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Arte

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Arte
Alegor€a del arte (1690-1694), de Sebastiano Ricci.
El arte (del lat. ars, artis, y este calco del
gr. •‚ƒ„…)es entendido generalmente como
cualquier actividad o producto realizado por
el ser humano con una finalidad est€tica o
comunicativa, mediante la cual se expresan
ideas, emociones o, en general, una visi•n
del mundo, mediante diversos recursos,
como los pl‚sticos, lingƒ„sticos, sonoros o
mixtos. El arte es un componente de la
cultura, reflejando en su concepci•n los
sustratos econ•micos y sociales, y la
transmisi•n de ideas y valores, inherentes a
cualquier cultura humana a lo largo del
espacio y el tiempo. Se suele considerar que
con la aparici•n del Homo sapiens el arte
tuvo en principio una funci•n ritual, m‚gica
o religiosa (arte paleol„tico), pero esa
funci•n cambi• con la evoluci•n del ser humano, adquiriendo un componente est€tico y una funci•n social,
pedag•gica, mercantil o simplemente ornamental.
La noci•n de arte contin…a sujeta a profundas disputas, dado que su definici•n est‚ abierta a m…ltiples
interpretaciones, que var„an seg…n la cultura, la €poca, el movimiento, o la sociedad para la cual el t€rmino tiene un
determinado sentido. El vocablo €arte• tiene una extensa acepci•n, pudiendo designar cualquier actividad humana
hecha con esmero y dedicaci•n, o cualquier conjunto de reglas necesarias para desarrollar de forma •ptima una
actividad: se habla as„ de ‚arte culinarioƒ, ‚arte m€dicoƒ, ‚artes marcialesƒ, ‚artes de arrastreƒ en la pesca, etc. En ese
sentido, arte es sin•nimo de capacidad, habilidad, talento, experiencia. Sin embargo, m‚s com…nmente se suele
considerar al arte como una actividad creadora del ser humano, por la cual produce una serie de objetos (obras de
arte) que son singulares, y cuya finalidad es principalmente est€tica. En ese contexto, arte ser„a la generalizaci•n de
un concepto expresado desde anta†o como ‚bellas artesƒ, actualmente algo en desuso y reducido a ‚mbitos
acad€micos y administrativos. De igual forma, el empleo de la palabra arte para designar la realizaci•n de otras
actividades ha venido siendo sustituido por t€rminos como €t€cnica• u €oficio•. En este art„culo se trata de arte
entendido como un medio de expresi•n humano de car‚cter creativo.
Arte
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Concepto
Atributos de la pintura, la escultura y la
arquitectura (1769), de Anne Vallayer-Coster.
La definici•n de arte es abierta, subjetiva, discutible. No existe un
acuerdo un‚nime entre historiadores, fil•sofos o artistas. A lo largo del
tiempo se han dado numerosas definiciones de arte, entre ellas: ‡el arte
es el recto ordenamiento de la raz•nˆ (Tom‚s de Aquino); ‡el arte es
aquello que establece su propia reglaˆ (Schiller); ‡el arte es el estiloˆ
(Max Dvo‰‚k); ‡el arte es expresi•n de la sociedadˆ (John Ruskin); ‡el
arte es la libertad del genioˆ (Adolf Loos); ‡el arte es la ideaˆ (Marcel
Duchamp); ‡el arte es la novedadˆ (Jean Dubuffet); ‡el arte es la
acci•n, la vidaˆ (Joseph Beuys); ‡arte es todo aquello que los hombres
llaman arteˆ (Dino Formaggio). El concepto ha ido variando con el
paso del tiempo: hasta el Renacimiento, arte s•lo se consideraban las
artes liberales; la arquitectura, la escultura y la pintura eran
‚manualidadesƒ. El arte ha sido desde siempre uno de los principales medios de expresi•n del ser humano, a trav€s
del cual manifiesta sus ideas y sentimientos, la forma como se relaciona con el mundo. Su funci•n puede variar
desde la m‚s pr‚ctica hasta la ornamental, puede tener un contenido religioso o simplemente est€tico, puede ser
duradero o ef„mero. En el siglo XX se pierde incluso el sustrato material: dec„a Beuys que la vida es un medio de
expresi•n art„stica, destacando el aspecto vital, la acci•n. As„, todo el mundo es capaz de ser artista.
El t€rmino arte procede del lat„n ars, y es el equivalente al t€rmino griego Š‹Œ•Ž (t†chne, de donde proviene
€t€cnica•). Originalmente se aplicaba a toda la producci•n realizada por el hombre y a las disciplinas del saber hacer.
As„, artistas eran tanto el cocinero, el jardinero o el constructor, como el pintor o el poeta. Con el tiempo la
derivaci•n latina (ars -> arte) se utiliz• para designar a las disciplinas relacionadas con las artes de lo est€tico y lo
emotivo; y la derivaci•n griega (t†chne -> t€cnica), para aquellas disciplinas que tienen que ver con las producciones
intelectuales y de art„culos de uso.
[1]
En la actualidad, es dif„cil encontrar que ambos t€rminos (arte y t€cnica) se
confundan o utilicen como sin•nimos.
Evoluci€n hist€rica del concepto de arte
En la antigƒedad cl‚sica grecorromana, una de las principales cunas de la civilizaci•n occidental y primera cultura
que reflexion• sobre el arte, se consideraba el arte como una habilidad del ser humano en cualquier terreno
productivo, siendo pr‚cticamente un sin•nimo de €destreza•: destreza para construir un objeto, para comandar un
ej€rcito, para convencer al p…blico en un debate, o para efectuar mediciones agron•micas. En definitiva, cualquier
habilidad sujeta a reglas, a preceptos espec„ficos que la hacen objeto de aprendizaje y de evoluci•n y
perfeccionamiento t€cnico. En cambio, la poes„a, que ven„a de la inspiraci•n, no estaba catalogada como arte. As„,
Arist•teles, por ejemplo, defini• el arte como aquella ‡permanente disposici•n a producir cosas de un modo
racionalˆ, y Quintiliano estableci• que era aquello ‡que est‚ basado en un m€todo y un ordenˆ (via et ordine).
[2]
Plat•n, en el Prot‡goras, habl• del arte, opinando que es la capacidad de hacer cosas por medio de la inteligencia, a
trav€s de un aprendizaje. Para Plat•n, el arte tiene un sentido general, es la capacidad creadora del ser humano.
[3]
Casiodoro destac• en el arte su aspecto productivo, conforme a reglas, se†alando tres objetivos principales del arte:
ense†ar (doceat), conmover (moveat) y complacer (delectet).
[4]
Arte
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Alegor€a de la pintura (1666), de Johannes Vermeer.
Durante el Renacimiento se empez• a gestar un cambio
de mentalidad, separando los oficios y las ciencias de
las artes, donde se incluy• por primera vez a la poes„a,
considerada hasta entonces un tipo de filosof„a o
incluso de profec„a „ para lo que fue determinante la
publicaci•n en 1549 de la traducci•n italiana de la
Po†tica de Arist•teles„ . En este cambio intervino
considerablemente la progresiva mejora en la situaci•n
social del artista, debida al inter€s que los nobles y
ricos prohombres italianos empezaron a mostrar por la
belleza. Los productos del artista adquirieron un nuevo
estatus de objetos destinados al consumo est€tico y, por
ello, el arte se convirti• en un medio de promoci•n
social, increment‚ndose el mecenazgo art„stico y
fomentando el coleccionismo.
[5]
Surgieron en ese
contexto varios tratados te•ricos acerca del arte, como
los de Leon Battista Alberti (De Pictura, 1436-1439;
De re aedificatoria, 1450; y De Statua, 1460), o Los
Comentarios (1447) de Lorenzo Ghiberti. Alberti
recibi• la influencia aristot€lica, pretendiendo aportar
una base cient„fica al arte. Habl• de decorum, el
tratamiento del artista para adecuar los objetos y temas art„sticos a un sentido mesurado, perfeccionista. Ghiberti fue
el primero en periodificar la historia del arte, distinguiendo antigƒedad cl‚sica, periodo medieval y lo que llam•
‚renacer de las artesƒ.
[6]
Con el manierismo comenz• el arte moderno: las cosas ya no se representan tal como son, sino tal como las ve el
artista. La belleza se relativiza, se pasa de la belleza …nica renacentista, basada en la ciencia, a las m…ltiples bellezas
del manierismo, derivadas de la naturaleza. Apareci• en el arte un nuevo componente de imaginaci•n, reflejando
tanto lo fant‚stico como lo grotesco, como se puede percibir en la obra de Brueghel o Arcimboldo. Giordano Bruno
fue uno de los primeros pensadores que prefigur• las ideas modernas: dec„a que la creaci•n es infinita, no hay centro
ni l„mites „ ni Dios ni hombre„ , todo es movimiento, dinamismo. Para Bruno, hay tantos artes como artistas,
introduciendo la idea de originalidad del artista. El arte no tiene normas, no se aprende, sino que viene de la
inspiraci•n.
[7]
Los siguientes avances se hicieron en el siglo XVIII con la Ilustraci•n, donde comenz• a producirse cierta autonom„a
del hecho art„stico: el arte se alej• de la religi•n y de la representaci•n del poder para ser fiel reflejo de la voluntad
del artista, centr‚ndose m‚s en las cualidades sensibles de la obra que no en su significado.
[8]
Jean-Baptiste Dubos,
en Reflexiones cr€ticas sobre la poes€a y la pintura (1719), abri• el camino hacia la relatividad del gusto, razonando
que la est€tica no viene dada por la raz•n, sino por los sentimientos. As„, para Dubos el arte conmueve, llega al
esp„ritu de una forma m‚s directa e inmediata que el conocimiento racional. Dubos hizo posible la democratizaci•n
del gusto, oponi€ndose a la reglamentaci•n acad€mica, e introdujo la figura del €genio•, como atributo dado por la
naturaleza, que est‚ m‚s all‚ de las reglas.
Arte
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El tribunal de los Uffizi (1772-1778), de Johann Zoffany.
En el romanticismo, surgido en Alemania a
finales del siglo XVIII con el movimiento
denominado Sturm und Drang, triunf• la
idea de un arte que surge espont‚neamente
del individuo, desarrollando la noci•n de
genio „ el arte es la expresi•n de las
emociones del artista„ , que comienza a ser
mitificado.
[9]
Autores como Novalis y
Friedrich von Schlegel reflexionaron sobre
el arte: en la revista Athenˆum, editada por
ellos, surgieron las primeras
manifestaciones de la autonom„a del arte,
ligado a la naturaleza. Para ellos, en la obra
de arte se encuentran el interior del artista y
su propio lenguaje natural.
[10]
Arthur Schopenhauer dedic• el tercer libro
de El mundo como voluntad y
representaci‰n a la teor„a del arte: el arte es una v„a para escapar del estado de infelicidad propio del hombre.
Identific• conocimiento con creaci•n art„stica, que es la forma m‚s profunda de conocimiento. El arte es la
reconciliaci•n entre voluntad y conciencia, entre objeto y sujeto, alcanzando un estado de contemplaci•n, de
felicidad. La conciencia est€tica es un estado de contemplaci•n desinteresada, donde las cosas se muestran en su
pureza m‚s profunda. El arte habla en el idioma de la intuici•n, no de la reflexi•n; es complementario de la filosof„a,
la €tica y la religi•n. Influido por la filosof„a oriental, manifest• que el hombre debe liberarse de la voluntad de vivir,
del €querer•, que es origen de insatisfacci•n. El arte es una forma de librarse de la voluntad, de ir m‚s all‚ del €yo•.
[11]
Richard Wagner recogi• la ambivalencia entre lo sensible y lo espiritual de Schopenhauer: en Špera y drama
(1851), Wagner plante• la idea de la ‚obra de arte totalƒ (Gesamtkunstwerk), donde se har„a una s„ntesis de la poes„a,
la palabra „ elemento masculino„ , con la m…sica „ elemento femenino„ . Opinaba que el lenguaje primitivo ser„a
voc‚lico, mientras que la consonante fue un elemento racionalizador; as„ pues, la introducci•n de la m…sica en la
palabra ser„a un retorno a la inocencia primitiva del lenguaje.
[12]
A finales del siglo XIX surgi• el esteticismo, que fue una reacci•n al utilitarismo imperante en la €poca y a la
fealdad y el materialismo de la era industrial. Frente a ello, surgi• una tendencia que otorgaba al arte y a la belleza
una autonom„a propia, sintetizada en la f•rmula de Th€ophile Gautier ‚el arte por el arteƒ (l'art pour l'art), llegando
incluso a hablarse de ‚religi•n est€ticaƒ.
[13]
Esta postura pretend„a aislar al artista de la sociedad, para que buscase de
forma aut•noma su propia inspiraci•n y se dejase llevar …nicamente por una b…squeda individual de la belleza.
[14]
As„, la belleza se aleja de cualquier componente moral, convirti€ndose en el fin …ltimo del artista, que llega a vivir su
propia vida como una obra de arte „ como se puede apreciar en la figura del dandi„ .
[15]
Uno de los te•ricos del
movimiento fue Walter Pater, que influy• sobre el denominado decadentismo ingl€s, estableciendo en sus obras que
el artista debe vivir la vida intensamente, siguiendo como ideal a la belleza. Para Pater, el arte es ‚el c„rculo m‚gico
de la existenciaƒ, un mundo aislado y aut•nomo puesto al servicio del placer, elaborando una aut€ntica metaf„sica de
la belleza.
[16]
Arte
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El taller del pintor (1855), de Gustave Courbet.
Por otro lado, Charles Baudelaire fue uno de los
primeros autores que analizaron la relaci•n del arte con
la reci€n surgida era industrial, prefigurando la noci•n
de ‚belleza modernaƒ: no existe la belleza eterna y
absoluta, sino que cada concepto de lo bello tiene algo
de eterno y algo de transitorio, algo de absoluto y algo
de particular. La belleza viene de la pasi•n y, al tener
cada individuo su pasi•n particular, tambi€n tiene su
propio concepto de belleza. En su relaci•n con el arte,
la belleza expresa por un lado una idea ‚eternamente
subsistenteƒ, que ser„a el ‚alma del arteƒ, y por otro un
componente relativo y circunstancial, que es el ‚cuerpo
del arteƒ. As„, la dualidad del arte es expresi•n de la dualidad del hombre, de su aspiraci•n a una felicidad ideal
enfrentada a las pasiones que le mueven hacia ella. Frente a la mitad eterna, anclada en el arte cl‚sico antiguo,
Baudelaire vio en la mitad relativa el arte moderno, cuyos signos distintivos son lo transitorio, lo fugaz, lo ef„mero y
cambiante „ sintetizados en la moda„ . Baudelaire ten„a un concepto neoplat•nico de belleza, que es la aspiraci•n
humana hacia un ideal superior, accesible a trav€s del arte. El artista es el ‚h€roe de la modernidadƒ, cuya principal
cualidad es la melancol„a, que es el anhelo de la belleza ideal.
[17]
En contraposici•n al esteticismo, Hippolyte-Adolphe Taine elabor• una teor„a sociol•gica del arte: en su Filosof€a
del arte (1865-1869) aplic• al arte un determinismo basado en la raza, el contexto y la €poca (race, milieu, moment).
Para Taine, la est€tica, la ‚ciencia del arteƒ, opera como cualquier otra disciplina cient„fica, bas‚ndose en par‚metros
racionales y emp„ricos. Igualmente, Jean Marie Guyau, en Los problemas de la est†tica contempor‡nea (1884) y El
arte desde el punto de vista sociol‰gico (1888), plante• una visi•n evolucionista del arte, afirmando que el arte est‚
en la vida, y que evoluciona como €sta; y, al igual que la vida del ser humano est‚ organizada socialmente, el arte
debe ser reflejo de la sociedad.
[18]
La est€tica sociol•gica tuvo una gran vinculaci•n con el realismo pict•rico y con movimientos pol„ticos de
izquierdas, especialmente el socialismo ut•pico: autores como Henri de Saint-Simon, Charles Fourier y Pierre
Joseph Proudhon defendieron la funci•n social del arte, que contribuye al desarrollo de la sociedad, aunando belleza
y utilidad en un conjunto arm•nico. Por otro lado, en el Reino Unido, la obra de te•ricos como John Ruskin y
William Morris aport• una visi•n funcionalista del arte: en Las piedras de Venecia (1851-1856) Ruskin denunci• la
destrucci•n de la belleza y la vulgarizaci•n del arte llevada a cabo por la sociedad industrial, as„ como la degradaci•n
de la clase obrera, defendiendo la funci•n social del arte. En El arte del pueblo (1879) pidi• cambios radicales en la
econom„a y la sociedad, reclamando un arte ‚hecho por el pueblo y para el puebloƒ. Por su parte, Morris „ fundador
del movimiento Arts & Crafts„ defendi• un arte funcional, pr‚ctico, que satisfaga necesidades materiales y no s•lo
espirituales. En Escritos est†ticos (1882-1884) y Los fines del arte (1887) plante• un concepto de arte utilitario pero
alejado de sistemas de producci•n excesivamente tecnificados, pr•ximo a un concepto del socialismo cercano al
corporativismo medieval.
[19]
Arte
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Representaci•n de El cascanueces, de Piotr
Chaikovski.
Por otro lado, la funci•n del arte fue cuestionada por el escritor
ruso Lev Tolstoi: en ‹Qu† es el arte? (1898) se plante• la
justificaci•n social del arte, argumentando que siendo el arte una
forma de comunicaci•n s•lo puede ser v‚lido si las emociones que
transmite pueden ser compartidas por todos los hombres. Para
Tolstoi, la …nica justificaci•n v‚lida es la contribuci•n del arte a la
fraternidad humana: una obra de arte s•lo puede tener valor social
cuando transmite valores de fraternidad, es decir, emociones que
impulsen a la unificaci•n de los pueblos.
[20]
En esa €poca se empez• a abordar el estudio del arte desde el
terreno de la psicolog„a: Sigmund Freud aplic• el psicoan‚lisis al
arte en Un recuerdo infantil de Leonardo da Vinci (1910),
defendiendo que el arte ser„a una de las maneras de representar un
deseo, una pulsi•n reprimida, de forma sublimada. Opinaba que el
artista es una figura narcisista, cercana al ni†o, que refleja en el
arte sus deseos, y afirm• que las obras art„sticas pueden ser
estudiadas como los sue†os y las enfermedades mentales, con el
psicoan‚lisis. Su m€todo era semi•tico, estudiando los s„mbolos, y
opinaba que una obra de arte es un s„mbolo. Pero como el s„mbolo
representa un determinado concepto simbolizado, hay que estudiar la obra de arte para llegar al origen creativo de la
obra.
[21]
Igualmente, Carl Gustav Jung relacion• la psicolog„a con diversas disciplinas como la filosof„a, la
sociolog„a, la religi•n, la mitolog„a, la literatura y el arte. En Contribuciones a la psicolog€a anal€tica (1928), sugiri•
que los elementos simb•licos presentes en el arte son ‚im‚genes primordialesƒ o ‚arquetiposƒ, que est‚n presentes de
forma innata en el ‚subconsciente colectivoƒ del ser humano.
[22]
Wilhelm Dilthey, desde la est€tica cultural, formul• una teor„a acerca de la unidad entre arte y vida. Prefigurando el
arte de vanguardia, Dilthey ya vislumbraba a finales del siglo XIX c•mo el arte se alejaba de las reglas acad€micas, y
c•mo cobraba cada vez mayor importancia la funci•n del p…blico, que tiene el poder de ignorar o ensalzar la obra de
un artista determinado. Encontr• en todo ello una ‚anarqu„a del gustoƒ, que achac• a un cambio social de
interpretaci•n de la realidad, pero que percibi• como transitorio, siendo necesario hallar ‡una relaci•n sana entre el
pensamiento est€tico y el arteˆ. As„, ofreci• como salvaci•n del arte las ‚ciencias del esp„rituƒ, especialmente la
psicolog„a: la creaci•n art„stica debe poder analizarse bajo el prisma de la interpretaci•n psicol•gica de la fantas„a.
En Vida y poes€a (1905) present• la poes„a como expresi•n de la vida, como €vivencia• (Erlebnis) que refleja la
realidad externa de la vida. La creaci•n art„stica tiene pues como funci•n intensificar nuestra visi•n del mundo
exterior, present‚ndolo como un conjunto coherente y pleno de sentido.
[23]
Arte
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Visi€n actual
Fuente, de Marcel Duchamp. El siglo XX supone una p€rdida del
concepto de belleza cl‚sica para conseguir un mayor efecto en el
di‚logo artista-espectador.
El siglo XX ha supuesto una radical transformaci•n del
concepto de arte: la superaci•n de las ideas
racionalistas de la Ilustraci•n y el paso a conceptos m‚s
subjetivos e individuales, partiendo del movimiento
rom‚ntico y cristalizando en la obra de autores como
Kierkegaard y Nietzsche, suponen una ruptura con la
tradici•n y un rechazo de la belleza cl‚sica. El concepto
de realidad fue cuestionado por las nuevas teor„as
cient„ficas: la subjetividad del tiempo de Bergson, la
Teor„a de la relatividad de Einstein, la mec‚nica
cu‚ntica, la teor„a del psicoan‚lisis de Freud, etc. Por
otro lado, las nuevas tecnolog„as hacen que el arte
cambie de funci•n, debido a que la fotograf„a y el cine
ya se encargan de plasmar la realidad. Todos estos
factores producen la g€nesis del arte abstracto, el artista
ya no intenta reflejar la realidad, sino su mundo
interior, expresar sus sentimientos.
[24]
El arte actual
tiene oscilaciones continuas del gusto, cambia
simult‚neamente junto a €ste: as„ como el arte cl‚sico se sustentaba sobre una metaf„sica de ideas inmutables, el
actual, de ra„z kantiana, encuentra gusto en la conciencia social de placer (cultura de masas). Tambi€n hay que
valorar la progresiva disminuci•n del analfabetismo, puesto que antiguamente, al no saber leer gran parte de la
poblaci•n, el arte gr‚fico era el mejor medio para la transmisi•n del conocimiento „ sobre todo religioso„ , funci•n
que ya no es necesaria en el siglo XX.
Una de las primeras formulaciones fue la del marxismo: de la obra de Marx se desprend„a que el arte es una
‚superestructuraƒ cultural determinada por las condiciones sociales y econ•micas del ser humano. Para los marxistas,
el arte es reflejo de la realidad social, si bien el propio Marx no ve„a una correspondencia directa entre una sociedad
determinada y el arte que produce. Georgi Plej‚nov, en Arte y vida social (1912), formul• una est€tica materialista
que rechazaba el ‚arte por el arteƒ, as„ como la individualidad del artista ajeno a la sociedad que lo envuelve.
[25]
Walter Benjamin incidi• de nuevo en el arte de vanguardia, que para €l es ‡la culminaci•n de la dial€ctica de la
modernidadˆ, el final del intento totalizador del arte como expresi•n del mundo circundante. Intent• dilucidar el
papel del arte en la sociedad moderna, realizando un an‚lisis semi•tico en el que el arte se explica a trav€s de signos
que el hombre intenta descifrar sin un resultado aparentemente satisfactorio. En La obra de arte en la †poca de la
reproductibilidad t†cnica (1936) analiz• la forma c•mo las nuevas t€cnicas de reproducci•n industrial del arte
pueden hacer variar el concepto de €ste, al perder su car‚cter de objeto …nico y, por tanto, su halo de reverencia
m„tica; esto abre nuevas v„as de concebir el arte „ inexploradas a…n para Benjamin„ pero que supondr‚n una relaci•n
m‚s libre y abierta con la obra de arte.
[26]
Theodor W. Adorno, como Benjamin perteneciente a la Escuela de Frankfurt, defendi• el arte de vanguardia como
reacci•n a la excesiva tecnificaci•n de la sociedad moderna. En su Teor€a est†tica (1970) afirm• que el arte es reflejo
de las tendencias culturales de la sociedad, pero sin llegar a ser fiel reflejo de €sta, ya que el arte representa lo
inexistente, lo irreal; o, en todo caso, representa lo que existe pero como posibilidad de ser otra cosa, de trascender.
El arte es la ‚negaci•n de la cosaƒ, que a trav€s de esta negaci•n la trasciende, muestra lo que no hay en ella de forma
primigenia. Es apariencia, mentira, presentando lo inexistente como existente, prometiendo que lo imposible es
posible.
[27]
Arte
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Isla Pagoda en la desembocadura del r€o Min (1870), de John Thomson. La
fotograf„a supuso una gran revoluci•n a la hora de concebir el arte en el siglo XIX
y el XX.
Representante del pragmatismo, John
Dewey, en Arte como experiencia (1934),
defini• el arte como ‚culminaci•n de la
naturalezaƒ, defendiendo que la base de la
est€tica es la experiencia sensorial. La
actividad art„stica es una consecuencia m‚s
de la actividad natural del ser humano, cuya
forma organizativa depende de los
condicionamientos ambientales en que se
desenvuelve. As„, el arte es ‚expresi•nƒ,
donde fines y medios se fusionan en una
experiencia agradable. Para Dewey, el arte,
como cualquier actividad humana, implica
iniciativa y creatividad, as„ como una
interacci•n entre sujeto y objeto, entre el
hombre y las condiciones materiales en las
que desarrolla su labor.
[28]
Jos€ Ortega y Gasset analiz• en La deshumanizaci‰n del arte (1925) el arte de vanguardia desde el concepto de
‚sociedad de masasƒ, donde el car‚cter minoritario del arte vanguardista produce una elitizaci•n del p…blico
consumidor de arte. Ortega aprecia en el arte una ‚deshumanizaci•nƒ debida a la p€rdida de perspectiva hist•rica, es
decir, de no poder analizar con suficiente distancia cr„tica el sustrato socio-cultural que conlleva el arte de
vanguardia. La p€rdida del elemento realista, imitativo, que Ortega aprecia en el arte de vanguardia, supone una
eliminaci•n del elemento humano que estaba presente en el arte naturalista. Asimismo, esta p€rdida de lo humano
hace desaparecer los referentes en que estaba basado el arte cl‚sico, suponiendo una ruptura entre el arte y el p…blico,
y generando una nueva forma de comprender el arte que s•lo podr‚n entender los iniciados. La percepci•n est€tica
del arte deshumanizado es la de una nueva sensibilidad basada no en la afinidad sentimental „ como se produc„a con
el arte rom‚ntico„ , sino en un cierto distanciamiento, una apreciaci•n de matices. Esa separaci•n entre arte y
humanidad supone un intento de volver al hombre a la vida, de rebajar el concepto de arte como una actividad
secundaria de la experiencia humana.
[29]
En la escuela semi•tica, Luigi Pareyson elabor• en Est†tica. Teor€a de la formatividad (1954) una est€tica
hermen€utica, donde el arte es interpretaci•n de la verdad. Para Pareyson, el arte es ‚formativoƒ, es decir, expresa
una forma de hacer que, ‡a la vez que hace, inventa el modo de hacerˆ. En otras palabras, no se basa en reglas fijas,
sino que las define conforme se elabora la obra y las proyecta en el momento de realizarla. As„, en la formatividad la
obra de arte no es un ‚resultadoƒ, sino un ‚logroƒ, donde la obra ha encontrado la regla que la define espec„ficamente.
El arte es toda aquella actividad que busca un fin sin medios espec„ficos, debiendo hallar para su realizaci•n un
proceso creativo e innovador que d€ resultados originales de car‚cter inventivo.
[30]
Pareyson influy• en la
denominada Escuela de Tur„n, que desarrollar‚ su concepto ontol•gico del arte: Umberto Eco, en Obra abierta
(1962), afirm• que la obra de arte s•lo existe en su interpretaci•n, en la apertura de m…ltiples significados que puede
tener para el espectador; Gianni Vattimo, en Poes€a y ontolog€a (1968), relacion• el arte con el ser, y por tanto con la
verdad, ya que es en el arte donde la verdad se muestra de forma m‚s pura y reveladora.
[31]
Arte
9
El c•mic ha sido una de las …ltimas incorporaciones a
la categor„a de bellas artes. En la imagen Little Nemo
in Slumberland, el primer gran cl‚sico del c•mic
publicado en 1905.
Una de las …ltimas derivaciones de la filosof„a y el arte es la
postmodernidad, teor„a socio-cultural que postula la actual
vigencia de un periodo hist•rico que habr„a superado el proyecto
moderno, es decir, la ra„z cultural, pol„tica y econ•mica propia de
la Edad Contempor‚nea, marcada en lo cultural por la Ilustraci•n,
en lo pol„tico por la Revoluci•n francesa y en lo econ•mico por la
Revoluci•n industrial. Frente a las propuestas del arte de
vanguardia, los postmodernos no plantean nuevas ideas, ni €ticas
ni est€ticas; tan s•lo reinterpretan la realidad que les envuelve,
mediante la repetici•n de im‚genes anteriores, que pierden as„ su
sentido. La repetici•n encierra el marco del arte en el arte mismo,
se asume el fracaso del compromiso art„stico, la incapacidad del
arte para transformar la vida cotidiana. El arte postmoderno vuelve
sin pudor al sustrato material tradicional, a la obra de arte-objeto,
al ‚arte por el arteƒ, sin pretender hacer ninguna revoluci•n,
ninguna ruptura. Algunos de sus m‚s importantes te•ricos han sido
Jacques Derrida y Michel Foucault.
[32]
Como conclusi•n, cabr„a decir que las viejas f•rmulas que basaban
el arte en la creaci•n de belleza o en la imitaci•n de la naturaleza
han quedado obsoletas, y hoy d„a el arte es una cualidad din‚mica,
en constante transformaci•n, inmersa adem‚s en los medios de
comunicaci•n de masas, en los canales de consumo, con un aspecto muchas veces ef„mero, de percepci•n
instant‚nea, presente con igual validez en la idea y en el objeto, en su g€nesis conceptual y en su realizaci•n
material.
[33]
Morris Weitz, representante de la est€tica anal„tica, opinaba en El papel de la teor€a en la est†tica
(1957) que ‡es imposible establecer cualquier tipo de criterios del arte que sean necesarios y suficientes; por lo tanto,
cualquier teor„a del arte es una imposibilidad l•gica, y no simplemente algo que sea dif„cil de obtener en la pr‚cticaˆ.
Seg…n Weitz, una cualidad intr„nseca de la creatividad art„stica es que siempre produce nuevas formas y objetos, por
lo que ‡las condiciones del arte no pueden establecerse nunca de antemanoˆ. As„, ‡el supuesto b‚sico de que el arte
pueda ser tema de cualquier definici•n realista o verdadera es falsoˆ.
[34]
En el fondo, la indefinici•n del arte estriba en su reducci•n a determinadas categor„as „ como imitaci•n, como
recreaci•n, como expresi•n„ ; el arte es un concepto global, que incluye todas estas formulaciones y muchas m‚s, un
concepto en evoluci•n y abierto a nuevas interpretaciones, que no se puede fijar de forma convencional, sino que
debe aglutinar todos los intentos de expresarlo y formularlo, siendo una s„ntesis amplia y subjetiva de todos ellos.
El arte es una actividad humana consciente capaz de reproducir cosas, construir formas, o expresar una
experiencia, si el producto de esta reproducci•n, construcci•n, o expresi•n puede deleitar, emocionar o
producir un choque.
W•adys•aw Tatarkiewicz, Historia de seis ideas (1976).
[35]
Arte
10
Clasificaci€n
Las siete artes liberales, imagen del Hortus deliciarum (siglo XII),
de Herrad von Landsberg.
La clasificaci•n del arte, o de las distintas facetas o
categor„as que pueden considerarse art„sticas, ha tenido
una evoluci•n paralela al concepto mismo de arte:
como se ha visto anteriormente, durante la antigƒedad
cl‚sica se consideraba arte todo tipo de habilidad
manual y destreza, de tipo racional y sujeta a reglas;
as„, entraban en esa denominaci•n tanto las actuales
bellas artes como la artesan„a y las ciencias, mientras
que quedaban excluidas la m…sica y la poes„a. Una de
las primeras clasificaciones que se hicieron de las artes
fue la de los fil•sofos sofistas presocr‚ticos, que
distinguieron entre ‚artes …tilesƒ y ‚artes placenterasƒ, es
decir, entre las que producen objetos de cierta utilidad y
las que sirven para el entretenimiento. Plutarco
introdujo, junto a estas dos, las ‚artes perfectasƒ, que
ser„an lo que hoy consideramos ciencias. Plat•n, por su
parte, estableci• la diferencia entre ‚artes productivasƒ
y ‚artes imitativasƒ, seg…n si produc„an objetos nuevos
o imitaban a otros.
[36]
Durante la era romana hubo diversos intentos de
clasificar las artes: Quintiliano dividi• el arte en tres
esferas: ‚artes te•ricasƒ, basadas en el estudio
(principalmente, las ciencias); ‚artes pr‚cticasƒ, basadas en una actividad, pero sin producir nada (como la danza); y
‚artes po€ticasƒ „ seg…n la etimolog„a griega, donde •‘’Ž“”• (po€Œsis) quiere decir €producci•n•„ , que son las que
producen objetos. Cicer•n catalog• las artes seg…n su importancia: ‚artes mayoresƒ (pol„tica y estrategia militar),
‚artes medianasƒ (ciencias, poes„a y ret•rica) y ‚artes menoresƒ (pintura, escultura, m…sica, interpretaci•n y
atletismo). Plotino clasific• las artes en cinco grupos: las que producen objetos f„sicos (arquitectura), las que ayudan
a la naturaleza (medicina y agricultura), las que imitan a la naturaleza (pintura), las que mejoran la acci•n humana
(pol„tica y ret•rica) y las intelectuales (geometr„a).
[37]
Sin embargo, la clasificaci•n que tuvo m‚s fortuna „ llegando hasta la era moderna„ fue la de Galeno en el siglo II,
que dividi• el arte en ‚artes liberalesƒ y ‚artes vulgaresƒ, seg…n si ten„an un origen intelectual o manual. Entre las
liberales se encontraban: la gram‚tica, la ret•rica y la dial€ctica „ que formaban el trivium„ , y la aritm€tica, la
geometr„a, la astronom„a y la m…sica „ que formaban el quadrivium„ ; las vulgares inclu„an la arquitectura, la
escultura y la pintura, pero tambi€n otras actividades que hoy consideramos artesan„a.
[38]
Durante la Edad Media continu• la divisi•n del arte entre artes liberales y vulgares „ llamadas estas …ltimas entonces
‚mec‚nicasƒ„ , si bien hubo nuevos intentos de clasificaci•n: Boecio dividi• las artes en ars y artificium, clasificaci•n
similar a la de artes liberales y vulgares, pero en una acepci•n que casi exclu„a las formas manuales del campo del
arte, dependiendo €ste tan s•lo de la mente. En el siglo XII, Radulfo de Campo Lungo intent• hacer una clasificaci•n
de las artes mec‚nicas, reduci€ndolas a siete, igual n…mero que las liberales. En funci•n de su utilidad cara a la
sociedad, las dividi• en: ars victuaria, para alimentar a la gente; lanificaria, para vestirles; architectura, para
procurarles una casa; suffragatoria, para darles medios de transporte; medicinaria, que les curaba; negotiatoria, para
el comercio; militaria, para defenderse.
[39]
En el siglo XVI empez• a considerarse que la arquitectura, la pintura y la escultura eran actividades que requer„an no
s•lo oficio y destreza, sino tambi€n un tipo de concepci•n intelectual que las hac„an superiores a otros tipos de
Arte
11
manualidades. Se gestaba as„ el concepto moderno de arte, que durante el Renacimiento adquiri• el nombre de arti
del disegno (artes del dise†o), por cuanto comprend„an que esta actividad „ el dise†ar„ era la principal en la g€nesis
de las obras de arte.
[40]
Las Meninas (1656), de Vel‚zquez, fue un alegato de la figura del
pintor como artista inspirado, frente a la condici•n de simple
artesano que hasta entonces se ten„a del oficio de pintor.
Sin embargo, faltaba aglutinar estas artes del dise†o
con el resto de actividades consideradas art„sticas
(m…sica, poes„a y teatro), tarea que se desarroll•
durante los dos siglos siguientes con varios intentos de
buscar un nexo com…n a todas estas actividades: as„, el
humanista florentino Giannozzo Manetti propuso el
t€rmino ‚artes ingeniosasƒ, donde inclu„a las artes
liberales, por lo que s•lo cambiaba el vocablo; el
fil•sofo neoplat•nico Marsilio Ficino elabor• el
concepto de ‚artes musicalesƒ, argumentando que la
m…sica era la inspiraci•n para todas las artes; en 1555,
Giovanni Pietro Capriano introdujo en su De vera
poetica la acepci•n ‚artes noblesƒ, apelando a la
elevada finalidad de estas actividades; Lodovico
Castelvetro habl• en su Correttione (1572) de ‚artes
memorialesƒ, ya que seg…n €l estas artes buscaban fijar
en objetos la memoria de cosas y acontecimientos;
Claude-Fran–ois Menestrier, historiador franc€s del
siglo XVII, formul• la idea de ‚artes pict•ricasƒ,
remarcando el car‚cter visual del arte; Emanuele
Tesauro ide• en 1658 la noci•n de ‚artes po€ticasƒ,
inspirado en la c€lebre cita de Horacio ut pictura poesis (la pintura como la poes„a), describiendo el componente
po€tico y metaf•rico de estas artes; ya en el siglo XVIII, coincidieron en un mismo a†o (1744) dos definiciones, la
de ‚artes agradablesƒ de Giambattista Vico, y la de ‚artes elegantesƒ de James Harris; por …ltimo, en 1746, Charles
Batteux estableci• en Las bellas artes reducidas a un •nico principio la concepci•n actual de bellas artes,
remarcando su aspecto de imitaci•n (imitatio).
[41]
Batteux incluy• en las bellas artes pintura, escultura, m…sica, poes„a y danza, mientras que mantuvo el t€rmino artes
mec‚nicas para el resto de actividades art„sticas, y se†al• como actividades entre ambas categor„as la arquitectura y
la ret•rica, si bien al poco tiempo se elimin• el grupo intermedio y la arquitectura y la ret•rica se incorporaron
plenamente a las bellas artes. Sin embargo, con el tiempo, esta lista sufri• diversas variaciones, y si bien se aceptaba
com…nmente la presencia de arquitectura, pintura, escultura, m…sica y poes„a, los dos puestos restantes oscilaron
entre la danza, la ret•rica, el teatro y la jardiner„a, o, m‚s adelante, nuevas disciplinas como la fotograf„a y el cine. El
t€rmino ‚bellas artesƒ hizo fortuna, y qued• fijado como definici•n de todas las actividades basadas en la elaboraci•n
de objetos con finalidad est€tica, producidos de forma intelectual y con voluntad expresiva y trascendente. As„, desde
entonces las artes fueron ‚bellas artesƒ, separadas tanto de las ciencias como de los oficios manuales. Por eso mismo,
durante el siglo XIX se fue produciendo un nuevo cambio terminol•gico: ya que las artes eran s•lo las bellas artes, y
el resto de actividades no lo eran, poco a poco se fue perdiendo el t€rmino €bellas• para quedar s•lo el de €artes•,
quedando la acepci•n €arte• tal como la entendemos hoy d„a. Incluso sucedi• que entonces se restringi• el t€rmino
‚bellas artesƒ para designar las artes visuales, las que en el Renacimiento se denominaban ‚artes del dise†oƒ
(arquitectura, pintura y escultura), siendo las dem‚s las ‚artes en generalƒ. Tambi€n hubo una tendencia cada vez m‚s
creciente a separar las artes visuales de las literarias, que recibieron el nombre de ‚bellas letrasƒ.
[42]
Se podr„a decir
que las ‚bellas artesƒ son aquellas que cumplen con ciertas caracter„sticas est€ticas dignas de ser admiradas: tienen
como objetivo expresar la belleza aunque esta sea definida por el artista o por la particular perspectiva del
Arte
12
observador, cayendo en la ambigƒedad de lo que es bello. Gary Martin se†al• que debido a que constituye una
experiencia subjetiva, a menudo se dice que ‡la belleza est‚ en el ojo del observadorˆ. Las ‚bellas artesƒ han tenido
hist•ricamente tal adjetivo debido a que representan la m‚xima expresi•n sentimental del ser humano desde €pocas
remotas.
Sin embargo, pese a la aceptaci•n general de la clasificaci•n propuesta por Batteux, en los siglos siguientes todav„a
se produjeron intentos de nuevas clasificaciones del arte: Immanuel Kant distingui• entre ‚artes mec‚nicasƒ y ‚artes
est€ticasƒ; Robert von Zimmermann habl• de artes de la representaci•n material (arquitectura y escultura), de la
representaci•n perceptiva (pintura y m…sica) y de la representaci•n del pensamiento (literatura); y Alois Riegl, en
Arte industrial de la †poca romana tard€a, dividi• el arte en arquitectura, pl‚stica y ornamento. Hegel, en su Est†tica
(1835-1838), estableci• tres formas de manifestaci•n art„stica: arte simb•lico, cl‚sico y rom‚ntico, que se relacionan
con tres formas diferentes de arte, tres estadios de evoluci•n hist•rica y tres maneras distintas de tomar forma la
idea:
Arte Historia Idea Forma
Simb•lico Infancia Desajuste Arquitectura
Cl‚sico Madurez Ajuste Escultura
Rom‚ntico Vejez Desbordamiento Pintura, m…sica y poes„a
En la idea, primero hay una relaci•n de desajuste, donde la idea no encuentra forma; despu€s es de ajuste, cuando la
idea se ajusta a la forma; por …ltimo, en el desbordamiento, la idea sobrepasa la forma, tiende al infinito. En la
evoluci•n hist•rica, equipara infancia con el arte prehist•rico, antiguo y oriental; madurez, con el arte griego y
romano; y vejez, con el arte cristiano. En cuanto a la forma, la arquitectura (forma monumental) es un arte tect•nico,
depende de la materia, de pesos, medidas, etc.; la escultura (forma antropom•rfica) depende m‚s de la forma
volum€trica, por lo que se acerca m‚s al hombre; la pintura, m…sica y poes„a (formas suprasensibles) son la etapa
m‚s espiritual, m‚s desmaterializada. La creaci•n art„stica no ha de ser una mimesis, sino un proceso de libertad
espiritual. En su evoluci•n, cuando el artista llega a su l„mite, se van perdiendo las formas sensibles, el arte se vuelve
m‚s conceptual y reflexivo; al final de este proceso se produce la ‚muerte del arteƒ.
[43]
Pese a todo, estos intentos de clasificaci•n resultaron un tanto bald„os y, cuando parec„a que por fin se hab„a llegado
a una definici•n del arte universalmente aceptable, despu€s de tantos siglos de evoluci•n, los cambios sociales,
culturales y tecnol•gicos producidos durante los siglos XIX y XX han comportado un nuevo intento de definir el arte
con base en par‚metros m‚s abiertos y omnicomprensivos, intentando abarcar tanto una definici•n te•rica del arte
como una catalogaci•n pr‚ctica que incluyese las nuevas formas art„sticas que han ido surgiendo en los …ltimos
tiempos (fotograf„a, cine, c•mic, nuevas tecnolog„as, etc.). Como el de Juan Acha con su ensayo Arte y sociedad.
Latinoam†rica: el producto art€stico y estructura (1979), cuya compleja organizaci•n de las artes es seg…n su
aplicaci•n y origen; en grupos como "Cuerpo-Objeto", "Superficie-Objetos", "Superficies-Ic•nicas",
"Superficies-Literarias", "Espect‚culos" y "Audiciones". Y otra m‚s simple en L‰gica del L€mite (1991) de Eugenio
Tr„as, en la que el artista es como un habitante y a un determinado oficio art„stico como un habit‡culo, que
constituyen tres grandes ‚reas del arte: artes est‚ticas o del espacio, artes mixtas y artes temporales o din‚micas.
Arte
13
Artes est•ticas o espaciales Artes mixtas Artes din•micas o temporales
Arquitectura Cine M…sica
Escultura Teatro Danza
Pintura —pera Literatura
Estos intentos, un tanto infructuosos, han producido en cierta forma el efecto contrario, acentuando a…n m‚s la
indefinici•n del arte, que hoy d„a es un concepto abierto e interpretable, donde caben muchas f•rmulas y
concepciones, si bien se suele aceptar un m„nimo denominador com…n basado en cualidades est€ticas y expresivas,
as„ como un componente de creatividad.
Clasificaci•n actual
Actualmente se suele considerar la siguiente lista de bellas artes:
˜ El primero es la arquitectura.
˜ El segundo es la danza.
˜ El tercero es la escultura.
˜ El cuarto es la m…sica.
˜ El quinto es la pintura.
˜ El sexto es la poes„a (y literatura en general).
˜ El s€ptimo es la cinematograf„a.
˜ El octavo es la fotograf„a.
˜ El noveno es la historieta.
Ciertos cr„ticos e historiadores consideran otras artes en la lista, como la gastronom„a, la perfumer„a, la televisi•n, el
teatro, la moda, la publicidad, la animaci•n y los videojuegos. En la actualidad existe a…n cierta discrepancia sobre
cu‚l ser„a el ‚d€cimo arteƒ.
[44]
Arte
14
Elementos del fen€meno art‚stico
Autorretrato (1498), de Alberto Durero.
˜ Artista: se denomina artista a aquella persona que, o
bien practica un arte, o bien destaca en €l. Por
definici•n, un artista es quien elabora una obra de
arte; as„ pues, y en paralelo a la evoluci•n del
concepto de arte que hemos visto anteriormente, en
€pocas pasadas un artista era cualquier persona que
trabajase en las artes liberales o vulgares, desde un
gram‚tico, un astr•nomo o un m…sico hasta un
alba†il, un alfarero o un ebanista. Sin embargo, hoy
d„a se entiende por artista a alguien que practica las
bellas artes. Aun as„, el t€rmino artista puede tener
diversas acepciones, desde el artista como creador,
hasta el artista como el que tiene en la pr‚ctica de un
arte su profesi•n. As„, a menudo llamamos artistas a
actores o m…sicos que s•lo interpretan obras creadas
por otros autores. Tambi€n se suele emplear el
vocablo artista para diferenciar a quien practica una
actividad liberal para distinguirlo del que practica un
oficio: en ese sentido, se suele decir ‚pintor artistaƒ
para diferenciarlo de un ‚pintor de brocha gordaƒ. Al
artista se le supone una disposici•n especialmente
sensible frente al mundo que lo rodea: ha
desarrollado su propio punto de vista, as„ como su creatividad, una buena t€cnica y un medio de comunicaci•n
hacia el espectador por medio de sus obras. El artista adquiere su propio dominio de la t€cnica y su desarrollo
art„stico intelectual para llegar al camino del profesionalismo. Con esta personalidad, el artista se manifiesta hacia
el mundo tratando de reflejar lo que acontece „ o le gustar„a que aconteciera„ en €l.
[45]
˜ Obra de arte: una obra es una realizaci•n material, que tiene una existencia objetiva y que es perceptible
sensiblemente. El t€rmino proviene del lat„n opera, que deriva de opus (€trabajo•), por lo que equivale a trabajo
como objeto, es decir, como resultado de un trabajo. Una obra de arte puede ser tanto el objeto material en s„ „ una
pintura, una escultura, un grabado„ como una producci•n intelectual donde la artisticidad se encuentra en el
momento de su ejecuci•n o captaci•n por medio de los sentidos: as„, en la literatura, el arte se encuentra m‚s en la
lectura de la obra que no en el lenguaje escrito que le sirve de veh„culo de comunicaci•n, o en el medio material
(libro, revista) que le sirva de soporte; en m…sica, el arte se encuentra en su percepci•n auditiva, no en la partitura
en que se ve reflejada. As„, en el arte conceptual se valora m‚s la concepci•n de la obra de arte por parte del
artista que no su realizaci•n material. En ese sentido, una obra de arte puede tener varios niveles de elaboraci•n:
dec„a Panofsky que, al escribir una carta, se cumple b‚sicamente el objetivo de comunicarse; pero si se escribe
poniendo especial atenci•n en la caligraf„a, puede tener un sentido art„stico valorable per se; y si, adem‚s, se
escribe en un tono po€tico o literario, la carta trasciende su sustrato material para convertirse en una obra de arte
valorable por sus cualidades intr„nsecas. Por otro lado, hay que valorar la percepci•n del receptor: un objeto
puede no estar elaborado con finalidades art„sticas pero ser interpretado as„ por la persona que lo percibe „ como
en los ready-made de Duchamp„ . Igualmente, una obra de arte puede tener diversas interpretaciones seg…n la
persona que lo valore, como remarc• Umberto Eco con su concepto de ‚obra abiertaƒ. Y una misma obra puede
ser percibida como art„stica por unos y como no art„stica por otros: dec„a Marcel Mauss que ‡es obra de arte el
objeto que es reconocido como tal por un grupo social definidoˆ. As„, habr„a que reconocer que una obra de arte
es un objeto que tiene un valor a†adido, sea este valor un concepto art„stico, est€tico, cultural, sociol•gico o de
Arte
15
diversa „ndole.
[46]
En conclusi•n, se podr„a decir que una obra de arte es un hecho sensorial, realizado
artificialmente, con intencionalidad comunicativa y orientaci•n l…dica. La obra de arte, para ser considerada como
tal, debe trascender su sustrato material para adquirir una significaci•n trascendente, basada tanto en su aspecto
est€tico como en el hist•rico, al ser reflejo de un lugar y tiempo determinados, as„ como de una determinada
cultura que subyace en la g€nesis de toda obra de arte.
[47]
Sea cual sea su antigƒedad y clasicismo, una obra de arte es en acto y no s•lo potencialmente una obra de arte
cuando pervive en alguna experiencia individualizada. En cuanto pedazo de pergamino, de m‚rmol, de tela,
permanece (aunque sujeta a las devastaciones del tiempo) id€ntica a s„ misma a trav€s de los a†os. Pero como
obra de arte se recrea cada vez que es experimentada est€ticamente.
John Dewey, El arte como experiencia (1934).
[48]
Una performance, ejemplo de actividad art„stica que requiere un
p…blico.
˜ P…blico: un factor cada vez m‚s determinante en el
mundo del arte es el del p…blico, la gente que acude
a museos o exposiciones y que manifiesta cada vez
m‚s un sentido cr„tico y apreciativo del arte,
pudiendo influir en las modas y los gustos art„sticos.
En siglos anteriores, el arte era un c„rculo cerrado al
que s•lo ten„an acceso las clases m‚s favorecidas,
que eran las que encargaban y adquir„an obras de
arte. Sin embargo, desde la apertura de los primeros
museos p…blicos en el siglo XVIII, la participaci•n
del p…blico en general en la apreciaci•n del arte ha
sido cada vez mayor, favorecida sobre todo por el
aumento de medios de comunicaci•n de masas
(prensa, libros, revistas y, m‚s recientemente,
medios digitales e Internet). Asimismo, las nuevas
corrientes art„sticas, sobre todo desde pasada la Segunda Guerra Mundial, han favorecido la participaci•n del
p…blico en la propia g€nesis del hecho art„stico, a trav€s de acciones art„sticas como los happenings y las
performances.
[49]
˜ Percepci•n: la percepci•n del arte es un fen•meno subjetivo, motivado no s•lo por el hecho sensorial sino por el
aspecto de mentalidad inherente, que depende de la cultura, la educaci•n, etc. La percepci•n es un proceso activo
y selectivo, el ser humano tiende a seleccionar la percepci•n m‚s sencilla, as„ como a ver las cosas globalmente
„ por ejemplo, tendemos a ver las cosas sim€tricas aunque no lo sean„ . De la percepci•n sensorial dependen
factores como la textura, la forma y el color, as„ como la geometr„a, la proporci•n y el ritmo.
˜ Materia y t€cnica: el proceso art„stico comienza con la elaboraci•n mental de la obra por parte del artista, pero
€sta se ha de plasmar en materia, proceso que se realiza a trav€s de la t€cnica. La materia tiene una noci•n
constitutiva, creadora, siendo parte esencial de la creaci•n art„stica. Tambi€n puede aportar diferentes
concepciones est€ticas, como el uso del hierro y el vidrio en la arquitectura contempor‚nea. A su vez, la t€cnica es
la manera c•mo el artista da forma a la obra de arte, c•mo moldea la materia para conseguir expresar aquello que
desea crear. Los materiales y la t€cnica van evolucionando con el tiempo, y pueden ser definitorios de un
determinado lenguaje o estilo art„stico.
[50]
˜˜ Funci•n del arte: el arte puede cumplir diversas funciones, seg…n la voluntad del propio artista o seg…n la
interpretaci•n que de la obra haga el p…blico:
˜ Pr‚ctica: el arte puede tener una utilidad pr‚ctica siempre y cuando cumpla diversas premisas de satisfacer
necesidades o de tener una finalidad destinada a su uso o disfrute, como es el caso de la arquitectura, o bien de
la artesan„a y las artes aplicadas, decorativas e industriales.
Arte
16
˜˜ Est€tica: el arte est‚ estrechamente vinculado a una finalidad est€tica, es decir, de provocar sentimientos o
emociones, o bien suscitar belleza y admiraci•n en todo aqu€l que contempla la obra de arte.
˜˜ Simb•lica: el arte puede estar revestido de una funci•n simb•lica cuando pretende trascender su simple
materialidad para ser un s„mbolo, una forma de expresi•n o comunicaci•n, un lenguaje por el cual se expresa
una idea que debe ser descifrable para el p…blico al cual va dirigida.
˜˜ Econ•mica: el arte, como producto elaborado por el hombre, no deja de ser un objeto que puede estar
motivado con fines econ•micos, bien en su concepci•n o bien en su posterior mercantilizaci•n.
˜˜ Comunicativa: el arte es un medio de comunicaci•n, por el cual se expresan ideas o conceptos, o bien se
recrean estados de ‚nimo. En este sentido, puede ser tanto cr„tico como propagand„stico del mensaje que desea
transmitir.
˜˜ Imitativa: el arte ha pretendido hist•ricamente ser fiel reflejo de la realidad, al menos hasta la aparici•n de la
fotograf„a y el cine en el siglo XX. As„, el arte ha sido un medio ideal para plasmar el mundo, la forma de vida
de las diversas culturas y civilizaciones que se han sucedido a lo largo del tiempo.
˜˜ Cr„tica: el arte puede tener una voluntad cr„tica, bien de tipo pol„tico, religioso o social, haci€ndose eco de las
reivindicaciones sociales de cada periodo hist•rico.
Museo del Prado.
˜ Museos: son instituciones dedicadas al estudio,
conservaci•n y exposici•n de obras de arte. El
origen de los museos est‚ en el coleccionismo,
donde a la obra de arte se le a†ade un valor hist•rico
o cultural, o bien de admiraci•n o singularidad. A
partir del siglo XVIII comenzaron a abrirse las
colecciones al p…blico, surgiendo los museos de
protecci•n estatal (British Museum, 1753; Uffizi,
1769; Louvre, 1789; Prado, 1819; Altes Museum de
Berl„n, 1830; National Gallery, 1838; Hermitage,
1851), al tiempo que surgieron las academias,
instituciones que regulan el proceso creativo,
educativo y formativo del arte. El Consejo
Internacional de Museos (ICOM) define el museo como ‡una instituci•n sin ‚nimo de lucro, permanente, al
servicio de la sociedad y su desarrollo, abierto al p…blico, que adquiere, conserva, investiga, comunica y exhibe
testimonios materiales de la evoluci•n de la naturaleza y del hombre, con finalidades de estudio, de educaci•n y
de delectaci•nˆ. Existen dos disciplinas vinculadas al estudio de los museos: la museograf„a estudia la vertiente
t€cnica y estructural de los museos (arquitectura, equipamiento, medios de exposici•n); y la museolog„a analiza el
museo desde una perspectiva hist•rica, social y cultural.
[51]
˜ Academias de arte: son instituciones encargadas de preservar el arte como fen•meno cultural, de reglamentar su
estudio y su conservaci•n, y de promocionarlo mediante exposiciones y concursos; originalmente, serv„an
tambi€n como centros de formaci•n de artistas, aunque con el tiempo perdieron esta funci•n, traspasada a
instituciones privadas. Las primeras academias surgieron en Italia en el siglo XVI: en 1562, la Accademia del
Disegno en Florencia; en 1577, la Accademia di San Luca en Roma. Posteriormente, cabe destacar la Acad€mie
Royal d•Art, fundada en Par„s en 1648; la Akademie der Kƒnste de Berl„n (1696); la Real Academia de Bellas
Artes de San Fernando de Madrid (1744); la Academia Rusa de Artes de San Petersburgo (1757); y la Royal
Academy of Arts de Londres (1768). Las academias de arte a menudo han sido criticadas como centros
conservadores, anclados en el gusto por el arte cl‚sico, excesivamente reglamentadas, llegando incluso a que el
t€rmino ‚arte acad€micoƒ sea sin•nimo de un arte de corte cl‚sico y tipo can•nico, de repetici•n de formas
tradicionales. Hoy en d„a, las academias tienen m‚s que nada una funci•n institucional, representativa y de
asesoramiento.
[52]
Arte
17
˜ Fundaciones de arte: conocidas como el ‚tercer sectorƒ, ya que son privadas pero no persiguen fines lucrativos,
por lo que se sit…an entre los museos y las galer„as de arte, las fundaciones son instituciones de ‚mbito privado y
filantr•pico encargadas de difundir y fomentar el arte. Entre sus funciones se cuentan tanto la conservaci•n de
obras de arte „ generalmente estas fundaciones tienen sus propias colecciones„ como el est„mulo y fomento de la
creatividad art„stica, a trav€s de becas para j•venes artistas. Instancia intermedia entre la sociedad civil y el
estado, las fundaciones favorecen la participaci•n ciudadana en las esferas culturales, fomentando la
democratizaci•n del estamento art„stico. Entre las diversas fundaciones internacionales destacan la Fundaci•n
Maeght, la del Chase Manhattan Bank, la Fundaci•n Beyeler, la Fundaci•n Cartier, la Fundaci•n Lucio Fontana,
la Fundaci•n Calouste Gulbenkian, la Fundaci•n Solomon R. Guggenheim, la Fundaci•n Robert Mapplethorpe, la
Fundaci•n Vincent Van Gogh, etc.; en Espa†a, la Fundaci•n Mir•, la Fundaci•n Antoni T™pies, la Fundaci•n
BBVA, la Fundaci•n Caixa Fšrum, la Fundaci•n Telef•nica, la Fundaci•n Juan March, la Fundaci•n
Gala-Salvador Dal„, la Fundaci•n Thyssen-Bornemisza, etc.
[53]
˜ Coleccionismo: es una actividad, generalmente de „ndole privada, destinada a la creaci•n de colecciones de obras
de arte. Desde siempre, el hombre ha sentido fascinaci•n por el arte, hecho que le ha llevado a la adquisici•n de
obras de arte, para su disfrute personal o, desde el crecimiento del mercado art„stico en el Renacimiento, como
inversi•n econ•mica. Las colecciones particulares de arte han rivalizado a menudo con los museos en cuanto a
cantidad y calidad de obras de arte y, gracias a donaciones filantr•picas, han sido origen muchas veces de la
ampliaci•n o creaci•n de nuevos museos. El coleccionismo empez• de forma amplia en la antigua Roma, fruto
generalmente de botines de guerra de los pa„ses conquistados. Durante la Edad Media fue com…n el atesoramiento
de piezas de valor (orfebrer„a, obras de marfil y €bano) y de reliquias. Sin embargo, el auge del coleccionismo se
produjo en el Renacimiento, cuando nobles y mecenas encargaron y adquirieron gran n…mero de obras de arte
para sus palacios y villas. Circunscrito en principio a la aristocracia, a partir del siglo XVIII el coleccionismo pas•
tambi€n a la burgues„a y a los ricos hombres de negocios, ya que el arte ten„a entonces un marcado componente
de ostentaci•n social. Desde entonces, la figura del coleccionista privado ha sido fundamental para el €xito del
mercado art„stico.
[54]
Galer€a de arte con vistas de Roma antigua (1754-1757), de Giovanni Paolo
Pannini.
˜ Mercado art„stico: la valoraci•n de la
obra de arte como mercanc„a susceptible
de ser adquirida por una contraprestaci•n
econ•mica comienza con la toma de
conciencia de la singularidad del arte, de
su valor como obra …nica e irrepetible,
unido a aspectos como su antigƒedad, su
calidad, su autenticidad, etc. El comercio
art„stico surgi• en Grecia y Roma, pero
se consolid• en el Renacimiento: en el
siglo XVI exist„an ya en Venecia y
Florencia lonjas especializadas en la
transacci•n del arte. En el siglo XVII el
principal centro comercializador de arte
fueron los Pa„ses Bajos, donde una
creciente burgues„a hac„a del arte un
reflejo de su estatus social. En el siglo XIX el mercado del arte cobr• una gran difusi•n, en paralelo a la apertura
de los museos p…blicos y a la realizaci•n de exposiciones internacionales donde se exhib„an los mejores
productos, tanto art„sticos como industriales, de todos los pa„ses. Prolifer• entonces la apertura de galer„as
privadas de arte, y apareci• la figura del marchante de arte, que a menudo jugar„a un papel relevante en su
Arte
18
relaci•n con los artistas, y llegar„a a cobrar un protagonismo propio en la historia del arte (como Daniel-Henry
Kahnweiler o Ambroise Vollard). Tambi€n aparecieron casas de subastas, como las famosas Christie's y
Sotheby's brit‚nicas, la francesa Drouot, la alemana Lempertz, la italiana Finarte o las espa†olas Brok, Ansorena
y Dur‚n.
[55]
˜ Ferias: uno de los principales medios de comercializaci•n del arte son las ferias, donde los artistas dan a conocer
sus obras, mientras que el p…blico puede apreciarlas y estar al corriente de las diversas novedades que se van
sucediendo en el tiempo. Las ferias han ido adquiriendo cada vez mayor relevancia, existiendo un circuito donde
a lo largo del a†o diversas ciudades de todo el mundo acogen ferias de diversa „ndole. Actualmente, su cometido
no es s•lo comercial, sino tambi€n cultural e institucional, ya que suponen una fuente de difusi•n del arte. Una de
las primeras ferias conocidas fue la celebrada en el Salone degli Innocenti de la Academia de Florencia, donde en
1564 se vendieron 17 de 25 cuadros pintados en homenaje a Miguel ›ngel tras su fallecimiento. En 1737 se abri•
la muestra bienal del Sal•n Carr€ del Louvre, organizada por la Acad€mie Royal d•Art, primeras ferias abiertas a
un p…blico mayoritario. En la actualidad destacan: la Bienal de Venecia, la Documenta de Kassel, la Bienal de
Sœo Paulo, la Trienal de Mil‚n, la feria ARCO de Madrid, la FIAC de Par„s, ArtBasel de Basilea, etc.
[56]
˜ Exposiciones: uno de los factores clave en la difusi•n del arte, sobre todo actualmente, es la organizaci•n de
exposiciones, p…blicas o privadas, de arte antiguo o contempor‚neo, individuales o colectivas, tem‚ticas o
antol•gicas. Las primeras exposiciones surgieron en Gran Breta†a a finales del siglo XVIII, propiciadas por el
exilio de artistas provocado por la Revoluci•n francesa. En el siglo XIX surgieron las exposiciones universales,
primeros fen•menos de masas donde se expon„an las principales novedades tanto del mundo del arte como de la
ciencia, la industria y cualquier otra actividad humana. Desde entonces se han sucedido las exposiciones por todo
el mundo, circunscritas a menudo en los propios museos de arte, como forma de favorecer una mayor afluencia de
p…blico. Actualmente, son habituales las exposiciones antol•gicas e itinerantes, que suelen recorrer los principales
centros art„sticos mundiales. Otro factor a tener en cuenta, sobre todo dada la temporalidad de estas exposiciones,
es la cada vez mayor importancia de los cat‚logos, …nicos testimonios del conjunto de obras de arte expuestas de
forma, muchas veces, irrepetible. La exposici•n m‚s visitada ha sido la de Arte degenerado, organizada en 1937
por el ministro de propaganda nazi Joseph Goebbels, que fue visitada por unos tres millones de personas en
diversas ciudades alemanas a lo largo de cuatro a†os.
[57]
Disciplinas art‚sticas
Arquitectura: Casa de la Cascada (1939), de Frank Lloyd Wright.
Arte
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Pintura: La noche estrellada (1889), de Vincent van Gogh.
Escultura: Žxtasis de la beata Ludovica Albertoni (1671-1674), de Gian Lorenzo Bernini.
M…sica: Cuarteto para flauta (1777), de Wolfgang Amadeus Mozart.
Literatura: Ejemplo de caligraf„a en lat„n que representa una Biblia de 1407.
Las artes creativas a menudo son divididas en categor„as m‚s espec„ficas, como las artes decorativas, las artes
pl‚sticas, las artes esc€nicas o la literatura. As„, la pintura es una forma de arte visual, y la poes„a es una forma de
literatura. Algunos ejemplos son:
Artes visuales
˜ Arquitectura: es el arte de proyectar y construir edificios. Denominada a veces como el ‚arte del espacioƒ, la
arquitectura es un proceso t€cnico y de dise†o que procura mediante diversos materiales la construcci•n de
estructuras que organizan el espacio para su utilizaci•n por el ser humano. Inicialmente destinada a la
construcci•n de viviendas, con el tiempo se ha ido diversificando en distintas tipolog„as con fines muy diversos,
desde espacios de culto religioso hasta instalaciones militares, pasando por edificios p…blicos (ayuntamientos,
escuelas, universidades, hospitales, bibliotecas, museos, etc.), f‚bricas, instalaciones deportivas, obras de
ingenier„a (puentes, carreteras), estaciones de transporte (ferrocarriles, puertos, aeropuertos), etc. Igualmente, la
arquitectura ha asumido con el tiempo diversas competencias, como el urbanismo, el paisajismo, obras de salud
Arte
20
p…blica (alcantarillado, canalizaciones), etc.
˜ Arte corporal: es el que utiliza el cuerpo humano como soporte. Incluye actividades como el maquillaje, el
vestuario, la peluquer„a, el tatuaje, el piercing, etc.
˜ Arte digital: es el realizado por medios digitales, como el v„deo o la inform‚tica, vinculado a menudo a las
instalaciones, o que utiliza diversos soportes, como Internet, un ejemplo son los videojuegos.
˜ Arte ef„mero: es el que tiene una duraci•n determinada en el tiempo, ya que en la g€nesis de su concepci•n estriba
ya el hecho de que sea perecedero. Incluye diversas formas de arte conceptual y de acci•n, como el happening y
la performance. Tambi€n engloba diversas actividades como la gastronom„a, la perfumer„a, la pirotecnia, etc. Un
punto esencial de este tipo de actividades es la participaci•n del p…blico.
˜ Artes decorativas o aplicadas: t€rmino aplicado preferentemente a las artes industriales, as„ como a la pintura y la
escultura, cuando su objetivo no es el de generar una obra …nica y diferenciada, sino que buscan una finalidad
decorativa y ornamental.
˜ Artes gr‚ficas: son las que se realizan por medio de un proceso de impresi•n; as„, son artes gr‚ficas tanto el
grabado como la fotograf„a, el cartelismo o el c•mic, o cualquier actividad art„stica que utilice un medio impreso.
En su realizaci•n intervienen, por un lado, la creaci•n de un dise†o y, por otro, su traslado a un determinado
sustrato „ como el papel„ . Las artes gr‚ficas aparecieron con la invenci•n de la imprenta por Johannes Gutenberg
hacia 1450, agrupando todos los oficios que se relacionaban con la impresi•n tipogr‚fica. M‚s tarde, la necesidad
de generar impresiones de mejor calidad propici• la aparici•n de la preprensa o fotomec‚nica.
˜ Artes industriales: son las desarrolladas con una elaboraci•n industrial o artesanal pero persiguiendo una cierta
finalidad est€tica, sobre todo en la elaboraci•n de determinados objetos como vestidos, viviendas y utensilios, as„
como diversos elementos de decoraci•n. Muchas artes decorativas son tambi€n industriales.
˜ Artes y oficios: son las que comportan un trabajo manual, que puede tener un car‚cter artesanal o industrial.
Engloba diversas actividades como la cer‚mica, la corioplastia, la ebanister„a, la forja, la jardiner„a, la joyer„a, el
mosaico, la orfebrer„a, la tapicer„a, la vidrier„a, etc.
˜ Cinematograf„a: t€cnica basada en la reproducci•n de im‚genes en movimiento, el cine surgi• con el invento del
cinemat•grafo por los hermanos Lumi•re en 1895. Si bien en principio …nicamente supon„a la captaci•n de
im‚genes del natural, como si fuese un documental, enseguida la cinematograf„a evolucion• hacia la narraci•n de
historias mediante la utilizaci•n de guiones y procesos t€cnicos como el montaje, que permit„an rodar escenas y
ordenarlas de forma que presentase una historia coherente. Con la incorporaci•n de elementos tomados del teatro
„ proceso iniciado por M€li•s„ , el cine alcanz• un grado de aut€ntica artisticidad, siendo bautizado como el
‚s€ptimo arteƒ, t€rmino propuesto por Ricciotto Canudo en 1911.
˜ Dibujo: representaci•n gr‚fica realizada por medio de l„neas, trazos y sombras, elaborados mediante l‚piz, pluma
u objetos similares. El dibujo est‚ en la base de casi cualquier obra art„stica, pues la mayor„a de obras pict•ricas se
realizan sobre un esbozo dibujado sobre el lienzo, sobre el que posteriormente se pinta; igualmente, muchas
esculturas son dise†adas primero en dibujo, e incluso la arquitectura se basa en planos dibujados. Aparte de esto,
el dibujo tiene una indudable autonom„a art„stica, siendo innumerables los dibujos realizados por la mayor„a de
grandes artistas a lo largo de la Historia.
˜ Dise†o: es la traza o delineaci•n de cualquier elemento relacionado con el ser humano, sea un edificio, un vestido,
un peinado, etc. Utilizado habitualmente en el contexto de las artes aplicadas, ingenier„a, arquitectura y otras
disciplinas creativas, el dise†o se define como el proceso previo de configuraci•n mental de una obra, mediante
esbozos, dibujos, bocetos o esquemas trazados en cualquier soporte. El dise†o tiene un componente funcional y
otro est€tico, ha de satisfacer necesidades pero ha de agradar a los sentidos. Comprende multitud de disciplinas y
oficios dependiendo del objeto a dise†ar y de la participaci•n en el proceso de una o varias personas o
especialidades.
Arte
21
˜ Escultura: es el arte de modelar figuras en volumen, mediante diversos materiales como el barro, la piedra, la
madera, el metal, etc. Es un arte espacial, donde el autor se expresa mediante vol…menes y formas dimensionales.
En la escultura se incluyen todas las artes de talla y cincel, junto con las de fundici•n y moldeado, y a veces el
arte de la alfarer„a. Puede ser en talla exenta „ tambi€n llamada de bulto redondo„ o en relieve sobre diversas
superficies.
˜ Fotograf„a: es una t€cnica que permite capturar im‚genes del mundo sensible y fijarlas en un soporte material
„ una pel„cula sensible a la luz„ . Se basa en el principio de la c‚mara oscura, con la cual se consigue proyectar una
imagen captada por un peque†o agujero sobre una superficie, de tal forma que el tama†o de la imagen queda
reducido y aumentada su nitidez. La fotograf„a moderna comenz• con la construcci•n del daguerrotipo por
Louis-Jacques-Mand€ Daguerre, a partir de donde se fueron perfeccionando los procedimientos t€cnicos para su
captaci•n y reproducci•n. Pese a tomar sus im‚genes de la realidad, la fotograf„a fue enseguida considerada un
arte, pues se reconoce que la visi•n aportada por el fot•grafo a la hora de elegir una toma o encuadre es un
proceso art„stico, realizado con una voluntad est€tica.
˜ Grabado: el grabado es una t€cnica de elaboraci•n de estampas art„sticas mediante una plancha de madera o metal
trabajada seg…n diversos procedimientos: aguafuerte, aguatinta, calcograf„a, grabado al buril, grabado a media
tinta, grabado a punta seca, linograbado, litograf„a, serigraf„a, xilograf„a, etc.
˜ Historieta: la historieta o c•mic es una representaci•n gr‚fica mediante la cual se narra una historia a trav€s de
una sucesi•n de vi†etas, en las que mediante dibujos „ en color o blanco y negro„ y textos enmarcados en unos
recuadros llamados ‚bocadillosƒ se va presentando la acci•n narrada, en un sentido lineal. Derivada de la
caricatura, la historieta se desarroll• a partir del siglo XIX sobre todo en medios period„sticos, en tiras insertadas
generalmente en las secciones de entretenimiento de los peri•dicos, aunque pronto adquirieron autonom„a propia
y empezaron a ser editadas en forma de ‚lbumes. Aunque comenz• dentro del g€nero humor„stico, posteriormente
aparecieron historietas de todos los g€neros, alcanzando gran €xito a nivel popular durante el siglo XX.
˜ Pintura: es el arte y t€cnica de crear im‚genes a trav€s de la aplicaci•n de pigmentos de color sobre una
superficie, sea papel, tela, madera, pared, etc. Se suele dividir en pintura mural (fresco, temple) o de caballete
(temple, •leo, pastel), e igualmente puede clasificarse seg…n su g€nero (retrato, paisaje, bodeg•n, etc). La pintura
ha sido durante siglos el principal medio para documentar la realidad, el mundo circundante, reflejando en sus
im‚genes el devenir hist•rico de las distintas culturas que han sucedido a lo largo del tiempo, as„ como sus
costumbres y condiciones materiales.
Artes esc€nicas
˜ Danza: la danza es una forma de expresi•n del cuerpo humano, que consiste en una serie de movimientos r„tmicos
al comp‚s de una m…sica „ aunque esta …ltima no es del todo imprescindible„ . Entre sus modalidades figura el
ballet o danza cl‚sica, aunque existen innumerables tipos de danzas rituales y folcl•ricas entre las diversas
culturas y sociedades humanas, as„ como infinitud de bailes populares. Las t€cnicas de danza requieren una gran
concentraci•n para dominar todo el cuerpo, con especial hincapi€ en la flexibilidad, la coordinaci•n y el ritmo.
˜ Teatro: es un arte esc€nico que tiene por objetivo la representaci•n de un drama literario, a trav€s de unos actores
que representan unos papeles establecidos, combinado con una serie de factores como son la escenograf„a, la
m…sica, el espect‚culo, los efectos especiales, el maquillaje, el vestuario, los objetos de atrezzo, etc. Se realiza
sobre un escenario, siendo parte esencial de la obra el dirigirse a un p…blico. El teatro puede incluir, en exclusiva
o de forma combinada, diversos tipos de modalidades esc€nicas, como la •pera, el ballet y la pantomima.
Artes musicales
˜ Canto coral: es el realizado por un grupo de voces, bien masculinas o femeninas, o mixtas, que interpretan una
canci•n o melod„a de forma conjunta, aunando sus voces para ofrecer una sola voz musical. Entre las diversas
formas de canto coral figura el canto gregoriano.
Arte
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˜ M…sica sinf•nica: la m…sica es el arte de organizar sensible y l•gicamente una combinaci•n coherente de sonidos
y silencios utilizando los principios fundamentales de la melod„a, la armon„a y el ritmo. En su vertiente sinf•nica,
se considera que es la m…sica instrumental interpretada por una orquesta formada por los principales instrumentos
de viento (madera y metal), cuerda y percusi•n.
˜ —pera: es un arte donde se combina la m…sica con el canto, sobre la base de un guion (libreto) interpretado seg…n
los principios de las artes esc€nicas. La interpretaci•n es realizada por cantantes de diversos registros vocales:
bajo, bar„tono, tenor, contralto, mezzosoprano y soprano.
Artes literarias
˜ Narrativa: es el arte de escribir en prosa, recreando en palabras sucesos reales o ficticios, que el escritor dispone
de forma adecuada para su correcta comprensi•n por el lector, con finalidades informativas o recreativas,
expresadas con un lenguaje que puede variar desde un aspecto descriptivo hasta otro imaginario o de diversa
„ndole. Entre las diversas formas de narrativa se encuentran la novela y el cuento.
˜ Poes„a: es una composici•n literaria basada en la m€trica y el ritmo, dispuesta a trav€s de una estructura de versos
y estrofas que pueden tener diversas formas de rima, aunque tambi€n pueden ser de verso libre. Su contenido
puede ser igualmente realista o ficticio, aunque por lo general la poes„a siempre suele tener un aspecto evocador e
intimista, siendo el principal veh„culo de expresi•n del componente m‚s emotivo del ser humano.
˜ Drama: es una forma de escritura basada en el di‚logo de diversos personajes, que van contando una historia a
trav€s de la sucesi•n cronol•gica y argumental de diversas escenas donde se va desarrollando la acci•n. Aunque
tiene un car‚cter literario aut•nomo, generalmente est‚ concebido para ser representado de forma teatral, por lo
que el drama est‚ „ntimamente ligado a las artes esc€nicas.
Estilos art‚sticos
Cada periodo hist•rico ha tenido unas caracter„sticas concretas y definibles, comunes a otras regiones y culturas, o
bien …nicas y diferenciadas, que han ido evolucionando con el devenir de los tiempos. De ah„ surgen los estilos
art„sticos, que pueden tener un origen geogr‚fico o temporal, o incluso reducirse a la obra de un artista en concreto,
siempre y cuando se produzcan unas formas art„sticas claramente definitorias. €Estilo• proviene del lat„n stilus
(€punz•n•), escrito en €poca medieval como stylus por influencia del t€rmino griego “ŠžŸ‘• (stylos, €columna•).
Antiguamente, se denominaba as„ a un tipo de punz•n para escribir sobre tablillas de cera; con el tiempo, pas• a
designar tanto el instrumento, como el trabajo del escritor y su manera de escribir. El concepto de estilo surgi• en
literatura, pero pronto se extendi• al resto de artes, especialmente m…sica y danza. Actualmente se emplea este
t€rmino en su sentido meton„mico, es decir, como aquella cualidad que identifica la forma de trabajar, de expresarse
o de concebir una obra de arte por parte del artista, o bien, en sentido m‚s gen€rico, de un conjunto de artistas u
obras que tienen diversos puntos en com…n, agrupados geogr‚fica o cronol•gicamente. As„, el estilo puede ser tanto
un conjunto de caracteres formales, bien individuales „ la forma de escribir, de componer o de elaborar una obra de
arte por parte de un artista„ , o bien colectivos „ de un grupo, una €poca o un lugar geogr‚fico„ , como un sistema
org‚nico de formas, en que ser„a la conjunci•n de determinados factores la que generar„a la forma de trabajar del
grupo, como en el arte rom‚nico, g•tico, barroco, etc. Seg…n Focillon, un estilo es ‡un conjunto coherente de formas
unidas por una conveniencia rec„proca, sumisas a una l•gica interna que las organizaˆ.
Estos caracteres individuales o sociales son signos distintivos que permiten diferenciar, definir y catalogar de forma
emp„rica la obra de un artista o un grupo de artistas adscritos a un mismo estilo o ‚escuelaƒ „ t€rmino que designa un
grupo de autores con caracter„sticas comunes definitorias„ . As„, la ‚estil„sticaƒ es la ciencia que estudia los diversos
signos distintivos, objetivos y un„vocos, de la obra de un artista o escuela. Este estudio ha servido en la Historia del
arte como punto de partida para el an‚lisis del devenir hist•rico art„stico basado en el estilo, como se puede apreciar
en alguna escuela historiogr‚fica como el formalismo.
[58]
Arte
23
El estilo estudia al artista y a la obra de arte como materializaci•n de una idea, plasmada en la materia a trav€s de la
t€cnica, lo que constituye un lenguaje formal susceptible de an‚lisis y de catalogaci•n y periodificaci•n. Por otro
lado, as„ como la similitud de formas crean un lenguaje y, por tanto, un estilo, una misma forma puede tener distinta
significaci•n en diversos estilos. As„, los estilos est‚n sujetos a una din‚mica evolutiva que suele ser c„clica,
recurrente, perceptible en mayor o menor grado en cada periodo hist•rico. Se suelen distinguir en cada estilo, escuela
o periodo art„stico diversas fases „ con las naturales variaciones concretas en cada caso„ : ‚fase precl‚sicaƒ, donde se
comienzan a configurar los signos distintivos de cada estilo concreto „ se suelen denominar con los prefijos €proto• o
€pre•, como el prerromanticismo„ ; ‚fase cl‚sicaƒ, donde se concretan los principales signos caracter„sticos del estilo,
que servir‚n de puntos de referencia y supondr‚n la materializaci•n de sus principales realizaciones; ‚fase
manieristaƒ, donde se reinterpretan las formas cl‚sicas, elaboradas desde un punto de vista m‚s subjetivo por parte
del autor; ‚fase barrocaƒ, que es una reacci•n contra las formas cl‚sicas, deformadas a gusto y capricho del artista;
‚fase arcaizanteƒ, donde se vuelve a las formas cl‚sicas, pero ya con la evidente falta de naturalidad que le es
intr„nseca „ se suele denominar con el prefijo €post•, como el postimpresionismo„ ; y ‚fase recurrenteƒ, donde la falta
de referentes provoca una tendencia al eclecticismo „ se suelen denominar con el prefijo €neo•, como el
neoclasicismo„ .
[59]
Estilos art‚sticos
Fase precl•sica:
Kur‰s del Asclepeion de
Paros.
Fase cl•sica:
Disc‰bolo, de Mir•n.
Arte
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Fase manierista:
Apolo Saur‰ctono, de
Prax„teles.
Fase barroca:
Laocoonte y sus hijos, de Agesandro, Polidoro y
Atenodoro de Rodas.
Fase arcaizante:
Grupo de San Ildefonso, escultura romana inspirada en
modelos griegos.
Arte
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Fase recurrente:
Napole‰n divinizado, de Antonio Canova, escultura neoclasicista inspirada en modelos
cl‚sicos grecorromanos.
Gƒneros art‚sticos
Un g€nero art„stico es una especializaci•n tem‚tica en que se suelen dividir las diversas artes. Antiguamente se
denominaba ‚pintores de g€neroƒ a los que se ocupaban de un s•lo tema: retratos, paisajes, pinturas de flores,
animales, etc. El t€rmino ten„a un cierto sentido peyorativo, ya que parec„a que el artista que trataba s•lo esos
asuntos no val„a para otros, y se contrapon„a al ‚pintor de historiaƒ, que en una sola composici•n trataba diversos
elementos (paisaje, arquitectura, figuras humanas). En el siglo XVIII, el t€rmino se aplic• al pintor que representaba
escenas de la vida cotidiana, opuesto igualmente al pintor de historia, que trataba temas hist•ricos, mitol•gicos, etc.
En cambio, en el siglo XIX, al perder la pintura de historia su posici•n privilegiada, se otorg• igual categor„a a la
historia que al paisaje, retrato, etc. Entonces, la pintura de g€nero pas• a ser la que no trataba las principales cuatro
clases reconocidas: historia, retrato, paisaje y marina. As„, un pintor de g€nero era el que no ten„a ning…n g€nero
definido. Por …ltimo, al eliminar cualquier jerarqu„a en la representaci•n art„stica, actualmente se considera pintura
de g€nero cualquier obra que represente escenas de la vida cotidiana, temas anecd•ticos, al tiempo que a…n se habla
de g€neros art„sticos para designar los diversos temas que han sido recurrentes en la Historia del arte (paisaje, retrato,
desnudo, bodeg•n), haciendo as„ una s„ntesis entre los diversos conceptos anteriores.
[60]
˜ G€neros pict•ricos: se suelen clasificar en cuanto a su contenido tem‚tico: retrato y autorretrato, desnudo,
bodeg•n y vanidades, paisaje y marina, pintura de mitolog„a, pintura de historia, pintura religiosa, pintura de
g€nero, etc.
˜ G€neros literarios: los g€neros literarios son los distintos grupos o categor„as en que podemos clasificar las obras
literarias atendiendo a su contenido. La ret•rica cl‚sica los ha clasificado en tres grupos importantes: l„rico, €pico
y dram‚tico. A €stos algunos suelen a†adir el did‚ctico (oratoria, ensayo, biograf„a, cr•nica).
˜˜ G€neros musicales: se basan en criterios como el ritmo, la instrumentaci•n, las caracter„sticas arm•nicas o
mel•dicas o la estructura. La m…sica cl‚sica, acad€mica o m…sica culta es uno de los tres grandes g€neros en los
que se puede dividir la m…sica en general, junto con la m…sica popular y la m…sica tradicional o folcl•rica.
˜ G€neros cinematogr‚ficos: primero se clasificaron en dos grandes grupos: comedia y tragedia; m‚s tarde, se
fueron diversificando: cine de acci•n, thriller, cine b€lico, de ciencia ficci•n, cine de aventuras, western, de artes
marciales, cine fant‚stico, cine de terror, de cat‚strofes, cine €pico, cine hist•rico, cine musical, cine policiaco,
cine negro, gore, er•tico, cine de animaci•n, cine documental, cine experimental, clase B, etc.
˜ En arquitectura, en vez de g€neros se habla de tipolog„as, que dependen de la configuraci•n global, la t€cnica, la
construcci•n y la decoraci•n. Tenemos as„ tipolog„as como la iglesia, el palacio, el castillo, la vivienda, el
rascacielos, la f‚brica, etc.
Arte
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Gƒneros art‚sticos
Retrato:
La Gioconda (1503), de Leonardo
da Vinci.
Paisaje:
Puerto con el embarque de la Reina de Saba (1648), de
Claude Lorrain.
Desnudo:
Venus del espejo (1647-1651), de Diego
Vel‚zquez.
Arte
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Bodeg€n:
Bodeg‰n con cebollas (1895-1900), de Paul
C€zanne.
Tƒcnicas art‚sticas
Johann Sebastian Bach, considerado el gran maestro
del contrapunto.
M…sica
˜ Armon„a: es la ciencia que ense†a a constituir los acordes
(conjuntos de sonidos) y que sugiere la manera de combinarlos
en la manera m‚s equilibrada, consiguiendo as„ sensaciones de
relajaci•n (armon„a consonante) o de tensi•n (armon„a
disonante). Establece un estilo de composici•n esencialmente
vertical, entre notas que se tocan al un„sono.
˜ Contrapunto: es la t€cnica que se utiliza para componer m…sica
polif•nica mediante el enlace de dos o m‚s melod„as (tambi€n
voces o l„neas) independientes que se escuchan
simult‚neamente. De mayor complejidad que la armon„a, da un
mayor €nfasis al desarrollo horizontal de la composici•n, que se
establece mediante las relaciones interv‚licas entre sucesivas
notas.
˜ Homofon„a y Monodia: es una textura musical donde dos o m‚s
partes musicales se mueven simult‚neamente desde el punto de
vista arm•nico, y cuya relaci•n forma acordes. Se contrapone a
la polifon„a ya que en €sta las partes tienen independencia
r„tmica y mel•dica y donde no hay predominancia de ninguna parte.
˜ Polifon„a: se reconoce como un conjunto de sonidos simult‚neos, en que cada uno expresa su idea musical,
conservando su independencia, formando as„ con los dem‚s un todo arm•nico.
˜ Adornos musicales: son recursos que pueden ser utilizados en las composiciones con el objeto de imprimirles a
€stas expresi•n, ornamento, variedad, gracia o vivacidad. Incluyen los trinos, los mordentes, las florituras,...
Dibujo
˜ Carboncillo: es uno de los materiales m‚s antiguos para el dibujo, empleado desde la prehistoria. Se hace con
ramitas de sauce asadas al horno en una cacerola cerrada, dej‚ndolo cocer a baja temperatura toda la noche.
Despu€s se le saca punta y se inserta en una ca†a o bastoncillo. Es ideal para bocetos y estudios preparatorios, ya
que es friable y f‚cil de borrar.
Arte
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˜ L‚piz: es un grafito insertado en un tubo de madera o metal, de color negro, afilable y f‚cil de borrar, ideal para el
dibujo. Se difundi• desde Italia en el siglo XV.
˜ Pincel: apto para dibujo y pintura, est‚ compuesto de un soporte de madera y pelos de diferentes animales,
preferentemente cerdo, marta cibelina, ardilla, etc. Se emplea con tinta, l„quido elaborado con negro de carb•n
procedente de c‚scaras de nueces quemadas, con agua, goma ar‚biga, gelatinas y odorizantes como el alcanfor o
el almizcle. Es ideal para remarcar vol…menes y destacar brillos y zonas luminosas.
˜ Pluma: uno de los medios m‚s antiguos e ideales para el dibujo, as„ como la escritura y cualquier tipo de
expresi•n gr‚fica, es la pluma, bien de bastoncillos de ca†a, a los que se saca punta, o bien de plumas de
animales, preferentemente la oca. Se aplica con tinta, sobre papel o pergamino.
˜ Puntas met‚licas (stilum): la punta de metal (plomo, esta†o, plata) se usa desde €poca romana, aplicada sobre
papel, pergamino o madera.
˜ Sanguina: es un tipo de l‚piz de color rojizo, obtenido de arcilla ferruginosa, que hace un tipo de dibujo de color
rojizo muy caracter„stico, de moda en la Italia del Renacimiento.
˜ Tiza: es sulfato de calcio bihidratado, empleado desde el Renacimiento para material de dibujo o como pigmento
para la pintura al temple. Tallada en barritas, existe la tiza blanca (calcita), la gris (arcilla cruda de ladrillos) y la
negra (carb•n de f•sil) y, ya en era moderna, las tizas de colores, de compuestos artificiales.
[61]
Paleta de pintor, pinceles y tubos de pintura (•leos).
Pintura
La pintura, como elemento bidimensional,
necesita un soporte (muro, madera, lienzo,
cristal, metal, papel, etc.); sobre este soporte
se pone el pigmento (colorante +
aglutinante). Es el aglutinante el que
clasifica los distintos procedimientos
pict•ricos:
˜ Acr„lico: t€cnica pict•rica donde al
colorante se le a†ade un aglutinante
pl‚stico.
˜ Acuarela: t€cnica realizada con
pigmentos transparentes diluidos en agua,
con aglutinantes como la goma ar‚biga o
la miel, usando como blanco el del propio papel. T€cnica conocida desde el antiguo Egipto, ha sido usada todas
las €pocas, aunque con m‚s intensidad durante los siglos XVIII y XIX.
˜ Aguada o gouache: t€cnica similar a la acuarela, con colores m‚s espesos y diluidos en agua o cola mezclada con
miel. A diferencia de la acuarela, contiene el color blanco.
˜ Enc‚ustica: t€cnica donde los colores se diluyen en cera fundida, cola y lej„a, pintando en caliente. Es una pintura
densa y cremosa, resistente a la luz y al agua. Una vez aplicado el pigmento, debe procederse al pulido, con trapos
de lino.
˜ Fresco: la pintura al fresco se realiza sobre un muro revocado de cal h…meda y con colores diluidos en agua de
cal. El fresco se debe ejecutar muy deprisa, ya que la cal absorbe r‚pidamente el color, habiendo de retocarse
posteriormente al temple en caso de ser necesario. Conocido desde la antigƒedad, se practic• frecuentemente
durante la Edad Media y el Renacimiento.
˜ Laca: el colorante se aglutina con laca „ producto de unos pulgones japoneses„ , disuelta con alcohol o acetona.
˜ Miniatura: es la decoraci•n de manuscritos con l‚minas de oro y plata, y pigmentos de colores aglutinados con
cola, huevo o goma ar‚biga. La palabra viene de la utilizaci•n del rojo minio en la rotulaci•n de las iniciales del
manuscrito.
Arte
29
˜ —leo: t€cnica que consiste en disolver los colores en un aglutinante de tipo oleoso (aceite de linaza, nuez,
almendra o avellana; aceites animales), a†adiendo aguarr‚s para que seque mejor.
˜ Pastel: el pastel es un l‚piz de pigmento de diversos colores minerales, con aglutinantes (caol„n, yeso, goma
ar‚biga, l‚tex de higo, cola de pescado, az…car candi, etc.), amasado con cera y jab•n de Marsella y cortado en
forma de barritas. El color se debe extender con un ‚difuminoƒ „ cilindro de piel o papel que se usa para difuminar
los trazos de color, los contornos, etc.„ , lo que le da un aspecto suave y aterciopelado, ideal para retratos. Sin
embargo, es poco persistente, por lo que necesita de alg…n fijador (agua, y cola o leche). Surgi• en Francia en el
siglo XVI.
˜ Temple: pintura realizada con colores diluidos en agua temperada o engrosada con aglutinantes con base de cola
(yema de huevo, case„na, cola de higuera, cerezo o ciruelo). Se utiliza sobre tabla o muro y, a diferencia del
fresco, puede retocarse en seco.
[62]
˜˜ T€cnicas mixtas:
˜ Collage: t€cnica consistente en aplicar sobre una superficie diversos materiales (papel, tela, chapa, peri•dicos,
fotograf„as, etc.), elaborados de forma diversa (rotos, cortados, rasgados), de tal forma que compongan una
composici•n de signo art„stico, bien de forma individual o mezclados con otras t€cnicas pict•ricas.
˜ D†collage designa a la t€cnica opuesta al collage; en lugar de construir una imagen a partir de la suma de otras
im‚genes o partes de ellas, aqu€lla es creada cortando, rasgando o eliminando de cualquier otra forma partes de
la imagen original.
˜ Dripping: t€cnica proveniente del action painting, consiste en chorrear (dripping = €chorreando•) la pintura
sobre el lienzo, que mediante el movimiento del artista sobre la tela adquiere diferentes formas y espesores.
˜ Ensamblaje (assemblage): t€cnica consistente en la utilizaci•n de objetos reales provenientes de la vida
cotidiana, que son pegados o ensamblados a un soporte y sometidos posteriormente a otras actuaciones
pict•ricas o de cualquier otra t€cnica mixta.
˜ frottage: t€cnica ideada por Max Ernst en 1925, consiste en frotar un l‚piz sobre una hoja colocada sobre un
objeto, consiguiendo una impresi•n de la forma y textura de ese objeto. Se puede hacer tambi€n con l‚pices de
colores, o pintar sobre el primer esbozo.
˜ Grattage: deriva del frottage, elaborando la imagen como un esgrafiado, esparciendo el color en apliques
densos, que despu€s se rascan con esp‚tula o con redes met‚licas de diversas texturas.
Escultura
Seg…n el material, se puede trabajar en tres sistemas: ‚aditivoƒ, modelando y a†adiendo materia, generalmente en
materias blandas (cera, plastilina, barro); ‚sustractivoƒ, eliminando materia hasta descubrir la figura, generalmente en
materiales duros (piedra, m‚rmol, madera, bronce, hierro); y ‚mixtoƒ, a†adiendo y quitando. Tambi€n se puede hacer
por fundici•n, a trav€s de un molde. Hecha la escultura, se puede dejar al natural o policromarla, con colorantes
vegetales o minerales o en encausto, al temple o al •leo, en dorado o estofado (imitaci•n de oro).
˜ Escultura en marfil: proveniente de colmillos de diversos animales (elefante, hipop•tamo, morsa, jabal„ africano),
el marfil es un material empleado en escultura y orfebrer„a. Es f‚cil de tallar, aunque tiene el impedimento de su
escasa longitud y su curvatura. Se trabaja con escoplos y taladros. En combinaci•n con el oro, produce la llamada
t€cnica crisoelefantina.
˜ Escultura en metal: se realiza con cobre, bronce, oro o plata, trabajado directamente con martillo y cincel,
generalmente en l‚minas de metal sobre placas de madera. El metal se vuelve r„gido al ir golpe‚ndolo, por lo que
hay que ir calent‚ndolo para seguir trabajando, proceso conocido como ‚recocidoƒ. Tambi€n se puede trabajar en
‚repujadoƒ, practicando el bajorrelieve con martillo y punz•n. Otra t€cnica es a la ‚cera perdidaƒ, sobre un modelo
de arcilla o yeso, sobre el que se aplica una aleaci•n de bronce o lat•n.
˜ Escultura en piedra: es una de las m‚s frecuentes, realizada por sustracci•n. Generalmente se emplean piedras
como la caliza, el m‚rmol, el basalto, el granito, el p•rfido, el alabastro, etc. Se trabaja con taladro, escoplo,
martillo y cincel.
Arte
30
˜ Estuco: formado por cal, polvo de m‚rmol, arena lavada y cola de case„na, el estuco se emplea desde la
antigƒedad en escultura o como elemento decorativo en la arquitectura. F‚cilmente moldeable, se puede dejar al
natural o policromarlo.
˜ Talla: la talla en madera es una de las t€cnicas escult•ricas m‚s antiguas, f‚cil de ejecutar y de m…ltiples
cualidades pl‚sticas. Su car‚cter irregular le da un aire expresivo, inacabado, que puede ser ideal para
determinados estilos art„sticos pero que es rechazado por otros de corte m‚s cl‚sico y perfeccionista. Una vez
realizada la talla, se puede policromar, aplicarle diversos tratamientos con ceras o lacas, l‚minas met‚licas, tejidos
o incrustaciones de piedras preciosas u otros elementos.
˜ Terracota: escultura realizada con arcilla cocida, fue el primer material utilizado para modelar figuras. Se trabaja
sobre un caballete, con estiques o esp‚tulas, o bien con un molde de yeso. Una vez modelada y dejada secar, se
cuece a 750-950. Una vez terminada, se puede dejar al natural, decorarla con pintura o esmaltarla (forma esta
…ltima ideada en el siglo XV por Luca della Robbia).
[63]
˜ T€cnicas mixtas: como en pintura, en escultura se puede dar la utilizaci•n de diversos elementos para formar la
figura, procedimiento diversificado en el siglo XX con la utilizaci•n de materiales considerados no art„sticos,
procedentes incluso de elementos detr„ticos o de desecho, o a†adiendo diversos objetos naturales o artificiales,
como en los denominados ready-made.
Grabado: El velo de Ver‰nica (1513), de Alberto Durero.
Mosaico: mosaico bizantino del siglo V (Estambul).
Vidriera: Mois†s en el monte Sina€ y Mois†s ante el fara‰n (siglo XIII), Catedral de Colonia, Alemania.
Arte
31
Cer‚mica: fuente de la Dinast„a ming (siglos XIV-XV).
Orfebrer„a: collar de oro mic€nico, siglo XII a. C.
Grabado
˜ Calcograf„a: grabado sobre cobre realizado en hueco, en diversas t€cnicas:
˜ Aguafuerte: t€cnica de grabado consistente en tratar las partes de la plancha de metal no protegidas por un
barniz con ‚agua fuerteƒ (‚cido n„trico diluido en agua).
˜ Aguatinta: t€cnica proveniente de una plancha de metal cubierta con resina, que una vez calentada se adhiere a
la superficie de la plancha, dibujando posteriormente sobre esta superficie con un tipo de tinta especial,
llamada aguatinta. Proveniente del aguafuerte, produce efectos parecidos a la acuarela. Surgi• en el siglo
XVIII.
˜ Grabado a buril: se realiza sobre plancha de cobre, con un buril, instrumento formado por un mango redondo y
una barra de acero, de secci•n cuadrada tallada en forma de rombo. Con esta herramienta se perfila el dibujo,
rellenando los surcos con tinta.
˜ Grabado a punta seca: en esta t€cnica la plancha se trabaja directamente con una punta de acero, diamante o
rub„, sin recurrir a barnices ni ‚cidos, obteniendo unas l„neas ‚speras llamadas ‚rebabasƒ, diferentes seg…n la
presi•n y el ‚ngulo de incisi•n. A diferencia del buril, no corta el metal, sino que lo ara†a.
˜ Grabado a media tinta (mezzotinto): tambi€n llamado grabado en negro o al humo, se trabaja la plancha con un
rascador de varias puntas (rocker o berceau), obteniendo un graneado uniforme por entrecruzamiento de
l„neas, distinguiendo as„ tonos claros y oscuros.
˜ Linograbado: t€cnica de grabado en relieve similar a la xilograf„a, pero utilizando lin•leo en vez de madera.
˜ Litograf„a: es un grabado sobre piedra caliza, tratando la superficie con un l‚piz de materia grasa para delimitar el
dibujo y realizando el grabado seg…n dos procedimientos: ba†ando con ‚cido, para corroer la parte no engrasada y
dejar el dibujo en relieve; o aplicando dos clases de tinta acuosa y grasa, fij‚ndose la primera en el fondo y
cubriendo la segunda las l„neas dibujadas a l‚piz. Fue inventado por Aloys Senefelder en 1778.
˜ Serigraf„a: t€cnica por la cual se obtienen impresiones filtrando los colores por una trama de seda „ o,
actualmente, nailon„ , recubriendo con cola las partes que no deben filtrarse para impermeabilizarlas. Fue
inventado en China.
˜ Xilograf„a: grabado en madera (generalmente cerezo o boj), realizado sobre un boceto calcado sobre la plancha de
madera y tallado con cuchillo, gubia, form•n o buril, vaciando de madera los blancos y dejando en relieve los
negros; a continuaci•n, se entinta con un rodillo y se estampa, bien a mano o bien con el t•rculo. Fue muy
utilizado en la Edad Media, sobre todo en Alemania.
[64]
Mosaico
Arte
32
˜ Lith‰stroton: t€rmino griego que designa al mosaico colocado a modo de pavimento. El revestimiento es aplicado
sobre cal, arena u otros materiales como piedras, guijarros, losas de m‚rmol, etc. Existen varios tipos: opus lapilli,
peque†os guijarros de colores naturales, que por s„ mismos componen el dibujo; opus tessellatum, formado por
teselas, piezas de forma cuadrada de dos cent„metros, con las que se elabora la composici•n, generalmente de tipo
geom€trico; opus vermiculatum, igualmente elaborado con teselas, pero de diferentes contornos, pudiendo formar
as„ diversos trazados; opus sectile, formado por losas de m‚rmol de forma irregular.
˜ Mosaico: tambi€n llamado opus musivum, es la misma t€cnica que el lith‰stroton, pero aplicada a la decoraci•n
mural, en vez de la pavimental. Se realiza con teselas de pasta v„trea, aplicadas sobre la pared preparada con
varias capas de mortero, elaborando figuras y dibujos.
˜ Taracea: t€cnica similar a las anteriores, puede ser pavimental o parietal, o incluso se puede aplicar a muebles u
otros objetos. Consiste en incrustar sobre una superficie compacta finas losas de piedra y m‚rmol de color,
cortadas y encajadas formando im‚genes o composiciones diversas. Tambi€n puede realizarse en madera
(‚intarsiaƒ), siendo una t€cnica frecuente en ebanister„a. En Carpi, en el siglo XVII, surgi• tambi€n una taracea en
escayola.
[65]
Vidrio
Existen diversos tipos de vidrio: ‚vidrio s•dicoƒ (el m‚s b‚sico, a partir de s„lice), cristal (s„lice y •xido de plomo o
potasio), ‚vidrio calcedonioƒ (s„lice y •xidos met‚licos) y ‚vidrio l‚cteoƒ (s„lice, bi•xido de manganeso y •xido de
esta†o). La principal t€cnica para trabajarlo es el soplado, donde se le puede dar cualquier forma y espesor. En
cuanto a la decoraci•n, puede ser pintada, esgrafiada, tallada, con pinzas, a filigrana, etc.
[66]
˜ Vidriera: se realiza sobre cristales engarzados en madera, yeso, oro o plomo, los cuales se van encajando con
l‚minas de plomo, esta†‚ndolos, con una capa de masilla (blanco pintor con aceite de linaza). Las vidrieras
antiguas tienen grisallas, •xido f€rrico l„quido, aplicado para dibujar con precisi•n detalles peque†os; hacia 1340
se sustituy• por el •xido de plata y, a partir de aqu„, ya no se hacen cristales de colores, sino que se colorea sobre
cristal blanco.
˜ Esmalte: es una pasta de vidrio (s„lice, cal, potasa, plomo y minio), sobre soporte de metal, trabajado seg…n
diversas t€cnicas: cloisonn†, peque†os filamentos de oro o cobre, con los que se dibuja la figura sobre el soporte,
para separar el esmalte en tabiques; champlev†, rebajando el soporte en alv€olos, ahuecando el material en
concavidades, rellenadas con el esmalte; ajoug†, superficie de oro donde se recortan las formas con sierras o
limas, rellenando con esmalte la parte eliminada.
Cer‚mica
Se realiza con arcilla, en cuatro clases: barro cocido poroso rojo-amarillento (alfarer„a, terracota, bizcocho); barro
cocido poroso blanco (loza); barro cocido no poroso gris, pardo o marr•n (gres); barro cocido compacto no poroso
blanco medio transparente (porcelana). Se puede elaborar de forma manual o mec‚nica „ con torno„ , despu€s se
cuece en el horno „ a temperaturas entre 400 y 1300 , seg…n el tipo„ , y se decora con esmalte o pintura.
[67]
Orfebrer„a
Es el arte de confeccionar objetos decorativos con metales nobles o piedras preciosas, como el oro, plata, diamante,
perla, ‚mbar, coral, etc.
˜ Camafeo: es el tallado de figuras en relieve sobre piedras duras estratificadas, como el ‚gata, la sard•nica, el coral
y la concha, que por lo general poseen capas de diversos colores, lo que proporciona unos intensos contrastes
crom‚ticos.
˜ Cincelado: consiste en trabajar el metal precioso con un cincel, realizando decoraciones ahuecadas o trabajos de
acabado, con cinceles de distintas formas y grosores.
˜ Damasquinado (o ‚atauj„aƒ): sobre un soporte met‚lico se traza el dibujo con punta fina, luego se hace una
incisi•n con buriles y escalpelos, y por …ltimo se aplica una filigrana de metales de diverso color.
˜ Filigrana: se practica con hilos de metal precioso, con los que se elabora la pieza trenzando o enroscando los
hilos, hasta obtener la forma deseada.
Arte
33
˜ Fusi•n: son los trabajos ejecutados a molde, elaborados de dos formas: ‚fusi•n permanenteƒ, realizada con un
molde bivalvo, con la forma ya trabajada, de piedra o terracota; ‚a la cera perdidaƒ, donde se modela el objeto en
cera, al que se aplica un embudo con respiraderos, cubri€ndose de creta, que una vez seca se calienta hasta que
expulse la cera, llen‚ndose luego del metal fundido.
˜˜ Granulado: es un procedimiento por el que se obtienen min…sculas esferas de oro con las que se elaboran dibujos
o decoraciones geom€tricas.
˜ Nielado: consiste en grabar un dibujo sobre una l‚mina de metal „ generalmente plata„ , rellenando los surcos con
el ‚nieladoƒ, aleaci•n de plata, cobre y plomo, con azufre y b•rax, que produce una mezcla negra y brillante.
˜ Opus interrasile: t€cnica de origen romano que consiste en realizar peque†as incisiones en las l‚minas de metal
precioso, realizando una funci•n de calado que da a la obra un aspecto de encaje.
˜ Repujado: es la decoraci•n en relieve realizada sobre planchas de oro, plata o cobre, trabajando el rev€s de la
plancha con martillo y cincel.
[68]
Forja
Se hace con hierro (limonita, pirita o magnetita), reduci€ndolo con calor, saliendo una pasta al rojo con la que se
hacen lingotes. Hay tres clases: ‚coladoƒ, con mucho carbono, s„lice, azufre y manganeso, no sirve para forjar, s•lo
para fundir en molde; ‚hierro dulce o forjadoƒ, con menos carbono, es m‚s maleable y d…ctil, se puede forjar, pero es
blando y desafilable; ‚aceroƒ, con manganeso, tungsteno, cobalto y wolframio, es m‚s duro, para instrumentos
cortantes. El modelado se realiza sin a†adir ni quitar material, sino que existen diversas t€cnicas alternativas: estirar,
ensanchar, hendir, curvar, recalcar, etc.
Restauraci€n
El Juicio Final de Miguel ›ngel antes de la restauraci•n.
El Juicio Final durante la restauraci•n.
El Juicio Final tras la restauraci•n.
La restauraci•n de obras de arte es una actividad que tiene por objeto la reparaci•n o actuaci•n preventiva de
cualquier obra que, debido a su antigƒedad o estado de conservaci•n, sea susceptible de ser intervenida para
preservar su integridad f„sica, as„ como sus valores art„sticos, respetando al m‚ximo la esencia original de la obra.
[69]
Arte
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La restauraci•n debe dirigirse al restablecimiento de la unidad potencial de la obra de arte, siempre que esto
sea posible sin cometer una falsificaci•n art„stica o una falsificaci•n hist•rica, y sin borrar huella alguna del
transcurso de la obra de arte a trav€s del tiempo.
Cesare Brandi, Teor€a de la restauraci‰n (1988).
En arquitectura, la restauraci•n suele ser de tipo funcional, para preservar la estructura y unidad del edificio, o
reparar grietas o peque†os defectos que puedan surgir en los materiales constructivos. Hasta el siglo XVIII, las
restauraciones arquitect•nicas s•lo preservaban las obras de culto religioso, dado su car‚cter lit…rgico y simb•lico,
reconstruyendo otro tipo de edificios sin respetar siquiera el estilo original. Sin embargo, desde el auge de la
arqueolog„a a finales del siglo XVIII, especialmente con las excavaciones de Pompeya y Herculano, se tendi• a
preservar en la medida de lo posible cualquier estructura del pasado, siempre y cuando tuviese un valor art„stico y
cultural. Aun as„, en el siglo XIX los ideales rom‚nticos llevaron a buscar la pureza estil„stica del edificio, y la moda
del historicismo llev• a planteamientos como los de Viollet-le-Duc, defensor de la intervenci•n en monumentos en
funci•n de cierto ideal estil„stico. En la actualidad, se tiende a preservar al m‚ximo la integridad de los edificios
hist•ricos.
En el terreno de la pintura, se ha evolucionado desde una primera perspectiva de intentar recuperar la legibilidad de
la imagen, a†adiendo si fuese necesario partes perdidas de la obra, a respetar la integridad tanto f„sica como est€tica
de la obra de arte, haciendo las intervenciones necesarias para su conservaci•n sin que se produzca una
transformaci•n radical de la obra. La restauraci•n pict•rica adquiri• un creciente impulso a partir del siglo XVII,
debido al mal estado de conservaci•n de pinturas al fresco, t€cnica bastante corriente en la Edad Media y el
Renacimiento. Igualmente, el aumento del mercado de las antigƒedades propici• la restauraci•n de obras antiguas
cara a su posterior comercializaci•n. Por …ltimo, en escultura ha habido una evoluci•n paralela: desde la
reconstrucci•n de obras antiguas, generalmente en cuanto a miembros mutilados (como en la reconstrucci•n del
Laocoonte en 1523-1533 por parte de Giovanni Angelo Montorsoli), hasta la actuaci•n sobre la obra preservando su
estructura original, manteniendo en caso necesario un cierto grado de reversibilidad de la actuaci•n practicada.
[70]
Arte
35
Estƒtica
El Hombre vitruviano, de Leonardo da Vinci, estudio de las
proporciones en el cuerpo humano.
La est€tica es una rama de la filosof„a que se encarga de
estudiar la manera c•mo el razonamiento del ser
humano interpreta los est„mulos sensoriales que recibe
del mundo circundante. Se podr„a decir, as„ como la
l•gica estudia el conocimiento racional, que la est€tica
es la ciencia que estudia el conocimiento sensible, el
que adquirimos a trav€s de los sentidos.
[71]
Entre los
diversos objetos de estudio de la est€tica figuran la
belleza o los juicios de gusto, as„ como las distintas
maneras de interpretarlos por parte del ser humano. Por
tanto, la est€tica est‚ „ntimamente ligada al arte,
analizando los diversos estilos y periodos art„sticos
conforme a los diversos componentes est€ticos que en
ellos se encuentran. A menudo se suele denominar la
est€tica como una ‚filosof„a del arteƒ. La est€tica es una
reflexi•n filos•fica que se hace sobre objetos art„sticos
y naturales, y que produce un ‚juicio est€ticoƒ. La
percepci•n sensorial, una vez analizada por la
inteligencia humana, produce ideas, que son
abstracciones de la mente, y que pueden ser objetivas o
subjetivas. Las ideas provocan juicios, al relacionar
elementos sensoriales; a su vez, la relaci•n de juicios es
razonamiento. El objetivo de la est€tica es analizar los
razonamientos producidos por dichas relaciones de
juicios.
[72]
El t€rmino est€tica proviene del griego ¢£“¤Ž“”• (a€sthŒsis, €sensaci•n•). Fue introducido por el fil•sofo alem‚n
Alexander Gottlieb Baumgarten en su obra Reflexiones filos‰ficas acerca de la poes€a (1735), y m‚s tarde en su
Aesthetica (1750).
[73]
As„ pues, la Historia de la est€tica, rigurosamente hablando, comenzar„a con Baumgarten en el
siglo XVIII, sobre todo con la sistematizaci•n de esta disciplina realizada por Immanuel Kant. Sin embargo, el
concepto es extrapolable a los estudios sobre el tema efectuados por los fil•sofos anteriores, especialmente desde la
Grecia cl‚sica. Cabe se†alar, por ejemplo, que los antiguos griegos ten„an un vocablo equiparable al actual concepto
de est€tica, que era ¥”Ÿ‘¦¢Ÿ’¢ (filocal€a, €amor a la belleza•). Se podr„a decir que en Grecia naci• la est€tica como
concepto, mientras que con Baumgarten se convierte en una ciencia filos•fica.
Seg…n Arnold Hauser, las ‡obras de arte son provocaciones con las cuales polemizamosˆ, pero que no nos
explicamos. Las interpretamos de acuerdo con nuestras propias finalidades y aspiraciones, les trasladamos un sentido
cuyo origen est‚ en nuestras formas de vida y h‚bitos mentales. Nosotros, ‡de todo arte con el cual tenemos una
relaci•n aut€ntica hacemos un arte modernoˆ. Hoy d„a, el arte ha establecido unos conjuntos de relaciones que
permiten englobar dentro de una sola interacci•n la obra de arte, el artista o creador y el p…blico receptor o
destinatario. Hegel, en su Est†tica, intent• definir la trascendencia de esta relaci•n diciendo que ‡la belleza art„stica
es m‚s elevada que la belleza de la naturaleza, ya que cambia las formas ilusorias de este mundo imperfecto, donde
la verdad se esconde tras las falsas apariencias para alcanzar una verdad m‚s elevada creada por el esp„rituˆ.
El arte es tambi€n un juego con las apariencias sensibles, los colores, las formas, los vol…menes, los sonidos, etc. Es
un juego gratuito donde se crea de la nada o de poco m‚s que la nada una apariencia que no pretende otra cosa que
enga†arnos. Es un juego placentero que satisface nuestras necesidades eternas de simetr„a, de ritmo o de sorpresa. La
Arte
36
sorpresa que para Baudelaire es el origen de la poes„a. As„, seg…n Kant, el placer est€tico deriva menos de la
intensidad y la diversidad de sensaciones, que de la manera, en apariencia espont‚nea, por la cual ellas manifiestan
una profunda unidad, sensible en su reflejo, pero no conceptualizable.
Para Ernst Gombrich, ‡en realidad el arte no existe: s•lo hay artistasˆ. M‚s adelante, en la introducci•n de su obra La
historia del arte, dice que no tiene nada de malo que nos deleitemos en el cuadro de un paisaje porque nos recuerda
nuestra casa, o en un retrato porque nos recuerda un amigo, ya que, como humanos que somos, cuando miramos una
obra de arte estamos sometidos a un conjunto de recuerdos que para bien o para mal influyen sobre nuestros gustos.
Siguiendo a Gombrich, se puede ver c•mo a los artistas tambi€n les sucede algo parecido: en el Retrato de un ni•o
(Nicholas Rubens), el pintor flamenco Rubens lo represent• hermoso, ya que seguramente se sent„a orgulloso del
aspecto del ni†o, y nos quiso transmitir su pasi•n de padre a la vez que de artista; en el Retrato de la madre, el pintor
alem‚n Alberto Durero la dibuj• con la misma devoci•n y amor que Rubens sent„a por su hijo, pero aqu„ vemos un
estudio fiel de la cara de una mujer vieja, no hay belleza natural, pero Durero, con su enorme sinceridad, cre• una
gran obra de arte.
Sociolog‚a del arte
La Libertad guiando al pueblo (1830), de Eug•ne Delacroix.
La sociolog„a del arte es una disciplina de
las ciencias sociales que estudia el arte
desde un planteamiento metodol•gico
basado en la sociolog„a. Su objetivo es
estudiar el arte como producto de la
sociedad humana, analizando los diversos
componentes sociales que concurren en la
g€nesis y difusi•n de la obra art„stica. La
sociolog„a del arte es una ciencia
multidisciplinar, recurriendo para sus
an‚lisis a diversas disciplinas como la
cultura, la pol„tica, la econom„a, la
antropolog„a, la lingƒ„stica, la filosof„a, y
dem‚s ciencias sociales que influyan en el
devenir de la sociedad. Entre los diversos
objetos de estudio de la sociolog„a del arte
se encuentran varios factores que
intervienen desde un punto de vista social en la creaci•n art„stica, desde aspectos m‚s gen€ricos como la situaci•n
social del artista o la estructura sociocultural del p…blico, hasta m‚s espec„ficos como el mecenazgo, el
mercantilismo y comercializaci•n del arte, las galer„as de arte, la cr„tica de arte, el coleccionismo, la museograf„a, las
instituciones y fundaciones art„sticas, etc.
[74]
Tambi€n cabe remarcar en el siglo XX la aparici•n de nuevos factores
como el avance en la difusi•n de los medios de comunicaci•n, la cultura de masas, la categorizaci•n de la moda, la
incorporaci•n de nuevas tecnolog„as o la apertura de conceptos en la creaci•n material de la obra de arte (arte
conceptual, arte de acci•n).
La sociolog„a del arte debe sus primeros planteamientos al inter€s de diversos historiadores por el an‚lisis del
entorno social del arte desde mediados del siglo XIX, sobre todo tras la irrupci•n del positivismo como m€todo de
an‚lisis cient„fico de la cultura, y la creaci•n de la sociolog„a como ciencia aut•noma por Auguste Comte. Sin
embargo, la sociolog„a del arte se desarroll• como disciplina particular durante el siglo XX, con su propia
metodolog„a y sus objetos de estudio determinados. Principalmente, el punto de partida de esta disciplina se suele
situar inmediatamente despu€s de la Segunda Guerra Mundial, con la aparici•n de diversas obras decisivas en el
desarrollo de esta corriente disciplinar: Arte y revoluci‰n industrial, de Francis Klingender (1947); La pintura
Arte
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florentina y su ambiente social, de Friedrich Antal (1948); e Historia social de la literatura y el arte, de Arnold
Hauser (1951). En sus inicios, la sociolog„a del arte estuvo estrechamente vinculada al marxismo „ como los propios
Hauser y Antal, o Nikos Hadjinikolaou, autor de Historia del arte y lucha de clases (1973)„ , si bien luego se
desmarc• de esta tendencia para adquirir autonom„a propia como ciencia. Otros autores destacados de esta disciplina
son Pierre Francastel, Herbert Read, Francis Haskell, Michael Baxandall, Peter Burke, Giulio Carlo Argan, etc.
[75]
Psicolog‚a del arte
Autorretrato con la oreja cortada (1889), de Vincent van Gogh. El
psicoan‚lisis permite comprender ciertos aspectos de la personalidad
del artista.
La psicolog„a del arte es la ciencia que estudia los
fen•menos de la creaci•n y la apreciaci•n art„stica
desde una perspectiva psicol•gica. El arte es, como
manifestaci•n de la actividad humana, susceptible de
ser analizado de forma psicol•gica, estudiando los
diversos procesos mentales y culturales que en la
g€nesis del arte se encuentran, tanto en su creaci•n
como en su recepci•n por parte del p…blico. A su vez,
como fen•meno de la conducta humana, puede servir
como base de an‚lisis de la conciencia humana, siendo
la percepci•n est€tica un factor distintivo del ser
humano como especie, que lo aleja de los animales. La
psicolog„a del arte es una ciencia interdisciplinar, que
debe recurrir forzosamente a otras disciplinas
cient„ficas para poder efectuar sus an‚lisis, desde
„ l•gicamente„ la Historia del arte, hasta la filosof„a y
la est€tica, pasando por la sociolog„a, la antropolog„a,
la neurobiolog„a, etc. Tambi€n est‚ estrechamente
conectada con el resto de ramas de la psicolog„a, desde
el psicoan‚lisis hasta la psicolog„a cognitiva, evolutiva
o social, o bien la psicobiolog„a y los estudios de
personalidad. Asimismo, a nivel fisiol•gico, la
psicolog„a del arte estudia los procesos b‚sicos de la
actividad humana „ como la percepci•n, la emoci•n y la memoria„ , as„ como las funciones superiores del
pensamiento y el lenguaje. Entre sus objetos de estudio se encuentran tanto la percepci•n del color (recepci•n
retiniana y procesamiento cortical) y el an‚lisis de la forma, como los estudios sobre creatividad, capacidades
cognitivas (s„mbolos, iconos), el arte como terapia, etc. Para el desarrollo de esta disciplina han sido esenciales las
contribuciones de Sigmund Freud, Gustav Fechner, la Escuela de la Gestalt (dentro de la que destacan los trabajos de
Rudolf Arnheim), Lev Vygotski, Howard Gardner, etc.
[76]
Una de las principales corrientes de la psicolog„a del arte ha sido la Escuela de la Gestalt, que afirma que estamos
condicionados por nuestra cultura „ en sentido antropol•gico„ , que la cultura condiciona nuestra percepci•n. Toman
un punto de partida de la obra de Karl Popper, quien afirm• que en la apreciaci•n est€tica hay un punto de
inseguridad (gusto), que no tiene base cient„fica y no se puede generalizar; llevamos una idea preconcebida
(‚hip•tesis previaƒ), que hace que encontremos en el objeto lo que buscamos. Seg…n la Gestalt, la mente configura, a
trav€s de ciertas leyes, los elementos que llegan a ella a trav€s de los canales sensoriales (percepci•n) o de la
memoria (pensamiento, inteligencia y resoluci•n de problemas). En nuestra experiencia del medio ambiente, esta
configuraci•n tiene un car‚cter primario sobre los elementos que la conforman, y la suma de estos …ltimos por s„
solos no podr„a llevarnos, por tanto, a la comprensi•n del funcionamiento mental. Se fundamentan en la noci•n de
estructura, entendida como un todo significativo de relaciones entre est„mulos y respuestas, e intentan entender los
Arte
38
fen•menos en su totalidad, sin separar los elementos del conjunto, que forman una estructura integrada fuera de la
cual dichos elementos no tendr„an significaci•n. Sus principales exponentes fueron Rudolf Arnheim, Max
Wertheimer, Wolfgang K§hler, Kurt Koffka y Kurt Lewin.
Cr‚tica de arte
Denis Diderot, considerado el padre de la cr„tica de arte.
La cr„tica de arte es un g€nero, entre literario y
acad€mico, que hace una valoraci•n sobre las obras de
arte, artistas o exposiciones, en principio de forma
personal y subjetiva, pero bas‚ndose en la Historia del
arte y sus m…ltiples disciplinas, valorando el arte seg…n
su contexto o evoluci•n. Es a la vez valorativa,
informativa y comparativa, redactada de forma concisa
y amena, sin pretender ser un estudio acad€mico pero
aportando datos emp„ricos y contrastables. Denis
Diderot es considerado el primer cr„tico de arte
moderno, por sus comentarios sobre las obras de arte
expuestas en los salones parisinos, realizados en el
Sal•n Carr€ del Louvre desde 1725. Estos salones,
abiertos al p…blico, actuaron como centro difusor de
tendencias art„sticas, propiciando modas y gustos en
relaci•n al arte, por lo que fueron objeto de debate y
cr„tica. Diderot escribi• sus impresiones sobre estos
salones primero en una carta escrita en 1759, que fue
publicada en la Correspondance litt†raire de Grimm, y
desde entonces hasta 1781, siendo el punto de arranque
del g€nero.
[77]
En la g€nesis de la cr„tica de arte hay que valorar, por un lado, el acceso del p…blico a las exposiciones art„sticas, que
unido a la proliferaci•n de los medios de comunicaci•n de masas desde el siglo XVIII produjo una v„a de
comunicaci•n directa entre el cr„tico y el p…blico al que se dirige. Por otro lado, el auge de la burgues„a como clase
social que invirti• en el arte como objeto de ostentaci•n, y el crecimiento del mercado art„stico que llev• consigo,
propiciaron el ambiente social necesario para la consolidaci•n de la cr„tica art„stica. La cr„tica de arte ha estado
generalmente vinculada al periodismo, ejerciendo una labor de portavoces del gusto art„stico que, por una parte, les
ha conferido un gran poder, al ser capaces de hundir o encumbrar la obra de un artista, pero por otra les ha hecho
objeto de feroces ataques y controversias. Otra faceta a remarcar es el car‚cter de actualidad de la cr„tica de arte, ya
que se centra en el contexto hist•rico y geogr‚fico en el que el cr„tico desarrolla su labor, inmersa en un fen•meno
cada vez m‚s din‚mico como es el de las corrientes de moda. As„, la falta de historicidad para emitir un juicio sobre
bases consolidadas, lleva a la cr„tica de arte a estar frecuentemente sustentada en la intuici•n del cr„tico, con el factor
de riesgo que ello conlleva. Sin embargo, como disciplina sujeta a su tiempo y a la evoluci•n cultural de la sociedad,
la cr„tica de arte siempre revela un componente de pensamiento social en el que se ve inmersa, existiendo as„
diversas corrientes de cr„tica de arte: rom‚ntica, positivista, fenomenol•gica, semiol•gica, etc.
[78]
Para ser justa, es decir, para tener su raz•n de ser, la cr„tica debe ser parcial, apasionada, pol„tica; esto es: debe
adoptar un punto de vista exclusivo, pero un punto de vista exclusivo que abra al m‚ximo los horizontes.
Charles Baudelaire, Sal‰n de 1846.
[79]
Entre los cr„ticos de arte han habido desde famosos escritores hasta los propios historiadores del arte, que muchas
veces han pasado del an‚lisis metodol•gico a la cr„tica personal y subjetiva, conscientes de que era un arma de gran
Arte
39
poder hoy d„a. Como nombres, se podr„a citar a Charles Baudelaire, John Ruskin, Oscar Wilde, ¨mile Zola,
Joris-Karl Huysmans, Guillaume Apollinaire, Wilhelm Worringer, Clement Greenberg, Michel Tapi€, etc.; en el
mundo hispanohablante, destacan Eugeni d'Ors, Aureliano de Beruete, Jorge Romero Brest, Juan Antonio Gaya
Nu†o, Alexandre Cirici, Juan Eduardo Cirlot, Enrique Lafuente Ferrari, Rafael Santos Torroella, Francisco Calvo
Serraller, Jos€ Corredor Matheos, Irma Arestiz‚bal, Ticio Escobar, Ra…l Zamudio, etc.
[80]
Historiograf‚a del arte
Johann Joachim Winckelmann, considerado el padre de la Historia
del arte.
La historiograf„a del arte es la ciencia que analiza el
estudio de la Historia del arte, desde un punto de vista
metodol•gico, es decir, de la forma c•mo el historiador
afronta el estudio del arte, las herramientas y
disciplinas que le pueden ser de utilidad para este
estudio. El mundo del arte siempre ha llevado en
paralelo un componente de autorreflexi•n, desde
antiguo los artistas, u otras personas a su alrededor, han
plasmado por escrito diversas reflexiones sobre su
actividad. Vitruvio escribi• el tratado sobre
arquitectura m‚s antiguo que se conserva, De
Architectura. Su descripci•n de las formas
arquitect•nicas de la antigƒedad grecorromana influy•
poderosamente en el Renacimiento, siendo a la vez una
importante fuente documental por las informaciones
que aporta sobre la pintura y la escultura griegas y
romanas.
[81]
Giorgio Vasari, en Vida de los m‡s
excelentes arquitectos, pintores y escultores italianos
desde Cimabue hasta nuestros tiempos (1542„ 1550),
fue uno de los predecesores de la historiograf„a del arte,
haciendo una cr•nica de los principales artistas de su
tiempo, poniendo especial €nfasis en la progresi•n y el
desarrollo del arte. Sin embargo, estos escritos,
generalmente cr•nicas, inventarios, biograf„as u otros
escritos m‚s o menos literarios, carec„an de perspectiva hist•rica y el rigor cient„fico necesarios para ser
considerados historiograf„a del arte.
[82]
Johann Joachim Winckelmann es considerado el padre de la Historia del arte, creando una metodolog„a cient„fica
para la clasificaci•n de las artes y basando la Historia del arte en una teor„a est€tica de influencia neoplat•nica: la
belleza es el resultado de una materializaci•n de la idea. Gran admirador de la cultura griega, postul• que en la
Grecia antigua se dio la belleza perfecta, generando un mito sobre la perfecci•n de la belleza cl‚sica que a…n
condiciona la percepci•n del arte hoy d„a. En Reflexi‰n sobre la imitaci‰n de las obras de arte griegas (1755) afirm•
que los griegos llegaron a un estado de perfecci•n total en la imitaci•n de la naturaleza, por lo que nosotros s•lo
podemos imitar a los griegos. Asimismo, relacion• el arte con las etapas de la vida humana (infancia, madurez,
vejez), estableciendo una evoluci•n del arte en tres estilos: arcaico, cl‚sico y helen„stico.
[83]
Durante el siglo XIX, la nueva disciplina busc• una formulaci•n m‚s pr‚ctica y rigurosa, sobre todo desde la
aparici•n del positivismo. Sin embargo, esta tarea se abord• desde diversas metodolog„as que supusieron una gran
multiplicidad de tendencias historiogr‚ficas: el romanticismo impuso una visi•n historicista y revivalista del pasado,
rescatando y poniendo nuevamente de moda estilos art„sticos que hab„an sido minusvalorados por el neoclasicismo
Arte
40
winckelmanniano; as„ lo vemos en la obra de Ruskin, Viollet-le-Duc, Goethe, Schlegel, Wackenroder, etc. En
cambio, la obra de autores como Karl Friedrich von Rumohr, Jacob Burckhardt o Hippolyte Taine, supuso un primer
intento serio de formular una Historia del arte basada en criterios cient„ficos, bas‚ndose en el an‚lisis cr„tico de las
fuentes historiogr‚ficas. Por otro lado, Giovanni Morelli introdujo el concepto del connoisseur, el experto en arte,
que lo analiza en base tanto a sus conocimientos como a su intuici•n.
[84]
La primera escuela historiogr‚fica de gran relevancia fue el formalismo, que defend„a el estudio del arte a partir del
estilo, aplicando una metodolog„a evolucionista que otorgaba al arte una autonom„a alejada de cualquier
consideraci•n filos•fica, rechazando la est€tica rom‚ntica y el idealismo hegeliano, y acerc‚ndose al neokantismo.
Su principal te•rico fue Heinrich W§lfflin, considerado el padre de la moderna Historia del arte. Aplic• al arte
criterios cient„ficos, como el estudio psicol•gico o el m€todo comparativo: defin„a los estilos por las diferencias
estructurales inherentes a los mismos, como argument• en su obra Conceptos fundamentales de la Historia del Arte
(1915). W§lfflin no otorgaba importancia a las biograf„as de los artistas, defendiendo en cambio la idea de
nacionalidad, de escuelas art„sticas y estilos nacionales. Las teor„as de W§lfflin fueron continuadas por la llamada
Escuela de Viena, con autores como Alois Riegl, Max Dvo‰‚k, Hans Sedlmayr y Otto P©cht.
[85]
Ya en el siglo XX, la historiograf„a del arte ha continuado dividida en m…ltiples tendencias, desde autores a…n
enmarcados en el formalismo (Roger Fry, Henri Focillon), pasando por las escuelas sociol•gica (Friedrich Antal,
Arnold Hauser, Pierre Francastel, Giulio Carlo Argan) o psicol•gica (Rudolf Arnheim, Max Wertheimer, Wolfgang
K§hler), hasta perspectivas individuales y sintetizadoras como las de Adolf Goldschmidt o Adolfo Venturi. Una de
las escuelas m‚s reconocidas ha sido la de la iconolog„a, que centra sus estudios en la simbolog„a del arte, en el
significado de la obra art„stica. A trav€s del estudio de im‚genes, emblemas, alegor„as y dem‚s elementos de
significaci•n visual, pretenden esclarecer el mensaje que el artista pretendi• transmitir en su obra, estudiando la
imagen desde postulados mitol•gicos, religiosos o hist•ricos, o de cualquier „ndole sem‚ntica presente en cualquier
estilo art„stico. Los principales te•ricos de este movimiento fueron Aby Warburg, Erwin Panofsky, Ernst Gombrich,
Rudolf Wittkower y Fritz Saxl.
[86]
Historia del arte
Arte en la prehistoria (ca. 25000-3000 a. C.)
Venus de Willendorf.
˜ Arte prehist•rico: es el desarrollado por el ser humano primitivo desde el
paleol„tico superior hasta el neol„tico, periodos donde surgieron las primeras
manifestaciones que se pueden considerar como art„sticas por parte del ser
humano. En el paleol„tico, el hombre se dedicaba a la caza y viv„a en cuevas,
elaborando la llamada pintura rupestre. En el neol„tico, se vuelve sedentario y
se dedica a la agricultura, con sociedades cada vez m‚s complejas donde va
cobrando importancia la religi•n, como se puede ver en los monumentos
megal„ticos, y comienza la producci•n de piezas de artesan„a.
[87]
Arte antiguo (ca. 3000-300 a. C.)
En Egipto y Mesopotamia surgieron las primeras civilizaciones, y sus
artistas/artesanos elaboraron complejas obras de arte que suponen ya una
especializaci•n profesional.
˜ Arte egipcio: su arte era intensamente religioso y simb•lico, destacando en
arquitectura las mastabas, las pir‚mides y los hipogeos, como en Guiza y el
Valle de los Reyes. La escultura y la pintura muestran la figura humana de forma realista, aunque adolecen de
hieratismo y esquematismo a causa de la rigidez de sus c‚nones simb•lico-religiosos.
Arte
41
˜ Arte mesopot‚mico: se desarrolla en la zona comprendida entre los r„os Tigris y ¨ufrates, donde se sucedieron
diversas culturas como los sumerios, acadios, asirios, persas, etc. En la arquitectura destacan los zigurats, grandes
templos de forma escalonada piramidal, mientras que la escultura se desarrolla en talla exenta o relieve, en
escenas religiosas o de caza y militares, con la presencia de figuras humanas y animales reales o mitol•gicos.
[88]
Arte cl•sico (1000 a. C.-300 d. C.)
Victoria de Samotracia, an•nimo, 190 a. C.
˜ Arte griego: en Grecia se desarrollaron las principales
manifestaciones art„sticas que han marcado la evoluci•n del
arte occidental. Tras unos inicios donde destacaron las culturas
minoica y mic€nica, el arte griego se desarroll• en tres
periodos: arcaico, cl‚sico y helen„stico. En arquitectura
destacaron los templos, donde se sucedieron tres •rdenes
constructivos: d•rico, j•nico y corintio. Destaca especialmente
el conjunto de la Acr•polis. En escultura predomin• la
representaci•n del cuerpo humano, con una evoluci•n desde
formas r„gidas y esquem‚ticas, pasando por el naturalismo del
periodo cl‚sico „ con la obra de Mir•n, Fidias y Policleto„ ,
hasta el recargamiento y sinuosidad del periodo helen„stico.
˜ Arte romano: con un claro precedente en el arte etrusco, el arte
romano recibi• una gran influencia del arte griego. Gracias a la
expansi•n del Imperio romano, el arte cl‚sico grecorromano
lleg• a casi todos los rincones de Europa, norte de ›frica y
Pr•ximo Oriente, sentando las bases del arte occidental.
Grandes ingenieros y constructores, destacaron en arquitectura
civil, con la construcci•n de carreteras, puentes, acueductos y
obras urban„sticas, as„ como templos, palacios, teatros,
anfiteatros, circos, termas, arcos de triunfo, etc. La escultura, inspirada en la griega, se centra igualmente en la
figura humana, aunque con m‚s realismo, no les importaba mostrar defectos que eran ignorados por la idealizada
escultura griega. La pintura es conocida sobre todo por los restos hallados en Pompeya, y destac• especialmente
el mosaico.
[89]
Arte en la Alta Edad Media (300-900)
˜ Arte paleocristiano: con la aparici•n del cristianismo se gener• a lo largo del Imperio el llamado arte
paleocristiano, que adquiri• estatus oficial tras la conversi•n al cristianismo del emperador Constantino. El arte
paleocristiano reinterpret• tanto las formas cl‚sicas como las jud„as para servir como veh„culo de expresi•n de la
nueva religi•n oficial, y se produjo una atomizaci•n de estilos por zonas geogr‚ficas. En arquitectura destac•
como tipolog„a la bas„lica, mientras que en escultura destacan los sarc•fagos y contin…an como en €poca romana
la pintura y el mosaico.
˜ Arte prerrom‚nico: se denomina as„ a los m…ltiples estilos desarrollados en Europa desde la ca„da del Imperio
romano hasta alrededor del a†o 1000, donde la fusi•n de la cultura cl‚sica con la de los nuevos pobladores de
origen germ‚nico generar‚ las diversas nacionalidades que conforman actualmente el continente europeo. Se
engloban en esta fase diversos estilos de marcado car‚cter regional, desde el arte visigodo y de los otros pueblos
germ‚nicos, o incluso el arte celta „ especialmente en las Islas Brit‚nicas„ o vikingo, pasando por el arte
asturiano, hasta el arte carolingio y otoniano en el centro de Europa.
[90]
Arte
42
Arte en la Baja Edad Media (900-1400)
Pantocr‡tor del ‚bside de Sant Climent de Taƒll, MNAC.
˜ Arte rom‚nico: representa el primer estilo de
car‚cter internacional de la cultura europea
occidental, con una identidad plenamente
consolidada tras el paso del lat„n a las lenguas
vern‚culas. De car‚cter eminentemente religioso,
casi todo el arte rom‚nico est‚ dirigido a la
exaltaci•n y divulgaci•n del cristianismo. La
arquitectura destaca por el uso de b•vedas de ca†•n
y arcos de medio punto, inici‚ndose la construcci•n
de grandes catedrales, que seguir‚ durante el g•tico.
La escultura se desarroll• principalmente en el
marco arquitect•nico, de car‚cter religioso, con
figuras esquematizadas, sin realismo, de signo
simb•lico. La pintura es preferentemente mural, de
signo religioso y figuras esquem‚ticas al igual que la
escultura.
˜ Arte g•tico: desarrollado entre los siglos XII y XVI,
fue una €poca de desarrollo econ•mico y cultural.
La arquitectura sufri• una profunda transformaci•n,
con formas m‚s ligeras, m‚s din‚micas, con un mejor an‚lisis estructural que permiti• hacer edificios m‚s
estilizados, con m‚s aberturas y, por tanto, mejor iluminaci•n. Aparecieron nuevas tipolog„as como el arco
apuntado y la b•veda de crucer„a, y la utilizaci•n de contrafuertes y arbotantes para sostener la estructura del
edificio, permitiendo interiores m‚s amplios y decorados con vitrales y rosetones. La escultura continu•
enmarcada en la obra arquitect•nica, aunque comenz• a desarrollarse la escultura exenta, con formas m‚s
realistas, inspiradas en la naturaleza. La pintura dej• de ser mural para pasar a retablos situados en los altares de
las iglesias, y empez• a desarrollarse la pintura en lienzo, al temple o al •leo. Se sucedieron cuatro estilos
pict•ricos: el g•tico lineal o franco-g•tico, el g•tico it‚lico o trecentista (Cimabue, Giotto, Duccio), el g•tico
internacional (Stefan Lochner, Bernat Martorell) y el g•tico flamenco (Jan Van Eyck, El Bosco).
[91]
Arte en la Edad Moderna (1400-1800)
El nacimiento de Venus (1485), de Sandro Botticelli.
˜ Renacimiento: €poca de gran esplendor
cultural en Europa, la religi•n dej• paso a
una concepci•n m‚s cient„fica del
hombre y el universo, surgiendo el
humanismo. Los nuevos descubrimientos
geogr‚ficos hicieron que la civilizaci•n
europea se expandiese por todos los
continentes, y la invenci•n de la imprenta
supuso una mayor universalizaci•n de la
cultura. El arte se inspira en el arte
cl‚sico grecorromano, por lo que se habla
de ‚renacimientoƒ art„stico tras el
Arte
43
oscurantismo medieval. Inspirado en la naturaleza, surgen nuevos modelos de representaci•n, como el uso de la
perspectiva. La arquitectura recuper• los modelos cl‚sicos, reelaborados con un concepto m‚s naturalista y con
bases cient„ficas: destacan Filippo Brunelleschi, Leon Battista Alberti y Bramante. La escultura busc• igualmente
la idealizada perfecci•n del clasicismo, como en la obra de Lorenzo Ghiberti y Donatello. La pintura sufri• una
notable evoluci•n desde las formas medievales, con formas naturalistas y tem‚ticas profanas o mitol•gicas junto a
las religiosas, destacando Botticelli, Perugino, Piero della Francesca, Andrea Mantegna, Leonardo Da Vinci,
Rafael, Alberto Durero, Pieter Brueghel, etc.
˜ Manierismo: evoluci•n de las formas renacentistas, el manierismo abandon• la naturaleza como fuente de
inspiraci•n para buscar un tono m‚s emotivo y expresivo, cobrando importancia la interpretaci•n subjetiva que el
artista hace de la obra de arte. La arquitectura adquiere un signo m‚s efectista y de tenso equilibrio, destacando
Andrea Palladio y Miguel ›ngel. En escultura, descuella la obra de Miguel ›ngel, con obras de tenso dinamismo
donde resalta la expresi•n de la persona representada. La pintura tiene un sello m‚s caprichoso, extravagante, con
gusto por la forma sinuosa y estilizada, destacando en primer lugar „ como en las otras artes„ Miguel ›ngel,
seguido de Bronzino, Correggio, Parmigianino, Giorgione, Tiziano, Veronese, Tintoretto, El Greco, etc.
[92]
˜ Barroco: €poca de grandes disputas en el terreno pol„tico y religioso, surge una divisi•n entre los pa„ses cat•licos
contrarreformistas, donde se afianza el estado absolutista, y los pa„ses protestantes, de signo m‚s parlamentario.
El arte se vuelve m‚s refinado y ornamentado, con pervivencia de un cierto racionalismo clasicista pero con
formas m‚s din‚micas y efectistas, con gusto por lo sorprendente y anecd•tico, por las ilusiones •pticas y los
golpes de efecto. La arquitectura, bajo unas l„neas cl‚sicas, asume unas formas m‚s din‚micas, con una
exuberante decoraci•n, destacando Gian Lorenzo Bernini, Francesco Borromini, Fischer von Erlach, Jos€ Benito
Churriguera, etc. La escultura adquiere el mismo car‚cter din‚mico, sinuoso, expresivo, ornamental, destacando
nuevamente Bernini, as„ como Pedro de Mena, Francisco Salzillo, etc. La pintura se desarroll• en dos tendencias
contrapuestas: el naturalismo, basado en la estricta realidad natural, con gusto por el claroscuro „ el llamado
‚tenebrismoƒ„ , donde cabe citar a Caravaggio y Georges de La Tour; y el clasicismo, que es igualmente realista
pero con un concepto de la realidad m‚s intelectual e idealizado, englobando a Annibale Carracci, Nicolas
Poussin, Claude Lorrain, etc. Aparte de estas dos corrientes, hubieron infinitud de escuelas, estilos y autores de
muy diverso signo, destacando dos escuelas regionales: la flamenca (Rubens, Van Dyck), y la holandesa
(Rembrandt, Johannes Vermeer). En Espa†a destac• la figura excepcional de Vel‚zquez, as„ como Jos€ de Ribera,
Francisco de Zurbar‚n y Bartolom€ Esteban Murillo.
˜ Rococ•: desarrollado en el siglo XVIII, supone la pervivencia de las principales manifestaciones art„sticas del
barroco, con un sentido m‚s enfatizado de la decoraci•n y el gusto ornamental, que son llevados a un paroxismo
de riqueza, sofisticaci•n y elegancia. La arquitectura rococ• se desarroll• sobre todo en Francia y Alemania,
representado por Ange-Jacques Gabriel y Johann Balthasar Neumann. La escultura tiene un aire gr‚cil, refinado,
como en la obra de Jean-Antoine Houdon o los hermanos Asam (Cosmas Damian y Egid Quirin). La pintura se
mueve entre la exaltaci•n religiosa o el paisajismo vedutista en Italia, y las escenas cortesanas de Watteau y
Fragonard en Francia, pasando por el retratismo ingl€s de Reynolds y Gainsborough. Figura aparte es el
inclasificable pintor espa†ol Francisco de Goya, que evolucion• desde un sello m‚s o menos rococ• hasta un
cierto prerromanticismo, pero con una obra personal y expresiva de fuerte tono intimista.
˜ Neoclasicismo: el auge de la burgues„a tras la Revoluci•n francesa favoreci• el resurgimiento de las formas
cl‚sicas, m‚s puras y austeras, en contraposici•n a los excesos ornamentales del barroco y rococ•, identificados
con la aristocracia. La arquitectura neocl‚sica es m‚s racional, de signo funcional y un cierto aire ut•pico, como
vemos en los postulados de Claude-Nicolas Ledoux y ¨tienne-Louis Boull€e. La escultura, de l•gico referente
grecorromano, tuvo como principales figuras a Antonio Canova y Bertel Thorvaldsen. La pintura mantuvo un
sello austero y equilibrado, influido por la escultura grecorromana o figuras como Rafael y Poussin, destacando
Jacques-Louis David, J.A.D. Ingres, Jos€ de Madrazo, etc.
[93]
Arte
44
Arte no occidental
El puente •hashi en Atake bajo una lluvia repentina (1857), de
Utagawa Hiroshige, Brooklyn Museum of Art, Nueva York.
˜ Arte precolombino: las primeras grandes civilizaciones
surgieron en M€xico: los olmecas realizaban esculturas
de piedra de gran naturalismo (Luchador, hallado en
Santa Mar„a Uxpanap‚n), as„ como colosales cabezas
monol„ticas de hasta 3,5 metros de altura; los zapotecas
construyeron el magn„fico conjunto de la Ciudad de los
Templos, en el Monte Alb‚n. Posteriormente, los mayas
desarrollaron un arte de signo religioso, donde
destacaban los templos, de forma piramidal (Tikal,
Uxmal, Templo de Kukulc‚n en Chich€n Itz‚). Los
toltecas construyeron el Templo del Dios de la Estrella
Matutina en Tula, y nos han dejado una de las mejores
muestras de escultura precolombina: el Chac Mool. Los
aztecas consagraron el arte a la expresi•n del poder,
destacando su capital, Tenochtitl‚n. En Per… la primera
cultura de relevancia fue la de Chav„n de Hu‚ntar (900
a.C.), complejo religioso donde destaca el templo,
edificado sobre tres pisos de galer„as. Otras culturas
remarcables de la regi•n fueron la de Paracas, la moche
y la nazca „ con sus enigm‚ticas l„neas de Nazca„ . M‚s
adelante, los incas crearon una cultura muy
desarrollada, con una notable arquitectura e ingenier„a
civil, destacando la ciudad de Machu Picchu.
[94]
˜ Arte africano: su principal peculiaridad ha sido siempre
su car‚cter m‚gico-religioso, con obras de madera,
piedra o marfil, en m‚scaras y figuras exentas de car‚cter m‚s o menos antropom•rfico. La primera producci•n de
cierta relevancia fue la cultura Nok, en el primer milenio a.C., situada en el norte de la actual Nigeria. En Sud‚n
se desarrollaron las culturas kerma y meroe, caracterizadas por sus monumentales construcciones en barro, sus
armas y su cer‚mica. En Etiop„a destac• la ciudad de Aksum, siendo de remarcar sus estelas en forma de pilares
monol„ticos, de car‚cter funerario, de hasta 20 metros de altura. En Zimbabue floreci• la cultura Monomotapa
(siglos XI-XV), cuya capital, Gran Zimbabue, fue una de las ciudades m‚s grandes de toda ›frica. En If€
(Nigeria), de cultura yoruba, surgi• en los siglos XII-XIII una notable escuela de figuras en terracota, de gran
naturalismo. De esta €poca datan tambi€n las iglesias talladas en la roca de Lalibela, en Etiop„a. En Mal„
destacaron las construcciones en adobe, como la Gran Mezquita de Djenn€, datada inicialmente del siglo XIII
pero reconstruida varias veces.
[95]
˜ Arte indio: tiene un car‚cter principalmente religioso, sirviendo como veh„culo de transmisi•n de las distintas
religiones que han jalonado la India: hinduismo, budismo, islamismo, etc. La primera gran civilizaci•n se produjo
en la ciudad de Mohenjo-Dªro, que muestra un planificado urbanismo, con edificios p…blicos construidos en barro
cocido y ladrillo. Entre los siglos III y II a.C. se desarroll• el arte maurya, de signo budista, destacando como
monumento caracter„stico la st«pa, t…mulo funerario de car‚cter conmemorativo, generalmente recubierto de
relieves con escenas de la vida de Buda, como la St«pa de Sªnchi. Otras muestras de arte budista fueron: el arte
de Gandhªra, con influencia helen„stica y sas‚nida; el de Mathurª, que mezclaba elementos tradicionales indios
con motivos grecorromanos; y el de Amarªvat¬, igualmente de influencia grecorromana, destacando la gran st«pa
de Amarªvati, de 50 metros de altura. Entre los siglos IV y VIII se desarroll• el arte gupta, donde destacan los
Arte
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grandes santuarios rupestres o vihara (Ajantª, Ellorª, Elephanta). El arte hind… tuvo su apogeo entre los siglos
VIII y XII, con un tipo de santuario caracter„stico denominado ‘ikhara, como el de Udaipur. Entre los siglos X y
XI se produjo el arte de Khajurªh-, m‚xima expresi•n del arte indoario por la elegancia formal y est€tica de sus
templos, as„ como de la escultura que los adorna. Por …ltimo, tras la invasi•n musulmana se produjo el arte mogol,
de formas isl‚micas, destacando el Taj Mahal (siglo XVII).
[96]
˜ Arte chino: como la mayor„a del arte oriental tiene un fuerte sello religioso „ principalmente tao„smo,
confucianismo y budismo„ . Se suele estudiar por etapas, que coinciden con las dinast„as reinantes: la Dinast„a
Shang (1600-1046 a.C.) destac• por sus objetos y esculturas en bronce, especialmente vasijas decoradas en
relieve y m‚scaras y estatuas antropom•rficas, como las halladas en la zona de Chengdu. La Dinast„a Zhou
(1045-256 a.C.) cre• un estilo decorativo y ornamentado, de figuras estilizadas y din‚micas, continuando el
trabajo en cobre. La Dinast„a Qin (221-206 a.C.) destac• por la construcci•n de la Gran Muralla, as„ como el
hallazgo arqueol•gico del Ej€rcito de terracota de Xian. La Dinast„a Han (206 a.C.-220 d.C.) vio la introducci•n
del budismo, destacando por la pintura y los relieves en santuarios y c‚maras de ofrendas. Durante el Periodo de
las Seis dinast„as (220-618) se difundi• m‚s ampliamente el budismo, construy€ndose grandes santuarios con
estatuas colosales de Buda (Yungang, Longmen). La Dinast„a Tang (618-907) fue uno de los periodos m‚s
florecientes del arte chino, destacando por su escultura y sus c€lebres figuras de cer‚mica, mientras que en
arquitectura la tipolog„a principal fue la pagoda (Hua-yen, Hsiangchi), y en pintura apareci• el paisaje. En la
Dinast„a Song (960-1279) se alcanz• un nivel de elevada cultura que ser„a recordado con gran admiraci•n en
posteriores etapas, destacando igualmente la cer‚mica y la pintura de paisaje. Durante la Dinast„a Yuan
(1280-1368) se desarrollaron especialmente las artes decorativas, principalmente alfombras, cer‚mica y obras de
metalister„a, y en pintura proliferaron los temas religiosos. En la Dinast„a Ming (1368-1644) se construy• el
Palacio Imperial (la Ciudad Prohibida), y la pintura era tradicional, de signo naturalista y cierta opulencia;
tambi€n destac• la porcelana. Por …ltimo, la Dinast„a Qing (1644-1911) supuso la continuidad de las formas
tradicionales: la pintura era bastante ecl€ctica, dedicada a temas florales (Yun Shouping), religiosos (Wu Li),
paisajes (Gai Qi), etc.; continu• la tradici•n en las artes aplicadas, especialmente ebanister„a, porcelana, tejidos de
seda, lacas, esmalte, jade, etc.
[97]
˜ Arte japon€s: tambi€n cabe estudiarlo por per„odos: el Per„odo J-mon (5000 a.C.-200 a.C.) estuvo marcado por la
producci•n de cer‚mica, la m‚s antigua producida por el ser humano, decorada con incisiones o impresiones de
cuerda. Durante el Per„odo Yayoi (200 a.C.-200 d.C.) se difundi• un tipo de sepulturas de gran tama†o con
c‚mara y t…mulo ornamentado con cilindros de terracota. En el Per„odo Kofun (200-600) destacan las grandes
sepulturas llamadas kofun, as„ como unas figuras de terracota llamadas haniwa; en arquitectura destaca el
santuario de Ise. En el Per„odo Asuka (552-646) se introdujo el budismo, destacando el templo de H-ry«-ji (607)
y las estatuas de Buda. En el Per„odo Nara (646-794) tuvo su apogeo el arte budista, plasmado igualmente en
arquitectura (Pagoda del Este de Yakushi-ji, templo de T-dai-ji) y escultura (Buda de Tachibana, Bodhisattva
Gakko). El Per„odo Heian (794-1185) fue el m‚s cl‚sico del arte japon€s: monasterio de By-d--in, escuela
pict•rica de yamato-e. En el Per„odo Kamakura (1185-1333) se introdujo la secta zen, que influy• poderosamente
en el arte figurativo: en escultura destac• Unkei, en arquitectura el conjunto de cinco grandes templos de
Sanj«sangen-d- (1266), y en pintura el retrato y el paisaje. En el Per„odo Muromachi (1333-1573) floreci•
notablemente la pintura, enmarcada dentro de la est€tica zen, apareciendo el estilo sumi-e, representado
fundamentalmente por Sessh«; tambi€n se desarroll• el arte de la jardiner„a, y cobraron importancia los objetos de
laca y metal. Durante el Per„odo Momoyama (1573-1615) el arte se alej• de la est€tica budista, remarcando los
valores tradicionales japoneses: se construyeron grandes castillos, como el de Himeji y el de
Fushimi-Momoyama; en pintura continu• la tradici•n €pica japonesa, la cer‚mica alcanz• un momento de gran
apogeo, y en laca destac• Honami K-etsu. En el Per„odo Edo (1615-1868) Jap•n se cerr• a todo contacto exterior,
aunque fue una €poca de gran prosperidad: se desarroll• notablemente la pintura, que adquiri• gran vitalidad,
destacando Tawaraya S-tatsu y Ogata K-rin, as„ como la escuela de ukiyo-e, que destac• por la representaci•n de
tipos y escenas populares ( Kitagawa Utamaro, Katsushika Hokusai, Utagawa Hiroshige).
[98]
Arte
46
˜ Arte oce‚nico: est‚ marcado por la multiplicidad de territorios insulares que jalonan el Oc€ano Pac„fico,
destacando las islas de Australia y Nueva Zelanda, y tres principales ‚reas de islas y archipi€lagos: Polinesia,
Melanesia y Micronesia. La primera cultura desarrollada en la zona fue la lapita (1.500-500 a.C.), que se
caracteriza por su cer‚mica decorada con motivos dentados hechos con peines o p…as, as„ como objetos de
obsidiana y conchas. En Australia destacan las pinturas rupestres, que son bastante esquem‚ticas, llegando a la
simplificaci•n geom€trica. M‚s adelante continu• la expansi•n hacia la periferia oce‚nica, produci€ndose una
gran diversificaci•n cultural. La mayor„a de manifestaciones art„sticas eran de car‚cter ritual, relacionadas con
danzas y ceremonias de tipo religioso: en Micronesia se produjeron elaborados complejos arquitect•nicos con
esculturas de piedra y megalitos; en Guam y las islas Marianas destacan las casas sobre columnas de piedra
(latte); en Haw‚i se construyeron grandes templos (heiau), con esculturas de madera de hasta tres metros que
representaban a sus dioses; en Nueva Zelanda, los maor„es desarrollaron un tipo de talla de madera con figuras de
l„deres pol„ticos y religiosos; en la isla de Pascua se construyeron las famosas cabezas monol„ticas (mo‡i) entre el
a†o 900 y el 1600; en Melanesia destacan las grandes casas de reuni•n o ‡casas de los esp„ritusˆ, dedicadas a
ceremonias relacionadas con el culto a los antepasados; las m‚scaras fueron caracter„sticas de Nueva Guinea
(mai), Nueva Irlanda (malanggan) y Nueva Caledonia (apuema); los asmat de Irian Jaya (Nueva Guinea)
constru„an unos postes conmemorativos (bisj) de entre 5 y 10 metros de altura, tallados con figuras
antropom•rficas; en las islas Salom•n se dieron estatuas de madera (indalo) de figuras humanas o animales, con
incrustaciones de conchas.
[99]
Arte en la Edad contempor•nea (1800-Actualidad)
Viajero frente al mar de niebla (1818), de Caspar David Friedrich.
Siglo XIX
Entre finales del siglo XVIII y principios del XIX se
sentaron las bases de la sociedad contempor‚nea,
marcada en el terreno pol„tico por el fin del
absolutismo y la instauraci•n de gobiernos
democr‚ticos „ impulso iniciado con la Revoluci•n
francesa„ ; y, en lo econ•mico, por la Revoluci•n
industrial y el afianzamiento del capitalismo, que
tendr‚ respuesta en el marxismo y la lucha de clases.
En el terreno del arte, comienza una din‚mica evolutiva
de estilos que se suceden cronol•gicamente cada vez
con mayor celeridad, que culminar‚ en el siglo XX con
una atomizaci•n de estilos y corrientes que conviven y
se contraponen, se influyen y se enfrentan.
˜ Arquitectura del siglo XIX: la arquitectura
decimon•nica sufri• una gran evoluci•n debido a los
avances t€cnicos que comport• la Revoluci•n
industrial, con la incorporaci•n de nuevos materiales
como el hierro y el hormig•n, que permitieron la
construcci•n de estructuras m‚s s•lidas y di‚fanas.
Estil„sticamente, la primera mitad de siglo vio un
cierto eclecticismo de las formas, as„ como un revival de estilos anteriores reinterpretados seg…n conceptos
modernos: es el llamado historicismo, que produjo movimientos como el neorrom‚nico, el neog•tico, el
neobarroco, etc. A finales de siglo surgi• el modernismo, que supuso una gran revoluci•n en terreno del dise†o,
con nombres como Victor Horta, Otto Wagner, Antoni Gaud„, Llu„s Dom•nech i Montaner, Josep Puig i
Cadafalch, etc.
[100]
Arte
47
˜ Romanticismo: movimiento de profunda renovaci•n en todos los g€neros art„sticos, los rom‚nticos pusieron
especial atenci•n en el terreno de la espiritualidad, de la imaginaci•n, la fantas„a, el sentimiento, la evocaci•n
enso†adora. En pintura, despu€s de una fase prerrom‚ntica donde podr„amos citar a William Blake y Johann
Heinrich Fƒssli, destacaron Eug•ne Delacroix, Th€odore G€ricault, John Constable, Joseph Mallord William
Turner, etc. Una derivaci•n del romanticismo fue el movimiento alem‚n de los Nazarenos.
˜ Realismo: desde mediados de siglo surgi• una tendencia que puso €nfasis en la realidad, la descripci•n del mundo
circundante, especialmente de obreros y campesinos en el nuevo marco de la era industrial, con un cierto
componente de denuncia social, ligado a movimientos pol„ticos como el socialismo ut•pico. En pintura destacan
Camille Corot, Gustave Courbet, Jean-Fran–ois Millet, Honor€ Daumier y Mari™ Fortuny. En Gran Breta†a surgi•
la escuela de los prerrafaelitas, que se inspiraban „ como su nombre indica„ en los pintores italianos anteriores a
Rafael, as„ como en la reci€n surgida fotograf„a. En escultura, destac• Constantin Meunier.
˜ Impresionismo: fue un movimiento profundamente innovador, que supuso una ruptura con el arte acad€mico y
una transformaci•n del lenguaje art„stico, iniciando el camino hacia los movimientos de vanguardia. Se inspiraban
en la naturaleza, de la que pretend„an captar una €impresi•n• visual, la plasmaci•n de un instante en el lienzo „ por
influjo de la fotograf„a„ , con una t€cnica de pincelada suelta y tonos claros y luminosos. Cabe mencionar como
principales representantes a ¨douard Manet „ considerado un precursor„ , Claude Monet, Camille Pissarro,
Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. Igual de renovador fue en el terreno de la escultura el papel de Auguste
Rodin, que sent• las bases de la escultura del siglo XX.
˜ Neoimpresionismo: evolucionando desde el impresionismo, los neoimpresionistas se preocupan m‚s de los
fen•menos •pticos, desarrollando la t€cnica del puntillismo, como se puede apreciar en la obra de Georges Seurat
y Paul Signac.
˜ Postimpresionismo: son artistas que, partiendo de los nuevos hallazgos t€cnicos efectuados por los impresionistas,
los reinterpretan de manera personal, abriendo distintas v„as de desarrollo de suma importancia para la evoluci•n
del arte en el siglo XX: Henri de Toulouse-Lautrec, Paul Gauguin, Paul C€zanne, Vincent Van Gogh, Joaqu„n
Sorolla, etc.
[101]
˜ Simbolismo: corriente de corte fant‚stico y on„rico, surgi• como reacci•n al naturalismo de la corriente realista e
impresionista, poniendo especial €nfasis en el mundo de los sue†os, as„ como en aspectos sat‚nicos y terror„ficos,
el sexo y la perversi•n. Destacaron Gustave Moreau, Odilon Redon, Pierre Puvis de Chavannes y Gustav Klimt.
Arte
48
Formas •nicas de continuidad en el espacio (1913), de
Umberto Boccioni.
Siglo XX
El arte del siglo XX padece una profunda transformaci•n: en una
sociedad m‚s materialista, m‚s consumista, el arte se dirige a los
sentidos, no al intelecto. Igualmente, cobra especial relevancia el
concepto de moda, una combinaci•n entre la rapidez de las
comunicaciones y el aspecto consumista de la civilizaci•n actual.
Surgen as„ los movimientos de vanguardia, que pretenden integrar
el arte en la sociedad, buscando una mayor interrelaci•n
artista-espectador, ya que es este …ltimo el que interpreta la obra,
pudiendo descubrir significados que el artista ni conoc„a. Las
…ltimas tendencias art„sticas pierden incluso el inter€s por el objeto
art„stico: el arte tradicional era un arte de objeto, el actual de
concepto. Hay una revalorizaci•n del arte activo, de la acci•n, de
la manifestaci•n espont‚nea, ef„mera, del arte no comercial (arte
conceptual, happening, environment).
˜ Arquitectura del siglo XX: la arquitectura ha sufrido una
profunda transformaci•n desde las formas tradicionales hasta
las movimientos de vanguardia, que han supuesto un nuevo
concepto constructivo basado en una concepci•n m‚s racional del espacio, estructurado de forma m‚s depurada y
funcional, con especial atenci•n a las nuevas tecnolog„as y a su ubicaci•n medioambiental. La principal tendencia
art„stica ha sido el racionalismo, representado fundamentalmente por la Escuela de la Bauhaus. Entre los nombres
de los m‚s destacados arquitectos del siglo XX sobresalen Walter Gropius, Frank Lloyd Wright, Ludwig Mies
van der Rohe, Le Corbusier, Jos€ Luis Sert, Oscar Niemeyer, Alvar Aalto, Pier Luigi Nervi, Luis Barrag‚n,
Rafael Moneo, Richard Rogers, Robert Venturi, Frank Gehry, Norman Foster, James Stirling, Santiago Calatrava,
etc.
[102]
˜ Vanguardismo (1905-1945):
˜ Fovismo: primer movimiento vanguardista del siglo XX, el fovismo supuso una experimentaci•n en el terreno
del color, que es concebido de modo subjetivo y personal, aplic‚ndole valores emotivos y expresivos. Destacan
Henri Matisse, Albert Marquet, Raoul Dufy, Andr€ Derain y Maurice de Vlaminck.
˜ Expresionismo: surgido como reacci•n al impresionismo, los expresionistas defend„an un arte m‚s personal e
intuitivo, donde predominase la visi•n interior del artista „ la €expresi•n•„ frente a la plasmaci•n de la realidad
„ la €impresi•n•„ , reflejando en sus obras una tem‚tica personal e intimista con gusto por lo fant‚stico,
deformando la realidad para acentuar el car‚cter expresivo de la obra. Con precedentes en las figuras de
Edvard Munch y James Ensor, se form• principalmente en torno a dos grupos: Die Br’cke (Ernst Ludwig
Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff, Emil Nolde), y Der Blaue Reiter (Vasili Kandinski, Franz
Marc, August Macke, Paul Klee), destacando igualmente Egon Schiele, Oskar Kokoschka, Amedeo
Modigliani, Marc Chagall, etc.
˜ Cubismo: este movimiento se bas• en la deformaci•n de la realidad mediante la destrucci•n de la perspectiva
espacial de origen renacentista, organizando el espacio en funci•n de una trama geom€trica, con visi•n
simult‚nea de los objetos, una gama de colores fr„os y apagados, y una nueva concepci•n de la obra de arte,
con la introducci•n del collage. La figura principal de este movimiento fue Pablo Picasso, uno de los grandes
genios del siglo XX, junto a Georges Braque, Juan Gris y Fernand L€ger, as„ como Alexander Archipenko,
Pablo Gargallo y Julio Gonz‚lez en escultura. Una derivaci•n del cubismo fue el orfismo de Robert Delaunay.
˜ Futurismo: movimiento italiano que exalt• los valores del progreso t€cnico e industrial del siglo XX,
destacando aspectos de la realidad como el movimiento, la velocidad y la simultaneidad de la acci•n. Destacan
en pintura Giacomo Balla y Gino Severini, y Umberto Boccioni en escultura.
Arte
49
˜ Dada„smo: movimiento de reacci•n a los desastres de la guerra, el dada„smo supuso un planteamiento radical
del concepto de arte, que pierde cualquier componente basado en la l•gica y la raz•n, reivindicando la duda, el
azar, lo absurdo de la existencia. Esto se traduce en un lenguaje subversivo, donde se cuestionan tanto las
tem‚ticas como las t€cnicas tradicionales del arte, experimentando con nuevos materiales y nuevas formas de
composici•n, como el collage, el fotomontaje y los ready-made. Destacan Hans Arp, Francis Picabia, Kurt
Schwitters y Marcel Duchamp.
˜ Surrealismo: con un claro precedente en la pintura metaf„sica (Giorgio de Chirico, Carlo Carr™), el surrealismo
puso especial €nfasis en la imaginaci•n, la fantas„a, el mundo de los sue†os, con una fuerte influencia del
psicoan‚lisis, como se percibe en su concepto de ‚escritura autom‚ticaƒ, por la que intentan expresarse
liberando su mente de cualquier atadura racional, mostrar la pureza del inconsciente. La pintura surrealista se
movi• entre la figuraci•n (Salvador Dal„, Paul Delvaux, Ren€ Magritte, Max Ernst) y la abstracci•n (Joan
Mir•, Andr€ Masson, Yves Tanguy). En escultura destacan Henry Moore, Constantin Br®ncu¯i, Alberto
Giacometti y Alexander Calder.
˜ Arte abstracto: cuestionado el concepto de realidad por las nuevas teor„as cient„ficas, y con el surgimiento de
nuevas tecnolog„as como la fotograf„a y el cine, que ya se encargan de plasmar la realidad, se produce la
g€nesis del arte abstracto: el artista ya no intenta reflejar la realidad, sino su mundo interior, expresar sus
sentimientos. El arte pierde todo aspecto real y de imitaci•n de la naturaleza para centrarse en la simple
expresividad del artista, en formas y colores que carecen de cualquier componente referencial. Iniciado por
Vasili Kandinski, fue desarrollado por el movimiento neoplasticista (De Stijl), con figuras como Piet Mondrian
y Theo Van Doesburg.
˜ Constructivismo: surgido en la Rusia revolucionaria, es un estilo comprometido pol„ticamente que pretende a
trav€s del arte realizar una transformaci•n de la sociedad, mediante una reflexi•n sobre las formas puras
art„sticas concebidas desde aspectos como el espacio y el tiempo, que generan una serie de obras de estilo
abstracto, con tendencia a la geometrizaci•n. Destacan Vlad„mir Tatlin, Lissitzky, Anton Pevsner y Naum
Gabo. Una variante fue el suprematismo de Kasimir Malevich.
[103]
Liberaci‰n de 1001 globos azules, ‚escultura aerost‚ticaƒ de Yves
Klein. Las …ltimas tendencias han sido propensas a un arte m‚s
desmaterializado, donde importa m‚s el concepto, el mensaje, la
acci•n.
˜ °ltimas tendencias (1945-Actualidad):
˜ Informalismo: conjunto de tendencias basadas en
la expresividad del artista, renunciando a
cualquier aspecto racional del arte (estructura,
composici•n, aplicaci•n preconcebida del color).
Incluye diversas corrientes como el tachismo, el
art brut y la pintura mat€rica. Destacan Georges
Mathieu, Hans Hartung, Jean Fautrier, Jean
Dubuffet, Antoni T™pies, Lucio Fontana, Antonio
Saura, Manolo Millares, etc. En escultura cabe
citar a Jorge Oteiza, Pablo Serrano y Eduardo
Chillida. En Estados Unidos se desarroll• el
expresionismo abstracto, caracterizado por la
utilizaci•n de la t€cnica del dripping, el
chorreado de pintura sobre la tela, sobre la que
interven„a el artista con diversos utensilios o con
su propio cuerpo. Entre sus miembros figuran Jackson Pollock, Mark Rothko, Franz Kline y Willem de
Kooning.
˜ Pop-art: surgi• en Estados Unidos como movimiento de rechazo al expresionismo abstracto, englobando una
serie de autores que vuelven a la figuraci•n, con un marcado componente de inspiraci•n popular, tomando
im‚genes del mundo de la publicidad y de los medios de comunicaci•n de masas. Con un precedente en el
Arte
50
llamado New Dada (Robert Rauschenberg, Jasper Johns), destacaron en el pop-art Andy Warhol, Roy
Lichtenstein, Tom Wesselmann, James Rosenquist, Eduardo Paolozzi, Richard Hamilton y, en escultura, Claes
Oldenburg.
˜ Nuevo realismo: movimiento franc€s inspirado en el mundo de la realidad circundante, del consumismo y la
sociedad industrial, del que extraen „ al contrario que en el pop-art„ su aspecto m‚s desagradable, con especial
predilecci•n por los materiales detr„ticos. Sus representantes fueron Arman, C€sar Baldaccini, Yves Klein,
Jean Tinguely, Piero Manzoni, etc.
˜ Arte cin€tico: tambi€n llamado op-art (€arte •ptico•), es un estilo que pone €nfasis en el aspecto visual del arte,
especialmente en los efectos •pticos, que son producidos bien por ilusiones •pticas (figuras ambiguas,
im‚genes persistentes, efecto de moir€), bien mediante el movimiento o los juegos de luces. Destacan V„ctor
Vasarely, Jes…s Rafael Soto, Yaacov Agam, Julio Le Parc, Eusebio Sempere, etc.
˜ Arte de acci•n: son diversas tendencias basadas en el acto de la creaci•n art„stica, donde lo importante no es la
obra en s„, sino el proceso creador, en el que adem‚s del artista interviene a menudo el p…blico, con un gran
componente de improvisaci•n. Engloba diversas manifestaciones art„sticas como el happening, el fluxus la
performance, el environment, la instalaci•n, etc. Entre sus figuras destacan Joseph Beuys, George Maciunas,
Allan Kaprow, Wolf Vostell, Y-ko Ono, Nam June Paik, etc.
˜ Videoarte aparece en los a†os 1960 con artistas como: Nam June Paik, Joseph Beuys, Wolf Vostell, Charlotte
Moorman entre otros.
˜ Minimalismo: con un antecedente en la Nueva abstracci•n (o Abstracci•n postpict•rica) el minimalismo fue
una corriente que supuso un proceso de desmaterializaci•n que desembocar„a en el arte conceptual. Son obras
de car‚cter abstracto, de acusada simplicidad, reducidas a un m„nimo motivo, depurado al planteamiento inicial
del autor, la base sobre la que habr„a desarrollado la idea que, sin embargo, queda plasmada en su fase inicial.
Destacaron los pintores Robert Mangold y Robert Ryman, y los escultores Carl Andre, Dan Flavin, Donald
Judd y Sol LeWitt.
˜ Hiperrealismo: como reacci•n al minimalismo surgi• esta nueva corriente figurativa, caracterizada por su
visi•n superlativa y exagerada de la realidad, que es plasmada con gran exactitud en todos sus detalles, con un
aspecto casi fotogr‚fico. Destacan Chuck Close, Richard Estes, Antonio L•pez Garc„a y, en escultura, George
Segal, famoso por sus figuras humanas en yeso.
˜ Arte conceptual: tras el despojamiento material del minimalismo, el arte conceptual renuncia al sustrato
material para centrarse en el proceso mental de la creaci•n art„stica, afirmando que el arte est‚ en la idea, no en
el objeto. Incluye diversas tendencias: el arte conceptual lingƒ„stico, el m‚s purista de la conceptualidad,
centrado en la relaci•n arte-lenguaje (Joseph Kosuth); el arte povera, centrado en las instalaciones,
generalmente de materiales detr„ticos (Mario Merz, Jannis Kounellis); el body-art, con el cuerpo humano como
soporte; el land-art, que utiliza la naturaleza como soporte, con un marcado componente ef„mero; el bio-art,
que usa t€cnicas biol•gicas; etc.
˜ Arte postmoderno: por oposici•n al denominado arte moderno, es el arte propio de la postmodernidad. Asumen
el fracaso de los movimientos de vanguardia como el fracaso del proyecto moderno: las vanguardias
pretend„an eliminar la distancia entre el arte y la vida, universalizar el arte; el artista postmoderno, en cambio,
es autorreferencial, el arte habla del arte, no pretenden hacer una labor social. Destacan artistas individuales
como Jeff Koons, David Salle, Jean-Michel Basquiat, Keith Haring, Julian Schnabel, Miquel Barcel•, etc.; o
tambi€n diversos movimientos como la transvanguardia italiana, el neoexpresionismo alem‚n, el
neomanierismo, la figuraci•n libre, etc.
[104]
V†ase tambi†n: Historia de la literatura, Historia de la m•sica, Historia del teatro, Historia de la ‰pera,
Historia de la danza, Historia de la fotograf€a, Historia del cine e Historia del c‰mic
Arte
51
Referencias
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[8] [8] Bozal (2000), vol. I, p. 21.
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[15] [15] Eco (2004), p. 333.
[16] [16] Givone (2001), p. 114.
[17] [17] Bozal (2000), vol. I, p. 324-329.
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[19] [19] Givone (2001), p. 112-113.
[20] [20] Beardsley-Hospers (1990), p. 73.
[21] [21] Givone (2001), p. 108-109.
[22] [22] Givone (2001), p. 110-111.
[23] [23] Bozal (2000), vol. I, p. 379-380.
[24] [24] Eco (2004), p. 415-417.
[25] [25] Beardsley-Hospers (1990), p. 79-80.
[26] [26] Givone (2001), p. 122-124.
[27] [27] Givone (2001), p. 125-127.
[28] [28] Givone (2001), p. 129-131.
[29] [29] Givone (2001), p. 222-230.
[30] [30] Givone (2001), p. 151-153.
[31] [31] Givone (2001), p. 154.
[32] [32] Bozal (1993), p. 8-18.
[33] [33] Tatarkiewicz (2002), p. 51-53.
[34] [34] Tatarkiewicz (2002), p. 62-63.
[35] [35] Tatarkiewicz (2002), p. 67.
[36] [36] Tatarkiewicz (2002), p. 82.
[37] [37] Tatarkiewicz (2002), p. 84-85.
[38] [38] Tatarkiewicz (2000), vol. I, p. 318.
[39] [39] Tatarkiewicz (2002), p. 42.
[40] [40] Tatarkiewicz (2002), p. 45.
[41] [41] Tatarkiewicz (2002), p. 46-48.
[42] [42] Tatarkiewicz (2002), p. 49.
[43] [43] Givone (2001), p. 50-54.
[44] [44] Tatarkiewicz (2002), p. 53.
[45] [45] Souriau (1998), p. 142.
[46] [46] Souriau (1998), p. 838.
[47] [47] Brandi (2002), p. 15.
[48] [48] Brandi (2002), p. 14.
[49] [49] Villa (2003), p. 55.
[50] [50] Azc‚rate (1983), p. 9-12.
[51] [51] AA.VV. (1991), p. 678.
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[54] [54] AA.VV. (1991), p. 213.
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[56] [56] Villa (2003), p. 91-96.
[57] [57] Villa (2003), p. 71-73.
Arte
52
[58] [58] Souriau (1998), p. 540-541.
[59] [59] Azc‚rate (1983), p. 14-16.
[60] [60] Souriau (1998), p. 612.
[61] [61] Fuga (2004), p. 12-30.
[62] [62] Fuga (2004), p. 92-132.
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