The History of

Classical Music

Part 3

From Berlioz to Tchaikovsky

The History of
Classical Music

Part 3

From Berlioz to Tchaikovsky

A BRIEF HISTORY OF MUSIC

Music as an art form has been a pleasurable
means of human expression since before we
emerged from the caves. Wall paintings from
40,000 years ago show images of men dancing, probably using the oldest instrument of
all the human voice in some sort of singing or chanting. The first man-made instrument discovered so far is a flute believed to
be at least 35,000 years old. Although great
buildings, sculptures, paintings, dances and
works of literature produced many thousands
of years ago have survived intact to be
admired and studied down the centuries, the
same is not true for music. Before the invention of notation in the early 11th century, all
music was passed down orally and through
shared performance. Even after that, most
music was still not written down, so we have
no means of knowing what ancient music
sounded like. In other words, despite the

ten down. And this same tiny proportion is

itself a distillation of just one branch of
music, the tradition we label Western classical. That said, what you will hear are examples of the finest products of that tradition,
representing some of the greatest creations
of our civilization, the aural equivalent of the
Pyramids, the drawings of Leonardo da Vinci,
the plays of Shakespeare and the sculptures
of Bernini.
What follows, therefore, is not a Complete
History of Music but a brief survey of Western
classical music since 1000 AD. It is an
attempt to put the composers and compositions into a historical context, for, like its
companion art forms, music reflects the era
and events in which it was written. Music can
speak to us with even greater power and
resonance if we hear it as part of a continually evolving, never-ending story.
NB: The labels given below to musical periods are only convenient approximations and,
inevitably, overlap. The debate continues, for
example, over just when the Baroque and
Classical and the Classical and Romantic eras
began and ended.

sophisticated ancient cultures of the Babylonians, Greeks, Romans, Egyptians and Chinese, it took roughly 41,000 years from
40,000 BC to 1000 AD before anyone
devised a lasting formula for preserving
music in the same way that had benefitted
the other art forms for millennia. It then took
a further 600 years to arrive at a standardized universal system of notation.
Having had such a relatively slow start,
however, music has more than made up for
lost time, as demonstrated by this impressive
collection. Presented chronologically, it
enables you to hear how rapidly music has
developed. Sometimes, in a single volume,
you can detect a huge leap within the space
of 25 years.
Yet of course the works in this collection
represent only a miniscule number of all
those composed since music was first writ-

Medieval & Renaissance Vol. 14

Vol. 1 The earliest form of music that has
been preserved in manuscripts is plainsong or
plainchant (a translation of cantus planus)
sometimes called Gregorian chant after Pope
Gregory I, during whose reign (590604) the
codification of the Churchs music was
thought to have taken place. This is the traditional ritual melody of the Western Christian
Church derived from ancient Greek songs and
Hebrew chants. Its rhythm is based on that of
free speech. For the first millennium of the
Christian era, Western liturgical music consisted of these single-line Latin chants, performed in unison (many voices singing the
same melody) without any instrumental
accompaniment.
From a single line (monophony) grew the
concepts of diaphony or organum (two-voice
compositions) and polyphony (two or more
voice parts combined harmoniously without
losing their individuality and independence). A
basic system of musical notation, indicating
pitch with lines and spaces, was invented by

Guido dArezzo in the 11th century. It was used

in monasteries throughout the Middle Ages.
Secular vocal music in the vernacular during
this period took the form of the songs of troubadours and trouvres, who flourished in the
12th and 13th centuries, but it was sacred
music that dominated. Writers like Petrarch,
Boccaccio and Chaucer were complemented
by composers like the Frenchman Guillaume
de Machaut, writing both secular and sacred
music for three and four voices in combination
(Machaut also composed the first known complete Mass setting, in the 1360s). In England,
John Dunstable utilized rhythmic phrases and
traditional plainchant and added other free
parts, combining them to create a sweet
new, flowing style. His music in turn influenced
the Burgundian composers Guillaume Dufay
and Gilles Binchois, and the Flemish Josquin
des Prez Vol. 2, the stylistic bridge-makers to
the fully developed polyphony of the 15th century during which private patronage royal or
aristocratic largely supplanted the Churchs
influence on the course of music.
Vol. 4 The 16th century saw the polyphonic school of vocal writing reach its zenith with

composers such as Tallis and Byrd in England, Victoria in Spain, Palestrina in Italy,
and Lassus in the Netherlands producing complex and richly expressive music to fill the
naves of great European cathedrals, churches
and chapels. Vol. 3 The tradition of instrumental music was established, with Italy leading the way in its development during the latter half of the century.
Most importantly, music began to be printed. Limited and expensive though they were,
scores reproduced in a book were now available, enabling musicians to stand around
them to sing or play their parts. No wonder
the new medium spread throughout Europe
so rapidly.

B a r o q ue

word, opera, described a new art form in

which drama and music were combined.
Opera was a completely new way of using
music. Solo singers were given a dramatic
character to portray and florid songs to sing;
there were choruses, dances, orchestral interludes, scenery. To this new form came one of
the supreme musicians of history, Claudio
Monteverdi Vol. 5. With a single work, his
first opera Orfeo (1607), Monteverdi drew up
the future possibilities of the medium.
An important by-product of Italian opera
was the introduction of the sonata. The term
originally simply meant a piece to be sounded
(suonata) as opposed to sung (cantata).
Although it quickly took on a variety of forms,
the sonata began with Italian violinists imitating the display elements of vocal music a
single melody that was, basically, accompanied by chords. Chordal patterns naturally fall
in sequences, in regular measures or bars.
Phrases lead the ear to the next sequence like
a dialogue between two people exchanging
thoughts. This represented a huge difference
from the choral works of a century before,
driven by polyphonic interweaving.

Vol. 520

For a century and a half from 1600, the musical world would be dominated by Italy, to such
a degree that it henceforth adopted Italian as
its lingua franca. Composers since then
almost universally have written their performance directions in Italian. One particular

German vocal and instrumental music

emerged from the ravages of the Thirty Years
War to enter a new age of greatness, flourishing after the mid-17th century in courts large
and small and in the free mercantile cities. The
leading figure was Heinrich Schtz Vol. 6,
often called the father of German music,
although his style was strongly affected by
studies in Italy with Gabrieli and Monteverdi.
Schtzs magnificent, timelessly beautiful
sacred works have had a profound influence
on many later German composers.
One composer who assimilated all the latest developments from Italy and France, as
well as his own heritage of English church
music and songs, was Henry Purcell Vol. 7.
His diversity and technical accomplishments
in every area of music would have had him
labelled genius in any age. Ceremonial,
sacred and secular music flowed from his pen,
but he was at his best in his music for the
theatre, whether in masques and plays or in
his one opera, the masterpiece that is Dido
and Aeneas (1689).
Towards the beginning of the 18th century,
composers began to write overtures open-

ings in three short sections (fast-slow-fast)

to precede an opera, oratorio or play, thus providing a prototype for the classical sonata form
used in instrumental pieces, concertos and
symphonies for the next 200 years and more.
Another new musical form was the concerto,
originally a composition that contrasted two
groups of instrumentalists with each other.
From here it was only a step to the solo concerto, in which a single player is contrasted with
(later pitted against) the orchestra. No other
concertos of this period have achieved the
popularity of those by Antonio Vivaldi Vol. 10,
whose 500 essays in the genre (mainly for
strings but sometimes for wind instruments) are
the product of one of the most remarkable
musical minds of the early 18th century.
Virtuosic organ and harpsichord music
flourished in the early 17th century, above all
in the hands of the Italian Girolamo Frescobaldi and the Dutchman Jan Sweelinck. Their
music paved the way for Johann Pachelbel
and the North German school of Dietrich
Buxtehude Vol. 6, a line that culminated in
Johann Sebastian Bach, the most stupendous miracle in all music (Richard Wagner).

Vol. 1115 In his own day, Bach was considered old-fashioned, a mere provincial composer from central Germany, but his music
contains some of the noblest and most sublime expressions of the human spirit. With him
the art of contrapuntal writing reached its
apogee, yet the technical brilliance of his
music is subsumed in its expressive power,
especially in his keyboard music, church cantatas and other great choral masterpieces like
the St. Matthew Passion and Mass in B minor.
His instrumental music is evidence that he
was by no means always the stern God-fearing
Lutheran. The Goldberg Variations, the Italian
Concerto and the six exuberant Brandenburg
Concertos, for example, show that he was well
acquainted with the sunny Italian way of doing
things. Many of his most beautiful and deepest
thoughts are reserved for the concertos and
orchestral suites. His influence on composers
and musicians down the years has been
immeasurable. For many he remains the foundation stone of their art.
Bachs great German contemporary was
George Frideric Handel Vol. 1618, born
just four weeks earlier and 100 miles away (the

two never met). By contrast to Bach, Handel

was a widely travelled man of the world who
settled in England and became a shrewd musical entrepreneur. Equally at home writing in the
Italian homophonic or German polyphonic
style, he developed the typical 17th-century
dance suite into such (still immensely) popular
occasional works as the Water Music and
Music for the Royal Fireworks. Opera was a
field into which Bach never ventured but
between 1711 and 1729 Handel produced
nearly 30 in the Italian style until the London
public tired of the genre. Then, ever the pragmatist, he turned to English oratorio, in which
a succession of glorious melodies and uplifting
choruses contributed to works of an unprecedented dramatic and emotional range.
Vol. 8 French music in the Baroque era was
mainly concentrated in the capital, where
Louis XIV reigned in splendour from 1643 to
1715. Although Marc-Antoine Charpentier
never achieved a position at the royal court, he
did hold several in Paris, including master of
music at the Sainte-Chapelle on the le de la
Cit. One of the major cultural achievements
of the Sun King was founding the Paris

Opra. The greatest French composer of the

period, indeed one of the most important figures in music history, was Jean-Philippe
Rameau, who devoted himself to opera and
ballet from the age of 50 but also contributed
significantly to every other important vocal
and instrumental genre of the time.
Some of the most invigorating keyboard
works of the Baroque era were composed by
Domenico Scarlatti Vol. 19, whose over 500
short sonatas for harpsichord were mostly
written after he became master of the royal
chapel in Lisbon in 1719. His near-contemporary Georg Philipp Telemann Vol. 9 brought
the rococo style to Germany. Even more fecund
than Bach, Telemann was held in far higher
esteem in his lifetime than his great contemporary. The two admired each other to the extent
that Bach named his son Philipp after Telemann
and chose him as godfather. Carl Philipp
Emanuel Bach Vol. 20 eventually eschewed
the contrapuntal writing of his fathers era. His
development of sonata form, unexpected shifts
of harmony and a more personal, subjective
approach made him the most adventurous
composer of the mid-18th century.

C l a s s ic a l

Vol. 2133

C.P.E. Bachs music, which formed a bridge

between the Franco-Italian rococo and his
fathers exuberant Baroque style, would have
a profound influence on the two composers
who represent all the virtues of what we call
the Classical style, an aesthetic that prizes
balance and equilibrium of form and content:
Joseph Haydn and Wolfgang Amadeus
Mozart. At the same time, Italy, for so long the
prevailing force in the musical world, now
gave way to Vienna, which would retain its
pre-eminence until the Habsburg empire
crumbled in the early 20th century.
Vol. 2123 Haydns contribution to music
history is immense. Nicknamed the father of
the symphony, he developed the genre in
more than 100 astonishingly varied and original works, created over nearly four decades,
investing it with a wide range of (often unpredictable) expression and harmonic ingenuity.
He could no less aptly be called the father of
the string quartet, a form he stabilized and
provided with the basis of its repertoire, works

that exhibit a perfect balance of string sound

(two violins, viola and cello), economy of scoring, precision, elegance and wit the quintessence of musical Classicism.
Vol. 2428 Mozart, arguably the most
naturally gifted musician in history, composed
41 symphonies and in the later ones enters a
realm beyond Haydns searching, moving
and far from impersonal. This is even truer of
his great series of piano concertos, among
musics most sublime creations, where the
writing becomes marvellously elaborate, and
the expression almost operatic in its treatment
of individual instruments as interacting characters.
It was Mozart, too, who raised opera itself
to new heights. Christoph Willibald Gluck had
demonstrated in works such as Orfeo ed
Euridice (1762) and Iphignie en Tauride
(1779) that music must correspond to the
mood and style of the drama, colouring and
complementing the stage action. Mozart went
still further and in his greatest masterpieces
Idomeneo, The Marriage of Figaro, Cos fan
tutte, Don Giovanni and The Magic Flute
revealed more realistic characters, truer emo-

tions (and, of course, incomparably greater

music) than anything that had been created
before him. For the first time, opera unflinchingly reflected the foibles and aspirations of
mankind, themes on which the Romantic composers were to dwell at length.
Ludwig van Beethoven Vol. 2933 was
a man of deep political convictions and an
almost religious certainty about his artistic
mission. Few composers have changed the
course of music so dramatically. His early
works, following along the Classical paths of
Haydn and Mozart, demonstrate his individuality in taking established musical structures
and re-shaping them to his own ends. Unusual keys, harmonic relationships and expanded
formal dimensions are explored as early as his
third symphony (Eroica). Six more symphonies, all different in character, culminate in the
Ninth Symphony, with its ecstatic choral
finale extolling the humanist ideals expressed
earlier in his only opera Fidelio. Works like his
16 string quartets and the cycle of 32 piano
sonatas reflect Beethovens arduous spiritual,
physical and artistic journey his greatest
achievements were realized while he strug-

gled with profound deafness. Beethovens

unquenchable spirit and his ability to use
music to express himself place him in the forefront of mankinds creative geniuses.

early ROmantic

Vol. 3449

For the first half of the 19th century, the period of cultural history commonly identified as
Romanticism, Europe was gripped by general
political unrest, culminating in the 1848 uprisings. Nationalism, self-expression and the
struggle for individual freedom were reflected
in all the arts. It is important, however, to
understand that Romanticism in music does
not represent the antithesis of the Classical
style but rather its prolongation and transformation. That is why Beethoven, generally held
up as the culminating figure of Viennese Classicism, is no less fairly classified as a paradigm of Romantic subjectivity. Nor was there
any break in this stylistic evolution at midcentury: musical Romanticism, along with
distinctive national variants, continued into the
20th century.

The next great Viennese master after

Beethoven, Franz Schubert Vol. 3639, was
27 years younger than his idol but survived
him by a mere 18 months. He was probably the
greatest tunesmith the world has ever known,
as we can hear in his symphonies, chamber
music, piano sonatas and in more than 600
songs. With these, he effectively established
the German art-song (or lieder) tradition,
unerringly capturing the heart of a poems
meaning and reflecting it in a setting where,
for the first time, the piano assumed equal
importance with the vocal part.
Two of the outstanding early Romantics
were Mendelssohn and Schumann. The preternaturally gifted Felix Mendelssohn Vol. 46
relied on the elegant, traditional structures of
Classicism in which to wrap his refined poetic
and melodic gifts. An accomplished conductor, his command of the orchestra is evident in
his Midsummer Nights Dream music and the
works inspired by his European travels.
Robert Schumann Vol. 4749 favoured
short, evocative musical essays (character
pieces) for his piano works, often binding
them together in collections like Carnaval and

Kinderszenen, while his song-cycles such as

Dichterliebe and Frauenliebe und Leben, are
among the glories of lieder. His richly lyrical
symphonies combine Romantic expression
with Classical structure.
The rapid development of the piano helped
make it the favoured instrument of the Romantic era. An extraordinary number of composerpianists were born just after the turn of the
19th century, most prominently Liszt and
Chopin. The undisputed master of the Romantic keyboard style was Frdric Chopin
Vol. 4244. Every piece he composed
involves the piano. His highly individual and
expressive works, raising the technical and
lyrical possibilities of the instrument to new
heights, were composed in the space of a
mere 20 years. Half a century after his early
death, composers were still writing pieces
heavily influenced by his.
The same could be said for Nicol Paganini Vol. 40, one of the greatest violinists in
history. His magnetic presence and dazzling
bravura in his own groundbreaking compositions enraptured audiences, and provided a
model of the virtuoso-as-hero soloist for future

generations. Among those who fell under his

spell was Liszt who, with Berlioz and Wagner,
dominated the musical world for the second
and third quarters of the 19th century and
pushed music onward to the dawn of the next.
Franz Liszt Vol. 45, the supreme pianist
of the day, introduced the solo recital, the
symphonic poem an extended orchestral
work often inspired by literature, mythology or
recent history and a bewildering amount of
other music in all shapes and forms. Liszts
Piano Sonata in B minor, in which all the elements of traditional sonata forms are organically fused into a single entity, is one of the
cornerstones of the repertory; his final piano
works anticipate the harmonies of Debussy,
Bartk and beyond. Alongside a great deal of
gloss and glitter in his personal and musical
life, his adventurous scores and his patronage
and encouragement of any young composer
who came to him made him the most influential musician of the century.
Hector Berlioz Vol. 41 based his music on
the direct reaction of feeling and, in works
like his Symphonie fantastique, he could conjure up with extraordinary vividness the super-

natural, the bucolic or romantic ardour. He

wrote on an epic scale, employing huge forces
to convey his vision while taking full advantage
of the technical improvements in the manufacture of orchestral instruments (brass and
woodwind especially).

Late Romantic

Vol. 5072

Another titan of the Romantics has become

the most written- and talked-about composer
of all time: Richard Wagner Vol. 6264, as
intelligent and industrious as he was ruthless
and egocentric. Many of his ideas had been
anticipated decades years earlier by Carl
Maria von Weber Vol. 34 who, as early as
1817, wrote of his desire to amalgamate all the
arts into one great new form. His opera Der
Freischtz, the first German Romantic opera,
was a milestone in the development of these
ideas. Wagners greatest achievement was
The Nibelungs Ring, a cycle of four music
dramas that transformed the operatic genre
from a sophisticated form of entertainment
into a quasi-religious experience. Wagner,

much influenced by Liszt, also opened up a

new harmonic language which had a profound
influence on succeeding generations of composers and led logically to the atonal music of
the 20th century.
Not all composers fell under Wagners spell.
Johannes Brahms Vol. 5153, the epitome of
traditional musical thought, was committed to
the Classical forms yet was by nature a Romantic. He wrote no operas and in fact distinguished
himself in the very genres that Wagner chose to
ignore. The first of his four symphonies was
completed in 1875 when Wagner had all but
completed The Ring yet was nearer in style to
Beethoven. All four of his concertos are indispensable masterpieces, while his considerable
body of chamber, piano, choral and vocal music
(nearly 200 songs) comprises superbly crafted
works of lyrical warmth and compositional ingenuity. Brahmss friend and near-contemporary
Johann Strauss II Vol. 55 produced music of
a lighter kind waltzes, polkas and operettas
which define as vividly as any other music the
era in which they were written.
If Wagners operas are the descendants of
Beethovens and Webers, those of Giuseppe

Verdi Vol. 6567 evolved from those of

Gioachino Rossini Vol. 35 and the Romantic
tales of Bellini and Donizetti. With the famous
trilogy of Rigoletto (1851), Il trovatore (1853)
and La traviata (1853), Verdi united a mastery
of drama and characterization with a flow of
unforgettable melodies. Don Carlos (1867),
Aida (1871), Otello (1887) and Falstaff (1893)
show his remarkable ability to experiment and
develop well into old age. The product of a
tirelessly searching mind, they remain among
the great miracles of music for the stage.
Vol. 68 French music during the last
decades of the 19th century was polarized
between a growing enthusiasm for Wagner
and following Frances defeat by Prussia in
1870 a new national awareness, which was
manifested in the formation of a national society of music by composers including Camille
Saint-Sans. Csar Franck sought to breach
the gap, between these two forces, combining
Classical discipline with Romantic emotion.
Vol. 6970 Russia was at the forefront of
the new musical nationalism that marked the
late-Romantic era. Mikhail Glinka, though
influenced by the Italian tradition, was the first

important Russian composer to make use of

indigenous subjects, harmony and folk tunes.
He had a profound effect on successors such
as Alexander Borodin, Mily Balakirev,
Csar Cui, Modest Mussorgsky and Nikolai
Rimsky-Korsakov the so-called Five,
who aimed to free Russian art music from
Western European influence.
Peter Ilyich Tchaikovsky Vol. 5961, the
most accomplished of all his Russian contemporaries, paid lip-service to the nationalists,
composing largely in the Austro-German tradition. Elsewhere in Europe, nationalist schools
of music arose in Bohemia (Bedr ich Smetana
and Antonn Dvor k Vol. 5657), Moravia
(Leo Janc ek Vol. 83), Norway (Edvard
Grieg Vol. 58), Denmark (Carl Nielsen),
Finland (Jean Sibelius Vol. 81, whose seven
symphonies, like Nielsens six, developed the
medium in a highly arresting and individual
way) and Spain (Manuel de Falla, Isaac Albniz, Enrique Granados and Joaqun Rodrigo
Vol. 94).
In tandem with the growth of nationalism
came the school of realistic opera commonly
labelled verismo. Carmen (1875) by the French

composer Georges Bizet Vol. 50 could be

viewed as a forerunner of this Italian style.
Epitomized by Giacomo Puccini Vol. 7778,
Ruggero Leoncavallo and Pietro Mascagni, its
subjects were drawn from contemporary life,
presented with heightened violence and emotions. During the closing decades of the socalled late- or neo-Romantic period, emerging
under the influence of Wagner, came the composers whose use of massive symphonic
structures and elaborate orchestration is
exemplified by the Austrians Anton Bruckner
Vol. 54 and Gustav Mahler Vol. 7172, the
Russian Alexander Scriabin Vol. 80 and the
early works of the German Richard Strauss
Vol. 7576.

Mode r n

Vol. 73100

By the turn of the 20th century, it was no longer

possible to define a dominant general musical
trend. From its many fragmented divisions we
can do little more than identify the successor
to Classicism-Romanticism as modern
music. It was a time that tended towards bold

experimentation in new styles and techniques,

a reaction in part against the perceived emotional excesses of the Romantics.
Impressionism, its name borrowed loosely
from the French movement in painting and
poetry, has been a convenient label for the
novel harmonies and sonorities of Claude
Debussy Vol. 7374, who maintained that
music could fluidly portray the play of light.
Much influenced by Liszt initially, Debussy
conjured up a sensuous, atmospheric spell in
his piano and orchestral writing. His slightly
younger French compatriot, the fastidious
Maurice Ravel Vol. 84, also vividly evoked
light and colour in his consummately orchestrated works, often on exotic subjects and
later tinged with jazz references.
Igor Stravinsky Vol. 8788 studied in
St. Petersburg with another of musics great
orchestrators, Rimsky-Korsakov, and in less
than a decade was writing scores that rocked
the musical world: The Firebird (1909),
Petrushka (1911) and The Rite of Spring (1913),
his three early ballet masterpieces, were progressively more adventurous. Petrushka
boasts bitonal passages (i.e. music written in

two keys simultaneously), dissonant chords, a

new rhythmic freedom and a percussive
orchestral quality; in The Rite of Spring, which
provoked a riot at its premiere, Stravinsky
reduced all the elements of music to reinforce
rhythm. In his long and prolific subsequent
career he went on to explore virtually every
genre and new idiom of the day. Arguably,
none of the early 20th centurys other supreme
masters exercised a greater influence than he
did: Debussy, Ravel, Sibelius and Hungarys
Bla Bartk Vol. 90 were less wide-ranging,
while the Viennese Arnold Schoenberg,
Anton Webern Vol. 85 and Alban Berg
Vol. 86 proved less accessible.
Schoenberg was Stravinskys only rival as
the musical colossus of the age. To some he
opened the door on a whole exciting new world
of musical thought; to others he is the bogey
man of music, who sent it spiralling out of the
reach of the ordinary man in the street. Since
the Renaissance, all music had had a tonal
centre. No matter how far away from the
tonic the basic or home key the music
wandered, the listener was always conscious
of the inevitability of a final return to that cen-

tre. During the late 1800s, music had gradually begun to incorporate intervals outside the
prevailing diatonic i.e. major and minor
scales, with the result that a work would feature an extraordinary amount of modulation
from one key to another. (This is known as
chromatic writing, since intervals from the
12-note chromatic scale as opposed to the
seven-note diatonic scales are used to harmonize a piece.) Thus the tonal centre of a
piece of music became less obvious. Schoenberg went further and asked If I can introduce
these chromatic notes into my music, can a
particular key be said to exist at all? Why
should any note be foreign to any given key?
Why shouldnt the twelve semitones of the
chromatic scale be accorded equal significance?
Thus was born twelve-tone technique
(serial or dodecaphonic are other names for
this compositional approach) and the music of
the so-called Second Viennese School of
Schoenberg and his disciples Berg and
Webern (in succession to the First Viennese
School of Haydn, Mozart and Beethoven). Not
all composers were attracted to the new tech-

nique, but dissonance, atonality and the abandonment of singable melody were strong
features of many composers work in the last
century, a period in which the avant-garde
took far longer to become assimilated by the
non-specialist music lover than the avantgarde of previous centuries. The polyrhythmic,
polytonal music of the pioneering American
Charles Ives Vol. 82, for example, once
seemed far too complex and radical ever to
achieve popularity. The very different voices
of acknowledged modern masters such as
John Cage, Elliott Carter, Luciano Berio and
Luigi Nono (the list is endless) remain a closed
book for many listeners, while inspiring a
fanatical following among others.
Other paths taken by music in the 20th
century retained the link with tonality and
(increasingly) with accessible melody. Harsh
and acid though some of the music composed
by Sergei Prokofiev Vol. 89 may be, his style
is a tangible descendant of the Romantics. His
Soviet compatriot Dmitri Shostakovich
Vol. 92, who shared Prokofievs penchant for
the spiky, humorous and satirical, followed on
from the same tradition, but the introspection,

irony and violence of his greatest works reflect

the tragic struggle of an artist under a totalitarian regime. The great piano virtuoso Sergei
Rachmaninov Vol. 80, who emigrated to
America, wrote in a far more unabashedly
late-Romantic vein than Prokofiev, producing
some of the most popular works of the entire
repertoire.
Vol. 91 No longer does one school of musical thought prevail. There seems little to link
the socio-political operas of Kurt Weill and
their brittle, haunting melodies, with his contemporary Paul Hindemith and his dense,
contrapuntal neo-Classical idiom. Even less
does Aaron Copland have any connection with
either. The first conspicuously great American-born composer after Ives, Copland
absorbed folk material, the flattened notes of
the blues, echoes of cowboy songs, jazz and
Jewish traditional music.
Coplands American near contemporary,
Samuel Barber Vol. 82, wrote in a more conservative European tradition, while the most
popular American-born composer of the 20th
century, George Gershwin Vol. 95 who
fused European, Russian, jazz and Tin Pan

Alley influences wrote hit musicals filled

with unforgettable songs as well as concert
works and a famous opera. The more technically sophisticated Leonard Bernstein followed suit in embracing Broadway and the
concert hall. Vol. 100 The best-known (and
highest earning) American composers of the
following generation are Steve Reich, Philip
Glass and John Adams, three so-called
Minimalists who write music that weaves a
tapestry of repeated patterns and additional
short phrases to hypnotic effect.
Britain was slow in developing a nationalist
school. Edward Elgar Vol. 79, beloved by his
countrymen for his quintessential English
music, in fact wrote firmly in the German manner, and it was not until the arrival of Ralph
Vaughan Williams Vol. 93 and Gustav Holst
Vol. 79 that a British (or at any rate English) sound began to emerge. RVW was
attracted by Tudor music, medieval tonalities
and folksong, composing in what might loosely be called a Romantic neo-Classical style.
His friend Holst shared these enthusiasms but
also drew inspiration from the East his most
famous piece, The Planets, is based on the

ideas of Chaldean astrology. Of the succeeding generation, arguably the most important
figure has been Benjamin Britten Vol. 93,
whose many impressive stage works firmly
established English music on the international
stage.
In France, the most important composers
in the decades following Debussy and Ravel
were Arthur Honegger, Darius Milhaud and
Francis Poulenc, three disparate figures of a
sextet loosely grouped together as Les Six
(the other three made comparatively negligible
contributions), influenced by the whimsical
and eccentric composer Eric Satie and promoted by the writer-designer-filmmaker Jean
Cocteau. The most significant French composer of the second half of the 20th century
was the eccentric Catholic visionary Olivier
Messiaen Vol. 96, also an outstanding
organist and teacher, who introduced elements of non-European music and birdsong
into the language of Western music. Vol. 97
Pierre Boulez, whose complex works are
often based on mathematical relationships,
and Karlheinz Stockhausen, whose scores
for his innovative electronic music are repre-

10

sented by charts and diagrams, were both

pupils of Messiaen.
Vol. 98 As for todays high-profile (or
recently departed) composers, it quickly
becomes clear what a futile task it is to try and
categorize the diffuse and richly varied voices
of such luminaries as the Polish Witold
Lutos awski, the Hungarian-born Gyrgy
Ligeti, the German Hans Werner Henze and
the Russian Alfred Schnittke or, for that
matter, such admired contemporary British
composers as Peter Maxwell Davies, Harrison
Birtwistle, Thomas Ads or George Benjamin.
They would seem to have little in common with
Berio and Nono, with Boulez and Stockhausen,
with Reich, Glass and Adams or with spiritual
Minimalists such as the Polish Henryk
Grecki Vol. 99 and the Estonian Arvo Prt,
who also command a loyal following.
Thus contemporary serious music is as
impossible to classify into a single school as
the myriad strands of popular music with its
equivalent sub-genres of hip-hop, metal,
garage, R&B, soul, dance, reggae, blues, folk
and so forth. What its future is, how it will
develop over the next half century, and what

forms it will take are some of the most intriguing questions of our time. Music will always
have daring, fantastical innovators examining
new possibilities, expressing themselves in

new and original ways. How many will ever

find a broad, responsive and appreciative
audience, only time will tell.
Jeremy Nicholas

11

12

Eine Kurze geschichte der MusiK

Musik als Kunstform diente schon den Hhlenmenschen als Zeitvertreib und Ausdrucksmittel. ber 40 000 Jahre alte Wandmalereien
zeigen Menschen, die tanzen und vermutlich
das lteste Musikinstrument, die menschliche
Stimme, zu einer Art von Gesang oder rhythmischem Rufen benutzen. Das frheste von
Menschenhand gemachte Musikinstrument,
das man bislang gefunden hat, ist eine vermutlich mindestens 35 000 Jahre alte Flte.
Groartige Bauwerke, Skulpturen, Gemlde,
Tnze und literarische Werke, die vor vielen
tausend Jahren entstanden, sind erhalten
geblieben und knnen auch noch nach Jahrhunderten bewundert und studiert werden.
Fr Musik gilt das nicht. Vor der Erfindung der
Notenschrift zu Beginn des 11. Jahrhunderts
wurde Musik nur mndlich und durch gemeinsames Musizieren weitergegeben. Und selbst
danach wurde Musik nur selten aufgeschrie-

einem einzelnen Band ein riesiger Entwicklungssprung innerhalb von nur 25 Jahren festzustellen.
Natrlich reprsentieren die hier versammelten Werke nur einen winzigen Bruchteil der
Musik, die seit der ersten schriftlichen Fixierung komponiert wurde. Und dieser kleine Teil
wiederum ist die Quintessenz nur einer einzigen Musiksparte, nmlich der sogenannten
klassischen Musik des Abendlandes. Dazu
gehren einige der grten Leistungen unserer Zivilisation: klingende Gegenstcke zu den
Pyramiden, den Zeichnungen und Gemlden
Leonardo da Vincis, Shakespeares Dramen
und den Skulpturen von Bernini.
Somit ist das Folgende auch keine vollstndige Geschichte der Musik, sondern ein kurzer
Abriss der klassischen westlichen Musik seit
1000 n. Chr. ein Versuch, Komponisten und
Kompositionen in einen historischen Kontext
einzuordnen, denn genau wie die anderen
Kunstdisziplinen spiegelt auch Musik die Zeit
und Umstnde ihrer Entstehung. Sie spricht
uns strker und tiefer an, wenn wir sie als Teil
einer stndig weitererzhlten unendlichen
Geschichte verstehen.

ben, so dass wir nie erfahren werden, wie die

Musik der Alten wirklich geklungen hat. Oder
anders gesagt: Obwohl die frhen Hochkulturen der Babylonier, Griechen, Rmer, gypter
und Chinesen sehr weit entwickelt waren,
dauerte es ungefhr 41 000 Jahre von
40 000 v. Chr. bis 1000 n. Chr. , bis der
Mensch eine praktikable Mglichkeit fand,
Musik hnlich dauerhaft festzuhalten, wie er
es bei anderen Kunstformen bereits seit Jahrtausenden tat. Und dann vergingen noch einmal 600 Jahre bis zur Herausbildung eines
standardisierten, allgemeingltigen Notationssystems.
Seit diesem verhltnismig spten Start
hat die Musik die verlorene Zeit mehr als aufgeholt, wie diese eindrucksvolle Musiksammlung belegt. Sie ist chronologisch geordnet
und zeigt auf diese Weise, wie schnell die
Musik sich entwickelt hat. Manchmal ist in

13

Anm. des Autors: Die folgende Einteilung der

Epocheneinteilung folgt bewhrten Nherungswerten, aber an den Schnittstellen berlappen
sich die Epochen zwangslufig. Beispielsweise
hlt die Diskussion darber, wann das Barock
von der Klassik abgelst wurde und die Klassik
von der Romantik, immer noch an.

Mittelalter
und Renaissance

Vol. 14

Vol. 1 Die frheste Form handschriftlich berlieferter Musik ist die Gregorianik bzw. der
Gregorianische Choral (lateinisch cantus
planus), benannt nach Papst Gregor I., in dessen Amtszeit (590604) mutmalich die Kodifizierung der Kirchenmusik fiel. Es handelt sich
bei dieser Musik um die traditionellen liturgischen Melodien der westlichen christlichen
Kirche, die sich von altgriechischen Liedern
und hebrischen Gesngen ableiteten. Whrend des ersten Jahrtausends unserer Zeitrechnung bestand die westliche liturgische
Musik ausschlielich aus diesen einstimmigen
lateinischen Gesngen, die unisono (d.h. von

mehreren Personen, die alle die gleiche Stimme singen) ohne Instrumentalbegleitung vorgetragen wurden.
Aus der Einstimmigkeit entwickelten sich
verschiedene Formen der Diaphonie und des
Organum (schlichtere zweistimmige Stcke)
und der Mehrstimmigkeit (zwei oder mehr
Stimmen werden, unter Bercksichtigung harmonischer Zusammenklnge, eigenstndig
und unabhngig voneinander gefhrt). Im 11.
Jahrhundert erfand Guido von Arezzo ein einfaches Notationssystem, bei dem Tonhhen
mit Hilfe von Linien und Zwischenrumen festgehalten wurden. Whrend dieser Zeit entstand auch die weltliche, volkssprachliche
Liedkunst der Troubadours und Trouvres, die
im 12. und 13. Jahrhundert wirkten, aber die
geistliche Musik berwog bei weitem. Schriftstellern wie Petrarca, Boccaccio und Chaucer
standen Komponisten wie der Franzose
Guillaume de Machaut gegenber, der weltliche und geistliche Musik zu drei und vier
Stimmen komponierte (er schrieb in den
1360er-Jahren auch die erste bekannte vollstndige Messvertinung). In England kombinierte John Dunstable feste rhythmische

Modelle mit traditionellen Gregorianischen

Melodien, zu denen er mehrere freie Stimmen
hinzufgte und auf diese Weise einen sogenannten lieblichen, blhenden Stil schuf.
Seine Musik wiederum wirkte auf die burgundischen Komponisten Guillaume Dufay und
Gilles Binchois sowie den Franko-Flamen
Josquin des Prez Vol. 2, die Anfang und Ende
der voll entwickelten Polyphonie des 15. Jahrhunderts reprsentieren. In dieser Zeit verdrngte privates Mzenatentum (durch den
Knig und den Adel) nach und nach den Einfluss der Kirche auf die Entwicklung der Musik.
Vol. 4 Im 16. Jahrhundert erreichte die
Vokalpolyphonie mit Komponisten wie Tallis
und Byrd in England, Victoria in Spanien,
Palestrina in Italien und Lasso in den Niederlanden ihren Hhepunkt. Sie alle schrieben
eine komplexe, hochexpressive Musik, die in
den Kathedralen, Kirchen und Kapellen Europas widerhallte. Vol. 3 Auch begann die Tradition der Instrumentalmusik, wobei Italien in
der Entwicklung whrend der zweiten Jahrhunderthlfte fhrend war.
Den grten Durchbruch aber bedeutete es,
dass man begann, Musik zu drucken. Wenn-

gleich die Auswahl begrenzt und die Preise

hoch waren, gab es nun Musikstcke in
Bchern zu kaufen, um die sich die Musizierenden herum platzieren und ihren Part singen
oder spielen konnten. Kein Wunder, dass das
neue Medium sich rasend schnell ber ganz
Europa verbreitete.

Barock

Vol. 520

In den anderthalb Jahrhunderten nach 1600

wurde die musikalische Welt so sehr von Italien beherrscht, dass die Musiker fortan das
Italienische als lingua franca benutzten; fast
alle Komponisten haben seitdem ihre Vortragsanweisungen auf Italienisch in den Noten
vermerkt und das Wort opera bezeichnete
fortan eine neue Kunstform, in der Schauspiel
und Musik verschmolzen.
Die Oper bedeutete eine vllig neue Art des
Umgangs mit Musik. Solosnger stellten Figuren dar wie im Schauspiel und sangen kunstvoll ausgezierte Lieder; hinzu kamen Chre,
Tnze, Orchesterzwischenspiele und Bhnendekorationen. Claudio Monteverdi Vol. 5,

14

einer der groartigsten Musiker aller Zeiten,

fhrte gleich mit seiner ersten Oper, LOrfeo
(1607), die vielfltigen Mglichkeiten der neuen Gattung vor.
Ein wichtiges Nebenprodukt der italienischen Oper war die Entstehung der Sonate.
Der Begriff bezeichnete ursprnglich ein
Stck, das auf Instrumenten gespielt (suonata) und eben nicht gesungen (cantata)
werden sollte. Sonaten wiesen bald eine groe Formenvielfalt auf; anfangs jedoch bernahmen die italienischen Violinisten die typische Struktur der Vokalmusik: Eine einzelne
Melodielinie wird im Wesentlichen akkordisch
begleitet. Akkordverbindungen ergeben normalerweise Sequenzen gleicher Taktanzahl,
und die Melodiephrasen fhren das Ohr von
einer Sequenz zur nchsten, hnlich wie beim
Gedankenaustausch zweier Personen. Dies
bedeutet einen grundstzlichen Unterschied
zu den ein Jahrhundert zuvor komponierten
Chorwerken, die ja auf polyphon ineinander
verwobenen Einzelstimmen basierten.
Die deutsche Vokal- und Instrumentalmusik
musste sich erst von den Zerstrungen des
Dreiigjhrigen Krieges erholen und ging dann

einem Zeitalter neuer Gre entgegen. Nach

der Jahrhundertmitte erlebte sie eine Hochblte an groen wie an kleinen Hfen und in
den freien Handelsstdten. Der fhrende Komponist war Heinrich Schtz Vol. 6, der oft als
Vater der deutschen Musik bezeichnet wird,
obwohl sein Stil vor allem von seinen Studien
bei Gabrieli und Monteverdi in Italien geprgt
war. Schtz herrliche geistliche Werke sind
von zeitloser Schnheit und beeinflussten viele deutsche Komponisten nach ihm.
Henry Purcell Vol. 7 verband in seinem Stil
die neuesten Entwicklungen aus Italien und
Frankreich mit seinem angestammten Erbe
englischer Kirchenmusik und Lieder. Seine
Vielseitigkeit und satztechnische Vollendung
auf allen Gebieten der Musik htten ihm zu
jeder Zeit das Prdikat Genie eingebracht. Er
produzierte mit leichter Hand zeremonielle,
geistliche und weltliche Musik, aber absolut
berragend war er in seinen Bhnenwerken: in
seinen masques und Schauspielmusiken ebenso wie in seiner (wahrlich meisterhaften) einzigen Oper Dido and Aeneas (1689).
Um die Wende zum 18. Jahrhundert begannen die Komponisten, ihren Opern, Oratorien

und Schauspielmusiken sogenannte Ouvertren (Erffnungen) in drei kurzen Teilen

(schnelllangsamschnell) voranzustellen. So
lieferten sie ein Modell fr den klassischen
Sonatenzyklus, der in den folgenden gut 200
Jahren die Form von Instrumentalstcken,
Konzerten und Symphonien bestimmte.
Eine weitere neue Gattung der Musik war
das Konzert, ursprnglich eine Komposition,
die zwei Instrumentengruppen einander
gegenberstellt. Von hier war es nur ein kleiner Schritt zum Solokonzert, wo dem Orchester ein einzelnes Instrument gegenbertritt
(spter durchaus im Sinne eines Wettstreits).
Unter den Konzerten dieser Zeit erlangten diejenigen von Antonio Vivaldi Vol. 10 die grte Popularitt. In seinen rund 500 Beitrgen
zur Gattung (die meisten mit einem solistischen Streichinstrument, einige aber auch fr
Blasinstrumente) erweist er sich als einer der
bemerkenswerten musikalischen Kpfe des
frhen 18. Jahrhunderts.
Die Blte der virtuosen Orgel- und Cembalomusik im frhen 17. Jahrhundert verdankte
sich vor allem dem Italiener Girolamo Frescobaldi und dem Niederlnder Jan Sweelinck.

Sie bereiteten Komponisten wie Johann

Pachelbel und den Vertretern der norddeutschen Orgelschule wie Dietrich Buxtehude
Vol. 6 den Weg; die Entwicklungslinie fand
ihren Hhepunkt bei Johann Sebastian
Bach, dem erstaunlichsten musikalischen
Wunder, wie Richard Wagner meinte.
Vol. 1115 Zu seiner Zeit galt Bach als altmodischer Tonsetzer aus der mitteldeutschen
Provinz, aber viele seiner Werke gehren zu
den erhabensten Leistungen des menschlichen Geistes. Bei ihm erreichte die Kunst des
kontrapunktischen Komponierens ihren Hhepunkt, aber die satztechnische Genialitt verschwindet oft hinter der Ausdruckskraft seiner
Musik, besonders in den Klavierstcken, in
den Kirchenkantaten und in anderen grandiosen Chorwerken wie der Matthus-Passion
und der h-moll-Messe. In seiner Instrumentalmusik beweist er, dass er nicht nur ein ernster,
gottesfrchtiger Lutheraner war. Die GoldbergVariationen, das Italienische Konzert oder die
sechs herrlichen Brandenburgischen Konzerte
wirken durchaus, als seien sie mit leichter italienischer Hand geschrieben, und viele seiner
schnsten und gelungensten Ideen hob er sich

15

fr seine Konzerte und Orchestersuiten auf.

Sein Einfluss auf Komponisten und Musiker im
Verlauf der Geschichte ist kaum zu ermessen.
Vielen galt und gilt er als Basis ihrer Kunst.
Bachs groer Landsmann und Zeitgenosse
Georg Friedrich Hndel Vol. 1618 wurde
nur vier Wochen vor ihm und 160 Kilometer
entfernt geboren (die beiden sind sich allerdings nie begegnet). Im Gegensatz zu Bach
war Hndel ein weitgereister Mann von Welt;
irgendwann lie er sich in England nieder und
betrieb mit groem Geschick seine musikalischen Unternehmungen. Er fhlte sich im
homophonen italienischen und im polyphonen
deutschen Stil gleichermaen zu Hause und
verwandelte die typische Tanzsuite des
17. Jahrhunderts in (heute wie damals) ungeheuer populre Werke wie die Wassermusik
und die Feuerwerksmusik. Bach bettigte sich
niemals auf dem Gebiet der Oper; Hndel hingegen schrieb zwischen 1711 und 1729 fast
30 Opern im italienischen Stil, bis das Londoner Publikum der Gattung berdrssig wurde.
Dann sattelte er als hchst pragmatischer
Mensch auf Oratorien in englischer Sprache
um und schuf im Wechsel wunderschner

Melodien und erhabener Chre Werke von bis

dato noch nie dagewesener Dramatik und
Ausdruckskraft.
Vol. 8 In Frankreich konzentrierte sich die
Barockmusik vor allem auf die Hauptstadt
Paris, wo Ludwig XIV. von 1643 bis 1715 in
aller Pracht regierte. Marc-Antoine Charpentier brachte es nie zu einer Anstellung bei
Hofe, bekleidete in Paris aber eine Reihe von
mtern, unter anderem das des matre de
musique an der Sainte-Chapelle auf der le de
la Cit. Zu den grten kulturellen Verdiensten
des Sonnenknigs gehrte die Grndung der
Pariser Opra. Der herausragende franzsische Komponist des Barock (genaugenommen
eine der wichtigsten Gestalten der Musikgeschichte) war Jean-Philippe Rameau. Er
widmete sich von seinem 50. Lebensjahr an
vor allem der Oper und dem Ballett, trug aber
auch zu allen anderen wichtigen Gattungen
der Vokal- und Instrumentalmusik seiner Zeit
Bedeutendes bei.
Einige der anregendsten Klavierstcke der
Barockzeit stammen von Domenico Scarlatti
Vol. 19: ber 500 kurze Cembalosonaten, die
zum grten Teil entstanden, nachdem er

1719 Kapellmeister am kniglichen Hof in Lissabon geworden war. Sein etwas jngerer
Zeitgenosse Georg Philipp Telemann Vol. 9
machte den Rokoko-Stil in Deutschland populr. Er war noch produktiver als Bach und
stand zu Lebzeiten in weit hherem Ansehen
als sein groer Zeitgenosse. Die beiden freilich
schtzten einander: Bach bat Telemann, Pate
fr seinen zweiten Sohn zu werden, der nach
ihm Philipp genannt wurde. Carl Philipp
Emanuel Bach Vol. 20 schlielich kehrte
dem vom Vater gepflegten kontrapunktischen
Stil den Rcken. Seine Verdienste um die Entwicklung der Sonatenhauptsatzform, seine
khne Harmonik und sein subjektiverer Ansatz
weisen ihn als einen der experimentierfreudigsten Komponisten um die Mitte des 18.
Jahrhunderts aus.

K l a s s ik

sam die musikalische Hochklassik und deren

auf Ausgewogenheit und eine vollkommene
Balance von Form und Inhalt abzielende
sthetik reprsentieren: Joseph Haydn und
Wolfgang Amadeus Mozart. Zugleich wurde
Italien, das in der musikalischen Welt lange
den Ton angegeben hatte, durch Wien abgelst, und diese Vormachtstellung Wien blieb
bestehen, bis Anfang des 20. Jahrhunderts
das Habsburgerreich zerfiel.
Vol. 2123 Haydns Bedeutung fr die
Musikgeschichte ist enorm. Er wird oft der
Vater der Symphonie genannt, denn er legte
innerhalb von knapp 40 Jahren ber 100
erstaunlich vielfltige, originelle Werke vor, in
denen er die Gattung mittels gesteigerter (und
oft unvorhersehbarer) Ausdrucksmglichkeiten und harmonischer Einfallsflle weiterentwickelte. Ebenso zutreffend knnte man ihn
als Vater des Streichquartetts bezeichnen,
denn er konsolidierte die Gattung und schuf
einen Grundstock an Werken, die eine vollkommene Verschmelzung von homogenem
Streicherklang (zwei Geigen, Bratsche und
Cello), satztechnischer Transparenz und
Durchkonstruktion, Eleganz und Witz aufwei-

Vol. 2133

C.P.E. Bachs Musik schlgt eine Brcke vom

ppigen Barockstil seines Vaters zum franzsisch-italienischen Rokoko. Sie hatte enormen
Einfluss auf zwei Komponisten, die gemein-

16

sen genau, worauf es im klassischen Stil

ankommt.
Vol. 2428 Mozart, vermutlich das grte
musikalische Naturtalent der Geschichte,
schrieb 41 Symphonien, von denen die spteren sich ber Haydn hinauswagen forschend, bewegend und zutiefst persnlich.
Dies gilt noch mehr fr seine Klavierkonzerte,
erlesene Kleinodien der Musik, in denen sein
Stil an Raffinement gewinnt und der Ausdruck
da einzelne Instrumente wie verschiedene
Personen miteinander zu agieren scheinen
sich der Oper annhert.
Auch die Oper selbst erreicht bei Mozart ein
neues, hheres Stadium. Christoph Willibald
Gluck hatte in Werken wie Orfeo ed Euridice
(1762) und Iphignie en Tauride (1779) seine
eigene Forderung eingelst, die Musik msse
in Ausdruck und Stil mit der Handlung korrespondieren, indem sie die Bhnenaktion unterschiedlich frbt und ergnzt. Mozart geht in
seinen grten Meisterwerken Idomeneo, Die
Hochzeit des Figaro, Cos fan tutte, Don Giovanni und Die Zauberflte sogar noch weiter.
Hier zeichnet er die Charaktere noch realistischer, die Gefhle noch wahrhaftiger als

jemals zuvor (und dies mit einer noch wundervolleren Musik). Oper bildet bei ihm erstmals
konsequent die Schwchen und die Sehnschte der Menschheit ab, Themen also, die
die Komponisten der Romantik ausfhrlich
beschftigen sollten.
Ludwig van Beethoven Vol. 2933 vertrat eindeutige politische Standpunkte und
verfolgte seine knstlerische Mission mit fast
religisem Eifer. Wenige Komponisten haben
den Verlauf der Musikgeschichte so nachhaltig
geprgt wie er. Sein Frhwerk folgt dem klassischen, von Haydn und Mozart aufgezeigten
Weg und trgt doch sehr individuelle Zge,
denn er griff etablierte Formen auf und passte
sie seinen Vorstellungen an. Ungewhnliche
Tonarten, ausgefallene Harmoniefortschreitungen und ein grerer Umfang prgen
bereits seine Dritte Symphonie (Eroica).
Seine sechs folgenden Symphonien sind von
hchst unterschiedlichem Charakter und gipfeln in der Neunten mit ihrem ekstatischen
Chorfinale, das den gleichen Idealen huldigt
wie zuvor Beethovens einzige Oper Fidelio.
Werke wie die 16 Streichquartette oder der
Zyklus der 32 Klaviersonaten spiegeln Beet-

hovens geistig, krperlich und knstlerisch

beschwerlichen Weg seine grten Werke
komponierte er, als er bereits vllig ertaubt
war. Beethovens nie ermattender Geist und
der Bekenntnischarakter seiner Werke sichern
ihm einen Platz unter den grten knstlerischen Genies der Menschheit.

Frhromantik

romantischen Individualismus gelten kann.

Ferner gab es keinen stilistischen Bruch um
die Jahrhundertmitte: Die musikalische
Romantik (inklusive ihrer unterschiedlichen
nationalen Ausprgungen) setzt sich bis ins
20. Jahrhundert fort.
Der groe Wiener Meister nach Beethoven,
Franz Schubert Vol. 3639, war 27 Jahre
jnger als sein Vorbild, berlebte Beethoven
aber nur um 18 Monate. Er war vielleicht der
groartigste Melodiker, der jemals gelebt hat,
was seine Symphonien, Kammermusikwerke,
Klaviersonaten und ber 600 Lieder belegen.
Mit letzteren begrndete er praktisch die Tradition des deutschen Kunstliedes. Er drang
zielsicher zum Kern eines Gedichts vor und
machte die Aussage in Vertonungen hrbar,
die zum ersten Mal dem Klavier die gleiche
Bedeutung einrumten wie der Singstimme.
Zwei herausragende Figuren der Frhromantik waren Mendelssohn und Schumann.
Der hochtalentierte Felix Mendelssohn
Vol. 46 gab seiner verfeinerten musikalischen
Poetik den strukturellen Schliff des traditionellen klassischen Stils. Zudem war er ein versierter Dirigent, und sein geschickter Umgang

Vol. 3449

In der ersten Hlfte des 19. Jahrhunderts, in

der Kulturgeschichte gemeinhin als Romantik bezeichnet, wurde Europa an vielen Orten
von politischen Unruhen erschttert, die
schlielich in den Revolutionen von 1848 gipfelten. Nationalismus, individueller Ausdruck
und der Kampf um die Freiheit des Einzelnen
spiegeln sich in allen Knsten wider. Dabei ist
es wichtig zu wissen, dass die musikalische
Romantik nicht das Gegenteil des klassischen
Stils darstellt, sondern seine Erweiterung und
berformung. So erklrt sich auch, dass Beethoven, dessen Werk im Allgemeinen als Krnung der Wiener Klassik angesehen wird,
ebenso zutreffend als typischer Vertreter des

17

mit dem Orchester prgt die Musik zum Sommernachtstraum und seine von Reisen durch
Europa inspirierten Werke. Robert Schumann
Vol. 4749 bevorzugte in seinen Klavierwerken die bedeutungsvolle Kleinform (Charakterstck) und fasste solche Miniaturen gern
zu Zyklen wie Carnaval und Kinderszenen
zusammen. Seine Liederzyklen, etwa Dichterliebe und Frauenliebe und Leben, gehren zu
den Spitzenleistungen auf dem Gebiet des
Liedes. In seinen lyrisch-innigen Symphonien
verbindet er romantischen Ausdruck mit klassischer Struktur.
Der rasche Fortschritt des Klavierbaus trug
dazu bei, dass das Klavier zum beliebtesten
Instrument der Romantik avancierte. Kurz
nach der Wende zum 19. Jahrhundert wurden
erstaunlich viele komponierende Pianisten
geboren; die bedeutendsten waren Liszt und
Chopin. Frdric Chopin Vol. 4244 war
zweifellos der Meister des romantischen Klavierstils. Er schrieb ausschlielich Musik fr
oder mit Klavier, sehr individuelle, expressive
Stcke, die im Zeitraum von etwa 20 Jahren
entstanden und die technischen wie expressiven Mglichkeiten des Instrumentes auf eine

neue Ebene hoben. Ein halbes Jahrhundert

nach seinem frhen Tod war sein kompositorischer Einfluss noch immer sprbar.
Entsprechendes liee sich ber Nicol
Paganini Vol. 40 sagen, den vielleicht spektakulrsten Geiger aller Zeiten. Mit seiner
elektrisierenden Ausstrahlung und der funkensprhenden Bravour seiner wegweisenden
Stcke fesselte er das Publikum und diente
zugleich allen Virtuosen nach ihm als Vorbild.
Auch Liszt, der ungefhr von 1825 bis 1875
zusammen mit Berlioz und Wagner die musikalische Welt beherrschte, erlag seiner Faszination; gleichzeitig kndigt sich in seiner
Musik bereits das folgende Jahrhundert an.
Franz Liszt Vol. 45, der berragende Pianist seiner Zeit, fhrte den Klavierabend als
Instanz ein, erfand die Symphonische Dichtung (ein normalerweise von Literatur, Mythologie oder jngerer Geschichte inspiriertes,
lngeres Orchesterstck) und schrieb viele
andere Werke in verblffender Menge und
Vielfalt. Seine Klaviersonate in h-moll fgt alle
Teile der traditionellen Sonate organisch zu

einem groen Ganzen zusammen und gehrt

zu den Meilensteinen des Repertoires. Seine
letzten Klavierstcke nehmen die harmonische Welt von Debussy, Bartk und anderen
Komponisten vorweg. Als privat und musikalisch durchaus schillernde Persnlichkeit, aber
auch, indem er viele gewagte Werke vorlegte
und junge Komponisten finanziell und ideell
untersttzte, wurde er zum einflussreichsten
Musiker des Jahrhunderts.
Hector Berlioz Vol. 41 zielte mit seiner
Musik auf die direkte Reaktion des Gefhls,
und es gelang ihm, etwa in seiner Symphonie
fantastique, mit uerster Lebendigkeit das
bernatrliche, das Bukolische oder das glhend Romantische nachzubilden. Viele seiner
Werke sind von epischer Breite und bedienen
sich eines riesigen Orchesterapparats, um
seine Visionen auszudrcken; gleichzeitig
schpfen sie die technischen Fortschritte der
Orchesterinstrumente (besonders der Blechund Holzblasinstrumente) voll aus.

Sptromantik

Vol. 5072

Richard Wagner Vol. 6264, ein weiterer

Titan unter den Romantikern, ist wohl der
Komponist, ber den am meisten geschrieben
und geredet wurde. Er war ebenso genial und
arbeitsam wie skrupellos und egozentrisch.
Viele seiner Gedanken hatte Jahrzehnte zuvor
bereits Carl Maria von Weber Vol. 34 vorweggenommen, als er 1817 ber sein Bestreben schrieb, alle Knste zu einer groen neuartigen Form zu verschmelzen. Seine Oper Der
Freischtz, die erste deutsche romantische
Oper, war ein Meilenstein auf dem Weg zur
Realisierung dieses Gedankens. Wagners
grtes Projekt war Der Ring des Nibelungen,
ein Zyklus von vier Musikdramen, der die Gattung Oper, bis dahin eine gehobene Form der
Unterhaltung, zum quasi religisen Erlebnis
erhob. Wagner war stark von Liszt beeinflusst
und bediente sich wie dieser einer neuartigen
Harmonik, die eine nachhaltige Wirkung auf
die folgenden Komponistengenerationen ausbte und in letzter Konsequenz zur Atonalitt
des 20. Jahrhunderts fhrte.

18

Es erlagen jedoch nicht alle Komponisten

Wagners Faszination. Johannes Brahms
Vol. 5153 etwa, Inbegriff des musikalischen
Traditionalismus, war seinem Wesen nach
Romantiker, blieb aber weiterhin klassischen
Formen verpflichtet. Er schrieb keine Opern,
ressierte dafr aber in all jenen Gattungen,
die Wagner nicht beachtete. Die erste seiner
vier Symphonien 1875 vollendet, als Wagner
letzte Hand an den Ring legte orientiert sich
stilistisch eher an Beethoven. Brahms vier
Instrumentalkonzerte sind smtlich unsbetrittene Meisterwerke; sein umfangreiches Kammermusik-, Klavier-, Chor- und Liedschaffen
(fast 200 Klavierlieder) umfasst solide gearbeitete Werke von lyrischer Innigkeit und kompositorischer Genialitt. Brahms Freund und
lterer Zeitgenosse Johann Strauss (Sohn)
Vol. 55 schrieb mit seinen Walzern, Polkas
und Operetten leichtere Musik, die den Geist
ihrer Zeit jedoch ebenso treffend widerspiegelt
wie die ernstere Musik.
Wenn Wagners Opern von denen Beethovens und Webers abstammen, dann sind die
Opern von Giuseppe Verdi Vol. 6567 denjenigen von Gioachino Rossini Vol. 35 und

den romantischen Geschichten von Bellini und

Donizetti verpflichtet. In seiner berhmten
Trilogie Rigoletto (1851), Il trovatore (1853)
und La traviata (1853) koppelte Verdi meisterhafte Dramatik und sensible Charakterzeichnung an eine Flle unvergesslicher Melodien.
Don Carlos (1867), Aida (1871), Otello (1887)
und Falstaff (1893) zeigen, wie experimentierfreudig und entwicklungsfhig er bis ins hohe
Alter blieb. Als Leistungen eines unermdlich
forschenden Geistes gehren sie zu den groen Wundern des Musiktheaters.
Vol. 68 Die franzsische Musik stand Ende
des 19. Jahrhunderts im Spannungsfeld zwischen einer wachsenden Wagner-Begeisterung und als Folge der Niederlage Frankreichs gegen Preuen 1870 eines neuen
Nationalbewusstseins, das zur Grndung einer
nationalen Musikgesellschaft durch einige
Komponisten fhrte, zu denen auch Camille
Saint-Sans gehrte. Csar Franck versuchte, die Kluft zwischen beiden Strmungen zu
berbrcken, indem er klassische Strenge mit
romantischem Gefhl verband.
Vol. 6970 Russland gehrte zu den Vorreitern des neuen Nationalismus gegen Ende

der Romantik. Michail Glinka, obwohl von der

italienischen Tradition beeinflusst, war der
erste russische Komponist von Rang, der sich
einheimischer Sujets, Harmonien und Volkslieder bediente. Er wirkte stark auf jngere
Komponisten wie Alexander Borodin, Mili
Balakirew, Csar Cui, Modest Mussorgsky
und Nikolai Rimsky-Korsakow, das sogenannte Mchtige Huflein, das sich zum Ziel
gesetzt hatte, die russische Kunstmusik von
westeuropischen Einflssen zu befreien.
Peter Tschaikowsky Vol. 5961, der versierteste russische Komponist seiner Zeit,
bekannte sich zwar ffentlich zu den Zielen
der Nationalisten, blieb in seinem Schaffen
aber weitgehend der sterreichisch-deutschen Tradition verpflichtet. berall in Europa
entstanden sogenannte nationale Schulen:
in Bhmen (Bedr ich Smetana und Antonn
Dvor k Vol. 5657), Mhren (Leo Janc ek
Vol. 83), Norwegen (Edvard Grieg Vol. 58),
in Dnemark (Carl Nielsen), Finnland (Jean
Sibelius Vol. 81, dessen sieben Symphonien,
wie die sechs von Nielsen, die Gattung in
packender, individueller Art und Weise weiterentwickelten) und Spanien (Manuel de Falla,

Isaac Albniz, Enrique Granados und Joaqun

Rodrigo Vol. 94).
Mit dem sich ausweitenden Nationalismus
ging die Entstehung einer auf Realismus abzielenden, Verismo genannten Opernrichtung
einher. Carmen (1875) des franzsischen Komponisten Georges Bizet Vol. 50 knnte als
franzsischer Vorlufer dieses italienischen
Stils gelten. Seine Reprsentanten sind vor
allem Giacomo Puccini Vol. 7778, Ruggero
Leoncavallo und Pietro Mascagni; ihre
Geschichten knnten im damaligen Alltagsleben spielen und kennzeichnen sich durch
gesteigerte Emotion und Gewaltttigkeit. Whrend der letzten Jahrzehnte der sogenannten
Spt- oder Neo-Romantik wirkten im Nachgang Wagners einige Komponisten, deren Vorliebe fr massive symphonische Satzstrukturen und ppige Orchestrierung von den
sterreichern Anton Bruckner Vol. 54 und
Gustav Mahler Vol. 7172, dem Russen Alexander Skrjabin Vol. 80 und dem Frhwerk
des Deutschen Richard Strauss Vol. 7576
beispielhaft vorgefhrt wird.

19

Mode r ne

Vol. 73100

Nach der Wende zum 20. Jahrhundert war es

kaum noch mglich, eine generell vorherrschende musikalische Tendenz zu benennen.
Die auf Klassik und Romantik folgende Musik
lsst sich angesichts der Vielzahl kompositorischer Strmungen eigentlich nur allgemein
als Moderne bezeichnen. Diese Zeit ist
gekennzeichnet durch khne Experimente mit
neuen Stilen und Techniken als Reaktion auf
die als bertrieben empfundene Emotionalitt
der Romantiker.
Impressionismus, ein nicht ganz passender,
aus der franzsischen Malerei und Lyrik entlehnter Begriff, ist ein bequemes Etikett fr die
neuartige Harmonik und Klanglichkeit von
Claude Debussy Vol. 7374, der behauptete,
Musik knne auf flieende Art und Weise das
Spiel des Lichts wiedergeben. Debussy war
anfangs von Liszt beeinflusst und erzeugt in
seinen Klavier- und Orchesterwerken eine
magisch-klangsinnliche Atmosphre. Auch
sein etwas jngerer franzsischer Zeitgenosse, der akribische Maurice Ravel Vol. 84,

bildet in seinen superb orchestrierten Werken

hchst lebendig Licht und Farben nach; oft
werden exotische Sujets behandelt, spter
zeigt sich vielfach der Einfluss des Jazz.
Igor Strawinsky Vol. 8788 studierte in
St. Petersburg bei einem anderen groartigen
Orchestrator, nmlich Rimsky-Korsakow, und
wenige Jahre spter schrieb er seine drei frhen Meisterballette, die die musikalische Welt
aus den Angeln hoben und von einem zum
nchsten immer khner wurden: Der Feuervogel (1909), Petruschka (1911) und Le Sacre
du printemps (Die Frhlingsweihe, 1913). In
Petruschka finden sich Bitonalitt (d. h. Musik,
die gleichzeitig in zwei Tonarten steht), dissonante Akkorde, freie Rhythmik und perkussiver Einsatz des Orchesters; im Sacre (das
Stck lste bei seiner Urauffhrung wahre
Tumulte im Publikum aus) reduziert Strawinsky alle Parameter der Musik zugunsten des
Rhythmus. In der langen, produktiven Laufbahn, die dann folgte, erkundete Strawinsky
fast jede Gattung und jeden Stil seiner Zeit.
Kein anderer unter den groen Komponisten
des frhen 20. Jahrhunderts drfte einflussreicher gewesen sein als er. Debussy, Ravel,

Sibelius und der Ungar Bla Bartk Vol. 90

waren nicht so wandlungsfhig, whrend die
Musik der Wiener Arnold Schnberg, Anton
Webern Vol. 85 und Alban Berg Vol. 86 sich
als weniger zugnglich erwies.
Einzig Schnberg konnte es damals als
musikalischer Vordenker mit Strawinsky aufnehmen. Vielen gilt er als derjenige, der die Tr
zu einer aufregenden neuen Welt des musikalischen Denkens aufstie; andere sehen in ihm
den Buhmann, der die Musik dem Verstndnis
des Normalbrgers entzog. Seit der Renaissance hatte Musik stets ein tonales Zentrum
gehabt. Wie weit sich die Harmonik auch von
der Tonika, d. h. der Haupttonart, entfernte
der Hrer konnte immer selbstverstndlich mit
einer Rckkehr zur Tonika am Schluss rechnen. Im spten 19. Jahrhundert hatten die
Komponisten allmhlich begonnen, Intervalle
auerhalb der vorherrschenden diatonischen
(also der Dur- und Moll-)Tonleitern zu benutzen, so dass innerhalb eines Werkes die Tonart
viel hufiger wechselte. (Man nennt dies Chromatik, da die Tne der zwlfstufigen chromatischen Skala, im Gegensatz zu den siebenstufigen diatonischen Skalen, zur Harmonisierung

eines Stckes herangezogen werden.) Auf

diese Weise verschleierte man das tonale Zentrum von Musikstcken immer mehr. Schnberg ging noch weiter, als er sich fragte: Wenn
ich all diese chromatischen Tne in meiner
Musik benutzen kann gibt es dann berhaupt
eine klare Tonart? Warum muss ein bestimmter Ton in einer bestimmten Tonart als fremd
gelten? Warum sollten nicht alle zwlf Halbtne der chromatischen Skala die gleiche Bedeutung haben?
So entstand die Zwlftontechnik (auch als
Reihentechnik und Dodekaphonie bekannt)
und die auf ihr basierende Musik der sogenannten Zweiten Wiener Schule (so nannte
man Schnberg und seine Schler Berg und
Webern in Anlehnung an die Erste Wiener
Schule mit Haydn, Mozart und Beethoven).
Nicht alle Komponisten waren von dieser
Technik berzeugt, aber Dissonanz, Atonalitt
und der Verzicht auf sangbare Melodien prgen die Musik vieler Komponisten des 20.
Jahrhunderts. Bis die Avantgarde sich auch
bei musikalischen Amateuren und Nicht-Spezialisten durchsetzen konnte, dauerte es nun
sehr viel lnger als in den Jahrhunderten

20

davor. Die polyrhythmische, polytonale Musik

des amerikanischen Pioniers Charles Ives
Vol. 82 etwa galt einmal als viel zu komplex
und radikal, um jemals populr werden zu
knnen. Die verschiedenen Idiome anerkannter Meister der Moderne wie John Cage, Elliott
Carter, Luciano Berio und Luigi Nono (die Liste liee sich beliebig fortsetzen) sind vielen
Hrern nach wie vor ein Rtsel, whrend sie
bei anderen eine geradezu fanatische Begeisterung auslsen.
Andere Anstze in der Musik des 20. Jahrhunderts erhielten die Verbindung zu Tonalitt
und (immer hufiger) verstndlicher Melodik
aufrecht. Vieles von Sergej Prokofjew
Vol. 89 mag harsch und sprde klingen, aber
man merkt seinem Stil doch die Herkunft aus
der Romantik an. Prokofjews sowjetischer
Landsmann Dmitri Schostakowitsch
Vol. 92 entstammte der gleichen Tradition
und teilte Prokofjews Hang zum Widerborstigen, Humorvollen und Satirischen, aber in der
Introvertiertheit, Ironie und Gewaltttigkeit
seiner besten Werke spiegelt sich der tragische Kampf eines Knstlers in einem totalitren Regime. Der groe Klaviervirtuose Sergej

Rachmaninow Vol. 80 emigrierte nach Amerika und schrieb in einem Stil, der seine sptromantischen Wurzeln noch viel weniger verleugnet als derjenige Prokofjews, einige der
beliebtesten Werke des gesamten Repertoires.
Vol. 91 Das 20. Jahrhundert kennt keine
vorherrschenden musikalischen Schulen
mehr.Beispielsweise gibt es anscheinend
kaum Verbindendes zwischen den gesellschaftspolitischen Opern eines Kurt Weill mit
ihren herben und trotzdem unvergesslichen
Melodien und seinem Zeitgenossen Paul Hindemith, der in einem kontrapunktisch dichten,
neo-klassizistischen Stil schrieb. Und ein
Komponist wie Aaron Copland hat mit beiden
fast gar keine Gemeinsamkeiten. Copland war
der erste amerikanische Komponist von Format nach Ives und verarbeitete Volksmusik,
blue notes, Anklnge an Cowboysongs, Jazz
und traditionelle jdische Musik.
Coplands etwa gleichaltriger Kollege
Samuel Barber Vol. 82 komponierte in einem
konservativeren, europisch geprgten Stil.
Der populrste amerikanische Komponist des
20. Jahrhunderts, George Gershwin Vol. 95,
kombinierte Einflsse aus europischer und

russischer Musik, Jazz und amerikanischer

Popularmusik und schrieb auf dieser Grundlage Erfolgs-Musicals voller unvergesslicher
Hits sowie Konzertstcke und seine berhmte
Oper Porgy and Bess. Der kompositionstechnisch geschultere Leonard Bernstein folgte
seinem Beispiel und komponierte fr Broadway und Konzertsaal gleichermaen. Vol. 100
Die bekanntesten (und auch konomisch
erfolgreichsten) amerikanischen Komponisten
der folgenden Generation sind Steve Reich,
Philip Glass und John Adams, drei sogenannte Minimalisten; ihre Musik produziert mit
hypnotischem Effekt ein Gewebe aus stndig
wiederholten Patterns und kurzen Einwrfen.
In Grobritannien dauerte es lange, bis sich
eine nationale Schule herausbildete. Edward
Elgar Vol. 79, von seinen Landsleuten fr
seine dem Wesen nach englisch anmutende
Musik geschtzt, war in Wahrheit zutiefst der
deutschen Tradition verpflichtet, und erst mit
Ralph Vaughan Williams Vol. 93 und Gustav Holst Vol. 79 entwickelte sich allmhlich
eine britische (oder zumindest englische)
Musik. RVW interessierte sich fr Musik der
Tudor-Zeit, mittelalterliche Harmonik und

Volkslieder und komponierte in einem quasi

romantisch-neoklassizistischen Stil. Sein
Freund Holst hatte hnliche Interessen, lie
sich aber auch vom Nahen Osten inspirieren
sein berhmtestes Stck, Die Planeten,
basiert auf dem Gedankengut der chaldischen Astrologie. Die wichtigste Persnlichkeit der folgenden Generation drfte Benjamin Britten Vol. 93 gewesen sein. Seine
zahlreichen beeindruckenden Opern sicherten
der englischen Musik einen festen Platz auf
den Bhnen der Welt.
In Frankreich waren die wichtigsten Komponisten in den Jahrzehnten nach Debussy
und Ravel Arthur Honegger, Darius Milhaud
und Francis Poulenc, drei grundverschiedene
Mitglieder einer lose zusammenhngenden
Sechsergruppe, die als Les Six in die
Geschichte einging (die drei brigen Mitglieder
waren musikhistorisch weit weniger bedeutend). Sie waren vom schrulligen, exzentrischen Eric Satie beeinflusst und wurden vom
Autor, Designer und Filmemacher Jean Cocteau gefrdert. Der bedeutendste franzsische
Komponist nach 1950, der eigenwillige Katholik und Visionr Olivier Messiaen Vol. 96,

21

war auch ein berragender Organist und Kompositionslehrer und machte neben Elementen
auereuropischer Musik auch Vogelrufe in
der westlichen Tonsprache heimisch. Vol. 97
Sowohl Pierre Boulez, dessen komplexe Werke zu einem groen Teil auf mathematischen
Beziehungen basieren, als auch Karlheinz
Stockhausen, der fr seine innovative elektronische Musik Partituren aus Tabellen und
Diagrammen erstellte, waren Schler von
Messiaen.
Vol. 98 Was die Komponisten neuerer Zeit
angeht, mgen sie heute in der ffentlichkeit
stehen oder in jngerer Vergangenheit verstorben sein, so erweisen sich alle Versuche einer
Kategorisierung und Einordnung schnell als
mig man denke etwa an die offene, in sich
sehr disparate Stilistik solcher Koryphen wie
des Polen Witold Lutos awski, des aus
Ungarn stammenden Gyrgy Ligeti, des
Deutschen Hans Werner Henze und des Russen Alfred Schnittke oder auch so erfolgreicher britischer Zeitgenossen wie Peter Maxwell Davies, Harrison Birtwistle, Thomas Ads
oder George Benjamin. Bei ihnen allen wrde
man wahrscheinlich auch kaum Gemeinsam-

keiten mit Berio und Nono, mit Boulez und

Stockhausen, mit Reich, Glass und Adams
oder mit spirituellen Minimalisten wie dem
Polen Henryk Grecki Vol. 99 und dem Esten
Arvo Prt entdecken, die ebenfalls eine treue
Anhngerschaft gefunden haben.
Die zeitgenssische ernste Musik ist
ebenso unmglich zu klassifizieren und auf
eine einzige Schule zu reduzieren wie die
ungezhlten Richtungen der Popularmusik
mit ihren entsprechenden Untergattungen
Hip-Hop, Metal, Garage, R&B, Soul, Dance,
Reggae, Blues, Folk und so fort. Was die

Zukunft bringen wird, wie sich die Musik in

den nchsten 50 Jahren entwickeln und welche Formen sie annehmen wird, gehrt zu den
spannendsten Fragen unserer Zeit. Auf dem
Gebiet der Musik wird es immer wieder khne
Fantasten und Innovatoren geben, die nach
neuen Wegen suchen und sich auf neue, individuelle Arten ausdrcken. Wer von ihnen
zuknftig ein breites, empfngliches und
dankbares Publikum finden wird, kann nur die
Zeit zeigen.
Jeremy Nicholas
bersetzung: Stefan Lerche

22

23

Early Romantic | PArt 2

24

Vol. 41

BERLIOZ: SYMPHONIE FANTASTIQUE | OVERTURES

The Romantic composer par excellence, Hector Berlioz was also a gifted conductor and
wrote a famous treatise on orchestration, an
art he revolutionized in his own visionary
works. His epoch-making first symphony,
composed in 1830 when he was 27, has been
described as an attempt to work out dramatic
and poetic ideas within the framework of a
Beethoven symphony. Berlioz subtitled his
Symphonie fantastique Episode in the Life of
an Artist and set out a detailed programme
for the five movements: A young composer,
of extreme morbid sensibility and fervent
imagination, takes opium in an access of
despair brought on by love. The dose
plunges him into a deep sleep accompanied by
strange visions The beloved becomes for
him a melody and a kind of ide fixe which
haunts him everywhere. Berliozs first opera
Benvenuto Cellini (1838) was not a success

mit Opium vergiftet. Die Dosis versenkt ihn

in einen langen Schlaf, der von seltsamen
Visionen begleitet wird Die Geliebte selbst
wird fr ihn zur Melodie, gleichsam zu einer
fixen Idee, die er berall wiederfindet,
det, berall
hrt. Berlioz erste Oper, Benvenuto
uto Cellini

but, as he claimed later in life, it contains

some of his freshest ideas.

Hector Berlioz, der romantische Komponist par

excellence, war auch ein versierter Dirigent
und schrieb eine berhmte Abhandlung ber
die Instrumentation, eine Kunst, die er in seinen eigenen visionren Werken revolutionierte.
Die epochale erste Symphonie, die Berlioz
1830 mit 27 Jahren schrieb, bezeichnete man
spter als den Versuch, dramatische und poetische Ideen im formalen Rahmen einer Beethoven-Symphonie darzustellen. Berlioz gab
seiner Symphonie fantastique den Untertitel
Episode aus dem Leben eines Knstlers und
entwarf ein detailliertes Programm fr die fnf
Stze: Ein junger Musiker von krankhafter
Empfindsamkeit und glhender Fantasie hat
sich in einem Anfalle verliebter Verzweiflung

HECTOR BERLIOZ

25

(1838) war kein Erfolg, enthlt aber, wie der

Komponist spter in seinem Leben feststellte,
einige seiner originellsten Ideen.

HECTOR BERLIOZ

Vol. 42

(18031869)

CHOPIN: PIANO CONCERTO NO. 1

PRLUDES | BARCAROLLE | SCHERZO NO. 3

Symphonie fantastique op. 14

A
B
C
D
E

1.
2.
3.
4.
5.

Rveries Passions
Un bal | A ball
Scne aux champs | Scene in the country
Marche au supplice | March to the scaffold
Songe dune nuit du Sabbat | Dream of a Sabbath night

14:50
6:09
15:25
4:29
9:37

F Overture Benvenuto Cellini op. 23

9:51

G Overture Le Corsaire op. 21

8:39

The son of a Polish mother and a French

father, Chopin was born near Warsaw and
grew up in the capital. His prodigious talent for
the piano manifested itself early, and by the
age of eight he was appearing in public. Most
of his compositions are for piano solo. Of the
works with orchestra, the largest in scale is
the Concerto in E minor, conceived as a vehicle with which the young Chopin could make
his mark as a virtuoso pianist-composer. He
gave the first public performance in Warsaw
on 11 October 1830. Settling in Paris in 1831,
Chopin was prevented by political conditions
from ever again seeing his beloved Poland.

Orchestre de lOpra Bastille

MYUNG-WHUN CHUNG
H Royal Hunt and Storm from Les Troyens

9:37

RIAS Kammerchor
Rundfunkchor Berlin
Berliner Philharmoniker
JAMES LEVINE

1991 ( H ) / 1995 ( A E ) / 1996 ( F G ) Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 78:37

26

Chopin, Sohn einer polnischen Mutter und

eines franzsischen Vaters, wurde in der Nhe
von Warschau geboren und wuchs in der Stadt
selbst auf. Seine erstaunliche Begabung fr
das Klavierspiel zeigte sich bereits in frher
Kindheit, und mit acht Jahren trat er erstmals
ffentlich auf. Der Groteil seines uvres
besteht aus Kompositionen fr Klavier zu zwei
Hnden. Das e-moll-Konzert ist sein umfangreichstes Werk mit Orchester; Chopin schrieb
es als junger Mann, um sich als virtuoser Pianist und Komponist einen Namen zu machen.
Die erste ffentliche Auffhrung des Stcks
fand mit Chopin am Klavier am 11. Oktober
1830 in Warschau statt. 1831 bersiedelte
Chopin nach Paris, und die politischen
Umstnde sollten ihn fr immer von seiner
geliebten polnischen Heimat fernhalten.

CD 1

FRDRIC CHOPIN

(18101849)

Piano Concerto No. 1 in E minor op. 11

A 1. Allegro maestoso
B 2. Romance. Larghetto
C 3. Rondo. Vivace

18:52
9:52
8:57

Martha Argerich piano

London Symphony Orchestra | CLAUDIO ABBADO

Prludes op. 28
D
E
F
G
H
I
J
K
L
M

FRDRIC CHOPIN

No. 1 in C major
No. 3 in G major
No. 6 in B minor
No. 10 in C sharp minor
No. 15 in D flat major
No. 16 in B flat minor
No. 17 in A flat major
No. 20 in C minor
No. 21 in B flat major
No. 24 in D minor

0:32
0:50
1:46
0:25
4:51
0:58
2:48
1:32
1:34
2:18

N Barcarolle in F sharp major op. 60

8:07

O Scherzo No. 3 in C sharp minor op. 39

6:28

Martha Argerich piano

1961 ( N O ) / 1968 ( A C )/1977 ( D M ) Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 70:10

27

Vol. 43

FRDRIC CHOPIN

CHOPIN: NOCTURNES
The nocturne as Chopin knew it a lyrical,
meditative piece was invented by an Irish
composer, John Field (17821837). But it was
for Chopin to tap its full expressive potential,
and his Nocturnes have always been among
his most popular works. Italian bel canto
opera influenced the sometimes florid melodies he created for this poetic night music,
while the moods of his Nocturnes span a surprisingly wide range from melancholy to
pensive warmth to light-hearted wistfulness.
They can be dreamy or tempestuous, triumphant or erotically charged, even tragic but
always intensely expressive, quintessentially
Romantic.

(18101849)

Nocturnes
A
B
C
D
E
F
G
H
I
J
K
L
M

Das Nocturne, wie Chopin es kennenlernte,

war eine Erfindung des irischen Komponisten
John Field (17821837): ein lyrisches, nachdenkliches Klavierstck. Aber erst Chopin
wusste das gesamte Ausdruckspotenzial der
Gattung zu nutzen, und so gehren die Nocturnes von jeher zu seinen beliebtesten Werken. Die oft blhenden Melodien seiner poetischen Nachtstcke sind von der italienischen
Belcanto-Oper beeinflusst. Ihre Ausdrucksskala ist berraschend gro und reicht von Melancholie ber gedankenvolle Innigkeit bis hin zu
Wehmut und Nostalgie. Sie knnen vertrumt
oder strmisch sein, triumphierend oder erotisch aufgeladen, sogar tragisch aber immer
von intensivem Ausdruck und zutiefst romantisch.

No. 1 in B flat minor op. 9 no. 1

No. 2 in E flat major op. 9 no. 2
No. 3 in B major op. 9 no. 3
No. 4 in F major op. 15 no. 1
No. 7 in C sharp minor op. 27 no. 1
No. 8 in D flat major op. 27 no. 2
No. 9 in B major op. 32 no. 1
No. 10 in A flat major op. 32 no. 2
No. 12 in G major op. 37 no. 2
No. 13 in C minor op. 48 no. 1
No. 15 in F minor op. 55 no. 1
No. 18 in E major op. 62 no. 2
No. 19 in E minor op. post. 72 no. 1

5:44
4:33
7:16
4:28
4:57
6:29
5:23
5:40
5:50
6:17
4:42
6:14
4:25

Daniel Barenboim piano

1982 Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 71:58

28

Vol.
CD 144

FRDRIC CHOPIN

CHOPIN: MAZURKAS | WALTZES | ETUDES

SCHERZI | POLONAISE NO. 6 | BALLADE NO. 1

A Ballade No. 1 in G minor op. 23

9:33

B Berceuse in D flat major op. 57

5:21

C Waltz No. 14 in E minor op. post.

3:03

D Waltz No. 3 in A minor op. 34 no. 2

5:23

E Impromptu No. 1 in A flat major op. 29

3:56

F Etude in C major op. 10 no. 1

2:22

G Etude in E flat minor op. 10 no. 6

3:19

H Etude in G flat major op. 10 no. 5

1:48

I Etude in C minor Revolutionary op. 10 no. 12

3:01

Chopins pieces are short in duration but

gigantic in content: the four Ballades, the four
Scherzi, the 24 Prludes and 24 Etudes, the
many Mazurkas, Nocturnes, Impromptus,
Waltzes and Polonaises, and even single
items, such as the Barcarolle, Berceuse, Fantasy and Fantasy-Impromptu are all brilliantly
thought-out and intensely felt compositions.
His expressive capacities allowed him to run
the gamut from dreaminess to fury, from harsh
coldness to the most intimate sensuality, from
playfulness to tragedy, from heedless gaiety
to deepest depression. Underlying all his writing, however, are pride, poise, dignity and selfawareness.

Chopins Werke sind meist kurz, aber von enormem Gehalt: die vier Balladen, die vier Scherzi, die 24 Prludes und 24 tudes, die vielen
Mazurken, Nocturnes, Impromptus, Walzer und
Polonaisen, sogar die Einzelwerke wie die Barcarolle, die Berceuse, die Fantasie und das
Fantasie-Impromptu sind ausnahmslos brillant
erdacht und tief empfunden. Sein musikalisches Ausdrucksvermgen erlaubte es ihm,
eine enorme emotionale Bandbreite abzubilden, zwischen Vertrumtheit und Zorn, abweisender Klte und innigster Sinnlichkeit,
Verspieltheit und Tragik, unbekmmerter Frhlichkeit und tiefer Depression. Als Tiefenschicht freilich lsst sein Stil Stolz, Beherrschtheit, Wrde und Selbstreflektion erahnen.

(18101849)

J Scherzo No. 4 in E major op. 54

11:24

K Scherzo No. 3 in C sharp minor op. 39

7:37

L Mazurka in B flat major op. 7 no. 1

2:20

M Mazurka in A minor op. 68 no. 2

2:37

N Mazurka in A flat major op. post.

1:19

O Mazurka in C major op. 67 no. 3

1:32

P Polonaise No. 6 in A flat major op. 53

6:55

Tams Vsry piano

1964 ( J K ) / 1965 ( A I , L P) Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 71:30

29

Vol. 45

LISZT: PIANO CONCERTO NO. 1

B MINOR SONATA | HUNGARIAN RHAPSODY NO. 6
In his 20s and 30s, Liszt stretched the frontiers of piano virtuosity to unprecedented limits, as his model, Paganini, had done for the
violin a few years earlier. Liszt became the
darling of European society, famed for his
many love affairs. He lived for nearly five years
with Countess Marie dAgoult, who abandoned
her husband for him and bore him three children. He later lived for twelve years with Princess Carolyne Sayn-Wittgenstein, who had
also abandoned her husband for him. Liszt
was also a highly original composer especially in piano works such as those heard here.
In the 20th century his Sonata in B minor
(1853) was recognized as one of the supreme
masterpieces of the Romantic piano literature,
and it has become a showpiece for pianists
who possess the transcendental technique it

In seinen Zwanzigern und Dreiigern erweiterte Liszt die Grenzen der Klaviervirtuositt auf
beispiellose Weise, hnlich, wie sein Vorbild
Paganini es einige Jahre zuvor fr das Violinspiel getan hatte. Liszt wurde zum Liebling der
gehobenen europischen Gesellschaft und war
berhmt wegen seiner vielen Affren. Fast
15 Jahre lang lebte er mit der Grfin Marie
dAgoult zusammen, die seinetwegen ihren
Ehemann verlie und ihm drei Kinder gebar.
Spter lebte er 12 Jahre lang mit der Frstin
Carolyne Sayn-Wittgenstein, die ebenfalls seinetwegen ihren Mann verlassen hatte. Liszts
Originalitt als Komponist zeigt sich besonders
an Klavierstcken wie den hier vorliegenden.
Im 20. Jahrhundert erkannte man die Bedeutung seiner h-moll-Sonate (1853) als Spitzenwerk der romantischen Klavierliteratur, und
das Stck wurde zu einer Bravournummer fr
Pianisten, die ber die ntige, nahezu bermenschliche Technik verfgten. Die auf Zigeunermelodien basierende Ungarische Rhapsodie Nr. 6 (1847) ist nicht nennenswert leichter

requires. The Hungarian Rhapsody No. 6

(1847), which is based on gypsy tunes, is not
much easier to play than the Sonata nor are
the other works in this selection: the First
Piano Concerto (c.1835 and then repeatedly
revised) and the evocative tone paintings from
his cycles entitled Annes de plerinage
(Years of Pilgrimage), musical impressions of
his sojourns in Switzerland and Italy between
1835 and 1839.

30

als die Sonate ebensowenig wie die brigen

Werke in dieser Auswahl: das Erste Klavierkonzert (um 1835 komponiert und danach mehrmals berarbeitet) und die suggestiven Klangbilder aus den Klavierzyklen der Annes de
plerinage (Pilgerjahre) musikalische Impressionen von seinen Aufenthalten in der Schweiz
und Italien zwischen 1835 und 1839.

FRANZ LISZT

(18111886)

Piano Concerto No. 1

in E flat major S 124
A 1. Allegro maestoso
B 2. Quasi Adagio Allegretto vivace
Allegro animato
C 3. Allegro marziale animato

5:07
8:27
3:58

Martha Argerich piano

London Symphony Orchestra
CLAUDIO ABBADO

FRANZ LISZT

Lento assai Allegro energico

Grandioso
Cantando espressivo
Pesante Recitativo
Andante sostenuto
Quasi Adagio

2:43

O Hungarian Rhapsody
No. 6 S 244

6:20

3:02
1:59

P Valle dObermann

1:14
1:13
2:53

14:28

from Annes de plerinage I: Suisse S 160

3:40
2:05

Q Les Jeux deau la Villa dEste

0:46

from Annes de plerinage III S 163

4:19

Lazar Berman piano

1961 ( O ) / 1968 ( A C )/1972 ( D N )/1977 ( P Q ) Deutsche Grammophon GmbH, Berlin

Total time: 71:52

31

1:52

Martha Argerich piano

Piano Sonata in B minor S 178

D
E
F
G
H
I

Allegro energico
Pi mosso
Cantando espressivo senza slentare
Stretta quasi presto Presto
Prestissimo
N Andante sostenuto
Allegro moderato Lento assai
J
K
L
M

7:46

Vol. 46

MENDELSSOHN: SYMPHONY NO. 4 ITALIAN

A MIDSUMMER NIGHTS DREAM
HEBRIDES OVERTURE
Born into a highly cultivated, assimilated German Jewish family, Mendelssohn was one of
the most naturally talented musicians of the
19th century. By the time he wrote his Octet
for Strings at the age of 16, he was already
thoroughly accomplished as a composer. Well
bred, well read, well connected and well travelled, he soon became one of the leading figures in the musical life of his day, not only in
the German-speaking states, but also in England and elsewhere. At 20, he initiated the
Bach revival by conducting the long-forgotten
St. Matthew Passion in Berlin, and in his later
years he often conducted his own and others
music with great success. The magically
atmospheric Midsummer Nights Dream

England und andernorts. Als 20-Jhriger setzte er durch eine Auffhrung der lange vergessenen Matthus-Passion in Berlin die BachRenaissance in Gang, und in spteren Jahren
dirigierte er, mit groem Erfolg,
g, oft sowohl
eigene Werke als auch Stcke anderer Komponisten. Die zauberhafte
afte Atmosphre der
Musik zum Sommernachtstraum
htstraum und die von

music, and the evocative Hebrides Overture

and Italian Symphony, inspired by Mendelssohns travels, are among the most treasured
of his orchestral works.

Mendelssohn, Spross einer hochkultivierten

Familie assimilierter deutscher Juden, gehrte
zu den grten musikalischen Begabungen
des 19. Jahrhunderts. Als er mit 16 sein
Streichoktett schrieb, war er bereits ein versierter Komponist. Aus gutem Hause, belesen,
mit guten Verbindungen und weitgereist, wurde er bald zu einer der fhrenden Figuren im
Musikleben seiner Zeit, nicht nur in den
deutschsprachigen Lndern, sondern auch in

FELIX MENDELSSOHN

32

seinen Reisen inspirierten Tongemlde seiner

Hebriden-Ouvertre und der Italienischen
Symphonie gehren zu seinen beliebtesten
Orchesterwerken.

FELIX MENDELSSOHN

Vol. 47

(18091847)

SCHUMANN: SYMPHONIES NOS. 2 & 3 RHENISH

Symphony No. 4 in A major Italian op. 90

A
B
C
D

1. Allegro vivace
2. Andante con moto
3. Con moto moderato
4. Saltarello. Presto

E Overture The Hebrides (Fingals Cave) op. 26

10:51
6:47

Schumann was one of the great figures of German Romanticism. In 1845, he wrote to his
friend Mendelssohn: For days my head has
been a whirl of trumpets and drums in C.
I dont know what will come of it. What came
was his Second Symphony, whose first performance Mendelssohn conducted a year
later. The Rhineland, where Schumann moved
in 1850, inspired his Third Symphony: its
majestic fourth movement captures the beauty of the great cathedral of Cologne on the
Rhine, and the high pomp of a solemn ceremony that Schumann witnessed there. But
four years later, the composer attempted suicide by throwing himself into the river.

6:54
5:52
10:03

Israel Philharmonic Orchestra

LEONARD BERNSTEIN

A Midsummer Nights Dream

Incidental Music opp. 21 & 61 (excerpts)
F
G
H
I

Overture
Scherzo
Notturno
Wedding March

11:51
4:46
5:35
4:41

Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks

RAFAEL KUBELIK

1965 ( F I ) / 1979 ( A D ) / 1980 ( E ) Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 67:35

33

Schumann war eine prgende Gestalt der

deutschen Romantik. 1845 schrieb er an seinen Freund Mendelssohn: In mir paukt und
trompetet es seit einigen Tagen sehr (Trombe
in C); ich wei nicht, was daraus werden wird.
Was daraus wurde, war seine Zweite Symphonie, und Mendelssohn dirigierte ein Jahr spter die Urauffhrung. Das Rheinland, wohin
Schumann 1850 bersiedelte, inspirierte ihn
zu seiner Dritten Symphonie. Ihr majesttischer 4. Satz schildert die Schnheit des grandiosen Klner Doms und das Geprnge einer
feierlichen Zeremonie, der Schumann dort
beiwohnte. Vier Jahre spter jedoch versuchte
er, sich durch einen Sprung in den Rhein das
Leben zu nehmen.

CD 1

ROBERT SCHUMANN

(18101856)

Symphony No. 2 in C major op. 61

A
B
C
D

1.
2.
3.
4.

Sostenuto assai Allegro, ma non troppo

Scherzo. Allegro vivace
Adagio espressivo
Allegro molto vivace

12:56
7:08
10:49
8:05

Symphony No. 3 in E flat major Rhenish op. 97

E
F
G
H
I

1.
2.
3.
4.
5.

Lebhaft
Scherzo. Sehr mig
Nicht schnell
Feierlich
Lebhaft

Chicago Symphony Orchestra

DANIEL BARENBOIM

ROBERT SCHUMANN

1977 Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 74:24

34

9:10
6:48
5:47
7:34
6:07

Vol. 48

ROBERT SCHUMANN

SCHUMANN: PIANO CONCERTO

KINDERSZENEN | CARNAVAL

Piano Concerto in A minor op. 54

Schumanns hopes for a virtuoso pianists

career were dashed when he began losing
control over his right hand. But by the time he
was 30 he had composed a host of dazzlingly
original keyboard pieces, including the irresistibly charming and exuberant Carnaval and
the disarming Kinderszenen (Scenes from
Childhood). Many of them were inspired by his
love for the great piano prodigy Clara Wieck,
who became his wife. Clara also played the
first performance of Schumanns beautiful
Concerto, one of the mainstays of the Romantic repertoire.

(18101856)

A 1. Allegro affettuoso
B 2. Intermezzo. Andantino grazioso
C 3. Allegro vivace

15:43
5:41
11:54

Wilhelm Kempff piano

Symphonieorchester des Bayerischen Rundfunks
RAFAEL KUBELIK

Schumanns Hoffnungen auf eine Laufbahn als

Klaviervirtuose zerschlugen sich, als seine
rechte Hand ihm allmhlich nicht mehr
gehorchte. Mit 30 Jahren hatte er freilich
bereits eine groe Zahl unglaublich eigenwilliger Klavierstcke geschrieben, darunter den
unwiderstehlich charmanten, berschwnglichen Carnaval und die bezaubernden Kinderszenen. Etliche seiner Klavierwerke entsprangen seiner Liebe zu Clara Wieck, die ihre
Karriere als pianistisches Wunderkind begonnen hatte und spter seine Frau wurde. Sie war
auch die Solistin bei der Urauffhrung von
Schumanns herrlichem Klavierkonzert, einer
der Sulen des romantischen Repertoires.

Kinderszenen op. 15
D 1. Von fremden Lndern und Menschen
About foreign lands and peoples
E 2. Kuriose Geschichte | Curious story
F 3. Haschemann | Catch me if you can
G 4. Bittendes Kind | Pleading child
H 5. Glckes genug | Happiness
I 6. Wichtige Begebenheit | Important event
J 7. Trumerei | Dreaming
K 8 . Am Kamin | At the fireside
L 9. Ritter vom Steckenpferd
Knight of the hobby-horse
M 10. Fast zu ernst | Almost too serious
N 11. Frchtenmachen | Frightening
O 12. Kind im Einschlummern | Child falling asleep
P 13. Der Dichter spricht | The poet speaks

35

1:40
1:01
0:36
0:52
0:45
0:57
2:26
1:06
0:48
1:40
1:58
2:02
2:07

CD 1

Vol. 49

SCHUMANN: DICHTERLIEBE
FRAUENLIEBE UND LEBEN | LIEDER

Carnaval op. 9
Q
R
S
T
U
V
W
X
Y
a
b
c
d
e
f
g
h
i
j
k
l

1. Prambule
2. Pierrot
3. Arlequin
4. Valse noble
5. Eusebius
6. Florestan
7. Coquette
8. Rplique (Sphinxes)
9. Papillons
10. A.S.C.H. S.C.H.A. (Lettres dansantes)
11. Chiarina
12. Chopin
13. Estrella
14. Reconnaissance
15. Pantalon et Colombine
16. Valse allemande
17. Paganini. Intermezzo
18. Aveu
19. Promenade
20. Pause
21. Marche des Davidsbndler contre les Philistins

2:21
0:54
0:41
1:08
1:33

Schumann has been described as the incarnation of Romanticism, because of his selfabsorption and the extra-musical ideas that he
often used as a point of departure for his
music. But there is also a deep current of
irony and even self-mockery in his works. By
the age of 30, when he married Clara, he had
composed some of the most remarkable lieder
ever written, including the two glorious song
cycles heard here.

0:59
1:08
0:47
0:48
1:00
0:47
1:21
0:35
1:52
1:08
1:01
1:22
0:52
1:49
0:23
4:19

Wilhelm Kempff piano

1972 ( Q l) / 1973 ( D P) / 1974 ( A C) Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 78:15

36

Man hat Schumann als den Romantiker

schlechthin bezeichnet, da er sich viel in sich
selbst zurckzog und seine Musik oft von
auermusikalischen Vorstellungen inspiriert
ist. Daneben gibt es auch eine deutlich spttische, ja selbstironische Strmung in seinen
Werken. Mit 30, als er Clara Wieck heiratete,
hatte er bereits einige der bemerkenswertesten Lieder berhaupt geschrieben, darunter
diese beiden wundervollen Liederzyklen.

ROBERT SCHUMANN

(18101856)

Dichterliebe op. 48
A
B
C
D
E
F
G
H
I
J
K
L
M
N
O
P

1. Im wunderschnen Monat Mai

2. Aus meinen Trnen sprieen
3. Die Rose, die Lilie, die Taube, die Sonne
4. Wenn ich in deine Augen seh
5. Ich will meine Seele tauchen
6. Im Rhein, im heiligen Strome
7. Ich grolle nicht
8. Und wsstens die Blumen, die kleinen
9. Das ist ein Flten und Geigen
10. Hr ich das Liedchen klingen
11. Ein Jngling liebt ein Mdchen
12. Am leuchtenden Sommermorgen
13. Ich hab im Traum geweinet
14. Allnchtlich im Traume seh ich dich
15. Aus alten Mrchen winkt es
16. Die alten bsen Lieder

Tragdie op. 64 no. 3

U Entflieh mit mir und sei mein Weib
V Es fiel ein Reif in der Frhlingsnacht

1:28

W Der Contrabandiste op. 74 no. 10

1:35

X Zigeunerliedchen I op. 79 no. 7

1:01

2:33

Y Zigeunerliedchen II op. 79 no. 8

1:24

1:33

a Mein Wagen rollet langsam op. 142 no. 4

2:39

1:19

Dietrich Fischer-Dieskau baritone

Christoph Eschenbach piano

1:34
0:58
0:34
1:47
0:55

1:31
1:48
1:03

Frauenliebe und Leben op. 42

2:23

b
c
d
e
f
g
h
i

2:13
1:28
2:29
4:35

Q Erstes Grn op. 35 no. 4

2:10

R Abends am Strand op. 45 no. 3

3:07

S Die beiden Grenadiere op. 49 no. 1

3:45

T Die feindlichen Brder op. 49 no. 2

2:10

1. Seit ich ihn gesehen

2. Er, der Herrlichste von allen
3. Ich kanns nicht fassen, nicht glauben
4. Du Ring an meinem Finger
5. Helft mir, ihr Schwestern
6. Ser Freund, du blickest
7. An meinem Herzen, an meiner Brust
8. Nun hast du mir den ersten Schmerz getan

1:59

2:14
2:57
1:39
2:47
2:02
4:42
1:20
4:31

Brigitte Fassbaender mezzo-soprano

Irwin Gage piano
1979 ( A a) / 1985 ( b i) Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 72:21

37

Late Romantic | PArt 1

38

Vol. 50

BIZET: CARMEN
Bizet is the tragic genius of French music,
whose promise was left unfulfilled and whose
fame rests almost entirely on a single masterwork: Carmen, one of the most inspired and
best-loved of all operas. He entered the conservatory at the age of 9, at 17 wrote a brilliant
symphony that was discovered only in 1935,
and at 19 won the coveted Prix de Rome. But
most of his works remained fragmentary. Carmen failed at its premiere, and Bizet died soon
after. The night of his funeral there was a special performance, which was said to have been
almost unbearably moving. The press that had
condemned the opera three months earlier
now proclaimed Bizet a master. Based on an
1845 novel by Prosper Mrime, Carmen is set
in Seville and with music unsurpassed in its
vividness tells of the seductive gypsy who
ensnares a vulnerable corporal, Don Jos.
When Carmen then casts him off for the hand-

Bizet starb kurz darauf. Am Abend seiner Beerdigung gab es eine Sondervorstellung, von der
es heit, sie sei ungeheuer bewegend gewesen. Die Presse, die die Oper drei Monate zuvor
verrissen hatte, erklrte Bizet nun zum groen
Meister. Carmen basiert auf einer Novelle von
Prosper Mrime aus dem Jahre 1845 und
spielt in Sevilla. Erzhlt wird mit unvergleich-

some toreador Escamillo, Jos, who has

thrown all honour and dignity aside in pursuing
Carmen, is consumed by an uncontrollable
jealousy that leads to the storys violent conclusion.

Man knnte Bizet als das tragische Genie der

franzsischen Musik bezeichnen, denn was
verheiungsvoll begann, scheiterte, und sein
Ruhm verdankt sich fast ausschlielich einem
einzigen Meisterwerk: Carmen, einer der originellsten, beliebtesten Opern berhaupt. Bizet
kam mit neun Jahren ans Konservatorium,
schrieb mit 17 eine brillante Symphonie (sie
wurde erst 1935 wiederentdeckt) und gewann
mit 19 den begehrten Rom-Preis. Leider blieben die meisten seiner Werke unvollendet.
Carmen fiel bei der Urauffhrung durch, und

39

lich lebendiger Musik, wie eine verfhrerische

Zigeunerin den fr ihre Reize empfnglichen
Korporal Don Jos umgarnt; als Carmen ihn
zugunsten des gutaussehenden Toreros Escamillo fallenlsst, wird Jos, der fr Carmen alle
Ehre und Wrde abgelegt hat, von einer bermchtigen Eifersucht gepackt, die schlielich
zum brutalen Ende der Geschichte fhrt.

GEORGES BIZET

(18381875)

Carmen (highlights)
Carmen
Don Jos
Escamillo
Micala
Frasquita
Mercds
Zuniga
Andrs

ACT II
Teresa Berganza
Plcido Domingo
Sherrill Milnes
Ileana Cotrubas
Yvonne Kenny
Alicia Naf
Robert Lloyd
Jean Lain

The Ambrosian Singers

G Les tringles des sistres tintaient

5:09

(Carmen, Mercds, Frasquita)

H Votre toast, je peux vous le rendre

5:12

(Escamillo, Frasquita, Carmen,

Andrs, Zuniga, chorus)

I La fleur que tu mavais jete

4:20

(Don Jos)

ACT III
J Je dis que rien ne mpouvante

London Symphony Orchestra

CLAUDIO ABBADO

(Micala)

4:55

K Je suis Escamillo, torro de Grenade 3:34

(Escamillo, Don Jos)

A Prelude

3:32

ACT I
B Voici la cloche qui sonne, mon lieutenant 5:12
La cloche a sonn (Don Jos, chorus)
C Mais nous ne voyons pas la Carmencita
1:10

L Les voici, voici le quadrille (chorus)

M Si tu maimes, Carmen

3:53

GEORGES BIZET

3:23

(Escamillo, Carmen, chorus, Frasquita,

Mercds)

N Cest toi? Cest moi

9:18

(Carmen, Don Jos, chorus)

(chorus, Carmen)

D Lamour est un oiseau rebelle (Havanaise)

4:26

(Carmen, chorus)

E Monsieur le brigadier?
Parle moi de ma mre! (Micala, Don Jos)
F Prs des remparts de Sville (Sguedille)
(Carmen, Don Jos)

9:51
4:39

1978 Deutsche Grammophon GmbH, Berlin

Total time: 68:33

40

Vol. 51

BRAHMS: SYMPHONIES NOS. 1 & 4

When Brahms was 20, Schumann 23 years
his senior examined some of his compositions and proclaimed him a genius. After having held choral conducting appointments in
various German cities, Brahms settled in
Vienna, which remained his home for the rest
of his life. He wrote masterpieces in almost
every form except opera, which was dominated in his day by his great antagonist, Wagner. Brahms combined dramatic power in his
music with lyrical intensity and consoling
warmth. The success of his Haydn Variations
in 1873 marked a breakthrough in the
40-year-old composers career: he never
again suffered an artistic setback and could
now live on his concert earnings and growing
royalties. This also encouraged Brahms to
complete his long-delayed First Symphony
three years later. And once he had leapt over
that psychological hurdle, he almost immedi-

seiner Zeit nur nicht auf dem Gebiet der

Oper, das von seinem groen Antipoden Wagner beherrscht wurde. In seiner Musik verband
Brahms dramatische Kraft mit lyrischer Intensitt und trostreicher Innigkeit. Der Erfolg seiner Haydn-Variationen bedeutete 1873 den
groen Durchbruch in der Laufbahn des
40-jhrigen Komponisten: Er musste fortan
keine knstlerischen Rckschlge mehr hinnehmen und konnte von seinen Konzertgagen
und Tantiemen leben. Dadurch ermutigt,
machte er sich drei Jahre spter daran, seine
lngst berfllige Erste Symphonie zu vollenden, und nachdem er diese psychologische
Hrde genommen hatte, begann er fast sofort
mit der Arbeit an der Zweiten. Obwohl er
Freunden gegenber bereits kryptische
Andeutungen bezglich seiner Vierten und
letzten Symphonie gemacht hatte, kndigte er
sie erst nach ihrer Fertigstellung im August
1885 offiziell an. In einem Brief an Hans von
Blow, der das Stck am 25. Oktober mit seiner Meininger Hofkapelle urauffhrte, tat

ately began writing a Second. Although he

made cryptic allusions to it when writing to
friends, his Fourth and last symphony was
announced only after he completed it, in
August 1885. Writing to Hans von Blow,
whose Meiningen court orchestra Brahms
conducted in the symphonys first performance on 25 October, in his typical sardonic,
self-effacing fashion he dismissed what is
arguably the summit of his achievement in the
symphonic genre as a few entractes.

Als Brahms 20 war, legte er Schumann einige

seiner Werke vor, und der 23 Jahre ltere Kollege erklrte ihn daraufhin zum Genie. Nach
einigen Chorleiterstellen in verschiedenen
deutschen Stdten ging Brahms nach Wien,
wo er fr den Rest seines Lebens blieb. Er
schrieb Meisterwerke in fast allen Gattungen

41

Brahms das Stck, das fraglos den Gipfel seines symphonischen Schaffens bildet, in seiner
typisch selbstironischen, zurckhaltenden Art
als ein paar Entractes ab.

JOHANNES BRAHMS

(18331897)

Symphony No. 1 in C minor op. 68

A
B
C
D

1.
2.
3.
4.

Un poco sostenuto Allegro

Andante sostenuto
Un poco Allegretto e grazioso
Adagio Pi Andante
Allegro non troppo, ma con brio

12:55
9:24
4:37
17:29

Symphony No. 4 in E minor op. 98

E 1. Allegro non troppo
F 2. Andante moderato
G 3. Allegro giocoso Poco meno presto
Tempo I
H 4. Allegro energico e passionato
Pi Allegro

JOHANNES BRAHMS

11:30
10:22
6:14
9:22

Wiener Philharmoniker
JAMES LEVINE

1995 ( A D) / 1996 ( E H) Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 82:01

42

Vol. 52

JOHANNES BRAHMS

BRAHMS: PIANO CONCERTO NO. 2 | FANTASIAS

The piano was Brahmss instrument, and the
works heard here sample the keyboard music
he composed he composed in the fullness of
his maturity. The Fantasias op. 116 are among
the searching, highly personal solo pieces he
wrote near the end of his life, while the mellow
B flat Concerto is one of the most massive and
pianistically demanding in the repertoire
Brahms jokingly referred to it as a long terror.
He composed it during one of the happiest
periods of his life and played the solo part in
its triumphant first performances in 1881.

(18331897)

Piano Concerto No. 2 in B flat major op. 83

A
B
C
D

Brahms Instrument war das Klavier, und die

vorliegenden Werke entstanden auf dem Hhepunkt seiner Karriere. Die Fantasien op. 116
gehren zu den tiefgrndigen, sehr persnlichen Solowerken, die er gegen Ende seines
Lebens komponierte, wrhend das heitere
Klavierkonzert in B-dur eines der dichtesten,
anspruchvollsten Beispiele der Gattung ist;
Brahms selbst bezeichnete es scherzhaft als
endloses Schrecknis. Er schrieb das Stck
whrend einer der glcklichsten Phasen seines
Lebens und spielte 1881 den Solopart bei den
beraus erfolgreichen ersten Auffhrungen.

1.
2.
3.
4.

Allegro non troppo

Allegro appassionato
Andante
Allegretto grazioso

18:22
9:31
14:04
9:47

Emil Gilels piano

Berliner Philharmoniker
EUGEN JOCHUM

Fantasias op. 116

E
F
G
H
I
J
K

No. 1
No. 2
No. 3
No. 4
No. 5
No. 6
No. 7

Capriccio in D minor
Intermezzo in A minor
Capriccio in G minor
Intermezzo in E major
Intermezzo in E minor
Intermezzo in E major
Capriccio in D minor

2:11
3:35
3:12
4:22
3:00
3:07
2:16

Emil Gilels piano

1972 ( A D) / 1976 ( E K) Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 73:36

43

Vol.
CD 153

JOHANNES BRAHMS

BRAHMS: VIOLIN CONCERTO | VIOLIN SONATA NO. 1

Violin Concerto in D major op. 77

(18331897)

A 1. Allegro non troppo

23:25

Cadenza: Joseph Joachim

Brahms wrote his only Violin Concerto in 1878,

during a summer holiday at Prtschach in the
Carinthian Alps. He received a great deal of
advice on technical questions from his great
friend, the violinist Joseph Joachim, to whom
the work is dedicated. The first movement is
a mixture of pastoral calm and dramatic turbulence, the second is intensely lyrical and the
finale is a rollicking dance with a playful ending. Like the concerto, the first of Brahmss
three violin sonatas was begun at Prtschach
during the summer of 1878, but it was not
finished until his stay there the following summer. All three of its movements are intimate in
tone, emotionally intense but translucent,
never mighty. As in Brahmss other duo sonatas, the piano here is a partner rather than an
accompanist.

B 2. Adagio
9:31
C 3. Allegro giocoso, ma non troppo vivace 8:08
Poco pi presto

Brahms schrieb sein einziges Violinkonzert

1878 in der Sommerfrische in Prtschach in
den Krntner Alpen. In technischen Fragen
wurde er ausfhrlich von seinem engen
Freund, dem Geiger Joseph Joachim, beraten,
dem das Werk auch gewidmet ist. Der erste
Satz ist eine Mischung aus lndlicher Ruhe
und turbulenter Dramatik. Der zweite Satz gibt
sich lyrisch und ausdrucksvoll; das Finale
schlielich ist ein bermtiger Tanz mit neckischem Ende. Wie das Violinkonzert wurde auch
die erste der drei Violinsonaten im Sommer
1878 in Prtschach begonnen, aber erst bei
Brahms dortigem Aufenthalt im Jahr darauf
fertiggestellt. Alle drei Stze sind von innigem
Ausdruck und starkem Gefhl, aber stets
transparent und niemals bermchtig. Wie in
Brahms anderen Duo-Sonaten fungiert das
Klavier auch hier eher als Partner und nicht so
sehr als Begleitung.

Pinchas Zukerman violin

Orchestre de Paris
DANIEL BARENBOIM

Violin Sonata No. 1 in G major op. 78

D 1. Vivace ma non troppo
E 2. Adagio
F 3. Allegro molto moderato

11:12
8:17
9:00

Pinchas Zukerman violin

Daniel Barenboim piano

1975 ( D F) / 1980 ( A C) Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 69:33

44

Vol. 54

BRUCKNER: SYMPHONY NO. 4 | PSALM 150

The son of a village schoolmaster, he was
already 44 when he left the provinces to teach
at the conservatory in Vienna, and it was there
that he composed most of his massive, complex symphonies and other great works.
Bruckner was childishly naive he was also
profoundly religious: the conductor Bruno Walter (a disciple of Mahler, whose music Bruckner greatly influenced) said that Mahler was
always searching for God, whereas Bruckner
had found God, whose praises he sang in
every note of his music. The great Bruckner
expert Deryck Cooke wrote that experiencing
Bruckners symphonic music is more like
walking round a cathedral, and taking in each
aspect of it, than like setting out on a journey
to some hoped-for goal. Each of the four
broadly laid-out movements of the Fourth
Symphony (1880), nicknamed Romantic, is
dominated by a mysterious, devotional atmo-

Bruckner ihn gefunden hatte, weswegen er

ihn auch mit jedem Ton seiner Musik pries. Der
groe Bruckner-Spezialist Deryck Cooke
schrieb, Bruckners Symphonik zu erleben,
gleicht eher einem Rundgang durch eine
Kathedrale, bei dem man jedes einzelne ihrer
Merkmale in sich aufnimmt, als dem Aufbruch
zu einer Reise hin zu einem fest umrissenen
Ziel. Jeder der vier Stze von Bruckners Vierter Symphonie von 1880 mit dem Beinamen
Romantische ist von einer geheimnisvollen,
andchtigen Stimmung geprgt. Wie so oft in
Bruckners Symphonik steht auch hier das
Ahnungsvolle, die lange, suchende Steigerung
im Vordergrund. Bruckner schrieb unter anderem auch eine ansehnliche Zahl von liturgischen Werken. Das letzte dieser groformati-

sphere. As in much of Bruckners other symphonic writing, the emphasis is on the anticipation, the long, questing build-up. Bruckner
also wrote a substantial amount of liturgical
music. The last of his large-scale sacred
pieces is a setting for soprano, four-part chorus and orchestra of Psalm 150, written in
1892.

Bruckner, Sohn eines Dorfschullehrers, war

bereits 44, als er die Provinz verlie und als
Lehrer ans Wiener Konservatorium ging. In
Wien schrieb er neben anderen groen Werken
auch die meisten seiner mchtigen, komplexen
Symphonien. ber Bruckners kindliche Naivitt
und tiefe Religiositt meinte der Dirigent Bruno
Walter (ein Schler des von Bruckner nachhaltig beeinflussten Gustav Mahler): Mahler war
immer auf der Suche nach Gott, whrend

ANTON BRUCKNER

45

gen geistlichen Stcke ist eine Vertonung des

150. Psalms fr Sopran, vierstimmigen Chor
und Orchester von 1892.

ANTON BRUCKNER

Vol. 55

(18241896)

JOHANN STRAUSS: WALTZES & POLKAS

Symphony No. 4 in E flat major Romantic

Version: 1880; ed.: Robert Haas

A 1. Bewegt, nicht zu schnell

B 2. Andante quasi Allegretto
C 3. Scherzo. Bewegt
Trio. Nicht zu schnell. Keinesfalls schleppend
D 4. Finale. Bewegt, doch nicht zu schnell
E Psalm 150

18:05

The phrase Viennese music immediately

evokes the name of Johann Strauss, Jr.,
whose dance music and operettas both entertained and epitomized the Austrian capital
during its heyday as the glittery, hedonistic
capital of a vast European empire. Strausss
father and two of his brothers were also celebrated dance musicians, but his renown has
always been greatest. He earned the nickname The Waltz King through the irresistible
rhythmic pull and melodic sensuality of such
priceless gems as The Blue Danube, Voices of
Spring and the Emperor Waltz, but his brilliant
polkas and operettas Die Fledermaus and The
Gypsy Baron are also perennial favourites.

15:44
9:32
20:21
8:46

Ruth Welting soprano

Chicago Symphony Chorus
Chicago Symphony Orchestra
DANIEL BARENBOIM

1973 ( A D) / 1980 ( E ) Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 72:39

46

Bei dem Begriff Wiener Musik denkt man

automatisch an Johann Strauss Sohn. Seine
Tanzmusik und seine Operetten waren die
typische Wiener Unterhaltungsmusik und gelten geradezu als Sinnbild fr die sterreichische Metropole whrend ihrer Glanzzeit als
prangende, lebensfrohe Hauptstadt eines riesigen europischen Kaiserreiches. Auch
Strauss Vater und zwei seiner Brder waren
gefeierte Tanzmusiker, aber sein Ruhm berstrahlte schon immer den ihren. Wegen der
unwiderstehlichen rhythmischen Zugkraft und
der schmeichelnden Melodik solcher Juwelen
wie An der schnen blauen Donau, Frhlingsstimmen und Kaiser-Walzer gab man ihm den
Beinamen Walzerknig, aber seine spritzigen
Polkas und die Operetten Die Fledermaus und
Der Zigeunerbaron sind ebenfalls unsterbliche
Evergreens.

CD 1
JOHANN STRAUSS

(18251899)

A Die Fledermaus: Overture

8:30

B Frhlingsstimmen op. 410

6:07

C gyptischer Marsch op. 335 4:18

Egyptian March
2:31

Free-Shooting Bullets (Polka)

10:29

Emperor Waltz

F Pizzicato-Polka

JOHANN STRAUSS

Thunder and Lightning (Polka)

7:06

Indigo and the 40 Thieves (Overture)

J Eljen a Magyar! op. 333

2:42

K Der Zigeunerbaron

3:03

The Gypsy Baron (Entry March)

(18271870)

L An der schnen,
blauen Donau op. 314

The Blue Danube (Waltz)

2:43

Wiener Philharmoniker
LORIN MAAZEL

1980 ( A , L) / 1981 ( B , C , F , H , K )/1982 ( E )/1983 ( D , G, I J)

Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 68:42

47

8:24

Roses from the South (Waltz)

I Indigo und die 40 Ruber

D Freikugeln op. 326

JOHANN STRAUSS
& JOSEF STRAUSS

G Unter Donner und Blitz op. 324 3:01

H Rosen aus dem Sden op. 388

Voices of Spring (Waltz)

E Kaiserwalzer op. 437

JOHANN STRAUSS

9:48

Vol. 56

SMETANA: MY FATHERLAND
DVOR K: SYMPHONY NO. 9
FROM THE NEW WORLD
The father of Czech music, Bedr ich Smetana
grew up in a German-speaking household
(Austria then ruled his country) and did not
learn the Czech language until he was an
adult. Although a tremendously versatile musician pianist, conductor and teacher as well
as composer he was not successful. Only
long after his death was his importance in his
countrys musical history fully recognized. My
Fatherland (c.187279), which the Czech
music expert John Clapham described as the
composers vast instrumental monument to
his nation, is heard and recorded more frequently now than ever before in the past.
Smetanas younger compatriot Antonn Dvor k
blended Czech elements into the mainstream

Bedr ich Smetana, der Vater der tschechischen

Musik, wuchs in einem deutschsprachigen
Haushalt auf (sein Heimatland stand zu der Zeit
unter sterreichischer Herrschaft) und lernte
erst als Erwachsener Tschechisch. Er war ein
ungeheuer vielseitiger Musiker nicht nur
Komponist, sondern auch Pianist, Dirigent und
Lehrer , blieb aber zeitlebens erfolglos. Erst
lange nach seinem Tod erkannte man seine
volle Bedeutung fr die tschechische Musikgeschichte. Sein Zyklus Mein Vaterland
(ca. 187279) wird heute fter gespielt und
aufgenommen als jemals zuvor und John Clapham, Experte fr tschechische Musik,
bezeichnete ihn als grandioses symphonisches Denkmal fr seine Nation. Smetanas
jngerer Landsmann Antonn Dvor k durchsetzte die gngige europische Musiksprache
seiner Zeit mit tschechischem Kolorit. Er war
Sohn und Enkel von Dorfmetzgern, bescheiden
und unprtentis, und musste als Musiker ums
berleben kmpfen, bis er mit Mitte 30 von
Brahms entdeckt wurde, der ihm half, eine

European musical language of his day. The

modest, unpretentious son and grandson of
village butchers, he struggled for survival as a
musician until, in his mid-30s, he was discovered by Brahms, who helped launch his international career. The Symphony No. 9 subtitled From the New World is the most
enduring achievement of his years in New York
as director of the National Conservatory. Its
premiere by the New York Philharmonic at
Carnegie Hall on 16 December 1893 was a
triumph for Dvor k. As for the symphonys
seemingly obvious American elements, they
were invented by Dvor k himself. To a reporter he said: I wrote my own themes, embodying in them the qualities of Indian music.

48

internationale Laufbahn aufzubauen. Die Symphonie Nr. 9 mit dem Beinamen Aus der Neuen Welt ist das langlebigste Ergebnis seiner
Zeit als Direktor des National Conservatory in
New York. Die Urauffhrung mit dem New York
Philharmonic Orchestra in der Carnegie Hall
am 16. Dezember 1893 wurde ein triumphaler
Erfolg fr Dvor k. Die anscheinend typisch
amerikanischen Elemente der Symphonie hat
der Komponist ausnahmslos selbst erfunden.
Zu einem Reporter sagte er: Ich habe meine
Themen selbst geschrieben und ihnen die
Eigenschaften indianischer Musik verliehen.

BEDR ICH SMETANA

(18241884) M

vlast My Fatherland
A No. 2 The Moldau
B No. 4 From Bohemias Woods and Fields

12:00
12:37

Boston Symphony Orchestra

RAFAEL KUBELIK

ANTONN DVOR K

(18411904)

Symphony No. 9 in E minor

From the New World op. 95
C
D
E
F

1.
2.
3.
4.

Adagio Allegro molto

Largo
Scherzo. Molto vivace
Allegro con fuoco

9:29
13:03
8:06
11:49

Berliner Philharmoniker
RAFAEL KUBELIK

BEDR ICH SMETANA

ANTONN DVOR K

1971 ( A B ) / 1973 ( C F ) Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 67:14

49

CD 157
Vol.

ANTONN DVOR K

DVOR K: CELLO CONCERTO | SYMPHONY NO. 8

Cello Concerto in B minor op. 104

The mercurial G major Symphony is often considered his finest, even more satisfying than
the immensely popular New World that
would follow it three years later. It was one of
the composers chamber music partners who
asked him to write a cello concerto, but in the
end an English cellist played the premiere in
London in 1896, as well as the first performances in Leipzig, Prague and Berlin. It quickly became and has remained for more than
a century the best-loved of all Romantic
cello concertos. Dvor k added the meditative
final section after attending the funeral of his
sister-in-law, his first love. It is based on one
of his songs that had been a favourite of hers.

(18411904)

A 1. Allegro
B 2. Adagio ma non troppo
C 3. Finale. Allegro moderato

Die lebhafte G-dur-Symphonie wird oft als

Dvor ks schnste angesehen, noch gelungener als die ungeheuer populre Symphonie
Aus der Neuen Welt, die drei Jahre spter
entstand. Einer seiner Kammermusikpartner
bat den Komponisten, ein Cellokonzert fr ihn
zu schreiben, aber letztlich bernahm ein englischer Cellist die Urauffhrung in London im
Jahre 1896 sowie die Erstauffhrungen in
Leipzig, Prag und Berlin. Das Stck wurde bald
das beliebteste romantische Cellokonzert
berhaupt, und daran hat sich auch nach mehr
als einem Jahrhundert nichts gendert. Den
nachdenklichen Schlussabschnitt fgte Dvor k
hinzu, nachdem er beim Begrbnis seiner
Schwgerin und ersten Liebe gewesen war; er
basiert auf einem seiner Lieder, das sie besonders gern mochte.

14:50
11:27
12:21

Pierre Fournier cello

Berliner Philharmoniker
GEORGE SZELL

Symphony No. 8 in G major op. 88

D
E
F
G

1.
2.
3.
4.

Allegro con brio

Adagio
Allegretto grazioso Molto vivace
Allegro, ma non troppo

10:00
10:20
6:38
8:47

Berliner Philharmoniker
RAFAEL KUBELIK

1962 ( A C ) / 1966 ( D G ) Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 74:23

50

Vol. 58

GRIEG: PIANO CONCERTO | PEER GYNT

Norways greatest composer. His mother was
a professional musician, his father an enthusiastic amateur, and the young Edvard was
given a thorough musical education, at home
and in Germany. In his early 20s he became
interested in Norwegian folk music. Its influence helped him achieve a unique, personal
style, as can be heard in the popular compositions in this recording: the Piano Concerto,
written when he was 25, and the suites he
fashioned out of his incidental music to the
play Peer Gynt, by his compatriot Henrik Ibsen.
Grieg married his cousin Nina Hagerup, a
singer, whom he often accompanied in songs
he composed for her.

Grieg ist der bedeutendste Komponist Norwegens. Seine Mutter war Berufsmusikerin und
sein Vater ein begeisterter Amateur, weswegen
der junge Edvard in Norwegen und Deutschland eine grndliche musikalische Ausbildung
erhielt. Als junger Mann von Anfang 20 begann
er, sich fr norwegische Volksmusik zu interessieren. Deren Einfluss half ihm, einen unverkennbaren Personalstil zu entwickeln, wie man
an den beliebten Stcken dieser Aufnahme
hren kann: dem Klavierkonzert, das er mit 25
schrieb, und den Suiten, die er aus seiner
Schauspielmusik zum Peer Gynt seines Landsmannes Henrik Ibsen zusammenstellte. Grieg
heiratete seine Cousine, die Sngerin Nina
Hagerup, und begleitete sie oft, wenn sie Lieder sang, die er fr sie geschrieben hatte.

EDVARD GRIEG

51

EDVARD GRIEG

Vol. 59

(18431907)

TCHAIKOVSKY: SYMPHONY NO. 6 PATHTIQUE

THE NUTCRACKER

Piano Concerto in A minor op. 16

A 1. Allegro molto moderato
B 2. Adagio
C 3. Allegro moderato molto e marcato
Quasi Presto Andante maestoso

13:10
7:05
10:45

Gza Anda piano

Berliner Philharmoniker | RAFAEL KUBELIK

The most celebrated representative of 19thcentury Russian musical culture, Tchaikovsky

was educated for a career in the civil service
but followed an inner calling to become a composer. He suffered greatly from the secrecy to
which his homosexuality condemned him in
the society of his day, and an ill-advised marriage with a woman he hardly knew soon
ended with his nervous breakdown. He named
his Sixth Symphony Pathtique at his brothers suggestion, but the pathos at the core of
this almost unbearably poignant music particularly its finale (marked Adagio lamentoso), a descent from depression into despair
would have been evident even without the
hint. The composer called it the best of all my
works. Nine days after its premiere he was
dead. Another of Tchaikovskys most popular

Peer Gynt
Suite No. 1 op. 46
D
E
F
G

1.
2.
3.
4.

Morning Mood
The Death of se
Anitras Dance
In the Hall of the Mountain King

4:00
4:48
3:47
2:12

Suite No. 2 op. 55

H
I
J
K

1. The Abduction of the Bride

2. Arabian Dance
3. Peer Gynts Homecoming
4. Solveigs Song

4:56
4:41
2:44
6:16

Berliner Philharmoniker
HERBERT VON KARAJAN
1964 ( A C ) / 1972 ( D K ) Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 64:29

52

compositions is the charming and tuneful suite

from his last ballet, The Nutcracker, long a
staple of the international concert repertoire.
Its fairytale-like Christmas scenario is based
on a story by E. T. A. Hoffmann.

Tschaikowsky, der berhmteste Vertreter der

russischen Musik im 19. Jahrhundert, hatte
ursprnglich die Beamtenlaufbahn eingeschlagen, folgte dann aber seiner Berufung und
wurde Komponist. Er litt stark unter der Heimlichtuerei, zu der er als Homosexueller in der
damaligen Gesellschaft verurteilt war, und die
berstrzte Ehe mit einer Frau, die er kaum
kannte, endete bald mit seinem Nervenzusammenbruch. Tschaikowsky gab seiner Sechsten

CD 1
Symphonie auf Anregung seines Bruders den
Beinamen Pathtique, aber das Pathos im
Wesen dieser fast unertrglich wehmtigen
Musik (besonders in dem mit Adagio lamentoso berschriebenen Finale), ein Abstieg aus
der Depression in die Verzweiflung, wre auch
ohne diese Bezeichnung offenkundig. Der
Komponist selbst nannte das Stck das beste

PYOTR ILYICH TCHAIKOVSKY

(18401893)

Symphony No. 6 in B minor Pathtique op. 74

meiner Werke. Neun Tage nach der Urauffhrung starb er. Zu Tschaikowskys beliebtesten
Kompositionen gehrt auch die bezaubernde,
melodise Suite aus seinem letzten Ballett,
Der Nussknacker, schon lange eine Sule des
internationalen Konzertrepertoires. Das mrchenhafte Weihnachts-Szenario basiert auf
einer Geschichte von E. T. A. Hoffmann.

A
B
C
D

1.
2.
3.
4.

Adagio Allegro non troppo

Allegro con grazia
Allegro molto vivace
Finale. Adagio lamentoso Andante

17:37
8:07
8:20
9:45

Leningrad Philharmonic Orchestra

EVGENY MRAVINSKY

The Nutcracker Suite op. 71a

E 1. Ouverture miniature
F
G
H
I
J
K

2. Danses caractristiques
Marche
Danse de la Fe Drage
Danse russe (Trpak)
Danse arabe
Danse chinoise
Danse des mirlitons

L 3. Valse des fleurs

3:25
2:22
1:59
1:09
3:27
1:21
2:36
7:08

Berliner Philharmoniker
HERBERT VON KARAJAN

1961 ( A D ) / 1967 ( E L ) Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 67:25

53

Vol. 60

PYOTR ILYICH TCHAIKOVSKY

TCHAIKOVSKY: ROMEO AND JULIET

1812 OVERTURE | SERENADE FOR STRINGS

A Romeo and Juliet

(18401893)
22:26

Philharmonia Orchestra
GIUSEPPE SINOPOLI

Serenade for Strings in C major op. 48

Tchaikovskys first masterpiece is a symphonic impression of Shakespeares Romeo and
Juliet, whose bold colours, violent agitation
and sweeping love theme have made it a concert favourite. Tchaikovsky wanted precise
indications and 100 ruble notes (a lot) before
he would write for an 1880 Moscow exhibition:
There is nothing I like less than composing
for festivities. In the end he produced a very
noisy (his own words) but also very exciting
overture commemorating Napoleons defeat in
1812. The refined Serenade he wrote at the
same time (from inner conviction) is a real
jewel and another of his most popular works.

Tschaikowskys erstes Meisterwerk war eine

symphonische Nachschpfung von Shakes-

B 1. Pezzo in forma di Sonatina.

Andante non troppo Allegro moderato
C 2. Valse. Moderato. Tempo di Valse
D 3. lgie. Larghetto elegiaco
E 4. Finale. Tema russo. Andante
Allegro con spirito

peares Romeo und Julia. Die krftigen Farben,

die aufreibende Spannung und das hinreiende Liebesthema sicherten dem Stck einen
dauerhaften Platz im Konzertrepertoire. Bevor
sich Tschaikowsky bereit erklrte, 1880 fr
eine Ausstellung in Moskau ein neues Stck zu
schreiben, bestand er auf klaren Anweisungen
und einem Vorschuss von 100 Rubel (eine sehr
hohe Summe), denn: Es gibt nichts, was mir
weniger gefllt, als fr Festivitten zu komponieren. Schlielich entstand eine (wie er sagte) lrmende, aber auch packende Ouvertre, die an den Sieg ber Napoleon im Jahre
1812 erinnert. Die feinsinnige Streicherserenade schrieb er, etwa um die gleiche Zeit, aus
innerer berzeugung; sie ist ein wahres Kleinod und gehrt ebenfalls zu seinen beliebtesten
Werken.

9:09
3:55
8:54
7:06

Orpheus Chamber Orchestra

F Overture 1812 op. 49

16:14

Gothenburg Symphony Chorus

Gothenburg Symphony Brass Band
Gothenburg Artillery Division
Churchbells of Gothenburg
Gothenburg Symphony Orchestra
NEEME JRVI

1987 ( B E ) / 1990 ( A, F ) Deutsche Grammophon GmbH, Berlin Total time: 68:04

54

With special thanks to Mark Lewis and Tina Poyser at Sinfini Music
This Edition 2013 Deutsche Grammophon GmbH, Berlin
Project Manager: David Butchart
Booklet Editor: Eva Reisinger
Texts for each volume: Richard Evidon
German translations: Stefan Lerche
Cover photos & illustrations
Initial P from a Gothic antiphonary, second half of 14th century akg-images / Erich Lessing
Portrait of Johann Sebastian Bach akg / De Agostini Pict. Lib.
Harpsichord Kennedy Harpsichords
Violin akg-images / Rabatti Domingi
Stereo unit shutterstock / Ensuper
Bacchant with tambourine, Roman mosaic, early 3rd century akg-images / Gilles Mermet
Ballerina shutterstock / Igor Bulgarin
Chorus shutterstock / Ferenc Szelepcsenyi
Gramophone shutterstock / velora
Sheet music shutterstock / Steve Smith
Portrait of Igor Stravinsky: all rights reserved

PYOTR ILYICH TCHAIKOVSKY

Booklet photos & illustrations

p. 11: Dirck van Baburen, Musician with lute, 1622 akg-images
p. 12 shutterstock/Martin Good
p. 22: Bacchant with tambourine, Roman mosaic, early 3rd century akg-images / Gilles Mermet
p. 23 shutterstock / Ferenc Szelepcsenyi
Composer sketches SinfiniMusic.com
Art Direction: Merle Kersten
Design: Fred Mnzmaier
www.deutschegrammophon.com/history100

55

56

Deutsche Grammophon & Touch Press

Release Beethovens 9th Symphony
Reinvented for iPad and iPhone
four legendary performances:
Fricsay, Karajan,
Bernstein, Gardiner

51 CDs 00289 479 1042

50 CDs 00289 479 1049

55 CDs 00289 479 1045

82 CDs 00289 479 1577

switch seamlessly
between recordings at any
point in the music
synchronized scores and
expert commentaries
interviews with
eminent personalities

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