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BARROCO

 Texturas:
- Melodía acompañada: Tipo de textura musical, que aparece a finales del siglo XVI y
pervivirá hasta nuestros días (Ya que es un recurso muy utilizado en diversos géneros: Pop,
Rock,…) Se trata de una única voz solista que es acompañada por una serie de acordes, a
modo de relleno armónico, formados sobre una línea de bajo (Es lo que se conocerá como
Bajo continuo, característica distintiva del estilo barroco).
- Bajo continuo: Característica distintiva del estilo musical barroco. Consiste en una línea de
bajo, generalmente interpretada por un instrumento melódico de arco o viento de tesitura
grave, sobre la que se formarán una serie de acordes (Relleno armónico), interpretados por
un instrumento polifónico como clave, órgano o guitarra. Estos acordes pueden venir
indicados por el bajo cifrado, una serie de cifras y símbolos escritos sobre la línea del bajo,
que aportan información sobre la disposición, estado, incluso funciones armónicas del mismo.
Debido a esta forma de escritura, el relleno armónico es improvisado por el instrumentista,
dando lugar a múltiples interpretaciones de una sola pieza.

 Formas musicales:
- Suite: Obra musical compuesta por una agrupación de danzas de diferente carácter. Para
mantener la unidad, todos los movimientos estaban en la misma tonalidad, o en su relativo
menor. Las piezas básicas de la suite son Allemande, Courante, Zarabanda y Giga, aunque
podías intercalarse con otras como Gavotas o Minués. El conjunto de la suite podía estar
precedido por un preludio, y contar con un elevado número de movimientos. Otras
denominaciones de la Suite son Partita en Alemania, y Ordre en Francia (Couperin).
- Fuga: Procedimiento compositivo contrapuntístico. Se concentra en un tema (sujeto) y un
número de voces que se mantienen de principio a fin. Las voces alta (ST) y la voces graves
(AB) no se pueden suceder entre sí. Los elementos generales de una fuga son:
a) Sujeto: Es el tema principal. Una fuga siempre comienza con una exposición, que consiste
en presentar el tema en todas las voces de esta (La exposición es el único rasgo común a
todas las fugas)
b) Respuesta: Tema del sujeto transpuesto al tono de la dominante
c) Contra-sujeto: Son partes libres que acompañan al sujeto o a la respuesta. Cuando
acompañan a la respuesta, se suelen llamar contra-respuesta.
d) Episodios: Partes en las que no aparece ninguna entrada ni del sujeto ni de la respuesta.
El material temático utilizado no es nuevo, sino que es extraído generalmente del sujeto, de
la respuesta, o del contra-sujeto.
e) Estrechos (Strettos): Ocurren hacia el final de la fuga. En ellos, hay sucesivas entradas de
sujetos y respuestas en superposición, es decir, entra uno antes de que haya acabado el otro.
Esto produce una sensación de final. Normalmente, en esta parte se produce una aceleración
del ritmo armónico que culmina con la Coda final, en la que finalmente se cadencia. Otra
generalidad es el uso de una pedal de tónica o dominante hacia el final de la fuga.
- Aria: Melodía vocal solista, generalmente acompañada por orquesta, que se encuentra en
piezas líricas como óperas, oratorios o cantatas. Aparece a principios del S.XVII y su
evolución va ligada al desarrollo del teatro musical. A veces, dentro de una suite
instrumental, el término Aria se refiere a un movimiento melódico sin carácter de danza (Ej:
Aria de las “Variaciones Goldberg” de J.S.Bach). La estructura más habitual de esta es el Aria
da Capo, que se resume en el esquema de la forma tripartita (ABA)
-Recitativo: Composición en la que la frase musical está al servicio del texto completamente.
El Estilo recitativo nace a principios del SXVII, remarcando el texto en vez de oscurecerlo. A
finales del SXVII se puede hablar de dos tipos de recitativo:
a) Recitativo seco: Acompañado solo por los instrumentos del b.c. Servía para declamar una
gran cantidad de texo.
b) Recitativo acompañado: Acompañado por la orquesta, que no solo tenía la función de
sostén y relleno armónico, sino que introducía material temático importante.
- Obertura: Pieza instrumental que precede a una obra vocal larga (opera, oratorio), y a
veces a la suite. Durante el S.XVII se generaliza el color al principio de una ópera una corta
introducción instrumental con una alternancia de movimiento rápido-lento-rápido
encadenados.
a) Obertura Italiana: Desarrollada por Alessandro Scarlatti.
b) Obertura Francesa: Es la más utilizada en el Barroco. Desarrollada por Lully, consta de tres
partes (Tiempo lento-rápido y fugado-lento)
- Cantata: Obra vocal con acompañamiento instrumental en varias partes sucesivas,
independiente de una acción dramática. Surge a principios del SXVII, con un solo personaje y
poca instrumentación. A mediados de siglo, Carissimi la desarrolla ampliando la orquesta, los
personajes, y añadiendo conjuntos vocales. Se pueden dividir en dos subgéneros, Cantatas
de cámara y Cantatas de Iglesia. El maestro indiscutible fue Bach, cultivando ambos
subgéneros.
-Oratorio: Obra vocal de grandes dimensiones para solistas, coro y orquesta, de temática
sacra e interpretado sin escenificar. El nombre le viene del oratorio de S. Felipe de Neri
(Cádiz) donde se interpretaban lecturas bíblicas mezcladas con canciones. En un oratorio, el
hilo conductor es el narrador, que a partir de recitativos, narra la acción o texto bíblico que va
dando lugar a los diferentes número musicales (Arias, Ariosi, dúos, tríos y coros). La
culminación del género se encuentra con G.F.Händel, muy prolífico con el género.

 Instrumentos:
- Violín: Instrumento de cuerda frotada, formado por caja de resonancia, mástil, cuatro
cuerdas, y clavijero. Surgió a principios del S.XVI, y debido a su abundante uso en tabernas,
acompañando danzas y en fiestas cortesanas, se convirtió en el S.XVII en el instrumento
básico para la formación de la orquesta, junto con su familia (Viola y Violoncello). Durante
esta época, se establecerán distintos luthiers que crearán instrumentos con tal grado de
perfección que hoy en día son inimitables. Algunos de estos luthiers serán los Amati y, sobre
todo, los Stradivarius.

 Danza:
- Ballet cortesano (Ballet de cour): Se trata de un género de ballet que comprende poesía,
música vocal e instrumental, coreografía y escenografía. Su nacimiento se sitúa a finales del
S.XVI en la corte de Francia. Se trata del entrenamiento de las cortes que preexiste desde el
renacimiento, pero que se verá influenciado por la ópera italiana y el teatro barrocos.
Ocurrirá en varias cortes (Sarao con Felipe III). La temática es mitológica, con una
escenografía muy cuidada que incluirá invenciones de maquinaria italiana (Influencia de la
ópera) y un vestuario igualmente cuidado. La escenografía está basada en danza ya
existentes (Pavanas, Allemandes,…) Finaliza con el “Gran Ballet”, en el que toda la corte
interviene bailando danzas contemporáneas.
Otros perfeccionamientos serán el lugar escénico, que pasará de ser un Salón de Palacio a un
verdadero escenario, y el perfeccionamiento técnico, que dará paso a la sustitución de nobles
por bailarines profesionales. A finales del S.XVII, debido al cese de la financiación de estos
por parte de Luis XIV, dará lugar al nacimiento de dos nuevos géneros: La ópera-ballet y la
comedia-ballet.

- Ópera-Ballet: Basado en el Ballet cortesano, es un género lírico practicado en Francia
durante el S.XVII, desarrollado por Lully. Será la verdadera ópera francesa, de la que nos han
quedado coreografías de teatro. “Las Indias Galantes” de Rameau es el perfecto ejemplo del
género.

 Compositores:
- Lully: Nace en Florencia, donde aprende a tocar la guitarra y los principios básicos
musicales. Trabajó principalmente para el rey Luis XIV, trabajo en los Ballets de cour. El rey
lo nombra compositor de música instrumental, y su banda de pequeños violines rivaliza con la
del rey (Los veinticuatro violines del Rey). Pasa a obtener cargos más prestigiosos, como
Primer compositor de la cámara del Rey y Superintendente de la Música. Dirigirá la Academia
Real de la Música, y será nombrado consejero secretario del Rey.
Tendrá mucha influencia en la música francesa de la época, y eliminará la ostentación en
favor de la precisión y concisión rítmica.
- Vivaldi: Compositor Italiano, pasará casi toda su vida en Venecia. Comenzó sus estudios
musicales con su padre. Fue ordenado sacerdote, pero nunca llegó a ejercer. Fue maestro de
capilla en el “Ospedale de la Pietá”, en el que continuó hasta 1740. Morirá en Venecia en
1741 por razones desconocidas.
Catálogo:
a) 46 óperas
b) 3 oratorios
c) 50 cantatas
d) 93 sonatas
e) Más de 500 conciertos

- Händel: Compositor Alemán, posteriormente nacionalizado británico, considerado una de las
cumbres del Barooco. En su juventud, compaginó sus estudios musicales con los generales en
Gimnasium. Posteriormente, se traslada a Holanda para trabajar en la ópera como segundo
violinista y clavicenista. Tras esto, fue viajando por Italia hasta representar su ópera Agripina
triunfalmente en Venecia. Más tarde, fue elegido Maestro de Capillas del Elector de Hannover,
y en esa época hizo su primer viaje a Inglaterra, donde se representaría su ópera Rinaldo.
Tras la muerte de la reinada, el Elector de Hannover se convirtió en el sucesor y, tras
solucionar algunos problemas, consiguió mantener su puesto intacto. Seguirá a esta etapa su
época de empresario de ópera, una etapa un tanto agridulce. Tras el estreno de “El Mesías”,
su oratorio más afamado, de consagrará casi exclusivamente a este género. Muere en
Holanda, siendo enterrado en la Abadía de Westminster.



- Scarlatti: Compositor italiano afincado en España. Hijo de Alessandro Scarlatti, famoso
compositor de óperas, nació en Nápoles. A los 16 años, se convirtió en organista y compositor
de la Real Capilla de la corte Española. Posteriormente, fue nombrado maestro de capillas de
la basílica de San Pedro. Fue maestro de MªBarbara, princesa de Asturias y, posteriormente,
Reina de España. Creó escuela en España y se considera influyente sobre el padre Soler.

- Bach: Nació, vivió y murió en Leipzig, Alemania. Fue cantor de la iglesia de Sto Tomás y
director de música de esta ciudad, en la que había un sistema de enseñanza basado en becas
a cambio de servicios musicales en la comunidad religiosa. Debido a sus cargos, estuvo ligado
a la docencia y a la composición de música sacra, aunque no cultivó solo ésta.




























CLASICISMO

 Conjuntos instrumentales/Solista:
- Cuarteto de cuerda: Conjunto instrumental formado por dos violines, viola, violonchelo y
contrabajo, agrupado dentro de la música de cámara. Comenzó a utilizarse en el S.XVIII.
Normalmente, su composición y estructura se basa en la sonata (Tres o cuatro movimientos,
forma sonata). La función de la instrumentación suele ser:

a) Violín I: Protagonista. Melodía y temas principales.
b) Violín II: En segundo plano. Acompañamiento/doble del primer violín, diálogos con
éste.
c) Viola: Relleno armónico.
d) Violonchelo: Bajo (Sustento armónico)

- Orquesta clásica: Conjunto instrumental formado por varias familias de instrumentos.
Aunque las agrupaciones orquestales ya aparecían en el Barroco, no es hasta el S.XVIII que
terminan de establecerse, con agrupaciones como la orquesta de Mannheim (Dirigida por
Stamitz). A inicios del clasicismo, la orquesta estaba formada por las cuerdas (4 voces), con
el papel principal, dos oboes y dos trompas. Más adelante, los cuatro instrumentos de viento-
madrea son combinados por pares (Dos flautas, dos oboes, dos clarinetes y dos fagotes),
formando la sección autónoma de las maderas. A la sección de viento-metal, ademñas de la
trompa siempre incluida, se añades a finales de siglo dos trompetas, y en la sección de
percusión, dos timbales.

- Pianoforte: Instrumento de cuerda percutida. Nade a principios del S.XVIII como intento de
clave con posibilidad de dinámicas, atribuida su invención a Bartolomeo Cristofori (Coexistirá
con el Clave durante más de un siglo). La diferencia para que esto ocurra radica en el
mecanismo (Cuerda percutida en pianoforte y piano moderno, percutida en clave).


 Formas musicales:
- Concierto: Obra instrumental para solista y orquesta, compuesto por tres movimientos,
teniendo el inicial forma sonata con modificaciones para permitir la intervención de orquesta
y solista (Que tendrá pasajes ampliamente virtuosísticos). Poco antes del final, tras la
reexposición, aparece un episodio denominado cadencia de concierto o “cadenza” en la que el
solista ejecuta un pasaje de mucha complejidad técnica sin ningún acompañamiento
orquestal. Este episodio, hasta la época de Beethoven, era normalmente improvisado. El
movimiento central solía tener un carácter lírico, en contraste con los movimientos finales,
muy virtuosísticos, muchas veces con forma rondó, y generalmente, con tempo rápido y
ligero.

- Sinfonía: Obra instrumental destinada a ser interpretada por una orquesta con formación
variable. Su estructura es análoga a la de la sonata, por lo que estará estructurada en cuatro
partes (1: Allegro; 2: Lento, andante o adagio; 3: Minueto, herencia de las Suites barrocas,
desde Beethoven sustituido por Scherzo; 4: Movimiento rápido). La estructura interna de los
movimientos suele seguir la forma sonata. La variedad tímbrica proporciona desarrollos
elaborados y proporciones generales más largas.

- Sonata: En el clasicismo, es una forma instrumental para un instrumento o dos
(Generalmente piano, piano y violín o piano y violonchelo) compuesta de tres o cuatro
movimientos.

1. Rápido y estructurado en forma sonata
2. Lento y lírico, estructurado como ABA, AA’A’’…, rondó ABACA, y sonata (raramente)
3. Velocidad moderada, estructura ternaria (Minueto-trío-minueto). Desde Beethoven, es
cambiado por un Scherzo. A veces falta este movimiento
4. Rápido, con estructura rondo o sonata.

- Forma sonata: Forma estructural por excelencia del clasicismo. Se aplica generalmente al
primer movimiento de formas instrumentales, aunque puede ser aplicado a otros.

FORMA SONATA
Exposición Desarrollo Reexposición Coda
Primer tema
(I)
 Los temas modulas
 Desgaste de motivos,
explorando
posibilidades
 Sensación de conflicto
Primer tema
(I)
Pasaje con intención
cadencial.
(Breve recuerdo) Puente modulante Puente
Segundo Tema Segundo tema
(I)


 Compositores:
- Gluck: Compositor nacido en la actual Alemania, y fallecido en Viena. Mantuvo una rivalidad
con el compositor Piccinni, conocida como “Las querellas de Gluckistas y picinistas”.
Reformador de la ópera, se propuso subordinar la música a la poesía con el fin de realzar la
expresión de los sentimientos. Dio lecciones a la archiduquesa María Antonieta, quien más
tarde le protegería como Reina de Francia.
- Mozart: Compositor austriaco, y fallecido en Viena. Comenzó a tomar clases de violín con su
padre, Leopold Mozart, con la intención de este de convertirle en un niño prodigio. Comenzó a
componer a las edad de 5 años, y su primera ópera (Finta Semplice), con 12 años. A su
muerte, con 35 años, su catálogo estaba formado por más de 600 obras. La mayor parte su
adolescencia y vida adulta estuvo dedicada a la composición e interpretación de sus propias
obras, si bien las dificultades económicas le obligaron a simultanear esta tarea con trabajos
esporádicos como intérprete y profesor, hasta que pocos años antes de su muerte, Jose II de
Hasburgo le ofreciese un trabajo estable como compositor.
- Haydn: Nace en Rohrau, un pueblo cercano a Viena, comenzando su formación musical
como niño de coro a los años. Al salir de este, su formación le permite ganarse la vida con
diferentes actividades musicales. A los 27 años, comienza a trabajar como Maestro de capilla
del conde Morzin en Bohemia, y algo más tarde, entra al servicio de la familia Esterhanzy.
Tras la muerte de este, acepta un viaje triunfal a Londres, y es en Oxford, es nombrado
doctor honoris causa. Dos años más tarde, hará un nuevo viaje a Londres, componiendo y
dirigiendo seis sinfonías. Tras esto, volverá a las afueras de Viena, donde residirá hasta el fin
de sus días. Se le considera el padre del cuarteto de cuerda.
- Beethoven: Compositor austriaco, considerado “último de los clásicos, primero de los
románticos”. Su instrucción temprana corre a cargo de su padre, debutando con tan solo 7
años. Su instrucción musical pasó por las manos de compositores tan reconocidos como
Salieri o Haydn. Intentó tomar clases con Mozart, pero nunca llegaron a concertarse. Tras
presentar su primera sinfonía (de nueve en total), comenzó a desarrollar una pérdida de
audición que lo dejaría completamente sordo. A pesar de este hecho, nunca dejó su carrera.
Su carrera se puede dividir en tres periodos creativos. El primero, acercado al clasicismo, al
modo de sus maestros. El segundo, es la etapa de desarrollo del compositor, en el que
empieza a evitar convencionalismo e introduce cambios en estructuras ya definidas, además
de comenzar con un lenguaje armónico personal y poco convencional. La tercera, es la etapa
de plena madurez, en la que su sordera ya es definitiva. Fallece en Viena, asistiendo a su
multitudinario funeral más de 20.000 personas. Cultivó 9 sinfonías (Barry Cooper afirma la
existencia de una hipotética décima en la que Beethoven se encontraría trabajando hasta su
muerte), 32 sonatas para piano, 10 sonatas para violín y piano, 1 opera (Fidelio), música
vocal profana y religiosa y cuartetos de cuerda.
 Danza:

- Ballet de acción: Comienza a hablarse de ballet de acción para definir el cómo contar una
historia por medio de la danza y de la mímica de la manera más directa posible. El coreógrafo
Georges Noverre publicó
sus Cartas sobre la danza y sobre los ballets donde explica sus ideas: “la acción en materia
de danza es el arte de expresar verdaderamente nuestros movimientos, gestos y pasiones e
impregnarlos en el alma de los espectadores. La acción no es otra cosa que la Pantomima en
la que danza y mimo se mezclan en un argumento dramático a través de gestos, pasos y
figuras. La diferencia con los antiguos es que aquí se elimina el canto y el lenguaje pues
solamente reina el cuerpo, sin palabras, sin arias, sin frases aclaratorias”.
Se considera necesario el entrenamiento del cuerpo, pues para que éste exprese o retrate la
naturaleza se necesita control físico.

- Noverre: Nació en París y murió en un pueblo de sus alrededores, hijo de padres suizos.
empezó a estudiar en París. Tuvo un fuerte temperamento y mantuvo distintas controversias
artísticas. Convirtió el ballet en un arte independiente con sus propias formas y modos de
expresión. Adoptó el género epistolar para expresar sus ideas sobre la danza. En 1760
escribió
sus primeras “Cartas sobre la danza y sobre los ballets” donde trata de todos los aspectos
que
hay que tener en cuenta en la danza: cómo deben ser los maestros, qué consideración debe
darse a la anatomía, qué debe tenerse en consideración para realizar una coreografía, qué
era la
Pantomima y en qué debía imitarse a ésta y en qué no...
.
Trabajó como maestro de ballet en Francia (Marsella, Lyón y Estrasburgo). En 1755 fue a
Londres y trabajó en el teatro que dirigía el famoso David Garrit. Aquí se hicieron famosos
sus gestos e interpretaciones. Su periplo europeo continuó en las cortes de Stuttgart, Viena y
Milán hasta que en 1776 fue llamado a la Ópera de París cuando su antigua discípula en
Viena, María Antonieta, ya reina de Francia, le llamó para dirigir la cuna del ballet. Algunos
problemas le llevaron de nuevo a Londres donde se encontraba cuando estalló la revolución
francesa. Cuando acabó “el terror revolucionario” volvió a Francia donde se mantuvo siempre
atento al desarrollo del ballet, advirtiendo la escasez de bailarines masculinos
convenientemente adiestrados. Murió a los 83 años