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SINOPSIS

A pesar de lo difícil que pueda parecer la vida, donde hay vida, habrá esperanza.–
Stephen Hawking
The Theory of Everything es la historia extraordinaria e inspiradora de una de las
mentes más grandes del mundo actual, el reconocido astrofísico Stephen Hawking, y
la historia de dos personas retando a las probabilidades menos favorables a través del
amor. La película, basada en las memorias de Jane Hawking, Travelling to Infinity: My
Life with Stephen, fue dirigida por James Marsh, director galardonado por los Premios
de la Academia (Man on Wire).
En 1963, como estudiante de cosmología en la conocida universidad británica,
Cambridge, Stephen (representado por Eddie Redmayne de Les Misérables) está
dando grandes zancadas y está determinado en encontrar una “sencilla, pero
elocuente explicación” para el universo. Su propio mundo se abre cuando se enamora
profundamente de una estudiante de arte en su misma universidad, Jane Wilde
(Felicity Jones de The Invisible Woman). Pero, a los 21 años de edad, este joven
activo y saludable recibe un diagnóstico devastador: una enfermedad de las neuronas
motrices atacará a sus extremidades y habilidades, dejándolo con habla y movimiento
limitados y muerto dentro de dos años.
El amor, apoyo y la determinación de Jane son inquebrantables y la pareja se casa.
Con su nueva esposa luchando incansablemente a su lado, Stephen se niega a
aceptar su diagnóstico. Jane alienta a Stephen para que termine su doctorado, que
incluye su teoría inicial sobre la creación del universo. Empiezan una familia y con su
recién obtenido y muy celebrado título de doctor, Stephen empieza su trabajo científico
más ambicioso, investigando sobre algo de lo que tiene poco: tiempo. Mientras su
cuerpo se enfrenta a más límites, su mente continúa explorando los límites de la física
teórica.

Juntos, él y Jane vencen probabilidades imposibles, rompiendo terreno en medicina y
ciencia y logrando más de lo que podrían haber soñado, y hasta ya bastante entrado el
siglo XXI.
Una presentación de Universal Pictures/Focus Features de una producción de
Working Title. Eddie Redmayne, Felicity Jones. The Theory of Everything. Charlie
Cox, Emily Watson, Simon McBurney, con David Thewlis. Elección de elenco por Nina
Gold. Música por Jóhann Jóhannsson. Diseñador de vestuario, Steven Noble.
Diseñadora de cabello, maquillaje y prostéticos, Jan Sewell. Editor, Jinx Godfrey.
Diseñador de producción, John Paul Kelly. Director de Fotografía, Benoît Delhomme,
AFC. Co-Productor, Richard Hewitt. Productores ejecutivos, Amelia
Granger, Liza Chasin, David Kosse. Basada en el libro Travelling to Infinity: My Life
with Stephen de Jane Hawking. Guión de Anthony McCarten. Producida por Tim
Bevan, Eric Fellner, Lisa Bruce y Anthony McCarten. Dirigida por James Marsh.

THE THEORY OF EVERYTHING
Una breve crónica
El tiempo siempre ha sido sujeto de fascinación para el astrofísico brillante Stephen
Hawking: ¿cuándo comenzó el universo? ¿Cuándo terminará? Y todos los puntos en
medio de esas dos cuestiones. El libro A Brief History of Time del conocido profesor ha
vendido 10 millones de copias a nivel mundial.
Pero dicho concepto le pegó a nivel personal cuando, en 1963, a los 21 años de edad,
le dieron dos años de vida después de un diagnóstico de enfermedad de las neuronas
motrices (MND, relacionado con ALS; el segundo se conoce comúnmente como
enfermedad de Lou Gehrig).

Él quería vivir, a pesar de las constricciones inminentes contra su capacidad de habla
y de movimiento. Él quería amar y ser amado por la mujer que llegaría a ser su
esposa. Contra todo lo esperado, llegaría a tener eso y mucho más.
Sin importar qué tan fuerte fuese su fuerza de voluntad, no lo podría haber logrado
solo. Fue acompañado durante su travesía por Jane Wilde, próximamente Jane
Hawking. Una mente brillante en sí misma, ella se dedicó a Stephen y a su matrimonio
y familia.
Sobreviviendo su diagnóstica década tras década, Stephen continuó explorando los
límites de la física teórica, llevando a nuevos descubrimientos. Para la llegada del S.
XXI su nombre se pronunciaba en el mismo tono que el de Albert Einstein.
El guionista y productor, Anthony McCarten, lleva mucho tiempo fascinado por el
Profesor Hawking; en particular, con el tiempo y el esfuerzo que le llevó al hombre
severamente discapacitado físicamente el escribir su libro más influyente. “Le ha dado
luz a la física al resto del mundo y hay un sentido de lo profundo en toda su obra”, dice
McCarten. “Eso se vio potencializado por la situación física de Stephen, que sólo le
permitía componer sus comunicaciones a la velocidad agonizante de una palabra por
minuto. Ahí, en un solo hombre, se encontraba la yuxtaposición de proeza mental
extraordinaria e incapacidad física extraordinaria.
“Su mente continuó abriendo una frontera tras otra en una exploración implacable, así
que mientras se contraía, también se expandía. Algo apto para un hombre que ha
dedicado su vida entera a estudiar el universo”.
McCarten se conmovió ante las memorias de Jane Hawking, Travelling to Infinity: My
Life with Stephen. Descubrió “una historia de amor maravillosa entre dos personas,
increíblemente intensa y obstaculizada: primero por el decaimiento físico y luego por la
llegada de la fama a sus vidas. Cuando la noticia de su muerte inminente mostró ser
exagerada y dos años se volvieron diez, y luego veinte, la situación exigía que su amor

tomara formas atrevidas y poco ortodoxas para sobrevivir. Su historia es una historia
de amor sin precedentes”.
Imaginando la historia de la pareja como un largometraje, empezó a escribir una
adaptación a guión cinematográfico del libro sin ninguna garantía. Conoció a Jane en
su casa para discutir el proyecto con ella. “Siempre me sentiré agradecido por ella por
haber contestado el timbre de su casa y por haberme invitado a entrar. No se hicieron
promesas ese día y nuestro diálogo continuó por un tiempo”, anota.
Tras varias versiones del guión, le presentaron a la productora Lisa Bruce por medio
de su agente mutuo, Craig Bernstein. Ella conocía a Stephen Hawking únicamente
como un hombre brillante en silla de ruedas que se comunica a través de un equipo
mecánico activado por la voz. A Bruce le pareció revelador el guión.
Anota, “mucha gente no piensa sobre la vida doméstica de Stephen Hawking, mucho
menos saben que solía hablar y caminar y definitivamente no saben que tiene hijos.
Ves más allá del genio y encuentras a un padre, un esposo y, debajo de todo eso, un
optimista eterno.
“Pero, a mi gusto, el elemento más poderoso de esta historia está en que nunca
hubiera logrado lo que logró sin una pareja como Jane”.
Lo que también le llamó la atención a Bruce fue que la historia de amor entre Stephen
y Jane era única y a la vez universal. Explica, “nadie ha vivido lo que la pareja
Hawking ha experimentado juntos. Eran dos jóvenes con toda su vida por venir, llena
de promesas, a quienes les cae una bomba y a Stephen le dan dos años de vida; es
decir, una condena de muerte a los 21 años de edad. Sin embargo, a pesar de huir de
ello, eligieron enfrentarse a una vida imposible juntos. En ese sentido creo que son
una de las historias de amor más inspiradoras de nuestros tiempos”.
El matrimonio evolucionaba y se adaptaba mientras Stephen daba pasos significativos
en su trabajo. Bruce duce, “en esta película se cubren 25 años de la relación de Jane y
Stephen mientras los vemos lograr cosas que ni siquiera los más aptos corporalmente

podemos imaginar. A ese nivel, es única. Al mismo tiempo, amar y querer a alguien es
algo universal”.
“Jane hizo algo extraordinario”, dice McCarten. “Le dijo a Stephen: sí, me caso contigo
y nos embarcaremos juntos en ese viaje. Esto fue esencial para Stephen, ya que,
como él mismo admite, estaba en un momento oscuro en ese entonces. Apenas
comenzaba su vida cuando le dijeron que terminaría y pronto. A pesar de la
incertidumbre, con Jane entró feliz y optimista al matrimonio.
“Fue un punto de inflexión profesional y personal al mismo tiempo. Con la ayuda de
Jane se sobrepuso a su depresión y el cronómetro de su prognosis fue una chispa
para su proceso mental. En muy poco tiempo comenzó a lograr su potencial como
astrofísico. The Theory of Everything sigue su ascenso intelectual junto a su
deterioro físico; y, a través de todo eso, de alguna manera Stephen encuentra el valor
e impulso interno no sólo para afrontar las circunstancias sino también para
prevalecer. Un logro realmente sorprendente”.
A McCarten y a Bruce les llevó varios años asegurar los derechos legales y la
bendición y permiso de Jane y Stephen para que esta historia de amor se hiciera
película. Durante esos años trabajaron juntos incansablemente en la historia,
prometiendo huir del sensacionalismo o de hacer de la historia de la pareja algo
excesivamente sentimental y comprometiéndose a transmitir la complejidad del
matrimonio.
McCarten afirma, “es un éxito que pudieron caminar por ese terreno difícil juntos y
logrado tener un matrimonio que duró décadas. Stephen y Jane ambos nos muestran
lo que pueden lograr los seres humanos cuando deciden hacer algo. Sin embargo, al
permitir el guión, tuve que dejar lugar para mostrar sus ánimos y frustraciones, mismas
que eran completamente comprensibles. Nuestra película celebra a Stephen, pero no
intenta volverlo un ídolo mitológico; él tenía emociones muy negativas sobre la pérdida
de su fortaleza física y lo mostramos , al igual que mostramos los puntos bajos y altos
del matrimonio”.

“The Theory of Everything se trata tanto de la física del amor como del amor a la
física”.
El cineasta premiado por los Premios Óscar, James March, se unió al proyecto. Los
productores galardonados de Working Title Films, Tim Bevan y Eric Fellner, con
quienes Bruce había creado la película para televisión telefilm Mary and Martha, se
unieron también al equipo.
Bruce dice, “A Tim y a Eric les importaba mucho este historia y lograr que la
contáramos apegados a la verdad y al poder emocional que tenía la vida de los
Hawkings. El apoyo de Working Title fue abrumador”.
“Todos creían que dada la forma en la que ha mostrado empatía con personajes
basados en historias reales en sus películas, James tendría la sensibilidad que esta
historia requería para ser contada”.
Marsh, que obtuvo un Premio de la Academia por su documental Man on Wire, seguía
trabajando en películas narrativas y de no-ficción. Cuando recibió el guión el director
admite que “tenía una imagen fija de Stephen Hawking como la brillante mente
científica en silla de ruedas y con una máquina de voz”.
“Sin embargo, me enamoré rápidamente del punto de vista desde el que lo narra
Anthony. Encontró un ángulo fascinante: contar la historia desde la perspectiva de la
mujer que se estaba enamorando de un hombre con un cuerpo funcional y que
posteriormente toma la decisión crítica de quedarse con el hombre que ama cuando lo
diagnostican con una enfermedad terminal. La historia de amor conmovedora e inusual
que escribió Anthony era bastante original a la hora de mostrar cómo es vivir con
alguien que es incapacitado, y a la vez, un genio y la carga que eso significó para la
carrera de Jane y para ella como esposa y como madre. Era territorio muy fértil”.
El director también se sintió atraído por The Theory of Everything porque su espíritu
le recordaba a Man on Wire ya que ambas se tratan de hombres que desafían los
límites convencionales del ser humano. Dice, “definitivamente hay una afinidad y

también una ironía cósmica: Stephen está físicamente limitado, y no obstante,
mentalmente puede ir a donde sea que quiera ir. Su mente puede viajar y, en efecto,
logra viajar a los límites del universo, pero su cuerpo está constreñido”.
El cambio de tono que Marsh buscó fue mostrar que “la historia de Stephen Hawking,
a pesar de ser agridulce, no es una tragedia a pesar de que una enfermedad casi fatal
que empieza a atacar a un hombre joven prometedor de cuerpo sano tiene todos los
elementos para ser tragedia. Es el carácter de Stephen lo que saca a eso de la
ecuación, su desafío a la enfermedad a través del humor, a perseverancia y el valor
hace que esta historia, al final, sea lo opuesto a una tragedia”.
“Cincuenta años más tarde, Stephen sigue vivo y eso es algo increíble”.
De por sí un hombre que ha volcado nuestro concepto de la creación del universo, el
Profesor Hawking continúa a retar e inspirarnos en este nuevo milenio.
Ser Stephen
“El papel de Stephen Hawking iba a ser algo intimidante para cualquier actor”, admite
el guionista y productor Anthony McCarten. “Es una figura conocida muy conocida, un
ícono. Mi guión pedía a un actor que pudiera mostrarle a la audiencia la evolución de
un hombre durante 25 años, de ser completamente funcional a tener sólo el uso de
algunos músculos –principalmente una mano y movimientos faciales limitados– y que
su voz fuese reemplazada por la de una máquina”.
El director James Marsh añade, “quien fuera a tomar este papel tendría que
prepararse mucho. También tendría que convencer a quienes conocieron a Stephen
como un joven y penoso estudiante universitario”.
Los productores Tim Bevan y Eric Fellner habían trabajado recientemente con una
estrella emergente británica, Eddie Redmayne, en la exitosa película Les Misérables y
el actor ya sabía del guión de McCarten. Marsh comenta, “me sentí entusiasmado
cuando surgió el nombre de Eddie y supe inmediatamente que él sería una gran

opción. Su nivel de compromiso con el papel fue extraordinario y estaba con nosotros
en todo; no sólo para la preparación física, sino también para la psicológica”.
La productora Lisa Bruce dice, “Eddie fue intenso en su disposición para trabajar
desde el primer día. Fue realmente increíble ver su evolución mientras capturaba
ambos lados: el del Stephen que creemos que conocemos y el hombre detrás de esa
imagen”.
Redmayne dice, “cuando leí el guión me sentí impresionado por lo que este hombre ha
experimentado y hecho desde 1963. Es una de las cosas más inspiradores que he
leído. Stephen Hawking es un ícono de la esperanza”.
“Pero esta película también se trata del humano detrás del ícono. Cuando lo
conocemos en la historia tiene 21 años de edad y es energético y atlético. De ahí vive
una vida completa con un destello en el ojo y continúa haciéndolo ahora. Hay
diferentes facetas de él: lo ingenioso, la genialidad, la terquedad, etc. Me dio la
impresión de que tiene personalidad de estrella de rock”.
Llevando acabo más investigación sobre la vida de los sujetos, Redmayne encontró
que el profesor venía de una familia de intelectuales, mientras que la decisión de Jane
Wilde de perseguir una carrera académica aún se consideraba valiente en la década
de los 60. “Eran dos personas muy diferentes, ambos extraordinarios, pero desde
polos opuestos”, dice. “Me pareció irresistible la idea de que dos humanos se
completen y desafiando todas las probabilidades. Ah, ¡y qué romántico!”
El reto de los requerimientos físicos para representar a Stephen Hawking se
avecinaba. Como le dijo a Redmayne su amigo, y próximamente actor en el mismo
elenco, Charlie Cox cuando el primero le contó del papel: “No te quedará otra opción
más que dar todo de ti”.
En consecuencia, Redmayne analizó hasta los detalles más pequeños sobre el
hombre que estaría representando. Dice, “Jane habla en su libro sobre cómo Stephen

tenía cejas increíblemente expresivas. Me pasé meses frente a un espejo trabajando
eso”.
“Cuando conocí a Stephen, noté que cuando asiente hace un estilo de sonrisa y que
‘no’ es casi una mueca; sin embargo, sólo se manifiestan en un par de los músculos
faciales, así que aprendí cómo aislar el control sobre esos músculos”.
Redmayne añade, “la producción me rodeó de un equipo extraordinario. James Marsh
instó a todos a que colaboraran y me dio la libertad para trabajar de cerca con los
distintos departamentos”.
“Una de las aventuras más grandes al representar este papel fue trabajar con gente
sumamente capacitada. Todos estábamos enfrentándonos a algo que nunca
habíamos hecho antes, lo cual era bastante especial”.
La entrenadora vocal Julia Wilson-Dickson y el director de movimiento Alex Reynolds
entraron temprano al equipo para trabajar con Redmayne. Reynolds coordinó con el
actor cómo las diversas etapas degenerativas de la enfermedad de las neuronas
motrices se expresaría completamente en pantalla, como lo pedía el guión”.
Redmayne obtuvo permiso para visitar a pacientes con MND tanto en clínicas como
en sus casas. Explica, “sentí la responsabilidad de transmitir esto como una condición
existente”. El actor se considera afortunado de haber podido conocer también a
Stephen y se “disculpó inmediatamente con él por haber elegido estudiar historia del
arte”.
Como no hay documentación de Stephen en las etapas tempranas de su deterioro,
Redmayne y Reynolds consultaron con un doctor especializado en enfermedad de las
neuronas motrices para poder graficar mejor la progresión. Redmayne también
compartió los resultados de su investigación con Wilson-Dickson. Para llevar los
resultados durante la grabación de 48 días, Redmayne creó una gráfica de números
ascendientes que marcaba qué tan avanzada estaba la enfermedad en cada escena;

un método que resultó ser valiosísimo ya que, como la mayoría de los
largometrajes, The Theory of Everything no se grabó en secuencia.
“Eddie se preparó durante dos meses para poder dar los diferentes niveles de
representación”, dice McCarten. “Tenía que estar consciente cualquier día y durante
cualquier escena, preguntándose, ‘¿esta es la cuarta etapa de mi voz? ¿Eso significa
que es la tercera de mi cuerpo?’”
“Pasaba de trabajar ‘un día 4.3’ a trabajar una escena diez años anterior y grabar, al
día siguiente, ‘un día 2.7’. Cada día le pedía todo su talento, disciplina e inteligencia”.
Marsh se valió de la gráfica como “un texto sagrado, porque demostraba qué era
posible y qué no era posible para Stephen en un momento dado. Esto tuvo mucho
impacto sobre cómo el director de fotografía, Benoît Delhomme, grababa una escena y
en cómo la encuadrábamos”.
“Éramos sensibles a la habilidad de Eddie de atraer a la audiencia con poco más que
una mirada y un pequeño movimiento corporal. No es fácil que un actor logre eso y
tubo un costo físico para él. Cada día la pasaba en una posición de estrés que tenía
que mantener durante horas, mientras que a la vez, tenía que lograr que el carácter
del personaje se transmitiera a pesar de la discapacidad”.
McCarten dice, “viendo Eddie trabajando día a día en la grabación, dejé de verlo a él y
comencé a ver a Stephen Hawking”.
Marsh concluye, “Por más impresionantes que son los factores técnicos de la
representación de Eddie, es aún más impresionante que a todo le da vida emocional”.
Volverse Jane
Para representar a Jane Hawking, los cineastas necesitaban a una actriz que se
enfrentara a menos cambios físicos pero una gran cantidad de cambios psicológicos,
encarnando las emociones de una columna de soporte.

El director James Marsh comenta que “Las contribuciones de Jane a la historia son
todas emocionales. Sentí que Felicity Jones haría buen equipo de actores con Eddie
Redmayne, y efectivamente, lo hizo. Como director me pareció emocionante colaborar
con ella”.
“Había muchas escenas difíciles en las que Eddie estaría expuesto físicamente y
Felicity estaría expuesta emocionalmente. Ella tenía que mostrar sentimientos
paradójicos y eso es algo difícil de lograr. Tenía que transmitir de forma simultánea lo
que se siente amar a alguien con una enfermedad debilitante y también las cargas que
eso implicaba para ella como amante y como mujer de carrera”.
Jones admiraba “la empatía del guión hacia otros seres humanos. Como actriz,
estaba feliz de tener la oportunidad de representar a un personaje y a su desarrollo a
lo largo de tantos años”.
El

guionista

y

productor

Anthony

McCarten

dice,

“Felicity

construyó

una

caracterización profunda de Jane, caminando por una vereda frágil entre la fortaleza y
la debilidad”.
Tras leer con voracidad tanto el guión como las memorias, la actriz consideró
importante conocer a Jane Hawking desde temprano. “Ella es alguien que nunca se
rindió”, dice Jones. “Dedicó su vida a Stephen, pero a la vez, retuvo su propio sentido
de identidad. Era importante para ella ser reconocida por sus logros y por eso continuó
sus estudios mientras lo cuidada y criaba a una familia. ¡Qué cosas logró esta mujer!”
McCarten narra, “Jane y Felicity se vieron varias veces I sé que eso tuvo impacto
sobre su actuación. Felicity podría transmitir con más facilidad qué tanto le sucedía a
Jane debajo de la superficie; las intensas y agitadas emociones internas. Practicar
esas escenas una y otra vez la sumergió en la mentalidad de Jane y de su poderosa
habilidad para mantener las cosas unidas”.
“Siento que Felicity capturó a la Jane que he llegado a conocer. Hay una autenticidad
en su representación y mucha disciplina y eso espejea las fortalezas de Jane”.

La productora Lisa Bruce añade, “Felicity hizo un trabajo increíble porque era delicada
y a la vez poderosa al mismo tiempo. Su papel ancla la historia de muchas maneras
como lo hizo Jane con Stephen durante su matrimonio”.
El amor entre Jane y Stephen está en el corazón de la película y la efectividad de la
segunda mitad de la historia se ve resaltada por el brillo del romance inicial; en
especial la secuencia de May Bell, misma que es la bella pieza central de la película.
Marsh explica, “su matrimonio se vuelve complicado en la segunda etapa así que
tenemos que creer que tan locamente enamorados estaban Jane y Stephen desde el
principio. Tenía que existir una gran vulnerabilidad y mucha ternura de ambas partes”.
Jones declara, “creo que hubo atracción sexual inmediata entre Stephen y Jane, pero
al mismo tiempo fue un encuentro mental. Creo que se retaban el uno al otro; había
una competitividad entre ellos, algo que suele suceder entre dos personas que son
muy inteligentes, y a la vez, muy distintas. Y eso ayudó a que se creara esa unión
entre ellos”.
Redmayne y Jones se unieron como amigos y colegas y encontraron que, a pesar de
todas las meticulosas preparaciones, los dos estaban expuestos a serendipia en el
mismo set. Redmayne dice riendo, “A veces Felicity estaba fuera de cámara
improvisando líneas o gritándome cosas para mantenerme fuera de equilibrio. Sólo
puedes hacer eso con alguien a quien le tienes mucha confianza y confié en ella
implícitamente. Le tengo mucho respeto a Felicity; ella es sensacional”.
“Había días en la grabación en los cuales nuestro trabajo espejeaba directamente lo
que vivieron Stephen y Jane. Yo tendría que decirle a Felicity, ‘yo realmente no puedo
hacer lo que dice en el guión, vas a tener que levantar mi brazo’”. Esto sucedía en
medio de una escena emocionalmente compleja y ella tenía que trabajar con mis
limitaciones. Eso fue duro para ella pero tanto ella como yo salimos de trabajar juntos
en The Theory of Everything con gran afecto el uno para el otro”.

Jonathan
La productora Lisa Bruce comenta, “esta película es una historia de amor muy madura
porque no se amarra bella y ordenadamente. Aunque todos los matrimonios cambian
con el tiempo, el nivel de presión colosal al que se enfrentaba el matrimonio de los
Hawkings hubiera destruido a muchos desde el inicio; y, sin embargo, estuvieron
juntos mucho tiempo. Lo que enfrentaron es algo que nunca hemos experimentado en
una historia de amor y, para mí, ese es el motivo por el cual esta película es un viaje
diferente y poderoso en el que vale la pena embarcarse”.
Felicity Jones admite que se quedó fascinada ante el hecho de que “mientras Stephen
y Jane estuvieron juntos, Jane conoció a alguien más y Stephen le dio la bienvenida a
su casa. Había algo poco convencional pero honesto en la dinámica entre estas tres
personas. Logré explorar tanto la relación de Jane con Stephen y también de su
relación con Jonathan”.
El director de coro viudo, Jonathan Hellyer Jones, representado por Charlie Cox,
dobla el arco emocional de The Theory of Everything. Jones dice, “siento que la
relación de Jane y Stephen había llegado a un punto en el que no podía continuar de
la misma forma. Eso se aborda cuando Elaine [Mason, la enfermera representada por
Maxine Peake] llega más adelante. Es complejo y maravillosamente humano”.
Cuando Jonathan entra a la historia y se vuelve parte de ella a un grado
sorprendente, Marsh buscó transmitir “una harmonía bella que se crea entre tres
adultos. Inevitablemente, a través de sus necesidades en común, Jane y Jonathan
comienzan a enamorarse y eso es algo que Stephen tiene que aceptar”.
Cox observa, “Jane se encuentra en un momento de impaciencia cuando, por
casualidad, conoce a Jonathan. Ella comienza a ayudar a la familia Hawking, pero,
cuando desarrolla sentimientos hacia Jane, tiene que tomar decisiones sorprendentes.
Es un buen hombre que intenta hacer lo correcto”.

“Lo que es bello sobre la forma en la que Anthony construyó el guión es que te
involucras emocionalmente con los tres personajes y sus historias de amor
respectivas. En el set, James creó un ambiente de libertad para que pudiéramos llegar
a la médula de los momentos entre nuestros personajes”.
Marsh halaga a Cox por “restarle importancia a la atracción de John hacia Jane. Su
trabajo muestra buen juicio y está matizado así que pudimos mostrar cómo Stephen
sentía empatía por Jonathan”.
Lugares en el corazón
Como codirectores de una de las compañías de producción de películas más grandes
del mundo, los productores Tim Bevan y Eric Fellner han hecho películas en todo el
mundo; y también las han hecho más cerca de casa. En consecuencia, para la
grabación en locación en el Reino Unido para The Theory of Everything, los
cineastas obtuvieron acceso considerable a Cambridge, tanto el pueblo como las
instalaciones donde comenzó la historia de amor de Jane y de Stephen Hawking.
Cambridge también fue donde se asentaron y crearon su hogar y su familia”.
Los sitios de grabación de la producción incluían a St. John’s College; en realidad,
Stephen asistió a Trinity Hall, pero 50 más adelante el lugar mostró no ser apto para
grabar en él. El productor y guionista Anthony McCarten nos dice, “St. John’s es una
de las facultades más bellas, si no es que la más bella, en Cambridge. El corredor
principal se conoce como ‘el pastel de bodas’ porque tiene un ambiente de grandeza”.
Otra ubicación clave fue el laboratorio de Cavendish donde se partió por primera vez
un átomo y al que Stephen le confían una llave, como si le hubieran pasado la tarea de
descubrir cosas nuevas. “Los lugares como Cavendish le añaden magia a la película
por lo que se transmite con su propia estética y diseño”, dice McCarten.
El director James Marsh concuerda, añadiendo que “grabar en Cambridge nos dio
mucha textura, un sentido de la vida universitaria y la vida académica. Una gran parte
de la vida de Stephen la pasó en la academia. Pudimos grabar exteriores y algunos

interiores durante una semana y, por suerte, eso incluyó la escena crucial del May
Ball, en la que Stephen y Jane logran un gran avance romántico”.
El profesor Stephen Hawking asistió a la grabación de la secuencia del May Ball junto
con dos de sus hijos con Jane, Lucy y Timothy Hawking. Jane también visitó la
grabación de la secuencia del May Ball con Jonathan Hellyer Jonas. En ratos libres,
Jane guió a los cineastas a locales en Cambridge que tenían significado sentimental
para ella y para Stephen”.
La arquitectura medieval y la atemporalidad de Cambridge también se ven en la
pantalla en las escenas en Trinity Lane, el teatro de la escuela de artes, de la cual se
grabaron tomas en laboratorio y en salones de clases”.
Cambridge como telón de fondo le dio una consistencia a la estética de la película y a
su temporalidad de dos décadas en la vida de los Hawking, aunque el diseñador de
producción John Paul Kelly y su equipo tuvieron que recrear los interiores de la
biblioteca Cavendish en otro lugar ya que la original se reubicó a principios de la
década de los 70. Afortunadamente, existían grabaciones disponibles como
referencia”.
Las escenas de apertura y de cierra de The Theory of Everything, que se llevan a
cabo en el Palacio de Buckingham, se grabaron ven la Casa Lancaster en Londres y
en la Corte del Palacio Hampton sobre el río Támesis. Otras locaciones londinenses
incluyeron la Sala de Ópera Real en Covent Garden, que sustituyó a la Ópera de
Bayreuth en Ginebra, Los interiores de la facultad de Stephen, Trinity Hall, se
recrearon en la emblemática Harrow School en el noroeste de Londres.
Sin importar la locación, Marsh acredita a su director de fotografía, Benoît Delhomme,
con la creación de momentos memorables puramente visuales. Marsh señala que, “no
hay mucho diálogo en algunas partes de la película; sencillamente observas gente. A
Benoît y a mí se nos ocurrió la idea de usar películas caseras de los Hawking para
avanzar con la historia. Benoît grabó estas escenas en Súper 8 con película de 16

milímetros para crear otro tipo de textura para esas películas, una textura íntima que
nos permite conocer mejor a la familia. Puedes ver cómo los niños son muy
juguetones con su padre a pesar de que está en una silla de ruedas; son naturales y lo
aceptan”.
Las secuencias de la casa fueron realzados porque Stephen le dio permiso a Kelly de
utilizar sus propios certificados, medallas y premios. Además, Jane aún vive en la
primera casa en la que vivieron ella y Stephen durante su matrimonio. Le dio a Kelly
acceso completo a ella para que tanto él como su departamento pudieran recrearla en
un estudio. Su segunda casa fue demolida así que el departamento recreó el interior
basándose en una de las fotografías familiares”.
En la pantalla “los ambientes de las casas son un poco restrictivos al principio”,
comenta Kelly. Hay muchas escaleras que Stephen nunca podrá volver a utilizar. Con
el progreso de la historia, él comienza a volverse una celebridad y los espacios
interiores comienzan a incrementar, espejeando la travesía emocional de Stephen”.
Otro elemento clave del diseño de producción fue la progresión de las sillas de ruedas
que Stephen utiliza y Kelly se esmeró para que se recrearan acertadamente. El
diseñador de producción anota que “Stephen empezó utilizando sillas de ruedas
regulares y luego estuvo en una silla de ruedas eléctrica; posteriormente una silla de
ruedas adaptada para incluir una computadora y una máquina de voz. Hicimos mucha
investigación para lograr crear sillas muy fieles a las reales”.
“Pero también necesitábamos a un número de técnicos para que se aseguraran de
que las sillas se movieran cuando y cómo debían hacerlo y que la computadora y el
activador de voz funcionaran en el momento adecuado”.
La estética cálida y romántica de la película se vio resaltada por el trabajo del
diseñador de vestuario Steven Noble. Enfrentándose a la tarea de desmenuzar el
guión en décadas y a la vez crear una progresión de los estilos de moda en el reino

unido desde la década de los 60 hasta la década de los 80, Noble utilizó una paleta de
colores para cada personaje.
Al vestir a Felicity Jones como Jane, Noble se fijó mucho en el avance psicológico de
su personaje: de estudiante joven a esposa y madre y cuidadora de tiempo completo.
Añade que, “Jane pasa por un momento oscuro en la década de los 70 en la que se
encuentra un poco deprimida, así que para esa década empleamos una paleta de
colores un poco más apagada. Después de conocer a Jonathan sale de eso y se viste
con más glamour”.
Para la secuencia del May Ball, Noble y su departamento tuvieron que vestir a más de
200 extras. “Fue muy divertido”, dice con entusiasmo. “La paleta de colores era
veraniega con muchos colores en pastel. Utilizamos vestidos de gala y toda la cosa.
Me sentí muy complacido con el look de Felicity. Utilizó un vestido de gala sin mangas
en azul pálido. Era sencillo pero deslumbra en la pantalla”.
Como Stephen Hawking, Eddie Redmayne cambia de vestuario 77 veces durante The
Theory of Everything. Los atuendos creados por el equipo de Noble se mantuvieron
fieles al estilo excéntrico del profesor. Noble reflexiona, “siempre fue un poco
desaliñado. Sus corbatas nunca estaban derechas. Su camisa estaba un poco
desfajada o les faltaba un botón. Le daba una estética muy apropiada para un
académico”.
“Comenzamos con Stephen como un estudiante en 1963 con ropa regular y luego
fuimos haciendo los trajes y la ropa más anchos para mostrar la progresión de la
enfermedad. Mientras más grandes se ven sus chaquetas, él se ve más demacrado.
También le pedimos a Jan Sewell [diseñadora de cabello, maquillaje y prostéticos] que
hiciera prostéticos para lo que llamamos las partes ‘huesudas’ de su cuerpo: rodillas,
codos, hombros. El conjunto de todo le daba un aspecto ligeramente deforme”.
Sewell, asignada con la tarea de crear el cabello, maquillaje y prostéticos y las
combinaciones consiguientes de los tres para ser utilizadas por Eddie Redmayne para

asistir su externalización de las distintas etapas de la enfermedad de Stephen, señala
que “Stephen no ha envejecido como lo hacemos el resto de nosotros porque no ha
podido usar sus músculos. Eso ha cambiado tanto su rostro como su cuerpo. Cuando
Eddie conoció a gente con enfermedad de las neuronas motrices, notó que sus manos
cambian mucho, así que incorporamos eso al proceso”.
“Una de las cosas que hice fue cambiar la forma de las orejas de Eddie. Si haces las
orejas o los oídos de alguien más grandes, el resto de la cara cambia de forma y se ve
más pequeña. También añadimos dientes de diferentes formas que cambiarían el
contorno de su boca”.
Para Felicity Jones las tareas de Sewell fueron mucho más convencionales, aunque
no menos difíciles. “Felicity siempre quiso mantener la esencia de Jane Hawking y yo
quería encausar las épocas a través de Jane”, comenta Sewell. “En la secuencia del
May Ball le hicimos a Felicity un peinado al estilo de Audrey Hepburn. En general el
cabello de Jane pasa de ser más corto a ser más largo y vimos fotografías para
atinarle a esta aproximación”.
Más allá de las estrellas
Como una historia de amor que comienza de forma cotidiana y posteriormente gira
hacia nuevos territorios, el guionista y productor McCarten no que, ultimadamente, The
Theory of Everything tiene “un cierra provisto por la historia. Nuestra película sólo
trata con un poco más de la mitad de la vida de Stephen; lo que sabemos de él –de él
y de Jane– es que se enamoraron profundamente, encontraron que su amor se vio
puesto a prueba y, al final, se enfrentaron a un mar de cambios en sus relación,
mismos a los que atendieron juntos. No es un final de Hollywod convencional, pero es
un final feliz a pesar de todo”.
El director James Marsh declara que “Jane es poco sentimental y yo quería hacer una
película igual de fuerte y detallada. No quería huir de las dificultades del matrimonio o

el estrés provocado por la enfermedad porque esos dos elementos hacen que la
historia de amor sea profunda e inspiradora”.
La productora Lisa Bruce dice, “El amor y el universo se vieron puestos bajo el
microscopio por estas dos personas extraordinarias. Encontraron las respuestas que
buscaban mirando a las estrellas y más allá, y a la vez, mirando adentro de sí
mismos”.
THE THEORY OF EVERYTHING
Acerca del elenco.
Eddie Redmayne (Stephen Hawking)
Eddie Redmayne fue nominado en 2012 para el Premio BAFTA en la categoría de
Estrella Emergente, por su continua filmografía. Subsecuentemente, compartió un
premio del Sindicato de Actores con el resto del elenco de Los Miserables de Tom
Hooper en la categoría de Sobresaliente Desempeño como Elenco en un
Largometraje. La película fue nominada a ocho Premios de la Academia incluyendo
Mejor Película, llevándose tres de ellos y tres Globos de Oro incluyendo Mejor
Película.
Ha protagonizado diversas películas, incluyendo My week with Marilyn de Simon
Curtis, donde tomó el papel de Colin Clark mostrando una mirada personal de la
historia, haciendo contrapunto con Michelle Williams quien interpretó a Marilyn
Monroe; En Savage Grace de Tom Kalin, junto con Julianne Moore; Elizabeth: The
Golden Age de Shekar Kapur junto con Cate Blanchett como la Reina Isabel I; Like
Minds de Gregory Read, con Toni Colette y Tom Sturridge; The Yellow Handkerchief
de Udayan Prasad, junto con Kristen Stewart; The Other Boleyn Girl de Justin
Chadwick; Glorious 39 de Stephen Poliakoff; Powder Blue de Timothy Linh Bu; Black
Death de Christopher Smith; Hick de Derick Martini; The Good Shepherd de Robert De
Niro, como el hijo de los personajes interpretados por Matt Damon y Angelina Jolie; y

en la próxima película de Andy y Lana Wachowski, la épica de ciencia ficción Jupiter
Ascending.
Originario de Londres, ha atraído la atención de la audiencia en el teatro. Debutó en
Broadway en el papel de Ken junto con Alfred Molina como el pintor Mark Rothko
en Red de John Logan, dirigido por Michael Grandage; en este papel se llevo el
Premio Tony para Mejor Actor Estelar en una Obra Teatral; la producción se llevo seis
Premios Tony en total, incluida Mejor Obra Teatral. Redmayne también ha recibido un
Premio del Theatre World y una nominación al Premio del Drama Desk. por su papel
en esta misma producción en Londres, en el Donmar Warehouse, ganó el Premio
Olivier por Mejor Actor de Reparto.
El resto de sus papeles en el teatro del Reino Unido incluyen su papel como Ricardo II
de Shakespeare, dirigido de nuevo por Michael Grandage en el Donmar
Warehouse; Now or Later de Christopher Shinn en el Teatro Royal Court, dirigido por
Dominic Cooke; y en la representación de Anthony Page en el Teatro Almeida de The
Goat or Who is Sylvia? de Edward Albee. Producción que le brindó al Sr. Redmayne el
Premio del Critics Circle Theatre y el premio Evening Standard al Novato
Sobresaliente.
Sus apariciones notables en televisión incluyen su papel en la miniserie de la
BBC Birdsong, dirigida por Philip Martin; Tess of the D’Urbervilles dirigida por David
Blair; y The Pillars of the Earth, dirigida por Sergio Mimica-Gezzan. Su primer aparición
en una miniserie fue Elizabeth I, al igual que su primer proyecto con el director Tom
Hooper.
Redmayne actualmente se encuentra en la producción de su próxima película cuyo
título temporal es The Danish Girl , reuniéndose con el director Tom Hopper en el
papel del pintor Einar Wegener compartiendo créditos con Alicia Vikander como Gerda
Wegener.

FELICITY JONES (Jane Hawking)
Tanto en los Estados Unidos como en Reino Unido, su lugar de nacimiento, Felicity
Jones ha generado interés en la audiencia e industria del entretenimiento por sus
decisiones actorales.
Durante el Festival de Cine de Sundance en 2011, en la premier del drama romántico
de Drake Doremus Like Crazy, donde Jones hizo coprotagonista a Anton Yelchin, la
película ganó el premio del Gran Jurado junto con un Premio Especial del Jurado para
Jones por su actuación. Subsecuentemente ganó el Premio al Gotham Independent
Film por Rendimiento Actoral; el premio del National Board of Review al Mejor
Rendimiento Actoral; y un Empire Award porMejor Actriz Novata.
Fue recientemente nominada a Mejor Actriz por el Premio British Independent Film por
su actuación en The Invisible Woman de Ralph Fiennes haciendo contrapunto al Sr.
Fiennes, en el papel de Nelly Ternan, la mujer amada de Charles Dickens. Más
recientemente apareció como la misteriosa Felicia Hardy en la taquillera The Amazing
Spider-Man 2.
La señorita Jones ha participado en otras películas estelares incluyendo la re
imaginación deThe Tempest de Julie Taymor, con Helen Mirren; Albatross de Niall
McCormick, por la cual fue nominada al Premio British Independent Film como Mejor
Actriz de Reparto; En Breathe In, trabajando de nuevo con el director Drake
Doremus; Chalet Girl de Phil Traill, en el papel titular; Cheerful Weather for the
Wedding de Donald Rice; Chéri de Stephen Frears;Brideshead Revisited de Julian
Jarrold; Hysteria de Tanya Wexler; SoulBoy de Shimmy Marcus;Flashbacks of a
Foo de Baillie Walsh, como a la versión de juventud del personaje representado por
Claire Forlani; y Cemetery Junction, escrita y dirigida por Ricky Gervais y Stephen
Merchant.
Entre sus créditos televisivos se encuentra Northanger Abbey, basada en la novela de
Jane Austen, dirigida por Jon Jones; Page Eight y Salting the Battlefield de Sir David

Hare, en ambas de opuesta a Bill Nighy; y The Diary of Anne Frank, en donde
interpretó a la hermana de Anne Frank, Margot and fue dirigida de nuevo por el Sr.
Jones.
La señorita Jones tiene una extensa carrera teatral. Apareció en la presentación
de Luise Millerde Michael Grandage en el Domar Warehouse, obteniendo reseñas
sobresalientes por su presentación como actriz titular. Bajo la dirección de Jeremy
Herrin protagonizó That Face en el Royal Court Theatre. Su actuación en el regreso
de The Chalk Garden al Donmar Warehouse, dirigida por el Sr. Grandage y actuando
junto a Margaret Tyzack y Penelope Wilton, le brindó un Evening Star Award en la
categoría de Novata Sobresaliente.
Ha dejado por igual su marca en la radio, narrando como Emma Grundy en el popular
show de la Radio 4 en la BBC The Archers. Para esa misma cadena representó en las
grabaciones deWatership Down and Mansfield Park.
Las próximas películas de Jones incluyen True Story de Rupert Goold, con James
Franco y Jonah Hill; Autobahn de Eran Creevy, junto a Nicholas Hoult, Sir Anthony
Hopkins y Sir Ben Kinglsey; y la muy anticipada A Monster Calls de Antonio Bayona,
también para Focus Features.
CHARLIE COX (Jonathan Hellyer Jones)
Con el resto de sus compañeros de Broadwalk Empire, Charlie Cox compartió un
Premio del Sindicato de Actores en 2012 en la categoría de Sobresaliente Desempeño
como Elenco en una Serie Dramática; grupo que volvió a ser nominado en 2013;
después de la conclusión de las dos temporadas del Sr. Cox en el show de HBO
actuando del inmigrante irlandés y soldado Owen Slater.
El señor Cox nació en Londres y recibió su educación en la Escuela de Teatro Bristol
Old Vic. Hizo su debut en el West End en The Lover and The Collection de Harold
Pinter en el Comedy Theatre, dirigido por Jamie Lloyd. El resto de sus créditos en
escena incluyen The Prince of Homburg de Heinrich von Kleist, en el papel titular,

actuando en el Donmar Warehouse en una producción adaptada por Dennis Kelly y
dirigida por Jonathan Munby.
Hizo su debut en pantalla grande actuando en Dot the I de Matthew Parkhill al lado de
Gael García Bernal y Tom Hardy. Sus primeras películas incluyen The Merchant of
Venice de Michael Radford, con Al Pacino y Jeremy Irons; y Casanova de Lasse
Hallström, protagonizada por Heath Ledger.
El papel que le otorgó relevancia fue en su actuación como Tristan Thorn
en Stardust de Matthew Vaughn, basada en la novela de Nail Gaiman. El señor Cox
actuó en oposición a Claire Danes, Robert De Niro y Michelle Pfeiffer en aquella
aventura fantástica.
Entre sus otras películas se encuentran There Be Dragon de Roland Joffé; Things to
Do Before You’re 30 de Simon Shore; Glorious 39, junto a Bill Nighy, Julie Christie, y la
estrella de The Theory of Everything Eddie Redmayne para el escritor/director Stephen
Poliakoff; y Stone of Destiny de Charles Martin Smith, donde el Sr. Cox actuó como el
héroe Escocés Ian Hamilton.
Co-estelarizó el primer episodio de Downton Abbey; y actuó como Ishmael en la mini
serie épica de Mike Barker, Moby Dick, opuesto a William Hurt y Ethan Hawke.
EL trabaja actualmente en la anticipada serie de Marvel Daredevil, por estrenar vía
Netflix en 2015, en donde estelariza a Matt Murdock, abogado ciego que lucha contra
la injusticia en la corte y en las calles como el héroe disfrazado Daredevil. El resto del
elenco es completado por Deborah Ann Woll, Vincent D’Onofrio, Elden Henson, y
Rosario Dawson.

EMILY WATSON (Beryl Wilde)
Emily Watson, una de las actrices más aclamadas en la industria del entretenimiento,
atrajo la atención de la comunidad cinematográfica con su memorable desempeño en
el largometraje de Lars von Trier, Breaking the Waves. La actuación de Watson, en la
que cabe mencionar fue su primera película, le valió varias nominaciones, entre las
cuales destacan los premios Óscar, los Globos de Oro y los Premios BAFTA. Obtuvo,
además, el galardón como Mejor Actriz por parte del Gremio de Cine de Nueva York y
de la Sociedad Nacional de Críticos de Cine, así como el premio Felix, también en la
categoría de Mejor Actriz. Fue nombrada como revelación inglesa del año por el
Gremio de Cine de Londres.
Emily Watson volvió a ser nominada en la categoría de Mejor Actriz en los premios
Óscar, los Globos de Oro, los Premios BAFTA y los Premios del Sindicato de Actores
de Cine, gracias a su interpretación de la famosa chelista clásica Jaqueline du Pré en
la película Hilary and Jackie, también protagonizada por Rachel Griffiths y dirigida por
Anand Tucker. Su actuación le mereció el premio como Mejor Actriz en los premios
BIFA.
Su repertorio como actriz incluye las siguientes películas: Metroland –de Philip
Saville–, cuyo personaje masculino fue interpretado por Christian Bale; The Boxer, de
Jim Sheridan; Cradle Will Rock, de Tim Robbins; Angela´s Ashes, de Alan
Parker; Trixie, de Alan Rudolph; Punch-Drunk Love, de Paul Thomas Anderson; Red
Dragon, de Brett Ratner; The Proposition, de John Hillcoat; Wah-Wah, de Richard E.
Grant; de Tim Burton y Mike Johnson, Corpse Bride, donde prestó su voz para el
personaje de Victoria Everglot; Synecdoche, New York, de Charlie Kaufman; Cold
Souls, de Sophie Barthes; de Jim Loach, Oranges and Sunshine, película por la cual
obtuvo una nominación del Australian Film Institute y ganó –en la categoría de Mejor
Actriz– el premio del Gremio de Críticos de Australia. War Horse, de Steven Spielberg,
es otro de los largometrajes en los que ha participado, al igual que en Anna Karenina,
de Joe Wright;Some Girl(s), adaptada por Neil LaBute y dirigida por Daisy von Sherler

Mayer; The Book Thief, de Brian Percival; Belle, de Ama Asante; y Gosford Park –de
Robert Altman–, que le otorgó el premio a la Mejor Interpretación de un Ensamble en
una Película.
Recientemente fue nominada por el Sindicato de Actores de Cine y nombrada
candidata para llevarse un Globo de Oro gracias a su actuación en la
miniserie Appropriate Adult, en la que comparte créditos con Dominic West. Su
interpretación como Janet Leach la hizo acreedora a un premio BAFTA.
En el 2015 la podremos ver en varios largometrajes, incluido el drama de la Segunda
Guerra Mundial Little Boy –de Alejandro Monteverde–, en donde actuará junto a David
Henrie, Michael Rapaport y Tom Wilkinson. También formará parte de Everest,
película dirigida por Baltasar Kormákur y producida por Working Title Films.
Emily Watson es una veterana en cuanto a teatro se refiere. Su trayectoria incluye
puestas en escena tales como Three Sisters, The Lady from the Sea y The Children´s
Hour en el Royal National Theatre. Watson ha trabajado de manera recurrente con la
Royal Shakespeare Company, en producciones como Jovial Crew, The Taming of the
Shrew, All´s Well That Ends Well y The Challenging.

SIMON McBURNEY (Frank Hawking)
Director, actor y escritor: Simon McBurney es uno de los artistas más innovadores en
la industria del teatro actualmente. Fue el ganador de los premios Evening Standard y
Olivier, además del galardón del Gremio de Críticos de Londres a Mejor Obra por A
Disappearing Number, la cual se presentó en el teatro Barbican de la misma ciudad
inglesa.
McBurney es el cofundador del grupo de teatro Complicité, originalmente llamado
Théâtre de Complicité. Ha escrito, dirigido y actuado en más de cuarenta producciones
para dicha compañía. Las interpretaciones y adaptaciones de sus obras han sido

vistas por cientos de personas en la ciudad de Nueva York: The Three Lives of Lucie
Cabrol se estrenó en el Festival del Lincoln Center en 1996. En 1998 su obra The
Chairs recibió seis nominaciones a los premios Tony y The Street of Crocodiles fue
representada en el Festival del Lincoln Center. The Noise of Time también se presentó
en el Lincoln Center, con la colaboración de The Emerson String Quartet en el año
2001 y, posteriormente, en el 2003. Con Mnemonic, McBurney ganó tres premios
Lucille Lortel, incluyendo el de Experiencia Teatral Única en el 2001. The Resistible
Rise of Arturo Ui, producida por el teatro Tony Randall’s National Actors, fue
estelarizada por Al Pacino. The Elephant Vanishes se estrenó en el 2004 en el Festival
del Lincoln Center y el regreso de All My Sons, protagonizada por John Lithgow y
Dianne West, se llevó a cabo en pleno Broadway durante el 2008 y el 2009.
McBurney colaboró con el compositor ruso Alexander Raskatov en la adaptación de la
ópera deA Dog´s Heart, una novela escrita por Mikhail Bulgakov. Dicha adaptación se
presentó en la Dutch National Opera de Amsterdam y en la English National Opera en
el West End de Londres, en el año 2010.
En el 2008, Bryan McBurney fue acreedor al premio Konrad Wolf de la Academia de
Artes de Berlín; este premio se le otorga únicamente a artistas multidisciplinarios
sobresalientes. En ese mismo año se convirtió en el primer director no japonés en
recibir el premio Yomiuri por su actuación en Shun-kin.
Como actor se ha desempeñado también en cine y televisión. Las películas en las que
ha participado incluyen Friends With Money, de Nicole Holofcerner, con Frances
McDormand como contraparte femenina; Tom & Viv, de Brian Gilbert: Being Human,
de Bill Forsyth;Onegin, de Martha Fiennes; Bright Young Things, de Stephen Fry; The
Manchurian Canidate, dirigida por Jonathan Demme, con la participación estelar de
Denzel Washington; The Last King of Scotland, junto al ganador del Óscar, Forrest
Whitaker, y dirigida por Kevin Macdonald;The Golden Compass, de Chris Weitz; The
Duchess –de Saul Dibb–, protagonizada por Keira Knightley; Body of Lies y Robin
Hood, ambas de Ridley Scott; del director David Yates, Harry Potter and the Deathly

Hallows Part 1, donde prestó su voz al personaje Kreacher; Magic in the Moonlight, de
Woody Allen; Jane Eyre, de Joji Fukunanga; Tinker, Tailor, Soldier, Spy, de Tomas
Alfredson, producida por Focus Features y Working Title Films. En televisión,
protagonizó The Borgias junto a Jeremy Irons y Rev. con Tom Hollander como
antagonista. Próximamente aparecerá en The Casual Vacancy, una miniserie basada
en la novela del mismo nombre escrita por J.K Rowling.

DAVID THEWLIS (Dennis Sicama)

Actor, escritor y director. Mejor conocido por sus colaboraciones con el cineasta Mike
Leigh y por sus emocionantes aventuras al lado de un niño mago.
Thewlis personificó al Profesor Remus Lupin en cinco de las exitosas películas de la
saga de Harry Potter, dirigidas por Alfonso Cuarón y David Yates.
Protagonizó The Short & Curlies y Life is Sweet, ambas producciones de Mike Leigh.
Gracias a su papel como Johnny, Thewlis fue votado como Mejor Actor en el Festival
Internacional de Cannes, en los Premios Evening Standard de Inglaterra, por la
Sociedad Nacional de Críticos, el Gremio de Críticos de Nueva York y el Gremio de
Críticos de Londres.
Sus múltiples largometrajes como actor incluyen Divorcing Jack –de David Caffrey–,
por el cual obtuvo una nominación a los Premios BIFA. Little Dorrit, de Christine
Edzard; Damage, de Louise Malle; Black Beauty, de Caroline Thompson; Total
Eclipse, de Agnieszka Holland;Restoration, de Michael Hoffman; James and the Giant
Peach, de Henry Selick; Dragon Heart, de Rob Cohen; Seven Years in Tibet, de JeanJacques Annaud; Besieged, de Bernardo Bertolucci; Kingdom of Heaven, de Ridley
Scott; The New World, de Terrence Malick; The Boy in the Striped Pajamas, de Mark
Herman; The Inner Life of Martin Frost, donde personificó al escritor y director Paul

Auster; Mr. Nice, película por la cual recibió el premio PPG a la Mejor Actuación en
una Película Inglesa; del director William Monahan, London Boulevard, que le valió
una nominación a los Premios Evening Standard; The Lady, de Luc Besson; RED 2,
de Dean Parisot; The Fifth Estate, de Bill Condon; War Horse, de Steven
Spielberg; The Zero Thorem, de Terry Gilliam y The Big Lebowski, de los hermanos
Coen.
Los créditos de David Thewlis en la televisión inglesa incluyen la miniserie clásica de
Dennis Potter The Singing Detective, dirigida por Jon Amiel; la película para
televisión Oranges Are Not the Only Fruit, de Beeban Kidron; Prime Suspect 3, con
Helen Mirren, dirigida por David Drury; Endgame, de Conor McPherson, una
adaptación de la obra escrita por Samuel Beckett; así como un episodio de la
serie The Street, dirigida por Terry McDonough, en la que Thewlis hizo un doble papel
y por la cual fue nominado como Mejor Actor al premio del Festival de Televisión de
Monte Carlo y a los Premios Royal Television Society.
Su repertorio teatral incluye The Sea, dirigida por Sam Mendes, en el Royal National
Theatre, yIce Cream, dirigida por Max Stafford Clark, en el Royal Court Theatre.
Thewlis escribió, dirigió y protagonizó Cheeky, además de Hello, Hello, Hello, una
producción que fue nominada al Premio BAFTA por Mejor Cortometraje.
En el 2008 fue honrado con el Premio Richard Harris de los Premios BIFA por su
Contribución Destacada al Cine Inglés.
Acerca de los cineastas
JAMES MARSH (Director)
Director tanto de documentales como de largometrajes narrativos, James Marsh ganó
un Premio de la Academia como director de Man on Wire, película que fue elegida
para la categoría de Mejor Largometraje Documental. La película, acerca de cómo
Philippe Petit caminó entre las Torres Gemelas del World Trade Center sobre una

cuerda floja en 1974, ganó premios alrededor del mundo; por ella, el señor Marsh
recibió un premio BAFTA y un Premio al Espíritu Independiente, entre otros honores.
Su más reciente largometraje narrativo fue Shadow Dancer, un thriller dramático
escenificado en el norte de Irlanda en la década de los noventa, protagonizada por
Andrea Riseborough, Clive Owen y Gillian Anderson. Shadow Dancer se proyectó en
los festivales internacionales de cine de Sundance y Berlín, en ambos ganó el Premio
del Jurado, también ganó el Premio de la Audiencia en el Festival Dinard de Cine
Británico.
Entre los otros largometrajes narrativos del señoralda o tenMe sentoriginal se ci mn
poa Felicity un peinado al estilo de Audrey Hepburn. En generalda o tenMe
sentoriginal se ñor Marsh se encuentran The King, en donde también participó como
guionista, estelarizada por Gael García Bernal y William Hurt; se trata de un drama de
secretos familiares ambientado en Texas por el que recibió una nominación a los
premios Gotham Independent por Director Revelación y el drama policiaco del Reino
Unido Red Riding: In the Year of our Lord 1980, estelarizado por Paddy Considine, que
fue proyectado en Telluride, Nueva York, y en el Festival de Cine AFI.
.Su documental Project Nim, acerca de un chimpancé criado por humanos en los años
setenta, lo hizo merecedor del premio a Mejor Director en la categoría de
Documentales Cinematográficos del Mundo en el Festival de Cine de Sundance, así
como el premio a Logro en Dirección Documental del Sindicato de Directores de
Estados Unidos, entre otros honores.
Sus otros largometrajes documentales incluyen The Team, acerca de hombres
compitiendo en la Primera Copa Mundial de Vagabundos; Wisconsin Death Trip, en
donde dio seguimiento a la reconstrucción de los infortunios de un pequeño pueblo en
los años ochenta, este documental fue proyectado en los festivales de cine de
Telluride, Venecia y San Sebastián; Arena, Blondes: Jayne Mansfield y John Cale,
para la BBC2, que ganó el premio BAFTA (Wales) por Mejor Documental.

Marsh, nativo de Cornwall, también ha dirigido comerciales para Audi, Coca-Cola y la
BBC.
TIM BEVAN y ERIC FELLNER (Productores)
Working Title Films, empresa codirigida por Tim Bevan y Eric Fellner desde 1992, es
una de las compañías productoras líderes a nivel mundial
Fundada en 1983, Working Title ha hecho más de 100 películas que han recaudado
más de seis mil millones de dólares a nivel mundial. Sus películas han ganado diez
Premios de la Academia (por Les Misérables, de Tom Hooper; Dead Man Walking, de
Tim Robbins; Fargo, de Joel y Ethan Coen; Elizabeth y Elizabeth: The Golden Age, de
Shekhar Kapur y Atonement y AnnaKarenina de Joe Wright), 36 premios BAFTA y
galardones en los festivales de cine internacionales de Berlín y Cannes.
Los señores Bevan y Fellner han obtenido dos de los más grandes premios dados a
un cineasta británico: el Premio Michael Balcon por Contribución Destacada al Cine
Británico, de la Orange British Academy Film [BAFTA, por sus siglas en inglés] y el
premio Alexander Walker de los Premios Evening Standard British Film. Ellos,
además, han sido honrados con la Orden de Comandantes del Imperio Británico. El
Sindicato de Productores de Estados Unidos los reconoció con su Premio al Mérito
David O. Selznick en Largometrajes, su máximo galardón.
Working Title disfruta de exitosas colaboraciones con cineastas como los hermanos
Coen, Richard Curtis, Stephen Daldry, Paul Greengrass, Tom Hooper, Ron Howard,
Edgar Wright y Joe Wright; así como con los actores Rowan Atkinson, Cate Blanchett,
Colin Firth, Nick Frost, Hugh Grant, Keira Knightley, Simon Pegg, Eddie Redmayne y
Emma Thompson, entre otros.
Su extensa y diversa producción, adicional a lo mencionado anteriormente,
incluye Four Weddings and a Funeral de Mike Newell; Love Actually y About Time, de
Richard Curtis;Notting Hill de Roger Michell; las dos películas de Mr. Bean, dirigidas
por Mel Smith y Steve Bendelack, respectivamente; Shaun of the Dead, Hot

Fuzz y The World’s End, de Edgar Wright;About a Boy, de Paul y Chris Weitz; The
Interpreter de Sydney Pollack; ambas películas deBridget Jones, dirigidas por Sharon
Maguire

y

Beeban

Kidron,

respectivamente; Pride

&Prejudice, de

Joe

Wright; Contraband, de Baltasar Kormákur, estelarizada por Mark Wahlberg y Kate
Beckinsale; ambas películas de Nanny McPhee, dirigidas por Kirk Jones y Susanna
White, respectivamente; ambas películas de Johnny English, dirigidas por Peter Howitt
y Oliver Parker, respectivamente; Tinker, Tailor, Soldier, Spy, de Tomas Alfredson,
estelarizada por Gary Oldman; Senna, de Asif Kapadia, el primer documental de la
compañía, acerca del legendario conductor de carreras Ayrton Senna; United 93, de
Paul Greengrass y Frost/Nixon yRush de Ron Howard.
El éxito de la película Billy Elliot, dirigida por Stephen Daldry, ha continuado en el
teatro conBilly Elliot the Musical, dirigido por el señor Daldry, con letras de Lee Hall y
música de Elton John. Esta obra, ganadora de 76 premios de teatro internacionales,
celebrará su décimo aniversario en la primavera del 2015 en Londres, en donde ha
sido presentada continuamente desde su estreno. Pasó por más de tres años en
Broadway, ganando 10 premios Tony en el 2009, incluyendo Mejor Musical y Mejor
Director; también hizo un tour por Estados Unidos. Antes de llegar a los Países Bajos,
el show se presentó en Sidney, Melbourne, Chicago, Toronto, Brasil y Seúl, en Corea
del Sur. La obra ha sido vista por más de 9.5 millones de personas alrededor del
mundo.
La programación actual de Working Title incluye a Trash, de Stephen Daldry,
estelarizada por Rooney Mara y Martin Sheen; The Two Faces of January, de Hossein
Amini, con las actuaciones de Viggo Mortensen, Kirsten Dunst y Oscar Isaac; una
película aún sin título protagonizada por Ben Foster como Lance Armstrong, dirigida
por Stephen Frears; la épica Everest, de Baltasar Kormákur; Legend, de Brian
Helgeland, con las actuaciones de Tom Hardy como Ronald y Reginald Kray; We Are
Your Friends, de Max Joseph, con las actuaciones de Zac Efron y Emily
Ratajkowski; Hail, Caesar!, de Joel y Ethan Coen, con George Clooney y The Danish
Girl, de Tom Hooper, estelarizada por Eddie Redmayne y Alicia Vikander.

LISA BRUCE (Productora)
Como productora, Lisa Bruce ha hecho largometrajes para el mercado doméstico y el
internacional, tanto independientes como de la mano de grandes estudios.
Recientemente produjo la película para la televisión Mary and Martha de Working Title
y HBO, dirigida por Phillip Noycem, escrita por Richard Curtis. Hilary Swank y Brenda
Blethyn estelarizaron esta historia basada en la vida real sobre dos madres que se
unieron para educar al mundo sobre la malaria. Anteriormente produjo Walkout para
HBO, con las actuaciones protagónicas de Alexa Vega y Michael Peña, acerca del
activismo mexicano-americano en 1968; Edward James Olmos recibió una nominación
del Sindicato de Directores de Estados Unidos por su dirección de esta película para
televisión.
La señora Bruce fue productora ejecutiva en el éxito de Ivan Reitman No Strings
Attached, que contó con las actuaciones estelares de Natalie Portman, Ashton
Kutcher, Kevin Kline y Lake Bell; en Fighting, de Dito Montiel, con Channing Tatum y
Terrence Howard y en Arthur Newman, de Dante Ariola, protagonizada por Colin Firth
y Emily Blunt. Fue coproductora de A Lot Like Love, de Nigel Cole, junto al señor
Kutcher con Amanda Peet; de Case 39, de Christian Alvart, con las actuaciones
estelares de Renée Zellweger y Jodelle Ferland y en The Emperor’s Club, de Michael
Hoffman, protagonizada por el señor Kline.
Fue coproductora de la vanguardista película Tumbleweeds del director Gavin
O’Connor. Esta película independiente se estrenó mundialmente en el Festival de Cine
de Sundance en 1999 y, posteriormente, se convirtió en una de las historias de éxito
del año. La película estelarizada por Janet McTeer fue nominada para un Premio de la
Academia para la categoría de Mejor Actriz y obtuvo un Globo de Oro, entre otros
honores; la joven estrella de la película Kimberly J. Brown obtuvo un premio al Espíritu
Independiente

en

la

categoría

de

Mejor

Actuación

Debut.Tumbleweeds fue

considerada por la Junta Nacional de Reseñistas como una de las 10 mejores
películas del año y también nombraron a la señora McTeer como Mejor Actriz.

La señora Bruce fue miembro fundador de Orenda Films, una compañía situada en
Nueva York que desarrolla, produce y maneja la entrega y distribución mundial de
largometrajes, incluyendo The Search for One-Eyed Jimmy, de Sam Henry Kass; No
Way Home, de Buddy Giovinazzo, protagonizada por Tim Roth y Auf Wiedersehen
Amerika, de Jan Schütte.
Antes de producir largometrajes, ella escribió y dirigió el documental Raw Images;
produjo cinco cortometrajes, entre ellos el documental galardonado con un Premio de
la Academia de Estudiantes Go to Hell y escribió, dirigió y produjo el multipremiado
cortometraje, Night’s Window. La BBC le hizo un perfil en su especial Women in Film.
La señora Bruce ha dado talleres internacionales sobre la producción de largometrajes
independientes en la Universidad de Nueva York, la Universidad de Columbia, la
Universidad de Ohio y la Universidad Loyola Marymount, así como para la Eastern
European Film Academy, financiada por George Soros, en Groznjan, Croacia.

ANTHONY McCARTEN (Productor; guionista)
Nacido en Nueva Zelanda y viviendo actualmente en Inglaterra, Anthony McCarten es
un guionista galardonado, novelista y cineasta.
Su primer éxito internacional llegó con la obra Ladies Night. Traducida a 12 idiomas,
es la obra neozelandesa con mayor éxito comercial de la historia. En el 2001, la obra
le mereció al señor McCarten el premio más importante de teatro a una comedia de
Francia: el Premio Molière.
Sus novelas han sido traducidas a 14idiomas. La primera, Spinners, fue votada como
una de las 10 mejores novelas del 2010 por la revista Esquire. En el 2005, su segunda
novela, The English Harem, se volvió un bestseller internacional. Su tercera novela,
Death of a Superhero, ganó el Premio Literario de la Juventud Australiana 2008 y fue
finalista del Premio Literario de la Juventud Alemana de ese mismo año. La séptima

novela del señor McCarten recién fue publicada, con gran elogio por parte de los
críticos.
Fue productor ejecutivo de la adaptación cinematográfica de su novela Death of a
Superhero; el largometraje fue dirigido por Ian Fitzgibbon y contó con las actuaciones
estelares de Andy Serkis, Thomas Brodie-Sangster y Aisling Loftus. La película fue
nominada para tres Premios para la Televisión y Cine Irlandés: Mejor Película, Mejor
Director y Mejor Actor de Reparto (Michael McElhatton). Además adaptó, desde su
novela, la película The English Harem; dirigida por Robin Sheppard, con las
actuaciones de Martine McCutcheon y Art Malik.
El señor McCarten escribió y dirigió Show of Hands, adaptándola desde su novela; la
película está protagonizada por Craig Hall y fue nominada para tres Premios del Cine y
la Televisión de Nueva Zelanda, incluidos Mejor Película, Mejor Actriz (Melanie
Lynskey) y Mejor Director. También ha adaptado y dirigido la película Via Satellite,
desde su propio guión para teatro, que cuenta con las actuaciones de Karl Urban y
Danielle Cormack; la película ganó dos Premios de Cine y Televisión de Nueva
Zelanda, por Mejor Actriz de Reparto (Jodie Dorday) y Mejor Edición.
JANE HAWKING (Escritora)
Jane Hawking fue esposa de Stephen Hawking durante más de veinticinco años y es
madre de sus tres hijos. Ha vivido en Cambridge casi toda su vida adulta.
Su libro At Home in France fue publicado en 1994, seguido Music to Move the Stars en
1999 y Travelling to Infinity: My Life with Stephen en el 2007. The Theory of
Everything es una adaptación de este último libro.
Tiene un doctorado en poesía medieval española, durante muchos años enseñó
Lenguas Modernas, pero actualmente se dedica a escribir. Es, además, una talentosa
cantante solista y coral.

Cuando no está en Cambridge o viajando, generalmente se le puede encontrar
cuidando su jardín en Francia.
BENOÎT DELHOMME, AFC (Director de Fotografía)
Nacido en París, Benoît Delhomme pasó casi toda su infancia en Cherbourg
(Normandía), en donde tenía un cuarto oscuro casero en el que experimentando con
fotografías a blanco y negro.
Entre 1980 y 1982, estudió cinematografía en la Louis Lumière School en París bajo la
inspiradora tutela de Cesar Chiabaud, quien fue el operador de cámara favorito del
director Robert Bresson. En 1985, Delhomme trabajó como asistente de cámara para
el legendario cinematógrafo francés, Bruno Nuytten, en la grabación de ocho meses
consecutivos de Jean de Florette de Claude Berri y Manon des Sources, adaptada a
partir de los libros de Marcel Pagnol. En Provenza, al año siguiente, Delhomme trabajó
en

más

de

40

cortometrajes,

experimentando

con

cámaras

y

técnicas

cinematográficas.
En 1992 grabó su primer largometraje, con el debutante director vietnamita Tran Ahn
Hung, en un estudio de audio en París; The Scent of Green Papaya ganó la Cámara
de Oro en su premier mundial en el Festival Internacional de Cine de Cannes,
enseguida recibió la nominación para los Premios de La Academia en la categoría de
Mejor Película Extranjera. El señor Delhomme recibió una nominación Cameraimage
por su trabajo. El director y el cinematógrafo volvieron a hacer equipo dos años
después para rodar Cyclo, filmada en Saigón, cinta que obtuvo el premio más grande:
el León de Oro en el Festival Internacional de Cine de Venecia. La grabación en
Saigón motivó al señor Delhomme a pintar, además de tomar fotografías durante las
grabaciones.
Después grabó dos películas junto al director Cedric Klapisch, When the Cat’s
Away y Family Resemblances, las cuales tuvieron gran éxito en Francia y en el resto
del mundo. El señor Delhomme recibió la nominación a un Premio César (el

equivalente francés a los Premios Óscar) por su trabajo en Artemisia de Agnès Merlet,
estelarizada por Valentina Cervi.
Inspirado por las pinturas de John Singer Sargent, Delhomme grabó la adaptación que
hizo David Mamet de The Winslow Boy. C0laboró dos veces con Mike Figgis y Benoît
Jacquot

enThe

Loss

of

Sexual

Innocence Miss

Julie y

en Sade y Adolphe,

respectivamente.
En el 2000, Anthony Minghella invitó al señor Delhomme a trabajar con él en un
cortometraje,Play, una adaptación de la obra de Samuel Beckett para el Canal 4.
Regresando a los largometrajes, grabó la película taiwanesa de Tsai Ming-Liang, What
Time Is It Over There?, ganando el Premio Especial del Jurado por Cinematografía en
el Festival de Cine de Chicago.
Sus largometrajes posteriores incluyen The Merchant of Venice, de Michael Radford,
protagonizado por Al Pacino; Lawless y The Proposition, de John Hillcoat, por la que el
señor Delhomme obtuvo el premio a Mejor Cinematografía del Instituto de Cine
Australiano, entre otros honores; Breaking and Entering de Anthony Minghella; The
Boy in the Striped Pajamas, de Mark Herman; Chatroom de Hideo Nakata; The Son of
No One, de Dito Montiel, estelarizada por Channing Tatum y el señor Pacino; One
Day, de Lone Scherfis, también para Focus Features; A Most Wanted Man, de Anton
Corbijn, estelarizada por Philip Seymour Hoffman y Salomé, de Al Pacino y Jessica
Chastain.
JOHN-PAUL KELLY (Diseñador de Producción)
John-Paul Kelly ganó premios Emmy y BAFTA por su trabajo como diseñador de
producción para The Lost Prince del guionista/director Stephen Poliakoff, quien
también ganó el Emmy por Miniserie Destacada, entre otros honores.
Nació y se educó en Irlanda antes de mudarse a Londres a estudiar la licenciatura en
arquitectura en la Kingston University. El señor Kelly, posteriormente, acudió al Royal

College of Art en Londres, donde se graduó con una maestría en Diseño para Cine y
Televisión.
Sus producciones cinematográficas incluyen Venus, de Roger Michell, estelarizada por
Peter O’Toole y Jodie Whittaker, y Enduring Love, con las actuaciones de Daniel Craig
y Rhys Ifans;About Time, de Richard Curtis, también para Working Title Films; The
Guard, John Michael McDonagh, protagonizada por Brendan Gleeson y Don Cheadle,
por la que recibió una nominación a los Premios a la Televisión y el Cine Irlandeses
(IFTA, por sus siglas en inglés); The Other Boleyn Girl, de Justin Chadwick, con las
actuaciones de Natalie Portman y Scarlett Johansson, por la que también recibió una
nominación a los premios IFTA; 360, de Fernando Meirelles; The Last Yellow, de
Julian Farino; Lassie, de Charles Sturridge; Tristram Shandy: A Cock and Bull Story,
de Michael Winterbottom; I Capture the Castle, de Tim Fywell;TwentyFourSeven, de
Shane Meadows, estelarizada por Bob Hoskins; Under the Skin, de Carine Adler, la
película que lanzó al estrellato a Samantha Morton y la impactante Bloody Sunday, de
Paul Greengrass.
Los créditos del señor Kelly en películas para la televisión como diseñador de
producción incluyen A Number, de Caryl Churchill, dirigida por James Macdonald
y Byron, de and Julian Farino, protagonizada por Jonny Lee Miller y Shooting the Past,
de and Stephen Poliakoff, por las que recibió nominaciones a los Premios de la
Sociedad Real de Televisión.
JINX GODFREY (Editor)
The Theory of Everything marca la décima colaboración entre la editora
cinematográfica Jinx Godfrey y el director James Marsh. Sus películas anteriores
fueron: Shadow Dancer, con las actuaciones de Andrea Riseborough y Clive
Owen; The King, con Gael García Bernal y William Hurt; Red Riding: In the Year of our
Lord 1980, estelarizada por Paddy Considine; los largometrajes de no-ficción Project
Nim, The Team y Wisconsin Death Trip; Blondes: Jayne Mansfield para Arena de U.K.
Television y el documental John Cale para la BBC 2 y, finalmente,Man on Wire, que

ganó varios premios alrededor del mundo, incluyendo el premio de la Academia por
Mejor Documental. Por su edición en su última película, la señora Godfrey fue honrada
con el premio Eddie para Mejor Documental Editado por parte de los Editores de Cine
Norteamericanos.
Adicionalmente a su trabajo con James Marsh, sus largometrajes como editora
cinematográfica incluyen la película para televisión Page Eight, de Sir David Hare, con
las actuaciones de Bill Nighy, Ralph Fiennes y Rachel Weisz; How I Live Now, de
Kevin

Macdonald,

estelarizada

por

Saoirse

Ronan

y

la

película

para

la

televisión Margot, de Otto Bathurst, protagonizada por Anne-Marie Duff, en el papel de
Margot Fonteyn.
Ha editado documentales para televisión para todo el mundo, desde Paul Robeson a
Charlotte Church, y en todos los temas, desde montañas rusas hasta compañías de
ópera.
La señora Godfrey ha editado comerciales en el Reino Unido y en los Estados Unidos
por más de 20 años, trabajando con directores como Dante Ariola, Mike Figgis, Michel
Gondry (para Adidas), Tom Hooper, Tony Kaye, Spike Lee (para Nike), Errol Morris
(para American Express) y el finado Tony Scott.
STEVEN NOBLE (Diseño de Vestuario)
Steven Noble se graduó con honores del York College of Art. Pasó varios años
diseñando para teatro, trabajando con notables casas de moda londinenses y
diseñando sesiones de fotografía para revistas como The Face e ID. Todas estas
colaboraciones creativas ayudaron a definir su gusto por el diseño de vestuario, su
vocación.
Fue diseñador de vestuario para 24 Hour Party People, de Michael Winterbottom,
protagonizada por Steve Coogan. Sus siguientes películas como diseñador de
vestuario incluyen Severance y Triangle de Christopher Smith; Never Let Me Go, de
Mark Romanek, estelarizada por Keira Knightley, Carey Mulligan y Andrew

Garfield; Wuthering Heights, de Andrea Arnold; The Two Faces of January, de Hossein
Amini, también para Working Title Films, estelarizada por Kirsten Dunst y Viggo
Mortensen y la controversial Under the Skin, de Jonathan Glazer, con la actuación
estelar de Scarlett Johansson.
La audiencia puede tener presente su trabajo en la película familiar Get Santa, en
donde volvió a hacer equipo con el director Christopher Smith y en The Riot Club, de
Lone Scherfig, basada en la aclamada obra de teatro Posh.
Actualmente está preparando el diseño de vestuario para el esperado drama de Juan
Antonio Bayona’: A Monster Calls, también para Focus Features, en donde se reunirá
con la estrella deThe Theory of Everything: Felicity Jones.
JAN SEWELL (Cabello, Maquillaje y Diseño Prostético)
La diseñadora de peinados, maquilla y prótesis Jan Sewell ha ganado un premio
BAFTA y ha sido nominada para los mismos otras tres veces.
Fue la artistas de maquillaje y diseñadora de peinados para Antonia’s Line, de Marleen
Gorris, que ganó el Premio de la Academia por Mejor Película Extranjera y más
recientemente en The Riot Club de Lone Scherfig y The Double, de Richard Ayoade,
con las actuaciones de Jesse Eisenberg y Mia Wasikowska; y fue diseñadora de
maquillaje en la épica histórica de Alejandro Amenábar: Agora, estelarizada por
Rachel Weisz; por esta película Sewell ganó un Premio Goya (el equivalente español
de los Premios Óscar).
Para The Devil’s Double, de Lee Tamahori, estelarizada por Dominic Cooper en un
doble papel, ella fue la artista de peinado, maquilla y diseñadora de prótesis (las
cuales eran necesarias, debido a que la película estaba basa en hechos reales).
Su trabajo como diseñadora será visto en la épica Everest, para Working Title Films,
dirigida por Baltasar Kormákur, estelarizada por Jake Gyllenhaal, Josh Brolin, Keira
Knightley y Sam Worthington, entre otros.

JÓHANN JÓHANNSSON (Música)
Jóhann Jóhannsson es un compositor y música islandés que compone para
largometrajes y producciones teatrales, así como sus propios álbumes; explorando y
unificando sonidos dispares que destila en sus formas primordiales.
Empezó a estudiar piano y trombón cuando tenías 11 años de edad. En la preparatoria
suspendió sus estudios formales de música. A los 18 años empezó a tocar en bandas
de rock en Reykjavik y continúo estudiante literatura y lenguaje, durante diez años, en
la universidad: se concentró en composición saturadas de retroalimentación usando
capas de guitarras para construir un paisaje sonoro. Dejan a un lado la guitarra,
empezó a escribir música para cuerdas, vientos y orquestas de cámara, combinando
sonidos electrónicos y acústicos para una mezcla sin costuras.
En 1999, el señor Jóhannsson fue miembro fundador de Kitchen Motors, un colectivo
artístico que ha animado colaboraciones entre practicantes de jazz, música clásica,
punk, metal y música electrónica. Su primer álbum como solista, Englabörn, fue una
suite basada en música escrita para una compañía de teatro del mismo nombre.
Escribir música para obras teatrales y danza lo llevo al cine.
Desde entonces ha compuesto música para varias películas, incluyendo el
largometraje

documental The

Good

Life,

de

Eva

Mulvad;

el

cortometraje

animado Varmints, de Marc Craste;For Ellen, de So Yong Kim, protagonizada por Paul
Dano; Mystery, de Lou Ye; McCanick, de Josh C. Waller, estelarizada por David Morse
y Cory Monteith; Le grand cahier (conocida también como The Notebook), de János
Szász; el documental de Phie Ambo Free the Mind yPrisoners, un éxito de Denis
Villeneuve que cuenta con las actuaciones de Hugh Jackman y Jake Gyllenhaal, cinta
en la que el señor Jóhansson cultivó una larga presencia de cuerdas y vientos, así
como los distintivos instrumentos Cristal Baschet y Ondes Martenot.
Formó su banda acústica Organ Quartet en 1999, grabando con sus compañeros,
entusiastas del sintetizador y el teclado, hasta el año 2012. Entre sus otras

colaboraciones se encuentran algunas con Barry Adamson, Marc Almond, la electrobanda finlandesa Pan Sonic, el Hafler Trio (también conocido como el compositor
inglés Andrew McKenze), el bateristas de la banda CAN, Jaki Liebezeit, y Stephen
O’Malley de la banda Sunn O )))’s.
Entre las composiciones notables del señor Jóhannsson se encuentran “IBM 1401 – A
User’s Manual”, en donde incorporó sonidos que su padre, uno de los primeros
programadores de computadora islandeses, creó. Recientemente ha participado en
dos ambiciosos proyectos multimedia con el cineasta Bill Morrison, incluyendo una
interpretación expandida por el Calder Quartet de la mencionada composición y “The
Miners’ Hymns”, que rinde tributo a la cultura minera de Durham, Inglaterra,
composición que interpretó junto al American Contemporary Music Ensemble y
distintas brass bands en distintas locaciones de Estados unidos en el invierno pasado.
Sus variada discografía incluye Virthulegu Forsetar, una fanfarria para órganos de
tubos e instrumentos de viento; Fordlandia, una oda cinemática que Henry Ford intentó
montar en la jungla del amazonas y “Copenhagen Dreams” una reflexión visual y
musical sobre la ciudad y su gente.

LOS PADRES DE JANE HAWKING:
GEORGE WILDE (09/12/1914 – 08/06/2004) Y BERYL WILDE (17/03/1916 –
30/01/2007)

PRESENTADA EN ASOCIACIÓN CON DENTSU INC./FUJI TELEVISION NETWORK,
INC. FILMADO EN LOCACIÓN EN LONDRES, CAMBRIDGE Y EN LOS ESTUDIOS
EALING STUDIOS, INGLATERRA
Esta producción utilizó estrategias sostenibles para
reducir sus emisiones de carbono e impacto ambiental.

No. 49054

Dolby Digital,

en salas selectas

COPYRIGHT © 2014 UNIVERSAL STUDIOS Todos los derechos reservados.

Universal Studios es el autor de este largometraje para todo propósito y para la
Convención Berne y todas las leyes nacionales que afecten.
Esta película está inspirada en hechos reales.
Sin embargo, algunos de los personajes, nombres, negocios, ubicaciones y eventos
han sido ficcionalizados por propósitos dramáticos.
Por igual, cualquier semejante con personas reales o eventos puede ser enteramente
fortuito y no intencional.

THIS MOTION PICTURE IS PROTECTED UNDER THE LAWS OF THE UNITED
STATES

AND

OTHER

COUNTRIES.

UNAUTHORIZED

DUPLICATION,

DISTRIBUTION OR EXHIBITION MAY RESULT IN CIVIL LIABILITY AND CRIMINAL
PROSECUTION.

Clasificación de la MPAA: PG-13 (por elementos temáticos y material sugerente)
Duración: 123 minutos
[Scope]
Banda sonora disponible en Back Lot Music
www.TheTheoryofEverythingMovie.com
www.facebook.com/TheoryofEverythingMovie
Twitter Hashtag: #TheTheoryofEverything
Una presentación de Focus Features

Proporción: 2.35/1

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