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1900

1910

Art Nouveau o Modernismo, el cual incluía ideas procedentes de todas las disciplinas del diseño y el arte (arquitectura,
pintura, diseño de muebles, cerámicas, joyería, diseño industrial,ingeniería de la construcción,cine,fotografía, etc.),
acelerando la evolución en el arte de vanguardia y en el diseño, el Art Nouveau creó al diseño gráfico como oposición al
puramente tipográfico, no solo como un medio de comunicación de ideas nuevas, sino también para su expresión.
La tecnología proporcionó nuevos medios gráficos a ilustradores y diseñadores, afianzando al Modernismo como el estilo
dominante del siglo XX. Cabe destacar que las grandes invenciones que se produjeron entre 1850 y 1910 ayudaron a
difundir las comunicaciones visuales y a inspirar a los diseñadores, entre ellas tenemos: la máquina de escribir, el clisé pluma,
la trama, el proceso de impresión en color, la fotografía en color, la composición automática, la instantánea, la fotografía
de rayos x, la película de animación, las diapositivas de linterna mágica, entre otros.
Entre las influencias del estilo modernista en el diseño gráfico podemos resaltar que el estilo radical, anarquista, nihilista
de Dada y los experimentos tipográficos de cubistas y futuristas funcionaron como una línea divisoria. Es así como
se desecharon los estilos tradicionales de tipografía y layout, dando paso a la evolución de un estilo alternativo y
adecuadamente moderno de layout con nuevas tipografías mecánicas.
Los principios inspirados por la revolución que produjo en la industria, la arquitectura y la construcción, la nueva maquinaria
industrial, el automóvil, el rascacielos, la Torre Eiffel, los gigantescos edificios, las fábricas y los ferrocarriles, dieron paso a
la construcción modular en cuadrícula de los edificios de estructural de acero, la cual se convirtió en una metáfora para
la construcción de la página y en una herramienta fundamental del diseño gráfico, estos principios arquitectónicos se
aplicaron directamente a las artes gráficas en las estructuras básicas dentro de las cuales se desarrollaron los estilos.
1914
Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la amargura que invadió a los
círculos artísticos e intelectuales de la Alemania pre bélica, así como de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período
de entreguerras (1918-1939).

1916
El dadaísmo fue un movimiento anti arte que surgió en Zúrich (Suiza) en 1916 iniciado por Tristan Tzara, que se caracterizó
por sentimientos de protesta contra convenciones literarias, una actitud de burla total por las manifestaciones artísticas
literarias, por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones con
respecto al arte, creando una especie de anti-arte o rebelión contra el orden establecido en aquella época de comienzos
y mediados del siglo XX, en los periodos de la primera y comienzos de la Segunda Guerra Mundial Tuvo su área de influencia
no sólo en el arte gráfico sino también en la música; y surge como consecuencia de la quiebra de valores

1919
En 1919 se crea la Bauhaus en la ciudad alemana de Weimar, que establecería las bases del diseño moderno. El objetivo
de Gropius en la Bauhaus fue integrar todas las artes con la tecnología moderna y unirlas, con el fin de obtener un diseño
1920 disponible para todos los niveles socioeconómicos. Al asimilar sus métodos en la educación moderna del diseño la Bauhaus
se convirtió en un punto de origen, resaltando las formas geométricas, el espacio reticulado y el uso racionalista de la
tipografía. El potencial lingüístico de la teoría de la Bauhaus fue ignorado y el proyecto de un lenguaje visual se interpretó
aislado del lenguaje verbal.
La Bauhaus fue un lugar en el cual se unieron diversas corrientes vanguardistas que se dedicaron a la producción de la
tipografía, publicidad, productos, pinturas y arquitectura. Las actividades de la escuela recibieron amplia publicidad en
los Estados Unidos a finales de los años treinta cuando muchos de sus miembros emigraron a este país, así la Bauhaus fue
equiparada al pensamiento avanzado del diseño. La forma visual se consideró como una escritura universal que hablaba
directamente con la mecánica del ojo al cerebro. En el mismo orden de ideas, la palabra Gráfico se utilizó para referirse
tanto a la escritura como al dibujo, y su trazado se percibe como una Gestalt: una forma o imagen simple.
1923
“En 1923 Kandinsky proclamó que hay una correspondencia universal entre las tres formas básicas y los tres colores
primarios.”
1925
El Art Decó surge rompiendo con el modernismo en los años veinte y en la Exposición de París de 1925 recibe el impulso
definitivo, . El nombre es la abreviatura en francés de arts decoratifs. entresacado del nombre de la exposición “Exposition
Internationale de Arts Decoratifs et Industriels Modernes”
En el plano gráfico la principal característica del Art Decó es la utilización de líneas definidas, contornos nítidos y formas
elegantes y simétricas. Respecto a los colores se utilizan los primarios brillantes.

En los carteles publicitarios las siluetas humanas son finas y delgadas, ligeras y elásticas, con vestidos rectos y entubados.
Las líneas del Art Decó son básicamente rectas y angulares, pero también curvadas, circulares y ovales, pero no con el
sentido floreado del Modernismo, sino con figuras geométricas como el hexágono y el pentágono. De la flora y la fauna se
toman: gacelas y galgos, ligeros y elegantes elefantes, osos, palomas y sobre todo panteras y garzas girasoles y helechos,
plantas simétricas como las palmas y los cactus.

En septiembre de 1924 el gobierno mandó, a los maestros de la Bauhaus, una carta de despido, alegando la necesidad
de hacer economías. Los motivos que impulsaban al gobierno para imponer limitaciones a la Bauhaus eran de orden
ideológico. Cuando resultó evidente que las negociaciones por parte del gobierno se limitaban y que ya nada se podía
esperar, los maestros declararon disuelta la Bauhaus del Estado, en 1925.
1927
Diseño de la tipografía Palo seco Futura de Paul Renner, 1927, la Eurostile o la Industria.

1928 En 1928 se dieron una serie de conferencias en la Bauhaus sobre la psicología de la Gestalt, la cual es fundamental para
la teoría moderna del diseño y promovió una ideología de la visión como facultad autónoma y racional, mostrando los
modos en que una figura emerge sobre un fondo neutro que se le subordina como condición necesaria pero invisible de la
percepción.
1929
En 1929 para la Exposición Internacional de Barcelona Ludwig Mies Van Der Roche, que después sería director de la Bauhaus
1930 diseña el Pabellón Alemán, que es un ejemplo ilustrativo de las aportaciones de la Bauhaus a la disciplina del diseño.

1932
La Bauhaus de Dessau estaba financiada por el municipio; por lo tanto, era un instituto municipal, y como tal, estaba
equiparado a la Escuela de Artes Aplicadas de la ciudad, hasta la inauguración del edificio propio. La Bauhaus conservó
el título de Instituto Superior de Figuración hasta su disolución en septiembre de 1932 por orden del partido
nacional socialista.
1940

1949
En 1949, llega a México Vicente Rojo a reunirse con su padre, emigrado político, y muy pronto adquiere la nacionalidad
mexicana. Es considerado el artista más importante de la generación de la Ruptura. Expone en España en 1964 Iconos,
1950 mitos, geometrías y destrucción de algunos órdenes. Ha trabajado su producción pictórica en base a series como Señales,
triángulos y círculos, Recuerdos, usando puntos y líneas, o Escenarios, o la más larga México bajo la lluvia, con diagonales,
diagramas, colores.

El Arte Pop fue un movimiento artístico surgido a mediados de los años 1950 en el Reino unido y finales de los años 1950 en
los Estados Unidos. El arte pop desafió la tradición afirmando que el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas
de los medios de comunicación es contiguo con la perspectiva de las Bellas artes dado que el Pop remueve el material de
su contexto y aisla al objeto o lo combina con otros elementos para su contemplación. El concepto del Arte Pop no hace
tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.
El arte pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el uso de temas y técnicas basados
en dibujos proveniente de la «cultura popular», tales como en anuncios publicitarios, libros de comics y objetos culturales
«mundanos». El arte pop es comúnmente interpretado como una reacción a los entonces dominantes ideales del
Expresionismo abstracto. El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista
cultura existente en el arte, además que buscaba enfatizar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo
a través del uso de la ironía.

1960
1962 la definición oficial de la profesión se orientaba casi exclusivamente a las actividades publicitarias, ahora se extendía
hasta incluir áreas ubicadas bajo la rúbrica de la comunicación visual.

1970
En los comienzos de los años setenta, la unión entre el sistema racional y la elección intuitiva se convirtió en la preocupación
central para algunos diseñadores que laboraban en el idioma moderno, por ese motivo se pensó en las alternativas que
ofrecía el proyecto Neo moderno de personalizar los lenguajes modernos, aparte de retorno al ideal de una comunicación
universal libre de valores.
Otro notable diseñador de finales del siglo XX es Milton Glaser, que diseñó la inconfundible campaña I Love NY (1973)
1980
Llega a México el diseñador gráfico Félix Beltrán, de nacionalidad Cubana, y naturalizado mexicano, catedrático de la
Universidad Autónoma de México.
1990
Los avances tecnológicos y computarizados dieron paso a una gran evolución del diseño gráfico, facilitando herramientas
para la creación de diseños innovadores y de gran originalidad. Al respecto, cabe destacar el uso de programas como
Photoshop, Corel Draw, Phox-pro, Free Hand, Adobe Ilustrator, Macromedia Flash, Page Maker, entre otros.

Los programas como Corel Draw y Free Hand son los mejores programas gráficos de nuestra época, ya que han sabido
capturar la imaginación del artista, ofreciendo desde un principio la posibilidad de hacerla realidad. Además, han
solucionado con la evolución de sus programas, ciertas áreas problemáticas y al mismo tiempo han incorporado nuevas
herramientas, entre las mejoras destaca el perfeccionado modulo de impresión, el cual nos permite hacer uso de una
práctica mini-previsualización de la impresión.

En Corel Draw los clásicos efectos como las Mezclas o los Contornos han encontrado su lugar en un nuevo Menú de
Herramientas Interactivo. Este menú es un nuevo residente de la Caja de Herramientas y nos da acceso a todas las
herramientas interactivas. Estos cambios, nos obligan ha usar el programa de una manera más productiva y eficiente.

En otro orden de ideas, los programas como Photoshop permiten con sus múltiples herramientas crear y diseñar a base de un
material fotográfico, variedad de efectos especiales, con los que podemos lograr maravillosos fotomontajes, dibujos, efectos
de luces, texturas etc.

Durante el siglo XX, los medios de comunicación aportaron con su desarrollo tecnológico un mayor control del proceso
gráfico a los diseñadores, ya que en los años 90 las nuevas formas de comunicación de la era digital presentaron nuevos
desafíos, como es el caso del sistema de distribución de información World Wide Web (W.W.W.), contribuyendo a una rápida
evolución del diseño gráfico a nivel mundial.

Las páginas web son documentos electrónicos con enlaces de hipertexto o hipermedia que posibilitan la navegación virtual
por las informaciones disponibles en Internet. Hasta 1993 la labor de crear páginas web estuvo reservada a los técnicos en
informática que sabían manejar las etiquetas códigos HTML (Hipertext Markup Languaje / Lenguaje de Marcas de Hipertexto),
necesarios para la composición de los elementos de presentación visual, y por este motivo las páginas presentaban fondo
gris, texto y alguna decoración.

Con la incorporación de nuevas tecnologías y la llegada de los primeros editores HTML, la web posee ahora mucho más
colorido en sus fondos y también diferentes texturas, botones, barras y una infinidad de iconos. La w.w.w. es un nuevo y
complejo campo para el diseño gráfico, que permite múltiples posibilidades de añadir imágenes móviles en animación o en
video, fotos, gráficos y textos en un ambiente interactivo. Dreamweaver y Front page son reconocidos programas para la
realización de páginas web.