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LA PINTURA GÓTICA

INTRODUCCIÓN: COORDENADAS HISTÓRICAS Y
CRONOLOGÍA DEL ESTILO GÓTICO
- Durante el Gótico se va a producir una evolución del
pensamiento, el hombre deja de obsesionarse sólo por
Dios y descubre al hombre y a la naturaleza que le
rodea, el arte vuelve a la naturaleza, se hace
“naturalista”.
- En la Baja Edad Media se redescubre al hombre, se
produce el despertar del “humanismo”, en pintura esto
va a afectar a las figuras, que ahora se parecen y se
comportan como verdaderos seres humanos, se
inclinan y giran, sonríen, se lamentan, conversan, se
comunican entre ellas.
- Importante en el triunfo del humanismo y el
naturalismo fue la vuelta a la filosofía aristotélica,
gracias a la obra de Santo Tomás de Aquino.
Importante también, en relación con el evidente amor a
la naturaleza de la pintura gótica, mencionar la figura
de San Francisco de Asís y el pensamiento
franciscano.
- Otro importante factor fue el desarrollo de las
ciudades, que se convierten en foco de atracción de la
población rural y dan lugar a una nueva estructura
social gracias a la expansión de los artesanos y
comerciantes, que permitieron el triunfo de la
burguesía, cuyas nuevas formas y estilo de vida
repercutieron en un arte más rico y decorado.

- Cronológicamente el Gótico, nacido en Francia,
desde donde se extiende al resto de Europa, se
desarrolla desde finales del siglo XII hasta, según
zonas, el siglo XV:


+ Estilo Franco-Gótico o Gótico Lineal: siglo XIII y
primera mitad del XIV.
+ Estilo Italo-Gótico o Primitivos Italianos: desde
finales del siglo XIII a mediados del XIV.
+ El Gótico Internacional: segunda mitad del siglo
XIV y primera del XV.
+ Escuela de los Primitivos Flamencos: segunda
mitad del siglo XV y principios del XVI.
1. CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA GÓTICA
1.1. Precedentes
- Los precedentes de la pintura gótica hay que
buscarlos en la pintura románica occidental, frescos,
frontales de altar e iluminación de libros sobre todo, y
principalmente en la pintura y mosaicos bizantinos,
muy especialmente sus iconos.

1.2. Soportes y técnicas
- La pintura gótica implica grandes cambios respecto a
la pintura románica debido a la sustitución de los
muros por vidrieras, lo que supone la búsqueda de
otros soportes y técnicas.
- Al principio el protagonismo será casi exclusivamente
de las vidrieras y de la iluminación de libros con
miniaturas, desarrollándose en una fase más
avanzada del Gótico la pintura sobre la tabla.


- Las técnicas empleadas en pintura son variadas,
según los soportes: en pintura sobre tabla el temple,
con aglutinante de huevo o colas, permite su
aplicación con finos pinceles, lográndose un gran
detallismo y colores más intensos y brillantes, y, a
partir del siglo XV, también el óleo, con aceites como
aglutinante del color, lo que permite el repinte; y el
fresco en las pinturas murales allí donde siguen siendo
importantes.
A) Las Vidrieras
- La técnica de las vidrieras comienza en Francia en el
siglo XII: se montan los vidrios, coloreados con tonos
azules, rojos, amarillos y verdes en la pasta vítrea
fundida o posteriormente, sobre un bastidor
emplomado, logrando el efecto de un mosaico
transparente. Su momento culminante fue el siglo XIII,
con los grandes ciclos de Chartres, Reims o León.
Posteriormente evoluciona en paralelo a la pintura,
mayor gama cromática, sustitución de loo personajes
aislados por representaciones de carácter narrativo,
etc.
B) El retablo
- El retablo será el soporte gótico por excelencia,
evolucionando al pasar de una tabla a dos "díptico",
tres "tríptico" o a muchas, "políptico". A veces las
tablas laterales eran abatibles con el fin de cerrar el
conjunto, en este caso su cara exterior se pinta con
tonos grises, "grisallas", que semejan esculturas.
- El retablo hasta mediados del siglo XIV consistía
simplemente en una serie de tablas pintadas con
sentido ilustrativo y descriptivo de la vida del santo
titular, ocupando el centro la efigie del mismo y a su
alrededor, en pequeños recuadros, escenas de su
vida.
- Pero en la segunda mitad del s. XIV el retablo
pictórico ya está formado, es rígido, con múltiples
tablas, con una ordenación de base arquitectónica y
con una distribución iconográfica uniforme. Su
organización es del modo siguiente:
+ En la predela o banco, parte inferior de menor
altura, pintan bustos de santos.
+ En el cuerpo central está representado el tema
principal de la obra.
+ En las calles o zonas verticales se recogen las
escenas secundarias o complementarias del tema
central, organizadas en cuerpos o divisiones
horizontales que forman recuadros que se
decoran con un marco gótico trobolado y remate
de tracería, generalmente flamígero.
+ En las entrecalles, pequeñas tablas pintadas
con santos en unos retablos, y en otros finas
columnas o pilares. En ambos casos rematadas
con pináculos con cardinas, decoración vegetal a
base de hojas.
+ Las cumbreras o espigas son los remates
superiores de las calles. En la central se pinta,
casi sin excepción, el Calvario, en las restantes los
temas no están fijados.
1.3. Elementos plásticos
- El dibujo tiene una gran importancia: delimita formas,
marca modelados, crea ritmos compositivos.
- Importancia del modelado, pasando con el tiempo
desde los tonos planos al juego de contraluces.
- La luz contribuye a destacar el volumen, pero en
general no es una luz real y puede tener contenido
simbólico.
- El color es un elemento clave, pero con frecuencia es
un colorido irreal lleno de contenido simbólico.
- El interés por la perspectiva también evoluciona,
apareciendo la preocupación por el espacio pictórico a
partir del siglo XIV, con los pintores italianos y el gótico
internacional, pero serán sus primeros grandes
maestros, en el XV, los pintores del primer
Renacimiento italiano y los primitivos flamencos,
dentro de este tema dedicado al Gótico.
- Pero siguen siendo muy abundantes los típicos
fondos neutros dorados a base de pan de oro.
- La composición se basa en el eje de simetría, con los
elementos orientados hacia el centro teórico del
cuadro.
- Las formas de expresión reflejan un nuevo ideal
estético hacia un naturalismo idealizado individual y
expresivo, individualizándose los rostros, incluso en los
grupos, al igual que en la escultura.
1.4. Temática e iconografía
- La temática es fundamentalmente religiosa. Los
temas se inspiran en la vida de Jesús, de la Virgen y
de los Santos destacando entre estos los apóstoles y
los santos titulares.
- En menor escala también encontramos ejemplos de
pintura profana, desarrollándose ahora el retrato.
- Por último decir que la pintura gótica tiene un
carácter narrativo y una finalidad didáctica y
devocional.
2. EVOLUCIÓN ESTILÍSTICA: PRINCIPALES
ESCUELAS DE LA PINTURA GÓTICA
- En la evolución de la pintura gótica se distinguen
cuatro estilos, cuya cronología es difícil de concretar
por la simultaneidad de algunos de ellos:
2.1. El Estilo Franco-Gótico o Gótico Lineal
- Desde el siglo XIII hasta mediados del siglo XIV,
coexistiendo en esta centuria con el estilo de influencia
italiana.
- Francia dará, como en arquitectura y escultura, las
primeras pautas a seguir. Ejemplos casi
exclusivamente de miniaturas, desde los más arcaicos
hasta modernos, como El libro de las muy ricas horas
del Duque de Berry, ya del XV:

- Características:
+ El dibujo tiene gran importancia, las líneas
limitan las superficies coloreadas, de cromatismo
es vivo.
+ El naturalismo se manifiesta en el estudio de las
formas y de los paños, en los trozos de paisaje
que aparecen y en las construcciones del fondo
con un somero estudio de la perspectiva lineal.
+ Presenta ciertos convencionalismos, como los
doseletes con ángeles, el tipo oval de la cabeza, la
incurvación del cuerpo y el alargamiento de las
figuras.
2.2. El estilo italo-gótico: Los Primitivos Italianos
- Dos escuelas de pintores italianos relevan a Francia
en su labor rectora y serán las que marcarán las
pautas a seguir por la pintura gótica desde finales del
siglo XIII hasta mediados del XIV, la Escuela de Siena
y la Escuela de Florencia.
- Características generales del estilo:
+ En Italia se mantiene el protagonismo de las
pinturas murales al fresco.
+ Riqueza cromática, azules intensos, rojos
profundos, amarillos, rosas que no son naturales y
se adaptan a la psicología de los personajes.
Modera el uso de los tonos dorados
características del Gótico.
+ Naturalismo en la representación de un espacio
tridimensional por medio del sombreado, que
rompía con los colores planos heredados de las
vidrieras góticas.
+ El desarrollo de un marco real con paisajes
urbanos o rurales donde superponen las figuras.
+ También naturalismo en la expresión del
sentimiento, de los estados anímicos por medio
del gesto, la actitud que busca la aproximación al
alma del personaje.
+ Esta preocupación por el hombre y su entorno
está relacionada con la religiosidad franciscana
que abría el cristianismo a la naturaleza.
+ Característica principal de la Escuela de Siena
es su dulzura y elegancia y la búsqueda de la
belleza pura concentrada. También señalar la
monumentalidad de las figuras, que van a tener
proporciones humanas, como característica
principal de la Escuela de Florencia.
A) Escuela de Florencia
Cimabue
- Cimabue suele ser considerado como uno de los
fundadores del arte moderno y se cree que fue
maestro de Giotto. Se le considera el iniciador del
movimiento que partiendo de la “maniera greca”
(bizantina) tendría que llevar al naturalismo que
culminaría en el Renacimiento. Buena prueba del
carácter innovador de su obra la proporciona la
mención que de ella hace Dante en la “Divina
Comedia”: “Creía Cimabue ser el primero en la pintura,
pero ahora tiene Giotto esta primacía hasta el punto
que se ha oscurecido la fama de aquél”.

+ Maestá o Virgen de los Ángeles: obra básica para
comprender el cambio estilístico que se produjo en la
pintura florentina de finales del siglo XIII, conserva los
elementos compositivos simétricos y la iconografía de
los modelos bizantinos, pero busca a la vez una
tercera dimensión, que obtiene con la perspectiva que
da al trono y el contrate de luces y sombras que dan
volumen a las figuras; también intenta romper con el
hieratismo dando un carácter más humano a las
figuras, que se manifiesta en la expresividad de los
rostros.
+ Crucifixión: en la que destaca la expresión
dramática, de dolor, del Crucificado.
Giotto
- Conocemos, por las crónicas de sus
contemporáneos, la gran revolución que supuso su
nueva concepción artística, que se puede considerar
como precursora de las innovaciones que cambiarán la
marcha de la pintura occidental en el Renacimiento.
- Giotto es el gran iniciador del espacio tridimensional
en la Pintura Europea, en sus obras , que se
caracterizan por la evidente observación de la
naturaleza, las planas y simbólicas figuras del Arte
Bizantino dan paso a otras modeladas e
individualizadas en perspectiva, además adoptó el
lenguaje visual de escultores al darle volumen y peso a
sus figuras.


+ Virgen en el Trono: la composición y el fondo
dorado hacen pensar en una concepción gótica de
origen bizantino, pero el naturalismo y la
monumentalidad de la Virgen nos muestran el
personalísimo sello de Giotto.
+ Frescos sobre la vida de San Francisco en la
iglesia de Asís: plenamente naturalistas, las
figuras cobran volumen y las escenas con pasajes
de la vida del santo perspectiva, disponiéndose en
profundidad en diversos planos en un marco
paisajístico y arquitectónico.
+ Frescos de la Capilla de los Scrovegni de
Padua: dedicados a Jesucristo, la Virgen y San
Joaquín y Santa Ana; más perfectos son
considerados como el máximo exponente de la
madurez artística de Giotto, que ya ha encontrado
su auténtico estilo.
+ Frescos de la Basílica de Santa Croce de
Florencia: representan el estadio más avanzado
de su estilo, en el que las figuras humanas
aparecen agrupadas en posturas dinámicas, que
reflejan movimiento.
B) Escuela de Siena
Duccio
- Duccio fue el fundador de la escuela pictórica de
Siena. Sus trabajos, de carácter religioso, se
caracterizan por la sensibilidad del dibujo, la habilidad
de la composición, la calidad decorativa y una
intensidad emocional mayor que la del modelo
bizantino que seguía.

+ Gran Maestà: gran retablo pintado por ambas
caras, la parte frontal muestra a la Virgen
entronizada y rodeada de un gran número de
ángeles, santos y apóstoles, levemente
naturalistas.
+ Madonna Rucellai: se trata de un retablo que
muestra a la Virgen sentada en el trono con el
Niño Jesús, con un fondo de oro de tradición
bizantina y flanqueada por ángeles de rodillas.
Simone Martini
- Simone Martini fue el otro gran maestro de la escuela
sienesa. Debió de formarse en el círculo de Duccio,
pero desarrolló de manera muy personal el estilo de su
maestro y le añadió un gran interés por los efectos de
perspectiva, reflejo de las tendencias vigentes en la
época. Hizo un uso decorativista de la línea y del color,
como en las miniaturas francesas del Gótico-Lineal, y
fue un creador genial de composiciones delicadas,
elegantes y amables, imbuidas de armonía y
refinamiento.


+ Condotiero Guidoriccio de Fogliano del Palacio
Comunal de Siena: extraordinario retrato ecuestre
en el que destaca la figura grandiosa y solitaria del
condotiero sobre un fondo de paisaje.
+ Frescos de la vida de San Martín en la Basílica
de Asís: con escenas y anécdotas de la vida del
santo, muy detalladas, llenas de color en sus
figuras perfectamente delineadas, igual que los
elementos del fondo, por la línea omnipresente del
pintor.
+ La Anunciación: considerada como una de las
mejores realizaciones de la escuela de Siena, esta
obra es un testimonio de la persistencia entre los
pintores de Siena de una tendencia hacia el color
brillante, los fondos dorados y el valor de la línea,
que, a pesar de que está muy lejos de la fórmula
bizantina, participa del espíritu medieval de
idealización de las formas y poetización del tema
sagrado.
Hermanos Lorenzetti
- Los hermanos Lorenzetti, Pietro y Ambrogio,
muestran una mezcla de influencias entre Duccio y
Giotto: pintan figuras caracterizadas por su
monumentalidad, pero también por una elegancia y
una gracia conmovedoras y claramente sienesas.
También fueron los encargados de introducir en Siena
una pintura mucho más burguesa y costumbrista.

+ Virgen con el Niño: de Pietro Lorenzetti, quien
crea tipos de vírgenes característicos luego
seguidos por otros pintores italianos: una gruesa,
tranquila, apacible, de rostro redondo, boca
carnosa y ojos rasgados y vueltos hacia lo alto;
otra delgada, demacrada, intensa y expresiva.
+ Frescos con las Alegorías del Buen y el Mal
Gobierno del Palacio Comunal de Siena: de
Ambroggio Lorenzetti, más naturalista,
preocupado por el costumbrismo, por los detalles
de la vida diaria y por los estudios de perspectiva;
en esta obra la verdadera protagonista es la
ciudad medieval, por primera vez en la pintura; en
relación a las figuras decir que no son elegantes,
alargadas y sinuosas como las sienesas, sino
macizas y gruesas como las florentinas.
C) La Pintura del siglo XIV en España
- Características: sigue la elegante línea marcada por
Siena.
Ferrer Bassa

+ Murales del Monasterio de Pedralbes: Ferrer
Bassa viaja por Italia y conoce a florentinos y
sieneses, siendo el introductor del estilo de estos
últimos en España, claro al observar el
alargamiento y la delicadeza de sus figuras.
Hermanos Serra

+ Retablo de la Virgen de Sigena: de Jaume
Serra, presidido por una Virgen con el Niño de
gran delicadeza.
+ Retablo del Santo Espíritu de la Catedral de
Manresa: de Pere Serra, también presidido por la
Virgen, pero en este caso junto al encanto
decorativo sienes podemos apreciar también la
monumentalidad florentina, aunque está mucho
más cerca de la obra de Simone Martini que de la
de Giotto.
+ Virgen de Tortosa: de Pere Serra, obra maestra
de similares características; para algunos críticos
si hubiese nacido en Italia Pere hubiese sido
considerado como uno de los grandes maestros
del Trecento Italiano.
2.3. Estilo Gótico Internacional
- En la segunda mitad del siglo XIV la influencia de la
manera italiana condujo a la creación del denominado
“estilo internacional” que va a desarrollarse hasta la
primera mitad del siglo XV.

- Características:
+ Riqueza cromática con colores brillantes a veces
irreales.
+ Las figuras, de una elegancia amanerada, se
hacen alargadas y espirituales. Predominio de la
línea curva que se manifiesta en el movimiento y
en los ropajes que dibujan plegados abundantes y
sinuosos.
+ Paisaje convencional en el fondo de las
representaciones. La técnica minuciosa y el
detalle realista junto con el estudio de la
perspectiva son notas que distinguen también este
estilo.
+ Se acentúa el carácter narrativo, apareciendo
incluso elementos pintorescos sacados de la vida
diaria.
+ El retrato se desarrolla en las pequeñas figuras
de los donantes.
2.4. Escuela de los Primitivos Flamencos
- En la segunda mitad del siglo XV y hasta principios
del XVI una serie de factores contribuyeron a producir
un prodigioso florecimiento artístico en las ciudades de
Flandes.
- La influencia de la pintura flamenca se extiende por
Europa. En España, por ejemplo, la pintura de estos
años se va a denominar estilo hispano-flamenco.
A) Características
- Los artistas que hoy en día conocemos como
Primitivos flamencos desarrollarían un estilo pictórico
propio, caracterizado por un exacerbado naturalismo y
un extraordinario cuidado del detalle, que
inmediatamente les supuso un reconocimiento
internacional. Captación de la realidad mediante:
+ El detallismo: es una pintura para ser vista de
cerca y el artista tiene interés por todo. Se recrea
lo mismo en las personas que en las pequeñas
cosas que llenan la vida cotidiana, objetos, mesas,
telas, etc.
+ Estas últimas las reproducen minuciosamente,
pero las dota de unos pliegues duros, metálicos.
+ El paisaje: los pintores flamencos fueron los
creadores de amplios y luminosos paisajes, así
como los primeros en representar interiores llenos
de intimidad.
+ La creación de un espacio pictórico mediante la
difusión de la luz sobre los objetos.
- Sus obras, principalmente pinturas al óleo sobre tabla
y obtenidas mediante la minuciosa superposición de
capas de color transparentes y luminosas, marcan una
etapa decisiva en la historia del arte universal y sitúan,
junto con el arte italiano, los fundamentos del arte
europeo moderno.
- Los flamencos, en relación con lo anterior, también
fueron los creadores del cuadro de caballete al ir
simplificando el retablo hasta reducirlo a una sola
tabla.
- El desarrollo de escenas de la vida cotidiana en los
temas religiosos, que son la mayoría, así como los
promotores retratados junto a Cristo, la Virgen o
santos. Introducción del retrato a través de la imagen
del donante, hasta que acabó por tener una autonomía
en sí mismo.
- Amor al paisaje, que se aprecia en las luces del
horizonte o en los brillos de las aguas.
- El predomino pictórico se ve favorecido por la
aparición de una nueva clientela, la burguesía
ciudadana que se convierte en promotora de obras
artísticas.
- En resumen, características entre el Renacimiento (el
tratamiento de la luz y el paisaje) y aún otras del
Gótico (las figuras aún estáticas, la escasa relación
entre las figuras, representadas generalmente
frontalmente, y que primen los detalles sobre el
conjunto).
B) Principales ejemplos
- Una primera generación de pintores, está compuesta
por los hermanos Jan y Humberto Van Eyck, Roger
Van Der Weyden, Robert Campin o Patinir.
- En una segunda generación de pintores flamencos,
que se extiende hasta principios del siglo XVI,
destacan pintores como Memling, Gerad David o El
Bosco.
Hermanos Van Eyck
- Los hermanos Van Eyck, Hubert y Jan, iniciadores de
la escuela flamenca, son conocidos en particular por el
uso extenso que hacen del óleo.
- En la obra de Jan van Eyck, el más destacado de los
dos hermanos, confluyen elementos de una tradición
en muchos aspectos aún medieval junto a arriesgadas
novedades formales e iconográficas de una
sorprendente modernidad, que introduce
paulatinamente en su obra.


+ Políptico de la Adoración del Cordero Místico:
obra de Jan y Hubert Van Eyck, pintada como un
cúmulo de mensajes, de alegorías y de
recreaciones evangélicas; el políptico consta de
12 tablas en su posición abierta y ocho en el
reverso; la tabla central representa la adoración
del cordero místico, cordero que simboliza a Dios
y que es adorado encima de un altar, que
simboliza la Eucaristía; dos semicírculos de
personajes rodean la fuente, arrodillados en
actitud de adoración, los profetas, junto con los
patriarcas a la izquierda, los apóstoles a la
derecha junto con Papas y obispos; destacables
también son las tablas extremas de la parte
superior, que presentan a Adán y Eva, desnudos
pero tapándose sus intimidades tras el pecado
original, son dos bellos y exquisitamente
proporcionados desnudos, iluminados en
contraste con un fondo oscuro; todas las escenas
tienen como fondo un bellísimo y delicado paisaje
con árboles de variadas especies, flores, prados y
ciudades, todo ello extremadamente
pormenorizado; por último mencionar las tablas
intermedias, que contienen los ángeles cantores y
los ángeles músicos, en los que resulta
impresionante el tratamiento de los detalles en los
ropajes, cabellos y rostros.
+ La Virgen del Canciller Rollín: Jan van Eyck
introduce una nueva iconografía, la Virgen en
lugar de estar entronizada en el centro aparece en
una posición lateral, compartiendo a partes iguales
con el donante la totalidad del campo con positivo
del cuadro; toda la composición, desde la
distribución y el realismo de las figuras y los
objetos cotidianos que las rodean, la aparición del
paisaje de la ciudad en el fondo, la igualdad en el
tratamiento de la figura del donante y de la Virgen
tiene una intencionalidad predeterminada y una
clara originalidad.
+ El Matrimonio Arnolfini: obra maestra de Jan
Van Eyck; Van Eyck retrata a un acomodado
matrimonio burgués del Flandes de la época; la
escena aparentemente simple esconde algunas
claves necesitadas de interpretación puesto que
objetos vulgares son alegorías de virtudes, el
perrito significa la fidelidad, estar descalzos la
intimidad, la cama la vida conyugal, los frutos en la
ventana los alimentos compartidos; la luz entra por
la ventana de la izquierda e ilumina a los dos
esposos; la lámpara es extraordinaria y el espejo,
en el que aparece el propio pintor, nos da la visión
completa de la estancia.
+ El Hombre del Turbante: se considera un
autorretrato del artista, de impresionante verismo.
- La maestría técnica de Van Eyck para modelar
figuras y objetos con luz y color y su detallada
representación de superficies y texturas resumen el
estilo de un artista que tomaron como modelo
numerosas generaciones de pintores.
Rogier Van der Weydem
- Como buen pintor flamenco va a dedicar especial
atención a los detalles, el vivo colorido y el realismo de
las figuras, pero a esto se debe añadir el dramatismo
que caracteriza sus escenas, como elemento esencial
de su pintura.

+ La Piedad o el Descendimiento: llama la
atención el cuidadoso estudio de la composición
de un numeroso grupo de figuras alojadas en un
reducido y corto espacio; el conjunto parece
cerrada por dos paréntesis, a la izquierda San
Juan y a la derecha María Magdalena, sirviendo
de eje la cruz y de centro de la composición las
dos figuras paralelas, dispuestas en diagonal, de
Cristo y María; el sentimiento de drama, y de
contenida tristeza en el rostro de los personajes
consagra a Weyden como uno de los pintores más
trágicos de la escuela flamenca.
+ La Crucifixión: nota característica de su arte es
el abandono del paisaje y del mundo concreto,
pero después de un viaje a Italia los incluye de
nuevo, pero en general se aprecia en su obra un
cierto arcaísmo, como en este ejemplo, en el que
las figuras alargadas y sinuosas recuerdan el
“estilo internacional”.
Joachim Patinir
- Una de las características más relevantes de Patinir
es el especial protagonismo que concede al paisaje en
sus composiciones; el argumento y las figuras de sus
cuadros resultan accesorios, son un mero pretexto
para desarrollar sus luminosos fondos y sus amplias y
bellas panorámicas.
- Esta característica principal de Patinir la podemos
observar en dos de sus obras maestras.

+ El descanso en la Huida a Egipto: de temática
religiosa, aunque excusa de un estupendo marco
paisajístico.
+ La Laguna Estigia: de idénticas características,
aunque combinando motivos cristianos y paganos.
El Bosco
- Una de sus fuentes de inspiración favoritas fue la
cultura popular, los refranes, los dichos, las
costumbres y leyendas, las supersticiones del pueblo
le dieron múltiples temas para tratar en sus cuadros.
- Como características técnicas, subrayamos la
minuciosidad en el detalle, el gusto por la variedad y
riqueza del color además del cuidado por la
perspectiva.
- Pero en su obra destaca sobre todo la originalidad en
el tratamiento del tema, al dar a los objetos de uso
cotidiano un sentido diferente y convertir las escenas
en momentos delirantes, llenos de simbolismos, con
imágenes inquietantes, absurdas y fantásticas; todos
sus cuadros están impregnados de un sentido del
humor burlesco.

+ El Jardín de las Delicias: esta es la pintura más
famosa, la más estudiada, y también la más
enigmática y difícil de interpretar de las que pintó
El Bosco; en la tabla de la izquierda se presenta la
creación del hombre; en la central los placeres y
pecados del mundo; y el castigo infernal a todos
esos pecados en la de la derecha; se considera
una sátira moralizante sobre el destino de la
naturaleza humana.
+ El Carro del Heno: tríptico muy sugerente en
cuya tabla central aparece un enorme carro
repleto de heno y un sinfín de personajes; en la
cima del carro se desarrolla una escena
cortesana, unos amantes, la música, y un ángel y
un diablo; según todos los expertos, el tema alude
a un versículo de Isaías: “Toda carne es como el
heno y todo esplendor como la flor de los campos,
el heno se seca, la flor se cae”, por tanto estamos
ante una alegoría de lo efímero de los bienes y
placeres materiales y de lo pasajero de todo lo de
este mundo; a la felicidad terrenal y material,
representada por el carro, quieren subirse todas
las clases sociales, reyes y obispos, pueblo llano;
a los pies del carro vemos los pecados capitales;
la riqueza de detalles es sobrecogedora; en las
tablas laterales aparecen la creación del hombre,
el paraíso y la expulsión (izquierda) y el infierno
(derecha) en un tratamiento algo distinto al de El
Jardín de las Delicias.
+ La Adoración de los Reyes Magos: la Virgen
tiene al Niño sobre su regazo, mientras los Reyes
Magos efectúan la ofrenda de los dones; se
pueden apreciar detalles muy precisos, llama la
atención el personaje semidesnudo que se
encuentra a la entrada de la cabaña con una llaga
en una de sus piernas, simboliza al Anticristo,
según algunas opiniones; los paneles laterales
están dedicados a los donantes, acompañados
por San Pedro y Santa Inés.
C) La pintura española del siglo XV
- En España, la influencia flamenca destaca en los
catalanes Luis Dalmau y Jaume Huguet; en Castilla
sobresalen Bartolomé Bermejo y Fernando Gallego.
Lluis Dalmau
- Luis Dalmau fue un pintor valenciano que vivió en
Flandes, donde acusó la influencia de la obra de Van
Eyck.

+ La Virgen de los Concellers: su obra maestra,
representa a la Virgen con el Niño en el trono,
flanqueados por los donantes en actitud orante
(consellers), la composición es evidentemente
simétrica; destaca también tratamiento de los
paños y el detallismo arquitectónico donde
aparece con gran realismo la bóveda de crucería
del edifico bajo el que transcurre la escena.
Jaume Huguet
- En la pintura gótica de Jaime Huguet se puede ver en
su pintura la fusión de lo cortesano y de lo religioso.

+ San Abdón y San Senén: en sus composiciones
muestra escaso interés por problemas espaciales
y sus figuras, diseñadas con preciso dibujo, son
elegantes y estilizadas y suelen tener una
expresión poética, de cierta melancolía; la
principal cualidad de su pintura es la unión de la
energía plástica del gótico final con el recuerdo del
delicado y exquisito amaneramiento del estilo
internacional.
Bartolomé Bermejo
- Tuvo amplia actividad en diferentes puntos de la
Corona, Soria, Zaragoza, Toledo, siendo el primer
artista español reclamado por diferentes lugares para
trabajar.
- Su influencia fue crucial en los círculos de otros
pintores y se le considera actualmente como uno de
los grandes genios de la pintura gótica.
- Seguramente estudió en Flandes, pues se percibe
una gran influencia flamenca, de Van Eyck y Van der
Weyden, además, su perfecto conocimiento de la
técnica al óleo refuerza aún más la idea de una posible
estancia en Flandes.

+ Santo Domingo de Silos: esta pintura es una de
las más monumentales del arte medieval español;
el autor de la obra, pintor andaluz que trabajó
sobre todo en el reino de Aragón, lo presentó
como un obispo, revestido con el atuendo y los
atributos propios de esta dignidad, sentado en un
trono de composición casi arquitectónica; en sus
hornacinas se alojan representaciones de las
virtudes cristianas; destaca el realismo del rostro
del santo (influencia flamenca) sobre la
abundancia de pan de oro (tradición netamente
española).
+ La Piedad del Canónigo Desplá: encargo de
este religioso para su capilla de la catedral de la
capital catalana, interesante tanto por la
composición como por los rostros, de aguda
expresividad, o por la perspectiva del fondo, el
mejor paisaje de la pintura española del siglo XV.
Fernando Gallego
- Fernando Gallego es posiblemente el pintor más
importante de este periodo. Debió conocer bien la
pintura de los primitivos flamencos y es posible que
fuera allí en alguna de las expediciones que partieron
desde Castilla.

+ La Piedad: visión sobrecogedora, en la que
María aproxima su rostro amorosamente al rostro
cadavérico de Cristo, inánime en sus brazos,
cubierto tan sólo con el paño de pudor y
conmovedor en su desnudez; la Virgen lleva una
túnica roja cubierta por un pesado manto, ambos
se pliegan y quiebran angulosamente, casi con
paroxismo, acentuando el dramatismo crispado de
la escena; esta intensidad no se refleja en sangre,
heridas ni otros elementos agresivos, sino en la
fuerza de la expresión, siendo ésta una de las más
preciadas características de la pintura
hispanoflamenca.
+ Martirio de Santa Catalina: la escena se
desarrolla al aire libre, en el paisaje del fondo se
aprecia un gran detallismo en los motivos
arquitectónicos; en el desnudo de Santa Catalina,
contemporánea al Nacimiento de Venus de
Boticelli, todavía no hay rasgos de la antigüedad
clásica, sino que se trata de una figura medieval;
otro hecho destacable es el caricaturismo con que
pinta a los verdugos.
Maestro de los Reyes Católicos

+ Virgen de los Reyes Católicos: tabla de muy
dudosa atribución, que podemos considerar
anónima aunque a veces catalogada como obra
de Fernando Gallego, de patente estilo flamenco
en la perspectiva, los paisajes del fondo, el
realismo de rostros y plegados de los ropajes, algo
acartonados, aparición de los donantes en el
primer plano; aunque la composición geométrica,
triangular, es de origen italiano.