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LA COMPOSICIÓN

La composición es la disposición equilibrada de los elementos de la imagen que se ordenan para expresar
sensaciones favorables en un espacio determinado. La distribución de estos elementos debe realizarse en

función de una estructura interna que tenga una significación clara o una intención coincidente con el mensaje
que
se
quiera
transmitir.
Al plantearse una estructura compositiva, o al analizar una composición, conviene tener presente los
siguientes conceptos: el encuadre, el formato, los centros focales, la angulación, los colores, la luminosidad, el
contexto y la propia estructura derivada del conjunto de todos los anteriores elementos. Cuando se trate de un
diseño publicitario, además de las imágenes que lo componen, la disposición de los bloques de texto y la
intencionalidad expresiva del color.
El encuadre concreta los límites de la imagen. Determinar la parte seleccionada de la realidad
representada. En el encuadre se deben analizar el siguiente elemento.

Proporción, escala, equilibrio

Se refiere a la relación entre los elementos del dibujo. Principalmente busca establecer una relación
balanceada o no entre los volúmenes y tonos del dibujo. Cada forma o figura representada sobre un papel, se
comporta como un peso visual, porque ejerce una fuerza óptica. Una composición se encuentra en equilibrio
si los pesos de los elementos se compensan entre sí. El contraste ayuda a darle movimiento al dibujo
ayudando al destaque del punto de interés principal
El equilibrio en una composición
Cada forma o figura representada sobre un papel, se comporta como un peso, un peso visual, porque ejerce
una fuerza óptica.
Los elementos de nuestra composición pueden ser imaginados como los pesos de una balanza.
Una composición se encuentra en equilibrio si los pesos de los elementos se compensan entre sí.
Normalmente se busca este equilibrio, aunque en alguna ocasión se provoca un desequilibrio intencionado
para conseguir unos resultados específicos.
Definimos equilibrio, como la apreciación subjetiva, en la cual, los elementos de una composición no se van a
desprender. El concepto de equilibrio parte también de nuestra propia percepción, en relación con nuestra
anatomía, que nos lleva a interpretar la colocación de pesos, magnitudes, masas y volúmenes en relación con
nuestro propio concepto de simetría humana. Podemos definir el concepto de equilibrio como la apreciación
subjetiva de que los elementos de una composición no se van a caer.
La existencia de equilibrio en una composición, no quiere decir que todas las líneas (texto, titulares...) o
formas (Fotografías, ilustraciones...) sean iguales en tamaño, color u otra dimensión. Por ejemplo, un parte de
nuestra área de diseño puede estar formada por muchos elementos y a la vez tener equilibrio con otra parte de
dicho diseño que solo consta de un elemento.

El punto
Signo más sencillo que puede formar parte de una imagen; de dimensión variable, implica posición. Si hay
dos puntos hay planteamiento de medida y dirección implícita, creando tensión.
Al usar puntos libremente, creamos entre ellos tensiones y energías que activan la variedad del área en la que
se encuentran. Se incrementa si los puntos tienen variedad de tamaño. El punto tiene gran fuerza de atracción
sobre la mirada. Su situación dentro del encuadre crea relaciones de composición.
El punto en el centro da una relación de equilibrio. Si se desplaza del centro surge un desequilibrio.
La aparición de un segundo punto aumenta complejidad. Una secuencia regular de puntos determina un
esquema de composición. Puntos relativamente cercanos se tiende a verlos agrupados formando figuras
geométricas. No es necesaria la presencia gráfica del punto para que éste actúe plásticamente en la
composición. Existen los puntos implícitos.
La posición de los puntos es importante para el equilibrio. Tres cuadrados con puntos situados de diferente
manera: el primero más desequilibrado porque ninguno de los puntos se ubica sobre las orientaciones

principales del cuadrado; el segundo gana en equilibrio al estar un punto sobre una diagonal regular y el otro
sobre la horizontal central, ambos a la misma distancia del centro; el tercero es el más estable ya que los dos
puntos se encuentran sobre la misma diagonal y a idéntica distancia del centro y vértices.
Funciones plásticas del punto:
- Puede crear pautas figúrales o patrones mediante la agrupación y repetición. Puede convertirse en el foco de
la composición. Sucesiones de puntos favorecen el dinamismo. Tiene la capacidad de crear textura.
v

Sección Áurea

Hemos
analizado los tres tipos de
líneas

diagonal)
que
nos
generan
una
simétrica.
Pero tenemos otra forma
resultando
partes
esto la visión del conjunto es
incoherente. Es lo que ocurre cuando
áurea la proporción áurea basada en la sección áurea ha
determinante en toda la historia del arte
Grecia clásica. La sección
obtener
por
un
geométrico o aritmético, aunque éste último resulte más cómodo en
todo cuando se aplica a formatos grandes.
Consiste en la repetición de un elemento visual en

estructurales (vertical, Horizontal y
composición
de dividir el espacio
asimétricas y no por
desequilibrada
o
utilizamos la sección
tenido
un
papel
occidental desde
áurea se puede
procedimiento
pintura,
sobre
un intervalo.

|

Ritmo
Ritmo es la sucesión ordenada de
volúmenes y tonos en una obra. Es una
recurrencia esperada. Se logra
mediante la combinación de acentos y
pausas. No se trata de una simple
repetición, sino de alternancia y
progresión de formas, líneas o colores.
Esto provoca movimiento a la obra.
Esa sucesión crea un movimiento
particular en los ojos de espectador que lo mantiene atento a lo que ocurre en el dibujo.
El ritmo:
El ritmo es orden acompasado en la sucesión o acaecimiento de las cosas, debemos utilizar el espacio y el
tiempo. En un medio plástico se redefine en estructura y periodicidad.

La estructura está dividida por elementos sensibles y los intervalos. La secuencia rítmica se articula según una
relación simple (intervalo/elemento fuerte).
Los intervalos y elementos del ritmo constituyen la estructura rítmica, la cual se expresa a través de una
proporción. Esta proporción implica relación y orden y constituye la esencia del ritmo.
Otro componente es la periodicidad, regula la presencia en el espacio de los elementos e implica repetición.
Esta repetición tiene una cualidad dinámica en la obra.
El ritmo se alcanza con la composición de estructuras o por el juego de repeticiones. La primera asume los
principios de diversidad, jerarquía y orden entre elementos rítmicos y la segunda responde a los principios
opuestos.
La principal función del ritmo es la dinámica que introduce.

Movimiento
Aunque la mirada del espectador siga un recorrido inconsciente general, es el artista quien con su
composición, obligará al espectador a seguir el recorrido que él quiera, jugando con los ritmos creados por las
líneas, masas y tonos. Vemos que no solo es importante cómo distribuimos los elementos dentro de la
superficie del cuadro, sino que la forma y proporciones de esa superficie también tienen su importancia y
determinan unas sensaciones que deben estar acordes con el tema de la obra. Pon atención a:
A. Las líneas de composición:
Aquí hablamos no de líneas de contornos o del dibujo en sí. Son más bien líneas invisibles que aglutinan la
composición en áreas específicas. Estas mueven la vista del espectador de un lugar a otro en el dibujo según
lo determina el artista.
Vemos que particularmente, las líneas transmiten sensaciones diferentes si son verticales, horizontales o
inclinadas. De igual manera la superficie, al ser alargada en sentido vertical u horizontal o bien si son
cuadradas, transmite sensaciones diferentes. Por ejemplo:
01. LINEA HORIZONTAL INFERIOR: Peso, base, sostén
02. LÍNEA SUPERIOR: cielo
03. LÍNEA INFERIOR: tierra
04. LÍNEAS VERTICALES: Estabilidad y equilibrio
05. LINEA HORIZONTAL SUPERIOR: Aspiración, superación, elevación (toda forma que se dirija a ella)
06.ÁNGULOS: Potencian la impresión de movimiento y acción a toda línea o grupo de masas orientadas
hacia ellas y les da un vivo ritmo activo

B. La relación de masas dentro de determinado plano Pictórico:
01. GENERAL: Adecuar la forma principal del dibujo con la forma del cuadro
02. CUADROSALTOS: Temas que expresan aspiración. Ascenso espiritual o intelectual. Cuanto más alto más
se acentúa su vigor expresivo
03. CUADROS APAISADOS: Adecuados para expresar quietud, reposo, movimiento horizontal, procesiones,
etc.
04. SUPERFICIES CUADRADAS: Son emotivamente neutras
05.ÁNGULOS: Dan vigor, dinamismo, capacidad expresiva y rítmica a las (líneas que se dirigen a ellos.

El peso:
Es el valor de actividad plástica de un elemento en la imagen. Se modifica por la interacción plástica del
contexto.
Los
factores
modificadores
del
peso
visual
son
siete:
Su ubicación sobre la superficie del cuadro. El peso aumenta a medida que se separa de la base del cuadro. Se
incrementa el peso en la zona derecha de la composición.
El tamaño de un objeto es el procedimiento más simple para equilibrar la diferencia de pesos debida a la
ubicación. Figuras de igual forma, tamaño y color situadas en el centro de las dos mitades de un cuadrado da
una composición algo desequilibrada, bastará que se aumente un poco el tamaño de la inferior o se disminuya
el de la superior.
Las formas irregulares pesan más a condición de que posean contornos definidos y no sean simples manchas.
Los colores cálidos pesan más que los colores fríos.
El peso aumenta con la profundidad de campo siempre y cuando esté a foco.

Los objetos con un acabado textura do pesan más.
El aislamiento. Las figuras aisladas pueden equilibrar a una masa de muy superior tamaño. La explicación es
que un objeto aislado crea un centro de atención que influye en el resto de la composición.

Relación entre los colores:
Hay 2 formas de relación entre los colores: Armonía y contraste.
Armonía: La
relación
armónica consiste en
disposición de colores
afines, de tonalidades
cuya vinculación forma
un conjunto concordante.
La armonía cromática se
da cuando en distintas
partes de la composición
surgen colores parecidos,
variaciones
de
color
suaves.
Hay procedimientos de
selección de colores. La
combinación
entre
tonalidades es armónica
cuando cada una de ellas
tiene una parte de color común a los demás. También hay una armonía de colores análogos, colores
colindantes en el círculo cromático (cian y azul). También tienden a armonizarse cuando se produce una de
saturación generalizada.
El rojo y el azul parecen moverse cuando están juntos.

Contraste: El contraste cromático es la yuxtaposición de colores dispares. Se consigue con la disposición
simultánea de cálidos y fríos. Cuando las tonalidades están alejadas entre sí en el círculo cromático. Ocurre
especialmente con los colores complementarios y se extrema cuanto mayor sea la saturación.
Los contrastes acentuados corren un riesgo. Puede darse el resultado de que dañe paradójicamente a su
visibilidad. Este fenómeno se contrarresta haciendo que algunos de los colores sean menos puro o más claro,
o que ocupe un espacio menor. Se trata de potenciar una dominante.
El contraste de tonalidades opuestas se puede moderar aislando superficies de color con una línea de
luminosidad entre el negro y el blanco (vidrieras góticas).
El contraste desequilibra, estimula, atrae.

Artes visuales:
Las artes visuales son una rama del arte, que incluye las tradicionales artes plásticas e incorpora las
nuevas formas de expresión artísticas surgidas hacia la segunda mitad del siglo XX, así como el uso de los
avances tecnológicos (los denominados nuevos medios) que han dado lugar a la aparición de nuevas
formas de expresión y entrecruzamiento entre disciplinas presente en el arte contemporáneo.
Definición:
Las artes visuales engloban las tradicionales Artes plásticas, entre las que se incluyen dibujo, pintura,
grabado y escultura, así como las expresiones que incorporan nueva tecnología orientada al arte o
elementos no convencionales, y su mayor componente expresivo es visual, 1 2 también llamado arte de los
nuevos medios entre los que se incluyen:
Fotografía; Videoarte; Arte digital
Así como otras expresiones de aparición en el arte del siglo XX como:

Instalación; Intervención; Land Art;Arte ambiental; Arte efímero; Arte postal; Arte
urbano; Arte público; Arte cinético
Otras disciplinas artísticas como las artes escénicas poseen dimensiones compartidas con las artes
visuales, por lo que estas definiciones no son estrictas y se consideran también en el campo de las artes
visuales expresiones como:
Performance; Arte de acción; Happening; Fluxus; Arte interactivo; Caligrafía; Grafiti

ARTE MODERNO:
El periodo que va desde la segunda guerra mundial hasta mediados de los años setenta del siglo XX es el más
prolífico de toda la historia del arte. Durante esos años, multitud de tendencias y movimientos más o menos
estructurados se fueron sucediendo vertiginosamente. La mayoría de esas manifestaciones artísticas tienen un
carácter internacional, aunque en algunos se dan diferencias significativas de forma local.
Se al arte moderno como irracionalismo en su forma más amplia. No obstante, podemos decir que el
irracionalismo es una condición necesaria del arte, y que está presente en todas las expresiones artísticas de la
humanidad, por lo que no puede considerarse como algo característico peculiar del arte moderno.
Pero teniendo en cuenta que el arte moderno es el más artístico, el más puro como arte, “el arte por el arte”, se
entiende en qué sentido la definición anterior es cierta; porque debe verse en el arte moderno el más puro, el
más absoluto irracionalismo estético que ha conocido la humanidad.
Ninguno de los irracionalismos de los artes anteriores, de carácter místico, popular o tradicional lo era por
completo ya que siempre estuvieron ligados a alguna forma de la significación, es decir, al entendimiento.

En el irracionalismo del arte moderno no hay sitio para ninguna clase de significación, se trata de un
irracionalismo objetivista.
Esto significa que considera la irracionalidad como una propiedad esencial del objeto y no como un defecto
interior de la conciencia. A esta concepción debe el arte moderno su carácter profundamente revolucionario e
impopular.

El arte contemporáneo:
En sentido literal, es el que se ha producido en nuestra época: el arte actual. No obstante, el hecho de que la
fijación del concepto se hizo históricamente en un determinado momento, el paso del tiempo le hace alejarse
cada vez más en el pasado del espectador contemporáneo.
El concepto de la contemporaneidad aplicado al arte puede ubicarse cronológicamente con distintos
criterios:
Con un criterio extenso, incluye el arte de toda la Edad Contemporánea (que comienza a finales
del siglo XVIII)
Con criterios sucesivamente cada vez más limitados, incluye únicamente:
El arte del siglo XX (caracterizado por las vanguardias artísticas);
el arte del mundo actual, que en el momento que se definió como término historiográfico se entendía
era el posterior a la Segunda Guerra Mundial -1945- (la mayor parte de los museos de arte suelen
denominar "arte contemporáneo a las colecciones de ese período); el arte surgido en la historia
inmediata del más cercano presente, tomando como hito histórico, por ejemplo, la caída del muro de
Berlín (1989) o el atentado de las Torres Gemelas de Nueva York (2001)

Para mayor confusión, el concepto de Arte moderno no se aplica al Arte de la Edad
Moderna (siglos XV al XVIII), sino a nuestro arte contemporáneo, porque se aplica no con un
criterio cronológico (periodización), sino estético, definido por su ruptura con
elacademicismo y por su adecuación a renovadas y provocativas teorías del arte (arte
deshumanizado, arte puro, muerte del arte, crisis del objeto artístico, arte
independiente,

ARTE PERUANO:
El arte peruano tiene su origen en las sociedades andinas, ubicadas en la Cordillera de los Andes de América
del Sur, que habitaron en el período pre-incaico el territorio que hoy conocemos como el Perú.
Actualmente el Perú alberga una de las más extensas variedades de artes y artesanías del mundo que a través
del tiempo se han ido enriqueciendo sin perder su originalidad.

Cronología
Período preclásico (1500 a.C.-300 d.C.)
El arte antiguo peruano de este periodo se presenta de forma heterogénea ya que en
ese periodo temprano América estaba conformada por reinos pequeños cuyas
respectivas culturas se desarrollaron, en su mayor parte, independientes unas de otras.
Período clásico (300-900)
El desarrollo de imperios poderosos dio origen y permitió la formación de un arte con
un estilo definido. Aunque suele considerarse un periodo pacífico, los estudios
arqueológicos más recientes han demostrado que la mayoría de las civilizaciones del
periodo clásico eran guerreras. Las conquistas y el comercio extensivo produjeron una
riqueza que se utilizó para la construcción de centros ceremoniales o ciudades, así
como para la creación de efectos personales cada vez más lujosos y objetos funerarios
o rituales de gran calidad.
Período posclásico (900-1540).
El último período se caracteriza principalmente por las frecuentes guerras provocadas
por presiones socioeconómicas como el aumento de la población y el desarrollo
técnico. Las culturas y civilizaciones de este período son las mejor documentadas,
debido a que los cronistas españoles recogieron sus impresiones personales o
recopilaron historias de los conquistados.

Tipos de Arte
El arte andino preinca e inca se manifestó principalmente en la creación de objetos en Cerámica, técnicas
como la Litoescultura, la Metalurgia y la Textilería así como en laPintura, la Escultura y la arquitectura

Cerámica

Huaco retrato Mochica, fino ejemplo de la cerámica prehispánica peruana. Museo Larco, Lima-Perú.
La cerámica es el material más frecuente en el registro arqueológico andino.
Lito escultura
La lito escultura (o escultura en piedra), tuvo presencia en las manifestaciones culturales y artísticas en
las Chavín de Huántar, ubicado en el Callejón de Con chucos (Huari, Ancash). Este templo fue el primer
centro de devoción a nivel pan andino, sostenido por un Estado eminentemente teocrático. Por tal motivo, la
presencia de la imaginería religiosa fue vital en su organización. El templo tiene dos fases: Templo Nuevo y
Templo Viejo..
Textiles
Los textiles pre incas e incas fueron elaborados con técnicas muy creativas y sofisticadas, tanto por la finura
de sus hilos, sus colores, la trama y urdimbre de sus tejidos, como por los motivos en ellos representados. En
su mayoría, estos textiles recrean el mundo natural prehispánico y sobre todo su universo mental, y nos

aproximan a sus riquezas naturales e ideológico-culturales, así como al uso que le dieron las sociedades que lo
crearon.

ARTE RUPESTRE:
Se denomina Arte rupestre a toda manifestación artística plasmada en una superficie rocosa,
como el interior de una cueva o el cerebro de uninciclopedista. Habitualmente se usa este término
para referirse a las pinturas prehistóricas que hacían los antiguos para superar su escasez de
cómics Marvel, televisión o cualquier otra cosa con la que pasar las horas muertas. Sin embargo, el
arte rupestre puede aplicarse a cualquier otra expresión artística en roca, como los budas gigantes
de la China o las estatuas que aparecen a ambos lados del río en el final de la primera película de
El Señor de los coños.

REPRESENTANTES:

ARTE POPULAR PERUANO:
Hay una necesidad expresiva en los pueblos que se manifiesta a través de la creación de diversos
objetos, ya sea de uso cotidiano o que cumplen determinada función de carácter social, que dan
belleza, color y alegría a sus vidas.
En el Perú, este arte constituye una manifestación artística de gran riqueza expresiva en forma y
color, que se da en casi todas las regiones del país con caracteres muy variados y definidos. En el
Perú el arte popular se le conoce como artesanía y es uno de los mas ricos creativamente hablando
a nivel mundial, puesto que procede de un riquísimo ancestro.
Es un arte tradicional, cuyos orígenes mas remotos se encuentran en el arte de nuestras antiguas
culturas que pervive y toma nuevas formas en la colonia. Es, quizás, en el Arte Popular de este
periodo de nuestra historia en donde podemos encontrar la fuente mas próxima de nuestro arte,
que surge del deseo de prestar color y alegría a los objetos de uso cotidiano.
El Artesano peruano ha sabido emplear sabiamente los recursos artísticos de su comunidad y de
acuerdo a cada zona geográfica ha desarrollado técnicas y modalidades artesanales únicas en su
genero que revolaran nuestras tradiciones y costumbres mas ancestrales combinándolas con las
necesidades y temáticas modernistas.
REPRESENTANTES:
Entre las mas variadas representaciones tenemos:
Los telares y tapices de lana de alpaca, vicuña y oveja.
Los Mates burilados de Huancayo.

La cerámica en arcilla de Cusco y Ayacucho.
Los toritos de Pucara en Puno.
Las iglesias de cerámica y los Retablos Ayacuchanos.
La imaginería religiosa de los cusqueños.
Los tejidos de fibra de carrizo - Cesteria.
El Repujado y el grabado en cuero.
La confección de mascaras en Cusco y Puno.
Las esculturas y tallados en Piedra de Huamanga..
La Cerería (el trabajo con cera - velas)
La Hojalatería y la Marquetería.
La orfebreria en plata y oro (filigranas)
Los trabajos metalurgicos de hierro, cobre y bronce.
El tallado en madera de Catacaos, etc.

Orfebreria en bronce

Ceramica en arcilla

Modelado de la ceramica - Alfareria

Cesteria