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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías

TEMA 2: EL MODERNISMO
1.-LA MODERNIDAD
7-Octubre 2008

INTRODUCCIÓN Comienza para muchos autores en los años 30 y duraría hasta las postmodernidad La postmodernidad comienza para algunos autores en los años 50 y para otros en los 60 es algo bastante subjetivo. Pero digamos que no coincide etnológicamente con lo que significa modernismo en el ámbito hispánico, si nosotros pensamos en el modernismo o en la modernidad como etapa histórica, ¿cuándo sería? ¿A qué llamamos Edad Moderna dentro de la Historia en español? A la etapa que continúa después de la Edad Media, coincidía con el Renacimiento. La significación hispana de la Edad Moderna está muy alejada de la concepción de modernidad del ámbito sajón cuya concepción se ha impuesto internacionalmente en cualquier lengua que no sea la española. Internacionalmente la Modernidad es un concepto que tiene que ver con las vanguardias de los años 30, que concluiría con la postmodernidad. Asi que tenemos que tener en cuenta la diferencia entre esa modernidad histórica tal como se entiende fuera del ámbito español y nuestra Edad Moderna que comienza en el Renacimiento, y luego el Modernismo, que es otra cosa completamente diferente, el Modernismo sería un movimiento cultural, fundamentalmente literario, que coincidiría en general con el final de siglo XIX y principios del XX.

♠ LAS DOS MODERNIDADES EN COFLICTO DE CALINESCU: LA MODERNIDAD BURGUESA Y LA MODERNIDAD CULTURAL
La Modernidad según tres autores: CALINESCU, ,BARTHES Y SARTRE Para ellos no comenzaría en los años 30 del sigloXX, sino a mediados del siglo XIX, ahora veremos por qué: En su ensayo crítico “Cinco Caras de la Modernidad”el crítico rumano CALINESCU habla de la existencia de dos modernidades distintas en franco conflicto que arrancarían de la segunda mitad del siglo XIX: la modernidad entendida como un movimiento estético y la modernidad entendida como un momento de la historia de la civilización occidental relacionado con el progreso científico y tecnológico, la revolución industrial , la economía arrolladora y los cambios sociales del capitalismo, desde este momento la relación entre ambas modernidades fue irreductiblemente hostil, algo que no impide que hubiera todo tipo de influencias y de intercambios en medio de esta cólera por la mutua destrucción, según CALINESCU, la modernidad burguesa continua con la idea de modernidad que se venia desarrollando anteriormente desde el Renacimiento y parte de la doctrina del progreso, de la confianza en las posibilidades benefactoras de la ciencia y la tecnología del interés por el tiempo, un tiempo medible q puede ser comprado y vendido y q por lo tanto tiene un valor equivalente calculable en dinero, se caracteriza tb por el culto a la razón y a la libertad entendida dentro de los parámetros del modernismo abstracto.

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías La libertad para la burguesía desde el Renacimiento la idea de que el ser humano se constituye como un ser civil y no como un siervo. Hablo de humanismo abstracto y no de humanismo concreto porque esas libertades no se definen como libertades sociales sino como libertades del ser humano como categoría genérica, no como ser humano individual. Además de esa Modernidad Burguesa que es una de las dos, hay que hablar de una Modernidad cultural, según CALINESCU, que se inclina desde sus principios romanticos hacia posiciones radicalmente antiburguesas, asqueada de los valores de la e,m esta modernidad cultural expresará su disgusto a través de estrategias tan diversas como la rebelión, la anarquía y el famoso autoexilio, mas q sus aspiraciones positivas lo que definiría a esta modernidad cultural seria su pasión negativa su rechazo franco de la modernidad burguesa. ♠ PERSPECTIVA DE RODÓ, GUTIERREZ NÁJERA, SARTRE Y

BARTHES
Dice RUBÉN DARÍO en su poema ZOOM : “ cuatro abismos tiene mi razonamiento y el abismo que más siento es el que siento en ti mismo” Dentro de esta misma línea ideológica se encuentra el ensayista uruguayo RODÓ que dijo: “…yo soy un modernista tb, yo pertenezco con toda mi alma a la reacción q da carácter sentido a la evolución del pensamiento en las postrimerías de este siglo, a la reacción que partiendo del asclavismo literario y el positivismo filosófico nos conduce sin desvirtuarnos en lo que tienen de este punto absolvente en concepciones más altas”. Según RODÓ es necesario rescatar ese positivismo filosófico, ese naturalismo, para proyectarlo hacia otros ámbitos, eso sería para él el modernismo. Manuel GUTIERREZ NÁJERA, poeta Mexicano, dice: “Al poco nuestra débil y humilde voz, es defensa de la poesía sentimental tantas veces sollada, tantas veces combatida, pero triunfante siempre de ante consoladoras teorías del realismo y del asqueroso y repugnante positivismo”. Rechaza el positivismo, no lo rescata y proyecta como RODÓ, sino que lo considera el enemigo. Él habla de una poesía sentimental que rechazaría de forma radical ese positivismo. En la mayoría de los casos nos encontramos con unas reacción contraria a este positivismo, naturalismo cultural, por parte de los autores . En relación con este fenómeno el crítico francés BARTHES en un libro que se llama “Grado cero de la escritura” (1950) afirma que hasta 1848, año de las revoluciones buerguesas, la forma conserva su unidad, esto ocurre porque la consciencia burguesa no estaba extinguida, a partir de este año, dice BARTHES, comienza a fragmentarse. La literaratura se salva por el trabajo que cuesta, se convierte en un oficio artesanal, digamos que su valor no viene ya dado por la rentabilidad que produce, sino por el esfuerzo artístico que se pone en la obra. Otro autor francés ensayista CAMUS habló del tema, pero sobre todo tenemos que hablar de SARTRE que en un ensayo titulado ¿Qué es la literatura? (1950) donde da una fecha muy parecida a la de Barthes habla de 1850, como una fecha en la que según

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías SARTRE, los escritores empezarían a escribir contra sus lectores, digamos que complicaron las formas artísticas, las leyes estéticas, hasta que resultó imposible granjearse un publico amplio.

2. DEFINICIÓN DE MODERNISMO
♠ IVÁN SCHULMAN, FEDERICO DE ONÍS, MAX ENRIQUEZ UREÑA… El crítico estadounidense IVÁN SCHULMAN dice que el modernismo viene a ser “ un periodo de hondos buceos en todas las esferas del saber humano, una época de productivos experimentos, de brillantes hallazgos y de fervorosa actividad literaria e intelectual. Pasado su periodo de mayor florecimiento, sobrevivirá como una actitud vital, dentro de la modernidad.” Para los modernistas el modernismo no es una escuela de arte o de literatura, sino que era más bien una crisis de la consciencia que generará la visión contemporánea del mundo. Los orígenes de esta crisis se remontarán al Renacimiento, al nacimiento de la burguesía, digamos que en América, estas rupturas empiezan a materializarse con características sincréticas tras los despojos de la conquista El sincretismo de la colonia floreció de una forma muy peculiar en el siglo XIX, algo que nos impide colocar el modernismo hispanoamericano dentro de los parámetros tradicionales, de exotismo, de decadentismo. Cuando se habla de las características generales del modernismo, se suele hablar de que el modernismo es un movimiento con tendencia al exilio, tanto al exilio interior, como al exilio exterior y al exotismo; el problema es que los críticos, que identifican algunos los poemas modernistas como exóticos, no están teniendo en cuenta que están escritos en una cultura que de por sí es sincrética, que esos horizontes paisajísticos y culturales no son exóticos para los poetas que estaban escribiendo en América. Lo eran para los escritores españoles, pero no para los americanos como Rubén Darío o Delmira Agustini. El exotismo es difícil de utilizar como parámetro para definir la literatura modernista de Hispanoamérica. Más productivo es el concepto que elaboró FEDERICO DE ONÍS según el cual: “el Modernismo es la forma hispánica de la crisis universal de las letras y del espíritu que inicia hacia 1885 la disolución del siglo XIX y que se había de manifestar en el arte, la ciencia, la religión, la política y gradualmente en los demás aspectos de la vida entera, con todos los caracteres, por lo tanto, de un hondo cambio histórico cuyo proceso continúa hoy” Vemos que coincide con Schulman en la idea de que esa crisis de la consciencia llegaría hasta nuestros días, cambia la visión contemporánea de la cultura. MAX ENRIQUEZ UREÑA : en su Breve historia del modernismo afirma que el vocablo “ fue empleado para señalar desde temprano el movimiento de renovación literaria en la América española”. “Fue ante todo, un movimiento de reacción contra los excesos del Romanticismo” Su punto de partida “ fue simplemente negativo: rechazar las normas y las formas que no se avinieran con sus tendencias renovadoras”.

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3. EL ESTETICISMO MORAL Y EL ARTE PURO
♠LA MORAL ESTÉTICA O EL ESTETICISMO MORAL COMO IDEOLOGÍA Esa moral estética tiene dos variantes, en primer lugar vamos analizar la relación entre esteticismo moral y el arte puro. La ideología del modernismo puede definirse con el concepto de moral estética relacionada con la cultura finisecular, tanto europea como americana el resultado de la crisis de los valores sociales burgueses. Frente al utilitarismo y al materialismo que estos modernistas rechazaban, hubo un movimiento de rescate de lo espiritual, de lo racional, de los valores en estado puro. Dentro de estos valores el valor más desinteresado sería el estético. ♠LA HERENCIA KANTIANA El origen del esteticismo moral podemos encontrarlo en la inversión llevada a cabo por el positivismo de dos categorías kantianas lo trascendente y lo empírico. A lo largo del siglo XIX se crean toda una serie de ciencias que tratan de estudiar lo trascendente del hombre, de la antigüedad, de la historia, algo q da lugar al nacimiento de la antropología, sociología, o de la psicología, Este mecanismo de inversión de lo trascendente y lo empírico llegó un momento en el q se convirtió en una práctica cultural e inconsciente hasta que llega a percibirse la necesidad de crear una literatura en sí, trascendente, pura. Esta literatura nace de una revolución cultural como la del positivismo . Los escritores dijeron: si se ha creado un estudio del hombre en sí como es la antropología, ¿se puede crear el hecho empírico que es el hombre como algo digno de trascendencia?¿Por qué no crear una literatura en sí, una literatura pura, y por lo tanto trascendente como lo eran otras ciencias como la sociología o la psicología? Hay que aislar de todas las contingencias exteriores a la propia poesía y a la literatura misma, sus precedentes debían ser sólo los literarios o estéticos. Se buscó la idea de la literatura como una práctica incontaminada, como algo relacionado sólo consigo mismo, y digamos que esta deuda con KANT no es la única q tiene el Modernismo con este autor. Para KANT el sujeto se divide en dos niveles: entendimiento y sensibilidad Digamos que la literatura y el arte en general formarían parte según KANT del juicio estético que estaría dentro del entendimiento, serían formas de este juicio estético, pero decía KANT q hay q diferenciar tb entre un nivel puro e impuro dentro de este juicio estético ¿ porq? Para diferenciar por ejemplo la gastronomía de la literatura, y dice KANT la gastronomía pertenece a un nivel impuro del gusto, mientras que la literatura y el arte en general, responderían a un nivel puro del gusto. Dentro de esta modalidad de la moral estética, (la relacionada con el arte puro,) pueden comprenderse algunas actitudes de los intelectuales modernistas, como el encierro en la torre de marfil, la especialización literaria o la expansión entre política y literatura, digamos que estas actitudes de las que se acusó a menudo a los modernistas encuentra

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías su origen en esta idea de literatura como algo puro, incontaminado y que tiene que ver con la idea de arte y literatura de KANT.

4. EL ESTETICISMO MORAL Y ELVOLUNTARISMO
♠ ADOPCIÓN DE LA VOLUNTAD DEL ROMANTICISMO LUTERANO: SHOPENHAUER Y NIEZSCHE
Una nueva modalidad voluntarista viene a sumarse a la anterior, a la kantiana, partiendo del romanticismo luterano, nace de la voluntad de la naturaleza de SHOPENHAUER y de la voluntad de poder de NIEZSCHE. Mientras que la primera variante( la poesía pura) de la moral estética, se esfuerza por crear un ámbito en el que el objeto artístico sea algo completamente ajeno a la vida, en el sentido en que la entendía COMTE. COMTE: La vida es el nivel empírico del sujeto regido por la biología. La primera variante del esteticismo moral entendía que la vida era eso, y q por lo tanto el arte y la literatura no tendrían nada que ver con ellas, digamos que todos esos parámetros biologicistas y circunstanciales les dan igual. Frente a esto, el esteticismo moral de los voluntaristas se esfuerza por la constitución de un ámbito unitario en el q quepan tanto la literatura como la vida y se remontaron a la idea de vida que tenía el idealismo alemán. ARTE PURO MORAL ESTÉTICA VOLUNTARISMO → IDEALISMO ALEMÁN Muchos autores practicaron una u otra tendencia en diversos momentos de su vida. Dentro del componente voluntarista del modernismo podemos entender otras actitudes de los intelectuales del periodo como BAUDELAIRE, como RIMBAUD como POE, como QUIROGA, autores q se esforzaron por fraguarse una leyenda vital porq para ellos literatura y vida eran un ámbito unitario, por lo que había q construir la vida en términos estéticos tb, de ahí que construyeran su vida tb, dentro de las normas estéticas del modernismo o aspirasen a ello por lo menos. Estos autores quisieron convertir la vida en poesía, estos autores reclamaron para sí mismos el juicio estético kantiano pero no sólo lo concerniente al arte en sentido estricto sino en relación tb con todos los ámbitos de la realidad humana como una continuación de la relación romántica del arte y la vida. → COMTE

5. LA ANALOGÍA
Arrancando de este componente voluntarista llegamos a la analogía.

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías Por que vivir la vida como el arte y el arte como la vida supone una concepción armónica de la existencia que en el caso del modernismo arranca de las antiguas practicas esotéricas pero se extiende hasta el voluntarismo o el naturismo. AMADO NERVO: “ todas las cosas tienen una fisonomía especial, un alma, una vida poderosísima (…) es necesario, en el silencio del espíritu, pegar el oído al vasto pecho de la tierra para escuchar los cien mil latidos de sus cien mil corazones”. Los principios estéticos de la analogía desarrollaron un culturalismo exacerbado que fue más allá de la intertextualidad De ahí el interés de los modernistas por esos periodos en los que había una clara separación entre las diferentes disciplinas del saber humano. Si existe una analogía entre todas las cosas del saber humano, según el Modernismo es posible detectarlo a través de un proceso tan sencillo como la sinestesia o eso que BAUDELAIRE llamó correspondencias. De todas las correspondencias posibles, a la que se le dio mayor importancia durante el Modernismo fue a la musical, esto se debe a la herencia romántica, la música era la más sublime de las artes para el Romanticismo, esta tendencia se radica durante el XIX gracias a las teorías wagnerianas. WAGNER defendía que era posible la fusión de todas las artes en una sola melodía ideal. Este interés por lo musical hizo tb que el modernismo fuera un movimiento destacado por su virtuosismo métrico y rítmico, los modernistas en español experimentaron con todo tipo de metros y de ritmos desusados, aunque como dice TOMÁS NAVARRO TOMÁS “ tb llevaron a cabo una amplificación y simbiosis de los ritmos y metros tradicionales, rompiendo cláusulas rítmicas y periodos silábicos tradicionales”.

6. EL SINCRETISMO
En este nutrirse de todo tiene lugar el sincretismo del pensamiento moderno que comprende modalidades tan diferentes entre sí como el parnasianismo, el simbolismo, el impresionismo, el marxismo incipiente, el existencialismo… El intelectual modernista absorve fuerzas bipolares llevando estas contradicciones al territorio de lo moral, la dualidad del mundo viene a ser la lucha del bien y el mal. RUBÉN DARÍO: “ ¿Hay en mi sangre alguna gota de sangre de África o de indio chorotega o nagrandano? Pudiera ser, a despecho de mis manos de marqués” El sincretismo habla de tres tendencias temáticas en el modernismo: A) La americana B) La extranjerizante: Influencia francesa: cuyo origen puede explicarse porque Francia fue centro cultural del mundo, o bien porque la independencia literaria llegó a Hispanoamérica con 50 años de retraso respecto a la historia europea. El modernismo tendió a privilegiar lo francés frente a lo hispánico. C) Hispana DARÍO auna las tres tendencias temáticas del modernismo: la francesa , la hispánica y la americana: “ Bouquet”, “un soneto a Cervantes”, “Canto a Argentina” El gran representante de la tendencia americana fue JOSÉ MARTÍ: “No hay letras, que son expresión, hasta que no hay esencia que expresar en ellas. Ni habrá literatura Hispano Americana, hasta que no haya Hispano América. Estamos en tiempos de

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías ebullición, no de condensación; de mezcla de elementos, de obra enérgica de elementos unidos”.

DELMIRA AGUSTINI

9 Octubre-2008

♠ LA CONCEPCIÓN DE LA MUJER A FINALES DEL SIGLO XIX
Dentro de ese profuso movimiento q fue el modernismo, la mujer tendió a ser considerada como un objeto decorativo, como un fetiche espiritual, político estético. Al Modernismo le movió una clara voluntad de renovación que permitió que empezara la primera fase de la literatura hispano americana emancipada, en ese proyecto no tenia cabida la emancipación literaria de la mujer. De alguna manera hay una contradicción en este periodo q consiste en q muy pocas mujeres pasaron a formar parte del canon literario del periodo, sin embargo si uno se va a los ensayos o a los textos periodísticos del momento descubre frecuentemente alusiones a la gran multitud de escritoras sobre todo de poetas, que habían comenzado a escribir en este finales del siglo XIX. ¿Por qué esa contradicción no existía antes? Porque hasta el momento las mujeres que escribían eran una verdadera excepción y dejaron de serlo a finales del siglo XIX, sin embargo la mayor parte de ellas no han pasado a formar parte del canon. Decía RUBEN DARÍO en un artículo que se llama La mujer española”: “en este siglo las literatas y poetisas han sido un ejército, entre todo el inútil y espejo follaje los grandes árboles se levantan la Coronado, la Pardo Bazán estas dos últimas, particularmente, cerebros viriles, honran su patria. En cuanto a la mayoría de sinfonías cursis y safos de hojaldre entran a formar parte del abominable sister Hood internacional a que tanto a contribuido Gran Bretaña con su miles de …” En otro ensayo de RUBEN DARÍO titulado “ Estas mujeres “ contrasta con ironía la actitud de las sufragistas inglesas, a las q RUBÉN DARÍO llama “feas marivaronas y dignas de escarmiento”, con otras actitudes de reivindicación femenina que si eran más legítimas para RUBEN DARÍO como la actividad literaria, la actividad pictórica, que trivializa él a pesar de todo: “las pintoras de la legión y las novelistas ya no pueden contarse se dedican a estos como cualquier otro sport y hay muchas muy recomendables”. Distingue a las sufragistas de las pintoras y de las poetas, pero considera que el ejercicio del arte en ellas es un deporte, como cualquier otro. Fuera de eso existen las musas, referencia bastante importante, porque en realidad la mayor parte de las poetas que han formado parte del canon del Modernismo, no eran consideradas poetas en su momento, las llamaban musas, a pesar de que escribían seguían siendo consideradas inspiradoras de poesía, pero no autoras de poesía, RUBEN DARÍO llamaba a DELMIRA AGUSTINI una musa de la poesía cuando era una autora absolutamente legítima . Con frecuencia las alusiones a estas dos o tres poetas importantes de su tiempo se suelen hacer para destacar su valía del pene frente a la basura que las rodeaba y los méritos q se les atribuyen si es q se les atribuyen, suelen tener q ver con cualidades tradicionalmente atribuidas a los hombres, el afán intelectual, por ejemplo, la racionalidad, o literalmente la virilidad, lo curioso es que estas cualidades eran duramente reprimidas en las mujeres del fin de siglo, nos encontramos de nuevo con una contradicción

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías Las que escribían bien, escribían bien porque parecían hombres pero parecer hombre era cuasa de un fuerte rechazo a finales del siglo XIX, esto explica porqué tan pocas mujeres pasaron a formar parte del canon del Modernismo.

♠ AUTORAS DE ESTE PERÍODO
ALFONSINA STORNI GABRIELA MISTRAL JUANA BORRERO JUANA DE IBARBOROU DELMIRA AGUSTINI La mayor parte de las poetas modernistas han pasado a formar parte de una sección dentro del Modernismo conocida como Postmodernismo o como mucho han pasado a formar parte de una sección específicamente femenina del Modernismo, asi que de una u otra manera, su participación del canon es complementaria o dependiente del corpus literario masculino . ¿Por qué se incluye a estas mujeres en el Postmodernismo? Porque a nivel cronológico, efectivamente, sólo pueden incluirse en el Postmodernismo, sus obras son posteriores a las obras cumbres de los autores del movimiento como RUBEN DARÍO, el problema es que algunas que son coetáneas también son incluidas en el Postmodernismo porque no encajan dentro de los parámetros tradicionalmente atribuidos al Modernismo por la crítica, porque estos parámetros se construyeron sin tener en cuenta la obra de estas autoras y como no encajan hay que construir un grupo aparte . El problema es que no sólo los poetas y los autores literarios del Modernismo definieron a las mujeres según las convenciones tradicionales, sino que también lo hizo la crítica literaria, la crítica literaria participó de esta definición de la mujer escritora como una musa o objeto decorativo pero no solo la critica coetánea sino q críticos literarios posteriores de los años 60 y 70 reprodujeron tb esos prejuicios : ENRIQUE ANDERSON IMBERT: “Delmira Agustini fue una orquídea húmeda y caliente”. La convirtió en una especie de icono sexual algo que nunca se hubiese permitido hacer con un autor como RUBÉN DARÍO. Otro gran crítico hispanoamericano, EMIL RODRIGUEZ MONERAL dice que “Delmira Agustini es como una pitonisa en celo, obsesa sexual, y ninfomaniaca del verso” El problema era que muchos críticos y autores de este tiempo se encontraban con poetas de calidad, como era el caso de Delmira Agustini, así que para poder hablar bien de ellas sin perder su referencia, tendían a calificarlas con atributos masculinos. En un periódico que se llamaba El Siglo, que se publicaba en la misma época en la que DELMIRA AGUSTINI escribió, se decía que su estilo era completamente viril, y en una introducción a uno de sus poemarios, dice el prologuista : “yo no encuentro entre las poetisas autóctonas de América, una sola comparable a ella por su originalidad de buena cepa y por la arrogancia viril de sus cantos” . Es decir si nos encontramos a una autora o es mala y por lo tanto pertenece a la caterva de mujeres que escriben por deporte, o es una autora original, y por lo tanto viril. Ocurrió en este momento que muchas autoras firmaron sus obras bajo pseudónimos masculinos, aunque cada vez fue menos frecuente.

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías El caso de DELMIRA AGUSTINI y ALFONSINA STORNI es complicado porque su poesía es explícitamente sexual, y eso generó polémica y contradicciones entre los poetas y críticos de su tiempo. DELMIRA AGUSTINI en 1913, RUBÉN DARÍO prologó el más importante de sus libros: “Los cálices vacíos” donde decía que DELMIRA AGUSTINI era una niña bella. Pero para ser justos esta infantilización de DELMIRA AGUSTINI la cultivó ella misma, en una serie de cartas amorosas muy conocidas, donde inventó un lenguaje a medio camino entre la infancia primera y la edad adulta, lleno de onomatopeyas, diminutivos, y que firmó con el pseudónimo de La Nena. Es decir las autoras de la época participaban en esta ideología que las marginó a largo plazo. Este prólogo de RUBÉN DARÍO que era bastante paternalista, ha hecho que muchos críticos de este periodo atribuyan los aciertos poéticos de DELMIRA AGUSTINI, más que al esfuerzo poético de la autora, a la intuición y al instinto.

♠BIOGRAFÍA Y OBRA DE DELMIRA AGUSTINI
DELMIRA AGUSTINI era uruguaya, nación en 1886, en la ciudad de Montevideo, en el seno de una familia culta de una burguesía acomodada, fue hija única y su familia se consagró a su carrera literaria, incluido su padre que transcribía sus poemas. Su primer libro se llama: “ El libro blanco” 1907, un poquito antes en 1902, DELMIRA AGUSTINI había comenzado a publicar, en un periódico titulado la Alborada una especie de artículos, donde hablaba de las intelectuales uruguayas de su tiempo, y que ella llamó legión etérea. De 1910 es su siguiente libro, “Cantos a la mañana”y el último de 1913, “Los cálices vacíos” , DELMIRA se casó con su novio de toda la vida y a las pocas semanas se divorció, poco después de eso se va con su exmarido a un hostal y allí él la mata de dos tiros y luego se suicida, por eso se interrumpe su obra. “Los cálices vacíos” apunta a una transformación poética, que tambien se materializa en la serie de poemas póstumos, que se publicaron en 1924 bajo el título “El rosario de Eros”. La crítica TINA ESCAJA habla de dos fases estéticas dentro de la obra de DELMIRA Una fase que ella ha llamado como Discurso ofélico y está caracterizado por una representación de la mujer como un ser frágil, y por tanto de la fusión en ella del Eros y el Tanatos. El segundo discurso sería el Discurso orfico ( Orfeo fue devorado por las vacantes) y se caracteriza en la obra de DELMIRA por la intensificación de las imágenes de animalización a la hora de representar a la mujer, y por la revisión de los mitos más importantes del Modernismo, como es el caso del cisne. La voz única de DELMIRA AGUSTINI es atribuible fundamentalmente al enfoque de mujer q dio al movimiento, ¿en qué se debe ese enfoque de mujer? Pues en un planteamiento erótico de las temáticas clásicas del Modernismo, a través de un lenguaje que se fundaba no sólo una experiencia íntima amorosa, sino también en una experiencia de creación. DELMIRA AGUSTINI utiliza a menudo las mismas imágenes para referirse a la musa, a la poesía, a la fantasía, que para referirse al amado, como sucede en la poesía castellana desde Bécquer, que fusionó la poesía con la amada, la diferencia es que DELMIRA AGUSTINI dió tintes subversivos a esta identificación entre amor y poesía al dar vida a la estatua de piedra que era la mujer en los versos modernistas, en un poema que se llama “la Estatua” “ Miradla así de hinojos en augusta calma imponer la desnudez que asusta, Dios, moved su cuerpo, dadle un alma, ved la grandeza que en su forma duerme, vedla de arriba miserable inerte más pobre que un gusano, siempre en

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías calma”. Mientras que lo más frecuente en la poesía modernista es encontrarse poemas de amor a esculturas, a pequeños fetiches exóticos, a geishas, en esta poesía DELMIRA AGUSTINI mira a una estatua y siente compasión vergüenza y ganas de despertarla. Pero digamos que más allá de este erotismo, obvio en la poesía de DELMIRA y muy tratado por y por la crítica, su poesia destacó por una fuerte consciencia critica respecto al Modernismo y por eso se le incluye en el Postmodernismo.

♠ COMENTARIO DEL POEMA VISIÓN
1º ESTRUCTURA: La primera estrofa funciona como introducción, y encontramos un cierre o conclusión en las dos últimos estrofas. Hay una separación de dos partes claramente definidas, que se produce por el único verso suelto que encontramos en el poema, este verso no es casualidad ni formal ni semánticamente, todo lo que hay antes de este verso es una descripción del amado, de ese acercamiento erótico trascendente, de esa aparición a la voz del poema está aparentemente dormida. A partir de este verso la voz poética habla de sí misma, es un retrato de la voz del poema ¿Cómo se describe ese acercamiento? En a primera estrofa se habla de la ambivalencia de esa aparición, aparición de ensueño en esa habitación, y a partir de ese momento se habla del acercamiento de esa sombra masculina del amado. ¿Qué busca esa sombra? “(…) como a la copa de cristal de un lago sobre el mantel de fuego del desierto; te inclinabas a mí como un enfermo de la vida a los opios infalibles y a las vendas de piedra de la Muerte.” El retrato del amado tiene que ver con la enfermedad, con lo decadente en este caso, no como ocurría en el simbolismo francés que eran las mujeres las que se definían como inertes y enfermizas, ahora es él el que busca la salvación en ella a través del amor, busca el amor, la venda, la droga, El sintagma chispa de Dios es muy significativo de lo que está buscando esa sombra en ella, esa sombra se acerca a ella como si fuese una chispa de Dios, está buscando la salvación, la trascendencia. “Te inclinabas a mí como el gran sauce de la Melancolía a las hondas lagunas del silencio” Él es la Melancolía y ella la laguna del silencio, “te inclinabas a mí como la torre de mármol del Orgullo, minada por un monstruo de tristeza a la hermana solemne de su sombra,” Ella es la sombra de esa torre del Orgullo. Pero la metáfora que explica mejor toda esta parte es la última “(…) te inclinabas a mí como al milagro de una ventana abierta al más allá”. Estos dos versos resumen a la perfección lo que busca esta sombra del amado en la voz del poema, busca la salvación, la trascendencia en ella . Estos dos versos se pueden considerar la conclusión de esta primera parte. 10

LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías Esto hace pensar que a partir de aquí hay un cambio A partir de “¡Y te inclinabas más que todo eso!” empieza el retrato de la mujer que está hablando, pero este retrato es opuesto al que ha hecho del ser amado, ella se animaliza, se representa como una bestia, como una culebra, como algo desagradable, es lo contrario a lo divino, es un monstruo, no hay nada espiritual ni silencioso, ni trascendente en este autorretrato que constituye la segunda parte del poema. En esta segunda parte la voz habla del cuerpo de su sombra como un cisne, él simboliza toda la pureza, la aristocracia, la belleza, él es una estatua de lirios y sin embargo ella es una especie de serpiente entre los riscos de la sombra, hay que resaltar el contraste de los campos semánticos para los dos retratos. Vemos que en primer lugar ha aparecido una sombra con aspiraciones erótico trascendentes que son las que se describen en la primera parte del poema, En la segunda la voz del poema habla de sí misma, pero luego esa sombra desaparece, es decir, no culmina la aspiración sexual, ha despertado en ella un deseo erótico, pero ese deseo no se consuma, esa voz que está buscando en ella algo trascendente en vez de despertar en ella ansias divinas, ha despertado un deseo erótico que no llega a ninguna culminación ya que se retira antes de continuar. “Yo esperaba suspensa el aletazo del abrazo magnífico: un abrazo de cuatro brazos que la gloria viste de fiebre y de milagro, ¡será un vuelo! Y pueden ser los hechizados brazos cuatro raíces de una raza nueva” Esta raza nueva hay que entenderla simbólicamente todos los poemas eróticos de DELMIRA AGUSTINI tienen que ver con la creación, aquí hace referencia a una nueva raza de poetas, que habrían nacido de la fusión de lo masculino y lo femenino, pero la sombra se retira al lugar del que viene, en este sentido el poema tiene una estructura circular. 2º ESTILO: En primer lugar hay que hacer mención a la recuperación que hace el Modernismo del mito grecolatino del cisne, (Metamorfosis de Ovidio)Zeus se convierte en un cisne para seducir a Elena, que era una gran amante de las aves, y la viola con su pico, desde entonces el cisne se considera un símbolo del falo, no solo de pureza, y aristocracia; ella se da cuenta de que el que se esconde en el cisne es Zeus, el hombre al que ella rechazó. La resquematización de ese símbolo que hizo DELMIRA AGUSTINI, trastocando sus implicaciones de género, se puede hablar del imaginario decadente que sigue el poema, que no se cumplirá en todos los modernistas pero sí en el caso de DELMIRA se acerca al decadentismo francés con la animalización, por ejemplo, esa atmósfera oscura y claustrofóbica que tiene el poema. Primero empezamos con la habitación, que es oscura húmeda, llena de soledad, compara la aparición del amado con la aparición de un hongo, en vez de hablar de la visita en sueños de un fantasma idealizado, habla del nacimiento de un hongo en su habitación, y los hongos nacen de la podredumbre, hay mucho en el poema de muerte y vida, de los lazos entre la muerte y la vida. Hay tb una presencia fuerte de la enfermedad en el poema y de las drogas, de ese opio que curará esa enfermedad que sufre él. Hay alguna que otra imagen lírica apocalíptica, DELMIRA AGUSTINI tb tiene que ver con el manierismo francés, no sólo con la literatura decadente, 3º METRICA: 11

LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías Son endecasílabos prácticamente todos los versos, es el gran verso clásico del español, de vez en cuando están combinados con algún heptasílabo, En cuanto a la rima podemos decir que es bastante anárquica, no hay que olvidar que a finales del XIX y principios del XX es plena la libertad rítmica, pero en este caso es asonante en eo (deseo, miedo, empeño, enfermo, eso, cuerpo) y en ao, en la segunda parte del poema, (tanto, aletazo, abrazo, brazo, cuando) Hay una tendencia general a la rima asonante pero de vez en cuando encontramos alguna rima consonante suelta, como en brazo-aletazo, muerte-creyente, doblesentonces. ♠ EL CISNE LA CONCEPCIÓN MODERNISTA Y LA DE DELMIRA

AGUSTINI
En general el cisne fue para los modernistas el símbolo de la aristocracia y de la pureza, un símbolo masculino, sin embargo a partir de este momento DELMIRA AGUSTINI identifica este animal con lo femenino, hay muchos poemas en los que la voz del poema es el cisne, y el cisne se transforma en una especie de monstruo. ♠ COMENTARIO DEL POEMA NOCTURNO En este poema la voz femenina es el cisne, y el cisne ya no es el símbolo del falo y de la pureza sino que mancha de sangre el lago por el que nada, lo puro y lo blanco es el amado, el lago es el alma del amado. Utiliza metáforas que relacionan ese lago, esa alma, con el color blanco, con la joyería “engarzado en la noche el lago de tu alma, diríase una tela de cristal y de calma tramada por las grandes arañas del desvelo Nata de agua austral en vasos de alabastros”. Son todos símbolos de pureza relacionados con el color blanco y la luminosidad. Y los dos últimos versos identifican a la voz del poema con el cisne, que deja un rastro sangriento, ese rastro sangriento puede relacionarse con la menstruación femenina, si antes el cisne era el símbolo del falo ahora es el símbolo femenino este cisne deja un rastro de corporalidad, frente al antiguo símbolo espiritual del cisne, ahora el cisne cobra cuerpo, cobra carne, deja huella de su dolor mientras pasa por el lago. Ese lago blanco tb podría ser la página en blanco, uno deja huella en esa página en blanco, porque siempre hay q pensar cuando se lee a DELMIRA AGUSTINI en que la acción amorosa es paralela a

♠ COMENTARIO DE EL CISNE
Lo mas interesante de este poema es que el cisne se transforma en una especie de vampiro, que chupa la sangre, en este poema se habla de la naturaleza vampírica de la poesía, de cómo la poesía te chupa la sangre, Termina así el poema: ¡Yen la cristalina página, En el sensitivo espejo Del lago que algunas veces Refleja mi pensamiento, El cisne asusta, de rojo,

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías Y yo de blanca doy miedo! El cisne que antes era blanco y puro se tiñe de rojo y ella a quedado blanca, la ha dejado sin sangre. Por otro lado el mito del vampiro fue muy utilizado por los poetas franceses de finales del siglo XIX, tanto RIMBAUD como BAUDELAIRE tienen poemas dedicados a los vampiros, es un mito de moda.

JOSÉ ASUNCIÓN SILVA

14-octubre-2008 Es considerado como el poeta colombiano más importante de la contemporaneidad, y conservamos sólo 150 poemas. Se suicidó en 1896, cuando contaba sólo con 31 años de edad, no había publicado ni uno sólo de sus libros, estaba en la más absoluta ruina y le quedaban decenas de causas judiciales pendientes por deudas, poco antes de su suicidio había naufragado, en un barco, en Barranquilla, y había perdido toda su obra, se sabe que se perdieron libros como “Las almas muertas” y “Poemas de la carne” dicen que la peor parte se la llevó su narrativa, porque no sobrevivió nada, iban en el barco “Cuentos de razas” y “Cuentos negros” también se perdió en el naufragio una Nouvelle (novela corta) que se llamaba “Ensayo de perfumería” y una novela titulada “De sobremesa” que Jose Asunción Silva reconstruyó posteriormente, ésta está publicada. Los 150 poemas que conservamos están distribuidos en 4 grupos: A._El primero de ellos es el Libro de versos, que es el único que José Asunción Silva dejó preparado para publicar, y se publicó al final en 1933. B._Luego su obra de juventud, escrita entre los 14 y los 18 años, se encontró en la Biblioteca Nacional de Colombia en 1977, este grupo de poemas suele identificarse bajo el nombre de Intimidades. C._ El tercer grupo es un conjunto de poemas sueltos llamados Poesías varias. D._ Y finalmente llegamos a su obra cumbre Gotas amargas . Conservamos estos poemas porque José Asunción Silva tendía a leerlos en tertulias literarias, en cafés con los amigos, y aunque él no valoraba mucho sus poemas sus amigos sí lo hacían de hecho, los conservamos no gracias a JOSÉ ASUNCIÓN SILVA, sino a la memoria de sus amigos, que reprodujeron esos 15 poemas de memoria cuando él murió. ¿Qué aportan Gotas amargas a la literatura de su época? En primer lugar tenemos que pensar que se suicidó en 1896, cuando el modernismo estaba comenzando, o sea es un autor previo al Modernismo que se adelantó casi a la Vanguardia . El escribió con una ironía y con una distancia sobre el Modernismo que lo relacionan más con la Vanguardia, pero no ya con la de los años 30 sino con la Vanguardia hispanoamericana de los años 70 con el movimiento conocido como antipoesía, una poesía muy coloquial, basada en la circunstancia, muy sarcástica. Visión irónica respecto a los tópicos Modernistas. Su atención a la palabra cotidiana y a la anécdota, y rechazó de una forma muy ferviente las empresas trascendentes de su tiempo, el idealismo y la tendencia a la consagración del modernismo, de hecho los mayores altares de la tradición poética, el amor y la belleza quedan dinamitados en los poemas de “Gotas amargas” muy próxima esta obra al malditismo francés de RIMBAUD. Decía MIQUENOL PARRAS en su libro “Hojas de parra” de este movimiento antipoético de los años 70 que “la poesía morirá si no se la ofende, la poesía hay que ofenderla en público, este es un principio que parece cumplir este libro de JOSÉ

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías ASUNCIÓN SILVA, el de la ofensa a la poesía, a los principios consagrados de su momento.

♠ COMENTARIO DEL POEMA “FIN DE SIGLO”
Este mal de siglo sobre el que está ironizando JOSÉ ASUNCIÓN SILVA se llamó Spleen en Inglaterra y en francés Ennui, la más aproximada en español sería hastío para referirse a esta angustia existencial. En todas las lenguas existe esta melancolía existencial Aparecen personajes atormentados y suicidas como Manfredo de LORD BYRON o Werther de GOETHE . El médico ridiculiza esa crisis existencialista del mal de siglo y que representa SCHOPENHAUER. Lenguaje poesía despojada del siglo XX casi no utiliza adjetivos. Es una poesía dialogada no nos encontramos con un personaje que monologa sobre su alma, sino con un diálogo aséptico de los personajes : uno que expone deforma sobreactuada y afectada lo que es el Spleen, y un médico que lo ridiculiza. Podemos ver rasgos de antipoesía una poesía cotidiana, meramente circunstancial, cuando la tendencia era la poesía trascendente y retórica . Se ilustra en este caso la oposición entre la retórica, la afectación del poeta y el utilitarismo del médico, su pragmatismo. Sencillez simbólica con respecto a DELMIRA AGUSTINI, nos encontramos ante poesía narrada,

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías

TEMA 3: LA NARRATIVA HISPANOAMERICANA DEL SIGLO XX
1.-LA NOVELA DE LA NATURALEZA Y CRIOLLISMO
♠1.- DEFINICIÓN DE CRIOLLO. DIFERENCIAS DE ARGENTINA Y

VENEZUELA
Criollo: Descendiente de pobladores españoles nacido en Hispanoamérica Por lo tanto éstos se diferencian de los españoles o europeos residentes en Hispanoamérica pero tb de los indígenas e incluso del mestizo. Un mestizo es la mezcla entre indígena y no indígena. En cada país de Hispanoamérica hay matices de lo que puede significar criollo, no es lo mismo ser criollo en Venezuela que en Argentina, un país como Argentina que recibió una inmigración muy fuerte de españoles y de italianos entre 1880 y 1914, ha tendido a identificar a los criollos, con los pobladores del interior del país, en Venezuela sin embargo, la evolución de este término ha hecho que se identifique con lo nacional, y allí es independiente de la raza de la persona denominada criolla .

♠2.- FACTORES QUE DETERMINARON LAS TRES PRIMERAS DÉCADAS DEL SIGLO XX EN HISPANOAMÉRICA
A.-Neoespiritualismo europeo: movimiento espiritual de sacralización del arte y la literatura que nació como oposición al utilitarismo y al materialismo del progreso industrial y que va desde el simbolismo de BAUDEAIRE hasta el esoterismo de VALLE-INCLAN o el existencialismo de HEIDDEGER. B.-Nostalgia por el pasado agrario feudal, frente a la fuerte inmigración y a la expansión económica que amenazaba la hegemonía de los terratenientes. C.-Primitivismo como búsqueda de la identidad nacional. Primitivismo: tendencia artística francesa y alemana que trabajó por la recuperación del arte africano, en el caso concreto de Latinoamérica el primitivismo se tradujo en una búsqueda de los orígenes étnicos nacionales, en países como Perú o Bolivia fue una búsqueda de pasado indígena, en el Caribe tuvo que ver más con la búsqueda de los orígenes africanos y en el Cono Sur donde no se puede hablar de un gran sustrato indígena o africano hubo un acercamiento a la cultura gauchesca. Gaucho: un tipo solitario encargado de llevar las reses, de los oligarcas de un sitio a otro y nómada, esta última característica los diferencia de los campesinos. D.-Rechazo de la doctrina del panamericanismo y búsqueda del latinoamericanismo Como doctrina propugnada por el imperialismo de los E.E.U.U. y la sustitución de esta doctrina por una nueva doctrina latinoamericana. Nos encontramos situados en pleno siglo XX a transcurrido un siglo desde los movimientos de emancipación y de independencia, como celebración del centenario de independencia resurge con mucha 15

LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías fuerza en toda Hispanoamérica la idea de una unión entre todos los países hispanoamericanos y un rechazo al panamericanismo, por la creciente fuerza del imperialismo, estas son las razones históricas que impulsaron el nuevo latinamericanismo : el centenario de la Independencia por un lado, y el recrudecimiento del imperialismo estado unidense. Finalmente hay que hablar del impacto que tuvo la Revolución mexicana en toda la tinoamerica en estas tres décadas como uno de los factores históricos, esta revolución tuvo lugar entre (1910-1920). La Revolución Mexicana fue una revolución burguesa, que por primera vez institucionalizó el nativismo como una ideología nacional.

♠ 3.- CONSOLIDACIÓN DE PERSONAJES COMO SÍMBOLOS
Los autores más importantes de la novela naturalista fueron RÓMULO GALLEGOS Y JOSÉ EUSTASIO RIVERA. Durante la segunda década del siglo XX empieza a consolidarse la narrativa hispanoamericana, uno de sus primeros síntomas es siguiendo a FREUD y a NIEZTSCHE lo que se ha ido llamando constitución de personajes, entendidos como símbolos q trasciende la circunstancia individual al pasar a representar toda una generalidad de conflictos, así por ejemplo el personaje de RICARDO GÜIRALDES, autor argentino, su personaje Don Segundo Sombra, no es sólo un gaucho, sino que representa a toda la tradición cultural en extinción, se remonta a una tradición ya perdida. El nacimiento del nativismo y de la novela naturalista están vinculados y uno de los síntomas más tempranos del nacimiento de esa consciencia criolla, fue la búsqueda de un vinculo con la tierra, vínculo q habían desechado los españoles peninsulares, se dice que en la novela hispanoamericana de principios del siglo XX inicia un movimiento centrípeto, hacia su interior geográfico, en busca de las vastas zonas de la naturaleza donde se escondería el ser profundo de América. Estamos en una época en la que se están elaborando la teoría de cada una de las naciones hispanoamericanas, cada uno de los intelectuales se planteó, ¿qué nos diferencia de los españoles peninsulares? Que obviaron nuestro vínculo con la tierra, que América es un continente que ha tenido que construir su civilización sobre la selva y los grandes ríos. Buscaremos el ser profundo de América en esos vastos territorios sin conocer, por esta razón la principal temática, de la novela naturalista será el conflicto entre el hombre y la naturaleza. “Doña Bárbara” el principio civilizador ciudadano y humano se impone sobre el bárbaro natural, digamos que ROMULO GALLEGOS encaja más bien en el ideal europeo ilustrado. Sin embargo en la literatura de los años 60 que será la mezcla entre civilización y barbarie, es el que representa mas bien una novela como “La vorágine” pero en este momento de literatura al principio de siglo no estaba claro, hay una imitación de ciertos modelos ilustrados europeos, a la hora de entender cual era la relación entre civilización y barbarie, campo-ciudad, hombre-naturaleza.

4.-LA NOVELA NATURALISTA
En las tres primeras décadas veremos esta avidez por nombrar hasta niveles muy especifico lo que les rodeaba, el escritor buscó la enumeración de la realidad.

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías La pregunta que se hicieron los autores de principios de siglo fue ¿qué tenemos para empezar la literatura hispanoamericana? Y empezaron a enumerar la realidad que les rodeaba. AUGUSTO ROA VASTOS: “para crear una visión unitaria y orgánica de la realidad hispanoamericana, los autores de principio de siglo tendieron a realizar un inventario, del espacio que les circundaba”, un inventario geográfico, zoológico, botánico…

♠ 5.-RÓMULO GALLEGOS:
La novela “Doña Bárbara” fue publicada por primera vez en 1929, en Barcelona, su éxito fue inmediato y a esa edición le sucedieron otras muchas en España e Hispanoamérica, su autor ROMULO GALLEGOS fue el típico autor ilustrado con ideas muy liberales y regeneracionistas. Regeneracionismo: tiene que ver con la institución de la libre enseñanza es una, habla de alcanzar el progreso nacional a través de la Educación. RÓMULO GALLEGOS alternó su labor pedagógica, literaria y política fue presidente de Venezuela en 1947, se tuvo que enfrentar a dictaduras como la de CASTRO Entre sus novelas se encuentran “Reinaldo Solar”, “Cantaclaro”, “La trepadora”, “Canaima” y “Pobre negro” son novelas que coinciden en su interés por la necesidad de la identidad de una generación que sea a la vez individual y colectiva. ♠ 6.-DOÑA BÁRBARA Pero será “Doña Bárbara” la novela q fundirá sus intereses con toda la tradición cultural hispanoamericana cerrando ideológicamente un periodo de tendencia fundacional y nacionalista para abrir otro hispanoamericano en el q se embarcarán futuras novelas como “Cien años de soledad” de 1977. “Doña Bárbara” inicia un nuevo periodo de la literatura hispanoamericana, un periodo en el que, se va a ofrecer una visión unitaria de Hispanoamérica, ya no sólo nacional, y tiene que ver con esta idea del proyecto latinoamericano, esta búsqueda de una identidad entre todos los países hispanoamericanos. El personaje de Doña Bárbara que es la protagonista de esta novela, y podemos analizarlo en tres planos: A.- Un plano personal: a nivel personal es cruel, egoísta, destructiva, que padeció durante su adolescencia la esclavitud sexual, fue secuestrada y violada sistemáticamente, esta realidad biográfica la convierte en una mujer malévola, y codiciosa, que se enamora inevitablemente de su contrario, Santos Luzardo, un hombre más joven que ella, que nació en las chacras, que posee Doña Bárbara porque se ha apropiado porque como ella es una auténtica bestia oligarca, lo que ha hecho es aumentar sus territorios literalmente, invadiéndolos, Santos Luzardo fue a educarse a la ciudad donde adquirió los conocimientos para convertirse en un ser civilizado, RÓMULO GALLEGOS es un ilustrado así que sus personajes son pedagógicos, este personaje regresa al campo y se da cuenta de que todo está en manos de esta mujer que es una déspota e intenta ingresar la civilización en el campo, intenta poner límites a la barbarie, intenta civilizar tanto a las personas como a la zona en la que vive. B.-Un plano nacional: a nivel nacional Doña Bárbara es un símbolo de la vida feudal, que reinaba en el campo venezolano, y en los territorios marginales de América en general, digamos que su barbarie como personaje no es sólo telúrica (de la tierra) sino que es tb económica y social, ella simboliza tb la barbarie de la selva, representa un sistema económico en extinción, la ley del más fuerte,

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías C.- Un plano género: a nivel de género este personaje representa la Naturaleza procreadora, y destructora al mismo tiempo, Doña Bárbara es la mujer primitiva. La idea de la mujer capaz de arrasar con todo, de acabar con todo. Marisela es otro personaje que representa frente a Bárbara la naturaleza femenina fértil, por civilizar, es una naturaleza virgen, sobre la que se puede hacer algo, que su madre, Doña Bárbara ha expulsado de casa, y de la que se enamora Santos, porque Marisela es la naturaleza sin civilizar pero capaz de ser civilizada, al contrario que su madre. Marisela representa esta nueva América a la que puede llegar el progreso. Resumen de lo que hemos visto: La naturaleza estaba identificada con la barbarie, y uno de los límites de Hispanoamérica era el hecho de que esa naturaleza salvaje fuera preponderante, a nivel económico, social natural tb, y literal. Digamos que esa selva brutal significaba a nivel social y económico un sistema feudal y oligárquico, en vez de un sistema burgués, no había una sociedad y una economía plenamente arraigada en Hispanoamérica, sino una sociedad y una economía bastante feudales como herencia de la economía de la ciudad española tras la Independencia, así que lo q dijo RÓMULO GALLEGOS es que había que salir de eso, porque eso era un lastre para el progreso de Hispanoamérica, RÓMULO GALLEGOS era un pensador muy ilustrado y muy europeo, tiene que ver su literatura con la de Machado y su idea de progreso. El personaje de Doña Bárbara desaparece como desaparecerá la ideología al que representa.

♠ COMENTARIO DEL FRAGMENTO “DOÑA BÁRBARA”
Este es uno de los capítulos finales de la obra y el último en el que aparece Doña Bárbara. Vocabulario: Bezo: boca Ictericia: irritación cutánea que produce un color amarillento en la piel. Chacra: trozo de tierra Tremedal: pantano. El comienzo del párrafo tiene que ver con esta necesidad de nombrar, de señalar que forman parte de la realidad Hispanoamericana, esos nombres de pájaros, pero el resto del vocabulario del fragmento no es tan técnico, ni específico, el único momento con esas características es el primer párrafo. ¿Qué significa que Doña Bárbara no aparezca más en la obra? Lo que se está representando ante los ojos de Doña Bárbara es su propia tragedia, su propia muerte, de hecho el capitulo anterior acaba con la frase: las cosas vuelven al lugar de donde salieron; misteriosamente Doña Bárbara desparece y ve un acto de barbarie que ocurre en el centro del tremedal, el tremedal es como el eje de esa barbarie, que asusta que aterroriza a todos los seres vivos, es una representación alegórica, realmente no dice eso, pero es fácil pensarlo: El tremedal es una especie de abismo, que ejerce cierto magnetismo sobre los demás animales, ella está mirando con atracción lo que está sucediendo, primero que no le horroriza porque ella es una bestia y está asistiendo a un acto de bestialidad, sino que además le atrae. “Ese ya no se escapa, hoy come el tremedal” y la sensación que da no es de crueldad sino de deseo. Otros símbolos de ese magnetismo que aparecen son:

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías A nivel plástico que puede percibirse una representación de la vorágine, de círculos, las aves giran en círculos sobre el tremedal, todo el tiempo, esos círculos se superponen con los anillos de la serpiente, burbujas en el agua y una especie de ojo burbuja final, hay una sensación de abismo en la representación circular de los símbolos plásticos, tanto de las aves que sobrevuelan la escena como lo que sucede dentro del pantano. Estilo: Utiliza símbolos y alegorías, Aparecen gran cantidad de sintagmas expresionistas y redundantes en su tragedia , sobreactuados como, “silencio de muerte”, “pánico impresionante”, “trágico remanso”, “bestial terror”, “calma trágica”, plásticamente se diferencia también mucho de JOSÉ ASUNCIÓN SILVA, esto es lo contrario de lo contenido y de lo austero De la atmósfera resalta su oscuridad y su tensión que define como calma trágica está todo apunto de suceder, hay como una alternancia de chillidos y de silencio. Observamos características del Realismo como la descripción minuciosa , el inventario, es decir, lo alegórico y descriptivo mientras que del Romanticismo hereda el tono, y la retórica así como la localización natural. Es una novela algo esquemática ideológicamente hablando.

♠ 7.-JOSÉ EUSTASIO RIVERA
“La Vorágine” es otra novela del momento, de 1925, de JOSÉ EUSTASIO RIVERA, que fue diputado de Colombia, pedagogo, abogado y inspector de yacimientos de petroleo en una zona fronteriza entre Venezuela Colombia y Brasil, El vivió en la selva amazónica todo este tiempo, aparte de esta obra tb escribió “Tierra de perdición” .

♠ 8.-“LA VORÁGINE”
La primera parte tiene una estructura melodramática y consiste en la narración de los amores contrariados de Alicia y Arturo Cova, intelectual con aspiraciones a poeta, que se escapa con Alicia, son amantes. “La Vorágine” comienza con una carta, escrita supuestamente por el propio Arturo Cova a la que seguirá otra carta esta vez del propio autor dirigida a pidiendo disculpas al ministro colombiano por las incorrecciones y el estilo improvisado del texto, ¿Por qué pide disculpas JOSE EUSTASIO RIVERA? Porque supuestamente la Vorágine está atribuida al propio Arturo Cova, el artificio de la novela es que forma parte de una especie de diario de viajes o de autobiografía que habría escrito Arturo Cova y que se habría encontrado JOSÉ EUSTASIO RIVERA En la segunda parte de la novela se va abandonando todo el estilo exaltado romantico y retórico que caracteriza la primera parte para da r lugar a una ruptura de las aspiraciones burguesas del poeta, aparece la selva de forma abrupta que se convierte en un símbolo concreto q condiciona la vida de todos los hombres, una selva q esconde los horrores de la civilización, la selva no es este espacio idílico q era para la pequeña burguesía, ya no es el refugio del buen salvaje frente a la avance industrial ,sino que es el lugar donde se desarrollan, las nuevas condiciones de producción, la extracción de las materias primas bajo condiciones de explotación, En la tercera parte de la novela Arturo se convierte en cauchero (son los explotados, los esclavizados de la selva) y él termina siéndolo. Hay un momento muy significativo tras el encuentro de Arturo y Alicia, en el q Arturo Cova ve como su pierna empieza a hincharse y a supurar, a cogido una enfermedad que se llama veri-veri, que es una

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías enfermedad tropical y lo q le esta sucediendo es q se convierte en la mercancía por la que fue esclavizado, el cauchero muta en caucho él mismo. Esta novela plantea la desaparición de las antiguas condiciones que justificaban la separación de civilización y barbarie, entre campo y ciudad, introduciendo los elementos negativos de uno en la otra. Por primera vez se habla de las condiciones e la selva, QUIROGA tb habla de eso en su obra, la selva aparece como un lugar de explotación social, de barbarie económica y social, no sólo de barbarie natural.

2. LA REVOLUCIÓN MEJICANA
♠ 1.-ORÍGENES Y RAZONES DE LA REVOLUCIÓN

16-Octubre-2008

En 1908 tuvo lugar en México, un homenaje a GABINO BARRENA, un intelectual liberal, un reformador de la enseñanza en México, lo que inició la Revolución Mexicana fue un homenaje a un educador. En todos los actos que constituyeron ese homenaje, numerosos intelectuales mejicanos, manifestaron su disconformidad con el gobierno de PORFIRIO DÍAZ, en 1907 se había fundado el Ateneo de la Juventud, que fue sin lugar a dudas la institución cultural más importante de la Revolución Mejicana, el director de este Ateneo se llamaba GONZÁLEZ MARTÍNEZ, y el grupo al q pertenecía este poeta, había fundado tb la primera universidad popular mejicana, ¿Qué tipo de intelectuales forman este grupo? Pues lo formaban intelectuales de ideologías encontradas que iban desde posiciones roussonianas, es el caso de JOSÉ VASCONCELOS, ¿Qué significa roussonianas? La necesidad de la entrada de una educación regeneradora progresista, ROUSSEAU inició la idea de que en la naturaleza del hombre, pero tb en la naturaleza en general, se encuentra los valores necesarios para ese progreso científico técnico, es un refugio idílico de los mejores valores del ser humano, él decía “el hombre es bueno por naturaleza”, es la civilización, la sociedad la que corrompe. Encontramos tb a personajes como ANTONIO CASTRO, mucho más reaccionarios, ¿qué unió a estos personajes tan dispares para fundar este Ateneo, estos homenajes y esta universidad? Pues un claro antipositivismo, y la idea de q el imperialismo había traído consecuencias muy negativas en México, un dato curioso es que la mayoría de este grupo no pertenecía a la capital, sino que vivían en las provincias, ¿qué había pasado? Durante el largo mandato de PORFIRIO DIAZ el poder y la cultura se había centralizado en la Ciudad de Méjico mientras que en las provincias, a todos los niveles, hubo un abandono cultural, social, político y económico, de hecho, el modo de vida de la capital era completamente diferente al de las provincias, la alta y media burguesía imitaban la forma de vida europea y estadounidense, practicaban los mismos deportes leían los mismos periódicos, el modo de vida de la capital se había fraguado sobre modelos extranjeros. Por lo que no es extraño que toda esta serie de intelectuales sintiesen que la ideología de la capital no representaba a todo México, y se levantaron para mostrar su desacuerdo con este modo de vida, que no representaba a todo México, ¿En qué consistió la Revolución Mejicana? Consistió en un intento llevado a cabo por las capas burguesas más progresistas del país que vivían sobre todo en el norte, y que se aliaron con la pequeña burguesía liberal, o a otras clases como el proletariado y el campesinado, para acabar con la oligarquía y el latifundismo reinante.

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías Latifundismo: acumulación de las tierras de un país en las manos de muy pocas personas este tipo de distribución tiene su origen en la Edad Media. Parte de los lastres que arrastró Hispanoamérica de España fue su sistema económico y social feudal. Estas capas burguesas querían desarrollo industrial y burguesía para todo el mundo, era una nueva revolución burguesa a la que se sumaron otras capas de la sociedad, de hecho, hubo muchos problemas internos, que surgieron del interior de la Revolución por los diferentes que hubo dentro de ella. (1910-1920) El latifundismo y la oligarquía tiene mucho que ver con el caciquismo, no es que no hubiera democracia sino que el poder político se acumulaba en las manos de aquellos que tenían la propiedad privada, fue una Revolución antiimperialista, en aquellos momentos Estados Unidos tenía el monopolio de parte de los bienes de la industria mejicana, de hecho por ejemplo, la explotación del petróleo era puramente estadounidense. Asistimos a un hecho contradictorio, a una revolución burguesa antifeudal y al mismo tiempo antiimperialista . Leemos el primer fragmento de “Memoria de fuego” de EDUARDO GALEANO Es un relato histórico constituido por tres tomos, el primer tomo se llama “Los nacimientos” de 1982 el segundo se llama “Las caras y las máscaras” 1984 y el tercero “El siglo del viento” 1988. Cuenta la historia de América desde las mitologías precolombinas hasta los años 80, comienza con estos mitos de creación precolombinos, como si fuera una génesis. Otro libro de este autor es “Las venas abiertas de América latina” que es su libro más conocido, habla de la explotación de Hispanoamérica desde la edad de Cristóbal Colón, desde el siglo XV hasta el XX, otro libro de su autoría es “El libro de los abrazos”.

♠ COMENTARIO 1910 “CIUDAD DE MÉJICO”
Sabemos que el texto es antes de la revolución . El texto está construido como si fuera un ensayo de ficción, muy construido a nivel simbólico, como no suelen estarlo los libros de historia, el rechazo de toda estructura feudal e imperialista mejicana puede seguirse a través de este fragmento. En el 1ª párrafo aparece toda la clase corrupta de Méjico, todos los oligarcas, El cometa Halley es una premonición de la Revolución que se cernía sobre ellos en un montón de culturas la visión de un comenta se ha identificado como una forma de premonición, como un signo mágico, Lo que suele hacer EDUARDO GALEANO es reutilizar estos símbolos de las leyendas universales o populares, para conocer la historia de la acción mejicana. Si tuviéramos que pensar en algún símbolo que reflejara ese desarrollo industrial traído por el imperialismo sería el de “30.000 estrellas eléctricas” y esa “orquesta de 150 músicos”, es todo tan excesivo cuando sabemos cómo era Méjico entonces, nos encontramos en un reducto de riqueza exultante. Don Porfirio inaugura un manicomio en el Centenario de la Independencia, lo que está diciendo es que después de un siglo de Independencia, en Méjico lo único que hay es centralización del poder y abuso, el manicomio es un símbolo. Utiliza símbolos para hablarnos de una realidad histórica.

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías Junto a estos grandes latifundistas existía también una serie de pequeños propietarios llamados rancheros y cuya ideología representaba a la pequeña burguesía y terminó por convertirse en un modelo del nuevo Méjico. Entre estos rancheros se encontraban los caudillos de la Revolución Mejicana como por ejemplo PANCHO VILLA, OBREGÓN o ZAPATA.

♠ COMENTARIO DE “ANENECUILCO”
En este fragmento empieza a verse como GALIANO se alimenta de las leyendas populares y del retrato de los héroes, se hace eco de esa forma épica de representar a los héroes. El texto habla de las poblaciones que llevaban siglos en la misma tierra, y que han sido convertido en intrusos de su propia tierra, porque esas tierras no les pertenecen, pertenecen a unos pocos, a pesar de ello, dice GALIANO, todos los generales poseen títulos de propiedad, pero hace falta alguien que sepa defenderlos, es decir, que sepa defender que la propiedad de las tierras es suya, de las personas que trabajan esa tierra. Así que los intrusos en su tierra son los campesinos. Podemos ver q parte de la Revolución Mejicana defendió la idea de nacionalizar las tierras, devolverlas a sus auténticos propietarios, aquí sin embargo se habla de grandes plantaciones de azúcar (párrafo tercero) habla negativamente de estas plantaciones que sustituyeron a las de maíz, que era la base de la alimentación, mientras que el azúcar era la base de la exportación . Así que los pequeños propietarios de esos grandes latifundios, cambiaron las plantaciones de los alimentos básicos por las de las materias primas exportables, no se quedaban ni con el dinero ni con el alimento. En esta aldea solo queda la cruz de la iglesia, como si fuera un símbolo de en lo que se ha convertido el pueblo. En el penúltimo párrafo hace insistencia en que funciona la ley del más fuerte. “Zapata caudillo de los avasallados” avasallados porque se ha pasado por encima de ellos, y por que se comportan como si fueran vasallos “Su tropa de indios bien plantada, bien montada, mal armada crece al andar” parece indicar que el número de los hombres que le acompañaban fueron creciendo conforme iba avanzando la Revolución, desde luego, pero tb hay una alusión un poquito más velada referente a esos prejuicios del Indígena como ser pequeño y sometido que mira al suelo, esa tropa de indios crece tb humanamente, no sólo en cantidad sino en dignidad, La Revolución Mejicana fue el movimiento que se planteó por primera vez la ideología del nativismo, la idea de que en el fondo la identidad mejicana estaba relacionada con los indios que se convirtieron en un nuevo modelo de identidad mejicana y eso se institucionalizó en la literatura y en la educación.

♠ COMENTARIO 1912 “CAMPOS DE CHIUAHUA”
Surgen los primeros conflictos dentro de la propia Revolución, nos encontramos con un presidente con un destino tremendo pero con una gran voluntad de intenciones, un liberal completamente ilustrado, que creía en la necesidad de reformar jurídicamente y socialmente el país para alcanzar la justicia a través de esa vía, sin embargo se opone un poco a la reacción de estos rancheros, como por ejemplo ZAPATA que pensaba que la

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías Revolución tenía que empezar por el campo, por la reforma agraria, que devolvería los derechos de la tierra a los campesinos. Así que en el propio interior de la Revolución comienzan las distensiones. MADERO a pesar de todo alcanza el poder, PORFIRIO DÍAZ es expulsado, y se da en Méjico una constitución liberal.

♠ COMENTARIO 1911 “CAMPOS DE CHIHUAHUA”
PANCHO VILLA aparece retratado muy cercano al pueblo, tanto que parece ser un retrato popular, retrata la ideología popular sobre estos pequeños cuatreros, sobre estos cuatreros, es un tipo irreverente que baila, pega y liga, es decir, se centra en cuestiones del personaje que parecen darle dignidad popular, es un machote. Hubo un momento que se identificó esta ideología con la dignidad, se dijo que el Nuevo Méjico iba a ser un Méjico viril. Aparece como un mujeriego, es un retrato pícaro del personaje. Este personaje es una leyenda, ni siquiera su nombre es real, simboliza a su amigo que fue asesinado y recibió un balazo, la injusticia del poder político de ese momento y a todo el pueblo que como él sufre abusos. Él pasa a llamarse PANCHO VILLA contra la muerte y el olvido, para que su amigo siguiera siendo, pues bien, PANCHO VILLA es la encarnación de la leyenda, es un tipo que se hace delincuente para vengar a su hermana, en un país donde no hay justicia, él se convierte en un delincuente, y finalmente se suma a los campesinos que se levantan contra los patrones, al primer hombre al que asesina es a un patrón como si fuera un augurio de lo que más tarde sucederá . Todos estos elementos forman parte de la leyenda popular de PANCHO VILLA. La sensación es que PANCHO VILLA no era una persona, eran dos, porque era PANCHO VILLA y DOROTEO ARANGO y además no eran dos eran todos.

♠ COMENTARIO
Este fragmento habla de una primera quiebra en el seno del gobierno de MADERO, en el seno del gobierno revolucionario, pero más que de la existencia de un presidente en el poder trata de la alianza entre ese gobierno democrático y revolucionario y los antiguos políticos afines a PORFIRIO DÍAZ, habla de VICTORIANO HUERTA de un allegado a MADERO que era el presidente legitimo y democrático que había sido brazo derecho de PORFIRIO DÍAZ que se levanta contra MADERO, habla de cómo en el seno del gobierno mejicano de aquel momento estaban los traidores, los que pertenecían , los que habían pertenecido a la anterior dictadura, que se levantan contra la actual tb. GALEANO subraya en el primer párrafo como VICTORIANO HUERTA se convierte súbitamente a la democracia, había gente con mucho poder afines a PORFIRIO DÍAZ , así que cuando llegó la Revolución se produjo una alianza entre las nuevas fuerzas liberales y la antigua oligarquía y la manera de hacerlo fue incluyendo a políticos como HUERTA en el gobierno. El gobierno de MADERO era un aliado de ZAPATA y de PANCHO VILLA había diferencias en la forma de entender la nueva meta progresista de Méjico, unos pensaban que debía ser una reforma legal jurídica y otros realmente agraria. Aquí se manifiesta el levantamiento nacional que hubo dentro del propio gobierno. Mientras tuvo lugar la revolución mejicana hubo una contrarrevolución tanto por parte de la oligarquía como clerical. De hecho se llamó a la Revolución clerical Revolución cristera cuando se eliminaron los ingresos legales de la clase eclesiástica hubo levantamientos específicos, de

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías miembros de la Iglesia, y hubo una narrativa latinoamericana inmediatamente posterior a la Revolución Mejicana de 1920-1935 que se llamó Novela de la Revolución Mejicana , si hubo un instrumento literario de la Revolución Mejicana también hubo una narrativa cristera de la contrarrevolución . Hubo tb en Méjico en esta época una novela colonialista, que se remontó a la época del virreinato, y narró acontecimientos históricos, de una forma conservadora, centrándose en los retratos sociales y atmosféricos y utilizándolos como si fuesen ornamentos, no hubo una perspectiva crítica en esta literatura colonialista . ¿Cómo se llama a la literatura crítica de los años 70 que sí que llevó a cabo una revisión crítica de las colonias? Postcolonialismo fue una corriente crítica europea , francesa, estadounidense, africana, que sí que llevó a cabo esta crítica del pasado colonial.

♠ MARTÍN LUIS GUZMÁN
Autor muy representativo de la novela de la Revolución Mejicana, nació en Chihuahua, formo parte del Ateneo de la juventud, y en1913 se sumó a la Revolución tras ella se vió obligado al exilio y vivió largas temporadas en Estados Unidos y en España . En España publicó la que es su primera novela conocida “El águila y la serpiente” de 1928 sobre la Revolución, y q está construida a base de los recuerdos q el escritor conservaba de la Revolución, en 1929 publica “La sombra del caudillo” su novela mas importante, en la q habla de un gobierno posterior a la revolución tb liberal y progresista, cuyo presidente era CALLES, que fue derrotado bajo presión estadounidense, la presión tb fue interna, hubo unas fuerzas contrarrevolucionarias q favorecieron la caída de CALLES . Su narrativa es muy psicológica, centrada en el pensamiento de los personajes, y q tendió a buscar la adhesión de los lectores hacia algunos de sus personajes y el rechazo brutal de otros, era un autor estáticamente expresionista, con un humor negro característico, que hizo apostar por personajes sórdidos y por un claro efecto dramático en sus obras.

♠COMENTARIO 1913 “CULIACÁN”
Es un análisis de la narrativa de MARTÍN GUZMAN ilustrándola, en el fondo este fragmento de la etapa que MARTIN GUZMAN pasó en los hospitales es una ilustración de ese humor negro que caracteriza sus novelas, GALIANO nos impulsa esta especie de comprensión práctica de la historia. A veces el narrador en este libro habla por si mismo en un tono humorístico y en otros momentos el narrador adopta el estilo narrativo de los personajes de los que habla , ya sea un personaje popular, o un escritor, él lo que hace es contaminarse de ese registro, de ese tono, de esa simbología, así que el narrador muta en determinados momentos en el personaje que caracteriza, hay otros momentos en los que el propio personaje interviene, hay diálogos. Hay tres formas de narrar en memoria del pueblo: una la narración de un personaje q no es objetivo ni pretende serlo, otra de la del narrador q muta y otra q es la intervención misma del personaje en forma de diálogo En este libro hay poemas , hay corridos (= género musical en el q se habla de personajes reales o de leyenda), todas esas fuentes populares son incorporadas a la historia de GALIANO.

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías El siguiente fragmento está dedicado a un personaje AMBROSE BIERCE , escritor estadounidense carismático, y complicado, cuyas obras más importantes son: “El diccionario del Diablo” (1909)y “Fábulas fantásticas”, un libro de cuentos al estilo de POE y LOVECRAFT . Las entradas del Diccionario son aforismos sarcásticos sobre palabras que considera relevantes para su momento histórico y a veces son micro ensayos pero siempre con un tono humorístico y malévolo. AMBROSE BIERCE escribió una carta a un tío suyo diciendo q se iba a suicidar y se unió a la Revolución Mejicana, parece ser q murió en 1914, aunque no se sabe

♠ COMENTARIO 1913 “CAMPOS DE CHIHUAHUA”
¿Qué tienen en común el retrato de este personaje con el que hace GALIANO de otros q hemos visto anteriormente? Que es un personaje legendario, Narra su historia desde el inframundo, según el relato murió con 71 años, a pesar de que sabemos que no fue así, pero la sensación que da es que la leyenda a alargado su vida , por un lado es un personaje que narra desde el inframundo su propia muerte para dignificarla convierte en leyenda su propia muerte.

♠ MARIANO AZUELA

21-Octubre-2008 Pertenecía a ese grupo que durante la Revolución Mejicana se alió con la burguesía progresista, y con el campesinado contra las fuerzas oligárquicas, clericales y conservadoras, sostenidas por el régimen de Porfirio Díaz. Las primeras novelas de este autor mejicano, “Los fracasados” “Mala yerba” eran novelas caracterizadas por un naturalismo, idealismo, mesianismo del que AZUELA sería apartando progresivamente para una mayor profundización y conocimiento de las condiciones sociales de su país y de las contradicciones de su propia ideología. Pues bien, MARIANO AZUELA perteneció a este periodo de la narrativa de la Revolución Mejicana, (1926-1935) (en estas fechas se encuadraría la narrativa de la Revolución Mejicana) un periodo en el que se creó “La liga de escritores y artistas” revolucionarios”, que a través de un órgano de difusión llamado “Frente a frente” defendieron que la literatura se emplea tb como un arma de lucha ideológica y política paralela a las reivindicaciones obreras. Su novela más importante y emblemática es “Los de abajo” ambientada en un momento muy importante de la Revolución Mejicana q va desde la caída de HUERTAS en 1914 hasta el final de las luchas intestinas en el seno de la Convención constitucionalista q acabaron con la vida de PANCHO VILLA. La Convención contitucionalista fue una junta militar que acabó propugnando una constitución y este fue el momento culmen de la Revolución Mejicana, aunque al final las luchas que se derivaron de las diferentes fuerzas ideológicas de esa convención acabaron con el propio logro político de la Revolución Mejicana y con el fin de PANCHO VILLA. La novela de este autor transcurre desde ese 1914 hasta la caída de la Convención . Está protagonizada por Demetrio Macías que es un caudillo revolucionario, un ranchero honrado y valeroso q empieza a luchar por q sufre los atropellos del cacique local, y se termina convirtiendo en el modelo de los nuevos valores nacionales mejicanos, la novela tiene una estructura circular, comienza con la primera batalla de Macías y acaba con su muerte también en plena batalla, esta novela fue publicada por primera vez en

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías 1916 y por entregas, algo muy frecuente en la época, en un periódico que se llamaba “El paso del Norte” en realidad a la obra no se le daría ninguna importancia hasta, 1934, un año en el que sube al poder el presidente CALLES y empieza a discutirse seriamente sobre nacionalismo, ¿dónde se discute sobre nacionalismo? Pues una de las principales polémicas ligadas a este tema se debatieron en el periódico “El Universal” que defendió la necesidad de una literatura viril y que se identificase con una literatura nacional, y en el contexto de esta polémica, un intelectual llamado: FRANCISCO MONTERVE y propone la novela “Los de abajo” presentándola como fuente para la creación de esos nuevos valores nacionales, gracias a él sale a la luz el título de la novela, el nombre del autor (MARIANO AZUELA). Así que la novela fue leída intensamente y recibe una nueva publicación en España en el año 1937, MARIANO AZUELA tiene una obra extensísima que abarca el comienzo de la Revolución Mejicana, su desarrollo y la posrevolución da un panorama histórico del Méjico de su tiempo. ♠ COMENTARIO GALEANO Memoria de fuego 1915 El Paso La opinión de GALEANO sobre AZUELA no es muy positiva teniendo en cuenta la brevedad del fragmento y la importancia de AZUELA para la narrativa de la Revolución Mejicana, si lo comparamos con la entrada de GUZMÁN.

3. NARRATIVA DE VANGUARDIA
Durante la 2º década del siglo XX las letras hispanoamericanas de toda la retórica modernista y se manifiesta la necesidad de superar las categorías éticas estéticas y nociológicas tradicionales mediante actos y acciones provocadoras, aunque aparecieron de forma autónoma y original en diferentes países de Hispanoamérica hay q decir q los ecos de las vanguardias se manifestaron en casi todos esos países entre 1916- 1935 cada realidad nacional absorbió y elaboró de forma distinta estos fermentos de la vanguardia americana, europea, en cada país adquirieron características específicas aunque en general hay que decir que se trató de movimientos programáticos difícilmente homogeneizables si exceptuamos la típica actitud de rechazo y la politización que caracterizó de forma global a su ideología . En Ecuador, por ejemplo, fue muy significativo el llamado Grupo de Guayaquil grupo de narradores q fundio diferetes tendencias de vanguardia y se encargo de la publicación en 1930 de un libro q se llama “Los que se van (Cuentos del Cholo y del Montubio)” Un cholo es un indio de la costa Montubios: habitantes del campo costeño que desconocen la cultura urbana. Características de estos cuentos: a. Realismo social. b. Utilización de un lenguaje muy directo, crudo y agresivo. Aunque fueron precursores ninguno de estos autores realizó elaboraciones mágico históricas de tanta trascendencia como ALEJO CARPENTIER (cubano) MIGUEL ÁNGEL ASTURIAS (guatemalteco) URSUL ARPIETRI (venezolano). Estos son los autores más importantes de estas tres primeras décadas. El Grupo Guayaquil comenzó el camino de lo mágico histórico que alcanzó sus mejores frutos en estos tres autores. Las tres obras que inician estas narrativa magico-histórica, fueron “Las lanzas coloradas” (Arpietri) “El señor presidente” (MIGUEL ANGEL ASTURIAS), “¡E

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías cué-yamba-o!”(ALEJO CARPENTIER) estas tres novelas fueron escritas en los años 40 después de q estos tres autores vivieran en Paris, los tres se conocieron en tertulias parisinas en los años 30, donde reflexionaron sobre el origen de la entidad americana, y el resultado fueron estas tres maravillosas novelas con las que se inicia el realismo mágico, de hecho, casi nadie sabe que la palabra Realismo mágico, lo utilizó por primera vez ARPIETRI, que lo sacó de un término pictórico de la Alemania de los años 20, el verdadero inventor fue FRANZ ROH Años después CARPENTIER reformuló ese realismo mágico con el nombre “lo real , maravilloso americano”.

♠ VANGUARDIA NARRATIVA ARGENTINA
Tres primeras décadas del siglo XX, aunque llegó en realidad hasta los años 50, es imposible hablar de vanguardia argentina sin aludir a la confrontación de dos grupos de intelectuales como Florida y Boedo. Boedo caracterizado por una orientación política de izquierdas, tendencia al populismo, y por exaltar los valores morales de las clases más desfavorecidas. Cada uno de estos grupos tenían sus revistas: “Claridad”, “La campana de palo”, “Los pensadores”. Pertenecían a Boedo. Autores: ALVARO YUNQUE, LEÓNIDAS BARLETTA (dramaturgo), los hermanos TUÑÓN (poetas), CASTEL NUOVO (poeta). El grupo de florida giraba entorno a dos revistas: “Martín Fierro”, titulo en homenaje al gran libro sobre el gaucho, y “Sur”. Autores: JORGE LUIS BORGES, NORAH LANGE, OLIVERIO GIRONDO. Se ha asociado a este grupo con cierta ideología conservadora y sobre todo estéticamente con el ultraísmo europeo.

♠ ROBERTO ARLT
Nació en Buenos Aires en 1901, hijo de inmigrantes europeos, residió durante toda su infancia en las zonas más marginales de esta ciudad. Fracasó escolarmente y durante su primera juventud fracasó tb laboralmente, empezó a aprender de modo autodidacta a través de los libros que obtenía en las bibliotecas públicas de Buenos Aires, leyó subliteratura de folletín, literatura de tercera categoría, y todas estas lecturas desordenadas formaron su estilo. Empezó a trabajar como periodista, profesión de la que viviría casi toda su vida, allí en Buenos Aires conoce a RICARDO GÜIRALDES el autor de “Don Segundo Sombra” que lo nombra su secretario, y q será encargado de domar toda la desbordante energía expresiva de ROBERTO ARLT, pulirá su lenguaje y corregirá sus faltas de ortografía q luego le harían famoso, parecía uno de sus desafíos a la literatura bien hecha, a las buenas costumbres, despreciaba esos libros apacibles llenos de nubes sonrosadas. Su primera novela importante es “El juguete rabioso” aparecerá publicado en la revista Latina en 1926, el mismo año en que GÜIRALDES publicó su “Don Segundo Sombra”. Sin embargo no hay novelas más diferentes q “Don Segundo Sombra” y “El juguete rabioso” En ambas aparecen los primeros adolescentes de la literatura argentina, con la diferencia de q mientras en “Don Segundo Sombra” este gaucho logra efectuar la transmisión de los saberes criollos en el caso de “El juguete rabioso” ARLT defiende la imposibilidad de la transmisión material y simbólica.

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías “El juguete rabioso” pertenece a una trilogía de novelas que integran tb “Los lanzallamas” y “Los siete locos” . Los protagonistas de estas novelas son representantes de la clase media argentina, de los años 30 que tienen una triple característica común han sido avocados a la miseria, son marginados socialmente, y padecen todo tipo de tabúes sexuales. Otra característica de la literatura de ARLT toda su obra esta escrita con el lenguaje vivo del Buenos Aires de su tiempo y recoge las particularidades que todo el aluvión de inmigrantes aportaron a la lengua, 1949 publica “El Túnel” los personajes de esta novela no vosean entre sí, se tutean, hablan en un español internacional estándar. Los libros de ROBERTO ARLT dan la sensación de que la única manera de afrontar un conflicto sea la violencia, y la violencia no parece tanto una estrategia para resolver una situación como una forma de anularla, él no resuelve él anula. Sus personajes no encuentran nunca el camino, huyen se suicidan, deambulan. Para ellos la riqueza dentro del capitalismo sólo se puede conseguir por vía delictiva o por un golpe de suerte. A pesar de esto no perteneció al grupo Boedo, aunque mantuvo una relación muy estrecha con algunos de sus autores, por ejemplo con LEÓNIDAS BARLETTA, se diferencia de este grupo porque en su obra no hay una idealización del mundo de los humildes, la forma de representar la miseria o el sufrimiento, era la de la propia tradición popular, o sea la del sentimentalismo, dijo ROBERTO ARLT “¿Cómo representamos la miseria?” recurriendo a la propia tradición popular del sentimentalismo, que él parodió y exasperó hasta límites inverosímiles. El barrio de ROBERTO ARLT no era un lugar pintoresco ni expresionista, no tenía nada que ver con el tango era más bien el infierno de la pequeña burguesía Estas tres novelas se nutren del imaginario de la Revolución que circuló en Argentina a partir de 1930, con retazos dispersos de los discursos fascistas y comunistas que podían seguirse por los distintos núcleos individuales, de esa época, frente a la ideología peronista de estos años en la obra de ROBERTO ARLT no hay conciliación de clases sólo lucha de clases y violencia. Sus protagonistas no tienen consciencia de pertenecer a ninguna clase, no son proletarios. Si tuviésemos que identificarle con alguna tendencia política, no sería el comunismo, sería el anarquismo. “Adán Buenos Aires” este libro de LEOPOLDO MARECHAL responde a la idea peronista de la conciliación de clases y se opone a la literatura ARLT.

LA VANGUARDIA VENEZOLANA
Al grupo de estos autores se le llama Generación de 1928 porque se manifestaron contra el régimen dictatorial de VICENTE GÓMEZ en febrero de ese año, fue un grupo de estudiantes q fundaron la Federación de Estudiantes Venezolanos FEV y cuyos intereses se centraron en la evocación lírica de la historia nacional y el problema de la originalidad del arte americano. Autores cubanos: RÓMULO GALLEGOS ARTURO URSUR ARPRIETI JOSÉ ANTONIO RAMOS SUCRE: se caracterizó por ser de la Vanguardia, Su abuelo ANTONIO JOSÉ DE SUCRE era venezolano luchó por la revolución, por edad pertenecería a la generación anterior pero por estética hay que encuadrarlo en la Generación de 1928. Publicó en la revista “Élite” una serie de textos aforísticos q luego serían recopilados bajo el título de “Granizada” “Los burgueses se caracterizan por miedo de parecer burgueses” 28

LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías “El matrimonio es un estado zoológico” “Lo único decente que se puede hacer con la historia es falsificarla”

♠ SILVINA OCAMPO
Era hija de la alta burguesía nació en 1903 en Buenos Aires, es completamente distinta al personaje de ROBERTO ARLT, emigró con sus padres pero esta vez a Paris, donde estudió pintura con GIORGIO DE CHIRICO pintor surrealista, regresó a Buenos Aires, allí conoció a BORGES en 1933, y éste le presentó a ADOLFO BIOY CASARES con el que se casaría en 1940 y con él y con BORGES publicaría el libro titulado “Historia de la literatura fantástica” 1940 fue una antología de cuentos elaborada para defender que dos libros como “El jardín de los senderos que se bifurcan ” y “La invención de la Moral” pertenecían a una tradición literaria no eran obras aisladas. Si tuviéramos que caracterizar la literatura de SILVINA OCAMPOS podríamos elegir las palabras de ITALO CALVINO que decía de ella que “en su obra había una ferocidad que tenía mucho que ver con la inocencia” y casi en la misma línea BORGES dijo que “Silvina posee una inocencia cruel y oblicua”. Su hermana VICTORIA OCAMPO fue la fundadora de la revista “Sur”.

HORACIO QUIROGA ♠ BIOGRAFÍA

28-Octubre 2008

Horacio Quiroga es un autor inmediatamente posterior al Modernismo o q incluso podría ser incluido en este movimiento. Nació en 1879 y murió en 1937 y su referente literario inmediato fue el Modernismo, en la ciudad del Salto, Uruguay, su padre era un embajador argentino, y su madre era uruguaya, si tenemos en cuenta que pasó gran parte de su vida en la selva de Misiones, Argentina, y que realizó casi toda su labor profesional en Buenos Aires, podríamos decir que HORACIO QUIROGA tiene derecho a ser considerado como un escritor rioplatense, más que uruguayo o argentino. Aunque el vivió en Salto ciudad de la que heredó cierta atmósfera de libre pensamiento, y anticlericalismo, QUIROGA viajaría pronto a Paris, de este viaje a Paris nos queda un texto llamado “Diario de un viaje a Paris” donde cuenta su decepcionante experiencia parisina, viajo en el año 1900, el año de la 4º Exposición Universal, pero nada más llegar se gastó todo lo que tenía en una bicicleta y en una prostituta, el viajó como un señorito a Paris y se encontró que la vida bohemia parisina, era bastante miserable, asi que completamente decepcionado con esta decadencia, y ese estilo de vida, regresa a Montevideo, y será posteriormente en la selva donde QUIROGA refine su lenguaje, digamos que QUIROGA bebió del viejo mundo para regresar luego al nuevo y transformar su literatura, conoció Europa para luego emanciparse, participa en esta idea de la necesidad de hacerse fuerte desde una periferia que al mismo tiempo es el origen y destino que uno elige, pertenece a esta ideología latinoamericana que consiste en cultivar la fortaleza de la periferia. De regreso a Montevideo, QUIROGA cultivó la bohemia más agresiva, y el dandismo en los cenáculos modernistas de la capital, después de el eso marchó al Chako e intentó poner en marcha una plantación algodonera, su proyecto será un fracaso y se arruinará una vez más, pero con el fracaso de su empresa comienza su actitud robinsoniana ante la vida, su necesidad de fundar un mundo de cero, y al mismo tiempo comienza su ejercicio de lo que podemos llamar un paisajismo artificial, que podríamos definir como la necesidad de encontrar sofisticación, cultura y artificio dentro de la naturaleza.

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías Él fue el fundador de la narrativa breve moderna, eso no lo consiguió ni en Buenos Aires ni en Paris, sucedió en medio de la selva, porque el buscaba el artificio y no la naturaleza pura en la selva, él creyó q era posible conjugar artificio y naturaleza, en ese corazón de la selva. Anécdota reveladora de su ideología: QUIROGA forraba todos sus libros con piel de serpiente, de forma que meter una mano en su biblioteca era como hacerlo en la selva. En esta anécdota se explica esa fusión de cultura y barbarie que tan característica fue de él. La selva y una vida trágica marcaron la obra de QUIROGA, Su primera relación con la muerte es infantil, su padre se pegó un tiro bajando de una barca por accidente, luego él mató a un amigo por accidente, a Federico ferrando, su primera mujer se suicidó tras una larga estancia en la selva, su padrastro, él mismo en 1937, en medio de una enfermedad terrible, agonizando, y posteriormente uno de sus hijos, realmente su experiencia con el dolor, la enfermedad y la muerte es real, y eso marca su obra, su obra se nutrió de toda esta experiencia trágica. QUIROGA se trasladó a Buenos Aires donde comienza a publicar cuentos en revistas importantes como “Fray Mocho”, El Hogar”, “La Nación” las mas importantes de sus colaboraciones las publicaría sin embargo en “Caras y Caretas” “Cuentos de amor de locura y de muerte” 1916 Pero publicó libros posteriormente considerados importantes para la literatura rioplatense como “Cuentos de la Selva”, “El Salvaje”, “Anaconda”, “El desierto”, “Los Desterrados” y “Más allá”.(1935) Hay una evolución en ellos, el punto de partida es la barbarie selvática, continua hacia la desolación, y la muerte. Aunque sus libros están caracterizados por la tragedia y muy marcados por la muerte, son bastante cómicos algunos de ellos, de hecho, se habla de la importancia de la literatura infantil de QUIROGA ya que algunos de sus cuentos son considerados así, sobre todo es el caso de “Cuentos de la Selva”. Estuvo muy influido por la obra de RIDYARD KIPLING Algunos de sus libros están protagonizados por animales, que hablan con naturalidad, aunque en el caso de los “Cuentos de la Selva” hay conclusiones morales un poquito más obvias. “Cuentos de amor de locura y de muerte” Puede percibirse una demora argumental y atmosférica que será exasperante en los cuentos de QUIROGA, q se precipita finalmente en la tragedia, de hecho la mayor parte de los cuentos parten del conocimiento de esa tragedia aunque QUIROGA consigue mantener el suspense y la tensión hasta el final. Estilísticamente QUIROGA le dio un lavado de cara a la retórica modernista, fue acortando las frases de esa prosa narrativa con la q se encontró, las tensaba, simplificó el discurso, y estilizó el lenguaje coloquial. Decía: “hay que usar los lugares comunes con mala fe” Es un buen resumen de su trabajo con los tópicos, con los lugares y con el lenguaje coloquial que estilizó hasta convertirlo en extraño. En Caras y Caretas, la revista donde publicó parte de sus cuentos, le impusieron una longitud de 6 ó 7 caras por cuento q le obligo a reducir y tensar su prosa, fue curiosamente esta presión exterior la que pudo condicionar ese estilo tan característico de QUIROGA posteriormente, se vio obligado a prescindir de adjetivos, y de anécdotas irrelevantes para concentrarse en esas 6 páginas, este es un ejemplo de como los 30

LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías condicionantes externos no son siempre una presión negativa, QUIROGA convirtió una presión del mercado en una virtud literaria. Algunos de los autores q influyeron en su obra fueron CHEJOV Y DOSTOIESKVY así como los naturalistas franceses del siglo XIX, fue un autor que arrastró el empirismo de estos autores hasta lo grotesco, más que un autor de complejos argumentos tendríamos que hablar de él como un experto en mundos interiores. Una de sus mayores incomprensiones la sufrió en vida, cuando empezó a decaer, literaria y personalmente, empezaba la literatura de vanguardia argentina, empezó a escribir Borges y los martinferristas, que realmente sólo vieron lo externo de la literatura de HORACIO QUIROGA, GUILLERMO DE TORRE dijo de él: “su obra tiende al desaliño” es el autor de “Literaturas europeas de vanguardia” Hoy ese desaliño es una de sus virtudes. Quizás para defenderse de los ataques que estaba recibiendo QUIROGA empezó a escribir sobre el cuento, se convirtió en crítico literario del propio género que él practicaba, y esas conclusiones teóricas sobre el cuento, son un trabajo teórico hecho a posteriori, no teorizó sobre el cuento ni antes de escribir ni mientras escribía, sino justo al final de su vida, y fue el primero que lo hizo. Fue el iniciador de la teoría del cuento en Hispanoamérica, en su texto teórico más famoso,“Decálogo del perfecto cuentista”, se establecen las normas para escribir un buen cuento; aunque fue muy criticado por iniciarse en esta teoría crítica del cuento, realmente inició tb una tradición de ensayistas-cuentistas.

♠ PRÁCTICAS DE “CUENTOS DE AMOR DE LOCURA Y DE MUERTE”
En primer lugar hay que destacar que no aparezca una coma en el título, la gramática tradicional exigiría la presencia de una coma en la enumeración, la primera edición de estos cuentos se publicó con esa coma, es decir, “Cuentos de amor, de locura y de muerte”, sin tener en cuenta que esa omisión fuese voluntaria sin tener en cuenta que podían existir razones estéticas no gramaticales, para hacerlo. ¿Por qué QUIROGA no puso esa coma ni en su manuscrito ni en las ediciones posteriores a la primera? Viendo que QUIROGA era un hombre que corregía constantemente sus textos podemos pensar que no fue arbitrario, hay una necesidad al quitar la coma de pronunciar los tres elementos en un solo impulso, el hecho de quitar esa coma acelera la enumeración y acerca los tres términos, los aproxima, esto no es ninguna tontería si pensamos en los cuentos de QUIROGA en los que la relación entre la locura, la muerte y el amor es muy estrecha, esa coma supone una frontera que hay que eliminar. “Una estación de amor” Sinopsis: A Nébel la madre de su amada Lidia le prepara una trampa para que se case con ella en primer lugar cuando son adolescentes, y luego 10 años después. Nos encontramos con un intelectual, de la alta burguesía que se enamora de una chica joven, bella, pura, virginal y de él se quieren aprovechar, lo reencuentran y tratan de utilizarlo para sacarle dinero, porque lo necesitan además, están en la más absoluta miseria y quieren sino chantajearlo por lo menos prostituirse y sacarle dinero, Sin embargo a pesar de que da la sensación de que se quieren aprovechar de él, Nébel dice una frase clave para la interpretación del texto: “no me juzgues peor de lo que soy” Él se siente mal porque él durante su juventud despreciaba a una burguesía en la que se acaba convirtiendo, así que de alguna manera el encuentro con Lidia le coloca un espejo delante, como en tantos cuentos de QUIROGA los protagonistas se ven reflejados

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías cruelmente al final de la historia, Nébel se da cuenta que traicionó su primer amor, un amor puro, y que además se ha convertido en el burgués que él despreciaba,. El cuento tiene que ver con el cambio en la relación de os protagonistas y el que experimentó Nébel en su vida desde que la conoció. El está retratado como un hombre inconstante en su amor, a los 18 es un romántico, su amada responde al ideal de belleza de los románticos, es enfermiza, blanca y pura, pero curiosamente eso que tanto le atrajo durante su juventud, es lo que le repugna cuando ya se ha convertido en un burgués, esa belleza mórbida no tenía otro futuro que el de Lidia a los 30 años, drogadicta y hundida. También es un joven romántico en su relación con la autoridad y que se quiere suicidar por amor, pero esta intención de suicidio aparece ridiculizada, en este tipo de tópicos de QUIROGA aparece la exageración y la comedia. El cuento nos plantea la historia de un chico completamente enamorado que en muy poco tiempo pasa de esa desesperación amorosa a la decepción, e incluso al odio, es inconstante y bastante neurótico. Si echamos un vistazo a los protagonistas de los relatos modernistas podemos percibir que con frecuencia que las protagonistas femeninas son tachadas de histéricas, por ejemplo Lidia de este cuento o Alicia de “La Vorágine” de JOSÉ EUSTASIO RIBERA Curiosamente si observamos el desarrollo de estos personajes observamos que persiguen una meta con mucha constancia, utilicen o no estrategias morales, algunas de ellas utilizan estrategias inmorales para con seguir sus fines, tienen clara cual es esa meta y hacen lo posible por alcanzarla. Sin embargo los protagonistas masculinos suelen encajar bastante bien con el modelo de joven romántico, un tipo que se enamora desesperadamente de una mujer virginal y pura, una chica que cederá a sus deseos eróticos, provocando una decepción en el personaje masculino y que la repudie posteriormente, la chica repudiada se refugia en los brazos de otro hombre, y por la vía de los celos el joven romántico vuelve a amarla, finalmente se descubre que en la mayoría de los casos esa joven nunca lo traicionó, que era todo puro fingimiento, y que siempre lo amó. Este argumento se repetirá una y otra vez en los relatos modernistas. Son estos personajes los que están instalados en la neurosis. Este argumento aparece en “Una estación de amor”, pero sobre todo en “La muerte de Isolda”. QUIROGA escribió tb una obra de teatro que se llamó “Los sacrificados” cuyo argumento es muy semejante al de “Una estación de amor” . “La muerte de Isolda” Esta narrado a partir de un espectador del teatro que ve a la pareja formada por un burgués viejo acompañado de una joven bella, que mira insistentemente al hombre sentado al lado del narrador, y que le cuenta al espectador la historia de amor fracasado que ocurrió entre él y esa chica. Aunque el tema de la diferencia de clase entre los personajes es muy frecuente en los textos de QUIROGA siempre está el problema de fondo de la decepción amorosa, producido cuando la joven pura se entrega a su amado, perdiendo así su pureza, “El Solitario” Joyero q se casa con una joven obsesionada con las joyas que el hace. Bassin es un hombre enfermizo en sentido psicológico, de carácter débil, honesto, q trabaja demasiado, no quiere enriquecerse.

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías María es una joven muy bella, más joven q él, ambiciosa, q acaba conformándose con estar casada con Kassim, ella proviene de un estrato social humilde, en realidad no ama a su marido. María presenta una doble frustración, la primera es la aspiración económica insatisfecha, y la segunda sería su insatisfacción sexual. No cumple como marido, su frustración q le lleva a la locura no es sólo económica. La joya q el está trabajando es un solitario para un hombre, es un artilugio punzante, un alfiler. Este detalle es importante porque primero el alfiler es un objeto afilado, como su propio nombre indica, se puede clavar y matar a alguien, es una joya masculina, ella desea al alfiler porque es un sustituto del falo. El asesinato funciona como una alegoría del acto sexual, en todos sus pasos, desde la entrada de él hasta la posición de ella en la cama, con el pecho descubierto, la forma en la que describe el alfiler, y tb la forma de retirarse de la cama. ¿Quién es culpable de este asesinato? Según el cuento María es la culpable porque ha traspasado el límite de respeto hacia el varón. Ella intenta poseer esa joya ese alfiler, ese falo y entonces él tiene q matarla para q no lo posea. Es un acto de defensa propia. “Los Buques suicidantes” Esta historia está contada desde el interior de un barco en el q uno de los protagonistas narra lo que le ocurrió en uno de esos barcos suicidantes al resto de os pasajeros, algunos lo cuestionan llamándole farsante, otros le creen, de hecho además de la historia de los buques suicidantes hay una temática paralela, la de la verosimilitud de la ficción, es decir, lo que está contando este capitán es una historia verdadera, no sólo es ficción . ¿Qué diferencia hay entre los buques q se quedan sin tripulación y los que impactan con ellos? Los barcos q impactan son barcos de vapor y lo hacen contra los de vela, estos últimos artesanales representan a una forma que amenaza a los de vapor, barcos industriales q representaban el progreso en aquel entonces, es el fantasma del pasado lo que está amenazando a los nuevos barcos. Tiene mucho que ver con la ideología modernista y los conflictos del modernismo, no es una amenaza cualquiera la de estos barcos. El suicidio de esos marinos está narrado como un hecho sin importancia, hay una austeridad absoluta en la descripción del hacho. La diferencia entre el único tripulante que sobrevive y el resto, es que se relaja ante la idea de la muerte, la acepta, no lucha como los demás contra esa idea que acaba por destruirlos. Lo que desencadena que la tripulación se arroje al agua es el silbido que escuchan desde la borda, que recuerda a los cantos de las sirenas de Ulises, buscan su perdición después de un silbido. Este elemento funciona como el realismo mágico, estos tripulantes caen en una especie de hipnosis producida por los silbidos. Desde la cubierta desierta se ve una máquina de coser con la aguja suspendida sobre la ropa, este detalle es un ejemplo de la técnica narrativa de QUIROGA, la aguja apunto de caer,

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TEMA 4: POESÍA DE VANGUARDIA
1.- HUIDOBRO
6-Noviembre-2008

INTRODUCCIÓN: Tres fechas marcaron el nacimiento de la literatura de vanguardia en todo el mundo, a principios del siglo XX: A.-La primera guerra mundial (1914-1918). B.-La Revolución Rusa de 1917 C.-La muerte de RUBÉN DARÍO en 1916, en el caso concreto de Hispanoamérica, simboliza el paso del Modernismo a la Vanguardia. La palabra que mejor define el espíritu de vanguardia es la “fragmentación”; una fragmentación que no es sólo la del discurso sino que es también la de los movimientos que se sucedieron unos a otros con gran rapidez y q mantuvieron diferentes posturas tanto estéticas como ideológicas, manifestando en mayor o menor medida una actitud de ruptura. Entre los numerosos “ismos” que nacieron en Occidente se encuentran el futurismo, el dadaísmo, el cubismo o el surrealismo. ☺ Futurismo: El Futurismo surgió en Milán, Italia, impulsado por FILIPPO TOMMASO MARINETTI. Publicó en 1909 el “Manifiesto futurista”. Rechazaba la estética tradicional e intentó ensalzar la vida contemporánea, basándose en sus dos temas dominantes: la máquina y el movimiento. En 1915 algunos de los representantes del futurismo, como MARINETTI y SANT'ELIA, se enrolaron en un batallón de voluntarios, de acuerdo con el punto nueve de su decálogo fundacional, donde se ensalzaba la guerra como la única higiene del mundo. Algunos de ellos murieron, como SANT'ELIA, y los demás radicalizaron sus posiciones, como la conocida conversión al fascismo en las elecciones de 1919. Habla de la fuerza como sentido destructor. Los pintores de este movimiento de dedicaron sobre todo a la cartelería, ligados al fascismo italiano, la estética futurista fue utilizada posteriormente por el nazismo alemán para su propaganda. “Los hijos del limo” de OCTAVIO PAZ ensayo sobre el futurismo y las vanguardias en Hispanoamérica. ☺ Cubismo: El cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por PABLO PICASSO, GEORGES BRAQUE y JUAN GRIS. El cubismo trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, representando todas las partes de un objeto en un mismo plano. Es considerada la primera vanguardia ya que rompe con el último estatuto renacentista vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. La representación del mundo pasaba a no tener ningún compromiso con la apariencia real de las cosas. El término cubismo fue acuñado 34

LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías por el crítico francés LOUIS VAUXCELLES. Fue el francés APOLLINAIRE quien lo adaptó en la literatura. Busca recomponer la realidad mezclando imágenes y conceptos al azar. El cubismo literario nace del cubismo pictórico, y así se llama por simple fraternidad de los artistas de uno y otro bando; y también porque hay muchos puntos de semejanza en sus doctrinas de abstracción o evasión artística. APOLLINAIRE, CENDRARS, MAX JACOBS, corifeos de la pintura cubista, fueron hermanos en inquietudes artísticas de PICASSO, JUAN GRIS Y DELAUNY. Esto explica en parte, que la poesía cubista, abandonando los elementos musicales tan caros al simbolismo, se haga poesía puramente visual. En el poema cubista, no es la realidad externa la que se plasma, sino su poliédrica y acelerada proyección en nuestro espíritu, con todas las predilecciones y deformaciones que le impone la originalidad de nuestro modo de captarla. La imagen cubista no es simple como la de una flor en un espejo, sino intrincada y polifásica como un mosaico. El poema cubista es una yuxtaposición instantánea de imágenes autónomas, desligadas. Se recrea en lo visual y desprecia lo auditivo. No hay anécdota, ni argumento, ni historia. Cada verso o doble verso es una célula independiente, pero confederada con las otras para dar un poema que tiene por centro unificador al poeta mismo. El poema cubista atrae a un solo plano, simultáneamente, los elementos de la realidad que la imaginación, como un imán central, congrega en un punto de convergencia, que es la mente del poeta. Pero su enfoque, las fracciones de realidad que la inspiran, no están en el pasado, sino en el presente, en la vida y no en el sueño; en la vida moderna con su afiebrada velocidad y dinamismo. En general se alude, a un importante sector de la poesía francesa, cuyo punto inicial podría situarse en 1896 y que hacia 1917, confluye con el Dadaísmo. La amistad, a menudo íntima, y la mutua colaboración entre los pintores de este movimiento (PICASSO - BRACQUE ) y los poetas a que se extiende esta denominación, a la vez que un ideal estético común, son razones más que suficientes para justificarla. La figura principal de este movimiento es sin duda el poeta GUILLAUME APOLLINAIRE, quien en 1913 junto con su libro "Alcoles", publicó un importante manifiesto donde se encuentran las siguientes exhortaciones: "Palabras en libertad"; "invención de palabras"; "destrucción"; "supresión del color poético, de la copia en arte, de la sintaxis, de la puntuación, de la armonía tipográfica, de los tiempos y personas de los verbos, de la forma teatral, del sublime artista, del verso y de la estrofa, de la intriga en los relatos, de la tristeza". Al lado de APOLLINAIRE podemos citar a MAX JACOB; JEAN COCTEAU Y PIERRE REVERDY, quien funda en 1917 la revista Nord-Sud, que disputará luego la paternidad del Creacionismo al poeta chileno disputará VICENTE HUIDOBRO, y que será, junto a APOLLINAIRE, uno de los poetas más admirados por la nueva generación en la que se encontraban los futuros surrealistas: ANDRÉ BRETON y PAUL ELUARD. El cubismo superpone perspectivas de la misma realidad hasta que la deconstruía , busca la esencia, simplifica las formas hasta sus líneas geométricas y las superpone. ☺ Dadaísmo: fue un movimiento antiarte que surgió en Zúrich (Suiza) en 1916 iniciado por TRISTAN TZARA, que se caracterizó por sentimientos de protesta contra 35

LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías convenciones literarias, una actitud de burla total por las manifestaciones artísticas literarias, por gestos y manifestaciones provocadoras en las que los artistas pretendían destruir todas las convenciones con respecto al arte, creando una especie de anti-arte o rebelión contra el orden establecido en aquella época de comienzos y mediados del siglo XX, en los periodos de la primera y comienzos de la Segunda Guerra Mundial. Tuvo su área de influencia no sólo en el arte gráfico sino que también en la música; y surge como consecuencia de la quiebra de valores. El poema dadaísta suele ser una sucesión de palabras y sonidos, lo que hace difícil encontrarle lógica. Se distingue por: la inclinación hacia lo dudoso, terrorismo, muerte y nihilismo, lo fantasioso, busca renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales o manejando planos de pensamientos antes no mezclables y tiene una tónica general de rebeldía o destrucción. Propone una quiebra radical dentro del poema. Ruptura de la lógica y entrega al azar. ☺ Surrealismo: Nace del dadaísmo, interviene la lógica, bebe del dadaísmo de Freud y del marxismo 1924-1934 manifiesto surrealista de Bretón El primer manifiesto es de carácter más bien estético y el segundo de claro contenido político. La liberación del discurso inconsciente que todo llevamos dentro, es el proyecto estético del surrealismo. Es la búsqueda del impulso inconsciente que ha sido reprimido y que esconde la realidad auténtica del ser humano. Se refugia en las imágenes oníricas, en la escritura automática, en las imágenes irracionales. Pero la diferencia está en que el resto de los movimientos desaparecieron con cierta rapidez, el cubismo duró un poquito más pero el Futurismo y el Dada, tienen una presencia casi anecdótica en la historia de la literatura universal, mientras que el surrealismo es un movimiento que llega hasta nuestros días.

♠ VANGUARDIAS ESPECÍFICAS DE GRANDES FRUTOS EN LA POESÍA HISPANOAMERICANA
En el caso de Hispanoamérica tuvieron más importancia otras vanguardias como el Creacionismo y el Ultraismo. Creacionismo creada por VICENTE HUIDOBRO, vanguardia chilena. Ultraismo: nace en España, lo practicaron GUILLERMO DE TORRE y RAMON GÓMEZ DE LA SERNA fue exportado por JORGE LUIS BORGES. EL CREACIONISMO: VICENTE HUIDOBRO no sólo fundó el creacionismo y lo difundió por Hispanoamérica sino que también influyó sobre la poesía española del momento gracias a sus contactos peninsulares del momento, además del poeta fue un gran ensayista, su primer libro se llama “Pasando y pasando” de 1914, es un libro sobre las vanguardias cuyo título hace referencia a ese ímpetu de creación y destrucción que caracterizó a esos movimientos. Se fundó con un manifiesto firmado por VICENTE HUIDOBRO y se leyó en el Ateneo de Santiago de Chile en 1914, este manifiesto que daría el pistoletazo de salida para esta corriente, se titularía “Non serviam” es un rechazo de la representación mimética de la realidad y de esa tradición que vinculaba todo lo humano con las leyes de la naturaleza, defiende la necesidad de partir de cero, de crear nuevos mundos, metáforas completamente autónomas de la esclavitud natural. Todas estas teorías fueron puestas en practica en sus poemarios el primero de ellos titulado “Adán“ (1916) plantea que cada autor es como el primer hombre sobre la Tierra, tiene

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías que descubrirse a sí mismo y a la realidad que le rodea, del libro posterior “El espejo del agua” es el poema más conocido del autor “Arte poética”, (1916) . ♠ COMENTARIO DEL POEMA “ARTE POÉTICA” Algunos versos de este poema han pasado a la posteridad como “El adjetivo cuando no da la vida mata”, “El poeta es un pequeño Dios” habla de la traslación al territorio de lo poético de todo lo divino. El verso es como una llave que da paso a otro mundo “¿Por qué cantáis la naturaleza?”, esto tiene q ver con la primera fase de la poesía de RUBÉN DARÍO su intención de crear paraísos artificiales, la rosa artificial, y que se ve también en este poema de VICENTE HUIDOBRO. La poesía crea rosas artificiales, no imita la naturaleza, crea algo que tiene el mismo estatus de realidad. Por un lado está la apropiación de la capacidad divina de crear y por otro la definición de la poesía como una institución capaz de crear naturaleza a través del artificio. “Este mundo es nuevo” tiene que ver con el partir de cero, no reformula, no digiere, traza una raya entre lo que ha pasado y lo que vendrá. “Estamos en el siglo de los nervios” la rapidez, tiene que ver con el movimiento, el rigor verdadero sirve en la cabeza, lo nervioso es lo que conduce al pensamiento. Rítmicamente el poema los versos son absolutamente irregulares, los acentos no están colocados en su sitio, en algún momento se produce la repetición de algún verso pero en seguida se quiebra. Hay rimas sueltas, es métricamente irregular pero aparecen rimas sueltas asonantes en e-a: fuerza-cabeza, pero también se puede percibir otras rimas entre sol y dios, palabra y mata, aparece una repetición sintáctica, acentual, de rima al final de este poema, que se considera parte del Manifiesto del Creacionista que fue “Non serviam”. OBRA DE VICENTE HUIDOBRO Después del libro “El espejo del agua” VICENTE HUIDOBRO viajó mucho por Europa, tuvo contactos con GERARDO DIEGO, GÓMEZ DE LA SERNA, conoció también a APOLLINAIRE y llegó a colaborar con él en un par de publicaciones periódicas en 1918, publicó “Torre Eiffel” y “Poemas árticos” aunque en realidad alcanzó gran notoriedad gracias al poemario “Altazor” publicado en 1931. Altazor es un poema de carácter narrativo tiene siete partes q van precedidas por un primer canto y en éste narra la cada del personaje llamado Altazor a la Tierra, y al llegar a la Tierra siente q ha sido abandonado al abismo y a la oscuridad, esta aparición de Altazor tiene claras resonancias platónicas, tiene referencias al nacimiento humano, arrojado desde un carro de caballos, tiene q ver también como una defensa de la poesía como un aterrizaje, no como una sublimación, el poeta, toma tierra, no tiene ansias de elevación. La historia continúa, Altazor conoce a una mujer que le devuelve la armonía y la felicidad, acaba con el caos, y a partir de este momento comienza los conflictos lingüísticos del personaje, descubre la necesidad de fundar un nuevo sistema de signos, un nuevo sistema de comunicación, aboliendo el anterior. Y a lo largo del poemario el propio discurso poético se descompone hasta q se vuelve prácticamente ilegible, acercándose muchísimo al dadaísmo. Este es el callejón sin salida al q llegó VICENTE HUIDOBRO por lo q su línea poética no fue seguido por ningún otro autor, ni siquiera por él mismo, después de este libro no volvió a escribir ningún otro en este estilo telegráfico e ininteligible.

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías Con esta obra el creacionismo alcanza su momento cumbre pero también conoce su final, porque la ruptura con toda lógica y todo referente es también la ruptura con el receptor de los poemas. La imagen que pasará a la posteridad es la de Altazor cayendo en paracaídas, génesis vanguardista de la tradición grecolatina. ♠ COMENTARIO DEL FRAGMENTO DE ALTAZOR Combinación libre de las palabras, de los sufijos, de los prefijos, a veces caprichosa, como si tanteara nuevas formas de crear significados sensoriales, casi siempre sonoras. El recurso retórico más importante es el neologismo, doctrina del creacionismo, es el recurso retórico por antonomasia, así como la repetición que genera un ritmo muy radical. Gondoleando: como una góndola, en nuestra cabeza resuenan dos significados simultáneamente: golondrina y góndola. Oritaña de la montazonte: divide las dos raíces léxicas y cruza palabras (horizonte de la montaña). La vilondrina y el goloncelo: el mismo caso anterior. La naturaleza de esos objetos se funde a través de este recurso. Lunala: es una luna y un ala en este caso están las dos no ha prescindido de la raíz. Además hay una contraposición entre la golondrina y el ruiseñor. La golondrina aparece asociada con el día (golondía, es luminosa, es diurna), el movimiento(categoría muy positiva para las vanguardias), la altura, está cayendo de las alturas, viene de las alturas como Altazor, es musical, representa valores positivos, juventud, fuerza. La golondrina asusta a la oscuridad, frente a la nostalgia de la poesía romántica de Bécquer estas golondrinas traen la luz la alegría la infancia son fértiles El ruiseñor en el momento q aparece la oscuridad en el poema aparece este pajaro nocturno, el cielo lo prefiere, es un animal de altura, nostálgico, podría estar asociado al romanticismo. Tiene una garganta nocturna Como parte de esta oposición es necesario analizar la rima q tiene q ver como esta confrontación; la rima en o es mucho mas oscura, rotunda y severa; rima en ia es aguda, diáfana; hay una gran diferencia de sonoridad. Este es un buen ejemplo de cómo la rima produce significado, no es arbitraria.

2.-CESAR VALLEJO
Poeta peruano nació en 1892 en los Andes peruanos era mestizo moriría en 1938 en la ciudad de Paris. Salió de Perú hacia Francia en 1923 y ya no volvería. Pasó su vida entre Paris, España y Rusia a donde viajo cuando reafirmó su adhesión al marxismo. Su primer libro: “Los heraldos negros”(1918) es un libro de factura modernista en el que ya se pueden atisbar sin embargo algunos de los rasgos de su tendencia posterior a las vanguardias, estos poemas están protagonizados por un dolor crudo, por un sufrimiento al q parece avocar irremediablemente el destino, de hecho, la religión tiene una fuerte presencia en toda la obra y en especifico en este poemario es presentada como un sentimiento agónico, CESAR VALLEJO fue un poeta claramente existencialista, eso se ve ya en su primer libro. Su segundo y último poemario publicado en vida se llama “Trilce” de 1922 es un libro plenamente inmerso en las vanguardias, q se presenta como una batalla contra la

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LITERATURA HISPANOAMERICANA I Eva Pons Frías expresión que produce una fuerte sensación de ahogo literario al lector, esta lucha hace q el libro ingrese en el dadaísmo en determinados momentos, por su fuerte ruptura con la lógica. ¿Qué dio su actual importancia poética a la literatura de VALLEJO?: Una mezcla entre el existencialismo trágico y cierta tendencia a la ternura y a la filantropía. Su libro más conocido “Poemas humanos” poemas póstumos 1939, actualmente se consideran solo una parte de los poemas póstumos “España aparta de mi este cáliz” este libro fue incluido como una sección dentro de “Poemas humanos” ,posteriormente ha sido considerado como una obra a parte. ♠ COMENTARIO DE “CONSIDERANDO EN FRÍO IMPARCIALMENTE” Contraste entre el principio y el final, enuncia q va a ser imparcial pero al final se emociona. Hay una contraposición entre la formalidad y la imparcialidad, objetividad y la pasión, la implicación humana; en general la sensación es que estamos ante un discurso formal, Aparecen expresiones muy formales de discurso como “considerando en frío”, “examinando, en fin,” “comprendiendo” que parecen estructurar un discurso que debería ser formal y sin embargo no lo es, este es un poema confesional, produce un efecto de parodia, se puede entender también que hay un personaje tratando de mantener la compostura, recurriendo a ese lenguaje formal q sin embargo se desarticula. Recurre a un léxico cultista q combina con fuerte coloquialismos y con una reproducción de la oralidad y de un lenguaje más popular hay anacolutos representa gráficamente por los signos de suspensión que se hay pequeñas interrupción del discursos, ruptura de la lógica gramatical de la frase, se rompe la lógica del discurso Fórmulas coloquiales del lenguaje oral, poetización de realidades q tradicionalmente no eran líricas, en ella tiene cabida lo cotidiano y lo abyecto; mezcla cultismo como lóbrego, o palabras especializadas y lenguaje técnico como mamífero, famélico, diagrama con fórmulas coloquiales, palabras antipoeticas, En la poesía de VICENTE HUIDOBRO existe una tendencia de repetición que produce un efecto rítmico pero CESAR VALLEJO en este caso la repetición produce una letanía trágica, es una oración triste, pero además el hecho de q haya anacolutos da una sensación de torpeza ¿q es importante en este poema? La búsqueda de la torpeza q tiene q ver con la humanidad, la coloquialidad, la oralidad, no intentó fingir que la poesía era perfecta o que el discurso oral lo era, él trató de reproducir las debilidades humanas, no sólo hablar de ellas. Una persona arrebatada por un momento de pasión o tristeza no habla con fluidez y normalidad. Busca un efecto de torpeza y de imprecisión, “a veces pensando con queriendo llorar” parece un momento de duda q tiene q ver con la propia humanidad.

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