Johannes Vermeer

La lechera (1658-1660). Rijksmuseum (Ámsterdam)
Nacimiento Antes del 31 de octubre de 1632
Delft, Países Bajos
Fallecimiento 15 de diciembre de 1675 (43 años)
Delft, Países Bajos
Nacionalidad neerlandesa
Movimiento Barroco
Firma
Johannes Vermeer
De Wikipedia, la enciclopedia libre
Johannes Vermeer van Delft /jo ns vr me r vn
dlft/ (bautizado en Delft, el 31 de octubre de 1632 -
id. 15 de diciembre de 1675), llamado por sus
contemporáneos Joannis ver Meer o Joannis van der
Meer e incluso Jan ver Meer, es uno de los pintores
neerlandeses más reconocidos del arte Barroco. Vivió
durante la llamada Edad de Oro neerlandesa, en la cual
las Provincias Unidas de los Países Bajos
experimentaron un extraordinario florecimiento
político, económico y cultural.
La obra completa de Vermeer es muy reducida,
solamente se conocen 33 a 35 cuadros.
1
Esto pudo
deberse a que pintaba para mecenas, por encargo, más
que para el mercado de arte.
2
Pintó otras obras, hoy perdidas, de las que se tiene
conocimiento por antiguas actas de subastas. Sus
primeras obras fueron de tipo histórico, pero alcanzó la
fama gracias a su pintura costumbrista, muchas veces
considerada de género, que forma la mayoría de su
producción. Sus cuadros más conocidos son Vista de
Delft y La joven de la perla. En vida fue un pintor de
éxito moderado. No tuvo una vida desahogada, quizá
debido al escaso número de pinturas que producía, y a
su muerte dejó deudas a su esposa y once hijos.
Prácticamente olvidado durante dos siglos, a partir de
mediados del siglo XIX, la pintura de Vermeer tuvo un
amplio reconocimiento. William Thoré-Bürger
contribuyó a la consagración de Vermeer con unos artículos periodísticos muy elogiosos. Actualmente está
considerado uno de los más grandes pintores de los Países Bajos. Es particularmente reconocido por su
maestría en el uso y tratamiento de la luz.
Índice
1 Biografía
1.1 Formación
1.2 Vida familiar y trabajo
1.3 Últimos años y muerte
2 Obra
2.1 Pintura histórica
2.2 Paisajes urbanos
2.3 Pintura moralizante
2.4 Cuadros de mujeres
2.5 Representación de las ciencias
2.6 Alegorías
2.7 Dibujos
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Plano de Delft en 1652 (por J oan
Blaeu).
3 Evolución de su técnica
4 Importancia
4.1 Innovación artística
4.2 Consideración y fama
4.3 Éxito comercial
5 Falsificaciones
6 Influencia posterior
6.1 Pintura
6.2 Literatura
6.3 Cine
7 Véase también
8 Referencias
9 Bibliografía
10 Enlaces externos
Biografía
Existe poca información sobre la vida de Johannes Vermeer,
únicamente algunos hechos básicos anotados en registros y
documentos legales, así como comentarios sobre él de otros artistas.
Debido a esto, Thoré Bürger lo denominó la "Esfinge de Delft".
3
La fecha de nacimiento no se conoce con precisión, aunque se sabe
que fue bautizado como cristiano en la iglesia protestante Nieuwe
Kerk de la ciudad de Delft el 31 de octubre de 1632, bajo el nombre
de Joannis. Fue el segundo hijo, y único varón, de Reynier Jansz y
Digna Baltens. Su padre procedía de Amberes, y se trasladó en 1611
a Ámsterdam, trabajando como tejedor de seda, oficio entonces
propio de la clase media. En 1615 se casó con Digna, nacida en
Amberes, trasladándose con el nombre de Vos a Delft, donde abrió en
1641 una fonda llamada la Mechelen en recuerdo a una famosa beffroi (torre-campanario) de Malinas
(Mechelen en flamenco) que se encontraba en las proximidades del halle o plaza del mercado de la ciudad
de Delft. Allí Joannes realizó siendo casi niño los menesteres de comercio; tras el deceso de su padre, en
1652, Joannes heredó el local con los asuntos comerciales de su padre. Además, Reynier Jansz pertenecía
oficialmente al gremio de San Lucas de Delft como marchante de arte. Allí Jansz conoció a pintores como
Pieter van Steenwyck, Balthasar van der Ast y Pieter Groenewegen.
No obstante aunque Vermeer van Delft era de familia protestante, se casó con una joven católica llamada
Catherina Bolnes en abril del 1653. Fue un matrimonio desafortunado: además de las diferencias religiosas
(muy en ascuas para aquella época), la familia de la esposa era más rica que la Vermeer. Parece que él
mismo se habría convertido antes del matrimonio porque su progenie tuvo nombres del santoral católico;
además -entre otras cosas- una de sus pinturas llamada La alegoría de la fe, refleja la fe en la eucaristía, pero
no se sabe si se refiere a la fe de Vermeer o la de su comitente. Poco tiempo después de las nupcias, la pareja
se mudó a la casa de la madre de Catherina, Maria Thins, una viuda de buena condición económica que vivía
en el barrio católico de la ciudad. Vermeer habría vivido aquí con toda su familia durante el resto de su vida.
Maria tuvo un rol fundamental en la obra de este pintor: no solo la primera nieta fue llamada con su nombre,
también utilizó sus rentas para conseguir la fama de su yerno en el mundo del arte. Johannes y su esposa
tuvieron quince hijos e hijas, cuatro de los cuales murieron antes del bautizo.
Formación
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Militar y muchacha riendo (1658).
Sobre su formación como pintor no existe información segura. Se hizo miembro del gremio de San Lucas el
29 de diciembre de 1653 como pintor libre. A este hecho tuvo que precederle una amplia formación de seis
años de aprendizaje, pues sólo como maestro se podía ser miembro del gremio. Es posible que Vermeer fuera
alumno de Leonaert Bramer, hipótesis que no ha tenido mucho eco por las diferencias de estilo, a pesar de
que está documentada una relación entre ambos. También se han demostrado contactos con Gerard ter
Borch.
4
Asimismo se ha especulado con que fuera alumno de Carel Fabritius, que a su vez había sido
educado en el taller de Rembrandt. Esta hipótesis fue ampliamente aceptada desde que en el siglo XIX,
William Thoré-Bürger la defendió y sigue estando muy extendida, pero en la actualidad los expertos dudan
de su veracidad. En su lugar, se suele mencionar a Pieter de Hooch, que vivió en Delft entre 1652 y 1661,
como una de las principales influencias de Vermeer, ya que se puede reconocer el estilo de Hooch, refinado y
perfilado, en la pintura costumbrista de Vermeer.
Vida familiar y trabajo
Johannes Vermeer se casó el 20 de abril de 1653 con Catharina
Bolnes en Schipluy, un pueblo cerca de Delft. La madre de
Catharina, Maria Thins, se opuso inicialmente al matrimonio. Una de
las razones pudiera ser la confesión calvinista de Vermeer, mientras
que Catharina Bolnes era católica. Sólo tras la recomendación del
pintor católico Leonaert Bramer decidió Maria Thins aceptar el
matrimonio. Si Vermeer se hizo católico o no, sigue siendo discutido.
En 1660, Vermeer se trasladó con su mujer a casa de su suegra en el
Oude Langendijk. Con Catharina Bolnes tuvo quince hijos, de los
que como mínimo cuatro murieron siendo niños. Parece que
Johannes Vermeer no ganaba el suficiente dinero para poder
alimentar a su numerosa familia. Debido a que pintaba un promedio
de sólo dos cuadros al año,
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debía tener otras fuentes de
financiación. Se sabe que ayudaba a su madre en la tasca Mechelen,
en el Gran Mercado de Delft, que esta había heredado a la muerte de
su marido y en la que Vermeer muy probablemente tenía instalado su negocio de arte, una actividad muy
extendida entre los pintores neerlandeses del siglo XVII. En los años 1662 y 1663, así como en 1670 y 1671,
Vermeer fue decano del gremio (o gulde) de San Lucas. Como todos los artesanos del siglo XVII debía
pertenecer a un gremio para poder realizar su actividad y este a su vez fijaba las reglas con las que
trabajaban sus miembros. La posición de decano era muy influyente, lo que demuestra que Vermeer era un
personaje respetado en Delft.
Vermeer pudo ver en vida que sus cuadros alcanzaban altos precios. Pintó pocos cuadros para el mercado
libre del arte; sus cuadros eran en su mayoría para mecenas, como el panadero Hendrick van Buyten. Pero
no se sabe si los mecenas encargaban al pintor los cuadros o si sólo tenían un derecho preferencial a la
compra.
6
Ya se ha mencionado que además de su actividad artística, Vermeer trabajaba como experto en
arte. Así, por ejemplo, comprobó la autenticidad de una colección de cuadros venecianos y romanos que el
tratante de arte Gerrit van Uylenburgh quería vender por 30.000 florines al príncipe elector de Brandeburgo
Federico Guillermo I. Viajó en 1672 a La Haya, donde examinó los cuadros junto con el pintor Hans
Jordaens. Negó la autenticidad de los cuadros ante notario, declarando que el valor de los cuadros era como
máximo un décimo del precio solicitado.
Últimos años y muerte
En sus últimos años de vida empeoraron sus condiciones económicas, teniendo que pedir créditos. A causa
de la Guerra Franco-Neerlandesa iniciada en 1672, no pudo vender más cuadros. Según una carta del 30 de
abril de 1676 de Catharina Bolnes pidiendo el perdón de parte de sus deudas, comentaba que su marido tuvo
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Dama con dos caballeros o
Muchacha con copa de vino, hacia
1659-1660 (Herzog Anton Ulrich-
Museum, Brunswick).
que vender cuadros con los que comerciaba durante la Guerra a
menor precio de su valor.
6
En 1675, Vermeer enfermó y murió a los pocos días. El 15 de
diciembre de 1675 fue enterrado en el sepulcro familiar de la Oude
Kerk (Iglesia vieja, en español) en Delft. Su mujer tuvo que renunciar
a su herencia para anular las deudas y sus bienes fueron a parar a los
acreedores.
Obra
Su obra completa comprende 33-35 cuadros, difíciles de datar.
Todavía existen dudas sobre la autoría de los cuadros Dama sentada
en un virginal, La joven con una flauta, Diana y sus compañeras y
Santa Práxedes. La relativamente escasa producción de los cuadros
conservados ha tentado a los estudiosos para atribuirle una y otra vez
cuadros, que hoy son considerados en su mayoría como atribuciones
falsas.
Aunque por la época se le adscribe al Barroco, lo cierto es que la pintura conocida de Vermeer se diferencia
mucho de la de su época, en ciertos aspectos está por su "intemporalidad" y "cristalinidad" más cerca de la
obra de Jan Van Heyk; en efecto: a diferencia del barroco común la obra de Vermeer carece de muchos
adornos, es aséptica, con un aire casi cristalino, limpio, depurado, e intemporal como si detuviera el instante
en un momento claro y eterno. Su obra resulta así muy singular en cuanto a que es muy personal y por esto
difícilmente encasillable en un estilo; con una cristalina austeridad y una fidelidad obsesiva (muy ajenas al
Barroco más común) Vermeer -como en las perlas que adornan a las muchachas que ha representado- acaso
sin darse cuenta representa la fragilidad de la vida en retratos que parecerían -usando la nomenclatura actual
hiperrealistas- aunque de un hiperrealismo muy meditado y quieto y profundamente intimista, en ciertos
cuadros más que al barroco se aproxima al tenebrismo manierismo caravagiano, esto es ostensible en la
Muchacha con turbante.
Varios de los primeros cuadros de Vermeer se consideran pintura histórica. Este género consiguió en el siglo
XVII el nivel más alto de prestigio, por encima de la pintura de retratos, paisajes, bodegones y animales. En
época de Vermeer, dentro de la pintura histórica se incluía los acontecimientos de la Antigüedad clásica, los
mitos y leyendas de santos, además de motivos eclesiásticos y bíblicos. En la segunda mitad de la década de
1650, Johannes Vermeer cambió su interés hacia la pintura de escenas urbanas y costumbristas. La razón de
este cambio no es conocida, pero se supone que Vermeer no podía emplear las técnicas de la perspectiva e
iluminación en cuadros históricos como lo permitían otros géneros pictóricos. También el cambio de estilo se
pudo producir por la influencia de Pieter de Hooch y Jan Steen, que vivían ambos en Delft. Ambos incluían
en sus cuadros elementos arquitectónicos y figurativos de la vida diaria. Además, puede que Hooch, Steen y
Vermeer se vieran influidos por el ambiente de Delft e introdujeron cambios de contenido y estilo en su
pintura. Esta tesis podría estar respaldada porque los cambios de estilo de Steens y de Hoochs se produjeron
tras su llegada a Delft.
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Pintura histórica
En comparación con las obras posteriores de Vermeer, las tres pinturas históricas tempranas son de gran
formato: Cristo en casa de Marta y María, con 160 × 142 centímetros, Diana y sus compañeras, con
98,5 × 105 centímetros, y Santa Práxedes, con 101,6 × 82,6 centímetros. Un ejemplo del tamaño de sus
obras posteriores es Muchacha con turbante, de sólo 45 ×40 centímetros.
En el cuadro Cristo en casa de Marta y María, pintado hacia 1654-1655, Vermeer retoma una escena del
Evangelio de San Lucas: Jesús, estando en el mercado, es invitado a comer a casa de Marta. Mientras Marta
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Cristo en casa de Marta y María,
hacia 1654-55 (Galería Nacional de
Escocia, Edimburgo).
prepara la comida, María escucha a Jesús. Marta pregunta a Jesús por
qué no conmina a María a que le ayude y Jesús responde: «Marta,
Marta, tú andas preocupada y te pierdes en mil cosas: una sola es
necesaria. María ha elegido la mejor parte, que no le será quitada.»
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La historia era un tema tratado con frecuencia en la pintura desde el
siglo XVI, porque en ella se reflejaba bien el problema de las buenas
obras señalado por los protestantes, que las consideraban una acción
superficial y para las apariencias. La composición es sencilla en
comparación con otras obras posteriores y en forma de pirámide.
Marta, con una cesta de pan en la mano, está situada detrás de Jesús,
que está sentado en una silla y cuya cabeza está rodeada de una débil
aureola. En primer plano está sentada María en una banqueta, con la
cabeza apoyada en la mano. El gesto de María debía indicar
reflexión. Como señal de devoción frente a Jesús, no lleva zapatos.
El brazo extendido de Jesús señalando a María debía expresar que
ésta se había decidido por la mejor actividad. Vermeer empleó
contrastes de color fuertes entre el blanco del mantel y el rojo del
corpiño de María, así como con el azul de la toga de Jesús.
La segunda pintura histórica de Vermeer, Diana y sus compañeras, fue pintada hacia 1655-1656. Diana,
también llamada Artemisa, es la diosa griega de la caza y se la consideraba especialmente casta. En el cuadro
se la representa sentada en una piedra y rodeada por cuatro ninfas. En arte, Diana era representada a
menudo con vestido corto o desnuda bañándose; Vermeer la representa vestida, una concesión al
puritanismo que consideraba abyecta la desnudez. Así, una ninfa medio desnuda que se encuentra detrás de
Diana, vuelve la espalda al observador. El cuadro no tiene mucha acción, dos ninfas están sentadas con
Diana sobre una piedra, una se encuentra al fondo y observa como la cuarta lava los pies de Diana. Esta
acción ritual crea un nexo con el motivo cristiano del lavado de los pies de Jesús. La escena ocurre durante
el crepúsculo, por lo que las caras de las mujeres permanecen en la sombra. La oscuridad y la diadema en
forma de luna creciente son una alusión al hecho de que Diana es confundida a menudo con Selene, diosa de
la Luna. Al cuadro Diana y sus compañeras se le han encontrado fallos, sobre todo en la representación de
las posturas, por lo que se han expresado en repetidas ocasiones dudas de la autoría de Vermeer. Estas dudas
no se han podido ni confirmar ni negar hasta el presente.
Paisajes urbanos
Vermeer pintó dos cuadros relacionados con su ciudad natal: La callejuela y Vista de Delft. Los paisajes
urbanos eran habitualmente resultado de encargos públicos o privados, muy rara vez se pintaban para el
mercado libre. Razón por la que alcanzaban precios mayores que la pintura paisajística.
El cuadro Vista de Delft se pintó hacia 1660 ó 1661. Vermeer lo realizó probablemente con ayuda de una
cámara oscura desde un piso alto. La altura de su punto de vista queda patente sobre todo en las figuras de la
esquina inferior izquierda. El cuadro muestra una vista de la ciudad con el río Schie en primer plano.
Vermeer ordenó los elementos arquitectónicos en el cuadro paralelos al borde del lienzo, al igual que hizo sus
demás cuadros y al contrario que otros pintores, que intentan transmitir la vida interior de la ciudad con
calles que se adentran. Además colocó en primer plano dentro de la composición un área triangular de la
orilla del río. Este elemento, que fue introducido en la pintura por Pieter Brueghel el Viejo, ha sido empleado
con frecuencia, como por ejemplo en el cuadro Vista del Zierikzee de Esaias van de Velde. Vermeer empleó
para colorear el paisaje sobre todo colores ocres y marrones. Sobre los edificios en la sombra en primer plano
y los cascos de los barcos colocó puntos de color para representar la estructura de juntas y las
incrustaciones. La luz, que se introduce entre las nubes, ilumina sobre todo los edificios que se encuentran al
fondo y la torre de la Nieuwe Kerk. Con esta iluminación de la torre de la iglesia, Vermeer quería
probablemente hacer una declaración política.
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En la Nieuwe Kerk se encontraba la tumba de Guillermo de
Orange, asesinado en un atentado en 1584 en Delft, considerado como un héroe de la resistencia contra
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Vista de Delft es uno de sus cuadros más admirados,
hacia 1660-1661, (Mauritshuis, La Haya). Fue su
segundo y último paisaje urbano y corresponde a una
vista muy fiel. Seguramente se ayudó de una cámara
oscura. La impresión de la luz está expresada con una
inigualable maestría.
Muchacha dormida, hacia 1657
(Museo Metropolitano de Arte, Nueva
York).
España.
Pintura moralizante
La alcahueta, pintada en 1656, es el primer cuadro de
Vermeer que puede encuadrarse dentro de la pintura
costumbrista. Es probable que Vermeer se inspirara en el
cuadro de igual nombre de Dirck van Baburen que
estaba en posesión de su suegra, María Thins.
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El
cuadro aparece en varias obras de Vermeer como
insinuación del tema tratado. La alcahueta se puede
incluir en la categoría de los Bordeeltje, cuadros de
burdeles, que son una subcategoría de la pintura
costumbrista. El lienzo muestra a cuatro personas, dos
mujeres y dos hombres. Para clasificar con detalle la
escena faltan los datos, podría tratarse tanto de una
escena en un burdel como de una escena hogareña. En el
primer caso, la mujer de la derecha sería una prostituta y
el hombre que se encuentra detrás de ella sería un
proxeneta. La mujer vestida de negro sería la alcahueta,
que habría organizado el negocio. En cambio, si fuera
una escena hogareña, el cuadro representaría el inicio de una relación extra matrimonial. En este caso, la
alcahueta sería una mujer del vecindario que habría organizado el encuentro. En cuanto al hombre en el lado
izquierdo, podría tratarse del mismo Vermeer; siendo éste su único autorretrato. De las personas retratadas,
sólo se ven los troncos, ya que las piernas están tapadas por una mesa que se encuentra en primer plano. La
composición produce sensación de lejanía respecto a la escena en el observador. Como los cuadros
costumbristas también debían transmitir valores, a menudo contenían advertencias. El vino, representado por
la jarra y la copa en la mano de la prostituta, cuyas mejillas están sonrosadas por el alcohol, debía comunicar
que el ser humano debía permanecer de ánimo despierto a pesar de las tentaciones de los sentidos. El
aspecto central del cuadro, la venalidad del amor, sólo se representa indirectamente, con la mano abierta de
la prostituta que espera la moneda del proxeneta. Así, Vermeer es, en comparación con otros pintores que
emplean señales más drásticas, como por ejemplo Frans van Mieris, que muestra en el fondo del cuadro El
soldado y la doncella a dos perros copulando.
El cuadro Muchacha dormida, que fue pintado hacia 1657, es otra
obra de Vermeer con mensaje moralizante. La joven mujer pintada
está sentada a una mesa tapada con una alfombra oriental. La
alfombra forma en la parte anterior de la mesa un triángulo y
Vermeer la arregló junto con una jarra de vino y un plato de fruta. La
mujer duerme apoyada en la mano, con el codo en la mesa, con la
finalidad de subrayar el ocio. El vestido deja ver que no se trata de
una criada, sino de la esposa del señor de la casa, encargada de la
administración del hogar. Johannes Vermeer había incluido
inicialmente en el cuadro varios elementos significativos más para
hacer que la mujer tuviese más interacción. Así, un estudio con rayos
X mostró que en la puerta se encontraba un perro y en el fondo
izquierdo del cuadro un hombre, que fueron sobrepintados más tarde.
Con estos elementos la interpretación de la composición se hace más
fácil. El motivo del gusto por el vino se vuelve a retomar en este
cuadro gracias a la presencia de la jarra, pero también en su título
Muchacha bebida y durmiendo en una mesa que se le dio en una
venta el 16 de mayo de 1696: como consecuencia de la ingesta de
vino, el ama de casa descuida sus obligaciones en el hogar.
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Muchacha leyendo una carta, hacia
1657 (Gemäldegalerie Alte Meister,
Dresde).
Cuadros de mujeres
La mayoría de las representaciones de mujeres en los cuadros de
Vermeer están relacionadas con una narrativa en la que instrumentos
musicales u objetos del hogar influyen en la percepción de la acción.
Sólo tres cuadros se desvían de forma importante de esta tónica y se
pueden denominar retratos.
Es muy probable que las modelos, dadas las edades y aspectos de las
representadas, las jóvenes mujeres que con una minuciosidad
cariñosa pintara Johannes Vermeer, se trataran de sus propias hijas.
El cuadro Muchacha leyendo una carta, pintado hacia 1657 y, por lo
tanto, en la primera fase de Vermeer, muestra a una mujer con una
carta, que determina la acción en el cuadro. El elemento de la carta
fue retomado por Vermeer en otros cuadros. En este, la muchacha
está situada en el centro del cuadro, con una carta en la mano,
delante de una ventana abierta. En el lado derecho se ve una cortina,
en primer plano una mesa. La mujer está representada de perfil, pero
el observador puede ver su cara en un reflejo en la ventana. Que la
carta sea posiblemente de amor se puede leer en detalles, como la
fuente llena de manzanas y melocotones, en relación a la historia de
Adán y Eva. La cortina del primer plano puede reforzar esta idea, ya
que está abierta en señal de revelación, pero también puede tratarse de un elemento de la composición,
empleado a menudo por Vermeer.
En la mayoría de las representaciones de mujeres de Vermeer, la moralidad tiene un papel importante.
Incluso en los cuadros de mujeres tocando música aparece el tema. Un ejemplo es el cuadro Dama al
virginal o Dama parada cerca del clavicordio, pintado entre 1673 y 1675. Incluso el instrumento, un
«virginal» es un indicio de la virginidad de la muchacha pintada. El hecho se deduce sobre todo por que en
los Países Bajos del siglo XVII se cuidaba estrictamente de que la mujer llegase virgen al matrimonio. El
cuadro de la pared, con la representación de Cupido, representa un contraste a esta forma de entender la
moral.
El cuadro más conocido de Vermeer es su Muchacha con turbante o La joven de la perla, pintado hacia
1665. Su fama se debe sobre todo a su recepción moderna y a que la obra fue la imagen elegida para
representar una exitosa exposición en el Mauritshuis, en La Haya, en los años 1995 y 1996. La muchacha
está representada desde un punto cercano y sin atributos narrativos, lo que diferencia notablemente este
cuadro de las demás pintados por Vermeer. La identidad de la retratada es desconocida. Se podría tratar de
una modelo, pero también podría tratarse de una obra de encargo. El fondo del cuadro es neutro y muy
oscuro, pero multicolor y por lo tanto no es negro. El fondo oscuro refuerza la claridad de la muchacha,
sobre todo la de su piel. La cabeza se inclina ligeramente, lo que le da un aire de ensoñación. La muchacha
interactúa con el observador al mirarlo directamente y abrir ligeramente la boca, lo que en la pintura
neerlandesa a menudo indica una conversación con el observador. La ropa de la muchacha fue realizada en
colores prácticamente puros. El número de colores que se observan en el cuadro está limitado.
11
La
chaqueta de la muchacha es de color marrón amarillento y forma un contraste con el turbante azul y el
cuello blanco. El turbante, con el paño amarillo cayendo hacia atrás, es una señal del interés que despertó en
la época la cultura oriental, como consecuencia de las guerras contra el Imperio otomano. Así, los turbantes
pasaron a ser un complemento muy apreciado y extendido en la Europa del siglo XVII. Destaca sobre todo
una perla en la oreja de la muchacha, que brilla en la zona de sombra del cuello.
Representación de las ciencias
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El geógrafo, hacia 1668-1669
(Instituto Städel, Fráncfort del Meno).
Detalle de la musa Clío de
Alegoría a la pintura, hacia
1666.
En el cuadro El geógrafo, pintado en los años 1668 y 1669, así como
en el cuadro paralelo El astrónomo, de 1668, Vermeer trata las
ciencias. También hace referencia a la Cartografía en otros cuadros,
en los que el fondo está ocupado por mapas. La Cartografía era una
ciencia joven y todavía se encontraba en desarrollo. En el siglo XVII,
los mapas eran un objeto de lujo, pero, además de ser una señal de
riqueza, en los cuadros de Vermeer también representan el
conocimiento. Además, los mapas representan el poder de los Países
Bajos como potencia comercial, que traficaba con países lejanos. Los
Países Bajos pertenecían, Gracias a su imperio, a las potencias
coloniales más importantes del siglo XVII. Un ejemplo del uso de
mapas en los cuadros de Vermeer es Militar y muchacha riendo.
El geógrafo muestra al científico en medio del lienzo como motivo
central. El geógrafo lleva el pelo largo recogido detrás de la oreja y
está vestido con una toga larga. Sobre la mesa, en primer plano, hay
un mapa y una manta empleada para extender los mapas. Sobre el
armario del fondo hay un globo terráqueo. El científico comprueba con ayuda de un compás una distancia en
el mapa, pero en ese momento mira por la ventana. La luz le da en la cara, lo que indica iluminación y
sabiduría. La toga da al geógrafo un aire de misterio, lo que debe entenderse como una percepción del
científico generalizada en la época.
Con la representación de un geógrafo y un astrónomo, Johannes Vermeer retoma un importante cambio de
paradigma. Hasta el siglo XVII estaba mal visto el ocuparse de la extensión, forma e historia de la Tierra, así
como de las estrellas. Ello se entendía como temerario y contrario al plan divino. Y a pesar de ello
aparecieron ciencias que estudiaban de la Tierra y las estrellas desde finales del siglo XV. Desde el
descubrimiento de América, Asia y África por los europeos, los comerciantes, navegantes y nobles
necesitaron un mayor conocimiento geográfico, que se acumulaba en libros, mapas y globos.
12
Alegorías
Johannes Vermeer pintó además de sus cuadros realistas, que tratan habitualmente de asuntos banales, dos
alegorías en las que personificó temas abstractos y tomó posición a través de símbolos y referencias. Los
cuadros llevan por título Alegoría de la fe, pintado entre 1671 y 1674, y Alegoría de la pintura o El arte de
la pintura. En ellos Vermeer se basó en el conocimiento de Cesare Ripa de la iconografía.
El arte de la pintura fue pintado hacia 1666 y tiene un tamaño de 130×110
centímetros, que lo convierte en una de las mayores obras pintadas por
Vermeer. Muchos historiadores del arte consideran este cuadro el legado
pictórico de Vermeer. Así, Hans Sedlmayr empleó el título El elogio del arte
de la pintura. El nombre del cuadro se puede trazar hasta el pago de las
deudas tras la muerte de Vermeer, donde se dice que «es una pintura, [...], en
la que está representado el arte de la pintura.»
13
El cuadro muestra un taller de pintura, posiblemente inspirado en el del
propio Vermeer, ya que una mesa de roble como la que se puede apreciar en
el cuadro aparece en la lista de inventario del pintor. Sobre la mesa se
encuentra un libro, símbolo de la sabiduría y la contemplación, y una
máscara, que se debe entender como una representación de la escultura.
Como personaje principal aparece el pintor en el centro, delante de un lienzo
casi vacío. Está de espaldas al observador, de forma que mantiene su
anonimato. En el fondo se encuentra una joven mujer que sirve de modelo al
pintor. Lleva una capa de seda azul y una falda amarilla. En la mano
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izquierda tiene un libro, en la derecha un trombón. Sobre la cabeza lleva una corona de laurel, representando
la fama eterna.
El lienzo vacío es desde el Renacimiento símbolo de la idea artística que toma forma en el proceso pictórico.
Que el pintor trabaje en un cuadro mientras sobre la mesa permanece una máscara ha sido interpretado como
la competición de las artes, la Paragone. De esta forma, la pintura triunfa sobre la escultura. Estudios
modernos dan casi por seguro que la mujer no es simplemente una modelo o de Fama, sino que representa a
la musa Clío, musa de la Historia en la mitología griega. A favor de esta interpretación habla también el
mapa de Nicolaes Visscher colgado en la pared, al fondo, en el que aparecen las 17 antiguas provincias de
los Países Bajos antes de la paz con España en 1609. El mapa está rodeado a ambos lados con vistas de
ciudades y Clío aparece con su trombón, que es símbolo de la fama, delante de La Haya, con la vista del
palacio real. Esto se puede interpretar como homenaje de Vermeer a la Casa de Orange. El cuadro fue
pintado a comienzos de la Guerra Franco-Neerlandesa, que se extendió de 1672 a 1678, en una época de
desordenes internos en los Países Bajos, en la que la esperanza recaía sobre los Orange. Además, se revela
una actitud positiva hacia el Sacro Imperio Romano Germánico por ejemplo a través de la lámpara con el
águila bicéfala de los Habsburgo. De hecho, el cuadro no es tanto una alabanza a la pintura, sino más bien un
posicionamiento de Vermeer a la situación política del momento.
Dibujos
No existen dibujos que puedan ser atribuidos con seguridad a Johannes Vermeer. Su falta ha provocado que
muchos autores supongan que Vermeer no necesitaba estudios para sus cuadros. A esta idea se opone el
controvertido dibujo Muchacha con calentador de pies que es atribuido a Vermeer y datado en el año 1655.
Es un dibujo de 25,5 × 16,5 centímetros, dibujado con tiza sobre papel azul y se encuentra en la actualidad
en la colección de Museo del Palacio de Weimar. Los defensores de la atribución la fundamentan sobre todo
en parecidos estilísticos y el parecido del monograma que aparece sobre el calentador de pies con las firmas
sobre los cuadros Muchacha leyendo una carta y Vista de Delft. Aquellos que se oponen afirman que el
papel azul sólo empezó a fabricarse en siglos posteriores. Lo que se contradice con una noticia de Karel van
Mander, anterior a Vermeer y autor del Schilderboeks. Van Mander describió a un alumno del retratista
Michiel Miereveld de Delft: «es aplicado investigando la belleza más madura de la pintura, al dar color
emplea diferentes maneras inventadas por él mismo, también dibuja entre medio en papel azul [...]» Esto
indica que existía papel azul en el área de Delft mucho antes de Vermeer.
14
Evolución de su técnica
La obra de Vermeer fue realizada entre 1654 y 1675. Solamente tres de sus cuadros tiene fecha y de los
demás solo se estima el momento de ejecución por el estilo empleado.
15
El primero que tiene fecha es la alcahueta de 1656. Su estilo está muy alejado de los interiores y de los
paisajes que lo han encumbrado. Hay otros dos cuadros que deben ser anteriores a esa fecha, se trata de
Cristo en casa de María y El descanso de María, en ambos casos se consideran obras juveniles.
15
El género de interiores con varios personajes representados en una habitación había sido creado entre
1620-30 y se había consolidado en los Países Bajos. En La joven dormida, pintado sobre 1657, seguramente
posterior a La alcahueta, Vermeer se confiesa seguidor de este género.
16
En 1653, se había establecido en Delf, el pintor Pieter de Hooch, tres años mayor que Vermeer. Entre 1658 y
1660 realizó una serie de interiores que debieron asombrar por su calidad. Su influencia sobre Vermeer está
confirmada en cuatro cuadros que recuerdan de forma clara la manera de Hooch. Se trata de Muchacha
leyendo una carta, Militar y muchacha riendo, Dama bebiendo con un caballero y La lechera. Vermeer
reduce los personajes a 1 ó 2, pero sobre todo se dedica a representar los detalles con la máxima perfección,
como el pulido de la madera o la suavidad de las telas. En cuadros como la Dama bebiendo con un caballero
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En Mujer con una jarra de agua,
hacia 1662. Vermeer evolucionó su
técnica hacia un modelado más sutil,
evitando contrastes pronunciados y
usando una iluminación tenue. El
refinamiento es cada vez más
complejo.
La muchacha del collar de perlas
(1662-66). Es uno de los tres cuadros
de mujeres pintados en su mejor
momento. El amarillo y el blanco
determinan la luz y el ambiente.
consigue una unidad,
intimidad y serenidad que
sobrepasa la obra de
Hooch.
16
Las experiencias en Delft de
los pintores con el paisaje
urbano tuvieron un momento
magistral en la serie de
cuadros de Hooch fechados
en 1658, entre ellos el
sorprendente Patio interior.
Según Albert Blankert estos
cuadros de Hooch debieron
incitar a Vermeer a ensayar la
pintura de exteriores. Pero
Vermeer nuevamente realiza
un mejor cuadro, La
callejuela, donde en lugar de
un planteamiento en
profundidad como en Patio
interior representó en un mismo plano una sucesión de fachadas y
puertas con un colorido más claro y un modelado más preciso empleando su famosa técnica del punteado.
En esta técnica, también llamada pointillé (la cual no debe ser confundida con el "puntillismo"), los colores
transparentes los producía aplicando pintura perdidamente en capas granulares del lienzo.
17
Posiblemente después de La callejuela, Vermeer se aventuró con un paisaje exterior más amplio: Vista de
Delft. Se trata de una vista totalmente exacta y fiel y seguramente se ayudó de una cámara oscura. En ella
consiguió expresar la impresión de la luz con total maestría.
17
Estas obras, desde La muchacha leyendo una carta hasta Vista de Delft pintadas de 1656 a 1661,
corresponden a un mismo estilo. Se encuentra en ellas el mismo modelado firme y enérgico y el color es
aplicado en capas bastantes espesas, sobre todo en las partes claras.
17
En sus obras posteriores, la transición se estima en 1662, Vermeer utilizó otra técnica con un modelado
delicado, los contrastes pronunciados los evitaba, empleó una iluminación tenue y un refinamiento cada vez
más complejo. Es el caso de Dama con dos caballeros y La mujer del aguamanil.
17
Después realizó 7 cuadros pintados con minuciosidad y factura más madura pintados entre 1662 y 1666 pues
no pertenecen a su última época que surgió en 1667. Son las mejores obras de Vermeer.
17
Los tres primeros tienen una única protagonista femenina y son composiciones similares. Una mesa
horizontal recubierta con un tapete y con varios objetos contrasta con la verticalidad de una mujer de pie. El
trazado de líneas y el modelado de formas son de una gran delicadeza. Se trata de la Lectora en azul, La
tasadora de perlas y La muchacha del collar de perlas. Cada cuadro difiere en la luz y el colorido, en la
muchacha del collar el amarillo y el blanco dominan, la luz difusa y el azul son los colores de la lectora de
azul, mientras que una luz filtrada por una cortina naranja envuelve en penumbra la tasadora de perlas.
Vermeer dispuso estas figuras en una actividad que las mantuviera inmóviles buscando el recogimiento y la
armonía en reposo.
17
El momento cumbre de su arte
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Lectora en azul (1662-66)

La tasadora de perlas (1662-66)
La lección de música (1662-66)

El arte de la pintura hacia 1666
En los tres siguientes y buscó continuar con la minuciosidad de los tres cuadros de mujeres anteriores y
desarrollando un efecto espacio mucho más complejo. Tanto en La lección de música como en El concierto
estableció un potente ritmo entre los elementos que se suceden desde el primer plano hasta la pared del
fondo donde una serie de rectángulos (cuadros, espejo, clavicordio) contribuyen a resaltar esta alineación de
objetos en profundidad. En la misma línea desarrolló su gran obra maestra El arte de la pintura. Allí articuló
con una ejecución naturista, una composición compleja y un espacio inundado de luz, llegando a alcanzar su
máximo nivel. Por último, también en La joven de la perla alcanzó un efecto de gran naturalidad, se centró
en la mirada de la joven que constituye la esencia del cuadro, prescindiendo de todo la accesorio.
18
Después de la perfección de El arte de la pintura era difícil seguir progresando y Vermeer decidió cambiar
de estilo buscando la estilización. Así, en el cuadro Dama al virginal prescinde de detalles anecdóticos de
otros cuadros. Luces y sombra se ordenan de manera más rigurosa. Además para mostrar esa realidad más
simplificada vuelve a cambiar de técnica. Abandona las transiciones progresivas de color y opta por la
yuxtaposición de colores claros y oscuros. Realizó varios cuadros de esta forma como el astrónomo del
Louvre, pero donde consiguió mejorar en esta nueva técnica es en La encajera donde representó una mujer
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La joven de la perla, hacia 1665.
Corresponde al momento cumbre de
su pintura. La mirada es la gran
protagonista y se complementa con un
gran modelado del rostro, donde los
labios son un segundo centro de
atención.
concentrada en su trabajo, lo consiguió centrando la atención en el
rostro y las manos y prescindiendo de detalles que podían desviar la
atención. Consiguió la misma maestría en Una dama que escribe una
carta y su sirvienta donde combinando elementos habituales
consiguió representar una serenidad que no se encuentra en cuadros
anteriores.
19
El estilo tardío se extrema en Mujer tocando la guitarra, algunos
detalles son tratados esquemáticamente, pero Vermeer que siempre
había optado por figuras inmóviles y tranquilas, abandona su ideal
que siempre había buscado haciendo reír y moverse a su
protagonista. a partir de 1672 vieren unos años de dificultades
económicas y parece que pintó una serie de obras por encargo donde
se aprecia su decadencia. Se aprecia en cuadros como Alegoría de la
fe donde prescinde de sus búsquedas y de sus hallazgos o en mujer
sentada tocando la espineta donde también se aprecia el declinar de
su fuerza creadora como en los pliegues del vestido que ya no tienen
su maestría o el cuadro ya no tiene no tiene su luz y aparece en
penumbra.
19
A lo largo de su vida, Vermeer trabajó lentamente y con sumo
cuidado usando colores brillantes, así como algunos caros pigmentos:
como el azul intenso que destaca en algunas de sus obras. No hay
dibujos que puedan atribuírsele exactamente a Vermeer y sus pinturas
ofrecen pocas claves sobre métodos preliminares. No hay otro artista
del siglo XVII que haya utilizado sus primeros trabajos, en forma tan
exuberante, el caro pigmento que manifiesta el tono lapislázuli o ultramarino natural. Vermeer no sólo
empleaba esta técnica en elementos de este tono; los colores terrosos y ocres debían ser entendidos como luz
cálida en una pintura fuertemente iluminada, que reflejaba sus múltiples tonos en la pared. Este método fue
inspirado muy probablemente por la comprensión que Vermeer tenía de las observaciones de Leonardo,
donde manifestaba que la superficie de todo objeto compartía el color del objeto adyacente.
20
Esto significa
que ningún objeto es visto propiamente en su color natural puro.
Destacable es el uso de este efecto con el ultramarino natural en Dama con dos caballeros o Muchacha con
copa de vino. Las sombras del vestido satinado rojo son pintadas con ultramarino natural, y gracias a este
azul puesto en capa de pintura, la mezcla de rojo y bermellón sobrepuesto adquiere un suave purpúreo, frío y
crispante que es más poderoso. A pesar de sus problemas financieros, Vermeer continuó utilizando el
ultramarino natural ampliamente; tal es el caso de la Dama sentada en un virginal.
Importancia
Innovación artística
Johannes Vermeer fue un precursor en la pintura en relación a los principios de la composición. Empleó una
división equilibrada de superficies, con las que también expresaba estructuras y situaciones complejas de
forma sencilla y con pocos elementos. La geometría tenía un papel importante en la composición. Vermeer
empleaba la luz de manera que casi llegaba a dar la impresión de que pintaba al aire libre. Además, no
empleaba tonos grises para representar sombras. Vermeer se destacaba en la restitución de la luz, de la
textura, de la perspectiva y de los colores trasparentes.
El pintor neerlandés Vincent van Gogh escribió al también pintor Émile Bernard:
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La callejuela hacia 1657-1658.
Inspirado por las fachadas urbanas de
Hooch ensayó aquí por primera vez la
pintura de exteriores. Usó un colorido
claro y un modelado preciso mediante
una técnica especial que empleaba,
denominada punteado.
Es cierto que en el par de cuadros que pintó, se puede encontrar
toda la paleta de colores; pero unir el amarillo limón, el azul
pálido y el gris claro es tan característico de él, como la
armonización del negro, el blanco, el gris y el rosa en
Velázquez.
Una y otra vez se ha afirmado que Vermeer empleó una cámara
oscura en sus cuadros para lograr el posicionamiento preciso de sus
composiciones.
21
Por ejemplo, Norbert Schneider escribió:
22
Sabemos hoy que Vermeer empleó una cámara oscura en la
mayoría de sus cuadros y, de hecho, de forma que no oculta las
condiciones de ese medio, sino que las hace visibles, como se
puede reconocer en la falta nitidez de los bordes y los puntos de
luz, el famoso «pointillé». Sus cuadros alcanzan de esta forma
una calidad «abstracta», ya que no reproducen la realidad tal
como es, sino tal como se ve, [...] Se puede decir que la
«cámara oscura [se convierte] en una fuente del estilo»
David Hockney entre otros historiadores y promovedores de la tesis
Hockney-Falco, también ha especulado que Vermeer utilizaba
cámara obscura, ratificando esta idea ciertos efectos de luz y perspectiva que resultaban del manejo de
lentes, en lugar del uso de directo de la vista humana.
23
No todos los expertos comparten esta opinión. Una multitud de estudios se han dedicado al tema. También
entre los estudiosos que afirman con seguridad que Vermeer empleó la cámara oscura, todavía surgen
importantes debates sobre la frecuencia con la que la usó.
24
Las discusiones comenzaron cuando el litógrafo
estadounidense Joseph Pennell señaló en 1891 por primera vez la «perspectiva fotográfica» del cuadro
Militar y muchacha riendo. Charles Seymour
25
y Arthur K. Wheelock jr.
26
afirman que Vermeer empleó
una cámara oscura en los cuadros Vista de Delft, Alegoría de la pintura, Mujer joven con sombrero rojo y
La encajera a causa del efecto visual de halo. Jørgen Wadum en cambio hace más hincapié en el desarrollo
de Vermeer y su calidad como pintor de perspectivas: trece cuadros tienen un pequeño agujero que fue
realizado con una aguja en el lienzo.
27
Consideración y fama
Jan Vermeer y su obra permanecieron en su mayor parte desconocidas durante su vida, ya que sus cuadros
no encontraron un público más allá de un pequeño círculo de conocedores y seguidores. La razón es su
escasa producción y que cuadros suyos llegaban sólo alguna vez a subastas.
28
Y aunque la calidad de la obra
de Vermeer era apreciada, su obra apenas suscitó atención. Johannes Vermeer no fue completamente
olvidado durante los siglos XVII y XVIII, pero era raramente mencionado en la literatura. Aun así, su obra
era alabada en general. A comienzos del siglo XIX creció el interés en Johannes Vermeer, a pesar de que
hubiese poca información biográfica disponible. Los cuadros de Vermeer fueron especialmente ensalzados en
los catálogos de subastas y alcanzaron buenos precios. Por otra parte, la obra de Vermeer fue retomada por
otros artistas, como por ejemplo Wybrand Hendriks, que copió la Vista de Delft y pintó cuadros
costumbristas al estilo de Vermeer. En 1821, Christian Josi publicó un artículo con el título Discours sur
l état ancien et moderne des arts dans les Pays-Bas, en el que intentó reunir toda la información sobre
Vermeer y que encumbró la obra del pintor.
29
Después de que el cuadro Vista de Delft fuese especialmente elogiado en la literatura especializada, el rey
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En Dama al virginal, hacia
1667 1669, hay una transición de
estilo buscando una estilización.
Abandonó las transiciones de color y
empleó la yuxtaposición de colores. Se
aprecia bien en el marco dorado de la
pared.
En La encajera, hacia 1669, mejoró
su nueva técnica de estilización.
Representó la concentración en el
trabajo cuidando el rostro y las manos
y prescindiendo de detalles que desvíen
la atención. Dalí, que tenía admiración
por este cuadro, realizó una copia y
una versión surrealista del mismo.
Guillermo I decidió comprar la obra a través del Mauritshuis. La obra
de Vermeer de la galería real del Mauritshuis llamó la atención del
coleccionista de arte británico John Smith.
30
Smith mencionó a
Vermeer en su catálogo de cuadros de Francia, Flandes y los Países
Bajos, que ocupaba ocho volúmenes. Smith explicó la corta fama de
Vermeer con su escasa obra. Como consecuencia, John Smith se
extrañó de su habilidad, tomándolo como un imitador y alumno de
otro pintor.
A partir de mediados del siglo XIX, la pintura de Vermeer tuvo una
amplia recepción. El publicista y político francés William Thoré-
Bürger conoció la pintura neerlandesa del siglo XVII durante sus
viajes por los Países Bajos y Bélgica, entre la que se encontraba la de
Vermeer. Thoré-Bürger reconoció que el realismo en la
representación de la vida diaria se correspondía bien con la estética
de su tiempo. Ayudó a la consagración de Vermeer con tres artículos
periodísticos muy positivos. En los textos, William Thoré-Bürger
catalogaba las obras de Vermeer y caracterizaba su pintura. Con los
trabajos de Thoré-Bürger Vermeer entraba por primera vez de forma
importante en la literatura sobre el Arte. Los impresionistas llegaron
a través de la observación de la luz a conclusiones similares a las de
Vermeer, en cuyos cuadros la luz se reproducía de forma natural. Así,
la obra de Vermeer consiguió cada vez más apreciación.
A principios del siglo XX, se descubrieron cuadros de Vermeer en
colecciones privadas, como por ejemplo Mujer joven con sombrero
rojo.
29
Estas obras habían sido atribuidas a otros pintores, como
Gabriël Metsu y Pieter de Hooch. Pero Thoré-Bürger y otros críticos
e historiadores del arte también atribuyeron a Vermeer cuadros que
no eran suyos, como los de Jacobus Vrel y Jan Vermeer van Haarlem.
El estudio de Vermeer en el siglo XX se ocupó sobre todo en la
identificación exacta de la autoría. No fue hasta 1935 que el museo
de Rotterdam le dedicó su primera exposición individual.
En la actualidad, Vermeer es uno de los pintores neerlandeses más
famosos. Así, en 1995 y 1996, 460.000 personas visitaron durante 14
semanas la exposición Johannes Vermeer en La Haya, en la que se
exponían 22 de sus obras. Más extraordinario fue que las entradas se
agotaran en la venta anticipada. En Washington D.C. la exposición
fue visitada por 327.551 personas.
Éxito comercial
Johannes Vermeer fue apoyado por mecenas, que compraron la
mayoría de sus cuadros. Una importante colección acabó en manos
de Jacob Dissius y su esposa Magdalena van Ruijven, dueños de una
imprenta, que según un inventario realizado después de 1682 poseían 19 obras de Vermeer. Algunos
provenían del padre de ella, Pieter Claesz van Ruijven. Otros pueden haber sido comprados por Magdalena
van Ruijven, Jacob Dissius o su padre, Abraham Jacobsz Dissius, ya en la venta de la herencia, realizada el
15 de mayo de 1677 en el local del gremio de San Lucas, se vendieron 26 obras de Vermeer. Así que es
probable que ambas familias compraran cuadros del pintor.
31
Comercialmente, las obras de Vermeer siempre tuvieron una posición destacada. El 16 de mayo de 1696 en
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Una dama que escribe una carta y su
sirvienta, hacia 1670, pertenece
también al periodo estilizado, combinó
elementos habituales consiguiendo
representar la serenidad con maestría.
una subasta de Gerard Houet, en la que se subastaron 134 cuadros,
21 de ellos eran aparentemente de Vermeer. Los precios exigidos por
estos cuadros se encontraban entre los 17 y los 200 florines. El hecho
de que sus cuadros alcanzaran precios tan altos es una señal de que
era un artista buscado. En la misma subasta, por ejemplo, un retrato
de Rembrandt se vendió por algo más de siete florines y la
Decapitación de San Juan Bautista atribuido a Carel Fabritius se
vendió por 20 florines, lo que subraya el valor de Vermeer.
Con la creciente fama y aprecio de la obra de Vermeer a principios
del siglo XIX, también aumentaron los precios, Así, El geógrafo se
vendió en 1798 por siete luises y en 1803 vendido de nuevo por 36.
Un año más tarde, el Estado neerlandés compró Vista de Delft por
deseo expreso del rey, por 2.900 florines, una cantidad muy alta en la
época y lo entregó al Mauritshuis.
29
A finales del siglo XIX se iban
negociando cada vez más cuadros de Vermeer a precios cada vez más
altos. Millonarios norteamericanos como John Pierpont Morgan,
Henry Frick, Henry Marquand e Isabella Stewart Gardner compraron
obras de Vermeer y fueron cortejados por los museos, para que se los
prestasen o quizás traspasasen la propiedad. Un ejemplo del
desarrollo de los precios es la Alegoría de la fe. En 1899, Abraham
Bredius compró este cuadro por unos 700 florines y lo prestó al Mauritshuis y al museo Boymans van
Beuningen. Bredius vendió finalmente el cuadro por unos 300.000 dólares al estadounidense Michael
Friedsam, que lo entregó en herencia al Museo Metropolitano de Nueva York.
32
Por 625.000 florines
compró Henri W. A. Deterding en 1921 el cuadro La callejuela de la colección Collectie Six, llamada así por
el coleccionista Jan Six, y se lo regaló al Estado neerlandés. Por voluntad de Deterding el cuadro se muestra
en el Rijksmuseum en Ámsterdam.
33
El desarrollo de los precios y la gran demanda convirtieron a Vermeer
en un autor atractivo para falsificadores.
En 1940, Adolf Hitler compró El arte de la pintura (Alegoría de la pintura) por 1.650.000 reichsmark a los
austríacos Eugen y Jaromir Czernin. Los impuestos de unos 500.000 reichsmark también fueron pagados por
Hitler. Anteriormente ya había habido varias ofertas, entre otras, una de más de seis millones de dólares del
secretario de estado de EE.UU. Andrew Mellon, pero no se dio el permiso de exportación.
34
El cuadro fue
comprado para el museo de arte que tenía planeado en Linz y, tras su compra, el cuadro quedó
temporalmente en Múnich. Hacia finales de la Segunda Guerra Mundial fue escondido en la mina de sal de
Altaussee y después de la guerra fue tomado prestado por los estadounidenses.
35
Estos entregaron El arte de
la pintura al Museo de Historia del Arte de Viena.
En 2004, Steve Wynn subastó Mujer joven sentada al virginal por treinta millones de dólares. Era la
primera vez que un Vermeer era subastado desde 1921.
36
Falsificaciones
Debido a que la autoría de Vermeer sólo se considera segura en 37 cuadros, ha habido una y otra vez
rumores sobre la existencia de más cuadros, cuya localización sería desconocida. Esta circunstancia ha sido
aprovechada para que falsificadores crearan cuadros de Vermeer supuestamente desconocidos hasta el
momento y los vendiesen en el mercado del arte. La demanda de cuadros de Vermeer era tan grande que no
podía ser cubierta por su escasa obra.
El neerlandés Han van Meegeren (1898-1947) creaba falsificaciones tan perfectas que incluso el experto en
Vermeer Abraham Bredius realizó peritajes sobre la autenticidad de estas obras. Bredius confirmó entre otros
la autenticidad del cuadro Cena de Emaús de van Meegeren, comprado por el Museo Boijmans van
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Mujer tocando la guitarra, hacia 1672.
El estilo tardío se extrema, algunos
detalles son tratados
esquemáticamente. Abandona su ideal
de figuras inmóviles haciendo reír y
moverse a esta mujer.
Beuningen de Rotterdam en 1938. Incluso el Estado neerlandés compró el falso Vermeer El lavapiés en
1943, que se encuentra en la actualidad en el Rijksmuseum en Ámsterdam. También el Reichsmarschall
Hermann Göring compró una falsificación de Han van Meegeren para la colección que estaba creando
mediante el expolio en los países ocupados de Europa durante la Segunda Guerra Mundial. La falsificación
era tan buena, que las autoridades neerlandesas también la dieron por auténtica y le acusaron de traición por
haber vendido bienes artísticos neerlandeses a los nazis. Para demostrar que él era el autor del cuadro en
cuestión, Van Meegeren compuso un nuevo cuadro atribuible a Vermeer ante el atento examen de la policía
neerlandesa. Las autoridades neerlandesas cambiaron los cargos de traición a falsificación, por los que Van
Meegeren fue condenado a dos años de prisión.
Además de Bredius, también Wilhelm von Bode y el director del Mauritshuis, Wilhelm Martin, realizaron
peritajes positivos para falsificaciones de Vermeer. Estos cuadros pertenecen en la actualidad a la National
Gallery of Art de Washington.
37

38
Entretanto existen métodos de estudio con los que se puede fijar con seguridad si un cuadro atribuido a
Johannes Vermeer ha sido pintado en la época adecuada. Falsificaciones en las que se empleó plomo
moderno o compuestos de plomo moderno en los pigmentos, se pueden detectar con ayuda del método del
plomo 210. El plomo 210 es un isótopo del plomo de la familia de desintegración del uranio 238, creado a
partir del radio 226 con un tiempo medio de vida de 22 años. Este tiempo de vida medio tan corto puede ser
empleado para identificar falsificaciones más recientes. Además, en la época de Vermeer se empleaba en los
Países Bajos plomo procedente del Mittelgebirge de Europa Central. A partir del siglo XIX se comenzó a
emplear plomo de América y Australia, de forma que la cerusa (el pigmento blanco) tiene trazas de
elementos y composición isotópica diferentes que se distinguen de la cerusa antigua. Este además se
caracterizaba por un alto contenido de plata y antimonio, mientras que la cerusa moderna ya no contiene
estos elementos químicos, que se separan del plomo por reducción.
Influencia posterior
Pintura
En pintura, Vermeer supuso una importante influencia para Salvador
Dalí. De niño, Dalí estaba fascinado por una reproducción de La
encajera de Vermeer que colgaba en el despacho de su padre. En
1934, pintó algunas obras relacionadas con obras de Johannes
Vermeer, como Masquerader, intoxicated by the limpid atmosphere
(«El que participa en un baile de máscaras, intoxicado por una
atmósfera límpida») o Espectro de Vermeer de Delft,
39
que
representa a Vermeer como una figura oscura arrodillada, de manera
que la pierna forma una mesa. Sobre la mesa se encuentra una botella
y una pequeña copa. En el cuadro Paysage avec elements
enigmatiques («Paisaje con elementos enigmáticos»)
40
del mismo
año, Jan Vermeer está representado frente al caballete. En 1936,
pintó Apparition de la ville de Delft («Aparición en la villa de
Delft»),
41
que muestra al fondo una parte de la Vista de Delft.
Salvador Dalí pidió permiso al Louvre para hacer una copia de La
encajera, que le fue concedido. De esta forma pintó en 1955 la
copia
42
y el cuadro Peintre paranoïaque-critique de la Dentellière
de Vermeer («Pintor paranoico-crítico de la encajera de Vermeer»),
43
en el que hace explotar el cuadro en forma de cuernos de
rinoceronte. Esta forma ya había aparecido en la niñez de Dalí,
porque al mirar el cuadro tenía que pensar en los cuernos.
44
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Mujer sentada tocando la espineta,
hacia 1675. Se aprecia la decadencia
de su fuerza creadora tanto en la
composición, como en la luz y los
detalles.
Salvador Dalí admiraba a Vermeer y comparó La encajera con la
Capilla Sixtina, señaló literalmente:
Miguel Ángel con su J uicio Final no es más extraordinario que
Vermeer van Delft con su encajera en el Louvre, de tamaño un
palmo cuadrado. Cuando se tienen en cuenta las dimensiones
plásticas, se puede afirmar que La encajera es extraordinaria
frente a la Capilla Sixtina.
Dalí
45
Literatura
Gran fama tiene la alusión al cuadro Vista de Delft en la obra del
escritor francés Marcel Proust. Proust viajó en octubre de 1902 a los
Países Bajos y vio allí, entre otros cuadros, también Vista de Delft de
Vermeer, que fue la que más le gustó.
46
Cuando en primavera de
1921 se mostró una colección de cuadros de maestros neerlandeses
en el museo del Jeu de Paume en París, Proust fue a verla, a pesar de
que estaba enfermo de asma y se había retirado de la vida pública, ya
que se mostraban Vista de Delft, La lechera y La joven de la perla. En la escalera de entrada a la exposición
tuvo un ataque de debilidad, que achacó a las patatas que había comido antes. Marcel Proust retomó tanto la
vista de Delft como su ataque de debilidad en su obra monumental A la recherche du temps perdu (escrito
entre 1913 y 1927, «En busca del tiempo perdido»), concretamente en su quinta parte, La Prisonnière
(1923, «La prisionera») con su personaje Bergotte. Gracias a una crítica, Bergotte ve fijada su atención por
un «trozo de muro amarillo» en la Vista de Delft. Este trozo de muro resulta todavía en la actualidad un
misterio, ya que no se ha encontrado en el cuadro. El lugar es descrito en el francés original como Le petit
pan de mur jaune avec un auvent y du tout petit pan de mur jaune («el pequeño trozo de muro con un
tejadillo»).
47
Ya que este elemento no está en el cuadro, actualmente se supone que o bien fue inventado por
Proust para su novela, o bien es debido a un fallo en su memoria.
Recientemente, Vermeer ha conseguido una gran popularidad gracias a la novela La joven de la perla de
Tracy Chevalier. El libro trata la cuestión de la identidad de la mujer que aparece en el cuadro La joven de la
perla, desarrollando una historia ficticia alrededor de la criada Griet, que hace de modelo. También es
ficción la historia de Susan Vreeland en su libro La joven de azul jacinto. En el libro, un cuadro ficticio de
Vermeer, Niña con costurero, que mostraría a la hija del pintor, es mostrado a través de sus dueños, desde el
presente hasta el mismo Vermeer, que sólo es tratado al final del libro.
Con El enigma Vermeer, el pintor llega a la literatura infantil. El libro de la autora Blue Balliett trata sobre
todo los cuadros El geógrafo y Dama en amarillo escribiendo. Este último es robado en la historia para
llamar la atención sobre el hecho de que algunos cuadros han sido atribuidos por error a Vermeer.
En 2005, Luigi Guarnieri escribió la novela La doppia vita di Vermeer («La doble vida de Vermeer»), que
cuenta la historia del falsificador Han van Meegeren, que consiguió hacerse famoso con sus falsificaciones
de Vermeer.
Cine
La obra de Vermeer no sólo dejó su huella en la pintura de Dalí, sino también en su obra cinematográfica. En
1954 Dalí y Robert Descharnes comenzaron los trabajos para la realización de una película titulada
L Histoire prodigieuse de la Dentelliere et du Rhinoceros o también L aventure prodigieuse de la
Dentelliere et du Rhinoceros. La película, relacionada con La encajera y el rinoceronte, no llegó a
terminarse. También en la película surrealista Un perro andaluz de 1929, coescrita por Dalí, aparece
J ohannes Vermeer - Wikipedia, la enciclopedia libre http://es.wikipedia.org/wiki/J ohannes_Vermeer
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brevemente La encajera como ilustración en un libro.
Peter Greenaway intentó reproducir las obras de Vermeer en su película A Zed & Two Noughts (1985; «Una
Z y dos ceros»). En la película All the Vermeers in New York (1990; «Todos los Vermeer en Nueva York») de
Jon Jost se menciona a menudo a Vermeer cuando una actriz francesa se encuentra con un agente en el
Metropolitan Museum.
En 2003, el director británico Peter Webber adaptó el libro La joven de la perla. La protagonista, Griet, la
criada, fue interpretada por Scarlett Johansson y Vermeer por Colin Firth. La película La joven de la perla
consiguió varios galardones y fue nominada a tres premios Óscar.
Véase también
Anexo:Cuadros de Johannes Vermeer
Un pintor en quien se inspiró: Pieter de Hooch
Su principal falsificador: Han van Meegeren
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Enlaces externos
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Artehistoria (en español) con lista de cuadros por orden alfabético (http://www.artehistoria.jcyl.es
/genios/pintores/a3661.htm), cronológico (http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/c3661.htm) y
galería (http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/gal3661-1.htm)
Essential Vermeer (http://essentialvermeer.com/) (en inglés)
Casa de Johannes Vermeer (http://www.xs4all.nl/~kalden/) (en neerlandés)
Vermeer Centrum Delft (http://www.vermeerdelft.com/) (en inglés)
Sobre el falsificador Meegeren (http://www.meegeren.net) (en inglés)
Vermeer y la pintura de género neerlandesa (http://www.nga.gov/collection/pdf/gg51sp.pdf) (National
Gallery of Art, Washington)
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Pintores del Siglo de oro neerlandés Pintores de escenas mitológicas
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