Universidad de Los Andes

Facultad de Humanidades y Educación
Escuela de Educación
Asignatura: Arte y Expresión
Semestre A-2016

Formación Estética Visual Aplicada
Trabajo Singular-Tema Nº 1

Mileidy C. Lopez Z.
C.I.: 19.997.072
Grupo Nº 1

Introducción

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El arte “es un modo de expresión en todas sus actividades esenciales, intenta decirnos algo acerca del
universo, del hombre, del artista mismo. El arte es una forma de conocimiento tan precioso para el hombre como
el mundo de la filosofía o la ciencia. Desde luego, sólo cuando reconocemos claramente que el arte es una forma
de conocimiento paralela a otras, pero distinta de ellas, por medio de la cual el hombre llega a comprender su
ambiente, sólo entonces podemos apreciar su importancia en la historia de la humanidad” (H. Read, 1990).
Según Read, Herbert, la función más importante de la educación concierne a la “Orientación psicológica,
por lo que reviste gran importancia en ese sentido la educación de la sensibilidad estética, que abarque todos los
modos de expresión individual, literaria, poética y musical, que debería denominarse educación estética, basada
en la educación de los sentidos de forma armónica para constituir una personalidad integrada”.
Es posible entender el arte como la expresión de una o varias emociones (independiente de su valor
estético) que muestra una parte de la realidad del individuo. Es por tanto una manera diferente de tomar en cuenta
las opiniones de las personas. Esas emociones se expresan por distintas vías y, a partir de tomarlas en cuenta
como tales, es probable pensar de manera diferente las formas de relación entre los individuos.

Índice

Introducción
Pág.
Técnica…………………………………………………………………………4
Marionetas…………………………………………………...…………………4
2

Formación Estética……………………………………………………………6
Formación estética visual aplicada…………………………………………….6
Tratamiento Curricular……………………………………………………..10
Aprendizaje integral 5t0 y 6to grado………………………………………….10
Medios de Comunicación……………………………………………………12
Digitales……………………………………………………………..…………12
Textos creativos………………………………………………………………13
Cuentacuentos…………………………………………………………………15
Sistemas de Inteligencias a través del Arte y la Estética…………………..17
Artes Escénicas………………………………………………………………..18
Teatro dramático………………………………………………………………..19
Conclusión…………………………………………………………………….27

Técnicas
La palabra técnica proviene de téchne, un vocablo de raíz griega que se ha traducido al español como
“arte” o “ciencia”. Son procedimientos o recursos que se usan en un arte, en una ciencia o en una actividad
determinada, en especial cuando se adquieren por medio de su práctica y requieren habilidad.
Que son marionetas:
Es de origen francés, palabra usada a menudo para nombrar al conjunto de la familia de los títeres,
nombre español del teatro de muñecos, su definición más técnica e histórica, es una figurilla hecha de diversos
materiales (madera, pasta, trapo, metal, plástico, papel, etc.) que manipulada gracias a un conjunto de hilos o
cuerdas cobra movimiento. Está considerada por los profesionales, estudiosos y artesanos del ramo, el títere más
difícil de manipular y con una de las técnicas más antiguas, teniendo su origen en la marioneta de barra y a pesar
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de que "como muñeco totalmente movido por hilos sólo aparece a partir del siglo XVIII. Probablemente, las
primeras marionetas eran sobre todo un entretenimiento para adultos. Algunos pueblos las usaban para
representar seres humanos y animales en sus rituales religiosos. En ocasiones, se empleaban para narrar antiguas
historias de dioses y demonios. En la edad media, los titiriteros viajaban de país en país contando cuentos y
leyendas con ellas. Hoy se consideran sobre todo un entretenimiento infantil, aunque algunos importantes
escritores, como el español Federico García Lorca, han escrito pequeñas obras para ellas. Las hay de todos los
tamaños, desde tan diminutas que caben en un solo dedo, hasta tan grandes que un adulto se puede meter dentro
de ellas. Algunas tienen su propio teatro, y otras son estrellas de programas de televisión, como los teleñecos o
muppets.
Marionetas de hilo
Algunas marionetas se mueven con hilos que unen las distintas partes de su cuerpo a una caña, de la que
cuelgan. Para manipularlas, los titiriteros usan una mano para mover la caña, y la otra, para tirar de cada hilo.
Esto exige una gran habilidad. Estas marionetas reciben el nombre de marionetas de hilo. Se cree que el nombre
de 'marioneta' surgió en la edad media. En aquel tiempo, los monjes y sacerdotes las usaban para enseñar a la
gente la historia del nacimiento de Jesús. El principal personaje era la Virgen María; de ahí viene el nombre de
marionetas o ‘pequeñas marionas’. Durante los siglos XIV y XV nacieron otros personajes que representaban
historias cotidianas, como maridos celosos, soldados que iban a la guerra. Su fabricación y manejo se convirtió en
todo un arte. Los títeres se hicieron tan sofisticados que a veces tenían hilos con los que podían abrir y cerrar la
boca. En las ciudades más importantes de Europa se abrieron teatros de marionetas, e incluso se llegaron a
representar óperas.
Marionetas de varilla
Otras marionetas no se manipulan mediante hilos, sino con cañas o varillas. Las primeras marionetas de
varilla se hicieron en la antigua China y en la India. Se usaban para representar antiguas historias de dioses y
nobles hindúes, como el Mahabharata. Las marionetas eran siluetas planas, recortadas en cuero, que se
manipulaban sosteniendo en una mano una varilla unida a la cabeza y, en la otra, dos varillas unidas a los brazos.
Las personas que las movían se colocaban detrás de una pantalla, iluminada desde el fondo con una intensa luz.
El público, que se sentaba al otro lado, lo único que veía eran las sombras de las figuras moviéndose y danzando.
Este tipo de marionetas es muy popular todavía hoy en diferentes partes del mundo. En Indonesia, aún se
representa un espectáculo muy antiguo, llamado Wayang Kulit, que emplea más de doscientas marionetas y dura
varios días. Los famosos teleñecos son marionetas que se manipulan en parte mediante varillas.
Marionetas de guantes
Las marionetas que se manejan con los dedos son las más simples de todas. Nada más fácil que hacer y
decorar unos cilindros de papel o de tela y convertirlos en personajes que se deslizan por tus dedos. Para fabricar
este tipo de marionetas se pueden utilizar hasta unos viejos calcetines. Algunas tienen cuerpos y cabezas de paño;
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otras se hacen con papel maché, cartón o plástico. Todas se manejan metiendo la mano en su interior y
moviéndoles la cabeza y los brazos con nuestros dedos. Las marionetas de guante son las más baratas de fabricar
y las más sencillas de manipular.
Marionetas manipuladas en equipos
Algunas marionetas necesitan más de una persona para poderlas manipular. En Japón, por ejemplo, existe
un tipo de teatro, llamado bunraku, que utiliza muñecos en lugar de actores. Estas marionetas son de tamaño
natural, y cada una de ellas es manejada por tres personas, que visten de negro y se mueven por el escenario. En
la televisión y en el cine, a veces, se usan marionetas de tamaños naturales o incluso más grandes. Se necesita un
equipo entero para manipularlas, mediante sofisticados mecanismos que llegan a controlar incluso pequeños
gestos, como el movimiento de las orejas, el levantamiento de cejas o el mohín con la nariz.

Que es formación estética: es un proceso educativo orientado a la formación y/o desarrollo de una actitud
estética en el hombre, hacia todo lo que posee valor estético en el mundo, lo cual contribuye al desarrollo integral
de la personalidad en correspondencia con su contexto sociocultural. Esta se manifiesta en: la naturaleza, las
relaciones sociales, objetos creados por el hombre, y el arte como portador específico de valor estético.
Formación estética visual:
El término visual proviene de un vocablo latino que se encuentra vinculado con lo perteneciente o relativo
a la visión (sentido que permite detectar e interpretar la luz y la capacidad propia de ver que tienen los seres vivos
del reino animal gracias a sus sistemas naturales). Teniendo en cuenta estas aclaraciones podemos decir que arte
visual es un término relacionado con aquellas obras que pueden apreciarse fundamentalmente por la capacidad de
la vista, como la pintura, la fotografía o el cine (aunque éste también incluye sonido). Las obras en tres
dimensiones, como las esculturas, suelen ser incluidas en el grupo de las artes plásticas. De todas formas, existen
interdisciplinas que reciben el nombre de visuales, porque combinan diversas técnicas para que la obra pueda
apreciarse de una forma más amplia; tal es el caso de la poesía visual.
El concepto de arte visual surgió tras la Segunda Guerra Mundial para nombrar a las artes que implican una
percepción visual. La pintura (que puede apreciarse a partir de los pigmentos que se aplican sobre una superficie)

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y la fotografía (la grabación de patrones de luz en un medio sensible), pues, son dos de los máximos exponentes
de este tipo de arte.
La composición del arte visual se desarrolla atendiendo diversas cuestiones, como la relación entre figura y fondo
(para incidir en la percepción de lo visto), el contorno, la agrupación de los elementos (por proximidad,
continuidad o semejanza) y la pregnancia.
La visión define el acto de ver en todas las dimensiones, se requiere de un esfuerzo mental para lograr ver con
detalle y nitidez el objeto visual. El entorno visual es nuestro mejor maestro, y como seres pensantes
memorizamos los objetos y las cosas externa e internamente, es por ello que se establece una relación
experiencia, (en algunos casos sobrepasa la experiencia) con los objetos, los reconocemos y codificamos.
Como producto de la evolución y la historia vemos el mundo que nosotros mismos hemos construido, moldeado
y transformado. Debemos entender que una gran parte de nuestro aprendizaje es de carácter visual. Hemos
pasado de ser homo sapiens a homo visuales.
Percepción y comunicación visual
Expresamos y recibimos mensajes visuales en tres niveles:
. Nivel representacional. Aquello que vemos y reconocemos desde el entorno y la experiencia.
. Nivel abstracto (abstractamente): cualidad genérica de un hecho visual reducido a sus componentes visuales y
por los significados emocionales en la construcción del mensaje.
. Nivel simbólico (simbólicamente): El amplio universo de los sistemas de símbolos codificados que el hombre
ha creado arbitrariamente y al que describe un significado.
Estos términos se mantienen siempre interconectados con la comunicación.

El modo visual
Constituye todo el cuerpo de datos los cuales están situados a diferentes niveles de utilidad, desde el puramente
funcional a las más elevadas expresiones del mundo del arte.
La Estética
Es el estudio de la esencia y sustancia de las cosas hermosas y es la parte de la filosofía que nos ayuda a
entenderlas. Y en el arte como lenguaje se estudia la estética como el vehículo para compartir el conocimiento de
los sentimientos, los proyectos y los valores en busca de la verdad y de la belleza. Cuando se lee en el lenguaje
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del arte, se tiene una experiencia estética que es un conocimiento sensible, una percepción que está en lo más
profundo de la sensibilidad universal humana, como lo decía Cicerón, más tarde San Agustín y posteriormente
Alexander Baumgarten. Uno de los factores que es importante tener en cuenta en estas reflexiones sobre la
estética es la variedad y riqueza de las emociones humanas que se expresan a través de las obras de arte. Este
mundo es rico y diversificado, similar al que se aprecia a través de efectos pictóricos de diferentes gamas, “con
muchos tonos, con los colores, las tonalidades y los matices con los que se puede manifestar la naturaleza
humana”. Se puede decir que la riqueza de la vida emocional del hombre se manifiesta en una gama infinita de
colores, tonalidades y matices”. Sin embargo, la auténtica intuición artística, la sensibilidad estética, la
percepción y la contemplación del arte va más allá de lo que perciben los sentidos, es esa comunicación que
ocurre en lo más íntimo del alma humana, “donde la aspiración a dar sentido a la propia vida se ve acompañada
por la percepción de la belleza”. Lo que se percibe y se contempla, “lo que se logra expresar en lo que pintan,
esculpen, componen, escriben o crean los artistas, los autores o los compositores es sólo un tenue reflejo del
esplendor que durante unos instantes ha brillado ante los ojos del espíritu.” (Juan Pablo II, 1999:5).
Las personas pueden tener una experiencia estética que se manifiesta a través de las acciones que realizan,
también se puede decir que se expresan o se manifiestan a través de sus obras. Ellas indudablemente constituyen
uno de los medios más importantes donde se pueden conocer sus ideas, sus creencias y sus vivencias; conocer
cómo se interpreta el ámbito que las rodea y de qué manera han ido creando un lenguaje artístico, universal,
mediante el cual se pueden comunicar con todos los demás hombres del mundo. Al respecto, sobre el lenguaje
visual, decía Paul Cezanne “no hay más que un camino para expresarlo todo, para interpretarlo todo, el color que
da vida a todas las cosas, las hace vivas. El color tiene la misión de expresar el objeto, la luz y la envoltura de las
cosas. De él depende la forma, que se afirma con las relaciones y los contrastes de tonos” (Jalard, Michel Claude.
La comunicación visual es comunicación a través de un medio visual y se describe como la transmisión de ideas
e información en formas que se pueden percibir total o parcialmente con la vista. La comunicación visual se suele
presentar o expresar en imágenes dimensionales, e incluye: carteles, tipografía, dibujo, diseño gráfico, ilustración,
diseño industrial, publicidad, animación, color y recursos electrónicos. Contempla también la idea de que un
texto cuando va acompañado de un mensaje visual tiene un mayor poder para informar o persuadir a una persona
o audiencia.
El aspecto visual es enormemente importante en el ser humano, circunstancia que quizá haya contribuido a que
las artes visuales sean una de las primeras manifestaciones estéticas que el hombre haya llevado a cabo. En
efecto, pensemos en las pinturas rupestres, pinturas encontradas en cuevas y cavernas que datan de miles de años
y que manifiestan una gran elaboración si tomamos en cuenta que el hombre recién daba sus primeros pasos en el
mundo. Estas pinturas fueron representativas de diversas circunstancias de la vida cotidiana de los antiguos,
circunstancias tales como la caza, personas, etc.
La pintura siguió su derrotero y con el tiempo llegó a alcanzar un alto grado de refinamiento, llegando incluso a
reflejar con gran exactitud a los objetos del mundo real. También aparecieron la escultura y la arquitectura como
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formas de arte que implican el componente visual en gran medida. La alfarería, por otra parte, fue evolucionando
para ofrecer objetos estéticos además de útiles, circunstancia que hace valer su incorporación a las denominadas
artes visuales. Otra disciplina a considerar en este sentido es la decoración, que se vale de la disposición de
distintos objetos y colores para generar una experiencia agradable.
Hoy en día, las artes visuales incorporaron al desarrollo tecnológico en su acervo de disciplinas. En efecto, a
partir del siglo XIX comienza un desarrollo en lo que respecta a distintas tecnologías que derivaron en lo que hoy
conocemos como fotografía y cine. En un principio, tanto la foto como el cine fueron una mera curiosidad, pero
pronto se convirtieron en medios para trasuntar la búsqueda de la belleza por parte del hombre. En el caso
particular de la cinematografía, podemos ver un gran avance, con cada vez más recursos técnicos que hacen al
refinamiento sucesivo de la estética del aspecto visual.
La experiencia visual humana es fundamental en el aprendizaje para comprender el entorno y reaccionar ante él;
la información visual es el registro más antiguo de la historia humana. Las pinturas rupestres constituyen el
reportaje más antiguo. Estos hechos ponen de manifiesto la necesidad de enfocar de una manera nueva no sólo
del proceso, sino también el visualizar a la sociedad.
La inteligencia visual significa expandir nuestra capacidad de ver, de expandir nuestra capacidad de comprender
un mensaje visual y, lo que es aún más importante, de elaborar un mensaje visual. La visión incluye algo más que
el hecho físico de ver o de que se nos muestre algo. Es parte integrante del proceso de comunicación, que engloba
todas las consideraciones de las bellas artes, las artes aplicadas, la expresión subjetiva y la respuesta a un
propósito funcional.

Tratamiento
curricular
Aprendizaje
integrado: 5to y 6to
grado
Es necesario que los docentes dejen a un lado esas clases tediosas y aburridas, y logren internalizar la
importancia de que los seres humanos tenemos por aprender de forma permanente y diferente a las metodologías
educativas que imponen las instituciones académicas de hoy en día puesto a que se rigen por métodos, es decir,
aquella praxis que sea integral, convergente, heterogénea, diversa, alegre, comprensiva, contextualizada y

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ampliamente aplicativa; por tanto, se refiere a propiciar un aprendizaje de interdisciplinariedad de diversos
contenidos curriculares.
Propuesta para 5to y 6to grado
Área: Lenguaje
Tema: Evolución Histórica del Arte
• Intercambio oral debate: Definiciones básicas acerca de que es el arte, sus características, elementos e
importancia.
• Textos narrativos, descriptivos e institucionales (Elaboración de historias y descripciones).
• Elaboración de ilustraciones
• Producciones escritas, de reflexiones
• Textos narrativos: cuento, fábula, mito y leyenda, de manifestaciones culturales en Venezuela
• Teatro: (Realización de teatro de títeres, marionetas y/o pantomimas).
Área: Matemáticas
• Números naturales, identificaciones de los números naturales de las diferentes fechas de la historia del arte.
• Trazar diferentes líneas de dibujos.
• Elementos de una circunferencia, Triángulos, medidas de longitud, peso, capacidad y tiempo.
Área: Ciencias de la Naturaleza Y Tecnología
• Descripciones de elementos para identificar sitios turísticos en Venezuela y el mundo.
• Realización de diferentes experimentos para la obtención de diferentes colores.
• Reutilización de diferentes materiales para contribuir al cuidado del ambiente y patrimonios culturales.
Áreas: Ciencias Sociales
• Fortalecimiento de la identidad venezolana, localización de las comunidades indígenas que poblaban el norte,
centro y sur del continente americano, específicamente, aquellas comunidades indígenas que destacaban en
cuanto a sus manifestaciones artísticas.

Área: Educación Física
• Aplicación de movimientos corporales para trabajar con mímicas, pantomimas y dramatizaciones.
• Paseos y excursiones en la búsqueda de información acerca de parques, plazas y sitios históricos y otros
ambientes naturales de la localidad, con la finalidad, de ponerse en contacto con obras de arte de pintura y
esculturas.
Medios de comunicación:

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Son instrumentos en constante evolución. Muy probablemente la primera forma de comunicarse entre
humanos fue la de los signos y señales empleados en la prehistoria, cuyo reflejo en la cultura material son las
distintas manifestaciones del arte prehistórico. La aparición de la escritura se toma como hito de inicio de la
historia. A partir de ese momento, los cambios económicos y sociales fueron impulsando el nacimiento y
desarrollo de distintos medios de comunicación, desde los vinculados a la escritura y su mecanización (imprenta
siglo XV) hasta los medios audiovisuales ligados a la era de la electricidad (primera mitad del siglo XX) y a la
revolución de la informática y las telecomunicaciones (revolución científico-técnica o tercera revolución
industrial desde la segunda mitad del siglo XX), cada uno de ellos esenciales para las distintas fases del
denominado proceso de globalización. El propósito principal de los medios de comunicación es, precisamente,
comunicar con objetividad, pero según su tipo de ideología pueden especializarse en: informar, educar, transmitir,
entretener, formar opinión, enseñar, controlar, etc.
Medios digitales: desde finales de la década de 1980, las llamadas “nuevas tecnologías” comenzaron un proceso
de masificación que definió el camino a seguir de los medios de comunicación. A partir de los medios digitales se
construyeron nuevas plataformas informativas, alojadas en Internet y constituidas por herramientas audiovisuales,
formatos de interacción y contenidos de carácter virtual. Con el desarrollo de nuevos modelos de computadores,
desde la década de 1990, el público tuvo acceso a una forma novedosa de entender la transmisión de la
información; no sólo los jóvenes o los amantes de la tecnología podían tener un computador y explorar en el
infinito mundo de internet, ahora todos los individuos de la sociedad podrían leer, complementar y hasta crear sus
propios medios de comunicación. En ese sentido, actualmente, los medios digitales se encuentran en un proceso
de expansión hacia todos los sectores de la sociedad.
Entre los medios digitales sobresalen los blogs, las revistas virtuales, las versiones digitales y audiovisuales de los
medios impresos, páginas web de divulgación y difusión artística, emisoras de radio virtuales, entre otros. La
rapidez, la creatividad y la variedad de recursos que utilizan los medios digitales para comunicar hacen de ellos
una herramienta muy atractiva. Su variedad es casi infinita, casi ilimitada, lo que hace que, día a día, un gran
número de personas se inclinen por ellos para crear, expresar, diseñar, informar y comunicar.
Sin embargo, no hay que olvidar que, al contrario de lo que se podría pensar, para comienzos del siglo XXI, el
acceso a computadores personales no se ha convertido en un bien común en todos países del mundo, si bien el
Internet permitió el establecimiento de redes de comunicación que conectaron y abrieron la posibilidad de
intercambiar datos y contenidos entre computadores ubicados en cualquier región del Planeta Tierra, su
expansión en todos los sectores de la sociedad todavía es un camino por recorrer.
Que son textos creativos:
Son aquellos que nos desarrolla de la imaginación y nos ayudan a realizar textos divertidos, rítmicos e
interesantes. En los textos recreativos hay personajes ficticios y pocas veces se combinan 2 o más funciones.
También tienen como objetivo pasar el tiempo sin necesidad de aportar conocimientos.
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Funciones de los textos creativos
La función expresiva también llamada emocional o emotiva, tiene como objetivo el que el emisor, muestre
al receptor sus intereses, opiniones, puntos de vista, pretensiones y deseos particulares; se puede destacar que en
esta función predomina la subjetividad y las emociones personales de cada autor, este a su vez hace uso de
exclamaciones para resaltar su estado de ánimo así como la aplicación de la primera persona en singular, todo
esto para que los sentimientos del emisor sean identificables.
Por otra parte también tenemos la función poética, cuyo propósito es sincronizar al emisor y al receptor con un
mensaje en común, se apoya de la belleza del escrito, toma mayor importancia la forma en que se da el mensaje
que el mensaje en sí. El arte de dar un discurso con belleza y eficacia se conoce como retórica, en el caso de la
función poética esto es muy importante, por ello se suelen ocupar rimas, y palabras que tengan cierta afinidad,
con el fin de captar la atención del que recibe el mensaje.
Extraído el 20 de Julio de la World Wide: http://www.buenastareas.com/ensayos/Textos-Creativos/1456248.html
Tipos de textos Creativos:
Poesía: es una de las formas y estilos literarios más antiguos que ha desarrollado el hombre, encontrándose ya los
primeros ejemplos en las culturas de la Antigüedad. Una de las características de la poesía es que otorga mayor
importancia a la parte estética por sobre la estructura o el significado. Tal objetivo lo logra mediante el uso de
innumerables recursos literarios que tienden a embellecer la forma de diversas maneras.
Extraído el 20 de Julio de la World Wide: http://www.definicionabc.com/general/poesia.php
Narración: es un relato ordenado de sucesos reales o ficticios que guardan una relativa coherencia. Es posible
encontrar narraciones desde los vestigios más remotos de civilizaciones extintas que nos legaron preciosos y
elaborados testimonios de su cultura. Las primeras narraciones que fueron registradas por escrito provienen de
tradiciones orales difundidas con antelación. Por ejemplo, tanto la Ilíada como la Odisea constituyen un traspaso
a la escritura de cantos que referían una historia. Lo que hoy se considera literatura es en parte la evolución de
estos primeros esbozos de narraciones escritas. Extraído el

20 de Julio de la World Wide:

http://www.definicionabc.com/comunicacion/narracion.php
Cuento: La palabra cuento proviene del término latino compŭtus, que significa “cuenta”. El concepto hace
referencia a una narración breve de hechos imaginarios. Su especificidad no puede ser fijada con exactitud, por lo
que la diferencia entre un cuento extenso y una novela corta es difícil de determinar. Un cuento presenta un grupo
reducido de personajes y un argumento no demasiado complejo, ya que entre sus características aparece la
economía de recursos narrativos. Es posible distinguir entre dos grandes tipos de cuentos: el cuento popular y el
cuento literario. El cuento popular suele estar asociado a las narraciones tradicionales que se transmiten de
generación en generación por la vía oral. Pueden existir distintas versiones de un mismo relato, ya que hay
cuentos que mantienen una estructura similar pero con diferentes detalles.
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El cuento literario, en cambio, es asociado con el cuento moderno. Se trata de relatos concebidos por la escritura
y transmitidos de la misma forma. Mientras que la mayoría de los cuentos populares no presentan un autor
diferenciado, el caso de los cuentos literarios es diferente, ya que su creador suele ser conocido.
Guion: es un texto en que se expone, con los detalles necesarios para su realización, el contenido de una película,
historieta o de un programa de radio o televisión. Es decir, un escrito que contiene las indicaciones de todo
aquello que la obra dramática requiere para su puesta en escena. Abarca tanto los aspectos literarios (guion
cinematográfico, elaborado por el guionista: los parlamentos) como los técnicos (guion técnico, elaborado por el
director: acotaciones, escenografía, iluminación o sonido).
Cuenta cuentos: Los cuentos han estado presentes desde los inicios de la humanidad transmitiendo tradiciones
orales que reflejan la sabiduría de los pueblos, presentando características de universalidad, encantamiento y de
transmisión

de

valores.

Contar historias se considera una estrategia poderosa con incidencia en el plano personal afectivo y en el
cognitivo. En cuanto al plano afectivo, el cuento se convierte en una herramienta para la vida en la medida que es
expresión de situaciones, sentimientos, comportamientos y conflictos de la existencia humana. Nos lleva pues, a
nuevas formas de conocimiento y a percatarnos de que los sentimientos propios se ven reflejados en los de los
personajes de las historias narradas (o leídas).
Así, las personas desde pequeñas pueden verse beneficiadas con la narración o lectura de cuentos, empezando a
conocer el mundo a partir de su pensamiento mágico y permitiéndose vivir la experiencia intensamente. Estar en
la posición de auditor de cuentos genera inquietudes, cuestionamientos o juicios sobre los personajes y sus
acciones, lo que conlleva la necesidad de hablar sobre las situaciones, conflictos y características de “su(s)”
personaje(s), de “su” cuento. Allí va aprendiendo a escuchar, compartir ideas y conversar.
Los cuentacuentos cautivan a la audiencia, ejercen un efecto mágico sobre ellos, logrando que ingresen al mundo
que está narrando. Es decir, que ser un buen cuentacuentos supone unos requisitos, entre las que Beuchat (2006)
menciona:

Volumen de voz adecuado para que todos puedan escuchar, produciendo los cambios necesarios según las
necesidades de la narración que se realiza.

Tono de voz natural, no muy agudos, ni muy graves.

Melodía y ritmo adecuados. La velocidad con que se narra no debe ser ni muy rápida ni muy lenta.

Modulación en forma natural, no exagerada, de las palabras.

Las pausas deben usarse con una intención específica, para dar suspenso, provocar curiosidad, diferenciar
lo que dice el personaje principal de lo que dice otro personaje, o diferenciar lo que se narra y lo que es
dialogado, etc.

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La mirada está dirigida a la audiencia en su totalidad y a cada uno de los oyentes. Además, expresa su
propia mirada sobre el relato.

Gestos que complementan la narración.
En resumen, contar cuentos se presenta como una estrategia didáctica que puede ser implementada en cualquier
nivel educativo y que favorece diversos aprendizajes en las personas, tales como, desarrollar competencias
lingüísticas comprensivas y expresivas, conocer e informarse sobre otras realidades, expresar las emociones,
opiniones e inquietudes, desarrollar la imaginación, la creatividad y el lenguaje simbólico para trasmitir
significados.
Aprendizaje: el momento de la narración se convierte para niños, jóvenes y adultos en un tiempo de
encantamiento, de viaje a un mundo mágico. En el plano cognitivo, escuchar cuentos, fábulas y leyendas, así
como ser el narrador, crea un acercamiento placentero hacia la lectura y su comprensión, dando oportunidad para
realizar inferencias e interpretaciones, establecer relaciones y formular opiniones fundamentadas en su
experiencia, conocimientos previos o información escuchada en el relato; promueve el desarrollo del lenguaje
expresivo, específicamente en ampliación del vocabulario, el uso y pronunciación adecuados de las palabras, la
adecuada
lenguaje

estructuración de las oraciones, el uso de
no

verbal (gestos faciales y corporales pertinentes

a la narración) y

paraverbal (énfasis, tono, volumen, pausas para

generar

suspenso, complicidad, etc.); desarrolla la

imaginación

y

la creatividad a partir de las situaciones

expresadas

en

las narraciones que aluden a la representación

diversos

mundos, a la posibilidad de ponerse en lugar de

de

los personajes, posicionándose desde diferentes perspectivas y a representar mentalmente las imágenes de los
personajes

y

situaciones

según

sus

propias

interpretaciones

y

énfasis.

En el plano afectivo, lo imaginario y fantasioso está al servicio de la posibilidad de vivir la propia realidad a
partir de la identificación con los personajes de los cuentos, vivenciando diferentes conflictos y concibiendo la
posibilidad de diversas vías de resolución para ellos, lo cual promueve la autoconfianza, el sentimiento de
seguridad y la tolerancia a la frustración.

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Sistemas de inteligencia a través del arte y la estética
En las escuelas el arte cumple un papel especial como medio educativo. La actividad artística exige
fantasía y creatividad y desarrolla la sensibilidad por las cualidades. Por un lado se traduce siempre en un medio
sensorial (colores, formas, tonos, sonidos, etc.); por el otro lado, como expresión de una voluntad plasmadora no
sensorial, trasciende la manifestación puramente sensorial. Por eso es el mejor mediador entre la naturaleza
sensorial y la naturaleza espiritual del ser humano. A la vez ocupa un lugar intermedio entre el juego infantil y el
trabajo humano: “La práctica educativa y didáctica debe tender al ideal de despertar en el niño la sensación de
que él aprende con la misma seriedad con la cual juega mientras el juego es el único contenido anímico de la
vida. Una práctica educativa y didáctica que tiene conciencia de esto le otorgará el lugar adecuado al arte y le
brindará el espacio necesario a la dedicación al mismo” (Rudolf Steiner: “Pädagogik und Kunst”, “Pedagogía y
arte”, en “Der Goetheanumgedanke”, “La idea del Goetheanum”, GA 36, pág. 290). Así como de la vivencia en
imágenes surge la comprensión en conceptos, también la actividad artística puede favorecer la inteligencia: “Si se
toma conciencia de la medida en que se puede desarrollar lo intelectual a partir de la educación artística en la
niñez, entonces se estará dispuesto a darle al arte el lugar que se merece en la escuela primaria” (“Pädagogische
Grundlagen und Zielsetzungen der Waldorfschule”, “Fundamentos pedagógicos y metas de la escuela Waldorf”,
pág. 21).
Al respecto Friedrich Schiller se expresa en términos radicales en sus cartas acerca de la educación estética del
ser humano: “No existe otro camino para desarrollar la racionalidad del ser humano sensitivo, que desarrollar
primero su sentido estético”.
En su libro muy leído “La inteligencia emocional”, el estadounidense Daniel Goleman muestra convincentemente
cuán importante es una buena educación del ámbito emocional en nuestra sociedad actual tan propensa a la
violencia. Una capacidad perceptiva incrementada, sentido del estilo y sensibilidad cualitativa, pero también la
afirmación de la propia voluntad expresiva, son elementos eficaces para desarrollar la inteligencia emocional; y
son elementos que se desarrollan a través de la actividad artística, centrada en un aspecto diferente para cada
etapa del desarrollo. El científico Klaus Michael Meyer-Abich escribe en un artículo: “La educación estética,
entendida como formación de la capacidad perceptiva y vivencial, es la premisa decisiva para una
responsabilidad perceptiva y una percepción responsable del mundo natural y del entorno humano.
Artes escénicas aplicadas
La idea de arte se puede concretar partiendo de la enumeración de las siete artes tradicionales o clásicas:
Pintura, Escultura, Danza y Teatro, Literatura, Música y Cine. Todas estas manifestaciones son una expresión de
creatividad, es decir, de arte. Entre las artes mencionadas hay dos, la danza y el teatro, que son las actividades
fundamentales que conforman las Artes escénicas, llamadas así porque se presentan en algún tipo de escenario.
Las artes escénicas son las artes destinadas al estudio y/o práctica de cualquier tipo de obra escénica o
escenificación. Toda forma de expresión capaz de inscribirse en la escena: el teatro, la danza, la música
(especialmente la ópera, la zarzuela, el teatro musical, el cabaret, el music hall, los conciertos o recitales, etc.); y,
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en general, cualquier manifestación del denominado mundo del espectáculo o que se lleve a cabo en algún tipo de
espacio escénico, habitualmente en las salas de espectáculos, pero también en cualquier espacio arquitectónico o
urbanístico construido especialmente o habilitado ocasionalmente para realizar cualquier tipo de espectáculo en
vivo, como ocurre con los espectáculos ambulantes (como el circo, el guiñol, los tradicionales cómicos de la
legua y comedia del arte o el actual teatro callejero). Otras expresiones, como desfiles, procesiones de Semana
Santa y multitud de ritos religiosos, fiestas populares, o carnavales, tienen una clara dimensión escénica.
El teatro dramático
El teatro (del griego θέατρον theatrón: lugar para contemplar) es la rama del arte escénico relacionada con la
actuación, que representa historias frente a una audiencia usando una combinación de discurso, gestos,
escenografía, música, sonido y espectáculo. Es también el género literario que comprende las obras concebidas
para un escenario, ante un público. El Día del Teatro se celebra el 27 de marzo. En adición a la narrativa común,
el estilo de diálogo, el teatro también toma otras formas como la ópera, el ballet, la ópera china y la pantomima.
Características del género dramático:
• Los autores dramáticos deben contar una historia en un lapso de tiempo bastante limitado, con lo que no se
pueden permitir demoras innecesarias.
• El hilo argumental debe captar la atención del público durante toda la representación. El recurso fundamental
para conseguirlo consiste en establecer, cada cierto tiempo, un momento culminante o clímax que vaya
encaminando la historia hacia el desenlace.
• El teatro es una mezcla de recursos lingüísticos y espectaculares, o lo que es lo mismo, el texto literario se
suma, como un elemento más, a los elementos escénicos pertinentes para conseguir un espectáculo completo.
• Aunque podamos leer una obra de teatro, los personajes que intervienen en ella han sido concebidos por el autor
para ser encarnados por actores sobre un escenario.
• La acción se ve determinada por el diálogo y, a través de él, se establece el conflicto central de la obra.
• El autor queda oculto detrás del argumento y los personajes. Si leemos una obra teatral, observaremos que de
vez en cuando aparecen indicaciones sobre cómo debe ser el escenario o cómo deben actuar los personajes. Estas
instrucciones se denominan acotaciones. Por lo demás, los sentimientos del autor, sus ideas y opiniones se
encuentran diluidos en la amalgama de personajes y ambientes que forman una obra de teatro.
Historia del teatro:
La historia del teatro estudia la evolución del arte dramático a través del tiempo. El concepto de teatro es muy
amplio: cualquier grupo de gente que desarrolla un espectáculo en un tiempo y espacio determinados forman un
espectáculo teatral. El teatro tiene una base literaria, un guión o argumento escrito por un dramaturgo; pero ese
texto dramático requiere una puesta en acción, para la cual es imprescindible la interpretación por medio de
actores o personajes que desarrollen la acción, así como elementos como la escenografía y decorados, la
iluminación, el maquillaje, el vestuario, etc. Ciertos espectáculos pueden ser igualmente sin texto, como en el
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caso de la mímica y la pantomima, donde destaca la expresión gestual. Por otro lado, un elemento indispensable
para la comunicación es la presencia de un público. El teatro tiene una función de socialización de las relaciones
humanas, ya que presenta cierto grado de ritualización.
El movimiento teatral en Venezuela:
La actividad escénica venezolana es una de las más importantes de Latinoamérica. Obras de diversos autores
nacionales son representadas y citadas con frecuencia en el exterior. El movimiento teatral venezolano es uno de
los más importantes de Latinoamérica. Las obras de dramaturgos como Rodolfo Santana, José Ignacio Cabrujas,
Edilio Peña, Isaac Chocrón, Román Chalbaud, Mariela Romero, son representadas con frecuencia en el exterior.
La actividad escénica es extensa y el lenguaje de los autores nacionales se combina con obras clásicas del teatro
universal o las últimas búsquedas del desempeño escénico.
El grupo Rajatabla está considerado como uno de los más importantes de la escena mundial. La Compañía
Nacional de Teatro, ubicada en el escenario del Teatro Nacional, representa desde el Don Juan de Zorrilla hasta
obras populares siempre con una gran audiencia. El grupo Theja, en el teatro Alberto de Paz y Mateo, se distingue
por sus búsquedas y un discurso fresco, polémico y experimental. La cartelera siempre ofrece posibilidades de
espectáculos teatrales, siendo el Ateneo de Caracas el indiscutible centro de estas expresiones con sus distintas
salas, y el Festival Internacional de Teatro que coordina desde hace muchos años, permitiendo que Caracas sea el
núcleo donde confluyen las más importantes compañías teatrales del mundo.
Los indígenas desarrollaron algunas exposiciones proto-teatrales o teatrales rudimentarias, tales como
pantomimas y la representación simbólica de los fenómenos naturales. El teatro se realizaba para difundir la
identidad de la tribu, desarrollándose más en los Andes venezolanos, donde era utilizado con un fin educativo y
religioso. El teatro hispánico poco a poco fue introduciéndose en la venezolana colonial. A fines de 1766, o
principios de 1767, se representan en Caracas las dos primeras piezas que pueden atribuirse a un autor
venezolano: el Auto Sacramental de Nuestra Señora del Rosario y la Loa.
Los Géneros Dramáticos:
1.- La comedia: se basa en la ridiculización y denuncia desenfadada de costumbres y problemas cotidianos. Los
protagonistas suelen ser personas normales que sufren en escena, aunque siempre desde un punto de vista
cómico. Se busca la risa, por lo que el desenlace es feliz, desenfadado y alegre, sin olvidar la ironía. La comedia
es un género dramático que se caracteriza porque sus personajes protagonistas se ven enfrentados a las
dificultades de la vida cotidiana, movidos por sus propios defectos hacia desenlaces felices donde se hace
escarnio de la debilidad humana. La comedia se origina en el mundo griego, pero se va desarrollando a lo largo
del Medievo y la Edad Moderna, hasta llegar a nuestros días.
Como los demás géneros dramáticos, la comedia está determinada por la acción dramática del personaje
protagonista; de ahí que no sea extraño encontrar personajes con un rol trágico en obras de teatro cómicas,
siempre y cuando estos sean, por decirlo de algún modo, personajes secundarios.

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Como características, el personaje protagonista suele ser común y corriente y representar un arquetipo, es decir
mentiroso, charlatán, fanfarrón, pícaro, enamorado, etcétera; es también crédulo e inconsciente y, a diferencia de
la tragedia, donde el personaje protagonista tiene un profundo sentido ético, en la comedia el personaje
protagónico considera su moral como una cualidad no muy importante, lo que le permite ser muy vital, aunque
esto es más bien un obstáculo para el personaje. Por ello, su conflicto dramático suele ser, las más de las veces,
con la sociedad, además de consigo mismo, por lo que lucha por superar los obstáculos que le impiden realizarse
consigo mismo o con esa misma sociedad.
Rasgos de la comedia
• Finalidad: La comedia muestra exageradamente nuestros vicios y defectos, con una intención moralizante y
educativa. La comedia, entonces, pone en ridículo los vicios o malas costumbres para corregirlos mediante la risa.
Sin embargo, no trata de corregirlos en quienes los practican, sino que los representa con un método preventivo
para evitar que lo adquiramos los demás.
• Tema: Si bien en la comedia los temas recurrentes son el engaño, el robo, la burla y la estafa, los temas suelen
ser problemas de personas comunes que tienen defectos, debilidades y vicios.
• Conflicto: Comúnmente es generado por un vicio de carácter del protagonista. Este vicio de carácter es
contrario al bienestar social de la comunidad en la que vive el protagonista. El bienestar social es relativo a la
época y al lugar. El vicio de carácter del personaje protagónico lo lleva a ser un transgresor de esa sociedad, pues
rebasa los límites de lo "conveniente" y por ello debe ser castigado; esto significa que el personaje vicioso es
castigado socialmente, o sea, es puesto en ridículo.
• Protagonista: Es básicamente un personaje de baja calidad moral y que encarna algún vicio o defecto de los
seres humanos (la envidia, la avaricia, la irreverencia o rebeldía, etc.) pero sumamente complejo. En el caso de
Tartufo, lo que Molière critica es la hipocresía que se representa en este personaje, prototipo del mojigato que
finge vivir valores que en verdad no tiene y que sólo persigue su bienestar a costa del daño que produce a los
demás. En pocas palabras, un personaje vicioso que es ridiculizado.
• Desenlace: Es feliz para alguna de las fuerzas que se oponen al protagonista o para todas, menos para aquel que
encarna el defecto que debe ser castigado, es decir, puesto en ridículo.
2.- La tragedia: es una forma dramática cuyos personajes protagónicos se ven enfrentados de manera misteriosa,
inexpugnable e inevitable contra el destino, las tragedias acaban generalmente en la muerte o en la destrucción
física, moral y económica del personaje principal, quien es sacrificado así a esa fuerza que se le impone, y contra
la cual se rebela con orgullo insolente. También existen las tragedias de sublimación, en las que el personaje
principal es mostrado como un héroe que desafía las adversidades con la fuerza de sus virtudes, ganándose de
esta manera la admiración del espectador, como es el caso de Antígona de Sófocles. La tragedia nació como tal en
Grecia con las obras de Tespis y Frínico, y se consolidó con la tríada de los grandes trágicos del clasicismo
griego: Esquilo, Sófocles y Eurípides. Las tragedias clásicas se caracterizan, según Aristóteles, por generar una
catársis en el espectador.
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Partes de la tragedia griega
Aristóteles en su Poética señala que las partes de la tragedia se dividen en prólogo, episodio, éxodo, y la parte del
coro que se divide a la vez en párodo y estásimo. El prólogo, precede al párodo del coro. Después vienen siete
episodios entrelazados por cada estásimo para concluir con el éxodo, intervención del coro que no es cantado. En
cuanto estásimo, es un canto de coro sin anapesto ni troqueo.
1. Prólogo: Según Aristóteles es lo que antecede a la entrada del coro. Las características generales son: se da la
ubicación temporaria y se une el pasado del héroe con el presente; pueden participar hasta tres actores pero sólo
hablan dos y el otro está mudo o puede ser un monólogo. Se le informa al espectador el porqué del castigo que va
a recibir el héroe y en esta parte no interviene el coro.
2. Párodos: cantos a cargo del coro durante la entrada por el párodo izquierdo presidio por un flautista. En esta
parte se realiza un canto lírico, se dan danzas de avance y retroceso; se utiliza el dialecto ático (más adecuado a
los cantos corales debido a su musicalidad).
3. Episodios: pueden ser hasta cinco, hay diálogo entre el coro y los personajes o entre personajes; es la parte más
importante por ser la dramática por excelencia y expresa el pensamiento e ideas del personaje. Dentro de los
episodios se pueden encontrar los agones, los cuales son pasajes en los que el protagonista sufre.
4. Estásimo: es la parte lírica-dramática donde el autor expresa sus ideas políticas, filosóficas, religiosas, etc.; hay
de tres a cinco, es la segunda entrada del coro y en esta parte no danza. Los episodios son siempre separados por
los estásimos. Estos mismos pueden estar divididos en estrofas y antiestrofas, las cuales son siempre
pronunciadas por el coro, aunque en la tragedia griega antigua, las antiestrofas eran dichas por Corifeo (un
representante del coro).
5. Éxodo: es la parte final de la tragedia, hay cantos líricos y dramáticos, el héroe reconoce su error y es castigado
(a veces con la muerte) por los dioses, sufriendo el pathos y muchas veces convirtiéndose en el pharmakon (el
remedio para el mal). Es aquí donde aparece la enseñanza moral. El éxodo como los estásimos son siempre
dichos por el coro o Corifeo.
En definitiva, la tragedia está protagonizada por personajes de alta categoría social que se ven arrastrados por la
fatalidad a graves conflictos entre sí, a través de un lenguaje esmerado y cuidado. La tragedia griega se
caracteriza por el horror, la desgracia y la muerte. El protagonista suele ser el héroe, que actúa con el decoro
suficiente de acuerdo a las normas establecidas. Suele representar un ideal de comportamiento humano. Contra
este héroe se encuentra el antagonista, que puede ser un solo hombre o un conjunto de circunstancias contrarias a
la voluntad del protagonista. El conflicto suele desembocar en la catástrofe, en la fatalidad. Las obras están
regidas por las tres unidades (acción, lugar y tiempo). Los espectadores, ante la contemplación de una tragedia, se
solidarizan y sufren con el protagonista, con lo que llegan a la catarsis (liberación).
3.- La tragicomedia el drama satírico o tragicomedia suele tratar un tema legendario, aunque con efectos
cómicos protagonizados, fundamentalmente, por el coro. Los dioses no intervienen en la vida de los hombres y

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puede haber más de una acción al mismo tiempo. Se encuentra a medio camino entre la tragedia y la comedia: no
se evitan las situaciones cómicas, pero tampoco el desenlace trágico.
Elementos indispensables del teatro: guión, actores, público
Los elementos básicos y fundamentales que conformas el teatro son:
a) El Texto
b) Actor
c) Público
Estos tres elementos: texto, actor y público, integrados, constituyen los elementos esenciales que definen y
singularizan el teatro frente a las demás artes, cada uno de estos tres factores, por sí solo no producen el hecho
teatral Por ejemplo, el texto y el actor sin público pueden dar origen a una producción cinematográfica o un
programa de televisión, pero no al teatro
a) El texto: es la obra, el valioso aporte de la literatura al complejo hecho teatral. La obra de teatro se describe
para ser representada, para que unos personajes creados por un dramaturgo sean interpretados por los actores.
Además el texto proporciona las palabras que los personajes dicen y señala los lugares donde actúan. El texto
mayormente reconocido como el libreto, debe ser bastante claro, con un mensaje de carácter importante para el
espectador, no confuso el cual abarque demasiados temas. En algunos casos el texto menciona acotaciones que
indican lo que el autor nos aconseja para el montaje y pueden variar de acuerdo a este. Hay acotaciones de fugar,
de luces, de vestuario, de movimiento, de actuación y otros. A veces los mismos actores anotan en el texto
acotaciones para el mejor desarrollo de su actuación.
Partes del texto o guión teatral:
En el guión, el autor escribe cómo debe ser la escenografía, el vestuario, qué personajes participan y qué dice
cada uno durante la obra de teatro. Los guiones contienen los diálogos de los personajes escritos en el orden en el
que suceden. También se dan indicaciones de movimientos, expresiones y otros detalles. Las partes en que se
divide un guión teatral son los siguientes: actos, cuadros y escenas.
1) Actos. Todos los acontecimientos que suceden en escena durante la representación se corresponden con la
acción y están relacionados con la actuación y las situaciones que afectan a los personajes. Dicho de otro modo,
la acción es el argumento que se desarrolla ante nuestros ojos cuando asistimos a una representación teatral. Este
argumento suele estar dividido en actos o partes (también denominados jornadas).
2) Cuadros. Si dentro de un acto se produce un cambio de espacio, entonces se ha producido un cambio de
cuadro, con lo que dentro de un acto puede haber distintos cuadros según los espacios que aparezcan. El cuadro
es cada una de las partes en que se divide un acto, es el cambio de decorado.

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3) Escenas. Corresponden a la entrada y salida de los personajes en el escenario. En este sentido, cada vez que un
personaje sale de la escena, o bien cuando se incorpora uno nuevo, se produce una nueva escena. Un acto
constará de tantas escenas como entradas y salidas de personajes haya.
b) Actor: los actores o personajes son los que llevan a cabo la acción dramática a través del diálogo. El actor
interpreta un personaje a través del texto y constituye uno de los elementos esenciales en el teatro, sin duda el
más característico. Son los actores los que dan vida a los personajes que se encuentran contenidos en el texto. Los
mismos deben tener mucha sensibilidad, buena voz, mejor memoria y una correcta dicción. Aparte de estas
cualidades, el buen actor necesita tener presente dos circunstancias relacionadas con su trabajo:
• Los actores casi nunca se limitan a simple interpretación de los papeles de una obra, sino que realizan versiones
muy personales, sobre todo cuando se trata de obras cuyo argumento no corresponde a nuestro tiempo.
• El actor no puede olvidar que su actuación debe estar en armonía con las de sus compañeros de escena.
Dentro de este elemento existe otro que es muy importante, el Director de teatro, que así como una orquesta
sinfónica requiere un conductor que adapte la partitura y coordine la interpretación de todos los músicos, así
también los actores necesitan un director que supervise sus movimientos, gestos y expresiones orales. Aun
cuando el director de teatro es de aparición reciente, su participación se ha hecho tan importante que actualmente
resultaría excepcional la representación de una obra sin un director, que dé énfasis a tales y cuales rasgos, apruebe
los decorados y el vestuario, elija y ensaye los intérpretes.
c) Publico: todo el trabajo de creación y representación que ejecutan respectivamente dramaturgos o autores,
directores y actores, tienen como último destino el de ser contemplados por un público, sin cuya presencia y
participación no hay teatro posible. Es el público el que va a tener la apreciación final de la obra de teatro que se
esté realizando, por el cual ellos entran en un ambiente de acción, suspenso encanto o cualquier otro.

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Conclusión
Educar a través del arte es una actividad dinámica y unificadora, con un rol potencialmente vital en la
educación de los niños, haciendo uso de los elementos como el dibujo, la pintura o la construcción constituyen un
proceso complejo en el que el niño reúne diversos elementos de su experiencia para formar un todo con un nuevo
significado. En el proceso de seleccionar, interpretar y reafirmar esos elementos, el niño nos da algo más que un
dibujo o una escultura; nos proporciona una parte de sí mismo cómo piensa, cómo siente y cómo ve, responde a
ese ser humano creador y sensible.
También es importante que los docentes vayan integrando las áreas en el proceso de aprendizaje del niño
para que el mismo comprenda y relaciones las diferentes áreas con la educación estética y así se logre esta
interdisciplinariedad. Además en educación artística, el producto final está subordinado al proceso creador. Lo
importante es el proceso del niño, su pensamiento, sus sentimientos, sus percepciones, es decir, sus reacciones
frente al medio. Además, si queremos que la escuela sea eficiente y revalorice su prestigio, es necesario que nos
propongamos como uno de los primeros objetivos, el fomentar la creatividad. Si nos aferramos al sistema
expositivo y repetitivo como recurso casi exclusivo de la enseñanza, seguiremos con la escuela, pasiva y
rutinaria, matando la creatividad. Es importante fomentar la actitud creadora de los alumnos, entre las aptitudes
más enriquecedoras está la creatividad, más aun hoy en día cuando nuestra sociedad reclama creatividad es
evidente que la solución de muchísimos problemas humanos depende de la educación. Un pueblo educado, es un
pueblo creativo.
En lo que se refiere a las artes escénicas se conciben como un instrumento fundamental en la formación
integral, a pesar de encontrarse dentro de los contenidos del área de Educación Estética no sólo se ocupa del
estudio de las diferentes manifestaciones de la teatralidad, sino que, también, permite que el alumno desarrolle
competencias comunicativas, sociales, expresivas, creativas o las relacionadas con la resolución de problemas y
la autonomía personal, estimulando su interacción con el medio que lo rodea lo cual es útil y fundamental para el
desarrollo de cada individuo
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Referencias bibliográficas
-

http://definicion.de/tecnica/#ixzz48bXw0GwJConjunto
http://www.ecured.cu/Marioneta
http://definicion.de/arte-visual/#ixzz48dwOwZEf
http://liduvina-carrera.blogspot.com/2010/11/el-teatro-o-el-discurso-dramatico.html
http://www.herramientasparticipacion.edu.uy/
http://www.banrepcultural.org/blaavirtual/ayudadetareas/comunicacion/los_medios_de_comunicacion
https://es.wikipedia.org/wiki/Medio_de_comunicaci%C3%B3n
http://www.paedagogik-goetheanum.ch/Educacion-a-traves-del-arte.994.0.html?&L=3
http://definicion.mx/artes-escenicas/

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