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Historia de la música

Música antigua
(hace 50 000 años-500 d. C.)
Música en la Prehistoria
Música en la Antigüedad

Período medieval y renacentista
(500-1600)
Música medieval
Música del Renacimiento

Período de la práctica común
(1600-1910)
Música del Barroco
Música del Clasicismo
Música del Romanticismo
Música del impresionismo

Período moderno y contemporáneo
(1910-presente)
Música modernista
Jazz
Música popular
Música académica contemporánea
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Historia de la música
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La historia de la música es el estudio de las diferentes tradiciones en la música y su
ordenación en el tiempo.
Dado que toda cultura conocida ha tenido alguna forma de manifestación musical, la
historia de la música abarca a todas las sociedades y épocas, y no se limita, como ha
venido siendo habitual a Occidente, donde se ha utilizado la expresión "historia de la
música" para referirse a la historia de la música europea y su evolución en el mundo
occidental.
La música de una cultura está estrechamente relacionada con otros aspectos de la cultura,
como la organizacióneconómica, el desarrollo técnico, la actitud de los compositores y su
relación con los oyentes, las ideas estéticas más generalizadas de cada comunidad y la
visión acerca de la función del arte en la sociedad, así como las variantes biográficas de
cada autor.
En su sentido más amplio, la música nace con el ser humano, y ya estaba presente, según
algunos estudios, mucho antes de la extensión del ser humano por el planeta, hace más
de 50 000 años.1 Es por tanto una manifestación cultural universal.

Índice
[ocultar]

1Música en la Prehistoria (50 000 a. C.-5000 a. C.)
o

1.1Orígenes de la música

2Mundo antiguo (5000 a. C.-476 d. C.)
o

2.1Antiguo Egipto y Mesopotamia

o

2.2Antigua Grecia

o

2.3Antigua Roma

o

2.4La música en la China Antigua: simbología y textura en la
música tradicional china

3Música de la Edad Media (476-1450)
o

3.1La música en la Iglesia católica primitiva

o

3.2El canto gregoriano

3.2.1Otros tipos de canto

3.2.1.1Véase también

4Música del Renacimiento (1450-1600)
o

4.1Escuela flamenca

o

4.2Música renacentista francesa

o

4.3Música renacentista italiana

o

4.4Música renacentista inglesa

o

4.5Música renacentista alemana

o

4.6Música renacentista española

5Música del período de la práctica común o "clásica" (1600-1900)
o

5.1Barroco (1600-1750)

5.1.1El bajo continuo

5.1.2El sistema tonal

o

5.2Barroco temprano (1600-1650)

o

5.3Barroco medio (1650-1700)

o

5.4Barroco tardío (1700-1750)

6Clasicismo (1750-1800)
o

6.1La orquesta y nuevas formas musicales

o

6.2Escuela de Mannheim

o

6.3Otras escuelas

o

6.4Clasicismo mediterráneo

7Romanticismo (1800-1860)
o

7.1El piano romántico

o

7.2Música programática

7.2.1El lied

o

7.3Sinfonía romántica

o

7.4Los nacionalismos (1850-1950)

7.4.1Rusia

7.4.2El Grupo de los Cinco

7.4.3Bohemia

7.4.4Escandinavia

7.4.5España

7.4.6Francia

8Impresionismo (1860-1910)

9Música moderna y contemporánea (1910-presente)
o

9.1Música modernista y contemporánea

9.1.1Futurismo

9.1.2Crisis de la tonalidad y atonalismo

9.1.3Primitivismo

9.1.4Microtonalismo

9.1.5Neoclasicismo

o

9.1.6Música electrónica y concreta

9.1.7Música aleatoria y vanguardismo radical

9.1.8Micropolifonía y masas sonoras

9.1.9Minimalismo

9.1.10Música cinematográfica

9.1.11Poliestilismo

9.1.12Espectralismo

9.1.13Nueva simplicidad

9.1.14Libre improvisación

9.1.15Nueva Complejidad

9.2Jazz

9.2.1Jazz de Nueva Orleans

9.2.2Dixieland

9.2.3El jazz de Chicago y New York

9.2.4La era del swing

9.2.5Bebop

9.2.6Cool jazz

9.2.7West Coast jazz

9.2.8Hard bop

9.2.9Soul jazz y Funky jazz

9.2.10Free jazz

9.2.11Post-bop

9.2.12Jazz rock y jazz fusión

9.2.13Jazz latino y jazz afrocubano

9.2.14Jazz flamenco y otras fusiones étnicas

9.2.15La crisis del jazz y el nuevo tradicionalismo

9.2.16El jazz contemporáneo

C.o 9. en Sumeria ya contaban con instrumentos de percusión y cuerda (lira y arpa). Los cantos cultos antiguos eran más bien lamentaciones sobre textos poéticos. actualmente se la relaciona con los rituales de apareamiento y con el trabajo colectivo.3Música popular  9. En el llamado arte prehistórico danza y canto se funden como símbolos de la vida mientras que quietud y silencio se conforman como símbolos de la muerte. troncos. se danzaba hasta el agotamiento. utensilios o el mismo cuerpo del hombre que podían producir sonidos.6Bibliografía o 9.1Historia o 9..) para producir sonidos. alrededor del fuego. En esta pintura rupestre varias mujeres danzan alrededor de un hombre desnudo. Hay constancia de que hacia el 3000 a. También aprendió a valerse de rudimentarios objetos (huesos.7Enlaces externos Música en la Prehistoria (50 000 a.4Notas o 9. y mientras que algunas interpretaciones tradicionales vinculaban su surgimiento a actividades intelectuales vinculadas al concepto de lo sobrenatural (haciéndola cumplir una función de finalidad supersticiosa. En la prehistoria aparece la música en los rituales de caza o de guerra y en las fiestas donde. Estos instrumentos podemos clasificarlos en: . mágica o religiosa). C.)[editar] Artículo principal: Música en la prehistoria Danza de Cogul (provincia de Lérida). Las manifestaciones musicales del hombre consisten en la exteriorización de sus sentimientos a través del sonido emanado de su propia voz y con el fin de distinguirlo del habla que utiliza para comunicarse con otros seres. Los ritos asociados con danzas y ritmos repetitivos eran habituales en casi todas las culturas prehistóricas.5Referencias o 9. El hombre primitivo encontraba música en la naturaleza y en su propia voz. conchas. Los primeros instrumentos fueron objetos. C.-5000 a.2 Para el hombre primitivo había dos señales que evidenciaban la separación entre vida y muerte: el movimiento y el sonido. La música está basada principalmente en ritmos y movimientos que imitan a los animales.3. Se ha demostrado la íntima relación entre la especie humana y la música. Los ritos de vida y muerte se desarrollan en esta doble clave.. cañas.

en un principio construida con un hueso con agujeros. Era habitual encontrar a un músico tocando unasiringa o similar. C. C. sobre una nuez de coco. dada su importante posición estratégica. Los griegos daban mucha importancia al valor educativo y moral de la música. Ancient Oriental Museum de Tokio. En Mesopotamia los músicos eran considerados personas de gran prestigio. Este pueblo contó con instrumentario rico y variado.-476 d. En el Imperio Nuevo utilizaban ya la escala de siete sonidos. Son instrumentos de percusión. el arpa. b) Membranófonos: serie de instrumentos más sencillos que los construidos por el hombre. Uno de los primeros instrumentos es la flauta. Por ello está muy relacionada con el poema épico. se entiende como la creación de sonidos complejos. Culturas como la mesopotámica. Tambores: hechos con una membrana tirante. Los . C. Aparecen los bardos o aedos que. d) Aerófonos: el sonido se origina en ellos por vibraciones de una columna de aire. Orígenes de la música[editar] Es difícil precisar con exactitud el origen de la música y enmarcarlo en una época precisa de la historia. por ejemplo. algunos de los más representativos son el arpa como instrumento de cuerdas y el oboe doble como instrumento de viento. hueso contra piedra. Este bajorrelieve procede de la cultura indogriega. En la Antigua Grecia. etrusca. vagan de pueblo en pueblo mendigando y guardando memoria oral de la historia de Grecia y sus leyendas. Mundo antiguo (5000 a. acompañaban al monarca no solo en los actos de culto. Antigua Grecia[editar] Escena de un banquete hacia el siglo II a. acompañados de una lira. La expresión musical de Mesopotamia es considerada origen de la cultura musical occidental. sino también en las suntuosas ceremonias de palacio y en las guerras. El origen de la música. la música se vio influida por todas las civilizaciones que la rodeaban. c) Cordófonos: son aquellos de cuerda.a) Autófonos: aquellos que producen sonidos por medio de la materia con la que están construidos. egipcia o incluso las indoeuropeas fueron de importante influencia tanto en sus músicas como en sus instrumentos musicales.)[editar] Artículo principal: Música en la Antigüedad Antiguo Egipto y Mesopotamia[editar] La música en Egipto poseía avanzados conocimientos que eran reservados para los sacerdotes. por ejemplo. Fue entonces cuando se relacionó la música estrechamente con la filosofía. El arpa es uno de los instrumentos más apreciados en Mesopotamia. un recipiente cualquiera o una verdadera y auténtica caja de resonancia.

el aulós. Habitualmente se utilizaba la música en las grandes fiestas. un instrumento parecido a la flauta. Antigua Roma[editar] Euterpe con una flauta. Surgen asimismo dramas. el sistro y las castañuelas. En los teatros romanos o anfiteatros se representaban comedias al estilo griego. A estos nuevos artistas se les denominó histriones que significa bailarines en etrusco. añadiendo vertientes humorísticas y distendidas a sus actuaciones. A partir de la fundación de Roma sucede un hito musical. el címbalo. La tragedia tuvo trascendencia siendo su máximo cultivador Séneca. actual España. la música y la poesía. acompañados de danzas. Los autores más famosos fueron entre otros Plauto yTerencio. aunque ambas culturas se fundieron. Estos músicos vivían de una manera bohemia. Pitágoras la considera «una medicina para el alma». Los romanos intentan imitar estos artes y añaden el elemento de la música vocal. y el aulós. el crótalo. Roma conquistó Grecia. en París. La música en la China Antigua: simbología y textura en la música tradicional china[editar] Artículo principal: Cultura de China . por su creación mitológica que involucra a Pan y Siringa). y Aristóteles la utiliza para llegar a la catarsis emocional. Eran muy valorados los músicos virtuosos o famosos. variando en ocasiones su estética. La música tenía un papel trascendental en estas obras teatrales. cantos dirigidos a Dionisos. Museo del Louvre. Los principales instrumentos utilizados en Grecia fueron la lira. Ninguna música de este estilo ha llegado hasta nosotros salvo un pequeño fragmento de una comedia de Terencio. Roma no aportó nada a la música griega. tragedias y comedias de una manera combinada pero sin perder la danza. Fueron relevantes las aportaciones de Siria. varios tipos de tambores como por ejemplo el tympanon (siempre en manos de mujeres). Estos eran unos actores de origen etrusco que bailaban al ritmo de latibia (una especie de aulós). pero la cultura de ésta era muy importante y. Egipto y las que provenían de la Península Ibérica.Sarcófago de lasmusas. rodeados siempre de fiestas. Eran habituales los certámenes y competiciones en esta disciplina. Eso sí. evolucionó a la manera romana. Vuelven a aparecer antiguos estilos como lacitarodia (versos con cítara) y la citarística (cítara sola virtuosa).sabios de la época resaltan el valor cultural de la música. llega la inmigración que enriquece considerablemente la cultura romana. la siringa (también llamada flauta de Pan. los ludiones. Posteriormente aparece en Atenas el ditirambo. Cuando el imperio romano se consolida. la cítara.

por ejemplo. por cierto. con la cual se alcanza la octava. Si otorgamos el número ochenta y uno al huang-chung y le aplicamos el principio cíclico (2/34/3) al llegar al sexto lu comienzan números con fracciones. Desde los tiempos más antiguos. es decir.. .888-etc. legendaria y misteriosa de una de las filosofías más antiguas del mundo. llegaron a la escala de los 12 lu.Representación de los instrumentos tradicionalmente utilizados en la música tradicional china. Todas las dinastías le dedican un apartado especial. dado que la relación doble corresponde a la octava. y cada vez se hacen más complicadas las ecuaciones a realizar: 81-54-72-48-64-42. una escala dodecafónica de temperamento desigual. por más precauciones que se adopten. Aún hoy la música China está impregnada de la tradición secular.666-56. Pero este do5 también se puede obtener soplando normalmente en otro tubo que mida dos tercios de la longitud del primero. se duplica su longitud y se obtiene sol4. en China la música era tenida en máxima consideración. Trabajando así. Pero los teóricos chinos se dieron cuenta de que podían obtener ese mismo sol4. Si soplamos con fuerza en un tubo cerrado. Al cortarse un tercer tubo. correspondiente. las fracciones se hacen cada vez más complicadas e irreductibles a números enteros. Representación de una cadencia típica en la música china. es decir do5. que mida dos tercios de do5 se obtendrá una quinta justa superior a do5. La explicación acústica que sustenta este sistema musical es el de la quinta soplada. sol5. meros lu para su escala usual. No la octava justa. ya que la razón 1:2 nunca equivale a la ecuación 12 2/3. y siempre sucesivamente con las relaciones dos tercios y cuatro tercios. a fa4 se obtendrá una quinta justa superior. El peligro de esta escala cíclica es que. Obtuvieron entonces. cortando un tubo que midiera cuatro tercios de do5. Como este sonido está muy alejado de huang-chung.

es decir. los teóricos chinos trataron de archivar las quintas para alcanzar la octava. C. Este nuevo espíritu de libertad impulsó a los primeroscristianos a alabar a Dios por medio de cánticos. el tubo femenino es la madre y el masculino el hijo. La música en la Iglesia católica primitiva [editar] Artículo principal: Rito litúrgico católico Constantino otorgó libertad de culto a los cristianos en Roma con el Edicto de Milán hacia el año 325 d. . el masculino. pentatónica anhemitonal (sin semitonos). C. XI y XII) y alcanzó su máxima expresión con la música de los menestrelli. la polifonía alcanzó un alto grado de sistematización y experimentó una gran transformación en el siglo XIV con el llamado Ars Nova. La evolución de las formas musicales apegadas al culto se resolvió a finales del siglo VI en el llamado canto gregoriano. trovadores ytroveros.Sistema tonal chino tradicional. En el siglo IV a. Los cinco primeros sonidos del ciclo de quintas constituyen la escala usual básica. pero solo en el año 1596 el príncipe Tsai-Yu propone afinar los tubos según un principio equivalente al temperamento igual. que constituyó la base de la que se sirvió el humanismo para el proceso que culminó en la música del Renacimiento. intentaron el temperamento igual. buscando una nueva identidad no deseaban utilizar los estilos musicales predominantes paganos de la Roma de aquella época. juglares. Cada vez que un tubo femenino produce uno masculino. Música de la Edad Media (476-1450)[editar] Artículo principal: Edad Media Artículo principal: Música medieval Artículo principal: Música de la Edad Media de España Artículo principal: Compositores medievales Los orígenes de la música medieval se confunden con los últimos desarrollos de la música del periodo tardío romano. La música monódicaprofana comenzó con las llamadas canciones de goliardos (ss. junto a los minnesinger alemanes. es esposo y el femenino esposa. Cada vez que un tubo masculino produce uno femenino. Estos cristianos primigenios. Con la aparición en el siglo XIII de la escuela de NôtreDame de París.

el ámbito de su interpretación es reducido a pocas personas. Las principales características generales de este estilo musical son las siguientes: normalmente son obras de autor desconocido.  Canto hispánico o mozárabe propio de la liturgia del mismo nombre: canto mantenido en las regiones de AlÁndalus. El canto gregoriano[editar] Artículo principal: Canto gregoriano El canto gregoriano es un canto litúrgico de la Iglesia católica. Cabe recordar que la música en Grecia se encuentra más relacionada con Asia que con Europa. si son de tracto solista o congregatorio. uno de los cuales canta una estrofa y el otro le responde. tiene forma de diálogo oratorio de rezos y por ello son cantos austeros.Para unificar los criterios musicales cristianos. Otros tipos de canto[editar]  Canto ambrosiano propio de la liturgia ambrosiana o milanesa: canto de finales del siglo IV. monódicas cantadas a capella sin ornamentos instrumentales.. Los Salmos son cantos litúrgicos contenidos en el Antiguo testamento dentro del Libro de los salmos. encontramos una interesante referencia de su música: «. es sustituido por el canto gregoriano. San Pedro introdujo melodías orientales. Debido a las frecuentes amenazas contra el Imperio romano por parte de las tribus bárbaras existió una gran agitación que provocó una dispersión de las melodías y la alteración de las mismas en cada región. Son estas formas de música de origen oriental y basadas en una melodía cantada solo con la voz humana y sin acompañamiento instrumental de ningún tipo. introdujo en Antioquía cánticos en forma de antífona. para alabar a Cristo como si de un dios se tratase. el ritmo es libre. con un canto alterno». y se puede cantar con la participación de dos coros o de un solista y la congregación. obispo de Milán.. En 1076. son cantadas solo por hombres. como fue la ciudad de Toledo. que crean el himno e influye en el canto gregoriano que será el nuevo canto oficial. ellos son de origen hebreo y los himnosson canciones de alabanza de tradición helénica. Sevilla. los centros serán Córdoba. Es utilizado como expresión y mensaje dentro del culto y asimismo como medio de expresión religiosa. según el incipit literario pueden ser himnos. El canto alterno es aquel que se desarrolla entre dos coros. San Ambrosio. según el modelo de interpretación. antifonal (alternación de dos coros). cánticos de alabanza. En la liturgia católica se le conoce comoantífona. Compuso a la vez himnos.  Galicano: canto propio de la Iglesia franca que fue sustituido por la liturgia romana. las que dieron forma a la música desde entonces y hasta principios del segundo milenio. En un documento escrito por Plinio el Joven con la intención de informar al emperador Trajano acerca de las costumbres de los cristianos. . Estos cantos monódicos pueden clasificarse según: el momento de la liturgia o del día en el que son interpretadas. la melodía se mueve grados conjuntos y los llamados ocho modos gregorianos.. Toledoy Zaragoza. salmos. etc. Sus himnos junto con otros ya existentes pronto se propagaron por toda Italia. menos en aquellas ciudades que solicitaban una dispensa para mantener su propio canto. responsorios de solista y coro o de estilo coral directo.ellos (los cristianos) tenían la costumbre de reunirse en un día específico al alba. son obras escritas en latín culto.

además. parloteo de mujeres y el ir y venir de la gente de los mercados. música de tipo cordal que desembocará en el madrigal. El canto de la reforma religiosa se aplica a melodías de canciones populares y se utiliza para el servicio religiosos en donde intervenían grandes grupos de personas. silábicamente musicalizada a cuatro voces. y una inspiración cuasi-divina. Música renacentista francesa[editar] La chanson. Escribió una de las canciones populares llamada L'Ahutte. cuadros de batalla. Los músicos de Flandes pronto se distinguieron por una técnica de contrapunto excelsa. Italia reemplazó a los Países Bajos como centro de la vida musical europea. se distinguió por tener realismo expresivo. Con su estilo cautivó a más de uno. describe la naturaleza y resalta la expresión del texto. que era un tipo de canción estrófica. apareció en la escena musical un gran personaje. En menos de un siglo. Existían dos tipos de formas musicales:  la fróttola. con esquemas .Véase también[editar]  Liturgia católica  Secuencia (liturgia)  Misa (música)  Canto mozárabe Música del Renacimiento (1450-1600)[editar] Artículo principal: Música renacentista Artículo principal: Compositores del Renacimiento Escuela flamenca[editar] Es en la región flamenca (en los Países Bajos) donde. por su desarrollo económico. Ya para finales de siglo XV. Lo describe como si quisiera pintarlos en un fresco para mostrar en la vida común. Se dice que Des Pres escribía tan solo cuando le daba la gana: algo raro en su época y el comienzo de una gran libertad para los compositores. la polifonía recibió un mayor impulso y alcanzó su máximo esplendor entre los siglos XV y XVI. Música renacentista italiana[editar] La música italiana se vio condicionada por el papel que ocuparon los compositores flamencos como: Adrián Willaert y sus discípulos que trasplantaron el estilo polifónico holandés. Clement Janequín y Claude Le Jeune (1528-1600). uno de sus exponentes es Clement Janequin. Donde había polifonía se podía encontrar a un músico flamenco. mostró gran maestría en el manejo delcontrapunto e hizo uso del semitono. En él destacan Pierre Attaignant. En poco tiempo. Las peculiaridades de estos compositores son el enorme brillo y fuerza rítmica que dan a su música un carácter enormemente extrovertido. potenciado gracias a la edificación de enormes catedrales en donde fue creada una gran cantidad de schola cantorum. esto se vio reflejado en una mayor influencia por parte de los músicos flamencos en todos o casi todos los centros musicales de Europa. de quien se dice salvó a la música polifónica de los designios del santo padre:Josquin Des Pres. Aunque de nacionalidad francesa. Esto se vio. Juan Calvino utilizó ese canto masivo al unísono y lo armonizó a cuatro voces. Esta melodía describe escenas de cacería. vivió desde muy joven en Italia.

Se considera que nació en Italia y alcanzó su máximo esplendor en Alemania durante el barroco tardío. Alemania vivía la guerra de los 30 años. Gaspar Sanz y el madrigalista Juan del Encina. quien desempeñó un papel crucial en la música de clave. Música renacentista inglesa[editar] En la música del renacimiento inglés. Música renacentista española[editar] Como en las letras. cantata. Música renacentista alemana[editar] Durante el siglo XVII. el estrambotto. o con instrumentos que tocaban las tres voces superiores. compositor de espléndidas y reconocidas melodías para laúd. el capitolo. expresividad. el Sacro Imperio Germánico a cargo del Emperador Felipe II y de su hermano Fernando I. oratorio. . siendo reemplazada por el clasicismo hacia 1750-1760. armonías diatónicas y un estilo homófono con la melodía en la voz superior. bajo cifrado y bajo continuo. Tiene varios subtipos como la barzelleta. Johann Pachelbel y Heinrich Schütz. se destaca el compositor William Byrd.rítmicos marcados. llamada música. los compositores Luis de Narváez. por tanto las artes en Alemania sufrían una fuerte represión por parte del clero antes y durante la guerra. el cancionero Al-Ándalus. fértiles. Música del período de la práctica común o "clásica" (16001900)[editar] Barroco (1600-1750)[editar] Artículo principal: Corriente musical del periodo barroco Artículo principal: Músicos barrocos La música barroca es el periodo musical que domina a Europa durante todo el siglo XVII y primera mitad del siguiente. Destacan las obras de los compositores Tomás Luis de Victoria. así tenemos: cromatismo. ópera. contrapartida religiosa de la fróttola. En este período se desarrollaron nuevas formas y se operaron grandes avances técnicos tanto en la composición como en el virtuosismo. el siglo XVI es también el Siglo de Oro de la música española. Cristóbal de Morales y Francisco Guerrero. entre otros. Es uno de los periodos más ricos. uno de los primeros en componer en alemán fueron los organistas Johann Sebastian Bach y Diderik Buxtehude.  la lauda. Sus textos eran amatorios y satíricos. música de la corte de los Reyes Católicos (Isabel I de Castilla y Fernando II de Aragón). y las artes florecieron en Alemania. los libros en cifras para vihuela de Alonso Mudarra. Entre las obras más importantes del renacimiento se destacan: el Cancionero de palacio. se cantaba en reuniones religiosas semipúblicas a capella. fuga y la sinfonía. sin embargo se dio la paz de Westfalia. suite. etc. entre los primeros compositores en destacarse están Esaías Reusner. enfrentaba una guerra contra el protestantismo en Alemania. con la melodía en la voz superior. tocata. creativos y revolucionarios de la historia de la música. no era permitido componer en alemán. aunque estos no escribieron la música religiosa en alemán. por la intervención del cardenal Richelieu en la guerra. Era en su mayor parte silábica y homófona. otro compositor de alta relevancia es John Dowland. sonata. Sus principales compositores fueron italianos. Se solía ejecutar cantando la voz superior y tocar las otra tres voces a modo de acompañamiento. intensidad.

Se conservan solo tres "Orfeo" (1607). La ejecución del continuo requiere dos instrumentistas: un instrumento melódico grave (viola. quien desenvuelve improvisadamente las armonías. La sprezzatura italiana. Participó intensamente en el desarrollo de la ópera veneciana. Senesino.  Jan Pieterszoon Sweelinck (1562-1621). los géneros. de acuerdo con las cifras del bajo cifrado. y el concerto grosso deArcangelo Corelli. uno de los primeros en desarrollar los recursos barrocos. Ejemplos de esta época son los doce conciertos de Pietro Locatelli. se definió una armonía musical compuesta por siete asuntos distintos: las notas. contrabajo. gamba. lo bello con lo monstruoso. de lo excelso a lo sublime. El violino italiano. "El regreso de Ulises" y la "coronación de Popea" (1624). Compuso gran cantidad de música religiosa y más de 250 madrigales. la moral y el decaimiento contra el esplendor supremo de la sociedad de la Italia barroca (Caffarelli. Monteverdi sobresalió por su libertad creadora en el uso de las formas. clavecín. violoncelo. el madrigal y la música religiosa. Carestini) inmortalizados por una voz que trascendía el concepto de «perfección».El bajo continuo[editar] También llamado bajo cifrado. los sistemas de escala. a la invención del continuista. El theatrum mundi italiano vivía bajo el precepto de «delectare et movere» (‘deleitar y emocionar’). la modulación y la composición de melodías.) que ejecuta las notas del bajo y un instrumento armónico (laud. Como técnica de composición permitía al compositor trazar tan solo el contorno de la melodía y el bajo cifrado. Gran parte de sus óperas se han perdido. El sistema tonal[editar] El sistema tonal fue una evolución desde los últimos maestros de la música medieval hasta su máximo esplendor desde Bach a los últimos compositores tonales del posromanticismo. el regocijo de lo religioso se disputaba entre lo humano y lo divino en el campo de batalla que era el Barroco. designa el sistema de acompañamiento ideado a comienzos del período barroco.  Claudio Monteverdi (1567-1643) fue un importantísimo compositor italiano. una puesta en escena del manierismo barroco. los tonos. que incluso a algunos llevó a la locura. El concerto grosso italiano y la orquesta italiana fueron el prototipo de composición y de ejecución a seguir por toda Europa occidental. XVII y principios del XVIII estaba viviendo su apogeo y además estaba en búsqueda del máximo esplendor artístico. Dominó tanto los nuevos estilos de comienzos del siglo XVII. . daba paso a lo que sería el más grande espectáculo de la voz humana: la ópera. dejando las voces medias. lo hermoso extravagante y a la vez lo grotesco. fagot. como los más avanzados recursos de la polifonía franco-flamenca. era un vehículo más para el virtuosismo del ejecutante que del compositor. eran el Barroco humano. órgano) a cargo del continuista. estilos y texturas antiguas y nuevas. los intervalos. etc. que únicamente indicaba pautas que los intérpretes tomaban con gran libertad. lo confuso o manierista. Barroco temprano (1600-1650)[editar] La música en Italia durante los siglos XVI. todo ello de conforme al estilo y las necesidades expresivas del texto musical. Los castrati juegan un rol preponderante durante el Barroco italiano. del poder expresivo de la armonía y las disonancias y del poder caracterizador de los instrumentos de la orquesta. los que aplicó extensamente a la ópera. en la forma de acordes arpegios u otras figuraciones. y es además un sistema estenográfico o taquigráfico de escritura musical. En sus comienzos. o sea el relleno armónico.

compositor y violinista italiano. aunque Handel se marcha a Italia en 1706 para no volver jamás y asentándose en Inglaterra en 1713 hasta su muerte. Fue uno de los creadores de la forma llamada concerto grosso. Girolamo Frescobaldi (1583-1643). .  Johann Pachelbel (1653-1706). uno de los primeros grandes impulsores de la escuela italiana del violín y de la música instrumental en Italia. cuando mueren los últimos grandes exponentes de la época barroca: Antonio Vivaldi.Jean Philippe Rameau. Compuso también Sonatas tanto de cámara como de iglesia. al contrario de otras ramas del arte. Barroco medio (1650-1700)[editar]  Jean Baptiste Lully (1632-1687). Georg Philipp Telemann. Barroco tardío (1700-1750)[editar] Bach es uno de los compositores más importantes de la música universal y la cima de la era barroca. Doménico Scarlatti y Georg Friedrich Handel.  Heinrich Schütz (1585-1672). convirtiéndose el mayor exponente de la escuela inglesa. Corelli fue uno de los primeros compositores que aplicó sistemáticamente los procedimientos derivados del Sistema tonal. Rameau y Couperin en Francia y Scarlatti en España. Aunque algunos de ellos no solo se apegan a su escuela nacional y hacen una síntesis y resumen de todas las escuelas como es el caso de Bach.  Dietrich Buxtehude (1637-1707). Johann Sebastian Bach. todos nacidos en Alemania.  Henry Purcell (1659-1695). El barroco en la música. pervive un poco más en el tiempo y se extiende hasta la década de los 50 y 60 del siglo XVIII.  Arcangelo Corelli (1653-1713). La última generación importante nacen todos entre 1668 y 1685 donde muchos de ellos representan el cenit nacional y de la era en el país donde vivieron: Vivaldi en Italia. Bach y Telemann en Alemania. Handel y Telemann.  Alessandro Scarlatti (1660-1725). Handel en Inglaterra.

Sus obras son la cumbre del Barroco francés. que durara hasta principios del siglo XX. especialmente por Bach. Jean Philippe Rameaues el más importante teórico musical del siglo XVIII y junto con Bach estableció el sistema tonal que perduraría hasta el siglo XX. cuando el mundo musical germánico se convierte en la patria musical de primer orden. de forma más notable en Alemania y sobre todo en Bach. la música adquiere y avanza a un nueva dimensión sin romper el estilo barroco en todos los ámbitos. En el mismo año del primer libro. hasta la forma de escuchar la música pasando por los instrumentos e instrumentación. que comienza hacia 1700-1710 cuando esta generación empieza a ser activa en el mundo musical de la época. El barroco musical adquiere aquí una espléndida madurez. se utilizara de referencia hasta principios del siglo XX. pero la homofonía adquiere cada vez más auge e importancia. algunos de ellos como Bach o Handel. . desde Bach hasta Schonberg y la segunda escuela de Viena. las dos grandes figuras dominantes de este periodo. dominándolos con gran maestría. que aunque este tratado es imperfecto. de Bach. pero con pequeñas novedades que serán precedentes importantes y abrirán un camino de algunos de los géneros más queridos del clasicismo vienés de la segunda mitad de ese siglo: El concierto para teclado y la sonata con acompañamiento sin bajo continuo. conviviendo las dos técnicas durante algunas décadas de forma a la par durante esta generación de compositores. el clave bien temperado BWV 846-893. desde los géneros y formas. de forma simultánea aunque independiente. Las formas musicales del barroco tardío son prácticamente las mismas del periodo anterior. apogeo y una gran refinación inédita en las dos etapas anteriores que culminará especialmente en la obra de Bach y Handel. se publicara también el primer gran tratado del sistema tonal: "Tratado de armonía reducida a sus principios naturales" de Jean Philippe Rameau. En esta última etapa del barroco. 1722.Es con esta generación alemana. siendo una demostración del sistema tonal que estará vigente hasta principios del siglo XX. Uno de los hitos más importantes del último estilo del Barroco es el definitivo asentamiento de la tonalidad en la música occidental con una de las obras más importantes de la música universal. La técnica de la polifonía y el contrapunto aún tiene una especial importancia en esta época. superando Italia y desplazando en ser la máxima potencia musical. una colección en dos libros publicados en 1722 y 1744 que se compone de 24 preludios y fugas cada libro en los tonos del sistema tonal.

Handel es una gran figura del último Barroco. Sus óperas son la máxima expresión del género en esa era. Ocupa la segunda mitad del siglo XVIII. con apenas contrapunto. En cuanto a instrumentos. extinguiéndose prácticamente entre 1741 y 1767. La nueva generación ilustrada. nacida a partir de 1700. es rechazado por las generaciones posteriores a los últimos grandes exponentes del Barroco. el compositor más importante del género en el siglo XVIII. Handel. por árida y antigua. en boga desde 1730. que llevaba ya mucho tiempo como el estilo dominador de la música occidental. con la muerte de Vivaldi. donde con Bach alcanza su más alta expresión en toda la historia. El órgano seguirá teniendo un peso importante en Alemania. Rameau y Telemann. Conforme pasa el tiempo el estilo Barroco. recargada. la rechazara por complicada. Wolfgang Amadeus Mozart y Ludwig van Beethoven son tres de sus representantes más destacados Artículo principal: Música del clasicismo La orquesta y nuevas formas musicales[editar] . Clasicismo (1750-1800)[editar] Franz Joseph Haydn Es el estilo caracterizado por la transición de la música barroca hacia una música equilibrada entre estructura y melodía. se hacen varios cambios y algunos instrumentos de etapas precedentes no aguantan hasta el final del barroco y caen en desuso mucho antes. Rameau. el laud y la viola la gamba. Handel. y el estilo quedara apegado a partir de 1730 a las generaciones más viejas del momento. siendo conjuntamente con Mozart. Bach. Franz Joseph Haydn. aunque estará en boga hasta 1770. como el violín. El clave seguirá omnipresente en toda la música de este periodo culminando su larga trayectoria de los siglos anteriores en las obras de Bach. que practicaran un estilo más sencillo. la guitarra o el violonchelo. por abusar del contrapunto. en general remplazados por otros más nuevos que en esta época alcanzan un gran auge técnico y de prestigio. y Scarlatti. el estilo Galante.

conocido violinista y compositor que trabajaba en la orquesta de la corte del arzobispo de Salzburgo. claro y equilibrado. donde tuvo a su disposición una de las mejores orquestas de Europa. Desde pequeño fue niño prodigio y un genio musical. compositor austriaco. En 1755 trabajó para el barón Karl Josef von Fürnberg. su padre. aunque sin huir la intensidad emocional. compositor austriaco del periodo clásico. entre muchos otros géneros musicales. trabajó al servicio de los príncipes Esterhazy ―primero Paul Anton y luego Nikolaus―. sus conciertos para piano y sus óperas. Se caracterizaba por su estilo sencillo. En su enorme producción musical (más de 600 obras. Uno de los más grandes e influyentes en la historia de la música occidental. una de las figuras más influyentes en el desarrollo de la música del clasicismo (c. a pesar de su corta vida) destacan. debido a que en sus borradores casi no se detectaba error alguno. Desde 1761 hasta su muerte.Wolfgang Amadeus Mozart Ludwig van Beethoven  Carl Philipp Emanuel Bach  Franz Joseph Haydn (1732-1809). En 1759 fue nombrado director musical del conde Fernando Maximilian von Morzin. Se dice que era el compositor perfecto. . época en que compuso sus primeros cuartetos para cuerda. Estudió con Leopold Mozart.  Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791). 1750-1820).

la escuela de Mannheim. Beethoven ha sido reconocido tanto por sus principios clásicos como por su libertad de expresión. Beethoven marchó a Viena en el año 1792 para estudiar con el compositor austriaco Joseph Haydn. Otras escuelas[editar] La Escuela de Viena. En esta ciudad comienza a desarrollarse esta escuela orquestal. considerado uno de los más grandes de la cultura occidental. Como representante está Carl Philipp Emmanuel Bach. La importancia de esta escuela radica en que fue el primer lugar en donde se inicia la técnica del desarrollo. sin lugar a dudas. Sus primeros brotes de talento musical fueron dirigidos de forma tiránica por la disciplina de su padre. La escuela de Berlín. Ludwig van Beethoven (1770-1827). Se formó en un ambiente propicio para el desarrollo de sus facultades aunque excesivamente rígido. Tuvo como representantes aFlorian Leopold Gassmann. Además dividió la orquesta en dos partes iguales que dialogan entre sí. Clasicismo mediterráneo[editar]  Luigi Boccherini  Ferran Sors  Antonio Soler Romanticismo (1800-1860)[editar] . A partir de 1740 se establece una orquesta reconocida como la mejor de la época donde acudieron los músicos más sobresalientes de Europa. Esta escuela contribuyó a fijar las formas clásicas y a explorar y desarrollar los efectos orquestales que hasta entonces se habían limitado a las oberturas de las óperas. Sus primeras obras bajo la tutela del compositor alemán Christian Gottlob Neefe. liderados por el compositor Johann Stamitz y sobre cuyo modelo y composición se establecerían todas las orquestas clásicas del período. compositor alemán. y se pensó en la posibilidad de que se fuera a Viena para estudiar con Wolfgang Amadeus Mozart. mostraban ya una gran inteligencia. Georg Monn y Georg Christoph Wagenseil. Escuela de Mannheim[editar] La escuela más importante durante el primer clasicismo fue. especialmente la cantata fúnebre por la muerte del emperador José II. por lo que se lo sitúa como el último de los clásicos y el primero de los románticos. La particularidad de esta escuela es el uso de temas de carácter contrastante. En 1789 Beethoven comenzó a trabajar como músico de la corte para mantener a su familia. que era tenor en la capilla de la corte. Aunque la muerte de Mozart en 1791 hizo que estos planes no pudieran realizarse.

 Félix Mendelssohn (1809-1847). religiosa y numerosas óperas. cuyos lieds (canciones para voz solista y piano basadas en poemas alemanes) están entre las obras maestras de este género. música sinfónica. gran incomprendido en su tiempo. Compuso la obertura Sueño de una noche de verano cuando tenía 17 años y la obra que contiene la famosa Marcha nupcial 17 años después. Escribió obras para piano. A Mendelssohn se le atribuye el haber redescubierto la obra de Johann Sebastián Bach. compositor austriaco. al estrenar en 1829 su Pasión según San Mateo.Frederic Chopin fue el pianista más característico del período y uno de los más importantes compositores del instrumento Richard Wagner fue el compositor que llevó a su apogeo el género de la ópera Artículo principal: Romanticismo Artículo principal: Música del Romanticismo El piano romántico[editar]  Franz Schubert (1797-1828). A los 9 años debutó como pianista y a los 11 años interpretó su primera composición. compositor alemán. Tuvo como profesores al compositor y pianista checo Ignaz Moscheles y al compositor alemán Carl Friedrich Zelter. y cuyos trabajos instrumentales son un puente entre el clasicismo y el romanticismo del siglo XIX. una de las principales figuras de comienzos del romanticismo europeo del siglo XIX. .

la delicadeza. ya demostraba sus cualidades musicales. Frédéric Chopin (1810-1849). y tuvieron ocho hijos. el amor y la naturaleza. durante sus últimos años se acentuaron las depresiones. comenzó a estudiar piano a los cuatro años. intentos de suicidios y periodos de reclusión.  Robert Schumann (1810-1856).  Franz Liszt (1811-1886). pianista y profesor. aunque más tarde estudió armonía y contrapunto en el conservatorio de la capital polaca. La estructura general es A B A donde la primera y la última estrofa tienen la misma melodía. Consiste en la interpretación de un poema realizada por un cantante y piano. ante quienes tocaba en sus reuniones musicales. pero nunca regresó. y una revolucionaria técnica de ejecución. la famosa pianista Clara Josephine Schumann. Murió de tifus en un sanatorio. Aprendió la técnica del instrumento prácticamente de forma autodidacta. En 1853 inició una gira de conciertos como pianista acompañante del violinista húngaro Eduard Reményi. y su padre lo apoyó durante su formación procurándole un profesor de piano. El piano fue su instrumento por excelencia. compositor austro-húngaro. y esta amistad y el aliento que recibió de ellos le proporcionaron energías para trabajar sin descanso. y tuvo gran popularidad e influencia en los compositores de su época. Schumann se quedó tan sorprendido con las composiciones de Brahms. contrabajista del teatro de la ciudad. Música programática[editar] El lied[editar] El lied es la forma vocal menor del romanticismo más destacada. Brahms se especializó en el piano y comenzó a componer bajo la tutela del maestro alemán Eduard Marxsen.  Johannes Brahms (1833-1897). La dedicación a su carrera musical se vio truncada por la muerte de su padre. que escribió un apasionado artículo en una revista de la época sobre el joven compositor. aunque posteriormente reemprendería sus estudios. Finalmente. . Fue un brillante compositor y crítico musical. quien lo presentó al compositor alemán Robert Schumann. la facilidad melódica. A los 20 años de edad dejó su Polonia natal en un viaje de estudios. El creador del lied es Schubert. Robert se casó con Clara Wieck. cuyo conservador gusto musical dejó una profunda huella en él. obras aún no editadas. Brahms cobró un sincero afecto a Schumann y su mujer. Joseph Joachim. compositor alemán del Romanticismo. En 1839. Durante esta gira conoció al violinista. Desde niño. Después de estudiar violín y violonchelo con su padre. crisis. También fue precoz como compositor: su primera obra publicada data de 1817. Su obra se caracterizó por el intimismo. Desde muy joven mantuvo estrecha relación con las altas esferas sociales. también húngaro. sus principales temas eran la muerte. lo que le permitió descubrir a Johannes Brahms cuando era un joven de veinte años.

Piotr Ilich Chaikovski fue otro de los compositores rusos que usaban un tono y color brillantes. ofrecía una combinación de lo tradicional y lo exótico. Estas obras han sido programadas tan a menudo que se consideran entre las obras más famosas jamás construidas. Su sexta sinfonía Pathetique es muy conocida. El quinto y último miembro del grupo fue Nikolai Rimsky-Korsakov. También utiliza elementos de la iglesia rusa en su obertura Gran Pascua rusa e influencias de la música tradicional asturiana o andaluza en su Capricho español.Sinfonía romántica[editar] Los nacionalismos (1850-1950)[editar] Rusia[editar] El nacionalismo es una corriente iniciada en Rusia. El Grupo de los Cinco[editar] Artículo principal: Los Cinco (compositores) De este grupo de cinco. Una vez depurado su estilo de composición en relación con sus estudios posteriores. despertó una gran atención tanto en su país como en el extranjero. Entre sus trabajos encontramos dos obras para piano La noche en el Monte Calvo y Cuadros de una exposición. ambos poco conocidos. y realizó. Un tercero Aleksandr Borodin es más conocido por su composición En las estepas de Asia Central y por Bailes polovtsianos de su ópera Príncipe Ígor. mientras que su música orquestal. tan características en sus obras. Bohemia[editar]  Smetana (Mi patria)  Antonín Dvořák (Danzas eslavas. Sus obras más improtantes fueron la ópera El gallo de oro y su famosa suite orquestal Scheherezade. Sus operas rusas ofrecían una síntesis de composición occidental pero con melodía rusa. también la música de tres famosos ballets: El cascanueces. Obras como la obertura de Marcha eslava. La ópera de Dargomyzhski El convidado de piedra fue la piedra angular sobre la que se basó esta nueva escuela. Mikhail Glinka famoso por su ópera Una vida para el zar alentó a Aleksandr Dargomyzhski para ayudarle a convencer a un grupo de cinco compositores rusos a coordinar sus trabajos basados en la cultura rusa. Más tarde fueron conocidos como El Grupo de los Cinco. La Bella Durmiente y El lago de los cisnes. César Cui y Mili Balákirev. Glinka es comúnmente recordado como el fundador de la música nacionalista rusa. Escandinavia[editar] España[editar] . con una instrumentación excelente. solo dos eran músicos profesionales. que fundamentó su trabajo en obras dramáticas de fuerza rítmica y color orquestal. y Capricho italiano ubican definitivamente a Tchaikovsky dentro del nacionalismo. Sinfonía del Nuevo Mundo  Jan Sibelius (Finlandia)  Edvard Grieg (Peer Gynt). que posteriormente llamaron la atención a Maurice Ravel quien hizo sendos arreglos orquestales de ambas. Otro componente de este grupo fue Modest Mussorgski quien introduce ritmos del folclore ruso y escalas inusuales procedentes de la música de la iglesia ortodoxa.

En el Impresionismo musical se da mucha importancia a los timbres. con los que se consiguen diferentes efectos. que conseguía las imágenes mediante pequeñas pinceladas de color. Dos de los principales compositores de este movimiento son Claude Debussy y Maurice Ravel. Isaac Albéniz (Suite Iberia)  Enrique Granados (Goyescas).  Gabriel Fauré  Claude Debussy  Maurice Ravel  El Bolero de Ravel  Erik Satie  Isaac Albéniz  Suite española y Suite ibérica  Enrique Granados  Manuel de Falla  Joaquín Rodrigo . con la necesidad de los compositores de probar nuevas combinaciones de instrumentos para conseguir una mayor riqueza tímbrica.  Georges Bizet (Carmen. También se caracteriza porque los tiempos no son lineales sino que se ejecutan en sucesión de impresiones. L'Arlésienne) Francia[editar] Impresionismo (1860-1910)[editar] Claude Debussy fue el principal compositor de este movimiento El Impresionismo musical es un movimiento musical surgido a finales del siglo XIX y principios del XX sobre todo en la música francesa. Se relaciona de esta manera con el Impresionismo pictórico.

la tonalidad. El siglo XX estuvo marcado por dos grandes acontecimientos que fueron muy decisivos en la historia de la música occidental. El primero es el abandono de la tonalidad y la total ruptura de las formas y técnicas que se venían haciendo desde los principios de la era barroca a partir de 1910. Intentó enaltecer la vida contemporánea. el ritmo para hacer una música totalmente nueva y alejada del período de la práctica común de los últimos trescientos años. Música modernista. quien redacta el Manifiesto Futurista.  El Concierto de Aranjuez Jesús Guridi  El caserío. Jazz y Música popular. y marcaron el avance posterior que seguirá la música hasta llegar a nuestros días. la música occidental se vuelve muy experimental y los compositores se empeñan en hallar nuevos caminos tanto en las formas. Esta crisis se generó a partir del uso cada vez más frecuente de acordes ambiguos. Música moderna y contemporánea (1910presente)[editar] Artículos principales: Música del siglo XX. El efecto de la música popular y la industria musical que se desarrolla en torno a ella cambiarán drásticamente los hábitos musicales que estaban presentes desde la Edad Media. los colores. y lo publica el 20 de febrero de 1909 en el diario Le Figaro de París. El segundo gran fenómeno es el auge y masificación de un tipo de música que se desarrolló en las ciudades durante el siglo anterior en contacto con las dos grandes ramas en que se dividía hasta ese momento la música (la étnica y la académica): la música popular. . Los primeros antecedentes de la música europea sin un centro tonal se encuentran en Franz Liszt con su Bagatella sin tonalidad de 1885. Este tipo de música. y las inflexiones melódicas y rítmicas más inusuales posibles dentro de la música tonal. Este movimiento buscaba la ruptura con las tradiciones artísticas del pasado y los signos convencionales de la historia del arte. Crisis de la tonalidad y atonalismo[editar] Artículos principales: Atonalidad y Cromatismo (música). período que ya se hablaba de una "crisis de la tonalidad". Música académica contemporánea. los instrumentos. experimentará un gran desarrollo gracias a la posibilidad de grabar sonido mediante las nuevas tecnologías de principios del siglo XX (lo que dará lugar a la industria del disco) y la aparición de medios de comunicación de masas como la radio y el cine sonoro. Esta corriente artística fue fundada en Italia por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti. Música modernista y contemporánea[editar] Artículo principal: Música modernista Artículo principal: Música académica contemporánea Futurismo[editar] Artículo principal: Futurismo El futurismo fue uno de los movimientos iniciales de vanguardia en la Europa del Siglo XX. consumida por la creciente clase media urbana. Los principales compositores futuristas fueron los italianos Francesco Balilla Pratella y Luigi Russolo. en concordia con las otras rupturas totales de las otras ramas de las artes. inflexiones armónicas menos probables. esto por medio de dos temas principales: la máquina y el movimiento. A partir de ahí.

como punto de . y armonía politonal y atonal. total o parcialmente. al melodía. Carl Ruggles. los timbres y los ritmos. El músico estadounidense Charles Ives definía a los microtonos de manera humorística como “las notas entre las teclas del piano”. La música microtonal nunca tuvo demasiada aceptación y fue considerada en adelante casi exclusivamente por los músicos de Vanguardia. Dentro de la música los dos gigantes de este movimiento fueron el ruso Ígor Stravinsky y el húngaro Bela Bartok. Ígor Stravinsky yEdgard Varèse. escalas modales. Paul Hindemith. El primitivismo fue un movimiento de las artes que pretendía rescatar el folclor más arcaico de ciertas regiones con un lenguaje moderno. conocida como "atonalidad libre" o "cromatismo libre". el primitivismo incorporó además métricas y acentuacionesirregulares. Microtonalismo[editar] Artículo principal: Microtonalismo El microtonalismo es la música que utiliza microtonos (los intervalos musicales menores que un semitono). lo que fue su punto de partida para componer una gran cantidad de música microtonal. implicó un intento consciente de evitar la armonía diatónica tradicional. Similar al nacionalismo en su afán por rescatar lo local. pero mezclada con grandes disonancias atonales y ritmos sincopados. El mexicano Julián Carrillo (1875-1965) distingue dieciséis sonidos claramente diferentes entre los lanzamientos de G y A emitida por la cuarta cuerda de violín. escribieron música que se ha descrito. un mayor uso de la percusión y otros timbres.A principios del siglo XX compositores como Claude Debussy. Primitivismo[editar] Artículo principal: Primitivismo Ígor Stravinsky (1882-1971). Las obras más importantes de este periodo son la ópera Wozzeck (1917-1922) de Alban Berg y Pierrot Lunaire (1912) de Arnold Schönberg. Aleksandr Skriabin. == Neoclasicismo[editar] Artículo principal: Neoclasicismo El neoclasicismo en música refiere al movimiento del siglo XX que retomó una práctica común de tradición en cuanto a la armonía. Béla Bartók. La primera fase del atonalismo (antecesora del dodecafonismo). la forma. como atonal. aunque la obra de ambos sobrepasa con creces la denominación "primitivista". su obra La consagración de la primavera es considerada la obra más importante del siglo XX. Algunos otros autores emplearon también esta técnica. Serguéi Prokófiev.

la música electrónica en vivo. Pronto atrajo un gran interés. Música electrónica y concreta[editar] Artículos principales: Música académica electrónica. o la música intuitiva. En 1951. Iannis Xenakis es otro compositor moderno que ha usado computadoras e instrumentos electrónicos (incluido uno inventado por él) en muchas composiciones. Jean Barraqué. pero también el prolíficoDarius Milhaud y sus contemporáneos Francis Poulenc y Arthur Honegger. quien presentó Poème électronique en el pabellón Philips de la Exposición de Bruselas en 1958. Edgard Varese. Se llama concreta porque según Pierre Schaeffer. Ígor Stravinski. crearon el Grupo de Investigación de Música Concreta en París. Schaeffer. la improvisación. el absurdo. entre muchas otras. Si bien el modernismo en sí es música de vanguardia. que es aquella que utiliza solamente sonidos producidos electrónicamente. el azar. Artículos principales: Vanguardismo.partida para componer música. donde el concepto de música llega hasta sus límites -si no ya los sobrepasa. En Francia se desarrolló la música concreta escuela que producía sonidos existentes en el mundo. el sentido del humor. Paul Hindemith. su inventor. junto a Pierre Henry. y entre los que se acercaron se encontraban diferentes compositores significativos comoOlivier Messiaen. Música aleatoria y vanguardismo radical[editar] El compositor alemán Karlheinz Stockhausen (1928-2007) fue pionero en muchas de las formas musicales vanguardistas del siglo XX. Karlheinz Stockhausen. Música aleatoria y Música experimental. el ridículo. el teatro. o la sorpresa. Dmitri Shostakóvich y Béla Bartók son los compositores más importantes usualmente mencionados en este estilo. El primer concierto tendría lugar en Darmstadt en 1951. el vanguardismo dentro de ella se refiere a los movimientos más radicales y controversiales.utilizando elementos como ruidos. la composición de procesos. Los avances tecnológicos en el siglo XX permitieron a los compositores utilizar medios electrónicos para producir sonidos. En Alemania en cambio la forma de usar la tecnología se llamó música electrónica. el happening musical. planteaba que está producida por objetos concretos y no por los abstractos que serían los instrumentos musicales tradicionales. sin embargo la primera obra de importancia sería El canto de los adolescentes de Karlheinz Stockhausen de 1956. Música electroacústica y Música concreta. grabaciones. Iannis Xenakis. Dentro de los géneros generalmente ubicados dentro de esta corriente radical se encuentra la música aleatoria. la música ritual. El primero que dispuso de esos medios fue Edgar Varese. Entre los compositores más trascendentales que .Serguéi Prokófiev. Michel Philippot y Arthur Honegger. Pierre Boulez. el teatro musical.

y de esta nubosidad es posible sentir que una nueva combinación interválica está tomando forma». en contraste con otras texturas más tradicionales.3 La técnica fue desarrollada por György Ligeti. Desde la llegada del cine sonoro a finales de la década de los 1920. y es actualmente uno de los compositores doctos más famosos del mundo. la música ha cumplido un rol crucial en la industria y el arte del cine. «minimiza la importancia de las alturas musicales individuales para preferir la textura. en el que las armonías no cambian súbitamente. Varios compositores de la década de los sesenta comenzaron a explorar lo que ahora llamamos minimalismo. Philip Glass. La Monte Young. sin ocultarlas bajo la técnica. Música cinematográfica[editar] Artículos principales: Música cinematográfica y Banda sonora. Ejemplos tempranos incluyen En do(de Terry Riley) y Tamborileando (de Steve Reich). ritmos y timbres». Micropolifonía y masas sonoras[editar] Artículos principales: Micropolifonía y Masa sonora. para nombrar los más importantes— deseaban hacer la música accesible para los oyentes comunes. . Steve Reich. a menudo se repiten. tales como los rusos Prokofiev y Shostakovic.incursionaron en estas aventuras se encuentra John Cage en América y Karlheinz Stockhausen en Europa. John Adams y Michael Nyman. volviendo a las tríadas mayores y menores de la música tonal. una combinación interválica discernible es gradualmente haciéndose borrosa. el timbre y la dinámica como principales formadores del gesto y el impacto». quien la explicó así: «La compleja polifonía de las voces individuales está enmarcada en un flujo armónicomusical. La onda minimalista de compositores —Terry Riley. sino más bien haciéndolas explícitas. Intrínsecamente relacionada con la micropolifonía esta la masa de sonido o masa sonora que es una textura musical cuya composición. pero sin utilizar la funcionalidad armónica tradicional. Muchos de los grandes compositores que vivieron en esa primera época. expresando cuestiones específicas y concretas de la forma dramática y musical. En palabras de David Cope la micropolifonía se trata de «una simultaneidad de diferentes líneas. La más específica definición de minimalismo refiere al dominio de los procesos en música donde los fragmentos se superponen en capas unos a otros. sino que se van convirtiendo en otras.4 Minimalismo[editar] Artículo principal: Música minimalista Philip Glass (1937) fue uno de los iniciadores del movimiento minimalista en Estados Unidos. para producir la totalidad de la trama sonora.

 John Williams con: las dos trilogías de Star Wars. Espectralismo[editar] Artículo principal: Espectralismo El espectralismo es un género musical originado en Francia en la década de los sesenta alrededor de un grupo de compositores agrupados en torno al Ensemble l'Itinéraire (Gérard Grisey. Now. How the West Was Won. Hans Werner Henze.incursionaron también en esta área. Sofia Gubaidulina. Howard Shore. The Omen. Muir. The Bad And The Ugly (1966). y Harry Potterentre muchísimas otras.  Jerry Goldsmith con: Planet of the Apes. y Since You Went Away (1944). Magaly Ruiz. Alien. Once Upon a Time in the West.  Alfred Newman con. Casablanca (1942). Otros de los grandes compositores. en el origen de la percepción del timbre.The Greatest Story Ever Told. y Gone with the Wind (1939).  Erich Wolfgang Korngold con: The Adventures of Robin Hood. Santiago Sosa Rolón. Hook. Dmitri Silnitsky. Posteriormente. y Taxi Driver.T. Poliestilismo[editar] Artículo principal: Poliestilismo Poliestilismo (también llamado "eclecticismo") es el uso de múltiples estilos o técnicas musicales.. The Wind and the Lion. Danny Elfman. Frank Zappa o John Zorn. The Man Who Knew Too Much. Arturo Rodas. Alfred Schnittke. Indiana Jones. Tristan Murail y Hughes Dufourt). George Rochberg. Hans Zimmer y Henry Mancini. E.  Ennio Morricone con: The Good.  Bernard Herrmann con: North by Northwest. Chinatown. The Untouchables (1987). en un sentido restrictivo. Superman. han sido Nino Rota. Schindler's List. Luciano Berio. Jurassic Park. se basa principalmente en el descubrimiento de la naturaleza del timbre musical y en la descomposición espectral del sonido musical. La música espectral. Ezequiel Viñao. William Bolcom. Compositores poliestilísticos son. Alan Silvestri. por ejemplo. Citizen Kane. The Ghost and Mrs. Lera Auerbach. hubo numerosos compositores que dedicaron su carrera total o mayormente a trabajar a través del cine. . King Kong (1933). y es considerado una característica posmoderna que comienza a finales del siglo XX y se acentúa en el siglo XXI. Jezebel (1938). Poltergeist. el extraterrestre. The Mission (1986). especialmente del último cuarto de siglo en adelante. Frederic Rzewski. Valentín Silvestrov. Little Women (1933). Voyager (1942). y Cinema Paradiso. Jaws. Dentro de los grandes compositores de música de cine se encuentran:  Max Steiner con: The Informer (1935).

solamente Wolfgang Rihm ha conseguido una reputación significativa fuera de Alemania. Jean-Luc Hervé. Jazz y Jazz contemporáneo. A veces los músicos realizan un esfuerzo activo para evitar referenciar a géneros musicales reconocibles. estos compositores propugnaron una inmediatez entre el impulso creativo y su resultado musical (en contraste con la elaborada planificación precompositiva característica del vanguardismo). Michael Finnissy. Jazz de Nueva Orleans[editar] Artículo principal: Hot Aunque en el periodo que va desde el final de la Guerra de Secesión hasta el fin del siglo XIX. con la intención de crear una comunicación más fácil con las audiencias. "de múltiples capas de interacción de los procesos evolutivos que ocurren simultáneamente en todas las dimensiones del material musical". ya existían algunas bandas que tocaban algo parecido a un jazz rudimentario. George Benjamin o Julian Anderson en el Reino Unido: Marco Stroppa en Italia. secuencias de acordes o melodías previamente acordadas. Libre improvisación[editar] Artículo principal: Libre improvisación La improvisación libre es música improvisada sin reglas previas establecidas. caracterizada por el uso de técnicas que llevan hasta el límite las posibilidades de la escritura musical. Y como en el caso del impresionismo y muchos otros estilos musicales. Louis Ned. James Dillon. Es muy abstracta. en EE. En general. Entre los compositores más importantes se encuentran Brian Ferneyhough. por citar algunos. Entre los artistas más reconocidos dentro de este estilo están los saxofonistas Evan Parker y Peter Brötzmann.. en Francia. y el grupo improvisacional británico AMM. disonante y atonal.UU.El movimiento se ha ido ensanchando e influye en las más importantes tendencias contemporáneas de composición y en muchos de los compositores más jóvenes: Philippe Hurel. y que supuso una reacción no solamente contra la vanguardia musical europea de las décadas de los cincuenta y sesenta. en la mitad y fines de la década de 1960 en respuesta o inspirado por el movimiento del free jazz así como por la música clásica contemporánea. aquellos compositores cuya música se considera espectral no aceptan generalmente tal denominación. como las de los cornetistas Sam Thomas. Jazz[editar] Artículos principales: Orígenes del jazz. y Joshua Fineberg. Roger Redgate y Richard Barrett. sino también contra la más amplia tendencia hacia la objetividad de comienzos de siglo. Philippe Leroux. Nueva Complejidad[editar] Artículo principal: Nueva complejidad La Nueva Complejidad es una corriente dentro del escenario contemporáneo surgida en la década de los 80's en el Reino Unido que puede definir lo "complejo" como. La improvisación libre. ello significó una vuelta al lenguaje tonal del siglo XIX y en otros significó trabajar con texturas más simples o el empleo de armonías triádicas en contextos no tonales. Fabien Lévy o Thierry Blondeau. De entre los compositores identificados de una forma más cercana con este movimiento. Kaija Saariaho o Magnus Lindberg en Finlandia. Nueva simplicidad[editar] Artículo principal: Nueva Simplicidad La Nueva Simplicidad fue una tendencia estilística surgida entre algunos de los componentes de la generación más joven de compositores alemanes de comienzos de los ochenta del siglo XX. James L. Harris o Robert Baker o la banda . Chris Dench. Marc-André Dalbavie. como estilo de música. UU. se desarrolló en Europa y EE. En algunos casos. el guitarrista Derek Bailey.

y otras de renombre histórico como la Onward Brass Band. Las bandas eran ambulantes y solían preferir siempre interpretar espirituales. Sidney Bechet. ragtimes. los solistas elaboraban largas variaciones melódicas sobre el tema principal (usualmente integrado por dos canciones diferentes).5 suele considerarse a Buddy Bolden como la primera gran figura y el iniciador del primer estilo definido de jazz. que se reputa como el "padre del dixieland". aunque paulatinamente fueron introduciéndose el contrabajo. Louis Armstrong. En ocasiones se usaba el violín como complemento en la sección de metales. el trombonista Edward "Kid" Ory. se denomina «estilo Nueva Orleans» a esta forma inicial del jazz. obteniendo éxito mundial grupos como los Dukes of Dixieland.9 el trompetista Nick La Rocca y susOriginal Jass.7 El nuevo estilo era "menos expresivo. tuba.6 El resto de los instrumentos (usualmente banjo. con melodías más pulidas y armonías "limpias". entre otros muchos. en una primera época. o la Original Creole Orchestra. a comienzos de la década de 1920. marchas y cantos de origen afrocubano. y se desarrollaron técnicas instrumentales nuevas. desde una década antes. etc.11 con una poderosa escena de blues y ragtime. la Eagle Band o la Tuxedo Brass Band del trompetista Papa Celestin. El peso sonoro y conceptual de la música recaía en la corneta. de hecho. Es una escuela de bandas célebres. se introdujeron el piano y el saxofón. como la de Johnny Schenk (1893). el piano y la batería) tenían una función meramente rítmica. También estaban las bandas del cornetista Papa Mutt Carey. Aún no se ha desprendido de las influencias del minstrel y contiene todas las características propias del hot. el Dixieland disfrutó de un poderoso revival. Dixieland[editar] Artículo principal: Dixieland A poco de comenzar el siglo XX. y aún hoy en día existen bandas con nombres tan rancios como Tuxedo Jass Band u Onward Jazz Band. En Chicago se desarrolló un estilo más crudo y dinámico. bañado «en una atmósfera . nunca rápidos. en tempos muy lentos o medios. como el estilo tailgate de los trombonistas. pues en este distrito de ocio se concentraban casi todos los locales de música en vivo. pero con mayores recursos técnicos". ésta anterior al cambio de siglo. el corneta Papa Jack Laine. apoyada por el trombón y el clarinete. que era quien desarrollaba las melodías.nota 1 Convencionalmente. los Louisiana Five de Anton Lada. supuso un importante contratiempo para la mayor parte de los músicos de jazz de la zona. desbrozado de adornos. la banda de Lorenzo Tio. y especialmente hacia Chicago. y que tenía a Sidney Bechet en el clarinete. que elaboraban variaciones improvisadas sobre la melodía base. los blancos y criollos pobres del Delta del Misisipi comenzaron a interesarse por el Hot y su influencia produjo algunas variaciones en la forma de tocar de las bandas de Nueva Orleans: se desarrollaron más las improvisaciones. se agilizaron los tempos y se buscaron estructuras rítmicas menos "africanas". Las improvisaciones. la del cornetista Freddie Keppard (1900. Es lo que Peter Clayton llama «la Santísima Trinidad del jazz de Nueva Orleans». o los "New Orleans Rhythm Kings" del cornetista Paul Mares. caja y bombo. se trasladaron a la «ciudad del viento» y grabaron allí sus primeros discos. 10 Este hecho inició la gran migración de los músicos de jazz hacia las ciudades del norte. no existían.8 Además. económico en recursos. Jelly Roll Morton o Johnny Dodds. En la década de los40. de los hermanos Frank y Fred Assunto. con un lenguaje escueto y lacónico. que gozaba por entonces de una agitada vida nocturna.1909).que usualmente tocaba en el Kelly's Stables de Nueva Orleans. que se reputa como el introductor de la sordina de «desatascador» (plunger) y su típico efecto de wah-wah. la de John Robechaux (1895). El jazz de Chicago y New York[editar] El cierre por las autoridades de Nueva Orleans del barrio de Storyville en 1917. King Oliver. Sus principales figuras fueron. en el sentido que hoy las conocemos.

en la que tocaron todas las grandes figuras del jazz de los años 1920. como figura más relevante. procedente de Washington D. Wingy Manone. Muggsy Spanier. La era del swing[editar] Artículo principal: Swing (jazz) En el último tercio de la década de 1920. pero también gracias a bandas. Eddie Condon. Sería precisamente Henderson quien mejor representó la nueva forma de tocar un tipo de jazz estilizado. El estilo de Nueva York. al comenzar a asentarse el saxofón. Luis Russell.C.. El estilo de Chicago se desarrolló como consecuencia de la conjunción de los músicos negros de Nueva Orleans y de jóvenes estudiantes y aficionados blancos que imitaban a aquellos. el jazz se introdujo también en Nueva York. menos localizado y más universal. fue la corriente principal de desarrollo del jazz a finales de la década de 1920. se desarrolló enormemente el concepto de improvisación individual y las melodías paralelas.12 El sonido perdió plasticidad al ajustarse la afinación por influencia de los músicos blancos y abandonarse la desincronización propia de la rítmica africana pero. con artistas como Bessie Smith. con el impulso que supuso a las big bands. Duke Ellington uno de los principales compositores de swing.exasperada. por el contrario. Un buen número de músicos de gran relevancia son representativos del estilo: Erskine Tate. desembocando en el swing. mientras que en Nueva York se estaba desarrollando una . tuvieron en la extensión del jazz en la ciudad. con arreglos musicales escritos. «realizado sobre la base de una fórmula de transacción que estriba en orquestaciones preparadas de antemano y escritas para conjuntos cuyo número de instrumentos no hacía posible la polifonía hot». originario de Filadelfia. o High Brow.16 Pero la escuela de Nueva York dio un nombre de mayor proyección aún.14 Algunos autores destacan también el papel que músicos como Nick La Rocca o el baterista Louis Mitchell. comenzó con la orquesta de Fletcher Henderson. El material temático tendió hacia un abandono de los rags y stomps y su sustitución por blues y canciones de influencia europea. dirigida por Will Dixon y Will Marion Cook. inicialmente a través de los pianistas que tocaban ragtime yboogie woogie en los honky tonks. Duke Ellington. como se le denominó en su momento. Willie "The Lion" Smith o Luckey Roberts. que se rodeaban de bandas de jazz en sustitución del tradicional acompañamiento de guitarra o piano sólo. los McKinney's Cotton Pickers de William McKinney y Don Redman. que alcanzó gran fama con sus sesiones en el Cotton Club de Harlem. Desde muy temprano. en época tan temprana como 1905. como James P. Bix Beiderbecke. esta época es la de la explosión del llamado «blues clásico».15 Sin embargo. así como la banda del pianista Sam Wooding o la del panameño de nacimiento. Pee Wee Russell o. De hecho. Otros referentes importantes del estilo fueron Red Nichols y sus "Five Pennies". de una rígida tensión hot». Johnson. de un dinamismo acalorado.13 y supuso algunos cambios importantes incluso en la instrumentación típica. como la de Jimmy Reese Europe o "The Memphis Students". los estilos de two beat habían agotado sus posibilidades de desarrollo. dejando los pasajes polifónicos para el ciclo final (sock chorus). el verdadero estilo de Nueva York.

17 Las bandas de Fletcher Henderson. al designarlo como "Rey del swing". polirritmos. cuyos únicos rasgos en común consistían en una instrumentación similar y en el interés por la improvisación. la predominancia de pasajes melódicos interpretados straight. Teddy Wilson. un estilo rico en grandes improvisadores.. Tommy Dorsey. se abandonó la melodía en favor de la improvisación. Algunos de estos instrumentistas fueron determinantes en el proceso de evolución que llevó desde el swing al be bop y al cool. es decir. el término swing gozaba de mala reputación entre los músicos: se consideraba que sólo los profesionales de menor talento se dedicaban a este tipo de música comercial. puesto que en otros lugares. Lionel Hampton o Jay McShann. el jazz era conocido y apreciado en todo el mundo. Los músicos bebop ponían el acento en el papel del solista. la extensión del fenómeno del "solista". Duke Ellington. frase corta repetida con crescendo final. acabaría por lastrar las posibilidades de desarrollo del swing: Artie Shaw.y a la batería. como Kansas City tuvo lugar una evolución similar en big bands como las de Bennie Moten o Count Basie. Esto llevó al público. como es el caso del western swing (que fusionó músicas de origen folclórico) y. Rex Stewart. En algunos casos. Billie Holiday.nota 2 -que dejaba a un lado su antiguo papel de mero metrónomo-. Chu Berry. reconocido incluso por compositores clásicos de la talla de Stravinsky. Johnny Hodges. Anita O'Day. nuevas paletas tonales y fraseos más irregulares. Lena Horne o Peggy Lee. El estilo toma su nombre de una de las características del nuevo jazz: el swing como elemento rítmico. Fats Waller.nueva forma de hacer jazz. paralelamente. cuyo papel ya no era el de entertainer de épocas pasadas. Ivy Anderson (que permaneció casi doce años en la banda de Ellington. El swing fue. que se consolidó sobre todo como resultado de la migración masiva de músicos de Chicago hacia la "ciudad de los rascacielos". La síncopa característica del swing quedaba destinada a favorecer la interpretación de las melodías. en Europa. especialmente de las cantantes femeninas: Ella Fitzgerald. Sin embargo. del riff. a creer que "swing" era el tipo de música que hacía esta banda. de modo que los músicos más "serios" -como Duke Ellington. no todas derivaron hacia ese camino. Este proceso no se desarrolló exclusivamente en Nueva York. y el formato de big . etc. Harry Edison y muchos otros. June Christy. un estilo que favoreció la proyección de los cantantes. fueron las que marcaron el rumbo de este nuevo estilo cuya principal característica fue la formación de grandes orquestas. generando un subestilo comercial que. Bebop[editar] Artículo principal: Bebop Tras la era del swing.se estaban alejando del estilo. relegándola únicamente al contrabajo -que crecía en importancia. Stan Kenton. la utilización. impulsado por Django Reinhardt. Sin embargo. sino un artista creador al servicio sólo de su propia música. además. Jimmie Lunceford y Chick Webb. la sección rítmica se simplificaba. muchos de los cuales establecieron verdaderos cánones en sus respectivos instrumentos:Coleman Hawkins. las big bands. a partir de 1932). Se trató de una operación comercial de los agentes deBenny Goodman. El declive de las big bands de swing dio lugar a un nuevo tipo de música radicalmente diferente. destacando entre ellos el trompetista Roy Eldridge y el saxofonista Lester Young. a la larga. aportaron elementos novedosos respecto de la tradición hot: la conversión de los ritmos de dos golpes (two beat) a ritmos regulares de cuatro acentos rítmicos por compás. Benny Carter. incrementando con ello la libertad de bajistas y bateristas. Harry James. Además.18 Algunas de las bandas de la época alcanzaron un enorme éxito popular y de ventas. del llamado jazz manouche. y algunas de ellas establecieron las bases de los grandes cambios conceptuales del jazz de la década de 1940: Woody Herman.Glenn Miller. consolidándose el nombre.. Art Tatum. Fue también. la revalorización del blues. se introdujeron disonancias. pero también a muchos críticos. se desarrollaron escenas regionales con gran proyección y personalidad diferenciada. que dirigía una de las bandas más populares de la época. como recurso de tensión. conforme a partitura. Gene Krupa.

George Shearing. "Billie's Bounce" o "Anthropology". que tenía como principal objetivo el establecimiento de una atmósfera "calma" y "meditativa". Percy Heath y Kenny . los trombonistas J. Lennie Tristano. quien había comenzado su carrera con Charlie Parker. Thelonious Monk y Kenny Clarke se reunieron en el Minton's Playhouse de Nueva York para una serie de conciertos informales. quien adaptó el estilo de Parker con el alto alsaxo tenor. algunas de ellas. y con un estilo emocional y sorprendente que quedó inmortalizado en clásicos como "Yardbird Suite". los bateristas Kenny Clarke o Max Roach. y otras. nota 3 El cool jazz resultó particularmente popular entre músicos blancos como Lennie Tristano. formado por muy pocos músicos. El nuevo estilo se derivaba directamente del bebop. Billy Eckstine y Dizzy Gillespie. Johnson -quien adaptó el lenguaje bop al trombón-. Working o Steaming. "Ornithology".band por el de combo. pero resultaba una música más cerebral. Miles (1955). Miles Davis. gafas de sol y perilla. los pianistas Bud Powell. Benny Green o Kai Winding. Nueva York. el primero de una serie de álbumes -Walkin (1954). "Donna Lee". Dizzy Gillespie retratado en Búfalo. Sólo algunas lograron convertirse en verdaderas big bands de be-bop. Cool jazz[editar] Artículo principal: Cool El nacimiento formal del movimiento cool tuvo lugar en 1948 con la publicación del álbum Birth of the Cool de Miles Davis. en parte por su alejamiento de las raíces africanas del jazz. En el campo de las big bands. Oscar Peterson. el trompetista Fats Navarro. Thelonious Monk.que sentaban las bases del estilo. y Sonny Stitt. como es el caso de las orquestas de Boyd Raeburn. como las de Charlie Barnett. con un estilo trompetístico que resumía perfectamente las características de la nueva música y una serie de temas que entraron a formar parte enseguida del repertorio básico de los músicos bop.Lionel Hampton o Stan Kenton. y se adoptó. Otros músicos de importancia dentro del estilo fueron los saxofonistas Dexter Gordon. Milt Hinton. o la cantante Sarah Vaughan. pero también encontró un hueco entre las preferencias de músicos negros que estaban pasando de ser simples entertainers a adoptar un papel más activo y serio en la búsqueda de su identidad musical. The Modern Jazz Quartet -originalmente lasección rítmica de Dizzy Gillespie. los bajistas Oscar Pettiford o Paul Chambers. integrada por Milt Jackson. extendiendo el aspecto melódico y el rango rítmico del jazz hasta ese momento. Ahmad Jamal. John Lewis. incluso un look característico en el que no podía faltar sombrero. como la de Earl Hines establecieron puentes entre el viejo y el nuevo sonido. entre otros muchos. Dizzy Gillespie fue uno de los líderes del movimiento. Woody Herman.Relaxing. todo un manifiesto autodefinitorio y una de las grabaciones más influyentes de la historia. Herbie Nichols o Tommy Flanagan. Cookin'. supieron adaptar su sonoridad a las nuevas exigencias. El nacimiento del estilo tuvo lugar en 1941 cuando Dizzy Gillespie. en 1977. Charlie Parkerfue el otro gran padre del bebop introduciendo un nuevo lenguaje de improvisación. J. dio inicio al movimiento con Birth of the Cool (1948).Erroll Garner. todos de (1956). Charlie Parker. como "A Night In Tunisia" o "Salt Peanuts".

y está especialmente vinculado a los músicos negros de las ciudades de los Grandes Lagos. Gunther Schuller fue el iniciador oficial del third stream. A ellos. derivados del lenguaje de los músicos bebop. de Dave Brubeck y Paul Desmond.Modern Jazz Quartet Volume 2 (1953). El nuevo estilo. la evolución del jazz se desarrolló por caminos menos influenciados por los músicos neoyorquinos de bebop. otro de los principales representantes de esta corriente. Early Autumn (1948) y Quartets (1950). Out of the Cool (1959). El elemento rítmico quedaba reforzado. Chet Baker publicó Grey December (1953). otro de los líderes del movimiento cool. los trompetistas Woody Shaw. Stan Kenton o Wardell Gray. los ritmos explosivos". por último. el hard bop fue una relectura del bebop "en pro de una vía que se abría a la prosecución de una tradición ininterrumpida en la que las raíces más profundas seguían teniendo un peso específico importante".que anticipaba la llegada de un tipo de jazz más suave y relajado.20 Tuvo especial incidencia entre los músicos de la Costa Este. Phil Woods. que tiene como ejemplo paradigmático suJazz Abstractions (1959).introdujo un nuevo sonido en el trío de jazz influenciado por la música clásica europea. como es el caso de Time Out. Jim Hall. Hard bop[editar] Artículo principal: Hard bop Como reacción ante el intelectualismo del bebop. Lee Morgan. y los solos. Bill Evans -junto a Scott LaFaro y Paul Motian. "les gustaban las improvisaciones a pleno pulmón. conformando una música agresiva e intensa.22 Max Roach fue uno de los iniciadores del movimiento. los sonidos cálidos.publicó Modern Jazz Quartet with Milt Jackson (1953). directamente herederos de Lester Young y de la evolución que habían tenido big bands como las de Woody Herman. Benny Goodman y Woody Herman y que terminaría popularizando la bossa nova. que se convirtió en el primer disco de jazz en vender más de un millón de copias. gracias al tema "Take Five". el adjetivo "hard" (duro) tiene en esta expresión la connotación de "intenso". donde presentaban sus elegantes composiciones. y Mulligan Quartet (1952). y generó obras que tuvieron una enorme repercusión comercial. Art Pepper Quartet (1956). junto a Art Blakey o Sonny Rollins. Destacaron asimismo los saxofonistas Cannonball Adderley. que procedía de las orquestas de Stan Kenton. West Coast jazz[editar] Artículo principal: West Coast jazz En esa misma época. Chico Hamilton grabó Spectacular (1955). Gil Evans produjo Gil Evans and Ten (1957). los músicos del hard bop reivindicaron el retorno del jazz a sus orígenes. y Django (1956). Art . mientras que Lee Konitz es considerado por algunos críticos como la quintaesencia del músico cool. Gerry Mulligan. el pianista Ran Blake o la imaginativa cantante Betty Carter. Art Pepper grabó Discoveries (1954). Meets the Rhythm Section (1957) y Omega Alpha (1957). fue impulsado especialmente por músicos como Howard Rumsey. Chet Baker & Strings (1954) o Chet Baker Sextet (1954). las frases de ángulos puros.21 Para muchos autores. una corriente que establecía un puente entre la música clásica y el jazz. Freddie Hubbard. Joe Henderson.Clarke. con especial acento en la energía y la espontaneidad de la música.Shorty Rogers o Shelly Manne. y que cuenta también entre sus principales representantes a Bob Graettinger. Pepper Adams. editó Mulligan Plays Mulligan (1951). Jimmy Giuffre lanzó Jimmy Giuffre 3 (1956) o Western Suite (1958). Quintet In Hi Fi (1956) o Mr Jo Jones on Quintet (1956). y George Russell sobresalió como intérprete de temas modales. en la Costa Oeste. Conrad Gozzo.Tina Brooks. De hecho. destacó por un sonido limpio y tranquilo -justo la antítesis de Charlie Christian. Otras figuras destacables fueron el vibrafonista Teddy Charles. que acabaría conformándose como la línea principal de desarrollo del cool. Hank Mobley. como Chicago o Detroit.19 También obtuvo un importante éxito comercialStan Getz. Benny Golson o Jackie McLean. adquirieron más fuerza y vitalidad. o Into The Hot (1961). en el límite entre lo barroco y lo jazzístico. Blue Mitchell. Donald Byrd. con sus discos West Coast Jazz. Gerry Mulligan Quartet (1952).

sino de músicos de jazz. abriéndose además a influencias de músicas del mundo y politizándose de forma muy ostensible.27 El free jazz prescindió de elementos hasta entonces esenciales en el jazz. John Surman. Críticas que. Larry Young o Richard "Groove" Holmes. paralelamente. Eddie Gómez. provinieron no solo del público o de periodistas especializados.Farmer o Clark Terry. Mike Mantler. 25 Free jazz[editar] Artículo principal: Free jazz El bop evolucionó muy rápidamente durante la década de los cincuenta y algunos músicos (George Russell o Charles Mingus entre ellos) desarrollaron. Archie Shepp. Dollar Brand.26 Coleman había ya editado anteriormente algunos discos que anticipaban esta explosión. entre otros. los contrabajistas Reginald Workman. David "Fathead" Newman. que se dio en llamar funky o. se desarrolló un estilo de jazz. Eddie "Lockjaw" Davis. irresistible ascensión del free jazz que. Jimmy Forrest. el guitarristaKenny Burrell. Sun Ra. con la publicación del disco homónimo de Ornette Coleman y su doble cuarteto. A mediados de la década. Anthony Braxton. Shirley Scott. con un "beat" firme y sostenido. como Roy Eldridge o Quincy Jones. una relectura y una superación virtual de todo lo que había sido el jazz. por ejemplo.29 A mediados de la década.Gary Peacock. Red Holloway. King Curtis. Marion Brown. pero "no solamente eso. que supone una revolución estilística en el jazz. sino una puesta en crisis. quizás más específicamente una forma de tocar jazz.23 24 Un subgénero que exhibía al Hammond B3 y a sus pioneros (Wild Bill Davis. los pianistas Mal Waldron. Grant Green o George Benson. Charlie Haden. como el swing. soul jazz. Soul jazz y Funky jazz[editar] Artículo principal: Funky jazz Íntimamente relacionado con el hard bop. el fraseo o la entonación. Paul Chambers y Charles Mingus. pero a ellos se sumaron Carla Bley. por otra parte. Eddie Harris y Hank Crawford. al margen de los antecedentes ya citados. más tarde. con emoción interpretativa. Gene Ammons. Bobby Timmons. prácticamente todos los músicos jóvenes de jazz estaban influidos por el "free". Otras figuras destacables del género fueron los organistas Brother Jack McDuff. y que hundía también sus raíces en los trabajos de músicos como Horace Silver. Sonny Sharrock.30 Post-bop[editar] Artículo principal: Post-bop . el free jazz se había convertido en una manera de expresión ricamente articulada que abarcaba todas las temáticas y comandaba todas las vías de desarrollo del jazz. Horace Parlan o Duke Pearson. Muhal Richard Abrams. ambos para Atlantic Records. como The Shape of Jazz to Come o This Is Our Music. el batería Pete La Roca. Sin embargo. cuestionando los fundamentos socio-culturales tanto como su desarrollo histórico". Jimmy Giuffre. aparentemente. o los saxofonistas Stanley Turrentine. Jimmy Smith o Jimmy McGriff) como protagonistas. formulaciones similares a las que ya se habían dado en la música clásicaen los años veinte. Cecil Taylor. Eric Dolphy y Don Cherry fueron los principales iniciadores de esta línea. Manfred Schoof. de la atonalidad en el jazz de los años sesenta. Willis "Gator" Jackson. Steve Lacy. los guitarristas Wes Montgomery. Les McCann. Yusef Lateef. la vocalista Abbey Lincoln. Charles Earland. basada en la utilización de estructuras blues en tempo lento o medio. o las big bands de Thad Jones o Maynard Ferguson.28 En los primeros años sesenta se asistió a una. a partir de 1967comenzó a apreciarse una clara recesión del favor del público respecto del free jazz. Gene Harris. Está generalmente aceptado por la crítica que. a partir de los conceptos de intuición y digresión que había anunciado la música de Lennie Tristano. recibió una ingente cantidad de rechazos resumibles en una sola frase: «Esto no es música». el free jazz toma carta de naturaleza en 1960. Houston Person. Junior Mance. con la irrupción. Ramsey Lewis o el cantante y pianista Ray Charles.

entre otros. Ron Carter. Michael Mantler o Paul Motian se encontraban elaborando una música compleja y personal. supuso una nueva revolución en el sonido del jazz. Éste adoptó a las experienciashard bop un buen número de las innovaciones que había traído el free jazz. Herbie Hancock o Lee Morgan. Desde el área del free jazz. Sweat & Tears.31 abrieron el camino a un estilo que se ha dado en llamar post-bop. Jazz rock y jazz fusión[editar] Artículos principales: Jazz fusión y Jazz rock. las distintas formaciones de Frank Zappa). terminó de perfilar un género que daría lugar posteriormente a otros muchos subestilos.Un cierto número de músicos de bop habían desarrollado conceptos de improvisación más avanzados a finales de los años 1950. El lanzamiento en 1970 de Bitches Brew. mientras que Chick Corea hizo lo propio con sus Return To Forever. John Coltrane ya a comienzos de la década de 1960. Uno de los primeros representantes de la nueva corriente del jazz rock fue Gary Burton. siendo particularmente evidente en aspectos como la instrumentación de las nuevas bandas de jazz rock -que reemplazaron el contrabajo por el bajo eléctrico y donde la guitarra o el órgano abandonaban la sección rítmica para situarse como instrumentos solistas de pleno derecho. quien. el sello discográfico Blue Note recogió a los principales músicos del estilo: Wayne Shorter. convirtiéndose en la línea de desarrollo principal (mainstream) del jazz moderno.Tony Williams. . Larry Coryell y Roy Haynes. Keith Jarrett publicó Gary Burton & Keith Jarrett en 1970. una banda que contaba originalmente con Larry Young y John McLaughlin y que se convertiría en uno de los grupos más relevantes del género. logró el mayor éxito de ventas de la historia del jazz con su álbum homónimo editado en 1973-. ambos de 1970. Blood. Herbie Hancock. e hizo incursiones en el latin jazz en 'Expectations (1971). Colosseum. realizando un "jazz modal" directamente impulsado por figuras como Miles Davis o.o en la mayor importancia de los grupos respecto a sus miembros. muy especialmente. McCoy Tyner. Wayne Shorter. ya había editado bajo su nombre Life Time (1964) y Spring (1965) antes de poner en marcha su Lifetime. introduciendo una instrumentación y unos esquemas rítmicos más cercanos al rock y marcando el inicio de un nuevo género que recibiría posteriormente la denominación de jazz fusion. mientras que McCoy Tyner colaboró con músicos como Bennie Maupin. Stanley Clarke y Airto Moreira. un álbum de Miles Davis que contaba con Tony Williams. y había introducido elementos country en Tennessee Firebird. inspirada en los ritmos funky-psicodélicos de Sly Stone. originalmente con Flora Purim. encabezado por Wynton Marsalis. con raíces muy diversas e influencias muy heterogénas. hilo conductor hasta llegar al neo bop o "neotradicionalismo" de los años 1980. Carla Bley. según bautizó el crítico Ira Gitler al sonido del cuarteto del saxofonista. músicos como Charlie Haden.Wayne Shorter o John McLaughlin. Caravan. Joe Farrell. editado ese mismo año.había empezado a experimentar con rítmos de rock en The Time Machine (1966). Chicago y. Gary Bartz. con la ayuda de Steve Swallow.Bobby Hutcherson. Sus "sábanas de sonido". Miles Davis actuando en el North Sea Jazz Festival. Salvo excepciones. sobre todos ellos. Herbie Hancock no tardó en erigirse como uno de los máximos representantes del género a la cabeza de su grupo The Headhunters . La influencia de los grupos de rock que estaban experimentando con el jazz en la época (Soft Machine. Alice Coltrane o Ron Carter en Expansions (1968). como Bill Evans. Nucleus. Cosmos o Extensions.una banda que. otra característica heredada del mundo del rock. quien se había hecho famoso en el quinteto de Miles Davis.

para editar una música de gran complejidad a medio camino entre el hard bop y el funky antes de emprender sus respectivas carreras en solitario.en 1980. complejidad compositiva y elementos étnicos. con una serie de álbumes -Have You Ever Heard (1970). todos ellos álbumes importantes en la historia del subgénero. un híbrido entre el contrabajo y el cello. Gary Bartz había debutado con Libra (1967). Su My Goal's Beyond. Untitled(1977). que con álbumes como Black Market (1976) o Heavy Weather (1977) alcanzó un notable éxito comercial. con Stanley Clarke(1974) y School Days (1976). El bajista y violonchelista Ron Carter había publicado Uptown Conversation (1969) con el contrabajo como protagonista. una banda que contaba con la participación de músicos hindúes. de 1975. un álbum en el que empleaba el bajo piccolo. especialmente conShakti. Airto Moreira y Alphonso Mouzon no sólo se convirtió en el grupo más importante del movimiento. desde el comienzo de su carrera al lado de Frank Zappa en fecha tan temprana como 1968. o Dave Holland. Jean Luc Ponty fue el responsable de llevar el violín a la era de la electrónica.Miroslav Vitous. Peter Erskine. formó sus "NTU Troop" en 1970. John McLaughlin recogió el testigo del revival del blues que había tenido lugar en el Reino Unido con grupos como The Rolling Stones o Cream. Los hermanos Randy y Michael Brecker formaron en 1975 The Brecker Brothers. Oregon publicó en 1972 un primer álbum -Music Of Another Present Era.con los que quiso efectuar una nueva lectura de los clichés del jazz rock y en los que participaron músicos como John Abercrombie o David Murray. 1969) con John Surman y Tony Oxley. pero tras editar un primer álbum bajo su nombre (Extrapolation.Larry Coryell fue otro de los pioneros del jazz rock. John Abercrombie debutó discográficamente en 1974 con Timeless. y que también había pasado brevemente por el grupo de Miles Davis.que se situaría entre las más famosas de los grupos de jazz rock de la década de 1970. Billy Cobham -que había participado en Dreams junto a Randy y Michael Brecker y a John Abercrombie. Wayne Shorter. con elementos del soul. y. o Purple (1970). música clásica. publicó "Defunkt" primer álbum de su banda homónima. El álbum marcó el inicio de una serie de grabaciones bajo su nombre que culminarían en Introducing The Eleventh House (1974). el mismo año que Ronald Shannon Jackson publicó Eye On You con su grupo Decoding Society. Jaco Pastorius fue. de 1971 muestra ya abiertamente la pasión del músico por la música hindú. para publicar un disco (Harlem Bush Music . un interés que desarrollará con la Mahavishnu Orchestra a lo largo de la década en álbumes como The Inner Mountain Flame (1971) o Birds of Fire (1972).. El baterista y pianista Jack DeJohnette es otra figura clave del movimiento. un supergrupo de virtuosos con Mike Mainieri a la cabeza publicó su primer trabajo -Step By Step. El virtuoso checo Miroslav Vitous destacó también en el contrabajo en álbumes comoInfinite Search (1969).editó Spectrum y Crosswinds en 1973. La banda obtuvo un considerable éxito desde sus inicios. Lonnie Liston Smith editó en 1973 su Astral Travelling.que mostraba una sofisticada combinación de jazz. del funk. . Steps Ahead.. improvisación. con Jack DeJohnette yJan Hammer para seguir editando álbumes en la misma línea con músicos como Marc Johnson. primer disco de una banda -The Cosmic Echoes. pero fue Stanley Clarke el encargado de poner el bajo eléctrico en el punto de mira de los aficionados. pero la llegada del bajista Jaco Pastorius en 1976 supuso un nuevo empuje para la agrupación.Taifa. Collect (1974). sin embargo el gran revolucionario de ese instrumento. y Total Eclipse en1974. pero tras reemplazar a Wayne Shorter en el grupo de Miles Davis. de 1970) en el que presentaba una música enérgica. fue convocado por Miles Davis para la grabación de Bitches Brew.que pronto derivaría hacia el funky soul con álbumes como Expansions (1974). Weather Report. del grupo "Free Spirits". pasando por sus colaboraciones con John McLaughlin y culminando en su carrera en solitario con álbumes como Upon The Wings Of Music. formado originalmente por Joe Zawinul.. con su participación en el álbum de 1966 Out of Sight And Sound. un álbum en el que mostraba su estilo enraizado en la tradición del bebop y sus cualidades como compositor. hermano deLester. primer disco de una banda -The Eleventh House. del jazz y del rock. antes de editar Piccolo (1977). o que Joseph Bowie.

al lado de Billy Cobham y de Miles Davis (1981-1983). que integraban elementos característicos del bebop con ritmos afrocubanos. que no tardó en verse reflejada en el mundo del jazz fusióncon la aparición de un buen número de músicos. el latin jazz ha sido uno de los que ha disfrutado de mayor popularidad. 1974). 1979). Mike Westbrook. Basil Kirchin o el grupo Nucleus. al igual que Steve Tibbetts(Steve Tibbets. 1977) como. la influencia cubana sobre el bop generó un estilo de fusión cuyo mejor exponente fueron la big band de Machito. lanzado en 1976 con el título de Jaco Pastorius. y Steve Kuhn (Ecstasy. 1977) se encuentran entre los primeros representantes de esta corriente. 1977). y sus esquemas básicos no han cambiado demasiado a lo largo de su historia. American Garage. los alemanes Wolfgang Dauner. fueron el contrabajista David Friesen (Color Pool.32 La presencia de elementos latinos se mantuvo en el jazz de los años 20 y 30. un disco que tenía a la guitarra eléctrica como principal protagonista pero que. el danés Niels-Henning OrstedPedersen. Poncho Sánchezo Mario Bauzá. tal y como el saxofón lo había sido en épocas anteriores. introducía el bajo eléctrico en el sonido del jazz. Sin embargo. publicó también sus primeros trabajos a mediados de la década (Land Of The Midnight Sun. calinda. 1976. también. en una línea muy funky. 1973). Destaca igualmente. suelen incluirse músicas tan diferentes como las de origen brasileño (bossa nova. Elegant Gipsy.tanto en sus tempranas colaboraciones con Pat Metheny(Bright Size Life.33 A partir de mediados la década de 1960 y. Otras figuras importantes. a través del trabajo -por citar sólo a tres de las más importantes. y los trabajos de Dizzy Gillespie. El japonés Kazumi Watanabe grabó una serie de afamados discos. Keith Tippett. 1980). los pianistas Art Lande (Red Lanta. se asentó de forma definitiva en la escena del jazz. que asentaría su carrera a comienzos de la década siguiente. especialmente. 1978) y Mike Stern. y el bajista Steve Swallow (Swallow. las de origen cubano y otras de fusión con otras músicas de carácter latino (y de forma especial. dentro de un estilo de fusión que proviene del free jazz e incorpora elementos de la música third stream. 1975). 1977. Mike Gibbs. típicamente "blanco". De todos los estilos que surgieron tras la era del swing. Elton Dean. que había colaborado con Billy Cobham y Charles Mingus. 1991). con su debut en solitario que. el polaco Michal Urbaniak. Kenny Wheeler. John Surman. aunque sin la intensidad necesaria para gestar una verdadera fusión. sino que lo situó como uno de los instrumentos más expresivos del jazz fusión. al igual que Ralph Towner (Diary. durante los años 1970. 1976. 1975). el italiano Enrico Rava. Entre los . el guitarrista de la banda Oregon. el tango). que la veían como el instrumento dominante en la escena del jazz. el saxofonista John Klemmer (Touch. que Metheny desarrollaría en posteriores álbumes ya con su banda Pat Metheny Group (Group 1978. Dentro de la amplia denominación de "jazz latino".contradanza o fandango eran usuales en la música de Nueva Orleans. con el título East Meets West. 1973). 1976) o Weather Report (Heavy Weather. La guitarra eléctrica había alcanzado gracias a la influencia del rock una popularidad sin precedentes. Yr. El virtuosoAl DiMeola. a mitad de los años 1940. mientras que John Scofield. el bajista Jamaaladeen Tacuma (Show Stopper. que se inició con Endless Way (1975). los ritmos de habanera. 1969. los noruegos Jan Garbarek y Terje Rypdal. 1983). Jazz latino y jazz afrocubano[editar] Artículo principal: Latin jazz En los primeros tiempos del jazz ya se produjo una temprana incorporación de elementos latinos a la música hot. fue el disco que. editó su primer trabajo en solitario en 1977. 1970) o James Blood Ulmer (Revealing. especialmente). En el ámbito europeo destacaron los británicos Neil Ardley. o el ruso Serguéi Kuriokhin. Sonny Sharrock (Black Woman. sobre todo. Monkie-Pockie-Boo. no sólo popularizó el bajo fretless. Pat Metheny había publicado en 1976 su Bright Size Life con Jaco Pastorius y Bob Moses. The Blue Man. y mostraba el estilo naturalista y original. Steve Khan (Tightrope.de las orquestas de Tito Puente. este estilo de fusión con músicas latinas. Collin Walcott (percusionista de Oregon y uno de los músicos más innovadores en su instrumento). De hecho. Joachim Kühn y Eberhard Weber.

el Caribe.33 Jazz flamenco y otras fusiones étnicas[editar] El jazz flamenco tiene su origen en la década de 1960. la Polinesia. Gato Barbieri. su hermano Pepe de Lucía. Tata Güines. Bulgaria. Paul Winter. Gerardo Núñez. un concepto que De Lucía reelaboró en sus trabajos con el sexteto integrado por él mismo. Perico Sambeat o Javier Colina. Ray Barretto. incluso a la salsa. Osvaldo Tarantino. encontramos a músicos como Willie Bobo. Brasil. a Flora Purim. abundaban en la idea de la fusión de ambos géneros. Ramón de Algeciras. Sabú Martínez. David Amram. Cal Tjader. además de pianistas como Hilton Ruiz. artistas que continúan explorando el camino abierto por Davis. Francia.. dentro de una corriente de renovación en el flamenco. por encima de todos en popularidad e importancia. 35 En el resto del mundo distintos músicos de tradiciones muy diversas continúan elaborando fusiones estilísticas que a menudo tienen al jazz como coprotagonista. Jesús Alemany o Francisco Aguabella. y se afianza. Esta orientación parte en la década de 1950. Entre los artistas que han desarrollado su trabajo en esta línea. destacan músicos que han desarrollado trabajos de acercamiento entre el jazz y músicas tradicionales de otros lugares de América latina: Astor Piazzolla (con sus discos en solitario o con Gerry Mulligan). cabe citar. se encuentran Shakti. en trío. cuya cercanía al jazz varía de un artista a otro. Fuera del mundo antillano. Guillermo McGill. además de orquestas que históricamente tuvieron una gran proyección comercial.muchos artistas que han desarrollado su obra en las distintas variantes de este género. en los que el elemento latino se incorpora de forma indistinguible a su origen bop.). el jazz brasileño. Airto Moreira. de los guitarristas Al DiMeola. Dom Um Romão. armonías o ritmos. Chano Pozo. como Joan Albert Amargós.Antonio Carlos Jobim. en el entorno de la fusión de jazz con la música afro-cubana y portorriqueña.. Carles Benavent. Benavent.34 El estilo ha dado origen a lo largo de los años a toda una serie de subgéneros relacionados entre los que se encuentran el boogaloo. incluido en Kind of Blue. además de los citados. como las de Xavier Cugat y Pérez Prado. Charlie Byrd. Chano Domínguez. Willie Colón. en trabajos donde la improvisación característica del jazz tenía un lugar importante. la India. que después se denominó nuevo flamenco. Joao Gilberto. un disco que contaba con la colaboración de Paco de Lucía y que se considera usualmente como la obra fundacional del género. Arturo Sandoval. la bossa nova. denominación que incluye además otros estilos de carácter poco o nada relacionados con el jazz. Iturralde y Paco de Lucía más de medio siglo atrás.36 Esta familia de géneros de "fusión étnica". Gonzalo Rubalcaba yMichel Camilo. Rubem Dantas y Jorge Pardo (Live. John McLaughlin y Paco de Lucía. Zakir Hussain. Dantas y Pardo iniciaron sus carreras en solitario. encontramos a Irakere. John McLaughlin. Chucho Valdés. Flamenco Sketches. 1961). con artistas como Dizzy Gillespie. Emiliano Salvador. Cachao. año en que el saxofonista Pedro Iturralde editó su Jazz Flamenco (MPS). Jerry González. Don Ellis o Andy Narell comenzaron a fusionar elementos étnicos tales como instrumentación. más tarde. el Latin Big Band y. Egberto Gismonti o Claudio Roditi . Coltrane. en España hubo de esperar hasta 1967. el jazz cubano.Juan Manuel Cañizares. suele agruparse dentro del término generalista "world music". Babatunde Olatunji. Steve Turre o Paquito D'Rivera. de distintas procedencias (África.. 1960. Agustín Carbonell "El Bola". Hermeto Pascoal. Chico O'Farrill. Carlos "Patato" Valdes. Dollar Brand. Baden Powell. Antonio Carmona. Sun Ra o Yusef Lateef.. dentro del jazz de fusión de origen brasileño. una grabación de 1980. Rabih . Sin embargo. Marruecos. Discos como My Spanish Heart de Chick Corea (1976) o Friday Night in San Francisco. 1984). Mongo Santamaría. Japón. a finales de los años 1960 y en la década de 1970. Y. A partir de mediados de esa década. ayudando a consolidar un estilo donde no tardaron en aparecer trabajos de figuras del jazz español y el flamenco. One Summer Night. Mucho más apegados a los estilos tradicionales cubanos. Alex Acuña. Ángel Rubio. 1959) o John Coltrane (Olé. Cándido. cuando Don Cherry. cuando comenzaron a surgir algunas propuestas primitivas de fusión entre el flamenco de parte de artistas como Miles Davis (Sketches of Spain. El Potito.

simplemente con la música instrumental. Gary Thomas y Greg Osby. los músicos blancos estaban logrando más éxito que los negros y el panorama creativo en general era bastante desalentador. los pianistas Geri Allen y Jason Moran. Anouar Brahem. En ese período el término "jazz" se solía identificar. que se vio continuada en la obra de los pianistas Kenny Barron. de los trompetistas Jack Walrath. pero en el momento en que comenzó a derivar. entre otros.. Trilok Gurtu. Joshua Redman. Harry Partch.de los jóvenes talentos del jazz. considerado por la crítica como el músico de jazz más famoso desde 1980. el trompetista Graham Haynes. Scott Hamilton. primero hacia el free jazz y luego hacia las distintas fusiones que tuvieron lugar en la década de 1970. Bobby Watson. pero también ha destacado por su papel de divulgador de la cultura del jazz. Lakshminarayanan Shankar. aplicado a un nuevo estilo musical que integraba elementos del jazz. Alpha Blondy. padre del anterior (y de Brandford. 38 El jazz contemporáneo[editar] A mediados de la década de 1980 surgió en Nueva York el colectivo M-Base. Richard Bona o Hugh Masekela. Marsalis ha sido criticado por su papel conservador como director de la "Lincoln Center Jazz Orchestra". Nicholas Payton. reivindicaron una vuelta a sus orígenes trasladando los términos del debate desde la dicotomía Free jazz / Jazz fusión al debate entre los defensores de la pureza del estilo (neo tradicionalismo) y los partidarios de su evolución. o la cantante Cassandra Wilson. Dave Liebman. liderado por Herbie Hancock.. Donald Harrison. y Roy Hargrove. Lou Harrison. una banda dedicada a preservar la identidad musical del jazz de los afroamericanos. Paul Horn. Harry Connick. la bajista Meshell Ndegeocello. James Carter o Courtney Pine. Sin embargo. Fred Hersch. Strunz & Farah. en la década de 1960. Jessica Williams. todos ellos destacados músicos de jazz). Delfeayo y Jason.O.P. Marcus Roberts o Brad Mehldau. del funk y del hip hop. un grupo de músicos inspirados por las ideas armónicas de Ornette Coleman cuyas obras giraban en torno al free jazz y al funk. entrando en una crisis de identidad que a finales de esa década aún no había sido resuelta. En 1988 aparece. de los saxofonistas Ernie Krivda. el guitarrista Jean-Paul Bourelly. Una vuelta a los principios del bop. Joanne Brackeen. o a Kent y Marlon Jordan. el trombonista Robin Eubanks. con su A Is a Good Wind Who Is Blowing Us No Ill (1977) inauguró el revival del jazz clásico. El término pasó a ser el nombre de una discográfica creada por el mismo Peterson para dar salida a . Manu Dibango. la filosofía y la espiritualidad del África Occidental.36 La crisis del jazz y el nuevo tradicionalismo[editar] El auge del "neo-tradicionalismo" que tuvo lugar con la llegada de la década de 1980 marcó el punto más alto de la crisis que había afectado al jazz desde la popularización masiva del rock. M'Lumbo.Abou-Khalil. la llegada de los neo-tradicionalistas cambió el orden de las cosas: en lugar de abanderar una nueva revolución en el género. Toshinori Kondo.Najma Akhtar. Mención aparte merece Wynton Marsalis. Codona. el mismo año en que se publicó el primer disco del quinteto V. de la mano del DJ británico Gilles Peterson (dedicado en esa época a editar remezclas de clásicos del jazz con bases hip hop) el término acid jazz. Tom Harrell. Entre los representantes más destacados del colectivo se encuentran los saxofonistas Steve Coleman.37 La llegada a la escena de Wynton Marsalis. El jazz representaba para los negros norteamericanos la alternativa popular a la música clásica. Terence Blanchard. con elementos procedentes de la música. y como introductor de nuevos talentos. fue alejándose cada vez más de sus orígenes. Mulgrew Miller. Elek Bacsik. el principal representantes de una saga familiar de Nueva Orleans que se inicia en la obra de Ellis Marsalis. un movimiento que tuvo como resultado la contratación por parte de las grandes compañías discográficas -incluso de aquellas que nunca habían mostrado interés alguno en este tipo de música. o del trombonistaSteve Turre. Con un conocimiento enciclopédico de la tradición de su instrumento. Joe Lovano. Jr.S. y un importante educador que tuvo entre sus alumnos más destacados aTerence Blanchard. supuso la inauguración del movimiento de los "Young Lions" (jóvenes leones).

La revolución neoyorquina nacía de diversas raíces. entre otros. e incluso con la música psicodélica. United Future Organization. que desarrollaron el grueso de su discografía ya entrada la década de 1990. Ya Tony Scott con su Music For Zen Meditation (1964) y Paul Horn (In India. finalmente. el guitarrista Bill Frisell asimiló en su obra influencias del jazz y del rock. el saxofonista Ned Rothenberg se estableció entre la primera línea de las nuevas generaciones de improvisadores. habían experimentado con la fusión del jazz con las tradiciones musicales de oriente. Entre los primeros músicos en catalizar toda esta serie de elementos estuvieron el saxofonista John Zorn. . y los músicos negros habían sido apartados de facto tanto de la escena de la música rock como de la clásica. en la obra de músicos como el bajista Saheb Sarbib o el cornetista Butch Morris. tanto en el mundo del rock como en el mundo del jazz y la música de vanguardia. Groove Collective. Mark Nauseef. el folk. La revolución neoyorquina cambió el orden de las cosas. Glen Vélez. La segunda mitad de la década de 1990 conoció un revival de la música para big bands. Count Basic.. cuyas composiciones son un ejemplo de síntesis de disonancia. Daniel Kobialka. alumna de Gil Evans. resucitó el estilo de su maestro en diversos álbumes para orquesta. La nueva música. Desde mediados de la década de 1970 la ciudad de Nueva York estaba experimentando una "nueva ola" de creatividad musical. el guitarrista irlandés Christy Doran. el funk. Rob Wasserman o el grupo Shadowfax. 1967).39 En 1975 el guitarrista norteamericano William Ackerman había acuñado el término new age para definir un estilo de música instrumental de corte atmosférico. el violoncelista Tom Cora. el soul. o Tom Varner. Otras bandas importantes del movimiento fueronMondo Grosso. el guitarrista Henry Kaiser . recogiendo influencias de todo tipo y fusionándolas sin limitaciones conceptuales. La revolución neoyorquina se dejó sentir tanto en el tipo de material en el que los músicos se estaban embarcando como en el tipo de técnicas que empleaban para improvisar. El teclista Wayne Horvitz desarrolló su idea del "jazz progresivo de cámara". o el guitarrista Ronny Jordan. pero hasta entonces no lo había hecho con estilos como el rock o la música clásica de vanguardia.-. Otros músicos. y otros muchos músicos de la misma generación. Brand New Heavies. se situaron entre los más originales de su generación. Michael Jones. El jazz se había cruzado anteriormente con otras músicas negras -el blues. que integraba elementos del jazz de vanguardia con la música blanca de origen rural. The Jazz Warriors. Liz Story. cuyo centro neurálgico se situaba en la Costa Oeste de los Estados Unidos. tradicionalmente dominadas por músicos blancos. pero también delfolk. Galliano. de la música de las marching bands o incluso de la música eclesiástica.. que quedaron bien establecidas a lo largo de toda la década siguiente en la obra de George Winston. Eugene Chadbourne. se impuso como denominación del propio género. era una música genuinamente blanca. una tendencia que se había originado en la década anterior. cuyo origen se podía rastrear en las fronteras del jazz con la música clásica. Así. la música ligera y la música clásica de vanguardia. y la estadounidense María Schneider. la improvisación. pero el género tuvo que esperar hasta mediados de la década de 1970 para que músicos como Mark Isham o David Darling comenzaran a trazar sus líneas definitivas. y la cuestión racial era una de ellas: los músicos blancos lideraban el movimiento. como el trombonista Jim Staley. dirigida a un público acomodado y urbano. el baterista judío Joey Baron.grupos del estilo y. Entre sus primeros representantes se encuentran el guitarrista Charlie Hunter o el trío Medeski Martin & Wood. el guitarrista Elliott Sharp. David Lanz. o Mike Shrieve (ex baterista de Santana) pusieron también su capacidad integradora en primera línea. un virtuoso del corno francés. Incognito o los exitosos Jamiroquai. Michael Hedges. Solistas el violonchelista Hank Roberts. la electrónica y las filosofías orientales. repetición e improvisación. mientras que el veterano multinstrumentista Marty Ehrlich recogía la influencia del jazz tradicional. James Taylor Quartet. Mucho más conocido. pero no tardaron en surgir derivaciones más enfocadas a las pistas de baile como Stereo MCs.

un intento de fusionar la música de cámara con la improvisada.Durante la década de 1990 la ciudad de Chicago se convirtió en un foco de creatividad musical donde surgieron figuras de interés como la pianista Myra Melford. mientras que el saxofonista/clarinetista Scott Rosenberg.C. manipularon electrónicamente los sonidos de sus instrumentos mientras que. pupilo de Anthony Braxton se unió a la nueva ola de improvisadores creativos. que ya se había desarrollado bastante en las últimas décadas del siglo XX. como Kanye West. todos ellos norteamericanos. el contrabajista Ben Allison. Madlib. apareció en la escena de Nueva York una nueva generación de jóvenes músicos que encontraron en la improvisación el elemento clave de su música: la arpista Zeena Parkins. o los franceses Hocus Pocus. el percusionista suizo Günter Müller. o Miya Masaoka. el bajista Michael Formanek había debutado en 1990. continuaban apareciendo en los últimos años del siglo pasado una serie de artistas. El violonchelista Fred Lonberg-Holm. Otros creadores. ya en los albores del siglo XXI. grupos como Triosk efectuaron contribuciones importantes en la misma dirección. que había debutado en 1984. Nujabes. por parte de grupos y músicos provenientes del hip hop. exploraron la relación entre el hard bop.ya en el nuevo siglo. A Tribe Called Quest. o el trompetista noruego Nils Petter Molvær. por último. son Greg Kelley. como Tyondai Braxton. el free jazz y la música clásica.. el saxofonista David Binney. y comienzos del XXI. que venían de la tradición del free jazz pero que recogían la influencia de la vanguardia clásica y de la electrónica: Ben Neill. al igual que el saxofonista Roy Nathanson o el trombonista Curtis Fowlkes. entre otros. Por ejemplo. otro alumno de Braxton. El saxofonista Ken Vandermark ofreció Big Head Heddie en honor a Thelonious Monk y al gurú del funk George Clinton. y el violinista canadiense Eyvind Kang. ya habían editado discos a mediados de la misma década. En el campo del jazz rap. y el argentino Guillermo Gregorio o el canadiense Paul Plimley. aparecieron los discos de confirmación de músicos como el trombonista Josh Roseman. expandió el vocabulario del jazz con una cierta anarquía polifónica. La revolución que había traído consigo la música electrónica ejerció también su influencia en el desarrollo del jazz. el flautista Robert Dick. ambos ex-miembros de Jazz Passengers. o el pianista Matthew Shipp. Música popular[editar] . experimentaron con la manipulación de loops orquestales y. Otros. el dúo inglés The Herbaliser. por su parte. Destacan también los trabajos delfrancés Erik Truffaz y del trompetista israelí Avishai Cohen. Más allá de las fronteras de Nueva York. el irreverente trombonista Craig Harris. se produce una gran cantidad de obras. quien coqueteaba con el hip hop. caso también de Greg Headley. el trompetista Toshinori Kondo. antes de embarcarse en una carrera singular en la que experimentaría con distintos formatos y aproximaciones. que desarrollarían el grueso de su trabajo -en el que reelaboraban los conceptos establecidos por generaciones de jazzistas anteriores de múltiples y creativas maneras. de origen japonés pero nacida en Washington D. como el pianista Uri Caine o el trompetista Dave Douglas. o el guitarrista Alan Licht. el grupo B Sharp Jazz Quartet insertó su obra entre el hard bop y el free jazz. Otros músicos destacados de esta primera generación del nuevo siglo. el guitarrista y teclista Kevin Drumm. o el pianista Jason Lindner. Por último. El yugoslavo Stevan Tickmayer. A finales del siglo XX el legado del free jazz era muy visible entre la comunidad negra de músicos de jazz. Antes de finalizar la última década del siglo XX. que asistió al surgimiento de una nueva generación de improvisadores. El clarinetista de formación clásica Don Byron había hecho su aparición en la escena neoyorquina a principios de la década de 1990. Crown City Rockers. También a comienzos de los años 2000. donde destacaban nombres como el saxofonista David Ware. colideró The Science Group. uno de los más eclécticos músicos de su generación. particularmente en la escena de Nueva York.

Esto está en contraste tanto con la música culta. pp. Juan Luis Arsuaga: El collar del Neanderthal. p. 3. "tranquilidad". "calma". 1958. como con la música tradicional.. Volver arriba↑ Marvin Harris: Nuestra Especie. 1988. Volver arriba↑ Autores como Robert Goffin (Nouvelle histoire du jazz. ISBN 0-262-73143-6 2. por lo que no sería el primero. 1948) o André Hodeir (Introduction a la musique de jazz. no tiene aquí una traducción directa. 1984..[cita requerida] Historia[editar] Véase: Historia de la música popular Notas[editar] 1. pp.. Volver arriba↑ Ortiz Oderigo. La aplicación original del término fue adoptada en la década de 1880 en el período conocido como Tin Pan Alley en los Estados Unidos. Steven Brown.101. 24 . Volver arriba↑ Nils Lennart Wallin. a audiencias locales.Artículo principal: Música popular La música popular. en su sentido más amplio. 2. Volver arriba↑ Cool. 1997. 27 9. 184 8. Volver arriba↑ Clayton y Gammond. pp. aseguran que el cornetista Manuel Pérez ya era un músico conocido cuando Bolden alcanzó la fama. Volver arriba↑ El piano o la guitarra quedaban liberados en el bop de su función de marcaje rítmico. 119-121 6. las cuales normalmente se difunden académicamente o por vía oral. Volver arriba↑ Ortiz Oderigo. Bruselas. Volver arriba↑ Arnau. Volver arriba↑ Berendt. Volver arriba↑ Cope. 1948). se refiere a una serie de géneros musicales que tienen un gran atractivo y que generalmente son distribuidos a grandes audiencias a través de la industria de la música. p. 326-327 5. 3. 253 7. 1990. París. en inglés. pp. 4. "sosiego". 1958. o más pequeñas. Björn Merker:The origins of music. aunque también se utilizaba en el argot jazzístico para referirse a lo que "estaba de moda" Referencias[editar] 1. puede significar en este contexto. pp. y El enigma de la esfinge. Volver arriba↑ Edwards 2001.

pp. 1988. 1988.10. ISBN B001MBZO8Y | isbn= incorrecto (ayuda). 1958. pp. pp. 203 13. 214 17. 1958. 1990. 1971. pp. Volver arriba↑ Clayton y Gammond. 36 28. 184 . 93 31. pp. Volver arriba↑ Sáenz. pp. 49 24. Volver arriba↑ Berendt. 1001 discos que hay que escuchar antes de morir. 79 y ss. pp. Martin (1964). pp. 71 23. BYG. 1990. 1979 22. Volver arriba↑ Carles y Comolli. Langston (1940): The Big Sea. 1990. Volver arriba↑ Berendt. 1991. pp. 1971. Nueva York 12. Volver arriba↑ Hughes. 30. Volver arriba↑ Clayton y Gammond. Volver arriba↑ Berendt.com.Soul Jazz» (en inglés). Alicante.ISBN 84-253-3978-2. Volver arriba↑ Scott Yanow. Volver arriba↑ Gerber. Consultado el 11 de mayo de 2011. «AExplore Music . 348 27. Volver arriba↑ Sáenz. 20. 1990. Volver arriba↑ Riambau. Robert (2005). New York 16. Instituto de Estudios Juan Gil-Albert. Volver arriba↑ Ortiz Oderigo. pp. 265 25. pp. pp. Volver arriba↑ Sáenz. allmusic. pp. pp. 270 11. Volver arriba↑ Goffin. Linernotes. 1995. 1971. Barcelona: Grijalbo. 49 32. 29. 209 15. pp.Actuel S-26065. Volver arriba↑ Clayton y Gammond. 275 19. 138 21. José: Jazz: Grabaciones maestras. 26. 34 18. p. Jazz Panorama. 1988. 45. Volver arriba↑ Dimery. pag. Volver arriba↑ Clayton y Gammond. Volver arriba↑ Ortiz Oderigo. pp. 1971. Volver arriba↑ Ortiz Oderigo. Volver arriba↑ Bauzá. 1958. Nueva York: Collier Books. Volver arriba↑ Williams. Volver arriba↑ Sáenz. 1986. Robert (1944): Jazz: From The Congo to the Metropolitan. 33 14. Alain: Jazzmen from Detroit.

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