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1 Song of the Volga Boatmen for wind and percussion (1917)

Concerto for piano and wind instruments

2 Largo Allegro Maestoso . . . . . . . .
3 Larghissimo . . . . . . . . . . . . . . . . . .
4 Allegro Agitato Lento Stringendo

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Movements for piano and orchestra

e = 110
q = 52
e = 72
e = 80
e = 104

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Capriccio for piano and orchestra (19289)

5 Presto . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .
6 Andante rapsodico . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .
7 Allegro capriccioso ma tempo giusto . . . . . . . . . . . .


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Concerto in D for string orchestra

bo Vivace . . . . . . .
bp Arioso: Andantino
bq Rondo: Allegro .


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br Canon (on a Russian Popular Tune) (1965)

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ILAN VOLKOV conductor

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GOR STRAVINSKY enjoyed a lifelong association with

the piano. From his earliest childhood works to a few
preliminary sketches for a piano sonata left incomplete
at the time of his death in 1971, the composer was seldom
far from the keyboard. His piano works often serve as
harbingers for larger, more familiar compositions. One
often sees new contrapuntal patterns, new textural outlays,
and new harmonic combinations emerging in a piano
work just before appearing in the larger symphonic and
choral works. Stravinsky himself referred to the piano as
the fulcrum of his compositional discoveries. The simple
truth is that, in comparison to some of the composers
landmark compositions such as The Rite of Spring,
Symphony of Psalms, and the Symphony in Three
Movements, his piano literature (including the works on
this recording) is too often unjustly neglected. Yet each
piano work, while significant in itself, also opens new doors
to understanding Stravinskys sustained compositional
Stravinskys setting of the Song of the Volga
Boatmen, scored for winds and percussion, captures the
ancient spirit of a nation that remained unbendingly
resilient. Over the years this iconic Russian folksong
drew the attention of many composers, Mili Balakirevs
arrangement being perhaps the best known. Stravinskys
Swiss exile during the First World War had stirred nostalgic
feelings for his lost homeland as evinced in several settings
of folk tales he knew as a child. With the 1917 February
Revolution fresh in his mind, his memories grew
particularly vivid. The composer supposedly prepared the
arrangement of the Volga melody as a favour to Sergei
Diaghilev. The Ballets Russes impresario needed a new
work to replace the traditional playing of the Russian
National Anthem God Save the Tsar before performances.
But the request for a new anthem actually came directly
from the recently instated Russian parliament. Stravinskys

manuscript reveals that he initially entitled the

arrangement Hymne la nouvelle Russie. The composer
literally scored the famous song overnight, dictating the
music to his friend Ernest Ansermet who dutifully took
down every note. Stravinsky added a piano reduction of
the work just below the orchestration. The manuscript also
includes a colourful red banner on the cover, sketched by
Stravinskys friend Picasso as an acknowledgement of the
Russian Revolution.
In addition to composing and conducting, Stravinsky
assumed the role of a touring concert pianist for the better
part of three decades. Written for his own unusually large
hands, his piano music is idiosyncratic, and consequently
often prodigiously difficult. The composer undertook
concertizing with typical fervour. He devoted hours to
honing his pianistic skills while also studying with the
well-known pedagogue Isidore Philipp. Given his concerns
about the excessive emotive exploitation of his works by
other interpreters, Stravinsky often retained the exclusive
rights to public performance for years before permitting
others to play his piano works.
The Apollonian virtues of neoclassicisms clarity and
leanness, to which the composer had been steadily drawn,
were made unmistakably evident in his landmark Octet for
wind instruments of 1923. Immediately following the Octet
came the Concerto for piano and wind instruments,
wherein the piano takes on a virtuoso concertante role,
partnering an equally important wind ensemble (with no
strings other than double basses). The Concerto was
written in Biarritz in 19234 and dedicated to Natalie
Koussevitzky, whose husband, Sergei Koussevitzky,
conducted the May 1924 premiere in Paris with Stravinsky
as the soloist. This three-movement work opens with a
Largo written in the style of a French Overture. The stylized
dotted rhythms quickly give way to a mechanistic Allegro
reminiscent of many of the hard driving movements found

among Bachs keyboard Partitas and English Suites. The

form of the first movement is somewhat akin to a classical
concerto, complete with a developmental middle section
that brings to mind the Czerny and Hanon keyboard
studies familiar to all budding pianists. The recapitulation
leads to a rhythmically complex, jazzy piano cadenza in the
style of Gershwin, disclosing just how taken by American
jazz, especially ragtime, Stravinsky had become. The
movement ends with a return to the opening stately French
Overture material.
The middle movement, originally written as a
Larghissimo but changed to Largo in the revised 1950
score, incorporates a wondrously serene cantabile style of
piano writing not often found in Stravinskys music of the
1920s. The movements two melismatic cadenzas carry
a very rare rubato marking, while the pianistic writing
is clearly rooted in the highly ornate filigree so often
encountered in the slow movements of Beethovens early
piano sonatas.
The closing Allegro, with its percussive opening
material built around open fourths and fifths, exhibits a
satirical pastiche blending caf tunes, jazz rhythms and
even a Baroque-styled fughetta that appears out of
nowhere. Taken as a whole, the movement bears a clear
relationship to the keyboard toccatas of the eighteenth
century, with rapid changes of contrasting and often
seemingly unrelated material. Stravinsky performed the
work nearly fifty times over the next few years, and its
success spawned the composition of several subsequent
works for solo piano, two pianos, piano and orchestra, and
piano and violin.
Composed in 19289 mostly in Nice, the Capriccio for
piano and orchestra is, in effect, Stravinskys second piano
concerto. So eager were audiences to see the composer
perform his own works that he was regularly urged to write
a sequel to his Concerto for piano and wind instruments.

Indeed Stravinsky was in such demand as a pianist that he

could only compose intermittently, as his touring would
allow. The Capriccio was the only new work written in
1929. It is of comparable length to the earlier Concerto;
but the similarities stop there. Here the composer employs
a full orchestra rather than a wind ensemble and takes full
advantage of the addition of strings. Moreover, the piano
writing stands in stark contrast to the earlier Concerto.
While the outer movements of the Concerto were firmly
rooted in the pianos natural percussiveness, the Capriccio
is far more lyrical. There are still passages that hark back
to the assertive writing of such wind works as the Octet
and Concerto for piano and wind instruments, but for
the most part the Capriccios melodious writing reflects
Stravinskys more recent compositions, especially the two
important ballets Apollo and The Fairys Kiss. As for the
title, the composer wrote in his Chronicle that he had in
mind a fantasia, meaning a freely structured form that
would give voice to a more impromptu-like, capricious
style of writing.
The first movement begins with an introduction
marked Presto that quickly gives way to the movements
main materialdisplaying piano writing that explores the
entire keyboard in an unending, continuously expansive
manner. From start to finish, with little opportunity for
the soloist to grab a breath, the pianist must shape the
long, mellifluous lines as part of an unbroken fabric. The
movement ends with a restatement of the opening material.
The heading of the middle movement, Andante
rapsodico, indicates that the composer was once again
writing in an almost improvisatory style, replete with rapid
rhythmic figurations of nine-, eleven- and thirteen-note
groupings. The resulting flights of fancy are reminiscent of
the highly ornamental embroidery evident in the music of
Carl Maria von Weber, who, as Stravinsky recalled in his
Chronicle, exercised a spell over him at the time.

This second movement leads without pause into the

final Allegro capriccioso ma tempo giusto from whence
the title of the work springs, since this third movement was
in fact composed first. The form is stricter here, adhering
to the principles of a classical rondo. The perpetual-motion
writing that propels the movement is brilliantly spun
throughout both the piano and orchestra.
The Capriccio was premiered at a Paris Symphony
concert in December 1929 with Stravinsky at the piano and
his friend Ernest Ansermet on the podium; the composer
later revised the score in 1949, but only with minor
alterations. Nearly forty years after its premiere, the
Capriccio found a new home on stage with George
Balanchines 1968 ballet Jewels, in which Stravinskys
music was employed in the Rubies section of this
perennially popular New York City Ballet production.
Completed in late July 1959, Movements marked by
far the composers most intricate serial work to datehis
most advanced music as he declared in Memories and
Commentaries. Scored for piano and an orchestra that
included a harp and celesta, this astringent, compactly
structured work assigns the most important role to the
solo piano. Initially, in fact, Stravinsky entitled the work
Concerto for piano and groups of instruments. But he
soon did away with the description since the piano does
not serve the same role it occupied in his earlier two works
for piano and orchestra. Here the keyboards use is more
compressed, more of a contributor to the chamber music
environment in which it finds itself.
The piano seems to have assumed the role of a solo
instrument as a consequence of a commission by Swiss
magnate Karl Weber, who wished to have a Stravinsky piano
piece for his wife Margrit to perform. Movements was
premiered at the Town Hall in New York in January 1960
with Weber at the piano and the seventy-eight year
old Stravinsky conducting. Originally there were five short

movements (without individual titles and carrying only

metronomic indications), including four even briefer
intervening sections, marked as interludes, of only a
few bars without piano (although by the time the work
was published those headings were dropped). The work
outlines a lexicon of serial techniques: rotations, retrograde
inversions, hexachordal transpositions and combinatorial
segmentationsall within an unmistakably pointillistic
orchestral structure. Stravinskys close examination of the
music of Krenek and the piano pieces of Stockhausen
at that time evidently left an imprint. The score of
Movements reveals a pianism unlike anything Stravinsky
had written before. The piano itself establishes a timbral
constancy right in the centre of kaleidoscopically changing
patterns of contrasting instrumental colours. Occasionally
the piano is heard alone, but even then only briefly. Most
often it is found in combinations with one of the orchestral
choirs. Spatially, the pianism is also notably Webernesque
in its exploration of the entire register of the keyboard.
Compositionally, the work is a testament to Stravinskys
ongoing vitality at the age of seventy-seven, and his
remarkable embrace of the most advanced, contemporary
serial techniques.
Also known as the Basle Concerto, the Concerto in D
was commissioned for the Basel Chamber Orchestra
(Basler Kammerorchester) in 1946 by Paul Sacher, the
conductor of the ensemble. Sacher was not only an
advocate of Stravinsky during the composers lifetime, but
in the 1980s he established the Sacher Stiftung in Basel,
where the vast majority of the composers archives are
now held. This elegant string concerto was written at a
time when Stravinsky was acclimatizing to Los Angeles
and the dizzyingly popular musical styles to which he
was constantly exposed. As a result, the composer dabbled
in film music, wrote ballet music for a Broadway
revue, and completed a work in the jazz idiom, the Ebony

Concerto for Woody Herman, written just before the Basle

Scored for the full complement of strings, the Concerto
in D fully explores the richness of a full-blooded string
ensemble in much the same way as his earlier Concerto
Dumbarton Oaks (19378) exploited the opportunities
afforded by a chamber orchestra for both strings and
winds. The Basle Concertos string writing runs the gamut
of special techniques including cleverly employed spiccato
and pizzicato writing often juxtaposed with beautifully
lyrical writing assigned to various parts of the orchestra.
The Concerto is cast in three movements and displays
neoclassical writing at its cleanestunadorned and
alternately gritty and graceful without artifice. The jutting
silences and syncopations obvious throughout the first
movement, for example, are characteristically Stravinskian
in the way they energize the musics flow. The second and
third movements reveal a composer still committed to the
tension and release formula of tonality but increasingly
allowing prolonged dissonances to stand on their own
without immediate resolutions. The work was composed
entirely in Hollywood shortly before Stravinsky undertook
his landmark ballet Orpheus, also notable for its luminous
string writing.

Written for full orchestra, including piano and harp,

the Canon (on a Russian Popular Tune) is one of
Stravinskys least-known works. The composer originally
entitled the piece Canon for Concert Introduction or
Encore in the manuscript copy. Written quickly in 1965,
and constituting an interruption in the middle of
composing the monumental Requiem Canticles, it is
merely a minute in duration; but its brevity belies a
fascinating web in the canonically intricate treatment of
the famous Coronation theme from the finale of the
composers 1910 ballet The Firebird. Thematic inversions
and augmentations of one of Stravinskys most memorable
folk tunes abound as they snake their way through the
separate strands of the orchestra. The switching back and
forth between duple and triple time signatures provides a
throwback to the alternating asymmetrical metres of the
original ballet score. Stravinsky, who sometimes wrote little
canons as gifts to his friends, composed the work as a
memorial tribute to his old friend Pierre Monteux, who
had died a year earlier.
Charles M Joseph is Professor Emeritus at Skidmore College,
Saratoga Springs, New York; he is the author of four books
on the life and music of Igor Stravinsky


Steven Osborne is one of Britains most highly regarded

pianists. His awards and prizes have included a Gramophone Award in 2009 (he was also a finalist in the BBC
Music Magazine Awards in the same year), the German
Schallplattenpreis (three times), and first prize at both the
Naumburg International Competition in New York and the
Clara Haskil Competition.
Steven Osbornes international career takes him to all
corners of the globe. In 1995 he made his debut tour of
Japan which included a recital at Tokyos Suntory Hall, and
he returns regularly to the city. He has developed a strong
reputation in the USA, making his debut at Carnegie Hall
in 2005 and most recently performing with the Dallas
Symphony Orchestra. In Europe he has given recitals
at the Amsterdam Concertgebouw, Konzerthaus Vienna,
Philharmonie Berlin, Palais des Beaux-Arts Brussels and
Musikhalle Hamburg and has worked with orchestras
including the Deutsches Symphonie-Orchester Berlin,
Danish Radio Symphony, Finnish Radio Symphony,
Residentie Orkest and NDR Sinfonieorchester Hannover.
A regular soloist on the UK concert platform, Steven
Osborne performs with the major British orchestras,
especially with the Philharmonia, City of Birmingham and
BBC Scottish Symphony orchestras. His concerts are
regularly broadcast by the BBC and he performs every year
at Wigmore Hall and the Edinburgh Festival and has made
numerous appearances at the BBC Proms. Steven is also
a committed chamber musician, and performs regularly
with German cellist Alban Gerhardt.
Steven Osborne records for Hyperion. His recordings
of Messiaens Vingt Regards sur lEnfant-Jsus and
Rachmaninovs Preludes met with exceptional praise and
were each nominated for a Gramophone Award. His
recording of Debussys complete Prludes was selected
by Gramophone as Editors Choice, as were discs of

Benjamin Ealovega


solo works by Alkan, Liszts Harmonies potiques et

religieuses, and an acclaimed disc of Schubert piano
duets with Paul Lewis. His survey of the complete solo
piano music of Ravel, and recordings of Beethoven piano
sonatas and bagatelles and Musorgskys Pictures from an
Exhibition, have also received widespread praise. Steven
has also recorded the piano sonatas and piano concerto by
Sir Michael Tippett, and the complete works for piano and
orchestra by Benjamin Britten, the latter winning a
Gramophone Award.


Birmingham, Melbourne and Tokyo Metropolitan
Symphony orchestras, National Symphony Orchestra
(Washington DC), Orchestre de Paris, SWR Freiburg, MDR
Leipzig, Berlin Radio Symphony Orchestra, Orchestre
National du Capitole de Toulouse, Orchestre National de
Lyon and the Ensemble Modern. In the opera house he has
conducted Tchaikovskys Eugene Onegin for San Francisco
Opera, Brittens A Midsummer Nights Dream at the
Glyndebourne Festival (having previously appeared with
Glyndebourne Touring Opera) and Brittens Peter Grimes
for Washington National Opera.
His critically acclaimed recordings for Hyperion include
two CDs of Stravinsky ballets; albums of Jancek and Liszt
orchestral music; a recording of Brittens complete works
for piano and orchestra with Steven Osborne, which won
a Gramophone Award in 2009; two discs of Roslavets,
including the violin concertos with Alina Ibragimova; violin
concertos by Taneyev and Arensky with Ilya Gringolts; viola
concertos by Rubbra and Walton with Lawrence Power;
Regers Piano Concerto and Richard Strausss Burleske
with Marc-Andr Hamelin; and Bloch and Bruch with
Natalie Clein.
Ilan Volkov is one of the guiding forces behind Levontin
7, a performance venue in Tel Aviv that brings together
differing musical genres, including classical, jazz, electronic and rock. In 201112 he assumed the position of
Music Director and Chief Conductor of the Iceland
Symphony Orchestra, where his role includes creating
an annual new-music festival in which he envisages the
orchestra collaborating with contemporary composers,
non-classical musicians and artists.

Simon Butterworth

Born in Israel in 1976, Ilan Volkov was appointed Young

Conductor in Association to the Northern Sinfonia at the
age of nineteen. In 1997 he became Principal Conductor
of the London Philharmonic Youth Orchestra and two years
later was invited by Seiji Ozawa to join the Boston
Symphony Orchestra as Assistant Conductor. He was
Chief Conductor of the BBC Scottish Symphony Orchestra
from 2003 to 2009, subsequently becoming Principal
Guest Conductor. Ilan Volkov is a frequent guest with
orchestras throughout the world, including the Israel and
Munich Philharmonic orchestras, the Bamberg, City of

Also available
The Fairys Kiss & Scnes de ballet
Compact disc & download CDA67697
This performance of The Fairys Kiss is the finest yet put on record Volkovs account of
the Scnes de ballet is masterly and likewise unmatched (International Record Review)
[In The Fairys Kiss] Volkov has a sure ear for the ballets momentum, colour and dynamism,
and the BBC SSO plays it with precision and eloquent character (The Daily Telegraph)
Volkov offers brilliantly clear, high-energy accounts (The Sunday Times)
Jeu de cartes, Agon & Orpheus
Compact disc & download CDA67698
Virile, cogent performances from the BBC Scottish Symphony Orchestra under Ilan Volkov
Crisply sculpted and propulsive, the rhythmic sleights of hand diamond-sharp, the instrumental
colours bold, the impact exhilarating (Gramophone) With such purposeful, sensitive
conducting and such assured playing, this can be very warmly recommended (International
Record Review) Ilan Volkov shows tremendous empathy for Stravinskys music. With the aid of
meticulous playing from the BBC Scottish Symphony Orchestra, he delivers performances that
project vibrant rhythmic urgency alongside a wonderful attention to internal detail and a subtle
control of instrumental colour (BBC Music Magazine)



Intgrale de la musique pour piano et orchestre

GOR STRAVINSKI eut la joie dtre indfectiblement li

au piano : depuis ses toute premires pices denfance
jusquaux quelques bauches prliminaires dune
sonate pour piano laisse inacheve sa mort, en 1971,
il sloigna rarement du clavier. Ses uvres pour piano
annoncent frquemment des compositions plus vastes,
plus familires. Souvent, de nouveaux modles contrapuntiques, de nouvelles conceptions de texture et de
nouvelles combinaisons harmoniques surviennent dans
une pice pianistique juste avant de le faire dans
ses grandes uvres symphoniques et chorales. Lui-mme
voyait dans le piano le pivot de ses dcouvertes compositionnelles. La vrit, cest que, compar certaines de
ses compositions phares comme Le Sacre du printemps,
la Symphonie des psaumes et la Symphonie en trois
mouvements, sa littrature pianistique (y compris les prsentes uvres) est trop souvent, et injustement, oublie.
Pourtant, chacune de ces partitions, dj importante en
soi, ouvre de nouvelles portes sur la comprhension de
lvolution soutenue du compositeur Stravinski.
La version stravinskienne du Chant des bateliers du
Volga, pour vents et percussion, capte lantique esprit
dune nation qui ne se laissa jamais abattre. Au fil des
ans, cet emblmatique chant traditionnel russe retint
lattention de maints compositeurs, larrangement de Mili
Balakirev tant peut-tre le plus connu. Exil en Suisse
durant la Premire Guerre mondiale, Stravinski avait eu
la nostalgie de sa patrie perdue, comme en tmoignent
plusieurs mises en musique de contes populaires de son
enfance. La rvolution de fvrier 1917 encore trs prsente
lesprit, il eut des souvenirs particulirement vifs. On dit
quil arrangea cette mlodie de la Volga pour rendre
service Sergei Diaghilev, limpresario des Ballets russes
alors en qute dune nouvelle uvre pour remplacer la
traditionnelle excution de lhymne national russe Dieu


sauve le tsar avant les reprsentations. Mais, en ralit,

la demande dun nouvel hymne manait directement
du parlement russe, instaur depuis peu. Daprs le
manuscrit, Stravinski avait dabord intitul son arrangement Hymne la nouvelle Russie. Il instrumenta
le clbre chant en une nuit, littralement, dictant la
musique son ami Ernest Ansermet, qui en consigna
consciencieusement chaque note. Juste sous lorchestration, Stravinski ajouta une rduction pianistique de
cette uvre, dont la couverture du manuscrit prsente
un drapeau rouge esquiss par Picasso, un ami, en
reconnaissance de la rvolution russe.
En plus de composer et de diriger, Stravinski poursuivit,
pendant trente ans, une prenante carrire de concertiste.
Rdige pour ses mains inhabituellement grandes, sa
musique pianistique lui est propre et est donc, souvent,
prodigieusement difficile. Il envisageait les concerts avec
une ferveur toute personnelle et passait des heures
peaufiner son art pianistique tout en tudiant avec
le clbre pdagogue Isidore Philipp. Soucieux de la
surexploitation motionnelle de ses pices par dautres
interprtes, il en garda souvent les droits exclusifs
dinterprtation en public, attendant des annes avant
de laisser dautres pianistes les jouer.
La clart et la tnuit apolliniennes du noclassicisme,
vers lesquelles Stravinski avait t progressivement
attir, apparurent avec une indubitable vidence dans
lOctuor pour instruments vent, uvre phare de 1923,
immdiatement suivie du Concerto pour piano et
instruments vent, o le piano assume un rle virtuose
concertant, partenaire dun ensemble de vents tout aussi
important (sans cordes autres que les contrebasses). crit
Biarritz en 19234, ce Concerto fut ddi Natalie
Koussevitzky, pouse de Sergei Koussevitzky, qui en dirigea
la cration en mai 1924 Paris, avec Stravinski en soliste.

Cette uvre, en trois mouvements, souvre sur un Largo

rdig dans le style dune ouverture la franaise. Les
rythmes points styliss seffacent rapidement devant un
Allegro mcanique rappelant nombre des mouvements
mens tambour battant dans les Partitas et les Suites
anglaises pour clavier de Bach. La forme du premier
mouvement sapparente un peu celle dun concerto
classique, avec un dveloppement central renouvel des
tudes claviristiques de Czerny et de Hanon, bien connues
des pianistes en herbe. La rexposition mne une
cadenza rythmiquement complexe, jazzy, la Gershwin,
qui montre combien Stravinski avait t happ par le jazz
amricain, surtout le ragtime. Le mouvement sachve
sur le majestueux matriau inaugural douverture la
Le mouvement central, un Larghissimo chang en
Largo dans la rvision de 1950, intgre un pianisme
cantabile, merveilleusement serein, peu frquent chez
le Stravinski des annes 1920. Les deux cadenzas
mlismatiques de ce mouvement portent une rarissime
indication de rubato, tandis que lcriture pianistique
senracine manifestement dans le filigrane trs orn, dont
Beethoven para si souvent les mouvements lents de ses
premires sonates pour piano.
LAllegro conclusif, avec son percussif matriau
liminaire bti autour de quartes et de quintes vide,
expose un pastiche satirique mlant airs de cabaret,
rythmes de jazz et mme fughetta baroquisante surgie
de nulle part. Globalement, ce mouvement prsente une
vidente filiation avec les toccatas pour clavier du XVIIIe
sicle et leurs rapides changements de matriaux
contrastifs souvent non connexes, du moins en apparence.
Pendant les quelques annes qui suivirent, Stravinski
excuta prs de cinquante fois cette uvre, dont le succs
lui inspirera plusieurs pices pour piano solo, deux pianos,
piano et orchestre, ou encore piano et violon.

Ce fut Nice, en 19289, que Stravinski composa

lessentiel de son Capriccio pour piano et orchestreen
fait, son second concerto pour piano. Le public brlait tant
de le voir interprter ses propres uvres quon le pressait
rgulirement de donner une suite son Concerto pour
piano et instruments vent, mais il tait tellement
demand comme pianiste quil pouvait composer seulement par intermittences, quand ses tournes le lui
permettaient, et le Capriccio fut sa seule uvre nouvelle
de lanne 1929. Sa dure est comparable celle du
Concerto, mais les similitudes sarrtent l car Stravinski
utilise non plus un ensemble de vents mais un grand
orchestre, tirant avantage de lajout de cordes. Par ailleurs,
lcriture pianistique contraste vivement avec celle du
Concerto, aux mouvements extrmes trs ancrs dans la
percussivit naturelle du piano. Le Capriccio, lui, est bien
plus lyrique et, si certains de ses passages renvoient encore
lcriture offensive duvres pour instruments vent
comme lOctuor et le Concerto pour piano et instruments
vent, son criture mlodieuse reflte gnralement des
partitions stravinskiennes plus rcentes, surtout les deux
importants ballets Apollon et Le Baiser de la fe. Quant au
titre, le compositeur prcise dans ses Chroniques quil
avait en tte une fantaisie, autrement dit une forme
librement structure laissant la place un style dcriture
plus impromptu, capricieux.
Le premier mouvement souvre sur une introduction
marque Presto qui cde vite la place au matriau principal et son criture pianistique explorant tout le clavier
dune manire perptuelle, en continuelle expansion. Du
dbut la fin, sans vraiment pouvoir souffler, le soliste
doit faonner les longues lignes mlodieuses constitutives
dune trame ininterrompue. Une rexposition du matriau
inaugural vient conclure le mouvement.
Le titre du mouvement central, Andante rapsodico,
montre un Stravinski de nouveau dans un style presque

limprovisade, truff de figurations rythmiques rapides en

groupes de neuf, onze et treize notes. Do des envoles de
limagination rappelant la broderie trs ornementale de la
musique de Carl Maria von Weber, lequel exerait alors un
charme sur Stravinski (cf. Chroniques).
Le deuxime mouvement mne directement lAllegro
capriccioso ma tempo giusto final, auquel luvre doit
son titre et que Stravinski composa, en fait, en premier.
Sa forme, plus stricte, adhre aux principes dun rondo
classique, et lcriture en mouvement perptuel qui
le propulse est brillamment tisse dans le piano et
Cette partition fut cre Paris, en dcembre 1929, lors
dun concert runissant Stravinski au piano et son ami
Ernest Ansermet sur lestrade ; en 1949, le compositeur la
rvisa, mais trs lgrement. Presque quarante ans aprs
sa cration, ce Capriccio trouva une seconde jeunesse sur
scne grce George Balanchine et son ballet Jewels
(1968), o il servit le volet Rubies de cette production
jamais populaire du New York City Ballet.
Acheve la fin de juillet 1959, Movements est
alors, et de loin, la partition srielle la plus complexe
de Stravinskisa musique la plus avance , affirma-til dans ses Souvenirs et commentaires. crite pour piano
et orchestre (avec harpe et clesta), cette uvre svre, de
structure compacte, confie le rle le plus important au
piano solo. Au dpart, Stravinski lintitula Concerto pour
piano et ensembles dinstruments, mais il abandonna
bien vite cette appellation, tant le piano assume ici une
toute autre fonction que dans ses deux prcdentes pices
pour piano et orchestre : utilis de manire plus resserre,
il est davantage un contributeur lenvironnement de
musique de chambre dans lequel il baigne.
Le piano semble avoir t promu au rang dinstrument
solo suite une commande du magnat suisse Karl Weber,
dsireux doffrir une pice de Stravinski sa femme

Margrit. La cration eut lieu au Town Hall de New York

en janvier 1960 avec Weber au piano et, la baguette,
un Stravinski g de soixante-dix-huit ans. lorigine,
luvre comportait cinq courts mouvements (sans titre,
avec seulement des indications mtronomiques) comptant
quatre sections intermdiaires encore plus brves,
marques interludes , de quelques mesures, sans piano
(au moment de la publication, ces en-ttes furent toutefois
supprims). Elle offre un panorama lexical des techniques
srielles : rotations, renversements rtrogrades, transpositions en hexacordes, segmentations combinatoires, le
tout dans une structure orchestrale indniablement
pointilliste. lpoque, Stravinski scruta la musique
de Krenek et les pices pianistiques de Stockhausen, qui
laissrent une empreinte manifeste. La partition de
Movements donne voir un pianisme ne ressemblant
rien de ce que Stravinski avait crit jusque l. Le piano
instaure lui-mme une constance de timbre au cur
de modles kalidoscopiques changeants, aux couleurs
instrumentales contrastes, et sil se fait parfois entendre
seul, cest toujours brivementle plus souvent, il est
combin avec un des churs orchestraux. Spatialement, le pianisme se livre aussi une exploration
remarquablement webernesque de toute ltendue du
clavier. Sur le plan compositionnel, cette uvre est le
testament de linaltrable vitalit dun compositeur de
soixante-dix-sept ans, de sa remarquable adhsion aux
techniques srielles les plus avances de son temps.
Le Concerto en r, dit galement Concerto de Ble, fut
command pour lOrchestre de chambre de Ble (Basler
Kammerorchester) en 1946 par Paul Sacher, son chef.
(Indfectible dfenseur de Stravinski, il fonda galement,
dans les annes 1980, la Sacher Stiftung, accueillant dsormais limmense majorit des archives stravinskiennes.)
Cet lgant concerto pour cordes fut crit alors que
Stravinski saccoutumait Los Angeles et aux styles

musicaux incroyablement populaires qui soffraient sans

cesse lui. Il composa donc quelques musiques de films,
une musique de ballet pour une revue de Broadway et,
pour Woody Herman, le jazzy Ebony Concerto, termin
juste avant le Concerto de Ble.
crit pour les cordes au grand complet, le Concerto en
r explore fond la richesse dun ensemble de cordes
puissant, un peu comme le Concerto Dumbarton Oaks
(19378) exploitait les possibilits quun orchestre de
chambre offrait aux cordes et aux vents. Le Concerto de
Ble passe en revue les techniques spcifiques de lcriture
de cordes, notamment une habile criture en spiccato et
en pizzicato souvent juxtapose un merveilleux lyrisme
dvolu diverses parties de lorchestre. Coul en trois
mouvements, le Concerto en r prsente une criture
noclassique on ne peut plus puredpouille, tour
tour incisive et charmeresse, sans artifice. Les silences
saillants et les syncopes qui marquent tout le premier
mouvement sont ainsi typiquement stravinskiens en ce
quils dynamisent le flux musical. Les deuxime et
troisime mouvements rvlent un compositeur encore
subordonn la formule tonale de tension et relchement mais laissant de plus en plus des dissonances
prolonges apparatre seules, sans rsolutions immdiates. Stravinski rdigea cette uvre entirement


Hollywood, peu avant dentamer son ballet phare Orphe,

lcriture de cordes galement lumineuse.
Rdig pour grand orchestre (avec piano et harpe), le
Canon (sur un air populaire russe) est lune des pages
les moins connues de Stravinski, qui lintitula dabord
Canon pour une introduction ou un bis de concert sur
son manuscrit. crite rapidement en 1965, au beau milieu
de la rdaction des Requiem Canticles, cette uvre dure
une minute seulement, une brivet qui nempche pas
un fascinant rseau de se dployer dans le traitement
canoniquement complexe du fameux thme du
Couronnement du finale du ballet LOiseau de feu
(1910). Les renversements et les augmentations thmatiques de lun des airs populaires les plus mmorables de
Stravinski abondent en se faufilant travers les fils
distincts de lorchestre. Le va-et-vient entre signes de la
mesure binaire et ternaire marque un retour aux mtres
asymtriques alternants du ballet original. Stravinski, qui
crivait parfois de petits canons pour les offrir ses amis,
composa celui-ci en mmoire de son vieil ami Pierre
Monteux, mort un an auparavant.
Professeur mrite Skidmore College (Saratoga Springs, New York) ;
auteur de quatre ouvrages sur la vie et la musique dIgor Stravinski
Traduction HYPERION


Smtliche Werke fr Klavier und Orchester

GOR STRAWINSKY war dem Klavier sein Leben lang

verbunden. Von den Werken aus seiner frhesten
Kindheit bis zu einigen vorlufigen Skizzen fr eine
Klaviersonate, die zum Zeitpunkt seines Todes im Jahre
1971 unvollstndig zurckblieben, war der Komponist
nur selten weit von einem Klavier entfernt. Seine
Klavierwerke fungieren oft als Vorboten von greren und
bekannteren Werken. Es finden sich hufig neue
kontrapunktische Strukturen, neue Texturen und neue
harmonische Kombinationen in Klavierwerken, die dann
kurz danach in greren symphonischen Arbeiten und
Chorwerken auftraten. Strawinsky selbst bezeichnete
das Klavier als Angelpunkt seiner kompositorischen
Entdeckungen. Einfach ausgedrckt verhlt es sich so,
dass verglichen mit einigen der groen Werke des
Komponistenwie etwa das Frhlingsopfer, die
Psalmensymphonie und die Symphonie in drei Stzen
seine Klavierliteratur (einschlielich der hier eingespielten
Werke) oft zu Unrecht vernachlssigt wird. Dabei sind
die Klavierwerke nicht nur an sich wichtige Werke, sondern
sie werfen auch neues Licht auf die anhaltende
kompositorische Entwicklung Strawinskys.
Strawinskys Vertonung des Liedes der Wolgaschlepper
ist fr Blser und Schlagwerk angelegt und fngt den alten
Geist einer Nation ein, die eine zhe Unnachgiebigkeit
besa. Im Laufe der Zeit erregte dieses ikonenhafte
russische Volkslied das Interesse vieler Komponisten, wobei
Mili Balakirews Bearbeitung vielleicht die berhmteste ist.
Das Schweizer Exil whrend des Ersten Weltkriegs hatte
in Strawinsky eine Nostalgie fr seine verlorene Heimat
hervorgerufen, was sich in einer Reihe von Vertonungen
von Volkssagen zeigt, mit denen er in seiner Kindheit
in Berhrung gekommen war. Die Februarrevolution von
1917 war ihm noch sehr gegenwrtig, so dass seine
Erinnerungen besonders plastisch waren. Angeblich


fertigte der Komponist das Arrangement der Wolga-Melodie

als Gefallen fr Sergei Djagilew an. Der Impresario der
Ballets Russes bentigte ein neues Werk, um die russische
Nationalhymne, Gott, schtze den Zaren, die traditionsgem vor den Auffhrungen gespielt wurde, zu ersetzen.
Allerdings kam die Bitte um eine neue Hymne tatschlich
direkt von dem neuerlich eingesetzten russischen
Parlament. Strawinskys Manuskript verrt, dass er das
Stck ursprnglich als Hymne la nouvelle Russie
bezeichnet hatte. Der Komponist orchestrierte das
berhmte Lied buchstblich ber Nacht und diktierte die
Stimmen seinem Freund Ernest Ansermet, der gehorsam
jeden Ton notierte. Direkt unter die Orchestrierung
fgte Strawinsky einen Klavierauszug des Werks hinzu.
Direkt unter die Orchestrierung fgte Strawinsky einen
Klavierauszug des Werks hinzu. Im Manuskript findet
sich zustzlich ein farbenprchtiges rotes Banner auf
der Titelseite, das von Strawinskys Freund Picasso in
Anerkennung der russischen Revolution entworfen
worden war.
Neben seiner Ttigkeit als Komponist und Dirigent
nahm Strawinsky ber fast drei Jahrzehnte hinweg
die Rolle des reisenden Konzertpianisten ein. Seine
Klavierwerke entstanden fr seine ungewhnlich groen
Hnde und sind recht eigenwillig gestaltet und daher oft
auergewhnlich schwer. Der Komponist konzertierte mit
charakteristischer Inbrunst. Er verwendete viele Stunden
darauf, seinen pianistischen Fhigkeiten den letzten Schliff
zu verleihen und studierte gleichzeitig bei dem berhmten
Pdagogen Isidore Philipp. Aufgrund seiner Bedenken
bezglich bermig gefhlsbetonter Ausnutzung seiner
Werke durch andere Interpreten, behielt Strawinsky
sich oft jahrelang die exklusiven ffentlichen Auffhrungsrechte vor, bevor er es anderen gestattete, seine
Klavierwerke zu spielen.

Die apollinischen Tugenden der Klarheit und Schlankheit des Neoklassizismus, zu denen sich der Komponist
stets hingezogen fhlte, werden deutlich in seinem
bedeutenden Oktett fr Blasinstrumente von 1923 sichtbar. Direkt nach dem Oktett kam das Konzert fr Klavier
und Blasinstrumente, in dem das Klavier eine virtuose
konzertante Rolle einnimmt und mit einem ebenso
wichtigen Blserensemble (ohne Streicher, mit Ausnahme
der Kontrabsse) zusammen wirkt. Das Klavierkonzert
entstand 1923/24 in Biarritz und wurde Natalie
Koussevitzky gewidmet, deren Ehemann, Sergei
Koussevitzky, im Mai 1924 die Premiere in Paris dirigierteStrawinsky spielte den Solopart. Das dreistzige
Werk beginnt mit einem Largo im Stil einer franzsischen
Ouvertre. Die stilisierten punktierten Rhythmen gehen
schnell in ein mechanisch anmutendes Allegro ber, das
an die vielen vorantreibenden Stze erinnert, die sich in
den Englischen Suiten und Partiten fr Tasteninstrument
von Bach finden. Die Form des ersten Satzes ist sozusagen
verwandt mit dem klassischen Konzert, inklusive eines
durchfhrungsartigen Mittelteils, der fr alle angehenden
Pianisten unmissverstndlich an die Klavieretden von
Czerny und Hanon erinnert. Die Reprise leitet in eine
rhythmisch komplexe, jazzartige Klavierkadenz im Stile
Gershwins hinein, was zeigt, wie begeistert Strawinsky vom
amerikanischen Jazz und besonders dem Ragtime war. Der
Satz endet mit einer Rckkehr zu dem Anfangsmaterial
mit dem Duktus der wrdevollen franzsischen Ouvertre.
Der mittlere Satz war zunchst als Larghissimo
angelegt, wurde in der berarbeiteten Version von 1950
aber zu einem Largo. Es kommt hier ein wunderbar
heiterer kantabler Klavierstil zum Ausdruck, der in
Strawinskys Musik der 1920er Jahre nicht oft anzutreffen
ist. Die beiden melismatischen Kadenzen des Satzes sind
mit uerst seltenen Rubato-Markierungen versehen,
whrend der Klavierstil offensichtlich in dem kunstvoll

ausgeschmckten Duktus verwurzelt ist, der so oft in den

langsamen Stzen der frhen Beethovensonaten zum
Ausdruck kommt.
Das abschlieende Allegro beginnt mit perkussivem
Material, das aus leeren Quarten und Quinten konstruiert
ist. Der Satz stellt ein satirisches Pasticcio dar, in dem
Kaffeehaus-Melodien, Jazzrhythmen und sogar eine barockartige Fughetta, die aus dem Nichts erscheint, miteinander
verarbeitet sind. Insgesamt gesehen zeigt der Satz eine
enge Beziehung zu den Toccaten fr Tasteninstrumente
aus dem 18. Jahrhundert auf, wo rasche Wechsel von
kontrastierendem und oft scheinbar unverwandtem
Material stattfinden. Strawinsky fhrte das Werk im Laufe
der folgenden Jahre fast 50 Mal auf und sein Erfolg regte
weitere Kompositionen fr Soloklavier, zwei Klaviere,
Klavier und Orchester sowie Klavier und Geige an.
Das Capriccio fr Klavier und Orchester entstand zum
grten Teil in Nizza in den Jahren 1928/29 und
ist sozusagen Strawinskys zweites Klavierkonzert. Das
Publikum war derart begierig darauf, den Komponisten als
Interpreten seiner eigenen Werke zu erleben, dass er oft
regelrecht dazu gedrngt wurde, ein Folgewerk zu seinem
Konzert fr Klavier und Blasinstrumente zu schreiben.
Tatschlich war Strawinsky als Pianist derart gefragt, dass
er nur gelegentlich komponieren konnte, je nachdem wie
seine Konzertreisen es zeitlich zulieen. Das Capriccio
war das einzige Werk, das 1929 entstand. Es hat etwa
die gleiche Lnge wie das vorangehende Konzert, doch
hren dort die hnlichkeiten auch schon auf. Hier
setzt der Komponist ein volles Orchester anstelle eines
Blserensembles ein und nutzt den hinzugefgten
Streicherapparat voll aus. Zudem setzt sich der Klavierpart
von dem des frheren Konzerts deutlich ab. Whrend
die Auenstze des Konzerts fest in der natrlichen
Perkussivitt des Klaviers verwurzelt waren, ist das
Capriccio sehr viel lyrischer. Es finden sich immer

noch Passagen, die auf den selbstsicheren Stil von Werken

wie dem Oktett und dem Konzert fr Klavier und
Blasinstrumente zurckverweisen, doch spiegelt der
melodise Stil des Capriccios in erster Linie die neuesten
Werke Strawinskys wider, insbesondere die beiden
wichtigen Ballette Apollon musagte und den Kuss der
Fee. Was den Titel anbelangt, so notierte der Komponist
in den Chroniken meines Lebens, dass er eine Fantasie
geplant habeeine frei strukturierte Form, die einen
spontaneren, unberechenbareren Kompositionsstil
zulassen wrde.
Der erste Satz beginnt mit einer Einleitung, die mit
Presto berschrieben ist und rasch zu dem Hauptmaterial
des Satzes bergeht. Hier erkundet das Klavier die gesamte
Tastatur in einer unendlichen, durchgehend expansiven
Art und Weise. Der Pianist hat kaum Gelegenheit dazu,
durchzuatmen, sondern muss von Anfang bis Ende die
langen, wohlklingenden Linien als Teil eines einheitlichen
Stoffes gestalten. Der Satz schliet mit einer Wiederholung
des Anfangsmaterials.
Der Titel des mittleren Satzes, Andante rapsodico, zeigt
den Komponisten wiederum dabei, wie er sich eines fast
improvisatorischen Stils voller schneller rhythmischer
Figurationen in Gruppen von 9, 11 und 13 Tnen bedient.
Die sich daraus ergebenden Fantastereien erinnern an den
stark ausgeschmckten Stil von Carl Maria von Weber,
unter dessen Bann Strawinsky zu jener Zeit stand, wie er
in seinen Chroniken festhielt.
Dieser zweite Satz leitet ohne Pause in das Finale,
Allegro capriccioso ma tempo giusto, hinber, das den
Titel des Werks inspirierte, da dieser dritte Satz in
Wirklichkeit zuerst komponiert wurde. Die Form (die eines
klassischen Rondos) ist hier strikter eingehalten. Das
Perpetuum mobile treibt den Satz voran und ist in
brillanter Weise sowohl in die Klavierstimme als auch in
den Orchesterpart eingewebt.

Das Werk wurde im Dezember im Rahmen eines

Pariser Symphoniekonzerts mit Strawinsky am Klavier und
seinem Freund Ernest Ansermet auf dem Dirigentenpult
uraufgefhrt; 1949 berarbeitete der Komponist das
Werk, nahm jedoch nur geringfgige nderungen vor. Fast
vierzig Jahre nach der Urauffhrung kam Capriccio in
neuer Umgebung zum Einsatz: 1968 wurde Strawinskys
Musik als Rubinenabschnitt in dem Ballett von
George Balanchine verwendetjener stets populren
Inszenierung des New York City Ballet.
Movements wurde Ende Juli 1959 fertiggestellt
und war bis dahin das bei weitem komplizierteste serielle
Stck des Komponistenseine fortgeschrittenste
Musik, wie er in seinen Erinnerungen bemerkte. Dieses
beiende, kompakt strukturierte Werk ist fr Klavier und
Orchesterinklusive Harfe und Celestaangelegt und
teilt dem Soloklavier die wichtigste Rolle zu. Zunchst
hatte Strawinsky das Werk als Konzert fr Klavier und
Instrumentengruppen bezeichnet, doch verwarf er diesen
Titel bald wieder, da das Klavier hier nicht die gleiche
Rolle einnimmt wie in seinen beiden frheren Werken
fr Klavier und Orchester. Der Einsatz des Klaviers ist
hier komprimierter, so dass es eher als Mitwirkender
im Umfeld der Kammermusik auftritt, in dem es sich
Das Klavier scheint in die Rolle eines Soloinstruments
erhht worden zu sein, nachdem der Schweizer Magnat
Karl Weber fr seine Frau Margrit ein Klavierwerk bei
Strawinsky in Auftrag gegeben hatte. Movements wurde im
Januar 1960 in der New Yorker Town Hall uraufgefhrt,
wobei Weber am Klavier sa und der 78-jhrige Strawinsky
das Dirigat bernahm. Ursprnglich bestand das Stck aus
fnf kurzen Stzen (die jeweils jedoch keine Titel hatten,
sondern nur mit Metronomangaben versehen waren), vier
noch krzeren berleitungen, die als Zwischenspiele
gekennzeichnet sind und jeweils wenige Takte ohne Klavier

sind (diese berschriften wurden bei der Verffentlichung

des Werks jedoch wieder weggelassen). Das Werk ist
sozusagen ein Lexikon serieller Techniken: Drehungen,
Krebsumkehrungen, hexachordische Transpositionen
und kombinatorische Segmentationenalles innerhalb
einer unverkennbar pointillistischen Orchesterstruktur.
Strawinskys Studium der Musik Kreneks und der
Klavierwerke Stockhausens zu jener Zeit hatte offenbar
groen Eindruck auf ihn gemacht. Der Notentext der
Movements offenbart einen Klavierstil, der sich von allem
unterschied, was Strawinsky bis dahin komponiert hatte.
Das Klavier selbst etabliert genau im Zentrum der
kaleidoskopartig changierenden Muster von kontrastierenden Instrumentalfarben eine klangfarbliche Konstante.
Gelegentlich ist das Klavier allein zu hren, jedoch immer
nur kurz. Zumeist erklingt es zusammen mit einem der
Instrumentenchre. Rumlich gesehen erinnert der
Klavierstil auch deutlich an Webern, da hier alle Register
der Tastatur erkundet werden. Kompositorisch bezeugt
dieses Werk Strawinskys andauernde Vitalitt im Alter von
77 Jahren, sowie seine bemerkenswerte Bereitwilligkeit,
sich die fortschrittlichsten, zeitgenssischen seriellen
Techniken zu eigen zu machen.
Das Konzert in D (welches auch als Basler Konzert
bekannt ist) wurde 1946 von dem Dirigenten des Basler
Kammerorchesters, Paul Sacher, in Auftrag gegeben.
Sacher setzte sich nicht nur zu Lebzeiten Strawinskys sehr
fr den Komponisten ein, sondern grndete in den 1980er
Jahren auch die Sacher Stiftung in Basel, wo die ber wiegende Mehrzahl der Archive des Komponisten heute
aufbewahrt wird. Dieses elegante Streicherkonzert
entstand, als Strawinsky sich in Los Angeles akklimatisierte
und sich mit den schwindelerregend populren
Musikstilen auseinandersetzte, denen er permanent
ausgesetzt war. Infolgedessen versuchte sich der
Komponist an der Filmmusik, schrieb Ballettmusik fr

eine Broadway-Revue und vollendete ein Werk im Jazz-Stil:

das Ebony Concerto fr Woody Herman, das direkt vor
dem Basler Konzert entstand.
Das Konzert in D ist fr den vollstndigen Streicherapparat angelegt und setzt sich in derselben Weise mit
der Reichhaltigkeit eines vollbltigen Streichorchesters
auseinander, wie er sich in seinem frher entstandenen
Dumbarton Oaks-Konzert (1937/38) die Mglichkeiten
eines Kammerorchesters mit sowohl Streichern als
auch Blsern zunutze gemacht hatte. Der Streicherstil
des Basler Konzerts durchluft das gesamte Spektrum
besonderer Techniken, wie etwa sorgfltig eingesetzte
Spiccato- und Pizzicato-Passagen, die oft wunderbar
lyrischen Abschnitten, die verschiedenen Gruppen des
Orchesters zugeteilt sind, gegenbergestellt werden. Das
Konzert hat eine dreistzige Anlage und ist im
reinsten neoklassizistischen Stil gehaltenschmucklos
und abwechselnd grobkrnig und anmutig ohne jede
Knstlichkeit. Die herausragenden Ruhe-Passagen und
Synkopierungen, die sich etwa im ersten Satz bemerkbar
machen, sind insofern fr Strawinsky charakteristisch, als
dass sie in seiner typischen Art und Weise dem Flieen
der Musik Energie verleihen. Im zweiten und dritten Satz
offenbart sich ein Komponist, der immer noch der tonalen
Spannungsaufbau und Freisetzung-Formel verpflichtet
war, doch zunehmend verlngerte Dissonanzen als solche
stehen lie, ohne sie sofort aufzulsen. Das Werk
wurde vollstndig in Hollywood komponiert, kurz bevor
Strawinsky sich seinem groen Ballett Orpheus widmete,
das ebenfalls aufgrund seines leuchtenden Streichersatzes
bemerkenswert ist.
Der Kanon (ber eine russische Volksmelodie)
wurde fr den gesamten Orchesterapparat inklusive
Klavier und Harfe komponiert und gehrt zu den am
wenigsten bekannten Werken Strawinskys. Im Manuskript
bezeichnete der Komponist das Stck ursprnglich als

Kanon als Konzert-Introduktion oder Zugabe; es wurde

zgig im Jahre 1965 komponiert und stellte eine
Unterbrechung im Arbeitsprozess an den monumentalen
Requiem Canticles dar. Die Dauer des Kanons betrgt
lediglich eine Minute, doch tuscht diese Krze ber
das faszinierende Netz hinweg, in dem das berhmte
Krnungsthema aus dem Finale des Feuervogels
(das berhmte Ballett des Komponisten aus dem Jahre
1910) mit intrikaten Kanontechniken behandelt wird.
Umkehrungen und Augmentationen von einer der
einprgsamsten Volksmelodien Strawinskys treten gehuft
auf und schlngeln sich durch verschiedene Strnge des


Orchesters. Das Hin- und Herwechseln zwischen Zweierund Dreiertakt erinnert an die alternierenden asymmetrischen Metren der ihm zugrunde liegenden Ballettmusik.
Strawinsky, der zuweilen kleine Kanons als Geschenke an
seine Freunde schrieb, komponierte dieses Werk zum
Andenken an seinen alten Freund Pierre Monteux, der ein
Jahr zuvor verstorben war.
Charles M Joseph ist emeritierter Professor des Skidmore College,
Saratoga Springs, New York; er ist der Autor von vier Bchern
ber das Leben und die Musik Igor Strawinskys

Recorded in City Halls, Candleriggs, Glasgow, on 1920 May 2012

Recording Engineer DAVID HINITT
Assistant Recording Engineer MIKE PANAYIOTIS
Recording Producer RACHEL SMITH
Booklet Editor TIM PARRY
P & C Hyperion Records Ltd, London, MMXIII
Front illustration: Senecio (1922) by Paul Klee (1879 1940)
Kunstmuseum, Basel, Switzerland / The Bridgeman Art Library, London

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