ESCULTURA GOTICA (VANE

)
Es el estilo escultórico que corresponde al periodo gótico del arte occidental, y por tanto se extiende desde finales del siglo XII
hasta comienzos del siglo XV por la Europa Occidental cristiana. Este estilo que permaneció durante tres siglos
aproximadamente en apogeo, nació en dos lugares de gran prestigio religioso, político y cultural la Basílica de Saint Denis y la
catedral de Chartres pertenecientes a la Isla de Francia.
Fue un tipo de escultura que evolucionó a partir de la románica y que más adelante se «disolvió» en lo que sería la escultura
del renacimiento y el manierismo. Durante el renacimiento —cuando los valores clásicos fueron reconsiderados de nuevo—, la
escultura de los siglos inmediatamente anteriores era consdiera como grosera y basta y se la llamó «gótica», ya que se creía
que era fruto de esa cultura de los godos, unos bárbaros responsables de la desaparición del Imperio Romano. Pero nunca los
que vivieron en la época gótica hicieron servir esta denominación, ni mucho menos, se consideraban bárbaros. Al contrario, la
aparición del arte gótico fue visto como una innovación y fue nombrado opus modernum ( obra moderna), siendo la escultura
una de sus expresiones más importantes. Sin embargo, esta valoración negativa se prolongó hasta mediados del siglo XIX,
cuando surgió un movimiento revivalista, llamado neogótico, que hizo recuperar sus valores. A pesar de saber que el arte
gótico no tenía nada que ver con los godos, se mantuvo el nombre, seguramente, por tantos años de uso.
La escultura gótica nació estrechamente vinculada a la arquitectura, como se observa en la decoración de las grandes
catedrales y otros edificios religiosos, pero con el tiempo fue ganando independencia. Durante una primera etapa se cultivó un
estilo austero, estilizado, de proporciones alargadas y con una apariencia general hierática, que quería transmitir espiritualidad,
alejándose de la anatomía real de un cuerpo. Pero pronto evolucionó hacia un naturalismo más grande, hacia el realismo, a
partir de una absorción progresiva de influencias clásicas y una observación más profunda de la naturaleza. A pesar de
tratarse de forma independiente, la escultura gótica, incluso en sus etapas finales, continuó estando integrada a la decoración
arquitectónica.
CARACTERISTICAS DE LA ESCULTURA GOTICA:
- Los Materiales empleados son la piedra, pero también se usa la madera, generalmente policromada, el marfil, el metal.
- Predomina el naturalismo, pero idealizado. Las figuras se humanizan, buscando el volumen de los cuerpos, el
movimiento y la expresión de sentimientos en rostros y actitudes. La composición es clara y ordenada, organizándose las
portadas en registros separados, pero evoluciona hacia una mayor confusión. El escultor gótico empieza a preocuparse por la
profundidad. Todo se representa con gran detallismo.
- La Temática sigue siendo fundamentalmente religiosa aunque de más clara interpretación porque el fuerte simbolismo
imperante en siglos anteriores se torna ahora narración. Se mantienen las fuentes iconográficas usadas en el Románico (la
Biblia y los Evangelios apócrifos) pero aparecen otras nuevas: los temas marianos y las vidas de santos recogidas en la
Leyenda Dorada. Hay también temas profanos.
- Tipología: junto a la escultura monumental, se desarrollan nuevos tipos en el interior de las iglesias: retablos, sepulcros,
sillerías de coro, Alcanza gran desarrollo la escultura exenta.

Escultura de bulto redondo
Son figuras realizadas en madera policromada, marfil o metal completamente independiente de la arquitectura.
La temática de las obras es fundamentalmente de carácter religioso.
Comienza a tener mayor importancia la cultura excenta, separada de la pared, que puede mirarse desde cualquier punto de
vista.








Virgen Blanca de la
Catedral de Toledo
EL RELIEVE:
El relieve irá ganando profundidad al disponer los elementos en diferentes planos atendiendo a las leyes de la perspectiva. El
paisaje entra a formar parte de las escenas, que se acompañan de árboles o edificios mostrando gran interés por lo que
pudiera ser considerado secundario o anecdótico. Destaca:
 Las portadas: se continúan representando en relieve
escenas religiosas en los tímpanos de las portadas de las
iglesias y las catedrales, con función educativa.


Catedral de la colonia de Alemania


 Retablos: para decorar los altares se utilizaron retablos cada vez mas complejos. Se trataban de grandes estructuras de
madera esculpidas en relieve que se policromaban o se doraban. En los retablos se representan escenas religiosas,
localizándose los mas importantes en las calles y los cuerpos centrales.



Retablo mayor de la catedral de sevilla



 Sillería de los coros: en las catedrales, los eclesiásticos se reunían a cantar los oficios religiosos en el coro, que solía
ser un espacio central de la catedral cerrado, cuyos asientos estaban labrados en madera con figuras bíblicas de santos
y otros adornos vegetales.




Sillería de coro de la catedral de león





 Sepulcros: la escultura funeraria se desarrollo enormemente, esculpiendo sarcófagos y sepulcros en los que se
retrataban de manera realista al difunto en actitud durmiendo o en reposo. La escena se complementa con imágenes y
símbolos en representación de la fidelidad.

Sepulcro en la catedral vieja de salamnca



 Gárgolas: figuras esculpidas en piedra de seres fantásticos que decoran los desagües de los tejados y catedrales.




Gárgola de la catedral de leon


ICONOGRAFÍA: (DAVID)
Temas de la vida de Cristo:
 Se prefieren escenas de la Pasión, especialmente Cristo crucificado.
 Se le representa con la corona de espinas, el paño de pureza (con pliegues), tres
clavos: un clavo en ambos pies que ya están juntos, abundantes heridas (destaca la
del costado)
 Se destaca el peso del cuerpo de Cristo que va desnudo. Nos da imagen de dolor. Se
suele disponer, preferentemente, en el tímpano y en el parteluz.


 En el gótico donde adquiere pleno protagonismo.
 Temas marianos o escenas de la Virgen.
 La Virgen se esculpe sobre todo con el Niño.
 Se la representa como madre, bella, idealizada.
 Muestra una gran humanización.
 Hagiografías o escenas de la vida de Santos. Tomadas casi todas del famoso libro
"La leyenda Dorada" del dominico Vorágine. Casi todas son de martirios.







 DESARROLLO DE LA ESCULTURA GÓTICA:

1. FRANCIA:



VIRGEN DORADA DE AMIENS
























Figuras de la jamba derecha
del pórtico real de Chartres
Figuras de la jamba derecha
del pórtico norte de Chartres
(gótico)




















 Ángel de la sonrisa de Reims
Tumba de Philippe Pot (finales del siglo XV),
procedente de la abadía de Citeaux. París,
Museo del Louvre.













2. ALEMANIA:






Claus Sluter (en torno a 1350 en Haarlem. Murió en
1405 o 1406 en Dijon, Francia). Se le considera el
principal representante de la escultura borgoñona
en la segunda mitad del siglo XIV.
El pozo de Moisés
Dijon
(1391-1401)
El Jinete de Bamberg o Caballero
de Bamberg es una escultura
ecuestre de bulto redondo, colocada
en el interior de la catedral de
Bamberg, Baviera, Alemania.
La escultura fue tallada en la primera
mitad del siglo XIII, probablemente
en 1225, antes de la consagración de
la iglesia catedral en 1237. Es una
lograda manifestación de arte gótico,
con influencias de los escultores de
las catedrales góticas francesas, como
Reims. Se encuentra en una ménsula
adosada a una pilastra del coro
oriental.
3. ITALIA:


















El Juicio Final
Giovanni Pisano. Púlpito de San
Andrés.1297-1301. Mármol. h. 455 cm.
Iglesia de San Andréa, Pistoia (Italia).

PINTURA GOTICA (MILI)
La pintura gótica, una de las expresiones del arte gótico, no apareció hasta alrededor del año
1200, es decir, casi 30 años después del comienzo de la arquitectura y la escultura góticas. La
transición del románico al gótico es muy imprecisa y no hay un claro corte, y podemos ver los
comienzos de un estilo que es más sombrío, oscuro y emotivo que en el periodo previo, a
principios del siglo XIII. El impulso decisivo de esta pintura realista cristiana se produjo en la Italia
septentrional de finales de siglo. Diseminándose por el resto de Europa, el periodo gótico se
extendió durante más de doscientos años. En la pintura se puede apreciar un estilo sombrío,
oscuro y reflejo sentimientos (dolor, ternura, etc.). De los cuales resaltan las representaciones de
los personajes religiosos. (Santos, Ángeles, Virgen María, Cristo, entre otros). Este periodo duró
aprox. Doscientos años. Por otra parte, entre las características principales es que representan el
naturalismo, incluyendo la representación de paisajes. El arte gótico marco el estilo dominante en
la pintura Europea hasta fines del siglo XV. En sus principios este arte se producía con fines religiosos.
CARACTERISTICAS: (KIKIN)
 Naturalismo inspirado en la religiosidad franciscana.
 Representación del espacio tridimensional.
 Utilización de una escala de proporciones real.
 Estudio de la luz: con ella se busca el modelado (representación del volumen) en las figuras, así como resaltar las
tonalidades para buscar la armonía cromática.
 El color, en ocasiones, tiene un carácter simbólico.
 Preocupación por la figura humana: proporciones y anatomía naturalista, estudio de actitudes y gestos con los que se
consigue la expresión del sentimiento.
 Fondos dorados o bien con representación paisajística tanto rural como urbana.
- Temas: retrato, maestá , crucifijo, escenas religiosas y de la vida de los santos. Pintura esencialmente narrativa.
 Adquieren importancia los objetos que rodean al hombre. Se interesan por sus calidades y sus texturas.
- Gran lirismo. Son obras de autor. En general se trata de pintura mural. Crean alegorías.

TÉCNICAS:
La pintura, esto es, la representación de imágenes sobre una superficie, durante el periodo gótico, se practicaba en cuatro
técnicas principales: pintura mural, vidrieras, pintura sobre tabla y miniaturas.
1- Pintura mural
Madonna con ángeles y San Francisco, obra de Cimabue, hacia 1280, pintura al fresco ejecutada en la iglesia inferior de
Asís.La pintura mural o frescos siguieron usándose como el principal medio para la
narración pictórica en las paredes de las iglesias en el Sur de Europa, especialmente en
Italia, como una continuación de las tradiciones cristiana y románica anteriores. Fuera de
Italia no se cultivaron mucho. Italia, apegada a la forma basilical de las iglesias, conservó
mayor extensión en los muros para las pinturas y mosaicos que narrasen historias
religiosasEn la Toscana, las escuela sienesa y florentina, con el Giotto como el más
grande de los pintores del Trecento, continuaron la tradición de la gran pintura mural, ya
que la arquitectura gótica no llegó a echar raíces en Italia como en Francia. Esta pintura
toscana del Trecento, siendo plenamente gótica, anticipa ya el Renacimiento. Los
nombres más destacados fueron Cimabue y Giotto






Madonna con ángeles y San Francisco, obra de
Cimabue.

2- Vidrieras
Se hace resaltar las figuras de colores planos primarios, azul, amarillo, rojo.
Recortadas líneas.
Fondo monocromo.
Emociones


El muro translúcido fue el primer espacio propio o ámbito donde se desarrollaron las artes del dibujo y del color en el Gótico.
Durante la Baja Edad Media el arte de los vitrales de las catedrales e iglesias se desarrolló, en Europa, paralelamente con la
arquitectura gótica, la cual se caracterizaba por la altura de sus naves y la audacia de sus estructuras con bóvedas de crucería
que se apoyaban en esbeltos soportes y arbotantes para transmitir al suelo el peso y el empuje de las bóvedas, liberando de
las funciones resistentes a los muros de los edificios que progresivamente fueron sustituidos por ventanales y tracerías o
encajes de piedra con vitrales de color.En una primera etapa los colores son vivos y saturados, el plomo delimita las formas,
las cuales son delineadas con precisión para poder ser vistas a través de la irradiación luminosa de la vidriera, ello conduce a
la tendencia de descomponer la vidriera en medallones, nichos u otro tipo de compartimentos. Las vidrieras revelan, más que
ningún otro arte, el componente irrealista y artificial del arte gótico.A mediados del siglo XIII se produce una modificación
profunda de la gama de colores ya que los fondos incoloros se asocian a los tonos quebrados de las escenas y figuras. Con
una gama potente pero restringida, las menudas figuras humanas se hacen más agitadas y libres. En la Iglesia de San Urbano
de Troyes (hacia 1270) o en las vidrieras de medio punto de la catedral de Beauvais, es donde se dan los mejores ejemplos de
estas innovaciones.En el siglo XIV, tras el descubrimiento del amarillo de plata los vitrales
ganan en ligereza, llenándose de un preciosismo dorado que antes nunca tuvieron. En
Normandía, en el coro de Saint-Ouen de Ruan y en la Catedral de Evreux se hallan las
vidrieras más bellas. El arte de las vidrieras culmina en un estilo exquisito de una calidad
igual o superior a las obras maestras de la miniatura. En la cuenca del Loira, en Champaña
o en Alsacia se completa el panorama de las vidrieras en Francia, Culminando en las naves
laterales de la Catedral de Estrasburgo.En Inglaterra destaca la gran ventana occidental de

Vitral de la cabecera de la Iglesia de San Pedro de Caen (Siglo XIII). Normandía, Francia
la catedral de York. En España, las vidrieras más destacadas son las de la catedral de León.

3.- Miniaturismo e ilustración de libros (PANDA)
Las miniaturas consistían en pequeñas composiciones : pinturas o dibujos de figuras enmarcadas en las letras iniciales o en
diversos compartimentos como medallones, arabescos etc. Se llamaban miniaturas porque se realizaban con minio, u óxido de
hierro, mezclado con colorantes naturales.
Viveza cromática.
Empleo del oro.
Decoración historiada
de letras.
Decoración geométrica.
(árabe)



4.- Pintura sobre tabla
Aunque se ha dicho que la pintura gótica tiene su espacio propio en los grandes vitrales de las Catedrales y en las miniaturas
polícromas de los libros, lo cierto es que la pintura propiamente dicha donde subsistió fue en los retablos, las tablas pintadas
que forman los frontales o los laterales de los altares y en los muros de las capillas laterales. Puede diferenciarse, además,
entre los retablos, que son tablas pintadas o esculpidas que ornamentan los altares de las iglesias, y las tablas de devoción,
individuales, de menor tamaño, que adornan las iglesias y las casas particulares.De tablas o frontales únicos se pasó a
dípticos, tríptico, y luego complicados polípticos que combinaban numerosas piezas asta llegar a los grandes retablos del siglo
Anónimo, San Bernardo de Claraval, Inicial de la letra B
en un manuscrito del Siglo XIII
XIV, con muchas tablas que se organizan con el banco o predela (cuerpo inferior) y calles verticales, separadas por estrechas
entrecalles; en la calle central se representaba el tema principal del retablo.Se ejecutaba al temple, que usaba como
aglutinante el huevo o la cola obtenida de los huesos de animales. Es novedad de la última fase del gótico el cambiar ese
aglutinante por aceite, dando así lugar a la pintura al óleo. El óleo sobre lienzo no se hizo popular hasta los siglos XV y XVI y
fue el punto de partida del arte renacentista.



LA ANUNCIACION





FASES DE LA PINTURA GOTICA: (MILI)
1). ESTILO GÓTICO-LINEAL O FRANCO-GÓTICO:
El estilo gótico lineal se desarrolla entre el siglo XIII y el XIV.Y Destaca la importancia que le da a las líneas del dibujo.
Predomina un cromatismo vivo frente a los matices de color. Los temas, naturalistas se tratan con sencillez. Ejemplifica esta
época las vidrieras de las catedrales y las miniaturas. En Francia, destaca el conjunto de la catedral de Chartres. Otras
vidrieras son las de las catedrales de Bourges, Tours, Bayeux y de la Santa Capilla de ParíS.



CÁNTIGAS DE ALFONSO X




2). ESTILO ITALO-GÓTICO
Este estilo se fue formando a lo largo del siglo XIII (Duecento) en Italia. Se fundieron las tradiciones del arte bizantino con los
primitivos estilos clásicos o paleocristianos en pinturas y paneles de Florencia y Siena. Demostraban más realismo del que se
encontraba en el arte románico y en el bizantino, caracterizado por una huida de la llamada maniera greca que dominaba
Italia, y que fue sustituida por un estilo más realista. Se sentía fascinación por la perspectiva, y por la ilusión de crear espacios
que parecieran reales, con figuras menos rígidas y estilizadas, más anatómicamente correctas y que presentaran estados de
ánimo en sus gestos y actitudes.
Fusión de Escuelas siena y Florencia
Líneas ondulantes y sinuosas.
Escenas religiosas, juicio final.
Carácter tridimensional.
Colorido.
Rostros ovalados.
Riqueza de colores, fondo dorado



BESO DE JUDAS











2.1.- ESCUELAS DEL ESTILO ITALO –GOTICO:
 Escuela florentina:Se considera a Cimabue el iniciador de la escuela florentina del Trecento. Trabajó en Roma en 1272,
conociendo allí el mundo clásico y la pintura paleocristiana y románica, lo que le influyó para abandonar la
bidimensionalidad del estilo bizantino y encaminarse a un mayor realismo. Su obra más conocida es la Maestà, que
estaba en el altar de la iglesia de Santa Trinità de Florencia. A finales de siglo estuvo trabajando en la Asís.En esta
escuela encontramos a Giotto el cual marcaba la tradición bizantina, estática e hierática en cuanto a sus figuras se
mueven en el espacio y en la profundidad lo cual es del todo nuevo. En la general de sus representaciones, el
representa el seguimiento de la vida de San Francisco DE ASIS.














SE REPRESENTA A SAN F DE ASIS, UNO DE
LOS DETALLES LO CUAL LO DIFERENCIA
ES LA AUREOLA AMARILLA QUE LLEVA EN
LA CABEZA.
SE REPRESENTA EL NATURALISMO DEL PAISAJE CON
LA PRESCENCIA CLARAMENTE DE SAN F DE ASIS




 ESCUELA DE SIENA:
Su principal exponente es Duccio Buoninsegna (1255 - 1318) el cual marca el paso entre las dos civilizaciones bizantina y
gótica. Su obra máxima fue la Maestá , la cual se hizo para el altar mayor del Duomo de Siena.
OBRA:
"MAESTÁ":Este retablo famoso hecho para la Catedral de Siena en el año
1311(Trecento). Tiene dimensiones de dos metros de altura y cuatro de
anchura. En la parte principal se representa a la Virgen con el niño, siendo
homenajeada por santos y angeles.




Asi mismo en la parte posterior se representa la vida, pasión y muerte de Jesus; este
se divide en calles laterales y una calle central que lleva la escena mas importante.
La entrada a Jerusalén, de doble tamaño, es el punto inicial de toda la serie de
episodios de la Pasión, secuencia que se extiende, a manera de Zigzag. La pasión
culmina en la crucifixión que ocupa una extensión casi igual alas de 4 escenas.


3). ESTILO INTERNACIONAL: (ALE)
El estilo internacional fusiona, a finales del siglo XIV, características del gótico lineal propio del Norte de Europa y la pintura
trecentista italiana. Los artistas destacados viajaban de Italia a Francia y a la inversa, así como por toda Europa, de manera
que las ideas se divulgan y combinan. Los pintores siguen una técnica minuciosa, representando con gran detalle las
anécdotas, buscando reflejar la realidad con gran naturalismo, pero sin olvidar el sentido simbólico de lo que se representa.
Las figuras se estilizan, y abundan los plegados en los ropajes. Ahora, los temas, aunque religiosos, se interpretan como
profanos, los santos se transforman en apuestos caballeros y distinguidas damas, que se desenvuelven con ademanes
exageradamente afectados en ambientes palaciegos. Obras de este estilo se vieron no sólo en esos dos países ya
mencionados, sino también en Inglaterra, Alemania, Austria o Bohemia.
Composición simétrica.
Gran realismo.
Expresionismo de los rostros.
Línea de contorno con fuerza.
Fondo con gran detalle.

El Rey Ricardo II es encomendado a la Virgen, Parte izquierda del
Díptico de Wilton, hacia 1395, National Gallery de Londres






Maestro del Jardín del Paraíso, escena: «María en el jardín con santos», Instituto Städel,
Fráncfort del Meno, h. 1410.






4). ESTILO FLAMENCO
Surge en Flandes durante el primer tercio del siglo XV, al mismo tiempo en que en Italia se encuentran ya en el Renacimiento.
Este estilo se difunde por el resto de Europa, salvo Italia, durante el resto del siglo. Actualmente, también puede encontrarse
que a esta etapa de la pintura se la llama Prerrenacimiento o también Renacimiento nórdico, abarcando la obra de los
flamencos hermanos Van Eyck, Rogier van der Weyden, Hugo van der Goes y Memling o los alemanes Multscher y Witz.Su
principal innovación es la técnica de pintura al óleo, lo que permite un mayor colorido, sutileza y detallismo. Hay una
minuciosidad absoluta en la representación de los detalles, de las texturas de las telas, de la forma los objetos y, sobre todo, la
fidelidad de los rostros. Ahora bien, es una pintura repleta de simbolismo, pues con frecuencia, detrás de los objetos más
triviales hay mensajes ocultos, lo que convierte los cuadros en auténticas alegorías.A esta última fase del gótico a veces se la
conoce también como prerrenacimiento o renacimiento nórdico, ya que su rico colorido, su concepción de la perspectiva y su
avanzado tratamiento de la luz permiten considerarlos ya un primer renacimiento. Se mantienen, no obstante, ciertos
convencionalismos heredados de la tradición anterior que resta veracidad a la escena: composición confusa, pliegues
angulosos, gestos forzados, solemnidad excesiva (cierto hieratismo, a veces).La mayor parte de las obras son encargos
privados para la aristocracia o la burguesía, por lo que tienen un fuerte contenido civil y profano. Predominan los cuadros
religiosos aunque, a menudo, se interpretan como sucesos cotidianos; de hecho, es común que quien encarga la obra, es
decir, el "donante", aparezca en la escena como un personaje más; a partir de la presencia del donante se desarrolla un nuevo
género: el retrato.
Lluís Borrassà, San Pedro salvado de las aguas, (1411) Iglesia de Santa Maria de Terrassa.