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Inspirada en hechos reales, EL RENACIDO (THE REVENANT) es una épica historia de

supervivencia y transformación que tiene lugar en el salvaje Oeste americano. Durante una expedición
en esas inexploradas tierras vírgenes, el legendario explorador Hugh Glass (Leonardo DiCaprio) resulta
brutalmente herido por un oso, y después es abandonado por sus propios compañeros de cacería.
Moribundo y absolutamente solo, Glass se niega a perecer. Impulsado por su fuerza de voluntad y por el
amor que siente hacia su esposa, una nativa americana, y su hijo, Glass emprende un viaje de más de
300 kilómetros a través del vasto e indómito Oeste persiguiendo al hombre que le traicionó: John
Fitzgerald (Tom Hardy). Lo que comienza siendo una implacable búsqueda de venganza se convierte en
una heroica historia, contra todo pronóstico, en pos del hogar y la redención. EL RENACIDO (THE
REVENANT) está dirigida, producida y coescrita por Alejandro González Iñárritu.
SOBRE LA PRODUCCIÓN
El oscarizado director Alejandro González Iñárritu traslada a la gran pantalla la leyenda de Hugh
Glass en el filme, una épica aventura que se desarrolla en el ignoto y salvaje Oeste del siglo XIX.
Sumergiendo al espectador en la incomparable belleza, misterio y peligros de la vida en la Norteamérica
de 1823, la película indaga en la transformación de un hombre mientras intenta salvar su vida. Mitad
thriller y mitad aventura por terreno desconocido, El Renacido (The Revenant) explora los instintos
primarios de búsqueda no sólo de la propia supervivencia sino de la dignidad, la justicia, la fe, la familia y
el hogar.
Conocido por filmes como 21 gramos, Babel y Birdman, que ganó el Premio de la Academia a la
mejor película, El Renacido (The Revenant) es la primera película de Iñárritu que alude a un hecho

histórico. Iñárritu aporta su característica combinación de inmediatez visual e intimidad emocional a una
historia que transporta al público hasta una época y un lugar que raramente ha aparecido en la visceral
cinematografía actual.
La producción del filme, que gira en torno a la crudeza de los entornos salvajes, reflejó las duras
condiciones que Glass y compañía efectivamente soportaron durante el siglo XIX. Iñárritu y la totalidad
de su equipo técnico y artístico estaban preparados para todo lo que les echaran, aceptando los desafíos
que suponía rodar en Canadá y Argentina, regiones famosas por su imprevisible clima y territorios
vírgenes, con el fin de llegar a comprender plenamente la experiencia de los tramperos a principios del
siglo XIX.
Iñárritu colaboró estrechamente con el actor ganador del Globo de Oro y nominado al Premio de la
Academia Leonardo DiCaprio, que interpreta un personaje único, tan intenso físicamente como
emocionalmente sincero. Junto con el actor ganador del BAFTA Tom Hardy y los célebres actores
Domhnall Gleeson y Will Poulter, Iñárritu dirigió a un heterogéneo reparto, compuesto por artistas
internacionales y nativos americanos, hasta un pasado oculto. Iñárritu volvió a unirse al director de
fotografía Emmanuel Lubekzi, conocido como “El Chivo”, ganador del Premio de la Academia, para
aportar su conjunto y característico estilo de rodaje en exteriores, con la cámara flotando por el paisaje; y
que a veces se acerca tanto que hasta el propio aliento de los personajes se hace presente visualmente.
Iñárritu también contó con el meticuloso asesoramiento de asesores históricos con el fin de estudiar
fielmente las guerras territoriales con las tribus nativas que posteriormente se convertirían en material
básico del mito del salvaje Oeste.
La leyenda de Glass comenzó en 1823, cuando se encontraba entre los miles de hombres que se
apuntaron al el comercio de pieles, una nueva fuerza impulsora de la economía americana. Era una época
en la que muchos consideraban el territorio salvaje como un gran desierto espiritual que demandaba ser
domesticado y conquistado por los hombres más duros. De manera que tales hombres se esparcieron en
masa por ríos desconocidos, que nunca habían sido navegados ni cartografiados, se perdieron en bosques
de imponente exuberancia, buscando no sólo emoción y aventura sino también beneficios; a menudo, en
feroz competición con las tribus nativas, para las que hacía tiempo que esas tierras constituían su hogar.
Muchos de esos hombres murieron de forma anónima, pero Glass entró en los anales del folclore
americano al negarse rotundamente a morir. Su leyenda se desató tras enfrentarse a uno de los peligros
más temidos del Lejano Oeste: un desconcertado oso pardo. Incluso para los más curtidos colonos, tal
hecho habría sido supuesto su fin. Pero no para Glass. En la historia que nos cuenta Iñárritu, un malherido
Glass se aferra a la vida; después sufre una traición por parte del género humano, lo cual le anima a
perseverar a toda costa. A pesar de su enorme deterioro, Glass consigue salir por sí mismo de su
prematura tumba; abriéndose camino dificultosamente a través de un desafiante rosario de peligros

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ignotos y culturas desconocidas, en un viaje que se convierte no sólo en la búsqueda de un ajuste de
cuentas sino también en una redención. Mientras atraviesa el salvaje Oeste en su confuso estado, Glass
llega a rechazar la necesidad de destrucción que una vez le impulsó. Se ha convertido en un “Renacido”;
uno que volvió de entre los muertos.
Iñárritu señala: “La historia de Glass hace las siguientes preguntas: ¿Quiénes somos cuando nos
hallamos completamente despojados de todo? ¿De qué está hecho el hombre y de qué es capaz?”
Leonardo DiCaprio añade: “El Renacido (The Revenant) es un increíble viaje por los elementos
más crudos de una América inexplorada. Habla sobre el poder del espíritu humano. La historia de Hugh
Glass es el material de los cuentos de campamento, pero Alejandro aprovecha su leyenda para explorar lo
que realmente significa tenerlo todo en contra, lo que el espíritu humano puede llegar a soportar y qué le
sucede a un hombre cuando efectivamente sobrevive”.
Para Iñárritu, la película El Renacido (The Revenant) supone un giro de 180 grados en relación al
mundo interior que retrató en Birdman. Tras concentrarse en las neurosis de los tiempos actuales, ahora
Iñárritu cambia absolutamente de tema y aborda una épica historia del pasado norteamericano, con sus
continuas tensiones entre brutalidad y civismo, serenidad y ambición.
“Para mí, este proyecto fue un sueño durante más de cinco años”, dice Iñárritu. “Es una intensa y
emotiva historia que contrasta con un bello y épico telón de fondo que explora las vidas de aquellos
tramperos que crecían espiritualmente mientras físicamente sufrían enormemente. Aunque gran parte de
la historia de Glass es apócrifa, hemos intentado mantenernos muy fieles a lo que esos hombres
soportaron en esos territorios aún por desarrollar. Experimentamos condiciones físicas y técnicas muy
difíciles para conseguir extraer las genuinas emociones de esta increíble aventura”.
A Iñárritu le fascinaba cómo un peligro extremo nos puede llegar a desbaratar y nos permite
vislumbrar qué es lo que verdaderamente nos sostiene; cómo puede sacar a la luz cosas que habrían
permanecido ocultas si esa puerta a la mortalidad nunca se hubiera abierto. El montañero Reinhold
Messner dijo una vez en relación con los peligros de la naturaleza: “No aprendemos lo grandes que
somos. Aprendemos lo frágiles y vulnerables que somos y el miedo que sentimos. Sólo puedes llegar a
comprender eso cuando te expones a un enorme peligro”. La diseñadora de vestuario Jacqueline West le
respalda, señalando, “Glass es un personaje que entra en contacto con su propia mortalidad, y eso es algo
muy potente”.
Esa confrontación con la mortalidad se entrelaza, además, con una inusual historia de amor entre
padre e hijo: la de un hombre que en su momento de mayor deterioro se aferra más que nunca a la vida.
“El Renacido (The Revenant) es una historia de pura y dura supervivencia pero también de una
esperanza inspiradora”, afirma Iñárritu. “Para mí, la parte importante era transmitir esta aventura con un

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sentido de sorpresa y descubrimiento, como una exploración tanto de la naturaleza salvaje como de la
propia naturaleza humana”.
El productor Steve Golin observa: “Alejandro siempre aporta verdad a todo lo que hace. Hay
crudeza en su trabajo, pero también hay un elemento espiritual; y en El Renacido (The Revenant) eso da
lugar a una potente combinación que nunca antes habíamos visto reflejada así”.
20th Century Fox y New Regency presentan El Renacido (The Revenant), película protagonizada
por Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Domhnall Gleeson, Will Poulter, Forrest Goodluck, Paul Anderson,
Kristoffer Joner, Joshua Burge y Duane Howard. El filme está dirigido por Alejandro González Iñárritu y
el guión es obra de Mark L. Smith y el propio Iñárritu, basado parcialmente en la novela escrita por
Michael Punke. Los productores son Iñárritu, Arnon Milchan (12 años de esclavitud, Perdida), Steve
Golin (Babel, True Detective), Mary Parent (Godzilla, Noé), Keith Redmon y James Skotchdopole
(Birdman, Django desencadenado); los productores ejecutivos son James Packer (La LEGO película),
Jennifer Davisson (Los idus de marzo), David Kanter (Rendition) y Brett Ratner (X-Men: La decisión
final). El equipo técnico del filme está formado también por: el director de fotografía, ganador del Premio
de la Academia en dos ocasiones, Emmanuel Lubezki, alias “El Chivo”, ASC/AMC (Gravity, Birdman);
el diseñador de producción Jack Fisk (Pozos de ambición); el montador Stephen Mirrione, A.C.E. (Los
juegos del hambre); el supervisor de efectos visuales Rich McBride (Gravity); y la diseñadora de
vestuario Jacqueline West (El curioso caso de Benjamin Button).

LA LEYENDA DE HUGH GLASS
Durante dos siglos, la historia de Hugh Glass se ha consolidado como uno de los relatos más
increíbles sobre un hombre que excede todos los límites que se esperan de cuerpo, mente y alma. Nacido
en Filadelfia en 1773, poco se sabe sobre los primeros años de vida del verdadero Glass, pero se cree que
pasó años en el mar ejerciendo de pirata. En la treintena, Glass viajó al Oeste, y en 1823, se enroló,
fatídicamente, en la expedición del capitán Andrew Henry para explorar el río Missouri. Fue entonces,
aproximándose la expedición a lo que ahora es Lemmon, Dakota del Sur, cuando Glass resultó atacado
por un oso pardo y fue abandonado por los hombres que tenían órdenes de quedarse con él, que
supusieron, erróneamente, que pronto moriría.
Glass no dejó nada escrito, excepto una sola carta que escribió a los padres de un compañero
asesinado por la tribu india de los Arikara. Cuando Glass apareció vivo, los periodistas de la época
difundieron su historia por toda la nación. Desde entonces, ha habido biografías y novelas, no obstante, en
2002, el escritor Michael Punke publicó uno de los trabajos de investigación más exhaustiva: The
Revenant: A Novel of Revenge. Curiosamente, Punke tiene otra carrera completamente distinta como

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representante comercial en Estados Unidos, pero también ha sentido siempre una gran fascinación por los
“hombres de la montaña”, lo que le ha llevado a explorar todas las fuentes para proporcionar la imagen
más realista de Glass hasta la fecha.
El libro fue alabado por Publisher’s Weekly, que lo calificó como “una fascinante historia de
heroísmo y venganza obsesiva”, y se convirtió en favorito de los lectores ávidos de grandes aventuras.
Entre dichos lectores, se encontraban tres productores de la compañía Anonymous Content: Steve Golin,
Keith Redmon y David Kanter.
“Siempre me han gustado las películas de supervivencia en la naturaleza, y a todos nos pareció que
ésta podía ser una increíble y original aventura”, recuerda Golin. “Para David, Keith y yo mismo, esto ha
sido un largo viaje, pero estamos muy contentos de que funcionara de la forma en que lo hizo con el
extraordinario grupo de personas que la realizaron. No fue fácil, pero ha sido un sueño hecho realidad en
lo que se refiere a la creatividad que la historia inspiraba”.
Anonymous Content reclutó a Mark L. Smith para escribir el guión. Smith vio en esta historia la
oportunidad de brindar al público una experiencia que difícilmente podemos imaginar en nuestras
tecnológicas vidas del siglo XXI.
“En la década de 1820, cuando te abandonaban en plena naturaleza, estabas abandonado en plena
naturaleza. No podías sacar un iPhone de tu bolsillo”, señala Smith. “Glass se ve impelido a soportar
experiencias casi inimaginables: desde caer por cascadas hasta luchar contra lobos por un búfalo. Su
historia es una aventura, pero también es un emotivo y fructífero viaje, y yo esperaba que también pudiera
ser un sorprendente espectáculo visual”.
Dicha esperanza se convirtió en realidad cuando Iñárritu se incorporó al proyecto, confiando en
sumergir directamente al público en un mundo que ha fascinado y atraído durante mucho tiempo; pero
que, sin embargo, permanecía inaccesible. “Esta historia es muy diferente gracias a Alejandro. Al
principio me impactó el hecho de que le interesara el proyecto”, admite Smith. “Pero una vez que empezó
a trabajar en el guión, todo cobró vida. Alejandro se implica mucho y es muy creativo. La colaboración
entre ambos fue maravillosa”.
A New Regency le entusiasmaba el hecho de trabajar con Iñárritu. El director ejecutivo y presidente
Brad Weston señala: “Nos comprometimos absolutamente con la visión de Alejandro; entendíamos la
envergadura y la dimensión de su enfoque así como la necesidad de flexibilidad, y lo vimos como una
oportunidad de volver a nuestras raíces como compañía de producción basada en el punto de vista del
director. Lo vimos como un proyecto muy creativo, pero también como una historia de enorme y
generalizado atractivo comercial”.
Iñárritu añadió ficticios giros argumentales a las ya apócrifas historias sobre Glass, mientras
profundizaba constantemente en la exploración de los temas que traslucían bajo la superficie. “Me

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interesaba explorar no solo los procesos físicos que experimentan Glass y Fitzgerald, sino también su
estado psicológico, sus sueños, sus temores y sus pérdidas”, explica el director. “El argumento era una
base genial, como sucede en la música, pero lo que pasa por sus mentes y sus corazones constituye los
solos, las trompetas y el piano”.
Para DiCaprio, el sello de Iñárritu en el guión era algo indiscutible. “Cuando Alejandro se
incorporó, el proyecto se convirtió para mí en una interesante perspectiva puesto que se trata de un
cineasta muy singular”, dice el actor. “Sabía que podía proporcionar al público una experiencia
verdaderamente envolvente. Por un lado, el filme es una primaria historia de supervivencia existencial,
pero Alejandro introduce tantos diferentes matices que se convierte en algo más”.
Dado que solamente se conocen hechos históricos básicos, la historia demandaba imaginación, pero
dos palabras destacaban en el enfoque de Iñárritu y Smith: autenticidad cultural. “Lo investigamos todo,
desde la forma de hablar de los colonos hasta las herramientas que utilizaban. Queríamos sumergir al
espectador en este mundo por completo”, señala Smith.
Iñárritu se tomó muy en serio la responsabilidad de recrear un mundo perdido. En el primer día de
rodaje, el director reunió al equipo de producción en las orillas del río Bow de la provincia canadiense de
Alberta; en cuyas heladas aguas pronto se sumergiría el elenco para una escena repleta de acción. Cada
miembro del equipo llevaba una rosa roja. Craig Falcon, asesor cultural y miembro de la tribu Pies
Negros, dirigió una ceremonia ayudado por ancianos indígenas de la tribu local, los Stoney, para bendecir
el filme, las criaturas y la tierra. Tras la bendición, Iñárritu pidió a las 300 personas que había que se
cogieran de la mano en silencio. Después, al unísono, todas se metieron en el río, esparciendo los pétalos
de sus rosas.
LEONARDO DiCAPRIO como HUGH GLASS
Leonardo DiCaprio ha interpretado una caleidoscópica variedad de personajes –desde Howard
Hughes a Jay Gatsby o el libertino Jordan Belfort de El lobo de Wall Street–, pero el papel de Hugh Glass
representaba un desafío completamente nuevo, llevando al actor hasta límites que pocos en nuestro
mundo actual han experimentado. Es el papel más exigente físicamente de DiCaprio y, al mismo tiempo,
pura interpretación sin prácticamente palabras.
“Para mí, hay temas muy potentes en el filme: la voluntad de vivir y nuestra relación con la
naturaleza”, explica DiCaprio sobre su inmediato interés por la historia. “Había interpretado
anteriormente a muchos personajes que eran extraordinariamente elocuentes, de diferentes formas, y que
tenían mucho que decir, así que este papel era un reto único para mí. Se trataba de transmitir cosas sin
decir una palabra o hablando un idioma diferente. En gran parte, se trataba de adaptarse al momento,

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reaccionar a lo que la naturaleza nos daba y a lo que Glass experimentaba mientras estábamos filmando.
Se trataba de explorar los elementos más intrínsecos del instinto de supervivencia”.
DiCaprio se sintió también cautivado por el propósito de Iñárritu de retratar la historia de Glass con
un realismo que sumiría al público en la vida de las prístinas tierras del Oeste mucho tiempo antes de la
llegada de cowboys y forajidos. “La verdad es que nunca he visto esa época de la historia americana
reflejada en el cine, de manera que me interesaba mucho”, afirma. “Eran una época y un sitio únicos en la
historia del Oeste americano porque éste era mucho más salvaje de lo que consideramos que es ‘el
salvaje, salvaje Oeste’. Era como el Amazonas, una naturaleza absolutamente desconocida, una tierra de
nadie donde la aplicación de las leyes era escasa. Esos tramperos que vinieron de Europa y de la Costa
Este tuvieron que aprender a vivir su vida en medio de los elementos; sobreviviendo como cualquier otro
animal en una tierra salvaje”.
A Iñárritu le satisfizo mucho saber que DiCaprio estaba preparado para explorar todos los límites, al
igual que Glass. “Leo es extraordinario en todos los detalles, en todos los aspectos que tienen que ver con
la observación y el comportamiento humano. Es muy natural aportando matices y cadencias de
movimientos y todo eso que hace sentir completamente vivo a un personaje. Es muy colaborador e
inteligente, siempre interrogándose qué es lo que hace a una escena más potente. Y contribuyó con su
propia y profunda conexión personal con la naturaleza. Lo que DiCaprio entregaba en pantalla no era sólo
emotivo sino también sorprendente”.
El director subraya que DiCaprio se enfrentó en su interpretación a pruebas para las que ningún
actor podría prepararse plenamente. “Leo estuvo trabajando en las condiciones más duras, con ropa
dificultosa, con maquillaje extremo, y yendo a los lugares más emocionalmente incómodos y oscuros. Sin
embargo, independientemente de lo que le esté pasando, hay algo instantáneo que cobra vida cuando Leo
está delante de la cámara. Hay una fuerza increíble”, observa Iñárritu. “La forma en que rodábamos exigía
muchísimo de él en términos de ritmo, manejo del tempo dramático, energía y silencio, sin embargo, Leo
hace que todo funcione porque siempre está muy presente”.
A su vez, DiCaprio dice que tenía plena confianza en Iñárritu. “Lo que verdaderamente me gusta
del enfoque de Alejandro es que es un cineasta de la vieja escuela que cree en el arte de crear algo en la
pantalla; y también es una especie de marginado dentro de la industria, aunque trabaja dentro de ella.
Entiende perfectamente cómo es la industria actualmente, pero está influido por una vida entera de
estudio de la historia del cine y ha desarrollado un estilo propio, sin concesiones, que ahora se ha
convertido en sinónimo de su nombre. Hay muy pocos cineastas por ahí que puedan escapar al paradigma
de Hollywood y, aun así, lograr a una escala tan épica una película como ésta”.
El ataque del oso que amenaza con acabar con la vida de Glass llevaba inmediatamente a DiCaprio
a mantener una lucha cuerpo a cuerpo con uno de los más hábiles depredadores de la naturaleza. “La

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escena del ataque del oso fue extraordinariamente complicada y dificultosa”, recuerda DiCaprio, “pero
también es profundamente emotiva. En el filme, Alejandro sitúa al espectador allí, como si fuera una
mosca que revolotea alrededor, de modo que sientes la respiración de Glass y la del oso. Lo que Alejandro
logró está mucho más allá de cualquier cosa que haya visto antes. Glass tiene que encontrar la forma de
lidiar con ese inmenso animal que está encima de él. Glass se encuentra al borde de la muerte; y el
espectador se halla totalmente inmerso en ese momento con él”.
Iñárritu y DiCaprio mantuvieron intensas conversaciones sobre Glass profundizando en lo que es
una continua actuación cinética. El actor señala que la esposa ficticia de Glass, miembro de la tribu
Pawnee, y su hijo ya han convertido a Glass en alguien diferente al resto de tramperos. “Glass es alguien
que ya se ha incrustado en la naturaleza y que en cierto punto ha abandonado el mundo más material de
los tramperos”, observa. “En ese entorno, Glass ha tenido que enfrentarse a un excepcional conjunto de
desafíos como padre, y ése es un constante sentimiento de fondo de su personaje. Hay una sensación de
que Hawk y él ya se encuentran aislados y solos, por lo tanto, su vínculo paterno-filial es una fuerza muy
poderosa que impulsa a Glass durante todo el tiempo”.
DiCaprio llevó a cabo muchas de las escenas arriesgadas en vez de dejarse doblar por especialistas:
fue enterrado bajo la nieve, caminó desnudo a 40 grados bajo cero y saltó a las glaciales aguas de un río,
poniéndose en cada momento más en contacto con la voluntad de Glass. Pero mientras se va abriendo
camino, Glass no sólo sigue adelante; también cambia profundamente, algo que DiCaprio deja traslucir en
una gama multicolor de sutiles detalles que contribuyen al emocionante clímax de la película.
“Durante todo el tiempo, está esa cuestión de si algún tipo de venganza será definitivamente lo que
aplacará la sed de Glass al final del día. Pero la necesidad de continuar camino se transforma en algo más
para él…, se transforma en una especie de esfuerzo espiritual”, concluye el actor.

TOM HARDY como JOHN FITZGERALD
El espejo oscuro del viaje de supervivencia de Hugh Glass es el que emprende John Fitzgeral hacia
la paranoia, la recriminación y la torturante amargura. Para interpretar a Fitzgerald, que traiciona a Glass
y, a su vez, se convierte en la llama que aviva sus ganas de sobrevivir, Iñárritu eligió al actor inglés Tom
Hardy, que ha pasado a un primer plano por papeles tremendamente opuestos: desde el personaje soñante
de Eames en la película de Christopher Nolan Origen hasta el tour de force interpretativo de un solo actor
en Locke. Iñárritu afirma, “En su papel de Fitzgerald, Tom interpreta a un hombre lleno de prejuicios. Sin
embargo, es un alma herida que teme a los demás porque no es capaz de abrir su mente y entender la

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otredad, lo diferente. En Tom hay una sutileza que es muy difícil de encontrar”, prosigue Iñárritu. Es muy
atractivo, muy fornido, muy potente y fuerte, pero, al mismo tiempo, puede ser extraordinariamente
frágil, y eso es lo que le hace tan excepcional”.
Hardy compuso un increíble antagonista. “Fitzgerald es un personaje muy interesante porque
entiendes muy bien sus motivaciones. Aquí es un hombre cuyo lucrativo negocio se ha frustrado, y todos
sus planes de futuro han desaparecido en un segundo. De manera que entra en una especie de modo
supervivencia final, donde se trata de matar o morir; y Glass es la persona que está en vías de eso”, dice
DiCaprio. “Fitzgerald también es un superviviente, pero él encuentra un camino muy diferente al de
Glass. Él elige ser asesino”.
DiCaprio prosigue: “Con Tom he trabajado anteriormente y admiro extraordinariamente su trabajo.
Creo que es uno de los actores más eficaces que hay actualmente, y ver su grado de compromiso con este
personaje fue algo increíblemente emocionante. Posee una tosca ferocidad que es muy genuina; y eso era
algo absoluta y fundamentalmente necesario para marcar la diferencia con mi personaje. No es el típico
villano. Estos dos hombres muestran su fuerza de dos maneras completamente distintas”.
Para Domhnall Gleeson, que interpreta el papel del decepcionado capitán de Fitzgerald, fue
apasionante enfrentarse a Hardy en la escena en que el capitán Henry se da cuenta de que ha sido
engañado. “Tom le ha aportado a Fitzgerald un matiz cortante que hace que nunca sepas qué camino va a
tomar”, Gleeson señala. “Mi personaje se siente humillado por Fitzgerald, pero después reacciona y no se
deja comer el terreno; y fue muy emocionante actuar mano a mano con Tom”.
LOS TRAMPEROS – LOS PRIMEROS EMPRESARIOS DEL OESTE
La historia del comercio de pieles en América es breve, sin embargo, esencial, y está repleta de
relatos de temeraria pero también peligrosa devastación. Aunque el comercio de pieles fraguó la imagen
romántica del hombre de montaña –idealizados eremitas supuestamente tan duros como la tierra salvaje
que se habían comprometido a conquistar–, el comercio de pieles era también, en buena medida, un
negocio. En cierto sentido, dio lugar a la primera manifestación del arquetípico empresario del Oeste, el
visionario iconoclasta que avanza con determinación sin rendir cuentas a nadie sino a sí mismo.
“Esta época inauguró el desarrollo del industrialismo en el Oeste. Incluso antes del descubrimiento
de oro y petróleo, el comercio de pieles era un enorme y lucrativo negocio”, explica DiCaprio. “Había
tramperos que penetraban en territorios vírgenes, ocupados por poblaciones indígenas, para extraer
recursos; y la pregunta que surge es: ¿A qué coste? Glass se ve atrapado en el medio de esa polémica, y es
un tema muy potente en la película”.
El comercio de pieles comenzó a finales del siglo XVII, cuando las tribus indígenas empezaron a
intercambiar sus pieles, extraordinariamente cálidas, por herramientas de metal europeas. A principios del

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siglo XIX, cuando la demanda de sombreros adornados con pieles se disparó en Europa –y los precios de
la piel de castor alcanzaron los 6 dólares/500 gramos--, el comercio de pieles se convirtió en un gran
impulso para la economía americana, así como en el responsable de las nuevas rutas comerciales que
prepararían el terreno para el desarrollo del Oeste que estaba por venir.
En torno a la década de 1820, el comercio de pieles había llegado hasta las Montañas Rocosas y se
había hecho intensamente competitivo, con comerciantes que luchaban entre sí y con las tribus nativas.
Hugh Glass trabajó para la Rocky Mountain Fur Company, que por entonces entraba en escena. La
compañía utilizó el llamado “rendezvous system” (sistema de lugares de encuentro), lo cual significaba
que no construían cabañas o fuertes. En vez de eso, se suponía que sus tramperos debían cazar su propia
comida, construir sus propios refugios y librar sus propias batallas, lo que aumentaba su reputación de
personas imperturbables.
No obstante, los idealizados mitos en torno a los heroicos hombres de montaña han ocultado
algunas de las realidades más oscuras de la época. Muchos tramperos se pasaron la vida sumamente
endeudados, mientras que los propietarios de las compañías de pieles se hacían inmensamente ricos. Y
aunque los tramperos vivían tomando el pulso a la naturaleza, su relación con el entorno era a menudo
conflictiva; teniendo consecuencias tales como la caza de especies hasta el borde de la extinción y un
profundo impacto tanto sobre el ecosistema como sobre las culturas nativas americanas ligadas al mismo.
Para recrear este mundo con veracidad y todos sus matices, Iñárritu reclutó a una serie de expertos,
como el historiador Clay Landry, vinculado a los únicos dos museos estadounidenses dedicados a este
período: el Museo del Hombre de Montaña, en Wyoming, y el Museo del Comercio de Pieles, en
Nebraska. Landry señala que, entre los historiadores, la historia de Hugh Glass es de las más importantes.
“Si estudias la historia del comercio de pieles en las Montañas Rocosas, una de las primeras cosas que
aprendes es la historia de Glass. Tiene esa épica”, observa.
Durante toda la producción, Landry proporcionó asesoramiento sobre la mentalidad, herramientas y
técnicas de supervivencia de los tramperos. Landry dio al reparto una muestra personal de todo esto en un
“Campo de Entrenamiento sobre el Comerciante”; donde los deberes consistían en dibujar arcos, poner
trampas de castor, desollar castores [falsos] y lanzar hachas.
“En el Campo de Entrenamiento, los actores hincaron el codo de verdad”, dice Landry. “Les
enseñamos todo lo que un trampero necesitaba saber. Por supuesto, los actores disparaban balas de fogueo
y realmente no tenían que arreglárselas por sí solos, pero aun así pudieron sentir esa sensación. Tanto el
reparto como el equipo querían saber todo lo que fuera posible sobre la época”.
Arthur Redcloud, que interpreta a Hikuc, el curandero indio que Glass encuentra en su viaje, añade:
“El campo de entrenamiento no sólo tenía lugar a nivel físico; también nos aportó algo a nivel emocional

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y espiritual. Para mí, la cuestión no era únicamente reconectar con el pasado. Se trataba de tener una
nueva visión”.

LA TIERRA DE LOS ARIKARA
En el inicio de El Renacido (The Revenant), la expedición de tramperos del capitán Henry es
atacada por un grupo de miembros de una tribu asentada a orillas del río Missouri. Se trata de los Arikara
–apodados simplemente los Ree por los tramperos–, cuya histórica ofensiva contra la Rocky Mountain
Fur Trading Company alteraría para siempre su destino. Parte de la historia de Glass frecuentemente
ignorada todavía, Iñárritu se sintió obligado a destacar la presencia de los Arikara en su narración de la
historia.
Conocidos entre su propia gente como los Sahnish, los Arikara eran llamados así por otras tribus
debido a sus tocados de plumas. Habían poblado las llanuras durante más de 1.000 años como granjeros
seminómadas y tenían una rica cultura antes de que los europeos llegaran. En 1804, Lewis y Clark se
habían topado con los Arikara, y los habían considerado pacíficos. Sin embargo, hacia la década de 1820,
tras haber sido desplazados repetidamente, las hostilidades con esta tribu habían subido de nivel. Un
ataque a los tramperos provocó una respuesta de los militares norteamericanos, que diezmó la tribu en la
primera de las muchas y brutales guerras que tuvieron lugar en las llanuras. El menguante número de
miembros de los Arikara se redujo posteriormente, en la década de 1830, hasta un 70%, debido a una
plaga de viruela y a sus sucesivos conflictos con los Sioux. No obstante, los Arikara lograron sobrevivir,
instalándose en Dakota del Norte, donde los últimos hablantes han conseguido conservar el amenazado
idioma arikara.
Retratar fidedignamente al pueblo Arikara era tan importante para Iñárritu que se trajo al asesor
Loren Yellowbird Sr., miembro de dicha tribu, historiador, antropólogo e intérprete principal y ranger en
el Fort Union Trading Post de Dakota del Norte.
Para Yellowbird, resultó estimulante ver a los Arikara convertirse por fin en parte integrante de esta
historia. “Hay mucha gente que nunca ha oído hablar de los Arikara, así que ésta era una oportunidad de
mostrar otra perspectiva y resucitar aquel mundo”, afirma. “Lo aprecié enormemente, porque yo creo que
poder afianzar en esta época el idioma arikara y sacar a la luz algo de su cultura tradicional es muy
importante”.
Yellowbird señala que el período reproducido en el filme representa los últimos momentos del
tradicional estilo de vida de los Arikara. “El pueblo Arikara había vivido allí durante cientos de años…

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Tenían una fuerte cultura comercial y una intrincada cultural ceremonial que todavía no habían sufrido
alteración alguna”.
Eso cambió rápidamente cuando el comercio de pieles fue en aumento. “Aquellos tramperos venían
y no eran respetuosos desde nuestro punto de vista. Invadían territorios de otras personas y se adueñaban
de las cosas. No había negociación. Los tramperos simplemente cogían lo que querían”, refiere
Yellowbird
Después del ataque, los Arikara adquirieron una reputación de guerreros letales, pero Yellowbird
dice que el contexto es mucho más amplio. “Los comerciantes empezaron a tener miedo de los Arikara.
Sin embargo, lo gracioso es que las mujeres arikara seguían casándose con los comerciantes”, señala. “De
manera que si te acercabas a los Arikara con respeto, había paz. Pero yo creo que los Arikara trataban a
los tramperos y a los militares del mismo modo que ellos sentían que eran tratados”.
Fue el principio de la casi destrucción de la forma de vida de la tribu. “En aquel momento, nuestro
modo de vida estaba siendo tan rápidamente usurpado que no sabíamos cómo parar eso”, se lamenta
Yellowbird. “Tuvimos la suerte de contar con jefes inteligentes; visionarios que pensaron en el futuro y se
interrogaron acerca de qué podíamos hacer para garantizar la supervivencia de nuestro pueblo. Yo todavía
sigo ese camino. Al hacer la película, yo pensaba en lo que puedo hacer para asegurarme de que mis
tatara-tataranietos puedan tener esas cosas: nuestro idioma, nuestra cultura, nuestras canciones y nuestras
costumbres”.
A Yellowbird le emociona especialmente que algunos jóvenes Arikara puedan tener por primera vez
la oportunidad de escuchar el idioma y ver cómo vivían sus ancestros cuando vean El Renacido (The
Revenant). “Yo soy una persona que tiene un iPhone, pero todavía me mantengo fiel a nuestras
tradiciones porque creo que para nosotros es bueno respetar a nuestros antepasados. Estas historias
muestran todas las adversidades que tuvieron que padecer para que nosotros pudiéramos vivir hoy”,
concluye.
Aunque Yellowbird era el único miembro de los Arikara implicado en la producción, en el filme
aparecen, aproximadamente, unos 1.500 nativos americanos y miembros de las tribus aborígenes
canadienses (las llamadas Primeras Naciones). A Yellowbird le agradó mucho su disposición a aprender
sobre los Arikara. “El reparto estaba muy interesado en representar ese mundo de la forma más realista
posible. Ver eso me hizo sentirme profundamente humilde”, afirma. “Si yo estuviera interpretando a
alguien de otra tribu, haría lo mismo”.
Craig Falcon, educador cultural y miembro de los Pies Negros, especializado en cultura nativa
americana/indígena, también se incorporó al proyecto, interesado sobre todo en pinturas de guerra y
caballos. La autenticidad cultural que Iñárritu buscaba fue un enorme aliciente. “El pueblo nativo
americano queremos ver verdad”, dice Falcon, “y no como en las viejas películas, ¡donde veías a Ricardo

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Montalbán vestido de indio! El Renacido (The Revenant) consigue verdadera autenticidad en el idioma,
en las pinturas que llevan los caballos y en su forma de representar a cada tribu”.
Arthur Redcloud, que creció en una reserva de Navajos e interpreta a Hikuc, señala: “La película es
un regalo muy especial, y nosotros queríamos verter en ella el alma y el corazón de nuestro pueblo”.

EL RESTO DEL REPARTO
Domhnall Gleeson como el capitán Henry
Domhnall Gleeson, el actor irlandés, en rápido ascenso, al que también podemos ver este año en el
filme Brooklyn, interpreta el papel del capitán Andrew Henry, una figura histórica de la vida real que fue
uno de los fundadores de la Rocky Mountain Trading Company, así como el líder de la expedición por el
río Missouri.
Gleeson señala que el guión proporciona un desarrollo ficticio del personaje del capitán Henry que
va más allá de lo que sabemos de él por los datos históricos. “El Andrew Henry real era muy respetado,
mientras que en esta historia lo vemos como un hombre inseguro que está aprendiendo a ser un líder. A lo
largo del viaje que emprende, Henry se convierte en el hombre que tenía fama de ser”, explica Gleeson.
Desde el inicio, Gleeson comprendió que la película iba a ser una experiencia decididamente
desafiante. “Antes incluso de empezar a rodar, Alejandro dijo que quería que para los actores fuera una
dura experiencia; y cumplió con su palabra. Nos sometieron a circunstancias extraordinarias y
condiciones muy difíciles, pero fue emocionante porque era algo muy diferente”, comenta. “Yo, desde
luego, nunca había hecho antes algo parecido. Hay cierta excitación al hacer una película de una manera
que la gente actualmente ya no hace”.
Gleeson dice que la dureza del rodaje enriqueció las interpretaciones. “Se suponía que mi personaje
debía encontrarse con unas circunstancias terriblemente difíciles, sentirse fuera de lugar, así que volqué
todo lo que yo estaba experimentando en mi actuación”, explica. “Esperas que finalmente la dimensión de
todo eso con lo que esos hombres lidiaron –la desesperación, la locura y la incertidumbre– se aprecie
después en la sala de cine”.
Will Poulter como Jim Bridger
El prometedor actor inglés Will Poulter (El corredor del laberinto) interpreta a Jim Bridger, quien
llegó a convertirse en uno de los guías más legendarios del Oeste. En El Renacido (The Revenant), vemos
a Bridger siendo un simple muchacho; pero alguien que debe enfrentarse a su conciencia tras abandonar,
junto a Fitzgerald, a un Glass mortalmente herido. A Poulter le entusiasmó la riqueza interpretativa de su
papel. “Es un honor interpretar a una persona de la vida real que fue famoso por sus habilidades como

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hombre de montaña en una época y un lugar donde la esperanza de vida de las personas era sumamente
baja”, señala.
Para un joven recién llegado al salvaje Oeste, tuvo que haber sido una experiencia que cambió su
vida. “Yo creo que Alejandro quería obtener de Bridger esa idea de inocencia confrontada con algunas de
las circunstancias más duras de la vida, así como el conflicto entre el muchacho que todavía es y el
hombre en el que se está convirtiendo. Jim tiene que avanzar, tiene que aprender por fin a reprimir sus
miedos, a hacer lo correcto”, señala Poulter. “Jim pasa por situaciones que hombres como Glass,
Fitzgerald y el capitán Henry ya han experimentado; pero él tiene que madurar rápidamente simplemente
para sobrevivir”.
Inicialmente, Bridger es el aprendiz de Glass. “Probablemente Glass es lo más parecido a un padre
que Jim ha conocido”, observa Poulter. “Yo creo que le tiene idealizado como uno de los mejores
exploradores y tiradores del lugar. Por lo tanto, cuando las cosas se tuercen, para Jim, las consecuencias
se acentúan”.
Dichas consecuencias implican hacer un pacto con Fitzgerald. Poulter trabajó estrechamente con
Tom Hardy para explorar esa mezcla de horror, furia y miedo que Bridger siente hacia ese hombre. “La
dinámica entre nosotros es todo menos amable, pero, dicho esto, tampoco es algo tan simple como ser
enemigos”, señala “Es una relación turbia y compleja. En esencia, yo creo que hay una mutua
comprensión de que nos necesitamos el uno al otro para sobrevivir”.
Al igual que a sus compañeros de reparto, la forma en que Iñárritu y Lubezki rodaron el filme le
pareció profundamente interesante a Poulter. “Nunca antes había tenido que actuar de una manera tan
íntima con la cámara. Nunca había tenido que incrustar la presencia de la cámara en mi consciencia de
esta forma. Fue algo absolutamente increíble. Casi sientes como si ya no estuvieras actuando. Tienes que
creer que realmente eres tu personaje”.
Forrest Goodluck como Hawk
El actor Forrest Goodluck, de dieciséis años de edad, debuta en la gran pantalla interpretando a
Hawk, el hijo adoptado por Hugh Glass y una nativa americana. Miembro de las tribus Diné, Mandan,
Hidatsa y Tsimshian, y actualmente residente en Nuevo México, Goodluck pasó por una larga audición y
un prolongado período de ensayo para obtener el papel.
La complejidad de un personaje dividido entre dos mundos inspiró a Goodluck. “Hawk es mitad
blanco y mitad indio”, dice Goodluck. “A edad muy temprana, fue apartado de su pueblo, perdió a su
madre y resultó gravemente quemado por un fuego. Se encerró en sí mismo y sufrió un traumas psíquico,
lo que hoy llamaríamos estrés postraumático. Pero yo creo que Hawk sale fortalecido de todo lo que
experimenta. Es un personaje fuerte pero frágil. Tiene una especie de mentalidad bipolar, porque, por un

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lado, no es aceptado completamente por la cultura del hombre blanco, y, por otro, tampoco termina de ser
aceptado por su propia cultura”.
Sin embargo, Hawk no puede negar el profundo vínculo afectivo que le une a su padre, Glass.
Goodluck afirma, “Nuestra relación es de callado respeto. Hay una silenciosa conexión entre ambos, pero
viviendo en aquella época no podías ser blando, de manera que el amor entre Hawk y Glass puede parecer
seco, pero es un amor profundo”.
Duane Howard como Elk Dog
El poderoso guerrero arikara Elk Dog, que busca a su hija Powaqa, que ha sido capturada, está
interpretado por Duane Howard, miembro de los pueblos aborígenes de las Primeras Naciones de Canadá
o First Nations, es un actor procedente de la Isla de Vancouver, Canadá. Dice de su personaje: “Elk Dog
es una especie de figura de autoridad y cuando habla, su pueblo le escucha. Incluso cuando simplemente
permanece de pie, incluso cuando no dice nada, su pueblo le escucha. Elk Dog consigue esa clase de
respeto. Y, a su vez, es alguien que daría su vida por su pueblo”.
Sin embargo, cuando los Arikara asaltan el campamento de los tramperos, Elk Dog se rompe
emocionalmente al presenciar toda la muerte y destrucción que le rodea. Howard recuerda: “Tuve que
abrirme mucho internamente. Tuve que convertirme en alguien muy vulnerable, y surgieron un montón de
emociones durante la batalla. Fue una experiencia muy intensa”.
Para Howard, El Renacido (The Revenant) fue una experiencia profundamente personal durante la
cual aprendió el idioma arikara y su cultura como si fueran los suyos propios. “El idioma arikara es muy
diferente a mi lengua nativa y fue realmente un desafío y muy interesante aprender más acerca de ellos”,
explica.
A Howard le inspiró especialmente el respeto que el filme mostraba por representar con
autenticidad una cultura. “Alabo la labor de todo el equipo porque verdaderamente hicieron su tarea.
Todas y cada una de las pequeñas cosas que aparecen en el filme, desde la pintura facial hasta la
vestimenta, tienen un significado, como lo tenían en aquellos tiempos”, resume.
Arthur Redcloud como Hikuc
Un personaje relevante dentro del complejo tapiz que conforma El Renacido (The Revenant) es
Hikuc, un alma solitaria que encontramos en las llanuras y que se convierte en el inesperado salvador de
Hugh Glass. Hikuc está interpretado por Arthur Redcloud, un indio navajo que describe a su personaje
como “un hombre que se encuentra listo para asumir un desafío diferente y un nuevo destino”.
El propio Redcloud había estudiado para ser curandero, bajo la tutela de su amado abuelo, en una
reserva de los Navajos. Una vez seleccionado para el papel, Redcloud dedicó mucho tiempo a reflexionar

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sobre la escena donde Glass se tropieza con Hikuc, que está dándose un festín con el cadáver de un búfalo
que ha abatido. “En nuestra cultura, el búfalo no es tan sólo un animal, es un símbolo de fuerza, curación
y clemencia, así que cuando se ve a mi personaje comiendo el búfalo, no se trata sólo de un alimento para
el cuerpo sino también para la mente y el alma”, manifiesta.
El hecho de trabajar con Leonardo DiCaprio le provocaba a Redcloud más curiosidad que
intimidación. “Para mí, se trataba de tener una oportunidad fantástica de aprender de él. Y también se
trataba de intentar verle de verdad. Durante buena parte del tiempo, yo simplemente me quedaba quieto
intentando leer el corazón de Leo y quién es, y sentí que era capaz de verlo. Fue una gran bendición
compartir ideas y aprender este oficio de un maestro. Glass y mi personaje emprenden un viaje en el que
comienzan siendo potenciales enemigos y terminan convirtiéndose en hermanos, y nosotros emprendimos
ese viaje juntos”.
Redcloud disfrutó especialmente con las idas y venidas creativas de Iñárritu. “Alejandro es mitad
científico loco, mitad pintor”, reflexiona. “Cada detalle es importante para él. No le interesaba
simplemente capturar nuestras historias nativas; le interesaban comprender qué es lo que hace que esas
historias sean tan potentes”.
Los tramperos
Completando el reparto principal se halla un grupo internacional de actores, tanto consolidados
como emergentes, y cada uno de ellos señala que El Renacido (The Revenant) fue una experiencia muy
personal. El actor canadiense Brendan Fletcher, que interpreta al trampero Fryman, comenta: “Nunca
había tenido una experiencia actoral como ésta, luchando contra los elementos al mismo tiempo que
rodábamos tomas muy largas y meticulosamente detalladas. Fue increíble ver cómo Alejandro aportaba su
buen ojo para infundir honestidad a todo”.
El actor noruego Kristoffer Joner, que interpreta a Murphy, añade: “Esa forma de trabajar era
completamente nueva para mí, moviéndote con la cámara. Alejandro nos dijo: ‘La cámara es como un
tren en movimiento y vosotros sólo tenéis que agarraros al tren y ver lo que ocurre. Y eso es algo que da
miedo. Algunos días era muy divertido, otros días era duro, pero siempre era muy diferente a cualquier
otra cosa”.
Joshua Burge, que interpreta a Stubby Bill, dice que el aspecto físico del trabajo que tenían que
desarrollar los actores en El Renacido (The Revenant) les condujo a una estrecha camaradería. “El reparto
procedía de todas partes del mundo, pero entre nosotros se formó un vínculo increíble por el hecho de
pasar penalidades juntos. Y así es como era realmente para los tramperos; esos tipos estaban ahí fuera, en
medio de ningún sitio, enfrentándose a impredecibles adversidades, y únicamente se tenían los unos a los
otros”.

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PINTANDO “EL RENACIDO”
Inmediatamente después de Birdman, el director Alejandro G. Iñárritu lleva su perfeccionista pasión
por la realización cinematográfica a un nuevo mundo con la película El Renacido (The Revenant). Iñárritu
y el director de fotografía Emmanuel Lubezki, alias “El Chivo”, con el que colabora hace mucho tiempo,
tomaron algunas decisiones clave desde el principio que fijaron las reglas para la producción. Primero,
decidieron rodar la película cronológicamente, con el fin de que el viaje de Glass mantuviera un fluido
ritmo natural. Segundo, se comprometieron a rodar el filme utilizando exclusivamente la luz del sol y de
las hogueras, evitando la inserción de iluminación artificial de épocas posteriores, y trabajando con la luz
natural de una forma creativa. Finalmente, querían explorar los largos, fluidos e ininterrumpidos planos
por los que se dieron a conocer en Birdman pero con un tipo de efecto muy diferente.
Iñárritu siempre se imaginó el aspecto de la película El Renacido (The Revenant) como si una
pintura en claroscuro, llena de luz y sombra, cobrara vida de manera visceral. “Al igual que en Birdman
nos inspiramos en la música”, dice Iñárritu, “en este filme lo hicimos en la pintura. El Chivo ha jugado un
increíble papel a la hora de crear esta película como una obra de arte visual”.
Trabajando con la innovadora Arri Alexa 65 –la nueva cámara de gran formato de la pionera
compañía de cámaras digitales–, Lubezki utilizó una amplia gama de lentes gran angular, que abarcaban
desde 12 mm a 21 mm, para producir una gran profundidad de campo. La flexibilidad del sistema se
prestaba a movimientos de cámara que a menudo iban desde intensos primeros planos hasta panorámicas
sincronizadas con la acción, las fantasías y las emociones del filme. El equipo mezcló tres métodos –
grúas telescópicas, steadicams y cámara en mano– para permitir que, posteriormente, Iñárritu secuenciara
las imágenes como un coreógrafo junto con el montador y ganador del Premio de la Academia Stephen
Mirrione.
Realizar planos largos en un rodaje absolutamente impredecible en plena naturaleza era algo
completamente nuevo para todos. Los retos fueron abrumadores al principio. Dado que el equipo técnico
se encontraba en la invernal ciudad de Calgary, donde el tiempo de horas de luz ya es fastidiosamente
corto, las ocasiones para realizar las tomas eran pocas y la presión era extraordinaria. A la hora de hacer
cualquier plano, nadie podía estar seguro de si una segunda o tercera toma era posible.
“Teníamos que coreografiar los tiempos y los ritmos, encontrar la hora más adecuada del día y,
después, rezar para que las condiciones climáticas se mantuvieran”, dice Iñárritu. “Fue un desafío y algo
muy divertido, pero hacerlo correctamente requirió mucho tiempo, reflexión y ensayos. Había cierta
pátina y atmósfera que nosotros queríamos conservar. Las condiciones que habíamos establecido eran

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muy específicas; teníamos que ser muy pacientes, o forzarlas y crearlas. Yo creo que, a nuestro modo,
nosotros mismos nos convertimos en tramperos; tramperos debido a las circunstancias”.
El Renacido (The Revenant) transportó a Lubezki no sólo al salvaje Oeste sino también al paisaje
onírico que transmite el subconsciente de Glass. Iñárritu explica, “Durante el viaje de Glass, cuando está
solo y físicamente al borde del colapso, la única forma de saber cómo es él como persona es a través de
sus visiones y fantasías, que nos proporcionan información sobre su estado de ánimo y su pasado”.
Todos los actores se quedaron absolutamente fascinados con el estilo fotográfico del “Chivo”, que
también les exigía a ellos mucho más. “La fotografía del “Chivo” es una parte intrínseca del proceso
creativo de Alejandro”, observa DiCaprio. “Ambos se sumergen por completo en el material del que
disponen y después trabajan con los actores en la coordinación de planos y movimientos increíblemente
complejos. Lo que excepcionalmente logran en este filme es una realidad virtual donde sientes que tú
estás allí luchando contra los elementos junto a los personajes. Visualmente, tienes la perspectiva de Glass
hasta el punto de que parece que casi formas parte de su subconsciente”.

Donde lo malo es bueno: El diseño de producción
Para retratar el mundo tal y como era en 1823, Iñárritu contó con la colaboración del diseñador de
producción Jack Fisk, nominado al Premio de la Academia. Fisk no es ajeno a este tipo de producciones
épicas, pues trabajó en el filme de Paul Thomas Anderson Pozos de ambición y en El árbol de la vida, de
Terence Malick, pero este período histórico era absolutamente nuevo para él.
A Fisk le entusiasmó la crudeza sin paliativos de la época. “Me encanta ese período”, afirma el
diseñador de producción. “La gente estaba limitada a aquello que tenía por ahí, de manera que
prácticamente eran hachas y cuchillos y muy pocas comodidades. Hemos intentado replicar eso de la
forma mejor posible con el fin de poder perderse verdaderamente en ese mundo. Alejandro quería que
todo fuera descarnado, mugriento y ajado, así que ése era nuestro objetivo. Hay que tener en cuenta que
esos tramperos a menudo pasaban meses sin darse un baño y que cada hombre comía alrededor de 10
libras de carne al día, por lo tanto, no sería nada agradable. La crudeza y la decrepitud nos ayudaron a
entender lo difícil que era la vida por entonces”.
En una etapa inicial, Iñárritu envió a Fisk una copia de la película Andrei Rublev, de Andrei
Tarkovsky, para darle una idea del desabrido diseño que tenía en mente. “Comprendí inmediatamente qué
tipo de película quería hacer”, recuerda Fisk. Fisk también era consciente de la decisión de utilizar

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únicamente luz natural, lo que implicaba una interminable búsqueda de localizaciones que tuvieran la luz
idónea en las horas adecuadas del día. “Teníamos que lidiar constantemente con lo que la naturaleza nos
quisiera proporcionar”, señala Fisk, “pero eso se convirtió en una parte importante del propio proceso
creativo”.
Uno de los platos fuertes de Fisk es su diseño del set que representa al descontroladamente
espacioso Fuerte Kiowa, fabricado artesanalmente en una vieja gravera del Parque Provincial de Spray
Valley, cerca de Canmore, Alberta. Decidido a repetir la historia, el equipo de Fisk construyó el fuerte
utilizando materiales y diseños reales de la década de 1820, aprovechando toda la madera que
encontraron.
“Yo quería realmente que este fuerte fuera extraordinariamente fiel a la época; algo que lo convierte
en un lugar en el que hoy no querríamos vivir”, dice Fisk bromeando. “En lugar de hacer un sitio
atractivo, lo hicimos inhóspito, porque las vidas de aquellos hombres eran muy duras. Además, no eran
carpinteros, de manera que explotamos la idea de no hacer las cosas demasiado bien. Yo me enfadaba con
los carpinteros siempre que hacían algo demasiado bonito. Nuestro lema para el fuerte llegó a ser: ‘Lo
bueno es malo, pero lo malo es bueno’”.
Envejecer los sets se convirtió en una forma de arte en sí misma en El Renacido (The Revenant).
“Teníamos a los encargados de avejentar decorados trabajando muy duro en el fuerte. Una estructura era
demasiado cuadrada, así que los puse a trabajar con una máquina elevadora, levantando la estructura un
par de veces y dejándola caer hasta darle una forma un poco más desvencijada”, recuerda Fisk.
“Dedicamos tanto tiempo a las tareas de envejecimiento como a la construcción”.
Para ajustarse a la necesidad de luz natural, Fisk construyó incluso dos fuertes absolutamente
idénticos; uno orientado al Este para los rodajes de mañana y otro orientado al Oeste para para aprovechar
el sol vespertino.
Fisk recreó el poblado de la tribu Pawnee en un estudio de Los Ángeles utilizando auténticos
materiales y técnicas de su cultura. “Simplificamos algunos pasos del proceso relativos al poblado en
invierno, pero las pequeñas casas están todas hechas de madera, barro y paja, como habrían sido en
realidad”, señala.
Aunque la mayoría de los sets tienen una base histórica, Fisk diseñó también elementos oníricos,
tales como la imponente montaña de calaveras de búfalo y el ruinoso cascarón de una iglesia europea.
Otro evocador set es el campamento de los tramperos que es atacado por los Arikara en la batalla inicial.
Cuando comienza la escena, el campamento está formado por tiendas improvisadas, cobertizos, fogatas y
ocupados tramperos que despellejan pieles de castor y las agrupan en fardos. Fisk incluso construyó una
barcaza de la época, un keelboat, donde tiene lugar una importante parte de la acción. “Me gusta que el

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barco sea absolutamente auténtico”, afirma, “¡excepto por el motor de 450 caballos de potencia que oculta
en su interior para que pudiéramos ir aguas arriba!”
Fisk es famoso por construir sets que pueden ser fotografiados desde cualquier ángulo y El
Renacido (The Revenant) no fue ninguna excepción. Fisk afirma, “Me gusta que los sets puedan filmarse
con una cobertura de 360 grados; y un director como Alejandro saca el máximo provecho de ello. Si le
proporcionas eso, él siempre encontrará los ángulos más creativos para rodar una toma”, observa.

PRIMARIOS Y AUTÉNTICOS: VESTUARIO
La imagen del hombre de montaña se ha convertido en un perdurable icono de Norteamérica, pero
para El Renacido (The Revenant), la diseñadora de vestuario Jacqueline West (Argo, The Curious Case of
Benjamin Button), nominada en dos ocasiones al Premio de la Academia, quería ir más allá de los clichés.
West señala que ella misma creció con la leyenda de Glass: “Conozco la historia de Hugh Glass
porque tengo un rancho en Dakota del Sur, y allí es un personaje mítico. Aquellos tramperos fueron los
verdaderos pioneros”, puntualiza West. “Sin embargo, el guión me pareció mucho más una novela rusa
que una del Oeste. Yo estoy obsesionada con Dostoievski, Chéjov y Tolstoi, de manera que el aspecto
psicológico de la historia me atrajo muchísimo”.
Buceando en el tema, West extrajo influencias de un amplia variedad de artistas, incluyendo
pinturas y bocetos de dos reconocidos artistas de la época: Alfred Jacob Miller, que se trasladó a las
Montañas Rocosas a mediados del siglo XIX y fue uno de los pocos artistas que capturaron cómo se
desarrollaba la vida allí; y Karl Bodmer, un pintor suizo conocido por sus retratos de nativos americanos,
especialmente de la tribu Mandan de Dakota del Sur.
Una pintura en concreto le sirvió de inspiración para la apariencia del personaje que interpreta
Leonardo DiCaprio. “Es un cuadro de un cazador nativo, absolutamente rodeado de bosque, que viste una
levita con capucha extremadamente sencilla”, describe West. “A Alejandro le encantó cuando se lo
enseñé. A Alejandro le gustan las cosas modestas pero en absoluto incómodas. Le gusta que la persona se
manifieste a través de su ropa. La capucha viene de la imagen que Alejandro tuvo siempre de Glass como
personal espiritual, algo así como un monje. Su camisa es amplia y muy funcional, hecha en tela de lino,
que Glass había comprado en el fuerte local. No hay nada ostentoso en el personaje. Su vestimenta le
evita las incomodidades de los elementos naturales del entorno”.
West prosigue: “Alejandro tuvo la muy poética idea de que Leo llevaría encima la piel de oso que
sus compañeros olvidan cuando le abandonan. Es una imagen extraordinariamente lírica, y hay cierta
ironía en el hecho de que el animal que casi le mató, salva su vida. La piel le mantiene caliente, le protege
y le permite flotar en el río”.

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West contrapuso la imagen de Glass con la de su antagonista, Fitzgerald. “Yo veo a Fitzgerald como
alguien cuyos impulsos obedecen al miedo casi por completo”, explica. “Por tanto, incorporé montones
de animales en su vestuario, con un abrigo totalmente forrado por pieles de nutria y un sombrero de
castor”. (West subraya que todas las pieles utilizadas en la película procedían de Pacific Fur Trade, que
las adquiere en el Departamento de Parques, y fueron extraídas todas de forma humanitaria”.)
La apariencia de los tramperos es particular y distintiva para cada uno de ellos. “Jim Bridger era un
chico de granja, así que le hice una ropa casera pero también un increíble abrigo de piel de búfalo. El
aspecto de Stubby Bill lo saqué de una pintura de un trampero que llevaba pantalones a rayas y un
chaquetón azul. Murphy tenía una personalidad más europea, y yo me imaginé que habría comerciado con
los franceses por el capote que lleva. A cada persona le proporcioné unos antecedentes, lo cual diferenció
completamente sus atuendos”.
El vestuario del capitán Henry está basado en su indumentaria real, actualmente expuesta en el
Museo del Comercio de Pieles de Nebraska. “Es el único personaje sobre el que tenía más información
visual. Sus mallas eran extraordinariamente inadecuadas, pero eran las polainas que él llevaba realmente.
Y el corte de su abrigo es también muy famoso, así que teníamos que reproducirlo”.
Al igual que Jack Fisk en su apartado, West tuvo que dedicarse a envejecer y oscurecer
constantemente. “Usábamos como tema de fondo la canción ‘Paint It Black’”, dice entre risas.
“Desgarramos, restregamos e hicimos tiras las telas. Todo se ve mugriento y castigado por el clima; no
obstante, yo lo encontraba hermoso, porque, precisamente por el contraste, se aprecia el brillo de los ojos
de los actores”.
A West le entusiasmaba especialmente tener la oportunidad de mostrar la vestimenta de los nativos
americanos de la época. “Los nativos llevaban frecuentemente lo que se denominaba una ‘camisa de
guerra’, fabricadas con dos pieles y habitualmente decoradas por sus esposas. También nos esforzamos en
ser fieles a los distintos atuendos de cada una de las tribus”, explica. “Los Pawnee usan algodón y lana
porque estaban más cerca del puesto comercial, mientras que los Arikara, los Mandan y los Sioux llevan
cuero”.
Para la ‘camisa de guerra’ de Elk Dog, West utilizó uno de los símbolos más potentes de los
Arikara: un grano de maíz. “El maíz significa que, si mueres en la batalla, plantarán en la tierra esas
semillas junto a tu cuerpo, y de ahí surgirá algo nuevo. Es una forma de tener a la madre naturaleza
contigo durante la batalla”, explica.
La vestimenta, sencilla pero auténtica, del curandero indio, Hikuc, con sus vínculos con el pasado,
conmovió a Arthur Redcloud. “Sentí como si la ropa que llevaba fuera una parte de mí y desarrollé un
empatía emocional con ella. Un traje de ceremonia se agarra a ti cuando él quiere. Yo sentí que mi

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vestuario me había elegido y lo llevaba con gran honor y respeto”, afirma, “no sólo por mí mismo o por la
película, sino por mis antepasados”.

CONGELACIÓN, BARBAS Y SANGRE: PELUQUERÍA Y MAQUILLAJE
La diseñadora de maquillaje Sian Grigg ha colaborado con Leonardo DiCaprio durante veinte años,
desde que trabajaron por primera vez en la película Titanic, pero El Renacido (The Revenant) exigía el
proceso de maquillaje más intensivo al que DiCaprio se hubiera sometido nunca. Desde el momento en
que Glass es atacado por el oso, Grigg señala que se transforma en alguien casi irreconocible. “Nadie
espera que Glass sobreviva, por lo que sus heridas tenían que parecer terribles”, afirma. “Tienes que creer
realmente que Glass posiblemente no viva, lo cual implicaba una asombrosa cantidad de maquillaje”.
El proceso comenzó analizando lo que el ataque de un oso puede hacer a un cuerpo humano. Fue un
trabajo de maquillaje particularmente dinámico; dado que Glass se empieza a curar lentamente y luego
sufre nuevas heridas, su cara, su pelo y su piel cambian constantemente. Los cardenales derivados de las
contusiones y las heridas infectadas de DiCaprio se transforman en todo un mapa de cicatrices.
“Debía mostrarse en pantalla todo lo que Glass padece”, dice Grigg. “Pero el hecho de rodar en
orden cronológico supuso una enorme ventaja para nuestro trabajo. Ello implicaba que efectivamente
podíamos hacer todos los días sutiles cambios de maquillaje que reflejaran el estado físico de Glass”.
Incluso antes del ataque, DiCaprio tenía que aparecer como un leñador que vive sin un espejo o un
baño. El actor se dejó crecer una poblada y descuidada barba; y recibió una diaria capa de suciedad sobre
rostro, cuerpo y uñas. Posteriormente, el cuerpo de DiCaprio fue cubierto con prótesis post-ataque,
creadas por el diseñador de maquillaje de efectos especiales Duncan Jarmon. Fue un proceso minucioso,
que implicaba esculpir, pintar y cubrir de pelo cada pieza individualmente. Cada una de las heridas tenía
que verse en sus diferentes fases de recuperación, y asimismo debían ser susceptibles de poder cerrarse
con hilo y aguja.
“No es habitual que el maquillaje sea tan fundamental para una historia como lo es aquí”, dice
Grigg. “Tener la oportunidad de contar parcialmente una historia a través del maquillaje es todo un
regalo”.
La peluquera de DiCaprio, Kathy Blondell, trabajó conjuntamente con Grigg. A base de mucha
experimentación, Blondell logró dar con una mezcla de glicerina y arena que daba al pelo del actor la
extraña textura de un hombre que no tiene medios para lavarse la sangre y quitarse la suciedad.
Mientras tanto, Robert Pandini, jefe del departamento de peluquería, se ocupaba del aspecto de los
tramperos. “Probablemente sólo iban a un fuerte para asesarse cada pocos meses, así que la realidad era
que tenían un montón de arena encima”, dice Pandini. “Alejandro me pidió que proporcionara a cada

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trampero unos antecedentes. Algunos tenían quemaduras de pólvora que habían mermado su cabello por
los lados; otros tenían piojos, así que se arrancaban trozos de pelo”.
En cuanto a los personajes nativos americanos, Pandini les dejó el pelo suelto. “Les dejé el cabello
muy natural y sencillo. Puede que no fuera fiel a la época para todas las tribus, pero el aspecto de su
melena establecía un vínculo entre ellos”, explica.
Graham Johnston, jefe del departamento de maquillaje, asumió el mismo mandato. “La sensación
que daba toda la película era de mugre; era sucia, era real”, resume. “En cada fotograma, se veía a cada
personaje más castigado por las condiciones climáticas”.

SOBREVIVIENDO A ‘EL RENACIDO’
Al rodar exteriores en Canadá y Argentina, con nieve, viento y, frecuentemente, a elevada altura,
tanto reparto como equipo técnico de El Renacido (The Revenant) tuvieron que enfrentarse a remanentes
de los mismos peligros y condiciones que afrontó la gente que habitaba la región de Dakota del Sur en
1823. Eso fue algo absolutamente deliberado que se hizo con el fin de disponer de una mayor y auténtica
fuente de inspiración para contar la historia y para situar al espectador en el mismo centro de una tierra
salvaje, que no es un parque, sino una zona llena de peligros mortales donde la supervivencia no está
garantizada.
“En la actualidad, hemos perdido realmente el contacto o esa clase de íntimo contacto con el mundo
natural que esos tramperos tenían entonces. Sin embargo, la naturaleza es siempre una parte de nosotros;
nosotros somos nubes, somos ríos, estamos formados por los mismos elementos. Yo creo que al
contemplar estos lugares se produce una conexión que te recuerda de dónde vienes y adónde vas. Uno de
los privilegios de esta película ha sido poder trasladar a la pantalla entornos que provocan esa sensación”,
dice Iñárritu.
El simple hecho de encontrar paisajes y una meteorología con la suficiente pureza como para
replicar el Oeste americano de 1823 fue una tarea abrumadora. “Nos llevó cinco años encontrar las
localizaciones adecuadas”, explica Iñárritu. “Me interesaba mucho que en la película aparecieran lugares
que no hubieran sido pisados por el ser humano, de manera que buscamos territorios prácticamente
vírgenes. Había algo puro y poético en esos parajes”.
También había algo desgarrador en ellos; y eso proporcionó a reparto y equipo una visión de
aquellos hombres para quienes la vida, la muerte y la naturaleza estaban irrevocablemente entrelazadas.
“Lo genial fue que como actores reaccionábamos de verdad a los elementos”, afirma Will Poulter.
“Cuando estás escalando una montaña a 60 grados bajo cero, no hay nada mejor desde la perspectiva de

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un actor para meterte por completo en situación”.
Los peligros incluían desde avalanchas hasta osos; la producción incluso contó diariamente con un
Coordinador de Seguridad contra Osos en el set. (Aunque reparto y equipo tenían una justificada
preocupación por los osos locales, no se usó a ningún oso real en las secuencias del ataque del oso pardo.
Ése fue uno de los pocos casos donde Iñárritu utilizó efectos generados por ordenador.)
Otra importante amenaza, al igual que lo es para Hugh Glass en la historia, fue el clima. En un
momento dado, una ventisca trajo temperaturas de 80 grados bajo cero, así como la necesidad para los
miembros del equipo de estar pendientes unos de otros por si sufrían signos de congelación. “He
aprendido que no existe el mal tiempo, sólo hay ropa inadecuada”, bromea Iñárritu, pero también señala
que el intenso frío proporcionó al filme una escalofriante realidad que un rodaje en condiciones más tibias
no habría podido aportar.
Como suele ocurrir en una película de extremos, una ola de calor que batió récords (el invierno
canadiense más cálido en 23 años) convirtió a los realizadores en zahoríes (buscadores) de nieve.
“Alberta es muy susceptible a cambios radicales de temperatura”, dice Iñárritu. “Puedes tener hasta siete
tipos diferentes de clima en un solo día. Al principio, nos enfrentamos a bajas temperaturas y ventiscas.
Más tarde, tuvimos que lidiar con la ausencia de nieve. Fue un invierno de récords de altas temperaturas,
y nosotros pasamos de perseguir a los Chinooks a perseguir hielo”.
En ocasiones, grupos de hombres armados con palas eran enviados a una montaña cercana para
traer el valioso y efímero material. Finalmente, la producción se desplazó durante dos semanas a Tierra
del Fuego, en el extremo más meridional de América del Sur, para poder capturar las condiciones
invernales requeridas para completar el filme.
La película cerró finalmente el círculo. En el último día de rodaje, Iñárritu reunió a reparto y equipo
técnico, igual que lo había hecho al inicio del filme. El director dijo al grupo, “Hacer una película como
ésta es el viaje de una vida. Ha sido un viaje maravilloso, con momentos difíciles, duros y hermosos. Me
siento honrado, agradecido, respetuoso, feliz y triste de que hayamos logrado lo que hemos logrado. Lo
que hemos logrado es algo increíble. Todos y cada uno de los días de producción han sido difíciles, pero
yo creo que ésta ha sido la experiencia artística más satisfactoria de toda mi vida”.

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SOBRE EL REPARTO
LEONARDO DiCAPRIO (Hugh Glass) es un galardonado actor, nominado al Premio de la
Academia en cinco ocasiones, que ha obtenido reconocimiento como intérprete, productor y activista.
Más recientemente, DiCaprio ha colaborado con Netflix en el estreno de Virunga, un documental
nominado al Premio de la Academia que examina la preservación de gorilas en el Parque Nacional
Virunga, de la República Democrática del Congo. Anteriormente, DiCaprio había producido y
protagonizado El lobo de Wall Street, película dirigida por Martin Scorsese, por cuyo trabajo recibió el
Globo de Oro al mejor actor en película, musical o comedia, además de ser nominado a sendos Premios
de la Academia como mejor actor protagonista y como mejor película, en su calidad de productor. Antes
de El lobo de Wall Street, había protagonizado el gran éxito comercial El gran Gatsby así como Django
desencadenado, por cuya labor fue nominado a un Globo de Oro. Por su interpretación del personaje que
da título al filme en la película J. Edgar, con dirección de Clint Eastwood, DiCaprio fue nominado a un
Globo de Oro y a los premios del Sindicato de Actores (SAG) y Critics’ Choice. Adicionalmente,
protagonizó el éxito de taquilla de Christopher Nolan Origen, así como el thriller dramático Shutter
Island, que supuso su cuarta colaboración con el director Martin Scorsese.
Antes de ser doblemente nominado al Oscar por El lobo de Wall Street, DiCaprio había sido
candidato a un Premio de la Academia en 2007 por su actuación en el drama dirigido por Edward Zwick
Diamante de sangre. Por su trabajo en este filme, también fue nominado al Globo de Oro y a los premios
del Sindicato de Actores (SAG) y Critics’ Choice. Ese mismo año, fue candidato al Globo de Oro, al
BAFTA y a los premios Critics’ Choice y SAG por su papel en Infiltrados, filme dirigido por Scorsese y
ganador del Premio de la Academia a la mejor película. Asimismo, compartió una nominación al premio
SAG en la categoría de mejor actuación de reparto de película como miembro del reparto coral de
Infiltrados.
Anteriormente había sido nominado al Premio de la Academia por su interpretación en el aclamado
biopic realizado por Scorsese en 2004 El aviador. El personaje de Howard Hughes interpretado por
DiCaprio en ese filme le valió también un Globo de Oro al mejor actor en película dramática, así como
nominaciones al premio Critics’ Choice y al BAFTA. También fue reconocido con dos nominaciones al
premio SAG, una como mejor actor y otra en la categoría de mejor actuación de reparto en película, como
integrante del elenco de El aviador.
Además de su labor como actor, DiCaprio ha creado su propia compañía de producción: Appian
Way. Bajo el estandarte de Appian Way, DiCaprio escribió, produjo y fue el narrador del aclamado
documental de temática medioambiental La hora 11. Entre las producciones de Appian Way se hallan
también las mencionadas Shutter Island y El aviador, así como los filmes Los idus de marzo, Caperucita

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Roja, La huérfana, Enemigos públicos, La ley del más fuerte, protagonizado por Christian Bale y Woody
Harrelson, y Runner, Runner, protagonizado por Justin Timberlake y Ben Affleck. Su catálogo de
próximas producciones incluye la adaptación cinematográfica de la aclamada novela escrita por Dennis
Lehane “Live By Night”, que Ben Affleck adaptará, dirigirá y protagonizará; la película de Jaume Collet
Serra Akira, escrita por Dante Harper; y dos proyectos escritos por Billy Ray: Twlight Zone, del director
Joseph Kosinki, y una película aún sin título que dirigirá Richard Jewell y protagonizará Jonah Hill.
Nacido en Hollywood, California, DiCaprio empezó a actuar a los 14 años. El trabajo
cinematográfico que le dio a conocer fue la adaptación cinematográfica que Michael Caton-Jones realizó
en 1993 del drama autobiográfico de Tobias Wolff Vida de este chico. Ese mismo año, coprotagonizó el
filme de Lasse Hallström ¿A quién ama Gilbert Grape?, logrando sus primeras nominaciones al Premio
de la Academia y al Globo de Oro por su interpretación de un joven discapacitado mental. Además,
obtuvo el premio de la National Board of Review al mejor actor secundario y el premio Nueva
Generación de la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles por su trabajo en este filme.
En 1995, DiCaprio tuvo papeles protagonistas en tres películas muy diferentes, empezando por el
western de Sam Raimi Rápida y mortal. También fue muy elogiado por su interpretación del drogadicto
Jim Carroll en el desgarrador drama Diario de un rebelde, y por su encarnación del trastornado poeta
bisexual Arthur Rimbaud en la película de Agnieszka Holland Vidas al límite. Al año siguiente, DiCaprio
protagonizó la contemporánea adaptación cinematográfica realizada por Baz Luhrmann de Romeo y
Julieta, de William Shakespeare, por la que ganó el premio al mejor actor en el Festival Internacional de
Cine de Berlín. También formó parte del estelar reparto coral de La habitación de Marvin, compartiendo
una nominación al premio SAG en la categoría de mejor actuación de reparto de película.
En 1997, DiCaprio protagonizó junto a Kate Winslet el gran éxito de taquilla Titanic, por cuyo
trabajo fue nominado a un Globo de Oro. La película rompió todos los records de taquilla en su camino
hacia los Oscar, llegando a ganar 11 premios de la Academia, incluyendo el de mejor película. Su
posterior cinematografía incluye: un doble papel en El hombre de la máscara de hierro; La playa;
Celebrity, de Woody Allen; la película de Steven Spielberg Atrápame si puedes (por la que fue nominado
a un Globo de Oro); Gangs of New York (su primera película con el director Martin Scorsese); Red de
mentiras, de Ridley Scott; y Revolutionary Road, de Sam Mendes, que volvió a juntar a DiCaprio con
Winslet y le valió su séptima nominación al Globo de Oro.
DiCaprio es muy conocido por su dedicación al medio ambiente a escala global, produciendo
proyectos creativos tales como el documental La hora 11, encabezando numerosas campañas públicas de
concienciación y creando la Fundación Leonardo DiCaprio. Asimismo, es miembro de las juntas
directivas de las organizaciones World Wildlife Fund, Natural Resources Defense Council e International
Fund for Animal Welfare.

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En septiembre de 2014, DiCaprio fue nombrado Mensajero de la Paz de Naciones Unidas por su
prolongado compromiso con el activismo medioambiental. Ese mismo mes, DiCaprio fue reconocido con
el premio Clinton Global Citizen, participó en la manifestación de la ciudad de Nueva York más
multitudinaria de la historia e intervino activamente en la Cumbre sobre el Clima organizada por
Naciones Unidas.
TOM HARDY (Fitzgerald) se ha convertido rápidamente en uno de los actores más versátiles y
solicitados de la actualidad, logrando a lo largo de los años el elogio y reconocimiento generalizados,
tanto de crítica como de público, por sus increíbles transformaciones y su amplia variedad de registros en
diferentes medios, incluyendo cine, televisión y teatro.
Originario de Gran Bretaña, Hardy estudiaba en la prestigiosa escuela Drama Centre London
cuando le ofrecieron el papel que le daría a conocer en la galardonada miniserie de HBO sobre la II
Guerra Mundial “Hermanos de sangre”, cuyos productores ejecutivos fueron Tom Hanks y Steven
Spielberg. Su debut cinematográfico llegó poco después, cuando fue elegido para trabajar en el drama
bélico de Ridley Scott Black Hawk derribado (2001), trabajando a continuación en el filme de cienciaficción y aventuras Star Trek: Némesis (2002), dirigido por Stuart Baird.
En 2008, Hardy captó la atención mundial por su fascinante transformación en el convicto,
manifiestamente violento y personaje real, que da título al drama de Nicolas Winding Refn Bronson,
logrando el premio British Independent Film al mejor actor por su interpretación en este filme. La
Academia Británica de las Artes Cinematográficas y de la Televisión (BAFTA) reconoció posteriormente,
en 2011, los logros de Hardy otorgándole el premio ‘actor revelación’. La posterior cinematografía del
actor incluye elogiados trabajos en: las películas de Christopher Nolan Origen (2010) y El caballero
oscuro: La leyenda renace (2012); El topo (2011), de Tomas Alfredson; Warrior (2011), de Gavin
O’Connor; Sin ley (Lawless) (2012), de John Hillcoat, y La entrega (2014), de Michaël R. Roskam.
En 2013, Hardy obtuvo excelentes críticas por su potente interpretación, como único actor en
pantalla, en la película de Steven Knight Locke, que le valió el premio de la Asociación de Críticos de
Cine de Los Ángeles al mejor actor, además de su tercera nominación al premio del Cine Independiente
Británico (BIFA). Más recientemente, Hardy ha protagonizado el esperado éxito del verano Mad Max:
Furia en la carretera, aclamada nueva versión y cuarta entrega de la icónica saga de George Miller Mad
Max.
En televisión, Hardy interpreta actualmente un personaje recurrente en la galardonada serie de
BBC “Peaky Blinders”. En 2008, Hardy fue nominado al BAFTA a mejor actor por su interpretación en
la película de HBO “Stuart: A Life Backwards”, y en 2009 interpretó a ‘Heathcliff’ en la producción de
ITV de “Cumbres borrascosas”. Su trabajo en televisión incluye asimismo los telefilmes “Oliver Twist”,

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“A for Andromeda”, “Sweeney Todd”, “Gideon’s Daughter” y “Colditz”, así como la miniserie de
BBC “The Virgin Queen”.
En teatro, Hardy ha actuado en numerosas obras del West End londinense, tales como Blood e In
Arabia We’d All Be Kings, ganando en 2003 el premio de Teatro Evening Standard al mejor actor
revelación por su trabajo en ambas producciones, así como una nominación al premio Olivier por la
última en 2004. En 2005, Hardy actuó en el estreno en Londres de la obra de Brett C. Leonard Roger
and Vanessa. Su trabajo sobre los escenarios incluye también: la adaptación de Rufus Norris de Festen,
representada en el teatro Almeida; The Modernists, representada en el Crucible Theatre, en Sheffield;
The Man of Mode, representada en el National Theatre; y en 2010, el estreno mundial de la obra de
Brett C. Leonard The Long Red Road, dirigida por Philip Seymour Hoffman para el Goodman Theatre
de Chicago.
Además de la interpretación, Hardy es también el fundador y director ejecutivo de la productora
británica Hardy Son & Baker, que trabaja con NBCUniversal International Television (colaborando con
FX, la compañía de Ridley Scott, Scott Free Productions, Working Title y BBC), así como de su filial en
Estados Unidos, Executive Options, que mantiene acuerdos con Warner Bros. Studios. Miembro de la
Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas, Hardy es también Embajador del Prince's Trust y
colabora con las organizaciones Royal Marines Charitable Trust Fund (RMCTF) y Help For Heroes.
Más recientemente, Hardy ha protagonizado el drama criminal de Brian Helgeland Legend, donde
asume el reto de interpretar dos papeles, Ronald y Reginald Kray, los tristemente célebres gánsteres
gemelos que gobernaron el East End londinense durante los años 50 y 60. Estrenada en Reino Unido a
principios de septiembre (y en Estados Unidos, el 20 de noviembre), la película ya ha logrado superar
varios récords en Reino Unido, tales como convertirse en la película para mayores de 18 años más
taquillera de todos los tiempos.
Actualmente, Hardy se halla ocupado produciendo y protagonizando la nueva serie de ocho
episodios Taboo, sobre un londinense del siglo XIX que lucha por construir un imperio de transporte
marítimo al mismo tiempo que también intenta vengar la muerte de su padre. Historia desarrollada por el
propio actor junto a su padre, Chips Hardy, éste será el primer proyecto original de su productora Hardy
Son & Baker. Escrita por Steven Knight (“Peaky Blinders”), la emisión de la serie está prevista para
2016 en Reino Unido, en la BBC, y en Estados Unidos, en FX.
DOMHNALL GLEESON (Capitán Henry) ha finalizado recientemente el rodaje de la película de
J.J. Abrams Star Wars 7: El despertar de la fuerza. Recientemente también, ha aparecido en la obra de
teatro de Enda Walsh The Walworth Farce, dirigida por Seán Foley, en la que ha actuado junto a su padre,
Brendan Gleeson, y su hermano, Brian Gleeson.

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Otras producciones recientes de Gleeson son: la película de ciencia-ficción de Alex Garland Ex
Machina; la adaptación cinematográfica de la novela de Colm Tóibín Brooklyn, escrita por Nick Hornby
y dirigida por John Crowley, y la adaptación de los hermanos Coen de las memorias de Louis Zamperini
Invencible, con dirección de Angelina Jolie.
Como actor protagonista, su anterior filmografía incluye: Frank, dirigida por Lenny Abrahamson y
coprotagonizada por Michael Fassbender y Maggie Gyllenhaal; Una cuestión de tiempo, dirigida por
Richard Curtis y junto a Rachel McAdams y Bill Nighy; y Sensation, dirigida por Tom Hall. Gleeson
ganó sendos premios IFTA por su interpretación de ‘Bob Geldof’ en When Harvey Met Bob y de ‘Levin’
en Anna Karenina, dirigida por Joe Wright.
Como actor secundario, su trabajo en cine y televisión incluye: Calvary, de John Michael
McDonagh; Black Mirror, de Charlie Brooker, serie emitida en Channel 4; Nunca me abandones, de
Mark Romanek; Valor de ley, de Joel y Ethan Coen; el personaje de ‘Bill Weasley’ en Harry Potter y las
reliquias de la muerte (Partes 1 y 2), del director David Yates, así como el cortometraje de Martin
McDonagh, ganador del Premio de la Academia, Six Shooter. También ha aparecido en Dredd, dirigida
por Pete Travis; Agente doble, dirigida por James Marsh; La recompensa, dirigida por Ian Fitzgibbon; la
película de HBO A Dog Year, donde actuó junto a Jeff Bridges; Studs, dirigida por Paul Mercier; Boy Eats
Girl, dirigida por Stephen Bradley; y el show cómico Your Bad Self, dirigido por John Butler, para el que
coescribió sketches con Michael Moloney.
El trabajo de Gleeson sobre los escenarios incluye: Now or Later¸ representada en el Royal
Court; American Buffalo y Grandes esperanzas, representada en el Gate Theatre; la producción de la
compañía Druid de The Well of the Saints; Macbeth, dirigida por Selina Cartmell, y Chimps, dirigida por
Wilson Milam para el Liverpool Playhouse. Gleeson fue nominado a un premio Tony por la producción
de Broadway de la obra escrita por Martin McDonagh The Lieutenant of Inishmore. Fue candidato a un
premio Lucille Lortel y a un premio Drama League a la Excelencia en la Interpretación por ese mismo
papel. También fue nominado al premio de teatro Irish Times por su trabajo en American Buffalo.
Gleeson ha escrito y dirigido los cortometrajes Noreen (protagonizado por Brendan y Brian
Gleeson) y What Will Survive of Us (protagonizado por Brian Gleeson). También fue el creador de
Immatürity for Charity, conjunto de sketches cómicos rodados con familia y amigos en beneficio del
Hospicio de Saint Francis (son muy surrealistas y están en YouTube).
El actor británico WILL POULTER (Jim Bridger) se dio a conocer en 2014 al obtener el
prestigioso premio EE BAFTA al mejor actor revelación, lo que le posicionó como uno de los más
interesantes actores jóvenes del país. También el año pasado, recibió el premio MTV a la mejor actuación

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revelación por su papel en Somos los Miller, además del premio al ‘mejor beso’ por su hilarante y
memorable escena en este filme.
Poulter ha aparecido recientemente en la película de Twentieth Century Fox El corredor del
laberinto, adaptación de la popular novela homónima escrita por James Dashner con dirección de Wes
Ball. Otro de sus proyectos más recientes es también el relato iniciático Kids in Love, película rodada en
Londres y alrededores, coprotagonizada por Sebastian De Souza, Gala Gordon y Cara Delevingne. En
Glassland, la segunda película del director irlandés Gerard Barrett, Poulter interpreta a ‘Shane’.
Protagonizada por la actriz nominada al Premio de la Academia Toni Collette y Jack Reynor, la película
acaba de recibir, este mismo año, el premio Galway Film Fleadh a la mejor película irlandesa.
Asimismo, Poulter ha trabajado recientemente en la taquillera comedia de Warner Bros. Somos los
Miller, donde interpretó a ‘Kenny’ y actuó junto a Jennifer Anniston, Jason Sudeikis y Emma Roberts.
Poulter debutó en el cine en 2008, con la exitosa y nostálgica comedia de Garth Jennings El hijo de
Rambow, por la que fue nominado al premio del Cine Independiente Británico (BIFA) en la categoría de
actor novel más prometedor.
En 2011, actuó en Wild Bill, película dirigida por Dexter Fletcher nominada al premio BAFTA a la
mejor dirección novel. La película fue testigo de la transición que Poulter experimentó de actor infantil a
actor adulto, y por su exitosa actuación fue nominado al premio Critics’ Circle en la categoría de mejor
joven actor británico del año.
Otro título de su filmografía es la taquillera adaptación de Las crónicas de Narnia: La travesía del
viajero del alba, donde interpretó a ‘Eustace Clarence Scrubb’ y actuó junto a Tilda Swinton, Liam
Neeson y Simon Pegg. Su interpretación de uno de los personajes más conocidos de la literatura infantil
le valió varias nominaciones y excelentes críticas que elogiaban su excelente actuación y le revelaban
como un nombre a tener en cuenta.
Asimismo, Poulter interpretó y desarrolló una serie de personajes satíricos en el programa de
sketches cómicos de C4/E4 School Of Comedy, un show televisivo dirigido a adultos y ejecutado por un
elenco repleto de talentosos y jóvenes actores cómicos de Reino Unido. El programa fue llevado al
Festival Fringe de Edimburgo y en 2009 fue adaptado en una serie de televisión de seis episodios,
emitiéndose en E4 durante dos temporadas, hasta 2010.
FORREST GOODLUCK (Hawk): Miembro de las tribus Diné, Mandan, Hidatsa y Tsimshian,
Forrest Goodluck debuta en el cine con la película El Renacido (The Revenant).
Aparte de actuar, Goodluck es un galardonado joven director. Empezó a dirigir teatro a los 10 años,
y a los 14 ya se había convertido en un premiado director de cine. Sus cortometrajes, Sun Kink (2013) y
Malady’s Muddy Waters (2014), fueron galardonados por el Museo Nacional del Indio Americano,

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dependiente del Smithsonian, y, tras su estreno en SWAIA, obtuvieron los premios para jóvenes del
Mercado de Arte Indígena de Santa Fe que organiza la mencionada asociación. Los filmes de Goodluck
también han sido proyectados en el Festival Internacional de Cine de Seattle y en certámenes como Taos
Shortz, LA Skins Festival y NM Showcase.
Nacido en Albuquerque, Nuevo México, Goodluck estudió en The Bosque School, donde participó
en actuaciones teatrales tanto de la escuela como de la Sol Acting Academy. Desde que tenía 10 años, ha
interpretado numerosos papeles en obras de teatro local y escolar.
En enero de 2015, Goodluck fue invitado a concurrir a la Beca Completa para Nativos Americanos
del Instituto Sundance. Este inaugural programa de becas está patrocinado por la W.K. Kellogg
Foundation, interesada en invertir en la primera generación de cineastas.
A PAUL ANDERSON (Anderson) le veremos próximamente junto a Tom Hardy en Legend,
película dirigida por Paul Helgeland, y junto a Chris Hemsworth en el filme de Ron Howard En el
corazón del mar.
Actor inglés, la filmografía de Anderson incluye títulos como La tapadera, The Sweeney, Sherlock
Holmes: Juego de sombras, Electricity, ’71, Nunca es demasiado tarde, Passion, del director Brian De
Palma, Piggy, Un lugar solitario para morir y Frankie Howerd: Rather You Than Me.
En televisión, Anderson ha actuado en el drama de la BBC “Peaky Blinders” y también ha
aparecido en las miniseries inglesas “The Great Train Robbery” y “The Promise”.

KRISTOFFER JONER (Murphy) es natural de Stavanger, Noruega. Es actor y director, conocido
por los filmes Next Door (2005), La isla de los olvidados (2010) y The Monitor (2011). Es uno de los
actores noruegos más prolíficos de su generación y ha actuado junto a muchos grandes artistas, tales
como Stellan Skarsgård, Noomi Rapace y Michael Nyqvist, por nombrar sólo algunos.
Joner empezó a actuar en el Rogaland Theater de Stavanger, Noruega, a los 14 años, y allí siguió
actuando hasta cumplir los 20. Su trayectoria como actor abarca teatro, cine y televisión, y también se ha
decantado por el ámbito de la dirección, realizando en 2008 el cortometraje Cold And Dry.
Joner ha ganado muchos premios a lo largo de su carrera, incluyendo el Amanda, el premio de la
Academia Noruega de Cine, por protagonizar The Orheim Company; el premio ‘Estrella Fugaz’ en el
Festival de cine de Berlín; e incluso el premio al ‘mejor actor en 100 años de cine noruego’, un honor que
comparte con la aclamada actriz Liv Ullman.

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JOSHUA BURGE (Stubby Bill) ha actuado más recientemente en Buzzard, tercera película
independiente de la trilogía creada por Joel Potrykus. Burge también tuvo un papel protagonista en los
dos primeros filmes de la trilogía, Ape y el cortometraje Coyote. Mientras estudiaba cine en su Michigan
natal, Burge se dejó arrastrar por su pasión musical. Durante la década siguiente, se dedicó a ser cantante
y compositor, liderando la banda Chance Jones. Burge consiguió el papel en El Renacido (The Revenant)
tras un interminable y exhaustivo proceso de casting. Está exultante por haber regresado al cine y debutar
en una producción tan monumental como ésta.
LUKAS HAAS (Jones) nació en West Hollywood, California, y fue descubierto a los cinco años de
edad, mientras estaba en el parvulario, por la directora de casting Margery Simkin. Aunque su primer
papel en el cine fue en la película de 1983 sobre el holocausto nuclear Testament (1983), fue su segunda
aparición en Único testigo (1985), junto a Harrison Ford y Kelly McGillis, lo que le valió elogios y
atención. En el filme dirigido por Peter Weir en 1985, Haas interpretaba a un niño Amish que había sido
el único testigo del asesinato de un policía encubierto, y su trabajo en este filme le llevó a interpretar
importantes papeles en películas tales como El misterio de la dama blanca (1988), The Wizard of
Loneliness (1988) y Alan & Naomi (1992), esta última coescrita por su madre. Haas fue posteriormente
nominado a un Emmy por su interpretación de una víctima del sida, Ryan White, en la controvertida
película de televisión The Ryan White Story (1989). Siguió destacando con papeles protagonistas en
películas como: La caja de música (1989), protagonizada por Jessica Lange y dirigida por CostaGavras; Convicts (1991) y El precio de la ambición (1991) (ambas con Robert Duvall); así como
Boys (1996), con John C. Reilly y Winona Ryder.
En teatro, en 1988, Haas actuó junto a Steve Martin y Robin Williams en la obra de Samuel Beckett
"Esperando a Godot", representada en el Lincoln Center de la ciudad de Nueva York con dirección de
Mike Nichols. Posteriormente, trabajó con los directores Woody Allen, en la película Todos dicen I Love
You (1996); Tim Burton, en Mars Attacks! (1996), y Alan Rudolph, en El desayuno de los campeones
(1999). Haas tuvo un importante papel en Brick (2005), debut en la dirección de Rian Johnson,
protagonizada por Joseph Gordon-Levitt. A continuación, apareció en la película inspirada en Kurt
Cobain Last Days (2005), dirigida por Gus Van Sant, que se estrenó en el Festival de Cine de Cannes.
También actuó posteriormente en: Material Girls (2006), la parodia de película de terror El
republicano (2006), Who Loves the Sun (2006), Gardener of Eden (2007), Perseguida (2008) y Death in
Love (2008).
Haas interpretó un papel secundario en la película de Christopher Nolan Origen (2010),
protagonizada por Leonardo DiCaprio, Ellen Page, Joseph Gordon-Levitt, Michael Caine y Marion
Cotillard. Después le pudimos ver en Caperucita Roja (2011), dirigida por Catherine Hardwicke, y

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Contraband (2012), del director Baltasar Kormákur. Recientemente, ha actuado en los filmes Crazy
Eyes (2012), Pawn Shop Chronicles (2013) y Dark Was The Night (2014). También ha interpretado un
personaje recurrente, ‘Calvin Norburg’, en la aclamada serie de FOX Touch, y ha participado en el debut
en la dirección de Wally Pfister, Transcendence (2014).
BRENDAN FLETCHER (Fryman) debutó como actor interpretando a 'Des', el protagonista de la
producción de CBC Little Criminals, una actuación que le valió un premio Leo, así como una nominación
al premio Gemini en la categoría de mejor actor protagonista en papel dramático.
Desde entonces, Fletcher ha intervenido en diversas y galardonadas películas, tales como Jimmy
Zip, Montaña rusa, Los cinco sentidos y Edwin Boyd. En 2002, Fletcher obtuvo un premio Genie al mejor
actor en papel protagonista por su trabajo en el filme The Law of Enclosures, actuando junto a Sarah
Polley. A continuación, en 2003, fue nominado al premio Gemini por su labor en 100 Days in the Jungle,
así como al Genie por Turning Paige, junto a Katherine Isabelle. Su trabajo en el filme Paper Moon
Affair le supuso una nominación al premio Leo al mejor actor protagonista en película dramática en 2006.
Ese mismo año, Fletcher ganó su segundo premio Gemini por su actuación, junto a Jessica Pare, en la
película de televisión The Death and Life of Nancy Eaton.
A lo largo de los años, Fletcher ha trabajado en cientos de producciones. Su filmografía incluye: la
película de Terry Gilliam Tideland, donde actuó junto a Jodelle Ferland, Jeff Bridges y Jennifer Tilley; 88
minutos, con Al Pacino, y ¡Vaya vacaciones!, con el fallecido Robin Williams. También ha participado en
películas de culto tales como Ginger Snaps, Freddie vs. Jason y Rampage, dirigida por Uwe Boll. Más
recientemente, Fletcher ha actuado en una nueva entrega de la conocida franquicia de terror Leprechaun:
Orígenes, y ha coescrito y fue productor ejecutivo de Rampage 2: You End Now, secuela del filme
Rampage.
Entre sus trabajos destacan también la miniserie de Steven Spielberg The Pacific, ganadora del
Emmy, así como un papel recurrente en la aclamada serie dramática de AMC The Killing. Sus numerosas
apariciones como actor invitado incluyen las series: Sobrenatural, de CW; Alcatraz, de FOX, y Bates
Motel, de A&E, por nombrar sólo algunas. El año pasado, Fletcher se incorporó al reparto de Rogue, de
DirectTV, durante su segunda temporada. También podemos verle de forma recurrente en Hell on Wheels,
de AMC, y el drama policial de FOX Gracepoint.
Brendan Fletcher nació y se crió en Comox Valley, en la Isla de Vancouver, Columbia Británica.
DUANE HOWARD (Elk Dog) pertenece a las llamadas primeras naciones Mowachaht/Muchalht,
pequeña comunidad establecida en la isla de Vancouver, pero durante los últimos 30 años ha erigido su
hogar en Vancouver, Columbia Británica. Viviendo en la ciudad, Duane ha logrado progresar mucho a

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través de la educación, formándose en Estudios Indígenas en la Capilano University, y en la actualidad
comparte su conocimiento y formación con otros miembros de la comunidad.
Howard tuvo que enfrentarse a grandes retos desde una edad muy temprana. Al igual que para
muchos otros, le fue difícil huir de las drogas y el alcohol, y pasó por épocas muy complicadas antes de
modificar su estilo de vida. En el verano de 1986, Howard decidió cambiar y acudir a tratamiento para
enmendar su vida, tanto por sus hijos como por sí mismo.
En 1987, Howard regresó a los estudios y después realizó un curso sobre terapia contra el abuso de
drogas y alcohol. A continuación, empezó a trabajar con jóvenes y sus familias. Comenzó a viajar por
todo Canadá realizando talleres en coloquios y reuniones que ayudaban a concienciar a las comunidades
sobre el peligro del uso de drogas y alcohol. Posteriormente, Howard comprendió que necesitaba hacer un
cambio en su vida para seguir avanzando y decidió cambiar de profesión, descubriendo algo que le
apasionaba hacer.
En los años noventa, Howard empezó a trabajar en la industria cinematográfica como figurante.
Realizó esta labor durante unos pocos años a tiempo parcial, y, a medida que pasaron los años, se
aventuró en trabajos de figuración más cualificados. Participó como especialista en La letra escarlata y a
continuación actuó en algunas series rodadas en Vancouver, como Da Vinci’s Inquest, Sobrenatural,
Peace Maker, Good Night For Justice, Blade, The Collector, Johnny Too Tall, Arctic Air, la miniserie
Into The West, dirigida por Steven Spielberg, así como las películas El equipo A, Pathfinder y Entierra mi
corazón en Wounded Knee.
Actualmente, Howard se dedica a orientar a estudiantes en la Capilano University, compartiendo
sus experiencias en el ámbito de la industria del espectáculo. Próximamente le veremos en la película
independiente The Sun at Midnight, rodada en el territorio de Yukón. Howard ha actuado también en
teatro y espectáculos de improvisación. Las artes continúan nutriendo su autoestima y fe en sí mismo, al
mismo tiempo que contribuyen a su éxito como especialista y consumado actor.
ARTHUR REDCLOUD (Hikuc) es un genuino navajo nacido en Crown Point, Nuevo México, y
que actualmente vive en el área de Dallas-Forth Worth, donde trabaja en el Departamento del Sheriff del
Condado de Dallas y conduce camiones a tiempo parcial. Empezó su carrera actoral trabajando como
figurante en películas de Oeste y recreando épocas pasadas, y ha aparecido en varios filmes
independientes. Fue elegido para interpretar a Hikuc en El Renacido (The Revenant) –un papel al que se
siente profundamente conectado por ser nieto de un curandero– tras pasar por un intenso proceso de
selección. Es su primer papel importante en el cine.
Redcloud también es desde hace tiempo voluntario en Hawkquest, una organización sin ánimo de
lucro que se dedica a fomentar el bienestar de gavilanes, águilas, búhos y halcones.

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GRACE DOVE (Powaqa) es miembro de la “primera nación” Secwepemc, establecida en Canim
Lake, dirigida por el jefe Mike Archie, miembro de su familia. Dove se trasladó a Vancouver para
dedicarse a la interpretación. Realizó el curso de interpretación de la Escuela de Cine de Vancouver y en
la actualidad se dedica a realizar audiciones y trabajar con regularidad en la industria cinematográfica.
Cuando no tiene que estudiarse un guión, a Dove le encanta salir a la naturaleza y capturarla a través de
su fotografía, bien sea lanzándose por pistas de esquí o escalando la pared de una roca.
La carrera de Dove se ha disparado a raíz de la enorme curva de aprendizaje que ha supuesto
trabajar junto a artistas como Leonardo DiCaprio y Tom Hardy en El Renacido (The Revenant).
Este año le ha traído grandes oportunidades, como trabajar en la serie documental
"UnderEXPOSED", que se emite en APTN (Aboriginal Peoples Television Network) y que ahora inicia la
producción de su tercera temporada, en la que Dove ha pasado, de simple aprendiz, a convertirse en la
principal presentadora de la serie. Dove se dedica principalmente a viajar por toda Norte América a lo
largo de los 13 nuevos episodios de cada temporada, que incluyen todo, desde snowboard y skateboard
hasta surf. Esta nueva serie ha combinado en una especie de ‘todo en uno’ su amor por la televisión y por
la fotografía. Además de a un montón de aventuras, Dove se ha tenido que enfrentar a retos que nunca
habría esperado, lo que le ha empujado a crecer física, mental y emocionalmente. Definitivamente, Dove
siente auténtico entusiasmo por la realización de una nueva temporada.

SOBRE LOS REALIZADORES
ALEJANDRO G. IÑÁRRITU (Director, Guionista, Productor) es un oscarizado director,
guionista y productor, así como uno de los más aclamados y prestigiosos cineastas de la actual industria
cinematográfica.
El año pasado, Iñárritu ganó tres premios de la Academia por dirigir, coescribir y coproducir el
filme ganador del Oscar a la mejor película, Birdman (o la inesperada virtud de la ignorancia). Esta
alabada comedia negra obtuvo asimismo el Oscar a la mejor fotografía y fue nominada a otros cinco
premios de la Academia. Iñárritu ganó un premio del Sindicato de Directores (DGA) y otro del
Sindicato de Productores (PGA) por este filme producido por New Regency/Fox Searchlight,
interpretado por los actores nominados al Oscar Michael Keaton, Emma Stone y Edward Norton.
Iñárritu debutó en la dirección cinematográfica con la película Amores Perros, un drama que
exploraba la sociedad mexicana, relatada desde la perspectiva de tres historias entrelazadas, conectadas

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por un accidente de coche ocurrido en la Ciudad de México. El filme fue nominado al Oscar a la mejor
película de habla no inglesa en los Premios de la Academia de 2001.
Su siguiente película, 21 gramos, fue candidata a dos premios de la Academia, mejor actriz para
Naomi Watts y mejor actor secundario para Benicio del Toro, y fue estrenada por Focus Features. Su
tercer filme, Babel, distribuido por Paramount Pictures, se estrenó en el Festival de Cine de Cannes,
donde Iñárritu ganó el premio al mejor director. Posteriormente, ese mismo año, Babel obtuvo el Globo
de Oro a la mejor película dramática y fue nominada a siete premios de la Academia, incluyendo dos
para Iñárritu por mejor película y mejor director. Con sus dos nominaciones, Iñárritu se convirtió en el
primer cineasta mexicano de la historia de los premios de la Academia nominado a un Oscar, bien como
director o bien como productor. La cuarta película de Iñárritu, Biutiful, fue su primer filme rodado en
castellano desde Amores Perros. Iñárritu dirigió y produjo este aclamado drama, que también coescribió
junto a Armando Bo t Nicolás Giacobone. La película de Focus Features fue candidata al Premio de la
Academia a la mejor película de habla no inglesa, y Javier Bardem, protagonista del filme, fue
nominado como mejor actor por su emotiva interpretación.
Iñárritu inició su carrera profesional como locutor de radio y director de programas
radiofónicos en la emisora especializada en música rock WFM, que llegó a convertirse en la primera
emisora de México durante la permanencia de Iñárritu. Después de trabajar en la radio, Iñárritu pasó
tres años en Ciudad de México estudiando teatro con Ludwik Margules, y a continuación empezó a
escribir, producir y dirigir cortometrajes y anuncios publicitarios bajo el auspicio de su compañía en
México, Z Films.
La filmografía más reciente de MARK L. SMITH (Guionista) incluye The Hole, dirigida por
Joe Dante, Habitación sin salida, dirigida por Nimrod Antal, y la inminente Martyrs, dirigida por los
hermanos Goetz.
En la actualidad, Smith dispone de una serie de guiones en diferentes fases de desarrollo,
incluyendo varios producidos por los protagonistas de El Renacido (The Revenant). Endurance y
Ruthless están siendo desarrolladas por la productora de Leonardo DiCaprio, Appian Way, y Tramps
será producida y protagonizada por Tom Hardy. Otros de sus guiones más recientes son: The Queen of
the Tearling, que está previsto protagonice Emma Watson; The Descent, que dirigirá Robert Redford;
Collider, para Bad Robot y con dirección de Edgar Wright; Ghost Recon, para Warner Bros. y con
dirección de Michael Bay, y Chain of Events, que dirigirá Morten Tyldum.

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EMMANUEL LUBEZKI, “EL CHIVO”, ASC/AMC (Director de Fotografía) ha ganado en
dos ocasiones el Premio de la Academia a la mejor fotografía, por Birdman, de Iñárritu, y por Gravity,
del director Alfonso Cuarón. También ha conseguido dos premios BAFTA y ha sido nominado siete
veces al Oscar.
Dos de sus dos nominaciones al Premio de la Academia son también por sus colaboraciones
con Cuarón, La princesita e Hijos de los hombres. Por su trabajo en este último filme, Lubezki ganó un
BAFTA y los premios de la American Society of Cinematographers y la Australian Cinematographers
Society, así como numerosos premios de asociaciones de críticos cinematográficos, incluyendo la
Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles y la Sociedad Nacional de Críticos de Cine. Su
colaboración con Cuarón viene de lejos, comenzando en 1991 con la película Sólo con tu pareja e
incluyendo también los filmes Grandes esperanzas e Y tu mamá también.
Otras nominaciones al Premio de la Academia de Lubezki se deben a su labor en la película de
Tim Burton Sleepy Hollow y los filmes de Terrence Malick El nuevo mundo y El árbol de la vida. Por
El árbol de la vida, Lubezki fue de nuevo galardonado por la American Society of Cinematographers, la
Australian Cinematographers Society, la Asociación de Críticos de Cine de Los Ángeles y la Sociedad
Nacional de Críticos de Cine, así como por el Círculo de Críticos de Cine de Nueva York, entre otros.
Desde entonces ha vuelto a trabajar con Malick en To the Wonder, así como en la última
película estrenada del director, Knight Of Cups, y la aún pendiente de estreno Weightless.
Su amplia filmografía incluye también: Una serie de catastróficas desdichas de Lemony
Snicket, El asesinato de Richard Nixon, Ali, ¿Conoces a Joe Black?, Una jaula de grillos, Un paseo por
las nubes, Reality Bites y Como agua para chocolate.
ARNON MILCHAN (Productor) es ampliamente considerado uno de los más prolíficos y
exitosos productores independientes de su tiempo, con más de cien producciones cinematográficas en
su haber. Nacido en Israel, Milchan estudió en la Universidad de Ginebra. Su primera aventura
empresarial consistió en convertir la modesta empresa de su padre en una de las mayores compañías
agroquímicas del país. Este precoz logro fue tan sólo un presagio de la ya legendaria reputación de
perspicaz hombre de negocios que Milchan tiene en el mercado internacional.
Milchan empezó muy pronto a apoyar proyectos en áreas por las que siempre había sentido un
especial interés: cine, televisión y teatro. Entre sus primeros proyectos destacan la producción teatral de
Amadeus, de Roman Polanski, las películas Dizengoff 99, La Menace, Alarma Catástrofe y la miniserie
Masada. A finales de los años 80, Milchan había producido películas tales como El rey de la comedia,
de Martin Scorsese, Érase una vez en América, de Sergio Leone, y Brazil, de Terry Gilliam.

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Tras el increíble éxito de las películas Pretty Woman y La guerra de los Rose, Milchan fundó
New Regency Productions y empezó a producir innumerables éxitos de crítica y taquilla, tales como
J.F.K, Tiempo de matar, Liberad a Willy, El cliente, Tin Cup, Alerta máxima, Pactar con el diablo,
Negociador, City of Angels, La trampa, El club de la lucha, Esta abuela es un peligro, Ni una palabra,
Daredevil, El fuego de la venganza, Sr. y Sra. Smith, Alvin y las ardillas, Algo pasa en Las Vegas, Amor
y otras drogas, Noé y Perdida.
En 1998, Milchan fue nominado a un Premio de la Academia por la producción de la película
LA Confidential. Ha sido productor de dos filmes que han ganado el Oscar a la mejor película de forma
consecutiva, 12 años de esclavitud (2014) y Birdman (2015).
Por el camino, Milchan ha logrado el apoyo de dos potentes inversores y socios que comparten
su visión empresarial: Nine Network y Twentieth Century Fox. Fox distribuye las películas de Regency
en medios de todo el mundo, excepto en la televisión internacional de pago y en abierto, donde Milchan
ha sabido sacar partido del creciente mercado de televisión y nuevas plataformas tecnológicas. Milchan
también ha sabido diversificar con éxito las actividades de su compañía tanto en el ámbito del
entretenimiento, más concretamente en el mundo de la televisión, a través de Regency Television
(“Malcolm in the Middle”, “The Bernie Mac Show” y “Windfall”), como en el ámbito deportivo, donde
hubo un tiempo en que su compañía era el mayor accionista de PUMA, la corporación internacional de
ropa y calzado deportivo ubicada en Alemania, vendida posteriormente tras una exitosa renovación de
la marca efectuada en 2003.
STEVE GOLIN (Productor) es el fundador y socio gerente de Anonymous Content, una
compañía de desarrollo y producción cinematográfica así como de representación artística. Durante los
últimos veinte años, Golin ha desarrollado una reputación de cultivar la libertad artística manteniendo al
mismo tiempo la viabilidad comercial, trabajando en ámbitos que abarcan desde cine, televisión,
publicidad y vídeos musicales hasta nuevos medios de comunicación.
Golin ha producido más de 40 películas y proyectos televisivos, incluyendo Babel, película
dirigida por Alejandro González Iñárritu, reconocida con múltiples nominaciones al Globo de Oro y al
Oscar; ganadora del Globo de Oro a la mejor película y del premio del Festival de Cine de Cannes de
2006 al mejor director. Otras producciones suyas son Cómo ser John Malkovich (1999), dirigida por
Spike Jonze; y¡Olvídate de mí! (2004), dirigida por Michel Gondry.
En 1999, su producción del filme de David Lynch Corazón salvaje (1990) ganó la Palma de
Oro en Cannes.
Entre sus producciones recientes destacan: la aclamada serie de HBO True Detective, escrita
por Nic Pizzolatto, dirigida por Cary Fukunaga y protagonizada por Matthew McConaughey y Woody

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Harrelson; la película Buscando un amigo para el fin del mundo, escrita y dirigida por Lorene Scafaria,
cliente de Anonymous, y protagonizada por Steve Carell y Keira Knightley, para Mandate Pictures.
Una aventura extraordinaria, dirigida por Ken Kwapis para Universal, protagonizada por Drew
Barrymore, John Krasinski, Ted Danson, Dermot Mulroney y Kristen Bell, fue estrenada en febrero de
2012. El último Elvis, escrita y dirigida por el cliente de Anonymous Armando Bo, se proyectó en
Sundance y en el Festival de Cine de Los Ángeles. El castor, dirigida y protagonizada, junto a Mel
Gibson, por Jodie Foster, fue estrenada en mayo de 2011. La medida de la venganza, debut en la
dirección cinematográfica del aclamado director de publicidad Malcolm Venville, inauguró el Festival
de Cine de Londres de 2009 y está protagonizada por Ray Winstone, John Hurt, Ian McShane, Tom
Wilkinson, Stephen Dillane y Joanne Whalley. La película de 2007 Rendition fue dirigida por el cliente
de Anonymous Gavin Hood y está protagonizada por Jake Gyllenhaal, Meryl Streep y Reese
Witherspoon. El año pasado, Anonymous produjo la popular comedia familiar Fun Size, escrita por
Max Werner, también cliente de Anonymous, dirigida por Josh Schwartz y protagonizada por Victoria
Justice, Jane Levy y Chelsea Handler.
Adicionalmente, Anonymous Content representa también a muchos clientes de primera línea,
tales como Nicholas Refn (Drive, Sólo Dios perdona), Steven Soderbergh (Magic Mike, Behind The
Candelabra), Samuel L. Jackson , Emma Stone y Michael Keaton, por nombrar sólo algunos.
Actualmente se halla en fase de producción la película Triple Nine, dirigida por John Hillcoat y
protagonizada por Casey Affleck, Chiwetel Ajiofor, Gal Gadot, Woody Harrelson, Kate Winslet, Aaron
Paul, Teresa Palmer, Anthony Mackie, Norman Reedus y Clifton Coollins Jr., así como la segunda
temporada de la serie True Detective.
Golin ha sido productor de Len & Company, película actualmente en fase de posproducción
dirigida por Tim Godsall y protagonizada por Rhys Ifans, Juno Temple, Jack Kilmer y Kathryn Hahn.
Otros filmes producidos por Golin aún pendientes de estreno son The Loft, dirigido por Erik Van Looy y
protagonizado por Karl Urban, Wentworth Miller, Isabel Lucas, James Marsden, Rhona Mitra,
Margarita Levieva, Rachael Taylor y Eric Stonestreet; y U Want Me To Kill Him?, dirigido por Andrew
Douglas, basado en un artículo de la revista Vanity Fair publicado en 2005.
Su anterior filmografía como productor incluye: Truth of Dare (1991), documental
protagonizado por Madonna; Retrato de una dama (1996), de Jane Campion; The Game (1997), de
David Fincher; y los filmes de Neil LaBute Amigos y vecinos (1998) y Persiguiendo a Betty (2000).
Golin también ha producido series de televisión como Beverly Hills 90210, The L Word y Twin Peaks,
de David Lynch.
Golin cofundó su primera compañía, Propaganda Films, en 1986. La empresa se convirtió en la
mayor compañía de producción de vídeos musicales y anuncios del mundo, ganando más premios MTV

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Video y Palmas de Oro que cualquier otra compañía. Golin ha ayudado a lanzar las carreras de David
Fincher, Spike Jonze, Michael Bay, Antoine Fuqua, Gore Verbinski, Alex Proyas, David Kellogg y
Simon West, entre otros.
Steve Golin es miembro de la Academia de las Artes y Ciencias Cinematográficas y del
Sindicato de Productores de América. Ha estudiado en la Universidad de Nueva York y en el American
Film Institute.
MARY PARENT (Productor) es fundadora y directora ejecutiva de Disruption Entertainment,
que mantiene un acuerdo preferencial con Paramount Pictures.
Desde que Disruption Entertainment empezó a funcionar, hace cuatro años, Parent ha producido
un fecundo catálogo de películas. Las tres primeras producciones, Pacific Rim, Godzilla y Bob
Esponja: Un héroe fuera del agua, tuvieron gran éxito de crítica y público, generando conjuntamente
una taquilla mundial superior a los 1.600.000.000 millones de dólares.
Parent está produciendo actualmente Kong: Skull Island (dirigida por Jordan Vogt-Roberts y
protagonizada por Samuel L. Jackson, Tom Hiddleston, Brie Larson y John C. Reilly), y en fase de
posproducción se hallan las películas Monster Trucks (dirigida por Chris Wedge y protagonizada por
Rob Lowe, Barry Pepper y Jane Levy) y Same Kind of Different as Me, basada en un libro incluido en
la lista de superventas del New York Times.
Previamente a la fundación de Disruption Entertainment, Parent fue directora ejecutiva y
presidenta de Worldwide Production para MGM. Antes de asumir las riendas de MGM, Parent había
cofundado Stuber/Parent, donde produjo las películas Tú, yo y ahora… Dupree y Mal ejemplo.
Parent trabajó también durante nueve años en Universal Pictures, donde ascendió hasta
convertirse finalmente en vicepresidenta de Worldwide Production, donde fue responsable de muchos
los aclamados y taquilleros filmes de los estudios.
Antes de Universal Pictures, Parent había trabajado en New Line Cinema, donde comenzó
como ejecutiva creativa, directora de desarrollo y, finalmente, vicepresidenta de producción, y fue
productora ejecutiva de las películas Pleasantville y Set it Off. Parent empezó su carrera como asistente
y becaria de representación artística en ICM.
KEITH REDMON (Productor) nació y se crió en Livingston, Montana. Se licenció por la
Pepperdine University antes de iniciarse profesionalmente en la industria del espectáculo como becario
de la Agencia William Morris en 1997. Trabajó en Propaganda Films antes de incorporarse a
Anonymous Content como uno de los directores de la compañía en 2004. Actualmente socio de

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Anonymous, algunas producciones de Redmon son los filmes Rendition y Triple 9, así como las nuevas
series de televisión Berlin Station y Counterpart.
JAMES W. SKOTCHDOPOLE (Productor) ha producido recientemente la célebre película
de Alejandro G. Iñárritu Birdman, que fue nominada a nueve premios de la Academia, ganando cuatro
de ellos, incluido el de mejor película.
Natural de New York, Skotchdopole lleva haciendo cine unos 35 años y ha trabajado en 49
películas y en diecisiete países distintos. Más recientemente, ha sido productor ejecutivo de la película
de David O. Russell Nailed y de los filmes de Quentin Tarantino Django desencadenado y Death Proof,
así como de cuatro películas dirigidas por Tony Scott, El fuego de la venganza, Enemigo público,
Fanático y Juego de espías, en una asociación con este director que se ha mantenido en nueve filmes y
que empezó en 1988 con la película Revenge, incluyendo producciones tales como Días de trueno, El
último boy scout, Amor a quemarropa y Marea roja.
Skotchdopole también ha mantenido una larga colaboración con la directora Nora Ephron,
habiendo sido muchas veces productor ejecutivo de sus películas así como productor asociado en Algo
para recordar. Skotchdopole ha producido anuncios publicitarios para directores tales como Sam
Mendes, Oliver Stone y Samuel Bayer.
En 1984, Skotchdopole se convirtió en el miembro más joven del Sindicato de Directores de
América. Le salieron los dientes en la industria trabajando como asistente de dirección para cineastas
como sir Richard Attenborough, Francis Ford Coppola, Brian De Palma, Richard Donner, John
Frankenheimer, Paul Mazursky, Mike Nichols, Frank Oz y John Schlesinger.
DAVID KANTER (Productor Ejecutivo) es productor y director en Anonymous Content,
importante compañía de producción de cine, televisión y publicidad y de representación artística
asentada en Culver City, California.
Kanter ha producido The End of the Tour, película protagonizada por Jesse Eisenberg y Jason
Segel, dirigida por James Ponsoldt, que se estrenó en el Festival de Cine de Sundance de 2015. La
película fue calificada como “lo mejor de lo mejor de Sundance” (revista Rolling Stone) y fue adquirida
por A24 para su distribución en Estados Unidos y estrenada el 31 de julio de 2015. Otra próxima
producción suya es Bastille Day, protagonizada por Idris Elba y Richard Madden, dirigida por James
Watkins para Vendome/Studio Canal/Focus Features.
Kanter ha producido los siguientes filmes: Fun Size, una coproducción con Paramount Pictures
que supuso el debut en la dirección cinematográfica de Josh Schwartz, protagonizada por Victoria
Justice, Thomas Mann y Chelsea Handler; Entre mujeres, coproducida con Castle Rock y Warner

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Independent, protagonizada por Kristen Stewart y Adam Brody; el controvertido documental de Tony
Kaye Lake of Fire, que se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto de 2006; y la película
de New Line Cinema Rendition, dirigida por Gavin Hood y protagonizada por Reese Witherspoon, Jake
Gyllenhaal, Meryl Streep y Alan Arkin.
En televisión, Kanter ha sido productor ejecutivo de la próxima serie de Cinemax “Quarry”,
protagonizada por Logan Marshall-Green y cuyo estreno está previsto para 2016; “To Love and Die”,
para USA Network; “Law & Order: Crime and Punishment”, una serie de docudramas para NBC de la
Kanter es coautor y productor ejecutivo; y “Stanley Park”, para BBC3/Lionsgate. Actualmente, David
se encuentra en fase de activo desarrollo de la producción de varios episodios piloto y series de largo
formato para AMC, Showtime, HBO, FTVS, F/X Studios, Lionsgate Television y Sony Television.
El listado de clientes representados por Kanter incluye a: John Romano (El inocente), Andrew
Baldwin (The Outsider), Donald Margulies (Middlesex y la obra ganadora del Premio Pulitzer “Dinner
with Friends”), Lesli Linka Glatter (“Mad Men”, “Pretty Little Liars”, “Homeland”), Ron Nyswaner
(Philadelphia, Freeheld) y Andrew Fleming (Jóvenes y brujas, Hamlet 2), entre otros.
Antes de unirse a Anonymous Content en el año 2000, Kanter fue uno de los agentes
fundadores de United Talent Agency, involucrándose personalmente en numerosos proyectos
cinematográficos de los grandes estudios.
David empezó su carrera en Nueva York, en el negocio de la adaptación cinematográfica y
televisiva de obras literarias, con Curtis Brown, Ltd., el fallecido Edgar J. Scherick y Sterling Lord
Literistic Agency.
JENNIFER DAVISSON (Productora Ejecutiva) ha sido presidenta de la compañía de
Leonardo DiCaprio, Appian Way, desde 2007. Durante su estancia en la compañía, Jennifer y Leonardo
han producido nueve películas bajo el estandarte de Appian Way: la película de Martin Scorsese
nominada al Globo de Oro y al Oscar El lobo de Wall Street; Shutter Island, también de Martin
Scorsese; La ley del más fuerte, dirigida por Scott Cooper y protagonizada por Christian Bale y Woody
Harrelson; la película de George Clooney nominada al Globo de Oro Los idus de marzo; el thriller
psicológico de Jaume Collet Serra La huérfana; Caperucita Roja, de la directora Catherine Hardwicke;
Runner, Runner, dirigida por Brad Furman y protagonizada por Justin Timberlake y Ben
Affleck; Delirium, del director Dennis Iliadis; y Under the Bed, dirigida por Dan Myrick.
Adicionalmente, en octubre de este año, Jennifer y Appian Way comenzaron la producción de la
adaptación cinematográfica de la alabada novela de Dennis Lehane Live By Night, escrita, dirigida y
protagonizada por Ben Affleck. El próximo verano, Appian Way iniciará la producción del filme del
director Otto Bathurst Robin Hood, protagonizado por Taron Egerton.

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Además, bajo la dirección de Jennifer, Appian Way ha trabajado en asociación con Netflix en la
producción de dos documentales: Virunga, dirigido por Orlando von Einsiedel y nominado al Premio de
la Academia, y Cowspiracy: The Sustainability Secret, dirigido por Kip Anderson. Appian Way se ha
asociado también con Netflix para otros dos documentales adicionales, How to Change the
World and Catching the Sun, que se hallan en fase de posproducción y cuyo estreno está previsto para
2016.
Actualmente, Davisson está supervisando diferentes proyectos cuyo desarrollo es prioritario
para Appian Way: una adaptación cinematográfica del manga japonés y película animada Akira, y tres
proyectos escritos por Billy Ray: The Devil In The White City, de Martin Scorsese; The Ballad of
Richard Jewell, protagonizada por Jonah Hill, y The Twilight Zone. También tiene en proyecto
múltiples trabajos para televisión con HBO, Showtime, FX, Amazon y TNT.
Nacida y criada en Sparta, New Jersey, Jennifer empezó su carrera trabajando en AMG, antes
de que esta compañía fuera adquirida por The Firm. De AMG, Davisson pasó a ampliar sus horizontes
profesionales trabajando en LBI Entertainment, donde demostró el liderazgo que finalmente la
catapultaría a llevar el timón de la compañía de DiCaprio, Appian Way. Actualmente reside en Los
Ángeles.
JAMES PACKER (Productor Ejecutivo), empresario de turismo y entretenimiento de origen
australiano, es cofundador, junto con el director Brett Ratner, de RatPac Entertainment, una compañía
de producción, desarrollo y financiación cinematográfica.
RatPac se dedica a la producción y financiación de películas a través de su asociación con
Warner Bros. Pictures. Durante los próximos cuatro años, RatPac cofinanciará el catálogo completo de
Warner Bros., compuesto por, aproximadamente, 75 películas.
Esta nueva asociación ya ha arrancado de hecho con la inversión realizada en Gravity,
protagonizada por Sandra Bullock y George Clooney, que recaudó 720 millones de dólares, y en la
exitosa película de animación La LEGO película, que logró unos ingresos de 468 millones de dólares en
la taquilla mundial.
Brett ha dirigido diez películas, incluyendo X-MEN: LA DECISIÓN FINAL, EL DRAGÓN
ROJO, la saga de HORA PUNTA y la reciente HÉRCULES, que conjuntamente han recaudado más de
2.000 millones de dólares en la taquilla mundial. En televisión, ha sido productor ejecutivo de la
popularmente conocida serie PRISON BREAK, para Fox.
Packer es el principal inversor y miembro de la junta ejecutiva de Crown Resorts Ltd. Crown es
uno de los operadores de turismo y entretenimiento más importantes de Australia, y está integrado por
complejos turísticos, hoteles y casinos situados en Melbourne, Perth, Manila, Macao y Londres. La

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compañía es un importante inversor de la cadena hotelera Nobu, y Packer formará parte de la junta
directiva de Nobu próximamente. Packer es también copresidente de Melco Crown Entertainment y ha
realizado exitosas inversiones en compañías de entretenimiento y online, incluyendo la página web
china de búsqueda de empleo Zhaopin y Network 10, en Australia.
BRETT RATNER (Productor Ejecutivo) es uno de los realizadores con más éxito de
Hollywood. Sus diferentes películas han sido muy bien acogidas por públicos de todo el mundo y han
recaudado más de 2.000 millones de dólares en la taquilla mundial. Ratner empezó su carrera dirigiendo
vídeos musicales, antes de debutar en la dirección cinematográfica con El dinero es lo primero,
protagonizada por Charlie Sheen y Chris Tucker. A continuación, dirigió el éxito de taquilla Hora punta
y sus posteriores secuelas. Brett también ha dirigido los filmes The Family Man, Dragón rojo, El gran
golpe, X-Men: La decisión final, Un golpe de altura y Hércules.
Ratner produjo Cómo acabar con tu jefe y su secuela, Cómo acabar con tu jefe 2, así como los
documentales Catfish; Woody Allen – A Documentary de la serie American Masters, nominado al
Emmy; I Knew It Was You: Rediscovering John Cazale, y Night Will Fall, en torno a la historia que
Alfred Hitchcock realizó sobre el Holocausto y que nunca llegó a estrenarse. Ratner fue productor
ejecutivo y director de la serie de televisión nominada al Globo de Oro Prison Break, emitida durante
cuatro temporadas en Fox.
En 2013, Ratner, junto con su socio James Packer, fundó RatPac Entertainment, una compañía
de producción y financiación de cine y otros medios de comunicación. RatPac tiene un acuerdo
preferente con Warner Bros. y se ha unido a Dune Capital para cofinanciar más de 75 películas,
incluyendo Gravity, La LEGO película y El francotirador. A nivel internacional, RatPac y Warner Bros.
han formado alianza con el Shanghai Media Group de China para la financiación de contenidos digitales
en China. En asociación con New Regency, RatPac financia también el desarrollo y producción de
proyectos de la compañía de Brad Pitt, Plan B Entertainment.
Entre los próximos proyectos de RatPac destacan: Truth, protagonizada por Robert Redford y
Cate Blanchett; I Saw the Light, protagonizada por Tom Hiddleston, y una película aún sin título sobre
Howard Hughes, escrita, dirigida, producida y protagonizada por Warren Beatty.
Además de apoyar activamente a la Liga Antidifamación (ADL), Brett es miembro de la junta
directiva del Centro Simon Wiesenthal y del Museo de la Tolerancia, y está en el consejo del decano de
la Tisch School of the Arts de la Universidad de Nueva York. También se sienta en los consejos de las
organizaciones Chrysalis, Best Buddies y Do Something.

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JACK FISK (Diseño de Producción) es un diseñador de producción nominado al Premio de la
Academia con más de 35 años de experiencia en la industria cinematográfica. Fisk ha disfrutado de
numerosas y exitosas colaboraciones con el influyente cineasta Terrence Malick, lo que incluye los
filmes: To The Wonder, El árbol de la vida, El nuevo mundo, La delgada línea roja, Días del cielo y
Malas tierras.
Fisk diseñó los filmes Pozos de ambición y The Master para Paul Thomas Anderson, y también
diseñó las producciones Una historia verdadera y Mulholland Drive para David Lynch.
Otros títulos de su filmografía como diseñador de producción son: Agua para elefantes, The
Invasion, Heart Beat, Movie Movie, Carrie y El fantasma del paraíso.
JACQUELINE WEST (Diseño de Vestuario) ha sido nominado al Premio de la Academia por
su trabajo en las películas El curioso caso de Benjamin Button y Quills. Por El curioso caso de
Benjamin Button, West fue también nominada a un BAFTA y al premio al mejor vestuario del Sindicato
de Diseñadores de Vestuario. West obtuvo otra candidatura al premio del Sindicato de Diseñadores de
Vestuario por la película Argo.
Tras graduarse en la Universidad de California en Berkeley, West siguió los pasos de su madre,
una innovadora y popular diseñadora de moda de los años 40 y 50. Desde 1988 a 1997, West dirigió su
propia compañía y diseñó una línea de ropa aclamada nacionalmente. West pasó después a ser
propietaria de tiendas minoristas en el Área de la Bahía, en San Francisco, y de modernas tiendas
departamentales de Barneys en Nueva York y Tokio.
La primera incursión de West en el cine, como asesora creativa en Henry y June, supuso el
inicio de una larga relación con el galardonado director Phillip Kaufman y le condujo a futuros
proyectos con realizadores tan ilustres como Terrence Malick, David Fincher y Ben Affleck. West ha
realizado cinco filmes con Malick, empezando por El nuevo mundo e incluyendo El árbol de la vida, To
the Wonder, Knight of Cups y su próxima película, Weightless.
También ha diseñado El jugador, Agua para elefantes, La red social y La sombra del poder,
entre otras películas.
West es miembro de la junta de asesores del Fashion Institute of Design and Merchandising de
Los Ángeles, y divide su tiempo entre Los Ángeles y su rancho en Deadwood, Dakota del Sur.
RICH McBRIDE (Supervisor de Efectos Visuales) ha supervisado más recientemente los
efectos visuales de la película Gravity, que ganó siete premios de la Academia, incluyendo el de
mejores efectos visuales. McBride fue galardonado con dos premios de la Sociedad de Efectos Visuales

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(VES) por Gravity: mejores efectos visuales y mejor fotografía virtual, compartiendo este último con el
director de fotografía Emmanuel Lubezki.
McBride fue también supervisor de efectos visuales en los filmes The Spirit, El acantilado rojo
– Parte 2, World Trade Center, así como en el videojuego Fantastic Four: Rise of the Silver Surfer. Ha
trabajado en variedad de películas como supervisor de efectos visuales, tipógrafo, director técnico y
artista digital, y con compañías de efectos especiales tales como Industrial Light & Magic y Giant
Killer Robots. Entre sus muchos trabajos destacan: Pacific Rim, El llanero solitario, La conspiración,
Avatar, Cuento de Navidad, Transformers: La venganza de los caídos, Los 4 fantásticos y Silver Surfer,
Happy Feet, Poseidón, Los productores, Los 4 fantásticos, Blade: Trinity, Scooby-Doo 2: Monstruos
sueltos, Matrix Revolutions, Terminator 3: La rebelión de las máquinas, Matrix Reloaded, Scooby-Doo,
y Obsidian.
STEPHEN MIRRIONE, ACE (Montaje) empezó su carrera en los años noventa editando las
películas Swingers y Go para el director Doug Liman. Después colaboró largamente con Steven
Soderbergh, realizando el montaje de sus filmes Ocean’s Eleven, Ocean’s Twelve y Ocean’s Thirteen,
así como The Informant, Contagio y Traffic, por la que Mirrione ganó el Premio de la Academia.
En 2007, Mirrione obtuvo su segunda nominación al Premio de la Academia por su trabajo en
el drama dirigido por Alejandro G. Iñárritu Babel, que le valió a Mirrione un premio Eddie y el premio
Vulcano al mejor artista técnico en el Festival de Cine de Cannes de 2006. Otros trabajos suyos para
Iñárritu son Biutiful y 21 gramos.
Mirrione inició otra notable colaboración en 2005, trabajando con George Clooney en el drama
nominado al Premio de la Academia Good Night, And Good Luck, película por la que fue nominado a
un BAFTA y a un premio Eddie. Ha realizado el montaje de todas las películas que ha dirigido Clooney,
Confesiones de una mente peligrosa, Ella es el partido, Los idus de marzo y The Monuments Men.
Otros títulos de su filmografía son Agosto y Los juegos del hambre.
RYUICHI SAKAMOTO (Música Original) es compositor, músico, artista y también activista.
Desde pionero de la música electrónica con su primer grupo, Yellow Magic Orchestra, hasta sus
composiciones clásicas (incluyendo una ópera), más de treinta bandas sonoras y numerosos álbumes en
solitario y en colaboración, el amplio alcance de la obra musical de Sakamoto ha supuesto una
perdurable contribución a la música moderna.
El activismo en el que Sakamoto se halla implicado desde los años 90 está relacionado
fundamentalmente con temas sociales y abarca áreas tan diversas como la conservación medioambiental
y la paz en el mundo, y, además, desde 2005 ha empezado a trabajar activamente en el tema de la

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desnuclearización. Tras el 11-S, Sakamoto fue muy franco condenando la violencia estatal; y tras el 11
de marzo en Japón, se convirtió en una potente voz en apoyo de las víctimas del terremoto, el tsunami y
el accidente nuclear de Fukushima.
Unido siempre con fuertes lazos al mundo artístico, Sakamoto ha sido recientemente director
artístico de dos grandes festivales de arte en Japón: el programa del décimo aniversario del YCAM y el
Festival Internacional de Arte de Sapporo (SIAF2014).
En 2014, Sakamoto fue diagnosticado de cáncer de garganta. Tras tomarse un tiempo, poniendo
su foco en la recuperación de su salud, volvió a la música, primero, componiendo la banda sonora del
nuevo filme de Yoji Yamada, Nagasaki: Memories of my Son, y, a continuación, la nueva y épica
película de Alejandro González Iñárritu, El Renacido (The Revenant).
ALVA NOTO (Música Original) Carsten Nicolai es un artista y músico alemán establecido en
Berlín. Para sus trabajos musicales, utiliza el seudónimo de Alva Noto. Nacido en 1965 en Karl-MarxStadt, forma parte de una generación de artistas que trabaja intensamente el ámbito de transición que
hay entre música, arte y ciencia. Con una fuerte adherencia al reduccionismo, Carsten Nicolai dirige sus
experimentos sonoros al campo de la música electrónica, creando sus propios códigos de señales y
símbolos acústicos y visuales. Entre sus diversos proyectos musicales destacan sus notables
colaboraciones con Ryuichi Sakamoto. Durante más de diez años, ambos artistas trabajaron juntos,
grabaron cinco álbumes y dieron conciertos, viajando extensamente por Europa, Asia, Sudamérica y
Estados Unidos. Entre otros sitios, Nicolai, como Alva Noto, ha expuesto su obra en el Solomon R.
Guggenheim Museum de Nueva York, el Museo de Arte Moderno de San Francisco, el Centro
Pompidou de París y el Tate Modern de Londres.
Su obra musical tiene eco en su trabajo como artista visual. Carsten Nicolai busca superar la
separación de las percepciones sensoriales del hombre a través de fenómenos científicos como las
frecuencias de luz y sonido perceptibles por ojos y oídos. Sus instalaciones artísticas tienen una estética
minimalista y, por su elegancia y consistencia, resultan extraordinariamente fascinantes. Tras su
participación en importantes exposiciones internacionales como Documenta X y las ediciones 49 y 50
de la Bienal de Venecia, la obra de Nicolai ha sido mostrada en todo el mundo tanto en amplias
exposiciones individuales como colectivas.

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GLOSARIO
ARIKARA:
Los Arikara o Ree, quienes se autodenominan Sahnish, vivían históricamente en las
desembocaduras de los ríos Grand y Missouri, en lo que hoy se conoce como Dakota del Norte. Con
una compleja cultura ceremonial y una fructífera red comercial, sus intereses entraron finalmente en
conflicto con los de la Rocky Mountain Fur Company, dando inicio a lo que se dio en llamar la Guerra
Arikara.
ASHLEY HENRY:
Ashley Henry era el nombre de la compañía de pieles fundada por William Henry Ashley y
Andrew Henry, eventualmente denominada Rocky Mountain Fur Company. En la década de 1820,
Ashley Henry revolucionó el comercio de pieles al dejar a sus empleados en plena naturaleza durante
todo un año, lo que condujo a la creación del sistema “rendezvous”, mediante el cual los tramperos
establecían por su cuenta lugares de encuentro para vender sus mercancías.
PIELES DE CASTOR:
Las pieles de castor fueron objeto de una gigantesca demanda en los años 20 del siglo
XIX debido a las modas de sombreros entonces imperantes en Europa. Por aquel entonces, una
sola piel de castor podía llegar a venderse por 5 dólares, y un trampero podía cobrar hasta seis
animales al día. Antes de la decadencia de la peletería en la década de los 50 del mismo siglo por
la llegada de los sombreros de seda, la caza de castores había llevado a la especie hasta casi su
extinción.

CHINOOK:
Un viento cálido y seco que puede hacer cambiar bruscamente las condiciones climáticas en las
Montañas Rocosas.
CARGUERO (KEELBOAT):
Una importante herramienta de trabajo para el comercio por el río Missouri, los keelboats eran
barcos de carga diseñados para aguas profundas, en general, propulsados manualmente y, en ocasiones,
por el viento en sus velas.
PAWNEE:
Una de las tribus nativas americanas más importantes y poderosas de siglo XIX. Los Pawnee
acampaban tradicionalmente a orillas del río Missouri en tipis (tiendas indias) formando poblados
permanentes, donde se dedicaban a cultivar la tierra y a la caza.

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POSSIBLES BAG:
A principios del siglo XIX, la mayoría de los hombres de montaña llevaban dos tipos de alforja:
un morral de caza, para su equipamiento armamentístico, y la denominada “possibles bag”, para sus
artículos personales, llamada así porque se suponía que contenía cualquier cosa que “posiblemente”
pudieran necesitar.
RENACIDO:
Aquel que regresa de entre los muertos.

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