es el instinto de supervivencia. Luego del accidente. «Dahlmann empuña con firmeza el cuchillo. Vidas con un peso específico: con un pasado y un futuro amenazado por delante. que se opone al frío que los rodea. entre el dueño de un territorio y su principal intruso. En el film. Al igual que en Deliverance. un hombre malherido pide por su ayuda. Y casi en un milagro cinematográfico – por miradas.

Todavía no sabemos si la película les gustó o no.Lo nuevo D espués de ver Los juegos del hambre. sino que no sabe manejar la cámara con tanto movimiento. pero acá podemos leer sus opiniones y mutuos convencimientos. tres de nuestros redactores decidieron que lo mejor era exponer la privacía de sus mails en esta nota de intercambios. No creo que sea para emular la inestabilidad de la protagonista. qué sé yo. En el caso de Los juegos del hambre. Año: 2012 identificarme con los personajes. la supervivencia del más fuerte. se vuelven parte de ese mundo. 24 jóvenes ofrecidos/elegidos como tributos (un hombre y una mujer de cada uno de los 12 distritos) que se enfrentan a muerte. y deja una adrenalina en las peleas físicas casi tanto como las carreras. pero hasta ahí. algunas dramáticas están muy bien pero en otras hay cero sentimiento. Se las podría haber cargado de un sentido mucho más intenso si no se hubiera apelado al mismo recurso-licuadora-Transformers que no deja ver adrede.. sinceramente. Lenny Kravitz Duración: 142’ País de origen: EE. Supongo que al pertenecer a un universo «frío».. Ayer vi Fast five. son la dirección de actores y el guión. L: Si bien es cierto que hay algunas escenas de acción que no se entienden (especialmente la 2012 abril | mayo Pez dorado 64 . pero Gary Ross arruina la acción. lo único que hace es marear al espectador con la poca estabilidad que el director propone. y una matanza que siempre tiene el mismo resultado y el miedo como un control que esta vez puede tener una excepción en la historia de la heroína que se sacrifica para evitar que su hermana sea elegida para estos juegos perversos. N: A mí me gustó la historia: un juego que es el revivir de una revolución y sus respectivas consecuencias. Tiene buenas escenas.UU. sino por las ventajas socioculturales que lo prepararon y quizás un recordatorio para el más débil de quién es el que manda. No entiendo la emoción que hay con esta película. Y todo se mezcla con otras subtramas como la historia de amor. la supervivencia y la reflexión sobre el poder de los medios. Nahuel: Hablemos de Los juegos del hambre. Es casi imperdonable que haya filmado todas las secuencias de acción de igual manera. A mí me costó »Micaela Garuzzo« »Luciano Mariconda« »Nahuel Rodríguez« Sobremesa Los juegos del hambre The Hunger Games Director: Gary Ross Intérpretes: Jennifer Lawrence Elizabeth Banks Stanley Tucci Josh Hutcherson Liam Hemsworth. Luciano: A mí me gustó. Creo que si hay méritos del director. pero que no es más fuerte en esencia.

se los rellenó con acciones.. Me parece muy necesario en el comienzo del juego e innecesario en uno de los enfrentamientos. pero se dosifica la violencia para evitar la restricción. Lo que noto en Los juegos… es que son personajes que en vez de rellenarlos con sentimientos. está muy bien. la supervivencia es clave porque se establece en un plano real. N: Una vez utilizado el recurso va bien. En MI:4 cada acción es única. El cine y sus restricciones. En Deliverance. es comprensible en el ambiente en que se desarrolla la acción. lo que sucede está atado al azar. es la que más me gustó porque vi ahí emociones verdaderas. Lo que se muestra y lo que se piensa. más allá de los puntos de vista o lo que sea. de peligro. cagada en las patas. Pero en definitiva. Hay hombres que deben pelear en un ambiente que les es ajeno. como decía Luciano. Creo que fue un error del director. todo es manipulable. Es una película para el público adolescente. y segundo porque aburre. en el fondo. La escena anterior. No permite el disfrute. Porque sabe que nosotros sentimos que algo nos falta y lo rellenamos con la verdad que ese medio impide mostrar. pero creo que el material era lo suficientemente bueno/poderoso como para ver algo más de barbarie que. clara. y no creo que en todas las escenas se haya querido transmitir esa inestabilidad de la historia a través de la cámara. Porque es el la frivolidad televisiva la que no da la chance de dar rienda suelta a una realidad sentimental. Lo erótico y lo porno. Pero no deja de ser un estilo que se condice con la identificación que se tiene con Katniss (la protagonista) desde el principio y compartimos su constante confusión (aunque a pesar de eso tiene unos reflejos increíbles).Lo nuevo última. marea. El tema es usar la cámara en mano sabiendo que de esa manera confundís al público. cuando está por salir al campo de juego y ella tiembla y Lenny Kravitz la consuela. Una atmósfera ficticia . en el fondo. porque no se entiende nunca cuáles fueron los movimientos de cada personaje involucrado en esa pelea. pero no siempre: primero porque no causa el mismo impacto. de no saber qué puede llegar a pasar. L: La batalla inicial. sin efectos especiales complejos) deberían haberse lucido mucho más. por ejemplo. Micaela: El tema de la cámara en mano es polémico pero también es un estilo. Se contagia el descontrol porque estás viendo todo desde el punto de vista de una persona que está. nada es ficticio. lo que sucede adentro del juego. falta de tacto. En el reality de esta película. La diferencia con Los juegos del hambre es que MI:4 está situada en una realidad. cada movimiento está lleno de vértigo. cuando salen del bosque y van al campamento a buscar lo que la produc65 Pez dorado abril | mayo 2012 que teme morir. Lo que me parece peor es que el salvajismo que tendría que haber se aminora por el «Apta para mayores de 13».. repito. sino una persona más más efecto todavía y me marea. que es casi un papelón) creo que hay otras que están muy bien. está bien filmada. N: Para mí esa aparente ausencia de dramatismo es el objetivo del director. Y a diferencia de MI:4 Ghost Protocol acá hay acciones pero no hay sustancia. A mí el recurso no me gusta. hay un miedo concreto a lo desconocido. Lo mismo pasó en Harry Potter y las reliquias de la muerte y la escena de violación jamás contada en la película pero que sí aparece en el libro. cuando empiezan el juego. No hay una flaca que la tiene clara con el arco. en la pantalla gigante produce ción les «facilita» y muere la chica de los cuchillos. El tema de las batallas es que al ser «reales» (en el sentido de actores contra actores. es básico. pobrísimo. La literatura y sus licencias.

se define. Nos gusta ver corazones rotos y ellos lo saben (con ellos me refiero tanto a los que hicieron la película. Rocky hacía todo más emocionante). adaptarse. no los que festejan cuando sólo hay muerte y des2012 abril | mayo Pez dorado 66 . Me parece que es tan frío como los besos de HP o Cre- todo y sabiendo que el final va a ser trágico. pero después terminé comprando su verdad. como a los creadores del reality. Y ella no le pide explicaciones sobre ese cambio de equipo en el comienzo del juego porque sabe que él hizo lo que ella hace: todo lo que sea necesario.Lo nuevo con algo de verdad que nosotros tenemos que encontrar y clasificar. se alía con Katniss y lo creo. sino porque no tiene nada de emoción. Peeta estaba actuando cuando decía que él estaba feliz de poder compartir ese juego con la persona a la que nunca le había podido confesar su amor. M: La escena que más emociona es la que Katniss se despide de Lenny «delineado» Kravitz. N: Lo heroico es la confesión de amor. Quizás porque en esa nebulosa de no saber qué es realidad y qué es ficción. se va solo. en la caverna. Cuando él le pierde el miedo a la muerte por ese beso. si bien está todo hecho a propósito entre ella y el programa para conseguir la medicina que se necesita para curar y salvar a Peeta.. en la caverna. Un beso es demasiado importante en ese contexto de supervivencia para que se vaya volando por ahí. es lo más real del mundo para Peeta. el regocijo en el estómago es porque el espectador sabe que ella no lo quiere y que él lo va a tomar como la demostración de amor más importante. N: A mí me emocionan los besos. El beso de la caverna emociona en el sentido morboso. Viven gracias a que. Enseguida pensé en el momento en que se tenga que romper el hechizo y él tenga que aceptar que ella lo engañó. Porque no creo que haya una evolución. ¿dónde están los personajes que van contra el sistema? ¿No se critica eso en definitiva? Poner a alguien que queda como un héroe porque gana un torneo donde murieron 20 personas me resulta terrible. Morbo puro. yo también me di cuenta ahora de que todo lo que pasa y el simple hecho de que se salvaran. acá hay ganadores poco interesantes (incluso cuando perdía. Peeta cuenta cómo se enamoró de ella. porque a esta altura sa- púsculo o tan frívolo como GH el debate. se morían todos. Me marea un poco su arranque con el grupito de malos (los que hacen equipo y atacan sin piedad y en conjunto a los otros competidores) pero después se abre. ¿Dónde está la chica que dispara una flecha contra una manzana en el medio de los ricachones? Héroes son los que se sacan las medallas y mandan todo a la mierda.  L: Ese tembleque es hermoso. ficticio. Eso los salva. es la que más recuerdo. Todos pensábamos que. porque. O al menos es una crítica a esa aceptación de los programas de TV. Ganaron ¿y qué más pasa? Creo que ella tiene una evolución cínica. A diferencia de Rocky por ejemplo. me gustó ver para qué lado va la historia. Si por ella hubiese sido. Es casi aberrante que se celebre tal grado de cinismo. Ese beso insulso. es lo más humano que veo en la película. es gracias a Peeta y su confesión de amor. Pero no porque está en un programa de TV.. para sobrevivir. porque un beso no puede ser sólo un beso. porque es lo que el público quiere ver: dos jóvenes enamorados luchando contra bemos que todos son parte de una misma cosa). L: Lo que yo no termino de entender es el beso en la caverna entre Katniss y Peeta (el chico de su mismo distrito que fue sorteado junto con ella). M: Claro. como pasa en esta película. lo hieren. empieza a tomar valor sentimental.

en su casa. al saber que era una saga. Pero el que realmente sale limpio de todo esto es Peeta. Creo que la relación entre la alegría de los medios por el morbo y una tristeza que no logra transmitirse completa. pensé que la película terminaba ahí. cual Zorro que conserva su integridad como héroe al no matar si no es absolutamente necesario.. Es la identificación con ese público frío y esa incomodidad de lo que deberíamos sentir y no sentimos. Esa inestabilidad es más fuerte en el final. N: La protagonista aparenta venderse al sistema a cambio de la vida de su hermana pero también no podemos obviar que su pareja de juego (Peeta) intenta sacrificar su vida por ella y eso tiene un efecto en Katniss para la resolución del juego. L: Sí. M: Ella es un personaje secote. Los políticos son una mierda. M: Retomo lo que decíamos del personaje de Katniss: desde el principio ella evita toda agresividad letal. una vez que puede. sino destruyendo. Por esto es que concuerdo con Luciano en que los personajes se definen por las acciones. N: A mí me gustó la construcción de esa muerte. de Carpenter. Es más. Es cruda (hasta ahí) y sorprende que maten a una pendejita. y la gravedad del asunto queda opacada por la muerte de Rue (la nena chiquita que le recuerda a su hermana). Digamos que ella jamás se vende al sistema hasta la parte del beso. Pero todo ese empuje se borra (parcialmente) cuando sube al tren rumbo a la capital y los juegos y las riendas las toma Peeta. donde nos posicionamos totalmente de su lado y provoca que deseemos la muerte de todos los demás inmediatamente. y hasta nos hace dudar de que sea momentánea. es un mérito. la dura67 Pez dorado abril | mayo 2012 la acción. Pero no lo sabemos. No es un error no profundizar. con la canción. siendo el único que no mató a nadie (creo). Ella solo mata directamente a un solo jugador. cree que alguien va a saberlo leer. ella no puede detenerse ni un segundo porque sino la matan. Se vuelve tan acartonada es un cobarde que no se la jugó por ella: aún sabiendo que siempre va a tener muchísimas posibilidades de participar. al gobierno facho de turno. la parte de la nena está bien. las flores.. tiene que ver con eso. pero es tan cursi que la angustia se pasa enseguida. En Escape de NY. No colabora en acrecentar la emoción de la muerte. La evolución es puramente de adaptación al medio. tan preparada para la ficción. Está demasiado sobrescrito. Porque confía en su público. ¿qué hace Snake para combatir el sistema? Se caga en el sistema tras triunfar en su misión. ¡pum!. Alguien que aparentemente se había cagado en ella como Peeta. que creo que es un punto a favor del director. pero con lo que se muestra es más que suficiente: quieren perfilar a Katniss como tomadora de decisiones. no se ofrece como voluntario para compartir juntos la odisea. sino en lo cursi.Lo nuevo trucción a su alrededor. La relación con la madre es muy particular y poco desarrollada. pero para esto se pasa una tarde adornando a la nena muerta. que sólo se emociona ante su hermana. ahora está sacrificando su vida y su novio no. pero casi ni vemos su cara. aunque alguien deba hacerlo. Su pareja en el distrito. Y esta muerte emociona un poco. Llena el estómago del espectador adolescente de llanto fácil y también hace pensar al cinéfilo que la película no es un producto tan ingenuo como parece. Carpenter lo sabe y no pone a Kurt Russell festejando. porque no vemos el reencuentro . ción de la secuencia y cuando parece haber terminado. Todo el tiempo está demostrado que la manera en que se comporten con los demás (matando o no) es lo que los va a definir. otro plano de ella llorando.

y según la ocasión actúa como actúa. es decir. M: Y hablando de la estética. El tema «chatura» de su personalidad no me parece que sea real. porque él tiene otro recurso y lo usa (camuflarse gracias a lo aprendido en la panadería). y los dos niss entiende todos los trucos del juego hacia el final. El presidente vendría a ser un renegado de ese mundo real y pobre. La vida de su hermana vale más que todo. icónicamente identificados con lo sucio y lo marrón. Pero a lo que le pusieron demasiada onda es a la clase alta. por ver que dentro del juego puede perder a su amor (el que quedó en su distrito). N: Para mí. desde su pelo. porque entiende un poco más el ambiente que ella. Cuestionaría más un personaje horrible como es el de la presentadora oficial. él siempre tuvo claro su juego.Lo nuevo con el chico con el que salía en su distrito. sino que es parte de la falta de profundidad que se le da por la falsedad de los medios. de qué lado está? Cero delineamiento. con respecto a ella. es un camaleón. L: Lo de Woody Harrelson y Lenny Kravitz como mentores en el tema de la manipulación de la TV y el público es excelente y muy bueno. el estilo Luis XVI. lo exagerado y brilloso de la elite. el tema de los mundos está extremadamente marcado gracias a detalles de diseño. para vivir. no tengo mucho más para decir. más que el amor del carilindo que la espera en su distrito y ella tiene que volver para cuidarla. en este caso una mezcla de época medieval. Son dos caras de lo mismo pero con diferente estética. ¿Motivaciones. Creo que cada uno tiene su momento dramático y logran generar empatía con el espectador. son los pobres que vemos en cualquier película. la verdad. María Antonieta y el derroche. creo yo. No es necesario que use su ventaja física (la de tirar cosas pesadas). N: El rico es artificial completamente. Y hay una dualidad con Woody. No quiere matar a nadie y quiere vivir. N: Lenny es el mejor personaje de la película. comprendiéndolo (a veces tarde) hasta que queda claramente adelantada a los demás con su estrategia. pero es la ambición de victoria. ella comprende que con ese beso lo controla a él (para que se quede tranquilo) y también consigue que la producción del programa le dé lo que ella quiera. Quiere que lo quieran por lo que es. él entiende que fue todo actuado. Y el árbol del 2012 abril | mayo Pez dorado 68 . Y creo que esa rebelión por el lazo primario es la que impulsa la revolución en los distritos. Su enojo ante la flaqueza. Me recuerda a Metrópolis de Lang. desde su estética. Que sabe que está ahí pero es su carne de cañón: su producto de entretenimiento mortal para la clase a la que nunca termina de pertenecer moralmente. que no tienen una «elaboración imaginativa» por parte de los autores. Kat- que es un cagón. tiene que sacarse de encima todo lo sacrificable. se da cuenta de que. Pero en el medio del juego. Desde el alimento. amish y un toque de 1-11-14. es por miedo a verse débil y perder. no para continuar con su noviazgo o lo que fuera. en la caverna. Así que se podría decir que es una adaptación al sistema de juego. los colores. M: Peeta empieza manipulando. del que quiere huir. Un amor terminan siendo un gran apoyo para Katniss. el motivo de su cambio. N: Ella termina inmersa en este círculo de verdades a medias y llevada por la corriente. y después termina reconociéndolo como tal cuando se presta al frenesí mediático. Lo suyo es vivir adaptándose. aunque parece que por el cruce de miradas. La evolución de Woody es poco clara. Es parte del show. Los pobre son los pobres comunes y corrientes de cualquier sociedad. metas. Y. respectivamente. como el remedio para curarlo.

con la liviandad con la que se alaba un mingitorio o se valora una vida y su muerte. deformes casi. A Gary Ross le sale solo un momento emotivo. Y el espacio de los ricos es falso porque está esa idea de artificialidad. Es el espíritu de supervivencia. 69 Pez dorado abril | mayo 2012 También he leído por ahí que se trata de una gran metáfora de la sociedad consumista. realidad. Eso está bien. Es un universo frío en donde es imposible que crezcan emociones por así decirlo. Y para mí. eso está genial. por descuido del guión o la dirección. Para los pobres termina siendo arte. Y no olvidemos que por una causa o por otra. salvo esa que marea cuando Peeta se va con «los malos». pero es parte del show. Ese mundo produce rechazo porque no es un lindo espacio en el que nos guste estar. Creo que eso está bueno. El lugar donde vive la chica con su familia es un lugar post apocalíptico más. la falsedad está bien. y todo lo demás es ficticio. representa el dolor de lo vivido en su anterior rebelión. no creo que haya una trampa. pero lo que me parece antinatural es (de nuevo) el tema de los sentimientos. A lo sumo dos. lo otro es una mina que quiere sobrevivir Y. desde su utilización y producción. la barba de Wes Bently). terminan siéndolo. Como adelantándose a las siguientes películas y no por una necesidad expresa del guión. todo es falso.. Salvo la escena del temblequeo y los nervios. Acuérdense de que lo primero que hay en las dos es una entrevista al creador de todo el juego/programa de televisión. Se puede decir que es todo culpa de la frialdad de la puesta en escena. Básicamente la noción del actor/personaje de la realidad artificial que debe interpretar obligadamente. con el agregado cómplice del director al darnos un muestreo de lo que podría ser una revolución. hay que decirlo). La relación con TTS va desde el «domo» donde están metidos. te miente como político o como sea. pero creo que es más una excusa que la verdad. Se me ocurre algo así como arte o entretenimiento. N: Pero no sé si hay manipulación del espectador. L: The Truman Show está presente en toda la película. N: Para mí. Empieza igual incluso.Lo nuevo que siempre está cerca. con creaciones falsas. los medios y el cine. Todos están indigna- . L: Claro. Para los ricos es simple entretenimiento. The Truman Show ¿ya lo dijimos? El cielo falso. No hay falsedad que no sea necesaria. Es el lazo que lo une a esa clase baja. Todo es parte de un mundo frío. las dos clases consumen el mismo producto. los efectos naturales controlados y eso que estábamos en los 90. Creo que todo es falso porque todo está bajo una mirada básica de las cosas. Eso sí. creo que somos tratados de la misma forma que ven todos el producto terminado. eso de lo que carece la clase alta. artificial. pero al estar tan atado a un ambiente superficial. pero me parece que el mensaje en sí ya está trilladísimo. nadie entendió nada. TTS ya tenía el mismo mensaje de opresión a la libertad (y que remarcaba bastante. de improvisación. Lo del presidente lo entiendo como una especie de propaganda misma que pretende dar la película: lo muestran al lado de un arbusto (?) dando una imagen más natural y no tan artificial. Desde Gran Hermano hasta Harry Potter. como los escenarios y los personajes (el pelo de Stanley Tucci. ok. Lo que a mí me parece es que ciertas cosas que no tendrían que ser falsas.. M: Y hablando de falsedad. pero lo que más se asemeja es la conciencia del personaje de la observación. Y además. Y lo hacen mostrando imágenes caricaturescas. hasta la transmisión televisiva. las cosas se forman ante nosotros de la manera más básica posible. me parece que la película adquiere esa frialdad. es naturaleza.

L: Creo que es una pequeña evolución con respecto a las sagas que se mencionan. Es un amparo bajo los grandes nombres de la crítica. lo que está permitido por su carácter futurístico y la libertad para tratar temas sociales. L: Bueno. por lo tanto todo se define al final en el enfrentamiento entre el héroe y el villano. como no se deja de hacer pie en una obra literaria. que denota que sabés. Nada más. pero terminan siendo superficiales en lo que muestran. está bien usarlos. pero no para ser tomados como verdad absoluta y así no poder responder nada. Tirando frases como si fuesen golosinas. Aunque ayer vi una piba con una remera pintada a mano del broche dorado… N: La película vale la pena. En «la era de la realidad virtual». todo lo que se asocia a la película lo han visto demasiado. Tiene la acción del final de HP desde el arran- momentos de acción resulta bastante caótica y poco clara. su característica de saga es permanente. Pero creo que es de lo que venimos hablando desde que empezamos a que de la historia y ese aire de ficción permanente y una autoconciencia que la diferencia de las otras sagas adolescentes. Eso sí. Los juegos del hambre parte de una alegoría bien definida (pero que es demasiado obvia y fría) y en los pensar el cine. justamente pasa eso con esta película que es de fácil comprensión en su superficie. pueden entender el mensaje que se les da. Recuerdo que me pasó hace poco cuando comentábamos Larry Crowne: en un momento. pero como críticos de cine tratamos de ver un poco mas allá de las películas y nuestra cinefilia se hace presente… Aunque siempre serán nuestras vivencias personales las que nos marquen tendencia. Ojo. No es una historia de amor nada más. 2012 abril | mayo Pez dorado 70 . Ofrece la trama adolescente. Es fácil así. M: Creo que podemos concluir que esta es una película amplia: ofrece tantos caminos de interpretación que. Y el público de ese tipo lo puede aceptar parcialmente. En cambio. para justificar algo cité una frase de Godard sobre Nicholas Ray. Es obvio que van a nombrar a Battle Royal porque estás en territorio nerd.Lo nuevo dos por el aparente copy paste de Gary «no sé filmar peleítas» Ross de Battle Royal y leí por ahí Star Wars (¿?). la falta directa de magia e imaginación desbordada hace la diferencia con lo fantástico. Y me di cuenta de que. Y en ese territorio. incluso pueden resultar contradictorios. que es al mismo tiempo rebelde y limitada por la personalidad de sus personajes y la exposición de la violencia. por un lado es un recurso inteligente. a lo sumo. O somos genios. M: Si bien los libros están comenzando a tener una tendencia harrypotteriana. Ni siquiera estéticamente es agradable de ver. Para mí es una película para adolescentes y que. pero el otro nunca lo sabrá) pero al mismo tiempo es una trampa. leíste o lo que sea (o capaz no. Se quejan de lo superficial que es todo y nunca vieron la subtrama. Pero ninguna logra ser una película completa: las HP pretenden una alegoría de la lucha entre el bien y el mal. tiene varias líneas de lectura. o unos boludos bárbaros. y difícilmente pueda ser ignorada. cuando se los intenta aunar. el discernimiento entre lo real y lo ficticio es un tópico que hace mella en el espectador: tenemos cierta certeza de que lo real tiene una incidencia más fuerte en nosotros y por eso buscamos la mayor similitud posible. y no generar fanatismos absolutos. pero la temática teen no está del todo estandarizada y los conflictos amorosos tienen una complejidad que no estábamos acostumbrados a ver. Igual creo que es un paso adelante de las Crepúsculo y algunas HP.

BAFICI BAZOFI

Ok, Enough, Goodbye Tayeb, khalas, goodbye
Directores: Rania Attieh y Daniel Garcia | Duración 95’ | Países: Emiratos Árabes y Líbano | Año: 2011

el empeño del hijo en querer disimularlo. Con la cámara siempre acompañándolo, con planos fijos y sonido ambiente, se nos transporta a su realidad cotidiana, como asaltar la heladera y los miles de recipientes con comida preparada dejados por su madre, asistimos entonces al primer paso de su maduración: ya no va a acatar más las reglas de una dieta impuesta, ahora va comer todo lo que quiera. Pero algo sucede durante el film, y

»Micaela Garuzzo«

Salto a la adultez de un hombre adulto

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an simple como esto: ciertas personalidades tienen la incapacidad de retener a su lado a los seres amados. Pero, ¿quién tiene asegurado el amor para siempre? Esto nos identifica con el protagonista sin nombre, característica que lo hace aun más accesible. Dependiente, inadaptado, edípico, no puede conservar nada. Ese es el mensaje del film. Rania Attieh y Daniel Garcia muestran, a través de varias situaciones en la vida de este personaje, cómo se llega al hartazgo y al abandono sistemático. Desde su madre a una prostituta. Desde lo más profundo a lo más superficial. Con escasos diálogos pero con miradas arrolladoras que lo dicen todo, la película transcurre en Trípoli, Líbano, donde el protagonista atiende una pastelería poco concurrida y come su propia producción. Un nene, vecino del protagonista, es tomado como el toque cómico de este drama existencial. La energía que pone para incentivar la re-

lación con el adulto varía entre la ternura y la crueldad. Y en esa crueldad también se encuentra la sabiduría de la infancia, porque para este nene está muy claro que se está enfrentando con un par. Se siente capaz de entablar una amistad porque no considera a este adulto como superior. El abandono más traumático (y base del film) es el de la madre del protagonista, pero la manera en que se retrata la relación es aun más desoladora. Situaciones como la necesidad de preguntar dónde está su madre antes de dormir, hace impensada una posible recuperación post-huida (porque sí, esa mujer verdaderamente huye de su hijo). Un juego de suplentes desfila delante de este cuarentón que oculta la fuga de su madre a los demás por vergüenza porque, en el fondo, entiende los motivos. Como si no hubiese sido suficiente el patetismo por el escape de una mujer de más de sesenta años, se le suma

se trata de una serie de secuencias que, al contrastar las texturas y la luz con el resto de la película, simulan ser videos caseros intercalados en la historia. Estos fragmentos aparecen una vez ocurrida la intervención en la trama de cada personaje, que se presenta mirando a cámara, hablando de sí mismo como si fuera un documental televisivo. El objetivo es el de remarcar las historias y dar la sensación de documental artificioso, porque se sabe que es una trama compuesta desde el inicio. Pero este detalle se utiliza para excluir al espectador de golpe, descolocándolo de la comodidad de la ficción. Ok, enough, goodbye es una película tragicómica. Las situaciones pasan por la vida de este hombre e intentan hacerlo evolucionar. Y poco a poco se nota una leve maduración pero, en el fondo, el espectador sabe que no va a lograrlo completamente. No existe la resolución de un conflicto, sino la sumatoria de todos de ellos.

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Michael
Director: Markus Schleinzer | Duración: 96’ País de origen: Austria | Año: 2011

»Luciano Mariconda«

La mala educación

n hombre llega en auto a su casa. Guarda las compras del supermercado, prepara la cena y acomoda la mesa con sumo cuidado. Las persianas bajan mecánicamente. Una vez protegido en su hogar, el personaje abre una puerta, y de la oscuridad, con lentitud, emerge la figura de un niño. Michael está compuesta por los peores vicios de la escuela Michael Haneke. La elección de historias con temas importantes o polémicos no es un conflicto en sí mismo, pero sí lo es el tratamiento narrativo que se emplea para contarlas. En este sentido, Markus Schleinzer opta por diferentes elementos que derivan en un film sórdido, de esos que convencen a la mayoría del público porque, en apariencia, son valientes al exponer una temática controversial. Sin embargo, detrás de cada decisión estética y discursiva, lo único que se observa es un alto grado de soberbia. La posición del realizador es clara con respecto a su prota-

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gonista: concibe, de esta forma, una película con odio al pedófilo. El problema es que a partir de esta postura, tan chata y sin matices, no hay interés en la investigación del personaje. En Tenemos que hablar de Kevin (para citar una obra reciente sobre el origen de un mal), no se busca entender al chico del título, pero sí comprender el contexto por el cual surgen los hechos que lleva a cabo. En Michael no hay valentía porque el director decide quedarse en la superficie de los actos. Para Schleinzer, lo que es malo, es así porque es así. Con relación al espectador, el director lo carga de cinismo. De su cinismo. Esto se observa en una escena en particular. El pedófilo cruza una calle y sorpresivamente un auto lo atropella. A continuación, se encuentra en el hospital con la pierna quebrada. Se escuchan unas voces que entran a la habitación y cuando se podría llegar a pensar que recibió visitas, se

hace presente el engaño. Esos familiares pertenecen a un paciente que se encuentra al lado de Michael. Este lamentable paso de comedia denota al menos dos cosas: primero, el realizador hará todo lo posible para humillar a su personaje, y segundo, su medio para concretarlo será a través del humor rancio, fácil e inconexo del relato. Sobre el final, el espectador, ya adiestrado, buscará ver la cara de la madre del protagonista descubriendo al menor encerrado, pero el director se lo impide. Schleinzer aprendió lo peor: ser un director más grande que los personajes, el público y la vida.

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Alvorada vermelha Red Dawn
Director: João Rui Guerra da Mata, João Pedro Rodrigues | Duración: 27’ País de origen: Portugal | Año: 2011

»Micaela Garuzzo«

Sangre y agua

eletransportación a Macao, China. Una calle solitaria, un anónimo zapato de taco aguja abandonado en el asfalto del tránsito nocturno. De madrugada, quizás a las 4 de la mañana, se abren las puertas de un enorme mercado. El gran mercado rojo de Macao, adonde llegan miles de animales para la venta y el consumo directo. Los directores eligen el momento del día que consideran más importante, cuando cada puesto se prepara para el recibimiento de los clientes. Muestran los aspectos más confidenciales, aquellos a los que no podemos acceder como simples compradores. Vemos llegar camiones con barriles llenos de agua con peces (sí, peces, porque aún están muy vivos) que se van repartiendo a los distintos puesteros. También hay gallinas en jaulas y reses de cerdo. El significado es claro: le dedican tan poco tiempo al momento de la venta y al dinero que casi no se
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ve, que nuestro interés por la preparación es absoluto, hasta el punto de olvidar si realmente se mostró en algún momento a la gente comprando. No hay diálogos, no hay música. El ritmo lo imponen el montaje y las imágenes, el sonido de los cuchillos actuando, penetrando la carne. Es una danza de sangre y sacrificio animal que puede impresionar. La matanza de gallinas perturba en cuanto a la sistematización del trabajo más que por la posible agonía del animal. Y en el fondo descubrimos que todos los pollos que comemos (sea acá o en China) pasan por un proceso muy similar. Los peces son símbolo de la frescura, de lo vivo, lo activo, lo no-muerto y, por ende, lo no-contaminado. Hay peces de todas las especies posibles y la insistencia de planos que muestran la agonía de los animales mutilados, sin cola ni escamas, sin tripas ni aletas, poco a poco provocan escalofríos.

Si bien no es un documental hablado, el locutor terminó siendo el espectador y eso se notó en la sala: las imágenes provocaron la necesidad de manifestar en ese instante lo que uno sentía y compartirlo con el compañero de butaca, el murmullo se expandió y no fue tan molesto. Pero un detalle en particular hizo dudar aun más de nuestra calidad de espectadores, y es que olvidamos que entre los barriles con animales marinos vimos nadar una sirena. Sí, aquella sirena de la presentación recorre el agua infinita de los recipientes expuestos a la venta. Por momentos artificial y computarizada, por otros, imperceptible. Y es por eso que al final olvidamos que estuvo allí, pero termina siendo es el detalle más artístico y personal que los directores volcaron en el film.

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Eighty letters Osmedesát dopisu
Director: Václav Kadrnka | Duración: 75’ País de origen: República Checa | Año: 2011

rando un efecto circular que evidencia que la vida no se resuelve en un día, por más agotador y prolongado que haya sido. Esta dilación es la protagonista principal del film. Está presente en todo momento, tanto en la historia como en la forma de mostrarla. La cámara sigue todos los pasos de los personajes y refleja sus emociones. Juega con la paciencia del espectador hasta bordear lo aburrido, y llega al punto de

personajes entran a la oficina del hombre que tiene el poder de otorgarles la visa para salir del país, la velocidad se pierde y todo parece ir en cámara lenta. Es el mismo efecto que se produce en la realidad cuando una persona está con el tiempo justo y se encuentra con alguien que simplemente va a otro ritmo, más calmado. El hombre revisa los papeles, uno por uno, lentamente, y la cámara muestra esa acción del

»Florencia D’Angelo«

Efecto tardío

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a paciencia es decisiva a la hora de lograr un objetivo: hay que trabajar incansablemente para llegar a la meta. Y Eighty letters cuenta, justamente, la odisea por la que tiene que pasar una familia para volver a estar junta en un lugar mejor. La historia está basada en el recuerdo que tiene el director Václav Kadrnka de la emigración junto a su madre de su tierra natal cuando era adolescente. Checoslovaquia 1987. Un chico acompaña a su madre a gestionar la salida del país para que ambos puedan reunirse con su padre en Inglaterra. Un día sin descanso de trámites burocráticos, de idas y venidas por despachos recolectando papeles, y la espera, la insoportable espera signada por el sonido de un bolígrafo que a veces hace de melodía, y otras, de instrumento de cercanía entre la mujer y su marido ausente. Ese sonido, que da comienzo a la película, sirve para concluirla, gene-

irritarlo. El travelling que sigue a unas piernas que caminan rápido para denotar prisa y desesperación es un tanto cliché, pero efectivo. El director utiliza este recurso, sin embargo, decide darle un nuevo giro: a la prisa le agrega el estiramiento del tiempo normal (por lo menos para una imagen así), y convierte a la secuencia en algo interminable. Se suceden pasos y pasos del chico y su madre (que se apresura para alcanzarlo) por un camino que no parece tener fin. Estos detalles unen a los personajes y al espectador que, al empatizar con ellos, se desespera también. El camino sin fin de esa gestión es para los protagonistas el equivalente del rumbo que parece tomar la misma película. Ninguno sabe cuándo terminará y la ansiedad crece… La misma sensación se produce en otras escenas, pero en ellas ni siquiera se puede disfrutar de una acción, o por lo menos, de un movimiento vivaz. Cuando los

mismo modo. Es, probablemente, la escena más larga y con menos montaje del film, llevando el nivel de tolerancia del espectador a cero. Este es el alma de Eighty letters. Personajes que dicen poco -con palabras al menos-, planos eternos, desasosiego, incertidumbre al ritmo de un bolígrafo. Es una película que requiere salir del cine y mirarla retrospectivamente. Sólo de esa manera se puede apreciar el logro del director, que lleva a cabo exitosamente la tarea de contar esta historia tan personal para él, y que el público pueda comprender la angustia de vivir lejos de un ser querido, de no tener la posibilidad de comunicarse, y de no ser dueño de su propia libertad.

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se le reprochó en su momento hacer siempre la misma película. pero este se basa. El placer en The day he arrives radica en el juego. Es recordado por sus películas. el protagonista camina por las calles de Seúl y alguien le saca una foto. 75 Pez dorado abril | mayo 2012 I De este modo.y entre gritos patéticos le pide que lo perdone. todo vuelve a comenzar. Un ejemplo: los personajes entran a un bar de noche y. en apariencia ligero. El Dorado y Río Lobo). y se habla de creencia porque. A pesar de ser amado en festivales. otorgarle matices a partir de la alteración espacio-temporal. pero que con- una identidad a sus protagonistas. para encontrarse nuevamente y en breve. el fuego ndudablemente Hong Sang-Soo le sonríe a cualquier crítica. A propósito. parten de una similar estructura convulsionada. las historias que filma cada año están en una sola película. Existe un argumento. es algo que no es importante analizar. Es interesante la visión de Hong sobre su personaje principal. Este llega a su ciudad de origen siendo profesor de cine. Partirá desde el mismo punto pero ahora sí se encontrará con su amigo. Hong realiza una serie de microhistorias que se suceden una tras otra. Memento de Christopher Nolan se basa en una alteración del tiempo y el espacio pero. comienza en la misma calle pero no se sabe dónde terminará. Para citar un ejemplo opuesto. justamente. pero su objetivo es darle »Luciano Mariconda« Todos los fuegos. igual a su ex novia (que es la misma actriz). en el presente. puede no estar del todo errado. probablemente el testimonio fílmico más interesante de su carrera. el protagonista decide irse con unos estudiantes (de cine) a beber y comer en un bar. Un ¿ex? director de cine vuelve a Seúl luego de muchos años para reunirse con un amigo. tiene una importante profundidad argumental. y el futuro. salen de día. lo sigue atormentando tanto en lo artístico como en lo sentimental. incierto. Son planteos que se construyen a partir de la eliminación de la solemnidad en el cine. es más un gran truco que una historia con un peso dramático específico. una amiga de éste y con la dueña de un restaurante. En este sentido. al igual que Hawks (en su trilogía de Río Bravo. Quedó fijo. La mayor virtud de Hong es transformar algo abstracto como el espacio y el tiempo en algo concreto. si los días se repiten o si son variaciones de una misma jornada. Termina borracho y decide pasar por la casa de su ex novia -a la que abandonó.BAFICI BAZOFI The day he arrives Book chon bang hyang Director: Hong Sang-Soo | Duración: 79’ País de origen: Corea del Sur | Año: 2011 Hasta este momento. aunque parecen transcurrir pocas horas en el medio. retoma un mismo camino para reforzar su propia visión cinematográfica. Sin embargo. Estos temas clásicos se ven en The day he arrives. Es continua la reiteración de personajes (muchas veces directores de cine) con melodramáticos conflictos amorosos. En la apertura de múltiples posibilidades cinematográficas que implican a los personajes y a las numerosas situaciones que llevan a cabo. Pero esta relación no se da exclusivamente por su argumento. que se reúnen alrededor de una mesa repleta de comida y alcohol. en igual situación. anclado en la actualidad. en la repetición. alterna estos elementos de forma lúdica. . para siempre. Si alguien dice que el film es la versión coreana de El día de la marmota. manipulable. Sobre el final. pero incluso estas quedaron relegadas al olvido. cuando el personaje se despide de su ex. ese es el gran problema de Nolan: nunca hay emoción ni cariño en los personajes. En ambas película existe una visión sobre la forma de hacer un cine. tangible. Es decir. Ramis y Hong. Cuando éste no aparece. En un ejemplo notable de creencia artística. hay una historia. temática y artísitica. En este caso. El pasado. Sus días como director parecen lejanos.

No hay causas. la decisión de dotar a sus protagonistas de una personalidad plana. es una enfermedad.BAFICI BAZOFI The Slut Director: Hagar Ben Asher | Duración: 88’ País de origen: Israel | Año: 2011 el tiempo. Se tiene que preguntar si es realmente necesaria una explicación. alguna señal de que están vivos. mínima. La sensación que deja el final de la película es de incertidumbre. 2012 abril | mayo Pez dorado 76 . a esperar que lo sigan sorprendiendo. al espectador. El final de The slut tiene eso. acartonada. y dejarla ir ni bien comienzan los créditos finales. esperando que en esta ocasión se haga la excepción. Pese a esos escapes. Tamar (Hagar Ben Asher) es una mujer que no puede dejar de acostarse con diferentes hombres. Tamar tiene dos hijas y una pareja que. al cual engaña cada semana coqueteando con otras »Nahuel Rodriguez Acosta« Eterno disconforme o hay profundidad. finalmente. ya no hay exclusividad. Hasta que. No es simple. de lo incierto. Esa ambigüedad es la que puede hacerla tan interesante como olvidable. pese a engañarlo reiteradamente. no sé por qué uno se queda con el mal sabor. lo lleva a querer conocer otra obra. Si en todo el transcurso de la historia nunca se dio un intento de justificación a lo que sucede. sin demasiada intensidad sentimental. cicatriza la herida. aunque su intensidad no llegue a motivar lo suficiente. pero la relación directa que se puede entablar con esta adicción es la cinefilia. y el espectador tiene que enfocar el ojo en otras cuestiones. puede hasta parecer aberrante y se tiene que dejar pasar la irritación por ese final para poder valorar esta película desde otro punto de vista. El choque es más grande aún cuando se presentan situaciones que deberían generar una reacción en los obras de otros directores. perdonando los errores. Las cosas suceden. La curiosidad de lo nuevo. cualquiera que surja en la semana. es una forma de evitar la identificación. Quizás desde esa actuación fría. pero que no cautiva. Pero a veces. para lograr una interpretación que no se encuentra en la primera lectura. ese realizador predilecto tiene sus fallas y la decepción surge. uno lo sigue eligiendo por sobre todos los demás. aunque haya pasado por sus retinas una obra maestra que difícilmente sea superada. Porque la verdad es esa. O quizás tomarla simplemente por lo que es. si puede entregarse al placer de ver dos cuerpos. En este film. se quiera significar algo más que un modo personajes. real y mostrado. por más que carezcan de la profundidad a la que siempre se jactó de valorizar. Los personajes realizan diversos actos sexuales. pero nada sucede. y hace buscar reparo en películas de escape. quizás no tan rápidamente como en el film de Hagar Ben Asher. el giro que deja descolocado hasta al más fanático. rescatando los aciertos. No es un tema de fidelidad y riesgos. como la del resto de los actores del reparto. el cinéfilo consume todo lo que puede. elige hacerlo parte de su familia. Esa impresión inicial se va disipando con N distinto de representar la historia de una ninfómana. no importa cuáles. Es incapaz de satisfacerse completamente. el enojo con la obra también y se pueden destacar un par de cuestiones que van más allá de la trama ficcional. Siguiendo con la relación «protagonista igual público». entonces. Siempre quiere más. a revalidar su título de adicto a las películas. Cada uno tiene su elegido. En la pasión por ver películas. No hay explicaciones. Es el acto que rompe el encanto. en ese sentido. pero igual permite volver a cobijar a ese elegido entre tantos. algún atisbo de enojo. De esta manera se le propone un análisis mayor al espectador. The slut es una película en la que hay mucho sexo. el rol de ese hombre puede ser el del director preferido de cada espectador. No se sacia nunca.

BAFICI BAZOFI Masterplan Dirección: Diego y Pablo Levy | Duración: 87’ | País de origen: Argentina | Año: 2012 ariano. A diferencia de la primera parte. comicidad y cadencia: la cámara del espectador en este nulo partícipe narrativo. su mundo cambia. Los Levy extienden esta idea durante noventa minutos: no hay interés en la acción o en los tópicos del subgénero de estafas. Pero cuando más tenía para ganar. adquiere un sentido menos dinámico: tanto los chistes como los movimientos quedan relegados a la pereza narrativa. Sobre este personaje. En Austin Powers. como si detrás de la mirada de los realizadores hubiese un dedo apuntando hacia él. agilidad y ritmo. lo que hasta ese momento parecía infalible. un objeto tan preciado como su propia vida. desaparecen. Pocas veces el cine por no decir nunca. Le informan que su esposo ha muerto. Y por momentos. Un camino similar transita Masterplan. Evil muere. Sin embargo. sino en cómo esto afecta la vida de Mariano. Su amigo sale corriendo y ambos se escapan en el auto. la segunda mitad se inspira en artistas ligados al cinismo. quieto. Escenas como la del restaurante chino. le cuenta a su hijo la mala noticia y dice: «La gente no sabe cómo esto afecta a una familia». En este sentido. que se puede encontrar hacia el final de la película de los Levy: la indiferencia ante los géneros como si se tratasen de una mala palabra. Este hombre es víctima de un engaño fallido pero también es culpable. Incluso. Y quedan momentos curiosos por su inclusión en la historia: no se termina de entender la secuencia del hombre en la pileta o las conversaciones con el vagabundo. nunca vuelve a tener una participación central. la primera parte del film cuenta cómo la vida del protagonista se ve afectada por una estafa infantil que pone en peligro toda su (amarga) existencia. Entre ellos. como si los Levy no supiesen cómo terminar su relato. espera en el auto mientras su amigo estafa algunos negocios con su tarjeta de crédito. cometen un error bastante común. directores que recargan con extrema crueldad las acciones que realizan sus personajes. Masterplan se retira.la historia hace una pausa. International Man of Mystery (gran película de Jay Roach). Una mujer recibe un llamado. los planos están centrados. A su vez. Cuando todo se complica. En el medio. . triste. gestos y diálogos. los directores lo demuestran en la imagen misma: no hay prácticamente una escena que 77 Pez dorado abril | mayo 2012 sin necesidad de detenerse un momento para analizar lo que ocurre. la dupla Cohen-Duprat y los hermanos Coen. pero en vez de continuar con la acción del protagonista luchando contra su enemigo -como ocurriría en cualquier film de James Bond o de superhéroes. esa cámara que se equilibra entre la libertad y la condena. y que. Abandona ideas. Por lo tanto. ni tampoco se explican los detalles que hacen al engaño. La atención que le da a su cotidianeidad es nula –tanto a su familia y su novia como a la mudanza que realiza con ella-. todo queda suspendido en algo que no parece llevar a ninguna parte. que estanca al film como a la vida de Mariano. a su vez. Las amenazas parecen ser tan reales como producto de la paranoia: así se presenta el empleado que investiga el robo del auto. da un vuelco. Ella. La solución ante el conflicto recae en M ilustre el plan maestro del título poniéndose en práctica. lo que hacen los directores es excelente. Todo sucede rápido. Y en si los primeros treinta minutos se recurría a la mejor tradición de la comedia. es así. la película comete un grueso error: deposita la atención »Luciano Mariconda« Bipolar el falso robo del coche de Mariano. Todos los elementos que ponen la vida del protagonista en peligro son acumuladores de tensión. La primera parte del film es casi perfecta. El primer minuto de Masterplan contagia a los treinta que le siguen.se había centrado en el trasfondo dramático de un personaje que es puro relleno. Mariano se involucra en un fraude al que fue arrastrado por su amigo. que funcionan como ejemplo de una sincronización perfecta de miradas. Todo se basa en el dinamismo: con gracia. por ejemplo. Uno de los secuaces del Dr. Pero lo más llamativo en estos primeros treinta minutos es la manera en la que la cámara se posiciona frente al protagonista. hay un chiste genial.

En esta película. con sentido del humor y. sobre todo. por lo que no estuvieron exentos de rayas y saltos. Ellos son los encargados de desbaratar a fuerza de patadas kara2012 abril | mayo Pez dorado 78 . Sin duda. con cada exhibición. Pero también es un espacio para el pleno disfrute cinematográfico. los films marginales y el cine exploitation.O. Las copias exhibidas. junto a Jim Kelly. se armó con una programación sin snobismos. el artista marcial negro de Operación Dragón (Enter the Dragon. para dar lugar a una ecléctica programación que se debate entre lo popular no-canónico. 1974) que sobrepasa todos los límites del absurdo y el entretenimiento descerebrado.) y el festival tuvo tal repercusión que se agregaron funciones extras para volver a pasar los «grandes éxitos» de las primeras dos semanas. fueron los celuloides de 35mm originales distribuidos en el país en la época de sus estrenos. le agregaron un encanto extra a las proyecciones. alejado de la solemnidad que suele caracterizar a este tipo de eventos. Fernando Martín Peña y Fabio Manes organizaron. lejos de ahuyentar a la audiencia. 1973). ideado por dos cinéfilos-coleccionistas. Un ejemplo de «proyecciónfiesta» se dio con la película blaxploitation La gran amenaza (Three the Hard Way. 1981). recordando que se estaba frente a un soporte físico con antigüedad e historia. figuraba entre los estrenos semanales y podía verse en cines continuados y salas de du- dosa reputación. con la intención de brindar al público joyas de las colecciones personales de los organizadores para revivir una época que ya no E existe. en su gran mayoría. la sala se convirtió en esos extintos cines que adornaban los barrios antes de sus penosos reemplazos por iglesias evangelistas y supermercados. muchísima gente se acercó a la modesta sala del Sindicato de Operadores Cinematográficos (S. más algunos agregados. el trío protagónico afro-americano se compone de los dos ex jugadores de fútbol americano devenidos actores Jim Brown y Fred Williamson. A pesar de no contar con sponsors ni publicidades –a excepción de la difusión por Facebook y algunas notas en unos pocos medios–. Este festival. el BAZOFI. entre el jueves 12 y el domingo 29 de abril. Así.C.BAFICI BAZOFI »Cristian Sema« Bazofiando… n paralelo al BAFICI. el extrañísimo y fascinante film de culto de Andrzej Zulawski. estos detalles. el BAZOFI se trata de un tributo a la época en que películas como Una mujer poseída (Possession. Sin embargo.

Las mejores pruebas de esto fueron las proyecciones de material exclusivo: las escenas de Soledad Silveyra desnuda en el backstage de La casa de las siete tumbas (1982) con el guionista Atilio Polverini como invitado especial. grabado. el coleccionismo cinematográfico demuestra que está lejos de ser una actividad egoísta. 79 Pez dorado abril | mayo 2012 . dibujo. una película «inspirada» en Psicosis de Hitchcock. la película nacional inédita programada como «película sorpresa» que los presentes juramos nunca revelar. Sin más. solo que. me permito un consejo: ¡¡¡A Bazofiar que se acaba el mundo!!!!! Galería Mar Dulce | Uriarte 1490 | Buenos Aires | Argentina Se especializa en obras de pequeño y mediano formato de pintura. el cine oriental de todas las épocas. Otra rareza italiana de la misma época. Don’t Look in the Basement) cuyos VHS fueron prohibidos por Margaret Thatcher en los ochenta junto a otras películas consideradas «violentas». Pero no sólo de sexo y violencia se nutrió el BAZOFI. sino como dupla presentadora que le agregó un toque de humor y anécdotas a cada función. Juan Carlos Romero (octubre-noviembre) y nuestra exposición especial para el fin de año Sweet for my sweet III (diciembre). La función obligada para los amantes del cine de terror fue No entres a la casa (Don’t Go in the House. realizadas por artistas rioplatenses clásicos y contemporáneos. el catálogo fue muy amplio y abarcó la animación de los 70 y 80. Don’t Go Near the Park. Futuras exposiciones para el 2012: Alfredo Benavidez Bedoya (mayo-junio). a Lisa Gastoni le provocan desenfrenados deseos sexuales. James Peck (septiembre-octubre). Junto a cada muestra principal exponemos una colectiva de artistas invitados. 1976) protagonizado por la transexual Ajita Wilson. Don’t Go in the House. ya que puede servir para el descubrimiento y difusión de obras desconocidas. fue La princesa desnuda (La principessa nuda. lo más destacable del festival fue el compromiso de Peña y Manes. esta vez proyectado en Súper 8. Este producto indescriptible. fotografía. un drama con elementos estilísticos similares a los de los giallos italianos. Por último. no sólo como curadores y dueños del material. 1946) cuya única copia en el mundo pertenece a la Filmoteca. 1980).BAFICI BAZOFI tecas y balas a una banda de neonazis que pretende eliminar a los negros de Estados Unidos infectando el agua corriente con un veneno que solamente afectaría a los ciudadanos de color. se proyectó en 35mm Cinemascope: Labios de azul sucio (Labbra de lurido blu. escenas eróticas estilizadas al mejor estilo de Jesús Franco y un enano saltarín desnudo. libros de artista y objetos. Otro film de culto. a diferencia de ese género donde los traumas de la infancia desencadenan impulsos asesinos. 1975). La maldición Ubangi (The Curse of Ubangi. mezcla una aburrida e inconducente trama de diplomáticos con pasos de comedia. Vale decir que Don’t Go in the House fue una de las cuatro películas con un título de advertencia comenzado con Don’t (Don’t Go in the Woods. Isol (julio-agosto). rarezas del cine mudo y hasta una proyección de Metrópolis con música de Giorgio Moroder. De esta manera. las antiguas filmaciones científicas de organismos unicelulares musicalizadas en vivo por Fernando Kabusacki y Los de Fuego. y muy difícil de encontrar en cualquier formato. y la performance Golpe a golpe que combinó la actuación en vivo de los anfitriones con filmaciones caseras inéditas del Golpe de Estado de 1930 y un relato reproducido por un wincofón. El público del BAZOFI reaccionó a este delirio vitoreando cada golpe y pose de estos héroes de peinado abultado. pero con una vuelta de tuerca incendiaria y violenta que la transforma en un film oscuro y sin sentido del humor.

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