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CURSO DE HISTORIA DEL ARTE

Resumen Unidad IX (tercera parte): Los lenguajes artísticos de la posmodernidad.
En la actualidad, ha sido establecido un relativo consenso para denominar como
posmodernos a los tiempos que nos toca vivir. Aunque a la hora de definir esta
posmodernidad es cuando aparecen las diferencias, todos coinciden en señalar que
nuestras experiencias, nuestra sensibilidad, nuestras concepciones sobre el mundo, sobre
el arte, poco tienen en común con las de un hombre de las primeras décadas del siglo
XX, décadas en las que las vanguardias artísticas cumplieron un rol tan importante.
Esta indefinición se debe en parte a que el posmodernismo se diferencia como
tal siempre en relación con la modernidad que lo precedió. A partir de este pasado, aún
bastante reciente, se puede marcar un quiebre respecto a la segunda Guerra Mundial,
hecho a partir del cual se le quita el crédito a los grandes relatos modernos sobre un
camino indefinido hacia el progreso. Con los años, además, las marcadas e
irreconciliables diferencias sociales hacen más evidente la crisis constante y el mercado
sigue desarrollándose a escala global, extendiendo el modelo económico capitalista.
En cuanto al arte, el fracaso de los proyectos estéticos revolucionarios, la
moderación de las nuevas búsquedas estéticas, que son ahora recibidas con beneplácito
por los ámbitos de legitimación, hace entrar al arte y a las vanguardias en una fase de
descrédito.
Las instituciones (museos, galerías, críticos) y el mercado del arte, ejercen un rol
organizador y selector de las nuevas corrientes artísticas que surgen a la luz. Los pocos
“escándalos” que aparecen son enseguida incorporados al circuito del arte. Las nuevas
propuestas se perciben en última instancia como relecturas de aquellas que instauraron
las primeras vanguardias.
Charles Jencks, un arquitecto y teórico de la posmodernidad marca una fecha
simbólica y exacta como inicio de ésta: el 15 de julio de 1972, a las tres y media de la
tarde. En ese momento se dinamitaban una serie de viviendas proyectadas según los
ideales de la modernidad, y que ahora deben desaparecer para dar lugar a otra época.
El término posmodernidad surgió en la crítica literaria, se extendió en la
arquitectura, para luego generalizarse en posmodenismo/posmodernidad como
definición de una corriente estética y una teoría social.

el arte psicodélico. lo que finalmente constituyó un elemento acrítico característico del pop.En arquitectura podemos tomar como modelo el edificio de Philip Johnson para AT&T. Una especie de “moda retro”. Desarrollaron un arte centrado en lo material y totalmente inmerso en la . Como oposición al canon del “gran arte”. En este período los artistas se habían vuelto hacia su interior y expresaban sentimientos de desasosiego ante un mundo desvastado física y espiritualmente por la guerra. esta nueva vanguardia posmoderna alzó su crítica contra la institución artística. hacia lo banal cotidiano. frente al fracaso de los grandes relatos de la modernidad. que ya no revisan la modernidad ni construyen un proyecto posmoderno. el teatro alternativo. Éste tomó un impulso crítico respecto del modernismo. por lo tanto de citas históricas que retoman estilos anteriores. fue que se volvieron hacia la cultura popular. de reapropiación de diferentes tradiciones estéticas que son recombinadas. una cultura legitimada. desde lo neoclásico. Históricamente. en New York. y a la actitud de modernidad. de mezcla de códigos distintos. pero también de visiones acríticas e irreflexivas. el primer movimiento propiamente posmoderno se dio en los ’60 en EEUU. adoptaron las imágenes de los Mass Media. la crisis de las instituciones. Podemos tomar como ejemplos las obras de Jackson Pollock o las de Antoni Tàpies. y la importancia recaía sobre los procedimientos técnicos y sobre los materiales más que sobre el tema de la obra. Hablamos también de eclecticismo. a la noción de buen gusto. nostalgia por un pasado en el que se buscan tradiciones utilizables (sobre todo el pasado premoderno). Esta propuesta conocida como Pop Art reaccionaba sobre todo contra las formas del Expresionismo Abstracto y del Informalismo que habían conformado a las expresiones artísticas de la posguerra. ya no clasificables en los géneros tradicionales. el pop. Esta vanguardia pop portaba un fuerte optimismo tecnológico. los métodos de la reproducción en serie. La materia informe de la pintura se había apoderado de la superficie del cuadro. sino todo lo contrario. el fracaso de las vanguardias históricas. En cambio. que ya no constituía una cultura alternativa. sus formas y estrategias fueron el happening. Hablamos además de pesimismo. que combina una cita histórica errática de diferentes estilos. lo romano hasta un remate Chippendale en lo alto. ¿De qué hablamos cuando decimos posmodernismo? Hablemos de nostalgia de formas de vida pasadas. de hibridación de los medios de expresión. que vuelve su mirada hacia atrás y selecciona elementos reutilizables.

que cedería el lugar a formas culturales más dispersas. en el que reaparecen las formas reconocibles del mundo que rodea al hombre en los sesenta. también reaccionando contra el Expresionismo Abstracto. la ilusión perfecta: sus cajas Brillo.cultura visual y urbana. todo ámbito vital. liberándola de cualquier forma de “expresión” o narración. Todo el arte Pop significó en cierta forma una vuelta a un arte mimético. fueron Jasper Johns y Roy Lichtenstein. pero que la extremó para reducirla sólo a la estructura de la obra de arte. pero nadie sabe bien qué es (¿el artista? ¿el museo? ¿el título? ¿el significado?). de lo verdaderamente real. la noción de Ready Made. pero los usa no como elemento de choque. El Nuevo Realismo. Algunos de los integrantes de este movimiento fueron Arman. agrupamientos efímeros y diseminados por diferentes lugares. Hay algo que las hace “ser” arte. Tinguely. Ives Klein. Otros de los artistas reconocidos de este grupo. Si el nuevo realismo retomaba el objeto Dadá. lo que hace es tomar ciertas posiciones de Dadá. Christo. Hains. En la modernidad. todos los espacios. pues el “estilo” de cada artista queda asociado a la utilización de determinados objetos o materiales. Cesar. hubo otra línea que. retomó los caminos de la abstracción geométrica. En la posmodernidad. figurativo. expuestas en 1964 son perfectamente idénticas a las que circulan cotidianamente en los almacenes. de objetos. además de Andy Warhol. El pop es tomado por algunos como la última vanguardia posmoderna. tendrían poco del carácter vanguardista y opositor que aún conservaban los estadounidenses. Spoerri. todos los materiales. las vanguardias habían conquistado la realidad al renunciar a su representación mimética y al abarcarla en todas sus categorías: desde el concepto a las cosas y los materiales. Es la línea del “Hard- . del objeto. ciertas formas cercanas al pop que se dieron en Europa. el Nuevo Realismo hizo consciente esta posesión de la realidad. Su trabajo era hacer arte a partir de cosas. Este movimiento pretendía romper con la tradicional diferencia entre la obra de arte y las cosas del mundo real. Andy Warhol logra el ideal de la teoría mimética: la invisibilidad del medio artístico. por ejemplo. Por otro lado. podían ser convertidos en arte. sino como punto de partida para un repertorio expresivo que muchas veces termina siendo limitado.

un sistema total cerrado en si mismo. colores puros y planos. etc. Otra de las corrientes de este variado panorama de estilos fue el Arte Cinético. generaban movimiento real y variaciones azarosas. Es el caso de Omar Calabrese. También incorporaban un cierto aspecto lúdico al arte. Una de las formas que adoptó el conceptualismo fue el Land Art. el plexiglás o el poliéster. realizó sus materializaciones en el propio medio natural y les dio el carácter efímero similar al de los fenómenos ambientales. que produjo obras en las cuales diversos mecanismos u oscilaciones espontáneas de los componentes. y acorde con esto. y se incorporaron materiales industriales como el acero galvanizado. la abstracción dura. superficies lisas. que hacen que la visión del espectador sea única e irrepetible. Con el minimal se inició el camino hacia el arte conceptual. como por la expansión del volumen. que propone la de “neobarroca” para caracterizar la era que nos toca vivir. la corriente conceptual tiñó todo el arte posmoderno con una fuerte carga de autorreflexión y a veces ensimismamiento. Algunos autores se rehúsan a adoptar la categoría “posmoderna” para el análisis de la contemporaneidad. que utilizaba también formas geométricas simples y colores puros. otros autores encuentran puntos de . no prevaleció. Sus imágenes se limitaron a formas geométricas simples. Si bien el conceptualismo más puro. ya sea la obra misma o el registro fotográfico de una acción. siempre existió. El problema aparece cuando no hay ningún elemento que pueda circular por el mercado del arte. En efecto. la máxima pureza del lenguaje. y el Minimal Art. el lingüístico. En escultura se utilizaron estructuras primarias. Una variante del Minimal Art fue el Op Art. se despojaron de todo adorno decorativo y se remitieron a las relaciones del espacio circundante que se resaltan tanto por el efecto específico de la luz sobre el material.Edge”. pretendieron alcanzar el punto máximo de autonomía del arte. que centró sus reflexiones en torno a las problemáticas ambientales. geometría simple. La reflexión sobre la idea. sobre el arte mismo. pero con gradaciones de tono o valor que producen ilusiones ópticas que generarán ilusión de tridimensión y hasta de movimiento. pero el arte conceptual jerarquiza la idea de tal forma (en los casos más radicalizados) que pretende poder prescindir de la materialización. En pintura.

Este grupo de artistas se desprendió de un movimiento previo. su ostentación. Dentro de esta estética. Este sería el procedimiento denominado como “cita”. muchos artistas han vuelto su mirada a obras del pasado y las han desmembrado y detallado minuciosamente. que retoma un detalle del entero. El Equipo Crónica fue fundado por Manolo Valdés. Rafael Solbes. no porque se tratara de una vuelta hacia él.. Un ejemplo de este tipo es el del Equipo Crónica. el autor. lo infinito. también el trabajo simultáneo de lo que sustenta y reviste (el ornamento). También coincidencias con su teatralidad. Matisse. y Joan Toledo en 1964. y también de la estructura de los retratos de Velázquez. etc. se considera un “artista de repertorio”. la . Hay dos operaciones que tienen que ver con las formas de percepción posmoderna o mejor neobarroca. sino por la presencia de gestos y rasgos similares. Lo que trabajaban eran versiones y apropiaciones de obras reconocidas (de Van Gogh. Velázquez. También hay ciertas tecnologías que permite adoptar un tipo de percepción desde el detalle y que influyen a las artes: el zoom fotográfico. De este movimiento se crearon luego el Equipo Crónica y el Equipo Realidad. para convertirlos en una obra personal. La parte resultante sigue remitiéndonos al todo. Utiliza la serie como procedimiento y el grabado como técnica. la cámara lenta. Y hay un límite en el tamaño del detalle. Caravagio. que trabajaba articulando los lenguajes del diseño publicitario y los medios gráficos de impresión. lo kitsch. y aún se reconoce el todo. que el arte suele adoptar: son las estéticas del detalle y del fragmento. el de la Estampa Popular.contacto entre nuestra época y la que correspondió al Barroco. su masividad. También podemos ver en su obra más actual a Manolo Valdés que sigue tomando como punto de partida la apropiación de fragmentos de obras de Lichtenstein. lo fragmentado. por debajo del cual se percibe el grano del material y no un detalle. pero se alejaron de la estética pop al incorporar sentido político a sus obras. La operación del detallar consiste en efectuar un recorte a partir de un todo. con el trabajo en los extremos. que tienen que ver con lo múltiple.) para resignificarlas y crear a partir de ellas un nuevo significado. etc. con las apariencias. Picasso. Hay dos límites para definir un detalle: hay un umbral perceptivo. pues si es muy grande su relación con el entero es demasiado próxima y no es la adecuada para su percepción. con su seducción.

una realidad de repuesto. la “imagen de lo real”. retomando obras del pasado pero sin nostalgia. lo real publicitario. una suprarrealidad. utilizándolas como reservorio de material que les sirve de materia plástica. un quiebre con respecto al entero. la imagen se convierte en realidad. . Jamás habían sido a la vez tan concretos y tan abstractos. la fragmentación. La paradoja de un “hiperrealismo poco realista” es posible porque estamos hablando de una realidad transformada: la realidad se confunde con su propia imagen. sólo intuirlo. alcanzaron el tope del hiperrealismo. En cambio. son todos instrumentos que permiten extraer detalles de un todo.. jugando con imágenes pixeladas. supone una ruptura. el fenómeno opuesto al del detalle. o por ejemplo. Los límites del fragmento son más bien interrupciones accidentadas que lo separan del todo. ya que el fragmento no nos permite reconstruirlo. sino lo real fotográfico. Lo real imitado no es lo perceptible. Es por eso que el hiperrealismo se basa en una imagen fotográfica para realizar sus pinturas miméticas. que circula entre nosotros. Igualmente. ahora ausente. etc. Nunca hasta entonces los cuadros habían estado tan llenos de detalles y tan vacíos de significados. que imitaba a la perfección todos los detalles. En los sesenta y setenta el resurgir de nuevas formas del realismo. lo real televisivo.fidelidad en la reproducción de imágenes y sonidos. ni tan poco realistas. los umbrales perceptivos del fragmento consisten en un límite microscópico por debajo del cual el fragmento se convierte en “polvo” y en un límite macroscópico por encima del cual se percibe el entero falto de algún fragmento. La utilización de fragmentos tiene relación con un modo de percepción fragmentaria que es la misma del zapping televisivo. Muchos artistas han adoptado la poética del fragmento.