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PINTURA BARROCA (Comentarios

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CLASICISMO 13-14

CARRACCI:
Venus, Adonis y Cupido
Autor:Annibale Carracci
Fecha:1595 h.
Museo:Museo del Prado
Características:212 x 268 cm.
Material:Oleo sobre lienzo
Estilo:

Las figuras se presentan en primer plano,
mostrándose al fondo un paisaje que
sintoniza con las obras de Tiziano. La diosa de la belleza aparece en diagonal, centrando
la composición, dirigiendo su mirada al bello Adonis que sostiene en sus manos el arco
y aparece acompañado de su perro de caza. En la zona de la izquierda de la escena se
halla Cupido, dirigiendo su mirada hacia el espectador y señalando a Venus,
involucrándonos así en la escena. La diosa no se muestra interesada en evitar que su
amado parta hacia la cacería donde encontrará la muerte ya que, sin que se sepa a
ciencia cierta, la cólera de Artemis lanzó contra él un jabalí que le hirió mortalmente. La
composición se llena de un idealismo en perfecta combinación con la naturaleza,
poniéndose de manifiesto el papel de innovador que desarrolla Carracci durante el
Barroco.
2-NATURALISMO
-- CARAVAGGIO

Vocación de San Mateo
Autor:Caravaggio
Fecha:1599-1600
Museo:Iglesia de San Luis de los Franceses
de Roma
Características:322 x 340 cm.
Material:Oleo sobre lienzo
Estilo:Barroco Italiano
Este encargo constituyó el primer trabajo de
envergadura que Caravaggio realizó, y no
para un coleccionista privado sino para una
iglesia de acceso público, donde toda Roma podría contemplar su obra. Debía realizar
una escena mucho más compleja en cuanto a significados, escenario, número de
personajes y momentos de la acción. Por eso, frente a los lienzos que había venido
realizando con una o dos figuras, la Vocación de San Mateo presenta siete, que han de
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organizarse coherentemente y en profundidad en un espacio arquitectónico perdido en
la oscuridad. Sin embargo, Caravaggio no renunció en absoluto a sus recursos plásticos,
y de nuevo la luz es la que da estructura y fija la composición del lienzo. Así, tras la
figura de Cristo que acaba de penetrar en la taberna brilla un potente foco de luz. La luz
ha entrado en las tinieblas con Cristo y rasga el espacio diagonalmente para ir a buscar a
la sorprendida figura de Mateo, que se echa para atrás y se señala a sí mismo dudando
que sea a él a quien busca. El rayo de luz reproduce el gesto de Cristo, alargando de
manera magistral su alcance y simbolismo. Un compañero de Mateo, vestido como un
caballero fanfarrón de la Roma que conocía tan bien Caravaggio, se obstina en no ver la
llamada y cuenta con afán las monedas que acaban de recaudar.

Conversión de San Pablo
Autor:Caravaggio
Fecha:1600-01
Museo:Iglesia de Santa María del Popolo de Roma
Características:230 x 175 cm.
Material:Oleo sobre lienzo
Estilo:Barroco Italiano
Caravaggio
emplea
el
mismo
lenguaje
aparentemente vulgar de la Crucifixión de San
Pedro para dar cuenta de uno de los más poéticos
milagros que nos cuenta el propio San Pablo. El
joven aún llamado Saulo era un soldado arrogante
perseguidor de los cristianos. Un mediodía, de camino a otra ciudad, fue derribado del
caballo por una poderosa luz, al tiempo que la voz de Dios le preguntaba "Saulo, ¿por
qué me persigues?". Saulo quedó ciego varios días y milagrosamente recuperó la vista
con los cuidados de la comunidad cristiana. Se convirtió y adoptó el nombre de Pablo.
Caravaggio nos cuenta esta historia de una manera completamente diferente, bajo la
apariencia de lo trivial hasta el punto de ser tremendamente criticado: en primer lugar, la
escena parece tener lugar en un establo, dadas las asfixiantes dimensiones del marco. El
caballo es un percherón robusto y zafio, inadecuado para el joven soldado que se supone
era Saulo. Y para rematar las paradojas, el ambiente es nocturno y no el del mediodía
descrito en los escritos de San Pablo. Estos recursos, que vulgarizan la apariencia de la
escena, son empleados con frecuencia por Caravaggio para revelar la presencia divina
en lo cotidiano, e incluso en lo banal. Existen detalles que nos indican la trascendencia
divina de lo que contemplamos, pese a los elementos groseros. Estos signos de
divinidad son varios: una ausencia que da a entender otro tipo de presencia, que sería
la que ha derribado al joven. Por otro lado tenemos la luz irreal y masiva que ilumina de
lleno a Saulo, pero no al criado. La mole inmensa del caballo parece venirse encima del
caído, que implora con los brazos abiertos. Los ojos del muchacho están cerrados, pero
su rostro no expresa temor sino que parece estar absorto en el éxtasis. Siguiendo estas
claves, Caravaggio nos desvela magistralmente la presencia de la divinidad en una
escena que podría ser completamente cotidiana. Siendo, como es, pareja del cuadro con

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la Crucifixión de San Pedro, las dimensiones elegidas son iguales para ambos, así como
el tono de la composición, con idénticos sentido claustrofóbico y gama de colores.
En el cuadro, la luz baña a la cruz y al santo, ambos símbolo de la fundación y de la
construcción de la iglesia, a través del martirio de su fundador.
Crucifixión de San Pedro
Autor:Caravaggio
Fecha:1600-01
Museo:Iglesia de Santa María del Popolo de
Roma
Características:230 x 175 cm.
Material:Oleo sobre lienzo
Estilo:Barroco Italiano
Caravaggio ha conseguido reducir en esta
pintura todos los elementos a los mínimos
imprescindibles: sólo cuatro personajes, la luz
está reducida a un único foco lateral, no hay
espacio, ni paisaje, ni otros espectadores
excepto nosotros mismos. San Pedro fue
martirizado mediante la crucifixión, pero el
apóstol solicitó a sus verdugos que no le dieran
martirio de la misma manera que a Cristo,
puesto que no creía merecer ese honor. Todas son figuras despersonalizadas, cuyo rostro
ni siquiera podemos ver. Con gran crudeza, Caravaggio pinta los sucios pies descalzos
de uno de ellos. San Pedro, sereno, anciano, mira hacia algún objeto situado fuera del
marco del lienzo y que no es otro que un crucifijo ubicado en el altar que adorna el
propio cuadro.
La muerte de la Virgen libro

Cena en Emaús
Autor:Caravaggio
Fecha:1600-01
Museo:National Gallery de Londres
Características:141 x 196 cm.
Material:Oleo sobre lienzo
Estilo:Barroco Italiano
La escena de este óleo narra los
primeros pasos de Cristo resucitado.
Habiendo encontrado éste a dos de sus discípulos en el camino a Emaús, los hombres no
reconocen a su maestro hasta el momento de la cena en una posada, pues al bendecir
Jesús el pan y el vino reconocen el gesto de la Eucaristía y a su Señor. Caravaggio ha
utilizado una composición muy frecuente en la pintura veneciana, en especial de
Tiziano, con Cristo en el centro, acompañado de un sirviente. Sin embargo, ha llenado la
escena de sutiles indicativos de la divinidad y el misterio desvelado de la resurrección,

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no se ha descubierto la cabeza como haría si reconociera al Mesías. el vino y la jarra de agua. Cada fruta del cesto es una alusión simbólica: la manzana al pecado original. Pedro extiende sus brazos en el mismo gesto de un crucificado. Los gestos y las posiciones de los personajes también nos indican el verdadero significado de la escena: Cristo bendice el pan con el mismo gesto del Dios Creador del Juicio Final de Miguel Angel. este retrato de gitana. centrando la atención en el gesto y la mirada de la joven prostituta. sonriente. pero a partir del siglo XVII comienza el interés de los pintores por los personajes de la vida cotidiana. lejos de juicios morales y mucho más próxima a un planteamiento completamente amoral para su época. Banquete de oficiales de la milicia de San Jorge en Haarlem Autor:Frans Hals Fecha:1627 h. quien parece iluminado por una luz interna. 3. por lo que el criado. próxima.REALISMO -FRANS HALS La mujer gitana Autor:Frans Hals Fecha:1628-30 Museo:Museo Nacional del Louvre Características:58 x 52 cm.que algunos coetáneos de Caravaggio criticaron por ser inapropiados. Hals ha realizado una obra naturalista y sensual. Por otro lado. Las pinceladas son rápidas y certeras. no ha embellecido la sustancia básica sino que se complace en la propia figura. que de reojo parece invitar al espectador a disfrutar de sus encantos. Sólo los discípulos pueden reconocer el gesto de Cristo. Material:Oleo sobre tabla Estilo: Frente a lo que podría ser un cuadro de género sórdido o de intenciones moralistas. etc. pobres o marginados que con frecuencia les acompañan en su trabajo. el resto de los manjares resume los elementos de la Eucaristía: el pan. Hals. la granada a la pasión. Una vez más. algunos de ellos a la vista como el pronunciado escote resaltado por la potente iluminación empleada. cuyo explícito gesto nos dice que es una prostituta. Museo:Frans Hals Museum 4 . el maestro Hals ha sabido interpretar la personalidad de sus modelos. ignorante de lo que está presenciando. inmediata en el tratamiento pictórico Los retratos de género eran poco frecuentes hasta el Barroco. Un último detalle que revela la divinidad de Cristo oculta a los ojos humanos es la sombra que el criado proyecta sobre el fondo pero no sobre Jesús.

. . En los retratos de grupo pintados por Hals todos los miembros tienen igual importancia ya que cada uno de los modelos había pagado su parte. Las figuras utilizan la mesa como centro de reunión. atención. destacando el realismo de las figuras a través de sus expresiones: sorpresa. abundando los negros que contrastan con blancos. pero además hay que destacar la austeridad cromática de los trajes de aquella época.5 cm. Las miradas de cada una de las figuras hablan por sí solas y hacen que el espectador se sienta protagonista también de la escena y se integre en la lección. ya que en los retratos de grupo anteriores. Vemos al doctor Tulp con su sombrero mostrando a sus alumnos la disección de un brazo. Material:Oleo sobre lienzo Estilo:Barroco Centroeuropeo Las milicias cívicas eran agrupaciones de carácter parecido al policial. Rasgos individualizados. entusiasmo. Las tonalidades son bastante limitadas.. Las diagonales que forman las banderas serán las líneas de organización del conjunto. El colorido oscuro también es característico de la técnica tenebrista.REMBRANDT Fecha:1632 La lección de anatomía del doctor Nicolaes Tulp Autor:Rembrandt Museo:Mauritshuis Características:169´5 x 216 cm. según indicaba la teoría tenebrista que trabajaba por estas fechas. se pintaba a las personas en fila. detrás de él se sitúan siete alumnos del doctor que escuchan atentamente la lección. cerrando Hals el escenario con un cortinaje en la izquierda y una pared con una puerta en la derecha. Las figuras apiñadas en torno al cadáver suponen una novedad. estableciendo una composición habitual en el Barroco. los tendones y los músculos. al colocarlas así. costumbre habitual en aquellas fechas para demostrar la sabiduría de Dios al crear al hombre.Características:179 x 257. en el que aparece representada una lección pública de anatomía. Los personajes que aparecen representados están identificados. dotando a cada uno de ellos de expresividad y alegría. animada por los cuellos y puños blancos. El cuerpo del muerto en el que se realizan las prácticas es el de un conocido criminal ajusticiado. El pintor está interesado en los contrastes lumínicos que ilumina unas zonas y deja en profunda sombra el resto del espacio. Rembrandt ofrece una mayor sensación de realismo. ubicando los personajes en diferentes planos paralelos al espectador. 5 . Material:Oleo sobre lienzo Estilo: Excelente retrato de grupo encargado en 1632 por el doctor Nicolaes Tulp. mostrando una actitud naturalista. propias de cada ciudad. rojos y dorados.

coloca una figura vestida a la moda oriental. el vestido. El sombrero. remarcado por una luz dorada que produce fuertes contrastes lumínicos de clara influencia tenebrista tomada de Caravaggio. Este retrato representa a la joven con 21 años con un gesto sonriente muy cercano al artista. La pincelada en esta composición es algo más suelta . como ocurre en este cuadro. de una serie sobre la Pasión de Cristo pintada por Rembrandt. Se suele especular que la figura vestida de azul que participa en el descendimiento. se va a convertir en una de las principales modelos que utilice el artista. como el de Cristo. junto con La erección de la Cruz. Como buen pintor barroco. También se preocupa por organizar la composición a base de diagonales. 6 . gracias a su matrimonio. El rostro sonriente es el protagonista. Material:Oleo sobre tabla Estilo: Saskia. Rembrandt se preocupa por el movimiento interesándose por los escorzos que algunas veces son casi excesivos. las joyas y los guantes con los que se adorna demuestran su elevada posición económica y social. Ambas características parecen inspiradas en la fuerte personalidad de otro maestro barroco. Rubens.El descendimiento de la cruz Autor:Rembrandt Fecha:1633 Museo:Alte Pinakothek (Munich) Características:89´5 x 65 cm. El resto de la composición queda en penumbra aunque se pueden apreciar las siluetas y algunas figuras entre las sombras. La luz es utilizada por Rembrandt para destacar la escena principal: la figura de Cristo y el sudario blanco que varios personajes sujetan para bajar al Redentor.Para hacer referencia a que el suceso se desarrolla en Oriente. esposa de Rembrandt desde 1634. Rembrandt consiguió aumentar su fortuna y posición social. Saskia sonriente Autor:Rembrandt Fecha:1633 Museo:Gemäldegalerie de Dresde Características:52´5 x 44 cm. algo muy habitual en aquellos tiempos aunque no tomando parte activa en la escena. Era la sobrina de su socio y marchante Hendrick y. Esta iluminación está claramente inspirada en Caravaggio y en el naturalismo tenebrista. sería el autorretrato de Rembrandt. Material:Oleo sobre lienzo Estilo: El descendimiento de la cruz formaba parte.

destacando su excelente anatomía en tensión y la mirada elevada al cielo. por ello. como un noble y preferentemente como pintor. su oficio.La erección de la cruz. Se pintó como un burgués. Al estar izándose. marcándose la tensión y el dinamismo también característicos del Barroco. con el que conseguía mantener a su 7 . Material:Oleo sobre lienzo Estilo: La figura de Cristo en la cruz es iluminada por una potentísima luz que deja en penumbra el resto de la imagen. Autorretrato con caballete Autor:Rembrandt Fecha:1660 Museo:Museo Nacional del Louvre Características:111 x 90 cm. Autor:Rembrandt Fecha:1633 h. típica composición barroca. A los pies de Cristo observamos una figura de espaldas que tira de la cruz con todas sus fuerzas. Museo:Alte Pinakothek (Munich) Características:95´7 x 72´2 cm. la cruz forma una diagonal. La obra recuerda otra Erección de la Cruz pintada por Rubens en 1610-1611. disponemos de un gran número de autorretratos que nos sirven para ver el estado de ánimo del artista y su proceso de envejecimiento. mientras que detrás de la cruz hay varias figuras que empujan. Material:Oleo sobre lienzo Estilo: Rembrandt disfrutaba mucho retratándose a sí mismo a través de un espejo y. característica del tenebrismo. siendo en ambas escenas la figura de Cristo la auténtica protagonista. que dirige la mirada al espectador y viste ropajes orientales. Tras el grupo aparece montado a caballo el capataz.

San Pablo aparece como un hombre mayor con barba corta y gris. Tras estas dos figuras aparecen los integrantes de la Compañía. a su hijo Titus y a su compañera Hendrickje Stoffles . su atributo. ya que murió decapitado en Roma durante el 64 d. Quizá este San Pablo formaba parte de una serie. de hecho. sino como La Milicia del capitán Frans Cocq. La ronda de noche Autor:Rembrandt Fecha:1642 Museo:Rijksmuseum Características:363 x 437 cm. Parece como si una luz sobrenatural iluminara la figura desde la zona superior izquierda hacia la zona inferior derecha. en una clara diagonal que divide en dos la superficie del lienzo. utilizaba también su efigie como modelo de obras de encargo.familia. Los 8 . mirándonos atentamente con ojos muy despiertos. que casi no cubre el lienzo. son características exclusivas del Rembrandt maduro. La escena se desarrolla al aire libre. Así que Rembrandt. en una sensación de movimiento y de vida muy difícil de superar.c. igual que hacía él antes de convertirse al cristianismo ya que era un temido perseguidor de cristianos. que pagaron una media de cien florines al pintor por el privilegio de mostrar sus cabezas entre las tropas integrantes de la Milicia que protege el bienestar y la libertad de los ciudadanos holandeses. Autorretrato como San Pablo Autor:Rembrandt Fecha:1661 Museo:Rijksmuseum Características:91 x 77 cm. con sus útiles de trabajo en la mano y el caballete. Material:Oleo sobre lienzo Estilo: En ella aparece la milicia del capitán Frans Banning Cocq en el momento en el que éste da una orden a su alférez. La representación de retratos de grupo en los que aparecen milicias era habitual en Amsterdam captando a la perfección los rostros y las actitudes de todos los personajes.. gran amante de hacerse autorretratos. pero no de noche como reza el título sino que se oscureció con el paso del tiempo y por eso tiene en la actualidad ese aspecto nocturno. indicado por el gesto de la mano y la boca abierta. Material:Oleo sobre lienzo Estilo: La mayor parte de los artistas utilizan a personas de su entorno como modelo de sus cuadros. Entre los pliegues del manto aparece la empuñadura de una espada. hasta el siglo XIX no se la conoció como La Ronda de Noche. El estilo de Rembrandt es cada vez más personal aunque persistan ecos de Tiziano y Tintoretto. pero la luz dorada que deja el resto de la composición en sombra y la pincelada suelta utilizada. por lo que era muy apreciada. Quizá por esto aparezca en este autorretrato con una expresión de tristeza y resignación.

encontramos un pequeño grupo -en el que destaca la Lechera. Museo:Mauritshuis Características:98. y esta pintura es 9 . La escena se desarrolla en una sobria estancia con paredes grisáceas en la que destacan los clavos. lo que para algunos expertos se interpreta como una alusión a la eucaristía. Material:Oleo sobre lienzo Estilo:Barroco Centroeuropeo En la Holanda del siglo XVII existirá una amplia demanda de paisajes ya que el grupo social dominante. La Lechera no sólo destaca por su intimista belleza. Vermeer se atiene con fidelidad a la representación de la villa . de las más poderosas y magistrales que puedan imaginarse. Material:Oleo sobre lienzo Estilo:Barroco Centroeuropeo Buena parte de las composiciones de Vermeer presentan a la mujer como vehículo para criticar los vicios de la sociedad holandesa de su tiempo. la tonalidad del aire y del agua. al igual que la mayoría de los pintores de género del Barroco. Museo:Rijksmuseum Características:45. Sin embargo. La manera es audaz.. sino que además ensalza la labor de la criada. El pintor está en estos momentos muy interesado en destacar los detalles. la burguesía. Pero las figuras que vemos en segundo plano están más difuminadas y dan la impresión de que existe aire y polvo entre las figuras. Sobre la mesa. especialmente el amarillo y el azul. mostrando a la mujer como ejemplo de virtudes y como modelo a imitar.4 x 41 cm. . La potente iluminación inunda la estancia y resalta las brillantes tonalidades. existiendo una amplia escuela dedicada a esta temática. mientras que la leche sería el símbolo de la pureza.VERMEER La lechera Autor:Vermeer de Delft Fecha:1658-60 h. Esta iluminación debe su origen a los maestros italianos del Renacimiento. Vista de Delft Autor:Vermeer de Delft Fecha:1660-61 h. los agujeros o las grietas de una morada humilde. encontramos un cesto con pan y algunos panecillos fuera de él. solicitaría este tipo de temáticas para adornar las paredes de sus casas. Delante de la villa varios navíos y embarcaciones. Este tipo de trabajos alcanzaba un elevado precio en el mercado.5 cm. la calidad de las construcciones y de los personajes forman un conjunto perfecto.donde se presenta el modelo en "positivo".. todo está agradablemente iluminado por el sol.juegos de luz y sombra recuerdan la influencia del tenebrismo de Caravaggio.5 x 117.

una de las obras más famosas del pintor de Delft. recogiendo el brillante reflejo de la luz que ilumina su rostro. La atractiva y cautivadora joven viste una chaqueta de tonalidades pardas y amarillentas en la que sobresale el cuello blanco de la camisa. La ubicación de la modelo en un primer plano refuerza esta hipótesis. girando la cabeza en tres cuartos para dirigir su intensa mirada hacia el espectador. aunque la sensación de tranquilidad se convierta en una de las características de la escena. Rembrandt o Rubens.absolutamente única en su género. Los edificios oscurecidos de primer plano muestran una amplia gama de puntos de color. La gran perla que le ha dado nombre adorna su oreja. dotando así de mayor realismo a la composición. se convierte en la protagonista de la composición. sobresaliendo la torre de la iglesia. Material:Oleo sobre tabla Estilo:Barroco Centroeuropeo En la producción de Vermeer existen cuatro obras en las que apenas existen alusiones narrativas. La escena está tomada desde un lugar elevado. a diferencia de los demás maestros barrocos contemporáneos. recordando a Caravaggio al interesarse por los potentes contrastes.. aunque por desgracia desconocemos los nombres de las modelos. Museo:Mauritshuis Características:25. como si deseara hablar. En las dos zonas encontramos una división lumínica al quedar en sombra el primer plano e iluminado el fondo. cubriendo su cabeza con un turbante azul del que cae un paño de intenso color amarillo.7 x 19 cm. La bella muchacha recorta su busto de perfil ante un oscuro fondo neutro. Tintoretto. recordando obras de Tiziano. En este grupo sobresale el lienzo que aquí contemplamos. haciendo de la luz el marco en el que destacan los motivos. creando un contraste cromático de gran belleza. lo que indica que podría tratarse de retratos. Joven con perla Autor:Vermeer de Delft Fecha:1665-66 h. Luces y sombras se incluyen en el agua y en los edificios. lo que permite vibrar a la materia pictórica. Su boca se abre ligeramente. 4-BARROCO RUBENS 10 . De esta manera. utilizando la característica técnica "pointillé" con la que reparte los chispeantes puntos de luz por toda la superficie del lienzo. como viene siendo habitual en la obra del maestro de Delft. luz que. las diferencias lumínicas se captan de manera espectacular.

Hasta el propio artista no quiso perderse el acontecimiento y se autorretrató en la zona derecha. 11 . mostrándonos el alma del personaje. especialmente de la Escuela veneciana. sobre un caballo. A pesar de estar la escena llena de figuras. Sin embargo. en la zona añadida en 1628 existe un evidente homenaje a Miguel Ángel en las figuras de los porteadores y de los jinetes sobre sus caballos. Fue ampliada en sus partes derecha y superior por Rubens durante su estancia en Madrid . Material:Oleo sobre lienzo Estilo: Está de frente. la zona de la izquierda que recoge la Adoración.Duque de Lerma Autor:Peter Paul Rubens Fecha:1603 Museo:Museo del Prado Características:283 x 200 cm. Esta influencia veneciana es la que apreciamos en la parte inicial de la Adoración. La riqueza de las telas. de espaldas. en la izquierda. donde las figuras eran representadas de perfil. que no provoca que una zona se recargue más que otra. Rubens ha sabido obtener el efecto de profundidad al colocar los personajes en diferentes planos. la variedad del color y la cantidad de figuras existentes sorprende al espectador. El Niño es el foco del que parte la luz. apartándose del tradicional retrato ecuestre que había establecido Tiziano en el de Carlos V en Mühlberg. siendo pintada por Rubens en dos partes claramente diferenciadas. en un equilibrio de masas perfecto. por lo que se especula sobre un contacto entre Rubens y El Greco Adoración de los Magos Autor:Peter Paul Rubens Fecha:1609/28 Museo:Museo del Prado Características:346 x 488 cm. Material:Oleo sobre lienzo Estilo: La Adoración de los Magos es una de las mayores obras que guarda el Museo del Prado.Rubens fue un gran admirador del Renacimiento italiano. Concretamente aquí nos exhibe la altanería y el orgullo del valido. dando la impresión de arrollar al espectador al ser visto desde un ángulo bajo aprendido del Manierismo. que contrasta con la serenidad de la zona inicial. La situación frontal marca el escorzo de caballo y caballero. Aun siendo uno de los primeros retratos del maestro se pone ya de manifiesto su capacidad para penetrar en la personalidad de los modelos. donde buscó su fuente de inspiración. iluminando los rostros de los Reyes Magos y sus correspondientes pajes. En esta zona todo es escorzo y movimiento. Considerará a Tiziano como su "padre espiritual" pero también admirará las obras de Tintoretto y Veronés. permitiendo ver al fondo una escena de batalla ya que sitúa el horizonte muy bajo. es decir. El lienzo original.

encargó la obra. Rubens crea una obra difícilmente superable. Material:Oleo sobre tabla Estilo:Barroco Centroeuropeo El éxito obtenido con La erección de la Cruz permitió a Rubens recibir un nuevo encargo.. Material:Oleo sobre tabla Estilo:Barroco Centroeuropeo Un rico e influyente comerciante. En la actualidad. la tensión y el dramatismo están contenidos de manera espectacular. La composición se organiza con una acentuada diagonal típica del Barroco. La potente anatomía de los sayones y sus escorzadas posturas están inspiradas en la estatuaria clásica y en Miguel Angel.. ocupando el espacio central el episodio principal. estableciendo una estrecha relación con el pintor. El Descendimiento tiene bastantes vínculos con La 12 . el retablo se puede contemplar junto al Descendimiento de la cruz en el transepto de la catedral de Amberes. el pintor flamenco resolvió acertadamente el envite al trasladar estos temas a las alas exteriores para realizar una composición unitaria en las tres tablas. Para el claroscuro debemos buscar la inspiración en Caravaggio. en la que la violencia. A pesar de que el encargo debía presentar la estructura de un tríptico en el que se incluyeran imágenes de santos y episodios de sus vidas.La erección de la Cruz Autor:Peter Paul Rubens Fecha:1610-11 Museo:Catedral de Amberes Características:462 x 300 cm. Descendimiento de la Cruz Autor:Peter Paul Rubens Fecha:1611-14 Museo:Catedral de Amberes Características:420 x 310 cm.

incluyendo entre los miembros de la corte a dos soldados romanos. Material:Oleo sobre tabla Estilo: Las Tres Gracias es la obra más famosa de Rubens. La Virgen con el Niño se desplaza hacia la derecha. Las amplias y volumétricas figuras recuerdan tanto a la estatuaria clásica como a Miguel Angel. Adoración de los Reyes Magos Autor:Peter Paul Rubens Fecha:1624 Museo:Koninklijk Museum Amberes Características:448 x 346 cm. Melchor se arrodilla ante la Sagrada Familia y Baltasar se ubica en el primer plano. en esta tabla encontramos una menor profundidad espacial. en cuyos rostros creen algunos reconocer 13 . Material:Oleo sobre tabla Estilo:Barroco Centroeuropeo Uno de los temas más habituales en la producción de Rubens es la Adoración de los magos. empleando el típico de sus pinturas. elegantes. obteniendo el efecto de invitar al espectador a integrarse a la escena. la simpatía y la delicadeza. Diversos pajes rodean a los Reyes Magos. concretamente empleará la imagen del Laoconte para Cristo. con mujeres entradas en carnes pero proporcionadas.. otorgando mayor viveza a la composición sin renunciar a la monumentalidad. Fue adquirida por Felipe IV entre los bienes del pintor. Son las representaciones de la afabilidad. especialmente el claroscuro que sirve para destacar la figura del Cristo muerto -inspirándose en Caravaggio. Las flores de la guirnalda superior y el fondo de paisaje acentúan la belleza del conjunto. ocupando el centro de la composición el rey Gaspar. Ha cambiado el canon de belleza. Talía y Anglae y eran hijas de Zeus y Eurymone. cubierto con una elegante capa roja. Sin embargo.elevación.Las tonalidades brillantes y el empleo de una iluminación vaporosa son elementos que indican la influencia de la escuela veneciana en la pintura del maestro. El fuerte foco de luz que utiliza el maestro resalta el colorido perlado de las muchachas.. Siempre aparecen desnudas ya que la belleza no necesita cubrirse. Las Tres Gracias se llamaban Eufrosine. La sensación de movimiento y gracia que irradian las tres jóvenes es excelente. Tres Gracias Autor:Peter Paul Rubens Fecha:1625/30 Museo:Museo del Prado Características:221 x 181 cm.

acusando los escorzos y el movimiento. El gesto de sorpresa y temor del joven está captado a la perfección. especialmente en la española con la que estuvo muy relacionado. tanto de Ganímedes como del águila. Material:Oleo sobre lienzo Estilo: La violencia del rapto del joven príncipe por Zeus. mientras el bosque queda en semipenumbra. Museo:Museo del Prado Características:136 x 165 cm. Luces y colores definen el estilo del maestro flamenco. protagonizan la escena. Ninfas y sátiros Autor:Peter Paul Rubens Fecha:1630 h.Los escorzos. Sátiros atacando a las Ninfas Autor:Peter Paul Rubens Fecha:1636/40 Museo:Museo del Prado Características:128 x 134 cm. que influye en todas las Escuelas europeas.las facciones de las dos esposas del pintor -Isabella Brant y Hélène Fourment. Material:Oleo sobre lienzo Estilo: En algunas de sus escenas. así como los movimientos . Rapto de Ganímedes Autor:Peter Paul Rubens Fecha:1636/37 Museo:Museo del Prado Características:181 x 87 cm. La luz ilumina y realza aun más el blanco de sus pieles. Las féminas nos muestran diferentes posturas. Material:Oleo sobre lienzo Estilo: 14 . Rubens da más importancia al paisaje que a las propias figuras como ocurre en Atalanta y Meleagro o en estas Ninfas y sátiros. dentro del típico estilo que caracteriza toda la obra de Rubens. El detallismo que tanto gusta al maestro lo podemos apreciar en el agua que cae del cántaro. convertido en águila. ha sido el momento elegido por Rubens para realizar esta escena. Las ninfas reposan a la sombra de una frondosa arboleda jugando con los sátiros que poblaban los bosques mitológicos. uno de los mejores representantes del Barroco.mientras otros opinan que se trata de diferentes variaciones de ésta última.

. con ese color perlado tan característico. Museo:Museo Nacional del Louvre Características:266 x 207 cm. La escena está bañada por una iluminación dorada que resalta las tonalidades de los trajes. y las ninfas.Como no puede ser de otra manera. hasta el punto de hablarse de belleza rubeniana: mujeres gruesas. Rubens. Material:Oleo sobre lienzo Estilo:Barroco Centroeuropeo Partiendo de su maestro. mirando al espectador.VAN DYCK Carlos I de caza Autor:Anton Van Dyck Fecha:1635 h. Material:Oleo sobre lienzo Estilo: 15 . Es éste un buen ejemplo del canon femenino que tan famoso ha hecho al pintor. Rubens tiene que imprimir una buena dosis de violencia a sus composiciones. Tras él podemos apreciar su caballo y a los mozos que cuidan de la montura y de los utensilios de caza. Precisamente esas diagonales organizan la composición de la manera más barroca posible. ha elegido el momento de uno de los múltiples ataques de los sátiros a un grupo de ninfas encabezado por Diana. muy blancas. siguiendo la Venus púdica clásica. Resulta sorprendente el contraste entre los sátiros. incorpora influencias de Tiziano. las diagonales y el movimiento. PINTURA BARROCA ESPAÑOLA 13-14 ESCUELA BARROCA VALENCIANA - FRANCISCO RIBALTA Cristo abrazado a San Bernardo Autor:Francisco Ribalta Fecha:1625-27 Museo:Museo del Prado Características:158 x 113 cm. con los faunos avanzando desde el fondo a los primeros planos. Así. vestido con su indumentaria de caza. Algunas de las ninfas huyen ante el acoso y otras luchan impotentes. en sintonía con la obra de Tiziano. con unos tonos de piel muy tostada por el sol. con el cuerpo de perfil y la cabeza dirigiéndose al frente. mientras una de ellas ha cogido una lanza para defenderse. preferentemente rubias. que se suelen cubrir con gasas transparentes. los escorzos. El soberano aparece ante un fondo de paisaje. Los animales de primer plano sugieren que las ninfas acaban de llegar de una cacería. rollizas. Los momentos de tensión los sabe representar el maestro como nadie.

en el mejor estilo de Caravaggio. el gesto tierno de Cristo. Ribalta. ayudó a que los bodegones españoles se hayan llamado por lo general "bodegones de cuaresma". Destacan los seis pajaritos. pues parecen más consolar el ayuno que excitar el apetito.JOSÉ RIBERA ( EL ESPAÑOLETO ) San Andrés Apóstol Autor:Españoleto (El) Fecha:1635 Museo:Museo del Prado Características: Material:Oleo sobre lienzo Estilo:Barroco Español Trabajó en el estilo del Naturalismo tenebrista. de color artificial. El cuadro muestra. Sus características las podemos encontrar en este San Andrés: un marco muy ajustado a la efigie del personaje. lejos de cualquier referencia terrenal. amarillea las pieles y aplana los cuerpos. El punto de atención lo destaca un potente foco de luz. La luz. como procedente de velas. que es 16 . para asarlos.El Barroco español recibió la impronta del Naturalismo tenebrista muy tempranamente.INFLUENCIA NAPOLITANA . diluida en pardos negruzcos que impiden apreciar las dimensiones o el mobiliario de la celda del monje. La distribución de los colores es prodigiosa. se desclava de la cruz para abrazar y consolar al santo varón. las siete manzanas que penden de delgados hilos en apretado corro. La estancia es muy oscura. que incide directamente sobre el cuerpo desnudo de Cristo y el rostro arrobado del santo.SÁNCHEZ COTÁN Bodegón del Cardo Autor:Juan Sánchez Cotán Fecha:1602 Museo:Museo del Prado Características:68 x 89 cm. algo lateral y cenital. que es el momento en que una efigie de Cristo. equilibrada y la imagen en general proporciona una extraña sensación de silencio y quietud. Material:Oleo sobre lienzo Estilo: Su economía de medios. un milagro de la vida de San Bernardo. Se ha atribuido multitud de significados simbólicos a cada uno de los elementos que aparecen. Esto sugiere una anulación del espacio que favorece la manifestación milagrosa de la divinidad. a la cual el santo rezaba desconsolado. ESCUELA TOLEDANA . su sobriedad al elegir la calidad humilde de las piezas. Este destello conduce la mirada al centro de la acción del cuadro. los tres luminosos limones de la esquina . que aparecen casi sin volumen y recortados con nitidez contra el fondo oscuro.

casi de tamaño natural. el cuchillo con el que fue desollado. Material:Oleo sobre lienzo Estilo: Ribera representa de manera perfecta el episodio del Génesis en el que Jacob. 17 . dando muestras del estilo barroco de la pintura del valenciano. un potente foco de luz artificial lateral que destaca sólo algunas partes de la composición y deja el resto en completa oscuridad. El escorzo de la figura y las diagonales que organizan la composición demuestran el acentuado barroquismo del pintor. La temática religiosa fue muy habitual en él. las figuras reciben la luz del sol. Su rostro. pero además trabajó temas mitológicos. muy realista. que en el caso de las mujeres de la zona izquierda desdibuja los contornos.. San Felipe fue crucificado cuando predicaba siendo sus manos amarradas al travesaño de la cruz. como más tarde harán los impresionistas. El maestro ha situado al patriarca. debe corresponder al de alguna persona cercana al maestro. Material:Oleo sobre lienzo Estilo: Durante mucho tiempo ha sido catalogado como el Martirio de San Bartolomé. un fondo muy oscuro que impide averiguar en qué espacio se encuentra el santo. De hecho. que se convierte en su atributo habitual. La composición está dominada por diagonales y violentos escorzos. casi no puede observarse la escalera celestial. de la manera más realista posible. lleno de arrugas del apóstol. Tampoco están exentas de belleza y realismo las figuras de los sayones. marca su caja torácica al elevar los brazos y poner una suave resistencia al martirio. Sueño de Jacob Autor:Españoleto (El) Fecha:1639 Museo:Museo del Prado Características:179 x 233 cm. sin apenas producir contrastes de luz y sombra. camino de Jarán. sumido en un profundo sueño. dando sensación de atmósfera.. un acusado realismo a la hora de captar el rostro y el cuerpo ajado. que enviaba desde Italia. a pesar de no aparecer el atributo del santo. La figura del santo ha sido realizada con todo lujo de detalles. La influencia de la Escuela veneciana y del idealismo de los Carracci produce estos nuevos conceptos lumínicos. Ribera fue un auténtico maestro en este estilo y contribuyó a difundirlo en España a través de sus cuadros. La escena se desarrolla al aire libre. Aquí radicaría la originalidad de la escena. insinuada por la luz fuerte y clara que ilumina el rostro de Jacob. lo cual no era frecuente en España. Pero ahora abandona claramente su tenebrismo inicial para darnos una visión muy luminosa. Martirio de San Felipe Autor:Españoleto (El) Fecha:1639 Museo:Museo del Prado Características:234 x 234 cm. vio en su sueño una escalera celestial por la que subían y bajaban ángeles.

por lo que se ha sugerido que podría representar las tres edades del hombre. El pasado de prostitución de la Magdalena se muestra en el hombro al descubierto y en el bote de los afeites con el que también ungió los pies a Cristo. la copa de cristal.ENTRE EL NATURALISMO Y EL CLASICISMO . como demuestra en la mancha de agua que aparece en el cántaro de primer plano. Como en todas las imágenes de penitentes. y al fondo un hombre bebiendo en un jarro. en la que vemos un higo para dar sabor al agua. interesándose el pintor por los efectos de luz y sombra. que la tradición popular identifica con su hija Lucía. El colorido que utiliza sigue una gama oscura de colores terrosos. Material:Oleo sobre lienzo Estilo: La imagen de mayor belleza pintada por Ribera es esta Magdalena penitente. Museo:Wellington Museum (Londres) Características:106 x 82 cm. La influencia de Caravaggio en este tipo de obras se hace notar. Velázquez sigue destacando por su vibrante realismo. muchacha muy bella de la que se enamoró el hijo natural de Felipe IV. un aguador y un niño. 18 .VELÁZQUEZ El aguador de Sevilla Autor:Velázquez Fecha:1620 h. . Se apoya sobre dos sillares perfectamente tallados en los que aparece el tarro de los afeites . La composición se inscribe en un triángulo. naciendo una hija de la relación entre ambos. ocres y marrones. Museo:Museo del Prado Características:181 x 195 cm. iluminando un fuerte haz de luz la bella figura.Magdalena Autor:Españoleto (El) Fecha:1645 h. realismo que también se observa en las dos figuras principales que se recortan sobre un fondo neutro. La Magdalena viste un traje azul muy escotado que permite ver su hombro y un precioso manto rojo. Material:Oleo sobre lienzo Estilo: Aparecen dos figuras en primer plano. Don Juan José de Austria. o los golpes del jarro de la izquierda. la escena se desarrolla en una especie de cueva que nos permite ver al fondo un paisaje inspirado en la Escuela veneciana.

Material:Oleo sobre lienzo El asunto tratado por el maestro supone una absoluta novedad. Los Borrachos. tomándolos directamente del natural. En la zona de la derecha contemplamos uno de los mejores bodegones del arte español.. La obra está marcada por su estilo tenebrista. La composición está organizada colocando en el centro a la figura principal que es el Niño Jesús. junto a un muchacho que porta un melón de invierno y una frasca de vino. Material:Oleo sobre lienzo Estilo: 19 . Material:Oleo sobre lienzo Estilo: Realizada a los 20 años. Ambas figuras se recortan sobre un fondo neutro. seguramente Velázquez utiliza a su familia como modelo para pintar esta escena. Vieja friendo huevos Autor:Velázquez Fecha:1618 Museo:National Gallery (Edimburgo) Características:99 x 169 cm. el maestro nos levanta el plano de la mesa y el hornillo de barro. En primer plano vemos a una anciana cocinando unos huevos en un hornillo de barro cocido. formado por varios elementos metálicos. Incluso se piensa que la anciana podría ser el retrato de su suegra. vasijas de cerámica y una cebolla colorada. con fuertes contrastes de luz y sombra y un colorido oscuro. una de las características que le sitúan en la órbita del Naturalismo tenebrista. El Triunfo de Baco Autor:Velázquez Fecha:1628-29 Museo:Museo del Prado Características:165 x 188 cm. como hacía Caravaggio. de tal manera que parece que la escena está sucediendo junto a nosotros. Para que el espectador pueda contemplar con más facilidad estos elementos.Adoración de los Magos Autor:Velázquez Fecha:1619 Museo:Museo del Prado Características:203 x 125 cm.La suciedad del paño con el que se cubre la cabeza la anciana o el corte del pelo del muchacho nos trasladan al mundo popular que contemplaba a menudo Velázquez. ya que hasta ahora nadie se había atrevido a representar en la pintura española escenas tan aparentemente triviales como ésta. Los tonos empleados indican el conocimiento de obras de Caravaggio. empleado para destacar aun más los contrastes entre la luz y la sombra.

del mismo modo que si estuviésemos ante una merienda de amigos en el campo. con la figura de Baco muy iluminada. La luz también ha experimentado un sensible cambio al modelar con ella las formas de los cuerpos que revelan la estructura de los huesos y músculos bajo la piel. quiso representar a Baco como el dios que obsequia al hombre con el vino.Posiblemente sea ésta una de las obras de Velázquez más famosas y reproducidas. por lo que Baco se convierte en uno de los borrachos que participan en la fiesta. al menos de forma temporal. Al escuchar la noticia toda la fragua se queda petrificada: esta sensación la ha conseguido perfectamente el artista. diferenciándose de los demás por su piel más clara. Pero Velázquez no representa una rendición normal sino que Spínola levanta al vencido para evitar una humillación del derrotado. situados en diferentes posturas para demostrar el dominio de las figuras. recurriendo a disponer figuras en diferentes planos. con los borrachines. entregara las llaves de la ciudad al general vencedor. relacionándose a través de líneas en zig-zag. La Rendición de Breda Autor:Velázquez Fecha:1635 Museo:Museo del Prado Características:307 x 367 cm. y la derecha. Velázquez introduce un aspecto profano a un asunto mitológico. así. en aquellos momentos en Madrid. sin duda. ocupando todo el espacio. Material:Oleo sobre lienzo Estilo Tras un año de sitio por parte de las tropas españolas. Venus. en una tendencia que cultivará aún más en los siguientes años. Material:Oleo sobre lienzo Estilo: El tema elegido está inspirado en las Metamorfosis de Ovidio: Apolo se acerca a la fragua de Vulcano para contarle la infidelidad de su esposa. tras el caballo. de sus problemas cotidianos. representadas como hombres 20 . lo que provocó que su gobernador. Las Lanzas. La Fragua de Vulcano Autor:Velázquez Fecha:1630 Museo:Museo del Prado Características:223 x 290 cm. El asunto ha sido tratado como una escena realista y popular. También se advierte el interés mostrado por conseguir el efecto espacial. Se advierte que estamos. la ciudad holandesa de Breda cayó rendida. En esta obra. cercana al estilo italiano inspirado en Caravaggio. por esto el título original ha sido sustituido popularmente por "Los Borrachos". Las tropas españolas aparecen a la derecha. Se ha supuesto que el tema mitológico y el aire divertido de la obra fueron sugeridos por Rubens. con un aire muy español similar a Ribera. como se observa en las anatomías de los ayudantes de Vulcano. ante una nueva fase del arte velazqueño. hombres de la calle que nos invitan a participar en su fiesta. que lo libera. con Marte. La escena puede dividirse en dos mitades: la izquierda. Velázquez se ha puesto en contacto con el arte italiano. el centro de la composición es la llave y los dos generales. Ambrosio de Spínola. Justino de Nassau.

ls de los generales. algo que se explica por la ubicación que iba a tener el cuadro: pensado para ser visto desde abajo. que sería el último hombre de la derecha. a excepción del posible autorretrato de Velázquez. A la izquierda se sitúan los holandeses. Vemos a la figurilla del enano sentado sobre una roca. El Príncipe Baltasar Carlos Autor:Velázquez Fecha:1634-35 Museo:Museo del Prado Características:210 x 175 cm. El niño mira hacia el espectador de manera penetrante. al fondo aparecen las humaredas de la batalla y una vista en perspectiva de la zona de Breda. que parece tomado directamente del natural. Se ha criticado la amplitud del vientre y pecho del caballo. las manos jugando con unas cartas y la cabeza echada hacia un lado. lo que permitía al artista mayor libertad de acción que a la hora de un encargo oficial. Material:Oleo sobre lienzo Estilo El príncipe viste banda y bastón de mando de general. Es también digno de mención el paisaje de la sierra de Guadarrama. Todas las figuras parecen auténticos retratos aunque no se ha podido identificar a ninguno de ellos. Museo:Museo del Prado Características:107 x 83 cm. hombres jóvenes e inexpertos.en un gesto del pintor por mostrarnos su dominio de los volúmenes -. con sus picas ascendentes que consideradas lanzas por error dan título al cuadro. obteniendo una fría luz invernal. Los bufones eran unos personajes de cierta importancia en la corte española del Barroco. Hay quién opina que Velázquez empleaba a los bufones como conejillos de Indias para sus cuadros ya que fuera cual fuese el resultado no podrían protestar.experimentados. Eran funcionarios de la corona y recibían un digno sueldo. Animaban las jornadas de los reyes bien contando chistes. algo no tan fácil para muchos campesinos de la época. Quizá por eso veamos mayor soltura en estas imágenes. que por lo menos les permitía comer. confirmando con ese gesto su anormalidad. La composición se organiza con una diagonal típica del Barroco que sale del interior del cuadro hacia fuera. cuyo grupo cierra el otro caballo. haciendo gracias o interpretando escenas teatrales. Al estar situada la figura al aire libre y vestido de color verde caza se piensa que acompañaría al rey Felipe IV y su hijo Baltasar Carlos. acentuando los símbolos de autoridad con el caballo encabritado. Material:Oleo sobre lienzo Estilo (El bufón Francisco Lezcano). El Niño de Vallecas. 21 . con la pierna derecha extendida hacia el espectador . Francisco Lezcano Autor:Velázquez Fecha:1636 h.

Quizá por despistar. Cristo crucificado Autor:Velázquez Fecha:1632 Museo:Museo del Prado Características:248 x 169 cm. el pintor coloca el rostro del espejo difuminado para así reflejar el cuerpo desnudo de la dama que el marqués amaba. También se dice que la donación vino a través de D. resaltando aun más la carnación gracias al contraste con el paño azul y blanco. o el cortinaje rojo que da gran carga erótica al asunto. según la cual al impacientarse el artista porque no le gustaba como estaba quedando el rostro. el famoso aire velazqueño. Velázquez ha conseguido obtener perfectamente una imagen de la doble naturaleza. Sin duda estamos ante una maravillosa obra con una elegante figura de Cristo. Se cuenta que fue donado por Felipe IV como arrepentimiento al haberse enamorado de una monja que allí profesaba. Protonotario Mayor de Aragón. Material:Oleo sobre lienzo Estilo: Una de las obras más famosas de Velázquez. La cabeza caída y el excelente mechón de cabello que oculta parte del rost ro son los elementos más originales de la pintura. Jerónimo de Villanueva. por un escabroso asunto demoníaco que se había producido en dicho convento. cabe destacar cómo el pintor utiliza una pincelada suelta. que produce la sensación de que entre las figuras circula aire. La obra pertenecía al convento de las Monjas Benedictinas de San Plácido de Madrid. recibiendo una luz clara procedente de la izquierda. Giorgione e incluso Miguel Ángel. Existe una leyenda. seguramente falsa. Material Es la única obra conservada de Velázquez en la que aparece una mujer desnuda. Tiziano. en un ataque de furia tiró los pinceles al lienzo. con el cuerpo y los miembros suavemente modelados. teniendo que tomar la Inquisición cartas en el asunto. divina y humana. Pero el sevillano supera a todos ellos y coloca a una mujer de belleza palpable. de carne y hueso. Existen numerosas referencias en la obra: Rubens. aunque sabemos que pintó alguna más. Vista del jardín de la Villa Médicis en Roma Autor:Velázquez Fecha:1649/50 22 . no sólo por su valor estético sino por las leyendas que le acompañan. En cuanto a la técnica. obteniendo una mancha que dio origen a la melena que cubre el rostro. de Cristo.La Venus del Espejo Autor:Velázquez Fecha:1648 Museo:National Gallery de Londres Características:122 x 177 cm. La tarde. recortándose la figura sobre un fondo neutro.

Al fondo. Velázquez se anticipa en dos siglos a Claude Monet.. interesándose el maestro por dar una impresión de la luz en un momento determinado del día. siendo aquí la luz lo que más atrae nuestra atención. En primer plano vemos cinco mujeres que preparan las lanas para la fabricación de tapices.. en la que Velázquez ha sabido dar sensación de movimiento. excepto una.Museo:Museo del Prado Características:48 x 42 cm. las Meninas. Material:Oleo sobre lienzo Estilo: La mayoría de los expertos coinciden en que la cruz fue pintada por el artista cuando recibió la distinción. casi manchas de color y luz. estamos ante una de las mejores pinturas. todas ellas documentadas. que está a contraluz. la sensación de que entre las figuras hay aire que distorsiona los contornos y hace que las figuras estén borrosas. por lo que recibe el sobrenombre de La tarde. utilizando manchas como en el caso del gato o el rostro inacabado de la mujer del centro. La pincelada no puede ser más suelta. También hay que destacar el efecto atmosférico. En la composición. detrás de ellas. cuyos radios no vemos. aparecen otras cinco mujeres ricamente vestidas. La fábula de Aracné Autor:Velázquez Fecha:1657 Museo:Museo del Prado Características:220 x 289 cm. Su pincelada cada vez es más deshecha. Más difícil sería responder a por qué eligió este tema. y en la figura de la derecha que devana la lana con tanta rapidez que parece que tiene seis dedos. El jurado dictaminó un empate pero Atenea castigó a Aracné convirtiéndola en araña para que tejiera durante toda su vida. como se aprecia en la rueca de la izquierda. el maestro nos presenta a once personas. La luz viene de la derecha. siendo considerado así el primer impresionista. al presumir de tejer como las diosas. La Familia de Felipe IV Autor:Velázquez Fecha:1656 Museo:Museo del Prado Características:318 x 276 cm. es decir. aplicando el óleo con gran rapidez y soltura. Trate sobre lo que trate. Esta última escena sería la que da título al cuadro ya que recoge la fábula en la que la joven Aracné. Al interesarse por captar la luz del atardecer. El artista consigue anticiparse al Impresionismo en 250 años. Material:Oleo sobre lienzo Estilo: Se trata de una obra tomada directamente del natural. Lo lógico sería pensar en una crítica al interés de los pintores por representar arquitecturas como protagonistas. La escena está presidida por la infanta Margarita y a su 23 . es retada por Atenea a la confección de un tapiz. Las Hilanderas. sobre un fondo de tapices.

vestida con túnica blanca y manto azul. Reflejadas en el espejo están las regias efigies de Felipe IV y su segunda esposa. En la izquierda se encuentra Velázquez con sus pinceles. Predominan las tonalidades plateadas de los vestidos.ZURBARÁN Inmaculada Concepción Autor:Francisco de Zurbarán Fecha:1628-30 Museo:Museo del Prado Características:139 x 104 cm. al taller de Velázquez para ver como éste trabaja. símbolos de pureza y eternidad respectivamente. según la doctrina católica.La iconografía de la Inmaculada la dictó Francisco Pacheco representándola a una edad juvenil. Material:Oleo sobre lienzo Estilo: La Inmaculada Concepción de María significa. La Inmaculada Concepción de Zurbarán sigue las normas iconográficas dictadas por Pacheco acompañándola con el mar y con un barco. al igual que el enano. al tiempo que llama nuestra atención el ritmo marcado por las notas de color rojo que se distribuyen por el lienzo: la Cruz de Santiago. trabajando cada uno de los detalles de los vestidos y adornos a base de pinceladas empastadas. coronada con doce estrellas. que sigue jugando con el perro. considera que el pintor nos muestra una escena de la corte. En ese momento. como Isabel de Velasco. en el cuadro que está pintando Velázquez. posiblemente indicando su 24 . con bastante acierto. este último jugando con un perro de compañía.lado se sitúan las meninas María Agustina Sarmiento e Isabel de Velasco. . Pero el verdadero misterio está en lo que no se ve. Soehner. que se aprecian con unos perfiles más imprecisos y colores menos intensos. la media luna y una serpiente a los pies simbolizando su dominio sobre el pecado. Nada más llegar ha pedido agua. La pequeña infanta estaba mirando a Nicolasillo. En la derecha se hallan los enanos Mari Bárbola y Nicolasillo Pertusato. Las opiniones sobre qué pinta Velázquez son muy diversas. que la Madre de Dios desde que fue concebida ha sido preservada del pecado original. por lo que María Sarmiento le ofrece un búcaro con el que paliar su sed. especialmente las figuras del fondo. La composición se cierra con la figura del aposentador José Nieto. La pincelada empleada por Velázquez no puede ser más suelta. el rey y la reina entran en la estancia. Tras la infanta observamos a dos personajes más de su pequeña corte: doña Marcela Ulloa y el desconocido guardadamas. de ahí que algunos personajes detengan su actividad y saluden a sus majestades. la llamada perspectiva aérea. La infanta Margarita llega. acompañada de su corte. que otorga profundidad a la escena a través del aire que rodea a cada uno de los personajes y difumina sus contornos. los colores de la paleta de Velázquez. ante un enorme lienzo cuyo bastidor podemos observar. Marcela Ulloa no se ha dado cuenta de la llegada de los reyes y continúa hablando con el aposentador. árboles y edificios en la parte baja de la imagen. Pero lo que verdaderamente nos impacta es la sensación atmosférica creada por el pintor. pero se percata de la presencia de sus regios padres y mira de reojo hacia fuera del cuadro. Mariana de Austria. que anticipan la pintura impresionista.

Al colocar a ambos santos muy cerca del espectador produce una sensación de cercanía hacia la aparición. el pintor se caracteriza por la perfección con que realiza los hábitos de los monjes. indefinido. Zurbarán no elimina sus fuertes dosis de realismo al ofrecernos un rostro cercano al espectador. El estilo naturalista se impondrá en Sevilla en los primeros 50 años del Barroco. El maestro recoge a ambos santos enfrentados: el Apóstol cabeza abajo mientras que Nolasco está enfundado en su hábito blanco de la Orden mercedaria. fundador de la Orden de la Merced. La visión de San Pedro Nolasco Autor:Francisco de Zurbarán Fecha:1629 Museo:Museo del Prado Características:179 x 223 cm. intentando introducirle en la escena. símbolo de la fortaleza de la fe cristiana.papel de intercesora entre el mundo terrenal y Dios. como vemos aquí. Aparición de San Pedro Apóstol a San Pedro Nolasco Autor:Francisco de Zurbarán Fecha:1629 Museo:Museo del Prado Características:179 x 223 cm. llegando a ser invitado a instalarse en la ciudad por el cabildo municipal. El realismo de ambas figuras y el contraste de luces y sombras son muestra de la influencia del Naturalismo tenebrista que trabaja Zurbarán. Otra de las múltiples visiones que tuvo el santo fue la de San Pedro Apóstol crucificado. Precisamente. La luz dorada a su alrededor sugiere una visión sobrenatural. lo que levantó los recelos de Alonso Cano al no haber superado Zurbarán el examen exigido para ser pintor independiente. El gesto de Cano no deja de ser una muestra de envidia ante el pintor que ha triunfado. especialmente los pliegues. La luz anaranjada que envuelve al crucificado incide en la idea de visión sobrenatural. Material:Oleo sobre lienzo Estilo: Zurbarán es el pintor que mejor sabe interpretar el Naturalismo en España. pardo. Este ángel le muestra en una visión celestial los muros de la Jerusalén fortificada. inundando la estancia oscura en la que se desarrolla la escena. de ahí el increíble éxito alcanzado por Zurbarán en la capital andaluza. El método para resaltar al santo es recortar la blanca figura contra un fondo neutro. La fuerte luz apenas crea contrastes lumínicos incidiendo en el manto de María para destacar sus pliegues. Material:Oleo sobre lienzo Estilo: Fue realizada por Zurbarán en un momento de esplendor para el extremeño. A pesar de ser una imagen de la Virgen. sin olvidar la etapa sevillana de Velázquez. alejado de idealizaciones. En el cuadro observamos la figura de San Pedro Nolasco. recluido en su celda y a quien se aparece un ángel adolescente. que nos indica que el santo no pertenece ya al espacio real 25 . Ningún pintor logró igualar sus colores y las texturas recias de las pesadas ropas como llegó a plasmarlas Zurbarán.

un encargo propio del Barroco sevillano. lo que provocó una discusión sobre la conveniencia de practicar la abstinencia. y a los seis primeros monjes de la Orden. interpretándolo 26 . Por último. Mques. que había estado ausente. Sagrada Familia Autor:Francisco de Zurbarán Fecha:1630 Museo:Col. comprobando que no tenían noción del tiempo transcurrido. el niño Jesús le da a su madre una pasionaria. fue a verlos y los sorprendió despertándose.AA. Material:Oleo sobre lienzo Estilo:Barroco Español Zurbarán en este lienzo representa a la Sagrada Familia. Un domingo les envió carne.sino que está volcado en la visión sobrenatural. El San Juanito parece uno de los golfillos de pies sucios que solía emplear Caravaggio para sus ángeles. una ritual sobre los gozos y los dolores de María por su hijo. que significa el pecado original del que ella está libre . Esta idealización de la familia se acentúa con la presencia de Santa Ana y San Joaquín. puesto que San Joaquín estaba muerto cuando la Virgen tuvo al Niño. San Hugo en el refectorio de los Cartujos Autor:Francisco de Zurbarán Fecha:1655 h. como un hombre joven y protector. alimento al que no estaban acostumbrados. le garantizaron el éxito en la ciudad. relacionado con el Naturalismo tenebrista y un tratamiento del tema acorde con los postulados contrarreformistas. Esta flor se caracteriza porque su cáliz y sus pistilos tienen la forma de los instrumentos de la Pasión -los clavos y la corona de espinas-. rojas y doradas. que simbolizan las oraciones del Rosario. rosas. San Juanito ofrece a María un cesto lleno de rosas de tres colores. Material:Oleo sobre lienzo Estilo: Su estilo. Entonces miró a los platos y vio que la carne se convertía en ceniza. La belleza de María recuerda la de pinturas renacentistas por el perfil y el canon empleado. Museo:Museo BB. Sevilla Características:267 x 320 cm. concretamente a las técnicas de Caravaggio. al tiempo que les acompaña el niño San Juan Bautista. San Hugo en el refectorio pertenecía a una serie monástica. que pedían escenas fácilmente comprensibles para los fieles. También está San José. San Hugo. La escena está llena de significados ocultos. La escena refleja un milagro acontecido a San Bruno. quienes comían gracias a la generosidad de San Hugo. padres de la Virgen. El miércoles Santo. fundador de los cartujos. Mientras discutían quedaron sumidos en un profundo sueño que duró toda la Cuaresma. Perinat Características:136 x 128 cm. de los cuales desvelamos los tres más importantes: María lleva en su mano para entregarla a su hijo una manzana. por lo que rápidamente se identificó con Cristo. Este recurso de iluminación está muy ligado a la influencia del Barroco italiano. flor que había sido recientemente descubierta en América.

Los testigos de su milagro.ESCUELA SEVILLANA . mujeres y niños. interesándose el artista por presentarlos como auténticos pícaros.creando Murillo una apreciable sensación de realidad. La pincelada comienza a adquirir una mayor soltura y los efectos de vaporosidad y transparencia .como aprobación divina de la abstinencia.MURILLO Dos niños comiendo melón y uvas Autor:Murillo Fecha:1650-55 Museo:Neue Pinakothek (Munich) Características: Material:Oleo sobre lienzo Estilo Las dos figuras aparecen ante un edificio en ruinas. disfrutan del agua que nuevamente brota del pozo seco. color en el cual se dice que llega a manejar hasta 100 tonos diferentes. destacando sus ropas raídas y sus gestos de glotonería. pues. . con muy poca dependencia del dibujo. San Isidro labrador.ALONSO CANO Milagro del Pozo Autor:Alonso Cano Fecha:1638-40 Museo:Museo del Prado Características:216 x 149 cm. Priman. . 27 . se transforma en pura materia cromática extendida por la superficie del lienzo. que consiguen efectos de manchones algodonosos que constituyen por sí mismos los objetos. Los detalles están captados a la perfección -especialmente las frutas. Zurbarán realiza un muestrario de sus famosos hábitos blancos. Material:Oleo sobre lienzo El estilo de Cano que fue formado en la rigidez de Pacheco y el claroscuro de la Escuela tenebrista. El milagro que se narra es el del patrono madrileño. los valores luminosos y cromáticos. Museo:Museo del Prado Características:144 x 188 cm. Sagrada Familia del Pajarito Autor:Murillo Fecha:1650 h. que aparece en pie con sus herramientas en el suelo.

La composición se estructura con una pirámide característica del Renacimiento mientras que la pierna y la vara se ubican en diagonal para reforzar el ritmo del conjunto. La conocida como Inmaculada Concepción de Soult 28 . donde los detalles son también protagonistas: el cesto de labor de la Virgen. mientras la madre ha parado en sus labores de hilado para comer una manzana. la iluminación es matizada y supera el estricto tenebrismo. La total ausencia de elementos divinos o celestiales hace que nos situemos ante una escena familiar. quien las inmortalice. bien se trate de niños de la calle -como en Dos niños comiendo uvas y melón. Pero será Murillo. quien también dirige la mirada hacia nosotros. como si el pintor abriera las puertas de su propio hogar para mostrarnos el juego del pequeño acompañado por su padre. aunque junto a San José se vislumbra el banco de carpintero. el gesto del perrito. Material:Oleo sobre lienzo Estilo: El fervor mariano existente en España motivó la realización de un gran número de Inmaculadas. en el estilo naturalista que habían puesto de moda Zurbarán o Velázquez en Sevilla. con esa gracia especial que tienen sus Vírgenes.Material:Oleo sobre lienzo Estilo: Una de las obras realizadas por Murillo. El excelente dibujo del que siempre hará gala Murillo se aprecia claramente en sus primeras obras. En la mano derecha lleva la vara del pastor y con la izquierda acaricia al cordero.El Niño Jesús se sitúa en un paisaje con una referencia arquitectónica al fondo. que recibe ese nombre por el pajarillo que el Niño Jesús muestra al perro. El Buen Pastor Niño Autor:Murillo Fecha:1660 h. No obstante. destacando también las de Zurbarán.o celestiales como en este caso. los pliegues de los paños. Museo:Museo del Prado Características:123 x 101 cm. sentado sobre algunos restos clasicistas y dirigiendo su mirada al espectador. los miembros de las figuras. iluminado por un potente foco de luz procedente de la izquierda que provoca contrastes. dejando el fondo en total penumbra sobre el que se recortan las figuras. el protagonista es el Niño Jesús. Material:Oleo sobre lienzo Estilo:Barroco Español Esta sería la posible base documental de este trabajo en el que Murillo emplea a sus protagonistas principales: los niños. Son figuras elegantes pero no dejan de poseer cierto realismo. es la Sagrada Familia del Pajarito. Inmaculada de Soult Autor:Murillo Fecha:1678 Museo:Museo del Prado Características:274 x 190 cm.

Características: Para ello contó con los mejores artistas de su tiempo: el retablista Bernardo Simón de Pereda. siendo la cabeza de Jesús el vértice superior. aunque no por ello exentos de gracia y ternura. símbolo de eternidad. María viste túnica blanca. el escultor Pedro Roldán y los pintores Murillo y 29 . En primer plano. símbolo de pureza. un corderito ..contempla la escena y tres ángeles muy difuminados. Murillo nos presenta a los niños a orillas del río Jordán. Los contrastes de luces y sombras son sorprendentes y otorgan una especie de bruma a la escena.símbolo de Cristo . eligiendo el instante en el que el Niño Jesús ofrece la concha a su primo. La belleza idealizada de su joven rostro es lo que más llama la atención del espectador. y los niños "divinos" como éstos de la escena que observamos. en posiciones totalmente escorzadas. Material:Oleo sobre lienzo Hay que hacer una clara diferenciación entre los niños de la calle. lleva sus manos al pecho y eleva la mirada al cielo. Niños de la Concha Autor:Murillo Fecha:1670 Museo:Museo del Prado Características:104 x 124 cm. La composición se inscribe en un triángulo. su pincelada se hace más suelta. con predominio de gamas oscuras. cuyo vértice superior es la cabeza de la Virgen. El estatismo de la figura de la Inmaculada contrasta con el movimiento de los querubines que le sirven de peana. ejecutados con un elevado grado de idealización. La combinación de idealismo y realismo también es significativa.debe su nombre a que fue robada por el mariscal Soult durante la Guerra de la Independencia y se la quedó en propiedad. realizados con el mayor realismo posible. y manto azul.VALDÉS LEAL In Ictu Oculi Autor: Juan De Valdés Leal Fecha:1671 h. aunque el colorido es similar. La composición está inscrita en un triángulo. bruma conocida como "efecto vaporoso" que caracterizará las últimas obras del pintor. .

dotando de mayor teatralidad a la escena. La protagonista es doña Mariana de Austria. Al realismo de los rostros debemos añadir la veraz reproducción de los accesorios: los candelabros. Se denominan los "Jeroglíficos de las Postrimerias" y en ambas obras se hace una referencia al dilema de conseguir la salvación o la condenación eterna. ESCUELA MADRILEÑA . casi reproduce la sacristía a la que sirve de fondo. Así vemos a Carlos II arrodillado. El fondo en penumbra crea un efecto más dramático y simbólico al sugerir que la muerte sale de las tinieblas y avanza hacia el espectador. las alfombras. etc. las riquezas o la guerra tampoco son los vehículos para escapar de la muerte. siguiendo la misma decoración de la sala en la que se coloca el lienzo. En la obra que contemplamos aparece la muerte llevando debajo su brazo izquierdo un ataúd con un sudario mientras en la mano porta la característica guadaña.Valdés Leal.. se aprecian ecos de Rubens y Van Dyck . Más bien. el artista ha prolongado la perspectiva de la sacristía en un espacio imaginario al emplear una serie de arcos en profundidad. Es decir.CARREÑO DE MIRANDA Doña Mariana de Austria viuda Autor:Juan Carreño de Miranda Fecha:1669-72 Museo:Museo del Prado Posiblemente este retrato sea uno de los primeros que realice en su nuevo cargo. las telas. La luz que se introduce por los lunetos ilumina perfectamente la escena. Pero la gran preocupación de Coello es representar la escena con el mayor realismo posible.CLAUDIO COELLO La Sagrada Forma Autor:Claudio Coello Fecha:1685-90 Museo:Monasterio de San Lorenzo de El Escorial Características: Material:Oleo sobre lienzo Estilo: Dentro del artificio barroco. totalmente enérgicos. El programa iconográfico se inicia con una reflexión sobre la brevedad de la vida y el triunfo de la muerte. los bordados. pero no produce la sensación atmosférica que había conseguido Velázquez con Las Meninas. 30 . segunda esposa de Felipe IV y madre de Carlos II.La sabiduría. empleando como plano final una serie de cuadros. de la sociedad nobiliaria de la época. realizando un magnífico conjunto de retratos. siendo Valdés Leal el encargado de realizar estos trabajos. En la parte baja de la composición aparecen toda una serie de objetos que representan la vanidad de los placeres y las glorias terrenales.

destacando la referencia espacial que nos proporciona Carreño para animar cromáticamente el conjunto. en unos momentos donde su popularidad era mínima ya que toda la sociedad apoyaba a don Juan José de Austria. La costumbre española obligaba a las viudas a vestir tocas. Blancos y negros dominan una composición en la que sobresale el gesto de preocupación de doña Mariana. influenciado por Las Meninas de Velázquez.viuda desde 1665. siendo la indumentaria más característica de esta mujer.Un cortinaje negro encuadra al personaje. hijo ilegítimo de Felipe IV. 31 .