Universidad de los Andes

Facultad de Humanidades y Educación
Educación Básica Integral

Trabajo Singular
Integrante:
Moreno Yanelis
CI.20850486

Introducción
En el siguiente trabajo hablaremos principalmente de la formación
estética auditiva, destacando diferentes conceptos que son de vital
importancia para entenderla, también hablaremos del arte en el tiempo
antiguo abordáramos diferentes sub-temas como lo son China, Roma,
Egipto y algunas otras civilizaciones resaltando su pintura, arquitectura
y escultura.
Por otro lado el animador pedagógico, será aquella persona previamente
preparada sobre determinado tema, el cual debe trasmitir, de una
manera agradable, fácil de comprender y al mismo tiempo que capte el
interés del receptor. Que este se convierta en generador de problemas.
Pero los conocimientos no pueden ser impartidos deliberadamente,
deben cumplir con cierta organización. La cual, obtenemos mediante los
proyectos, pues suelen ser una herramienta de orientación,
principalmente para el docente, que determinara y delimitara los
conocimientos que desea transmitir de una manera coherente y
ordenada.
A continuación esperamos que el siguiente trabajo juntos con los
diferentes aportes puedan servir para ampliar los conocimientos y
cumplir con las expectativas que se esperan

Formación Estética Auditiva
El proceso madurativo del niño implicará también un proceso de
selección en los procesos mentales que se ponen en juego en sus
audiciones: pasará de una simple percepción global a una audición
más selectiva. Asimismo, las respuestas a la música variarán con
la edad, partiendo en el estado inicial de respuestas motrices
(desde seguir el pulso, hasta expresar distintos estados de ánimo
según la audición). Conceptos tales como la estructura de la
melodía, la Forma Musical, las estructuras rítmicas o aspectos
estéticos de la audición deberán ser abordados de forma
progresiva y cuando la madurez del niño sea la apropiada para
este trabajo
Podemos resumir por lo tanto en los siguientes
momentos:
- De tres a seis años: principalmente audición con respuesta
motriz.
-

De

seis

a

diez:

respuestas

orales,

escritas,

o

plásticas

(musicogramas).
- De diez a doce: audiciones desde un punto de vista más
estructural (Formas Musicales, estructuras cadenciales, etc.), así
como

relacionar

con

la

historia

de

la

música

(vidas

de

compositores, anécdotas relacionadas con la obra escuchada,
etc.).
Las artes Auditivas .Es un conjunto de sonidos regulados por
tiempos específicos y silencios estratégicos ordenados de manera
consciente y deliberada. Dirigida a la expresión y al goce
intelectual y anímico.

La música El término música tiene su origen del latín “música” que a su
vez deriva del término griego “mousike” y que hacía referencia a la
educación del espíritu la cual era colocada bajo la advocación de las
musas de las artes. Puede decirse que la música es el arte que consiste
en dotar a los sonidos y los silencios de una cierta organización. El
resultado de este orden resulta lógico, coherente y agradable al oído. La
creación musical estimula la percepción del ser humano y puede desde
entretener a la

persona hasta aportarle algún tipo de información.

Cuando un cuerpo vibra, produce un movimiento que modifica la presión
y se transmite en el aire, pudiendo ser captado por el oído. Eso es, ni
más ni menos, que un sonido. Cuando no hay sonido, nos encontramos
con el silencio (que, a diferencia de lo que uno podría pensar, nunca
puede ser absoluto debido a la existencia de la atmósfera). La música,
en definitiva, consiste en combinar sonidos y silencios. Los sonidos, a su
vez, pueden ser infinitos, ya que es posible trabajar con innumerables
variaciones de duración, intensidad, altura o timbre.
Elementos de la Música: Ritmo: es un término que procede de
rhythmus, un vocablo latino. Se trata del orden que, de acuerdo a lo que
marca un compás, coordina una sucesión de cosas. Musical, por su
parte, es lo que está vinculado a la música. El ritmo musical, por lo
tanto, es una fuerza o un movimiento formado por una cierta sucesión
de sonidos. Puede decirse que el ritmo de la música se compone de
ciclos que se reiteran en intervalos temporales. Las notas y los silencios
se presentan a lo largo de una melodía y definen el ritmo de la misma.
En el ritmo entra en juego la repetición, en determinados intervalos, de
sonidos

breves,

largos,

débiles

y

fuertes.

Cuando

escuchamos

una canción, el ritmo es la organización de los pulsos (una unidad que
mide el tiempo en la música) y de los acentos (el énfasis de un pulso)
que percibimos a modo de estructura de la composición. El ritmo puede
determinar también el movimiento o el baile asociado a la composición

musical. El ritmo musical puede influir en el estado de ánimo. Una
canción de ritmo rápido incitará al movimiento, a la agitación y a la
euforia. En cambio, una canción de ritmo sosegado facilitará la
relajación. Es importante tener en cuenta que una misma pieza musical
puede albergar diferentes ritmos. Ese es el caso de la melodía que
incluye momentos lentos y otros mucho más frenéticos. El músico
deberá ordenar todos estos elementos para que el oyente perciba
la obra como una unidad. Melodía: Esta palabra proviene del término
griego.

Melodía: La palabra melodía se puede definir como el conjunto de
sonidos que al ser agrupados de una forma determinada, puede
transformarse en un sonido agradable al oído de quien la escucha. Entre
los diferentes tipos de melodías tenemos: las melodías planas en donde
los sonidos permanecen unidos, ejemplo el rap, también tenemos las
onduladas aquí podemos apreciar que los sonidos suben y bajan y es lo
que habitualmente escuchamos en las canciones.
.

Para que la melodía pueda existir como tal, necesita de dos

elementos fundamentales que el compositor debe tomar en
cuenta, estos serian las emociones, la creatividad y todas las
sensaciones que se desee transmitir a través de la música. Al
escuchar una melodía podríamos tener diferentes reacciones lo
que para unos es un sonido agradable para otros sería algo sin
sentido, por lo tanto es algo subjetivo de cada persona. Cuando
una persona se conmueve al escuchar una melodía no quiere decir
que todos lo percibamos igual. para nombrar a la combinación
de sonidos simultáneos que, aunque diferentes, resultan acordes.
El concepto también se usa en referencia a la variedad de sonidos,
medidas y pausas bien concertada.

Es el término que se utiliza para referirse a la relación que se
establece entre los distintos acordes, más concretamente a la
organización de los mismos, y que es la que permite, junto a otros
elementos, que una composición sea no sólo agradable al oído
sino de gran calidad. Las escalas, la tonalidad, los movimientos,
los enlaces, la tensión o el reposo son algunos de los elementos
que deben ser tenidos en cuenta a la hora de establecer la
armonía de una canción o bien a la hora de analizar la misma. El
concepto tiene significados extra musicales, en relación con el
equilibrio de las proporciones entre las distintas partes de un todo.
Lo armónico siempre está considerado como bello o agradable. Por
otro lado hay que tener en cuenta que,
el sonido resulta de las vibraciones regulares de un cuerpo sonoro
y se transmite por tres medios: sólido, líquido y gaseoso. El sonido
tiene varias cualidades que puedes percibir fácilmente.
1. Altura o entonación. Es la cualidad que permite distinguir un
sonido agudo de uno grave.
2. .Intensidad Es la fuerza con la cual se produce el sonido.
3. Timbre Es la cualidad del sonido que nos permite distinguir una
voz de otra o un instrumento de otro.
4. Duración Está sujeta a un tiempo determinado: así unos sonidos
serán largos y otros cortos. En un sentido más amplio, la
duración

está

determinada

por

las

características

del

instrumento.
5. Para expresar la música necesitamos medios para producirla, es
6.

decir instrumentos.
La voz humana es un instrumento aerófono. En la laringe
tenemos cuerdas vocales que son membranas que vibran con el
aire que viene de los pulmones, la boca y la cavidad nasal
sirven como caja de resonancia.

7. La división general de las voces según su registro agudo a
grave es la siguiente. Mujeres o Niños Hombres Soprano o Triple
Tenor Mezzo-soprano Barítono Contralto Bajo
8. Un instrumento musical es cualquier objeto susceptible de
producir sonidos, orientados hacia un fin musical.
ARTE EN EL TIEMPO, ANTIGUO
La Edad Antigua es una época histórica que coincide con el
surgimiento y desarrollo de las Primeras Civilizaciones (Egipto,
Grecia, Roma, etc.), también conocidas como Civilizaciones
Antiguas. De acuerdo con la historiografía, el inicio de este periodo
está marcada por el surgimiento de la escritura (alrededor del año
4000 a.C.), que representa también el fin de la Prehistoria. De
acuerdo con este sistema de periodización histórica la Edad
Antigua se extiende el surgimiento de la escritura, hasta la Caída o
derrumbe del Imperio Romano de Occidente, por las invasiones
barbarás del siglo V. Habría tenido una duración de 5500 años este
periodo histórico.
Principales características históricas de la Edad Antigua:
-

Surgimiento y desarrollo de la vida urbana

-

Poderes políticos centralizados en manos de reyes

-

Sociedades marcadas por la estratificación social

-

Desarrollo de las religiones organizadas ( en su mayoría
politeístas)

-

Militarismo y ocurrencias de continuas guerras entre pueblos.

-

Desarrollo y fortalecimiento del comercio

-

Desarrollo del sistema de cobranza de impuestos y obligaciones
sociales.

-

Creación de sistemas jurídicos (Leyes)

-

Desarrollo cultural y artístico.

CHINA
El Arte en China se caracteriza por su sencillez y elegancia,
ningún detalle se hace porque si, todo es esencial y busca una
forma equilibrada, rítmica de los objetos. Las obras de artes chinas
están dotadas de sensibilidades e intentan integrar los sentidos
para disfrutar de su arte. El arte de China se puede apreciar en la
arquitectura, pintura, cerámica, y la escultura. El Arte en Chinaha
tenido una evolución más uniforme que en Occidente y siempre
marcada por la dinastía que reinaba en ese momento y por tanto
de la Cultura china. En el campo de las artes, el territorio chino
destaco, no sólo en la arquitectura y escultura, sino que la
porcelana y la seda, ambas utilizadas para fabricar artículos
suntuarios, tienen su origen también durante aquellos decenios.
La porcelana se creó durante la dinastía Chang en el
segundo milenio a. de C. Mientras que los antiguos métodos eran
primitivos, la fabricación de porcelana avanzada fue posible
gracias al desarrollo de hornos especializados que podían cocer
caolín, un tipo de arcilla blanca, a temperaturas de alrededor de
1.200 grados, para obtener un material duro y sin poros. La
primera verdadera porcelana fue producida durante la Dinastía
Tang, cuando los alfareros chinos aprendieron
a controlar el contenido de hierro que reduce la interferencia del
color, dando por resultado la blancura. La fabricación de la
porcelana fue finalmente dominada durante la Dinastía Ming y, la
de alta calidad, se exportó a Japón y a Europa.

La seda se obtenía a partir de cultivos de gusanos, o
sericicultura siendo fechada hacia el año 2.700 a. de C. La leyenda
cuenta que la Emperatriz Si Ling Chi descubrió la seda, cuando un
capullo de la polilla del gusano de seda cayó desde un árbol de
moras dentro de su té. La cultura China fue la primera en utilizar
tinta para escribir y se estima que habría sido inventada hace
4.500 años atrás, siendo las primeras realizadas de pigmentos
negros que obtenían del humo; el papel también es de origen
chino y fue inventado en la dinastía Han realizándose con una
mezcla de fibras de bambú, cortezas de árbol y agua.
Las

primeras

manifestaciones

de

caligrafía

china

se

encuentran sobre huesos pertenecientes a la Edad de Bronce,
durante la dinastía Shang, del siglo XVII al XI a.C. Mientras que los
primeros pictogramas que se descubren son imágenes simples
que permiten apreciar un vocabulario extenso al conceptualizarse
objetos concretos y abstractos mediante la combinación de unos
pictogramas con otros. Por otro lado las ideas complejas se
obtienen mediante la unión de dos o más símbolos. Se descubre
así que el concepto de "Hombre" (Ren) en combinación con el
concepto de "Árbol" (Wu) significa "Descansar" - Xiuxi. La escritura
china, los ideogramas, no son signos que representan fonemas:
Los signos del sistema de escritura chino no representan sonidos
sino conceptos. Es decir, el signo tiene naturaleza conceptual, de
significado y no guarda relación directa con el sonido.
Los origines de la pintura tradicional se remontan a las más
tempranas épocas de la antigüedad. Podemos decir que las obras
anteriores a la dinastía T'ang, en el periodo 618-907, son dibujos
de líneas producidos por personas que se dedican a otras
actividades. Durante la primera mitad de la dinastía T'ang, el

paisaje

y las pinturas

que representaban flores

y pájaros

comenzaron a ganar importancia. Los cuadros con montañas,
bosques, campos y jardines nos permiten evadirnos de este
mundo y penetrar en el reino de la paz y la tranquilidad. También
son muy admirados los árboles, piedras, praderas, flores pájaros y
otros animales que aparecen en las pinturas, dotadas de gran
viveza y energía. Así pues, las tres categorías principales de la
pintura tradicional china serían el paisaje, flores y pájaros junto a
las representaciones de figuras humanas durante la primera
época.
Otro tipo de arte, al que podríamos incluir dentro de las artes
decorativas
evolucionó

será
de

la

el

desarrollo

simplicidad

del
a

la

mueble

tradicional

complejidad

y

que

estuvo

estrechamente ligado al estilo de vida y a los cambios económicos
y culturales de China a lo largo de su historia. Con anterioridad a la
dinastía T'ang, lo más frecuente era que los chinos se sentasen en
el suelo sobre esterillas de paja. Tras el período de los Reinos
combatientes (475-221 a. de C.), comenzó a generalizarse el uso
de camas y sofás como asientos. En tiempos de la dinastía WeiChin (220-420) y de las dinastías del norte y del sur (420-589),
comenzaron a penetrar en China las sillas de estilo occidental, las
sillas de tijera y otros tipos de asientos. A partir de este momento,
los asuntos cotidianos de los chinos pasaron a decidirse desde
sillas en lugar de desde el suelo, con las piernas cruzadas. Los
muebles Ming destacaron por su línea sencilla, uniforme, sin
rupturas y por su decoración parca y elegante, todo lo cual tiende
a realzar sus magníficas características de construcción. Durante
la dinastía Ch'ing, debido a la influencia del floreciente comercio
exterior chino y al avance de las técnicas artesanales, se pasó a
una decoración rica y compleja que incluía tallados. A causa del

gran desarrollo del mueble chino con las dinastías Ming y Ch'ing, la
mayor parte del diseño actual de muebles chinos permanece
dentro de esta línea artesanal.
La arquitectura china se entiende como un estilo de
arquitectura que ha tomado forma en el este de Asia durante
muchos siglos, la cual es compartida con países vecinos. Los
principios estructurales de la arquitectura china se han mantenido
prácticamente sin cambios, siendo los cambios principales los
acaecidos en las artes decorativas. A partir de la dinastía Tang, la
arquitectura china ha tenido una gran influencia en los estilos
arquitectónicos de Corea, Vietnam y Japón. Más de la vasta zona
de Turkestán a Japón, desde Manchuria hasta la mitad norte de la
Indochina

francesa,

el

mismo

sistema

de

construcción

es

frecuente. De todas las fuentes de información, literarias o
gráficas, existe una fuerte evidencia que acredita el hecho de que
los chinos siempre han empleado un sistema autóctono de la
construcción que ha mantenido sus principales características,
desde la prehistoria hasta la actualidad.
El chino es el único sistema arquitectónico cuyas estructuras
son principalmente de madera, lo que es un reflejo de la ética del
país, su criterio estético y el valor que da a la naturaleza. Son
construcciones que se basan en profundas tradiciones culturales y
así, en ella destaca la ideología de la superioridad del poder
imperial y su compacto sistema de clases. El desarrollo de las
arquitecturas antiguas de China experimentó tres momentos de
apogeo durante las dinastías Qin y Han, Sui y Tang, y Ming y Qing.
En estos tres

períodos surgieron numerosas construcciones

representativas, como palacios, mausoleos y tumbas, obras de
defensa e hidráulicas. El paso del tiempo y las guerras se cobraron

muchas construcciones antiguas, siendo la mayoría de las que se
conservan posteriores a la dinastía Tang del siglo VII.
La escultura en piedra se inició como majestuosa y
representativa decoración de los caminos funerarios de las tumbas
imperiales en la dinastía Han. Grandes animales reales y
mitológicos, representación de los estamentos sociales -letrados,
militares, extranjeros, etc.- fueron los temas elegidos para
dignificar el poder. De todo ello son muestra las esculturas que
flanquean el camino de los espíritus de las dinastías Han, Tang y
especialmente

las

tumbas

Ming,

así

como

la

escultura

representativa de los palacios imperiales. Vertientes del Arte en
China.

Dinastía Shang
El Arte en China durante la
Dinastía Shang
Se destacó por objetos y esculturas en bronce, las cuales
muestran por primera vez uno de los principios esenciales del Arte
en China: la forma, los temas decorativos, iconografía, la
jerarquización

social.

La

arquitectura

del

país

asiático

se

caracterizaba por distribuir el espacio en unidades
rectangulares que se unen para formar un todo, con un aspecto
exterior impresionante y misterioso. Los materiales empleadas
para la construcción de edificaciones eran la madera, el ladrillo y

la caña. Se caracteriza por los tejados curvos típicos que dejaban
grandes espacios o bóvedas en el interior.
Dinastía Zhou
El Arte en China durante la
Dinastía Zhou
Se caracteriza por una evolución de la etapa anterior y
época en la que se creó un estilo decorativo y ornamentado, de
figuras estilizadas y dinámicas continuando con el trabajo en
cobre. El taoísmo y el confucianismo influenciaron el arte en esta
dinastía y la elaboración de utensilios en jade, combinando el color
con la figura para enseñar la fascinación por la naturaleza,
también aparecieron los grabados en laca o grandes biombos de
color negro en la mayoría de los casos.
Dinastía Qin
La Gran Muralla china,
Es uno de los iconos que caracteriza al gigante asiático en la
actualidad

y

fue

construida

durante

la

Dinastía

Qin por

QinShiHuang
A

causa del ataque de invasores en el siglo III a.C. También

destaca el descubrimiento arqueológico del Ejército de terracota de
Xian, situado en el interior del Mausoleo de Qin ShiHuang, primer
emperador de China, y ha sido declarado como Patrimonio.
Dinastía Han El Arte en Chinaen la Dinastía Hanlos templos
tuvierón

gran

asentamiento

importancia
del budismoen

durante

la

esta

China, dando

dinastía

lugar

así

y

el

a

la

arquitectura religiosa. Los lugares de culto eran rectangulares y
estaban compuestos por cinco naves y en el eje central se
encontraba la sala de

predicación. La pintura tuvo su mayor

apogeo durante esta dinastía, el tema principal de los artistas eran
las tumbas o el más allá con la intención de representar el espacio
y la distancia, también de funcionarios, la corte imperial y nobles.
Existen cuatro factores que influyeron en la aparición y desarrollo
de la cerámica, con la elaboración de vasos brillantes y azules
para el emperador, y porcelana chinas: la arcilla, el combustible,
los sistemas fluviales y los mercados.
Dinastía Tang La Dinastía Tang
Fue uno de los períodos más florecientes del Arte en China.
Esta dinastía se destaca por la escultura y las figuras de cerámica
de cierta traslucidez cubriendo los objetos con esmaltes de color
amarillo, azul y negro. Una de las figuras más importante ha sido
la estatua de Buda y la estatua de madera de Gua Yin. En
arquitectura la tipología principal eran las Pagodas, edificaciones
de varios pisos que van disminuyendo su tamaño a medida que
van subiendo los pisos y posee influencia hindú. Apareció la
pintura paisajista, se perfeccionó la pintura de retratos, sobre todo
de los emperadores y sus herederos.
Dinastía Song
El Arte en China durante la Dinastía Song
Se alcanzó un nivel de elevada cultura, logrando su
admiración en las dinastías posteriores. Durante esta etapa
apareció el grabado sobre madrea impregnada de tinta sobre seda
o papel. Mientras en cerámica, nació la cerámica de esmalte
blanco o azul de Kin- tcheu y en pintura continuo el paisaje pero
esta vez de filósofos, flores e insectos con pinceladas rápidas, y
colores ligeros.

Dinastía Yuan Mientras que en la Dinastía Yuan
Se

desarrollan

las

artes

decorativas

como

la

manufacturación de alfombras, nuevas formas y colores en
cerámica, y se elaboraron obras de metalistería. Esta época estuvo
caracterizada por la pintura religiosa, especialmente los taoístas y
los budistas.
Dinastía Ming El Arte en China durante la dinastía Ming
Se caracterizaba por los Pai- Lou, monumentos funerarios
de madera o piedra que conmemoran el lugar donde se
encuentras los restos de alguna autoridad o persona importante.
Un rasgo importante de la dinastía Tsing es la construcción de
palacios y residencias, rodeados de grandes murallas y elementos
decorativos hechos en cerámica. Se construyó la Ciudad Prohibida,
con tres grandes patios rodeados de una muralla de 24
kilómetros. La pintura de esta época era naturalista, opulenta y de
tonos brillantes como el azul y el blanco. También comenzó la
decoración de vasijas de bronce en esmalte cloisonné, con tiras en
cobre pulidas y galvanizadas en oro y plata.
Dinastía Qing Por su parte,el Arte en China durante la Dinastía
Qing
Supuso la continuidad de la etapa anterior. La pintura se
caracterizó por el eclecticismo, los temas florares, religiosos,
paisajes, es decir una combinación del resto de dinastías. En lo
que a arquitectura se refiere, se continuó con la construcción del

recinto imperial destacando la riqueza de los materiales como el
mármol o la cerámica en los tejados.
GRECIA
El Arte Griego marca un referente para la civilización occidental que
perdurará hasta nuestros días. Los modelos griegos de la antigüedad son
tenidos

como

clásicos

y

los

cánones

escultóricos

y

los

estilos

arquitectónicos han sido recreados una y otra vez a lo largo de la
historia de Occidente. Las principales características del Arte Griego son:
-

Es un arte que está de acuerdo con la realidad, es realista.

-

Es un arte que se puede estudiar por los artistas, tanto en
arquitectura como en escultura.

-

Vamos

a

ver

en

él

supervivencias

creto-micénicas,

una

influencia oriental en los primeros momentos pero, sobre todo,
aportaciones propias.
-

El trabajo que se lleva a cabo, en arquitectura especialmente,
es un trabajo en equipo dirigido por un maestro. Esto va a hacer
que éste sea un arte de una gran perfección.

-

Es un arte muy influido por la filosofía y donde la religiosidad
está regida por un politeísmo de dioses antropomorfos, entre
los que destacan Zeus y Atenea. Esto da pie a una mitología
muy representada en escultura.

-

Es importante el desarrollo de la polis, la ciudad.

Pintura
Para hablar de la pintura griega es necesario hacer
referencia a la cerámica, ya que precisamente en la decoración
de ánforas, platos y vasijas, cuya comercialización era un negocio
muy productivo en la antigua Grecia, fue donde pudo desarrollarse
este arte. Al comienzo los diseños eran elementales formas
geométricas -de ahí la denominación de geométrico que recibe
este primer período (siglos IX y VIII a. C.)- que apenas se
destacaban sobre la superficie.
Con

el

correr

del

tiempo,

éstas

se

fueron

enriqueciendo

progresivamente hasta cobrar volumen. Aparecieron, entonces, los
primeros dibujos de plantas y animales enmarcados por guardas
denominadas

"meandros".

En

un

próximo

paso,

ya

en

el

período arcaico (siglos VII y VI a. C.), se incluyó la figura humana,
de un grafismo muy estilizado. En medio de las nuevas tendencias
naturalistas, ésta cobró mayor importancia al servicio de las
representaciones mitológicas.
Las escenas se organizaron en franjas horizontales paralelas
que permitían su lectura girando la pieza de cerámica. Con el
reemplazo del punzón por el pincel los trazados se volvieron más
exactos y detallistas. Las piezas de cerámica pintadas comienzan
a experimentar una notable decadencia durante el clasicismo
(siglos IV y V a. C.) para resurgir triunfantes en el período
helenístico (siglo III), totalmente renovadas, plenas de color y
ricamente decoradas.
Escultura
Las primeras esculturas griegas (siglo IX a. C.) fueron
pequeñas figuras humanas hechas en materiales muy maleables

tales como la arcilla, el marfil o la cera. No fue hasta el período
arcaico (siglos VII y VI a. C.) que los griegos comenzaron a trabajar
la piedra. Los motivos más comunes de las primeras obras eran
sencillas estatuas de muchachos (kouros) y muchachas (korés). De
formas lisas y redondeadas, estas figuras plasmaban en la piedra
una belleza ideal.
Estas figuras guardaban una gran similitud con las esculturas
egipcias que habían servido de modelo. Con la llegada del
clasicismo (siglos V y IV a. C.), la estatuaria griega fue tomando un
carácter propio y abandonó definitivamente los primitivos patrones
orientales. Gracias al estudio de las proporciones se pudo copiar
fielmente

la

anatomía

humana

y

los

rostros

ganaron

definitivamente en expresividad y realismo.
Discóbolo de Mirón Hermes sosteniendo a Dionisos niño Laocoonte
y sus hijos Tales de Mileto Venus de Milo Victoria de Samotracia
Se introdujo el concepto de "contrapposto", posición por la cual la
escultura se apoyaba totalmente sobre una pierna, dejando la otra
libre,

y

el

principio

del

dinamismo

cobró

forma

en

las

representaciones de atletas en plena acción.
Algunos

de

los

grandes

fueron Policleto, Mirón, Praxíteles

artistas

del

y Fidias, aunque

clasicismo

tampoco

se

puede dejar de mencionar a Lisipo, que intentando plasmar las
verdaderas facciones del rostro, logró los

primeros retratos.

Durante el período helenístico (siglo III a. C.) se enfatizaron y
sofisticaron las formas heredadas del clasicismo. Así, producto de
esta recepción, surgieron obras de inigualable monumentalidad y
belleza, como "El coloso de Rodas", de treinta y dos metros de
altura. Cabe aclarar, que tanto por su función religiosa como
decorativa, la escultura se hallaba estrechamente ligada a la

arquitectura. Así lo evidencian los trabajos estatuarios de las
fachadas, columnas e interior de los templos.
Arquitectura
El templo fue, sin lugar a dudas, uno de los legados más
importantes de la arquitectura griega a occidente. Era de una
forma bastante simple: una sala rectangular a la que se accedía a
través de un pequeño pórtico ( pronaos) y cuatro columnas que
sostenían un techo bastante similar al actual tejado a dos aguas.
En los comienzos éste fue el esquema que marcó los cánones.
Del perfeccionamiento de esta forma básica se configuró el templo
griego tal y como hoy lo conocemos. En sus comienzos, los
materiales utilizados eran el adobe para los muros y la madera
para las columnas. Pero a partir del siglo VII a.C. (período arcaico),
éstos fueron reemplazados por la piedra, lo que permitió el
agregado de una nueva hilera de columnas en el exterior
(peristilo), y con lo que la construcción ganó en monumentalidad.
Entonces surgieron los primeros órdenes arquitectónicos: el
"dórico", al sur, en las costas del Peloponeso y el "jónico", al este.
Los templos dóricos eran más bien bajos y macizos. Las gruesas
columnas

carecían

de

base

y

el fuste

era

acanalado.

El capitel, muy simple, terminaba en una moldura llamada equino.
Las

columnas

sostenían

un

entablamiento

(sistema

de cornisas) compuesto por un arquitrabe (zona inferior) y un friso
de tríglifos (decoración acanalada) y metopas.

La construcción

jónica, de mayores dimensiones, descansaba sobre una doble
hilera de columnas, algo más estilizadas, también de fuste
acanalado y con un sólido basamento. El capitel culminaba en dos
gráciles volutas y los frisos se hallaban decorados con relieves.
Más adelante, en el período clásico (siglos V y IV a. C.), la

arquitectura griega arribó a su máximo apogeo. A los dos órdenes
ya conocidos se sumó el "corintio", con su típico capitel terminado
en hojas de acanto.
Las formas se estilizaron aún más y se agregó una tercera
hilera de columnas. El Partenón de Atenas es la más clara
ilustración de este brillante período arquitectónico griego.
En tiempos de la dominación helénica (siglo III a. C.) la
construcción, que conservó las formas básicas del clasicismo,
alcanzó el punto máximo de la fastuosidad. Columnas de capiteles
ricamente ornados sostenían frisos trabajados en relieve de una
elegancia y factura insuperable.
ROMA
El arte romano alcanzó su periodo de mayor esplendor
durante el siglo de oro del Imperio Romano. Fue más variado e
incluso moderno que el arte griego y es por ello que tuvo mayor
influencia en el arte del Renacimiento y la Edad Media. El arte de
Roma se caracteriza por su practicidad, no tanto por su fin
estético. Debido a este carácter práctico los romanos desarrollaron
enormemente la arquitectura, llevaban a cabo verdaderas obras
de arte arquitectónicas que sin embargo tenían siempre una
utilidad.

El

arco

y

la

bóveda

siempre

jugaron

un

papel

predominante en los edificios romanos. Además de la arquitectura,
la pintura romana también tuvo gran importancia, y las esculturas,
sobre todo en forma de bustos o relieves en las columnas de la
ciudad también son destacables. La cultura romana fue muy
extensa, el derecho, la sociedad y la organización romana son
todavía referencias para la civilización occidental actual.

Arquitectura
Las edificaciones sirvieron a los romanos para dos cosas. La
primera de ellas es la utilidad que le daban a los edificios para
mejorar las condiciones de vida de los ciudadanos y el ocio de los
mismos, por ello construían acueductos, puentes, coliseos, circos,
teatros… La segunda de ellas busca representar la majestuosidad
y el poder del vasto Imperio Romano, grandes bloques de piedra y
elementos artísticos que sirven para recordar grandes hazañas en
tiempos de guerra. Se trata de obras de arte que se busca que
sean claramente visibles y que perduren en el tiempo.
La arquitectura romana emplea dos sistemas o grupos de
elementos arquitectónicos distintos:
- Columna y dintel. Proveniente de los griegos.
- Arco y bóveda. Copiado de los etruscos Si hubo una rama
artística en la que los romanos destacaron esta fue la arquitectura,
llenaron los territorios conquistados con grandes construcciones,
vamos a destacar a continuación algunos de estos edificios
majestuosos construidos por los romanos.
Las termas: Se tratan de grandes edificaciones en las que el
pueblo romano, generalmente la clase alta se reunía para pasar su
tiempo libre, un símil a los bares o clubs de ahora. Pero este no era
su papel principal, en las termas existían salas con piscinas de
agua caliente, fría y templada donde los ciudadanos se relajaban
como si de un SPA de la actualidad se tratara.
Los anfiteatros: El más conocido es el Anfiteatro Flavio donde
cabían hasta 50.000 espectadores, comenzados en la época de
Vespasiano y terminado por su hijo Tito el nombre por el que se
conoce más comúnmente es el de Coliseo. En estos majestuosos
edificios se realizaban combates de gladiadores, luchas entre

esclavos y fieras e incluso representaciones de batallas gloriosas
de Roma. Los circos: Las carreras de carros eran el deporte por
excelencia de los romanos, los ciudadanos llenaban las gradas de
los circos que eran pistas ovaladas donde se realizaban las
carreras. Los foros: El centro de la ciudad, el centro de la vida
política y social de alta cuna. En las plazas pasillos y edificaciones
del foro se reunían los ciudadanos más poderosos para conversar,
había además mercados y puestos para oradores, templos y
diversas esculturas y monumentos. El más emblemático es el Foro
de Trajano.
- Temática habitual el retrato tratando de lograr la excelencia en la
identificación del modelo.
- La escultura romana muestra energía y movimiento para mostrar
poder de los generales y los emperadores. Aunque la mayoría de
trabajos esculpidos son estatuas y monumentos, también hay que
mencionar los relieves que los romanos trabajaban en columnas y
edificaciones más grandes en los que se narraban historias de
campañas militares.
Pintura
Se

distinguen

dos

corrientes

pictóricas

o

estilos

bien

diferenciados:
- Estilo Neoático. Preocupado por la forma humana, resalta
temáticas mitológicas y epopeyas.
- Estilo helenístico-Alejandrino. Preocupación por la pintura rural,
paisajes y marinas. En ciertos periodos de la historia de Roma se
hizo una

pintura arquitectónica que retrataba los elementos

constructivos. Lo que se conoce de la pintura romana en nuestros
días es gracias a los frescos hallados en Pompeya. Por lo general,
las obras pictóricas romanas son imitaciones o variaciones de las
griegas. Un elemento distintivo de la pintura romana es la técnica

de manchas de color al temple. Con un estilo casi impresionista ya
en esa época. La temática predominante es siempre realista,
paisajes, personas o escenas bélicas.
EGIPTO
Pintura
La pintura egipcia experimentó su máximo apogeo durante
el Imperio Nuevo. Sin embargo, dado el carácter religioso de la
misma, las técnicas pictóricas evolucionaron muy poco de un
período al otro. Más bien se mantuvieron siempre dentro del
mismo

naturalismo

original.

Los

temas

eran

normalmente

narraciones de la vida cotidiana y batallas, además de leyendas
religiosas. Las típicas figuras de perfil con los brazos y el cuerpo de
frente de los murales egipcios, son producto de la utilización de la
perspectiva aspectiva.
Los egipcios no representaron las partes del cuerpo humano
según su ubicación real sino teniendo en cuenta la posición desde
la que mejor se observara cada una de las partes: la nariz y el
tocado de perfil, que es como más resaltan; y ojos, brazos y
tronco, de frente. Esta práctica se mantuvo hasta mediados del
Imperio Nuevo, luego se prefirió la representación frontal. Un
capítulo aparte en el arte egipcio lo constituye la escritura. Un
sistema de más de 600 símbolos gráficos denominados jeroglíficos,
se desarrolló a partir del año 3.300 a.C. y su estudio y fijación fue
tarea de los escribas. El soporte de los escritos era un papel
fabricado en base a la planta del papiro.
La

escritura

y

la

pintura

se

hallaban

estrechamente

vinculadas por su función religiosa. A las pinturas murales de
los hipogeos y las

pirámides se las acompañaba de textos y

fórmulas mágicas dirigidas a las divinidades y a los difuntos. Es

curioso observar que la evolución de la escritura en jeroglíficos
más simples, la llamada "escritura hierática" determinó en la
pintura una evolución similar, traducida en un proceso de
abstracción.

Estas

obras

menos

naturalistas,

por

su

correspondencia estilística con la escritura, se denominaron a su
vez "pinturas hieráticas". Del Imperio Antiguo se conservan las
famosas pinturas "Ocas de Meidun" y del Imperio nuevo merecen
mencionarse los murales de la tumba de la reina Nefertari, en el
Valle de las Reinas, en Tebas.
Escultura
La escultura egipcia fue ante todo, animista. Encontró su
razón de ser en la eternización del hombre después de la muerte.
Fue una escultura eminentemente religiosa. La representación de
un faraón o un noble, era la reemplazante física del muerto, su
doble, en caso de descomposición del cuerpo momificado. Esto
justificaría el exagerado naturalismo logrado por los escultores
egipcios, sobre todo en el Imperio Antiguo. Con el paso del tiempo,
al igual que la pintura, la escultura se estilizó. Las estatuillas de
barro eran piezas concebidas como complementarias del ajuar en
el ritual funerario. En cuanto a las

templos y palacios, surgieron a

partir de la Dinastía XVIII como parte de la nueva arquitectura
imperial. Poco a poco, las formas se fueron complicando y pasaron
del

realismo

ideal

al amaneramiento

completo.

Con

los

reyes tolemaicos la gran influencia de Grecia se hizo sentir en la
pureza de las formas y el perfeccionamiento de las técnicas. En un
principio, el retrato tridimensional fue privilegio de faraones y
sacerdotes. Con el tiempo fue posible a ciertos miembros de la
sociedad como escribas y sacerdotes. De los retratos reales más
populares

merecen

mencionarse

los

dos

bustos

de

la

reina Nefertiti, considerada una de las mujeres más bellas de la
historia universal. Ambos son obra de uno de los pocos artistas
egipcios conocidos, el escultor Thutmosis, y se encuentran hoy en
los museos del Cairo y de Berlín, respectivamente.
No fueron menos importantes las obras de orfebrería, cuya
maestría y belleza son suficientes para testimoniar la elegancia y
el lujo de las cortes egipcias. Los materiales más utilizados eran el
oro, la plata y las piedras. Las joyas siempre tenían alguna función
específica (talismanes), lo mismo que los objetos elaborados para
templos y tumbas. Los orfebres también colaboraron en la
decoración de templos y palacios revistiendo muros con láminas
de oro y plata labrados con inscripciones, de los que apenas
quedaron testimonio.
Arquitectura
La esencia de la arquitectura egipcia lo constituyen sin duda
las

pirámides, cuyas técnicas de construcción siguen siendo

objeto de estudio de ingenieros y historiadores. El creador de las
mismas fue el arquitecto Imhotep, durante la tercera dinastía, y su
obra le valió la divinización. En un principio las tumbas egipcias
tenían la forma de pequeñas cajas y eran de barro, recibiendo el
nombre
de mástabas( banco). Fue este arquitecto el que superpuso las
mástabas dando forma a la pirámide. También se debe a Imhotep
la utilización de la piedra en lugar del barro, que sin duda servía
mejor en vistas a la conservación del cuerpo del difunto. Las
primeras pirámides fueron las del rey Zosery eran escalonadas.
Las más célebres del mundo pertenecen sin embargo a la IV
dinastía y se encuentran en Gizeh: Keops, Kefrény Mikerinosde
caras completamente lisas. La regularidad de ciertas pirámides se

debe, aparentemente, a la utilización de un número áureo que
muy pocos arquitectos conocían.
Otro

tipo

de construcción

fueron

los hipogeos, templos

excavados en las rocas dedicadas a varias divinidades o a una en
particular. Normalmente se hallaban divididos en tres cámaras de
las cuales la primera era para los profanos, la segunda para el
faraón y los nobles, y la tercera, para el sumo sacerdote. La
entrada a estos templos era guardada por galerías de colosos o
esfinges. En cuanto a la arquitectura civil y palaciega, las ruinas
que se conservan permiten recabar muy poca información al
respecto.
MESOPOTAMIA
La civilización mesopotámica se desarrolló entre los ríos
Tigris y Eufrates, en el Asia Menor, una zona rica y fértil, con gran
provisión de agua y otros recursos naturales que hicieron que
fuera muy apreciada y codiciada. Por el año 6.000 a.C.
los sumerios construyeron la primera ciudad considerada como tal,
Uruk;

sus

habitantes

se

destacaron

en

la

metalurgia,

la

administración pública y, sobre todo, por la invención de
laescritura cuneiforme. Su arte se desarrolló a través de la
cerámica, la metalurgia, la literatura y la construcción.
El arte mesopotámico refleja al mismo tiempo la adaptación
y el miedo de las gentes a las fuerzas naturales, así como sus
conquistas militares. En las ciudades de Mesopotamia, el templo
fue el centro del comercio y la religión hasta que fue desbancado
en importancia

por el palacio real. El suelo de Mesopotamia

proporcionaba el barro para los adobes que fueron el material

constructivo

más

importante

de

esta

civilización.

Los

mesopotámicos también cocieron esta
arcilla para obtener terracota, con la que realizaron cerámica,
esculturas y tablillas para la escritura.Se conservan pocos objetos
en madera. En la escultura emplearon basalto, arenisca, diorita
y alabastro. También trabajaron algunos metales como el bronce,
el cobre, el oro y la plata, así como nácar y piedras preciosas en
las piezas más delicadas. El arte de Mesopotamia abarca una
tradición de 4.000 años con estilo aparentemente igual. Hasta la
conquista por los persas en el siglo VI a.C. cada uno de los grupos
que la habitó, hizo su propia contribución al arte mesopotámico.
Escultura
Las primeras esculturas descubiertas en la Mesopotamia
datan del 5000 a.C. y son en su mayoría figuras de barro muy
similares a las de Las Venus prehistóricas encontradas en el resto
de Europa. En el milenio siguiente se refleja una estilización de las
formas tendientes al naturalismo y se encuentran piezas en
mármol tales como bustos, estelas conmemorativas y relieves. La
más importante es la estela encontrada en Lagash, considerada la
más antigua del mundo en cuanto que en ella aparece por primera
vez la narración figurativa de una batalla.
Las estatuas más típicas son figuras de hombre o mujer de
pie, llamados orantes, ataviados con largas túnicas con las manos
tomadas a la altura del pecho, siendo la cara la parte más
llamativa del conjunto por el relieve de los ojos normalmente
realizados con piedra.
En cuanto a los relieves, estos han sido de una importancia
fundamental para comprender la historia, la iconografía religiosa y
el ceremonial de los pueblos mesopotámicos. Existían varios tipos,
entre ellos los esculpidos en la piedra y los realizados sobre

ladrillos esmaltados

como

es

el

caso

de

los

pocos

restos

encontrados de la famosa "Puerta de los dioses" (de hecho, eso
significa Babilonia) y los de arcilla. Dependiendo del pueblo y de la
ciudad los temas y los estilos variaban: durante las dinastías
acadia y persa la temática era la narración de la victoria de los
reyes, mientras que en tiempos de los babilonios se preferían las
representaciones de las divinidades o de las tareas cotidianas del
pueblo.

Orfebrería
La orfebrería mesopotámica constituye uno de los hallazgos
más interesantes de las excavaciones de tumbas reales y templos.
El trabajo de los metales era una de las actividades artísticas más
importantes en los pueblos mesopotámicos. Si bien la mayoría de
las tumbas fueron saqueadas por los ciudadanos de sucesivos
asentamientos poblacionales, que descubrían los tesoros cavando
para construir sus casas. Algunos, han llegado intactos hasta hoy,
como el tesoro de los reyes de Ur, encontrado por el arqueólogo
Charles Wooley.
Entre los valores más preciados de este tesoro se cuenta
el tocado de una de las sesenta y cuatro cortesanas enterradas en
el sepulcro real, de una suntuosidad y un diseño exquisito, en el
que finísimas láminas de oro imitan hojas y pétalos de flores.
Restos de vajilla labrada en oro y numerosísimas estatuillas de
cobre, uno de los metales más trabajados, así como collares y
brazaletes

de cornalina, lapislázuli

musicales con piedras

y

plata

e

instrumentos

preciosas completaban el tesoro más

antiguo del mundo oriental.

En las formas y el modelado del metal se descubre un
naturalismo de cierta ingenuidad, con obsesión por el detalle
ornamental. Se hace difícil un estudio del estilo general de la
orfebrería mesopotámica debido a la gran variedad de pueblos y
culturas que poblaron sucesivamente el territorio. Sin embargo, en
todos los objetos se descubre el valor de las fuerzas de la
naturaleza y la esperanza del hombre en una vida después de la
muerte, algo que explica que los objetos más valiosos se
encontraran en los sepulcros.
También durante el imperio Persa (VI a.C.) la orfebrería
experimentó un florecimiento. Los tesoros encontrados en las
excavaciones dan cuenta de la habilidad de los artesanos en la
realización de bellísmos utensilios y objetos decorativos en oro y
plata. Destacan sobre todo las piezas del último período del
Imperio. El naturalismo de las estatuillas destinadas a los hipogeos
y el logrado dinamismo de su decoración reflejan la influencia de
los artistas griegos.
Arquitectura
La arquitectura de la Mesopotamia se sirvió en sus comienzos de
los ladrillos de barro cocido, poco resistentes, lo que explica el alto
grado de deterioro de las construcciones encontradas. Las obras
más

representativas

de

la

construcción

mesopotámica

son

los zigurats o templos en torre que datan de los primeros pueblos
sumerios y que asirios y babilonios mantuvieron en lo formal. Éstos
eran en realidad edificaciones superpuestas que
La Mandapa,
El cual es un vestíbulo donde los sacerdotes celebran sus
ceremonias y donde no tiene acceso el pueblo Y la Garbhagriha la
cual es un santuario, y es donde se encuentra ubicada la imagen
de Dios. Los templos se encuentran rodeados por habitaciones de

los sacerdotes y por las diversas dependencias religiosas y civiles.
Existen dos tipos de templos según la forma de la torre, cuando es
convexa la cubierta se denomina shíkharay cuando es piramidal se
denomina vimana.
Escultura
Para el arte de la india es de gran importancia la escultura;
sus materiales principales fueron la piedra, el marfil, el cobre y el
oro. La escultura se divide en dos categorías: las exentas, las
cuales representan a los dioses, y los bajorrelieves, los cuales
ilustran diversas leyendas. La escultura va siempre ligada a la
arquitectura, debido a su carácter simbólico, a sus formas
redondeadas, su movimiento y su grandeza. La primera época de
la escultura se caracteriza por la pesadez de las formas y la
grandeza de las siluetas. En la fase grecobudista la silueta se
adelgaza y se acentúa el sentido decorativo, y en la fase
brahmánica ya se pierde el equilibrio clásico y se acentúa más las
formas y el tema.
En la escultura hindú, es de suma importancia la imagen del
buda. Durante los siglos III al I antes de Cristo la escultura se
desarrolla en su plenitud, con carácter propio. En este período las
formas vegetales y humanas son importantes así como la
geometría, y van a adquirir un gran valor simbólico, cuyo rasgo
más importante es la resistencia a representar al buda Esta
limitación desaparece a fines del siglo I, por la influencia de la
escuela grecobudista, en el septentrión de la península. Este arte
se extiende a lo largo de gran parte de la India. Las obras más
resaltantes de este arte son las estatuas y los bajorrelieves.
El Buda tiene actitud, indumentaria y proporciones del arte
griego, también se asemeja en cuanto a su peinado y a su

presencia, esto ocurre por lo menos en las estatuas más antiguas
de este estilo. Poco a poco se van modificando con características
centroasiáticas y romanas. Lo que es hindú propiamente son los
gestos y las posturas simbólicas, las orejas, el moño y la marca en
el entrecejo (que representa el tercer ojo). Los budas se han
representado en diversas posiciones, pero la que se ha encontrado
mas es la que se encuentra sentada con los pies cruzados al frente
y las plantas de los pies hacia arriba, conocida con el nombre de
meditación. Las manos se encuentran en diversas formas en las
esculturas: las manos una sobre otra con las palmas hacia arriba
significan meditación; la mano derecha levantada con los pulgares
y el dedo mayor unido significa argumentación; la mano derecha
abierta en forma vertical, los dedos unidos y levantados frente al
pecho indica “no teman”; las manos juntas sosteniendo algo Un
dedo de la otra indica predicación y las manos suspendidas a lo
largo con las palmas hacia arriba significan caridad.
Pintura
Las pinturas más antiguas que se han encontrado son del
siglo I antes de Cristo; entre ellas se encuentran los murales de las
cuevas de Ajanta, los cuales se ubican entre los años 200 y 650
antes de Cristo; también existen las pinturas de la cueva de
Jogimara en Orissa, las cuales pertenecen tanto al siglo I antes de
Cristo como a la era medieval, aunque las pinturas del primer
período son de mejor calidad que las del segundo. En el período
Gupta el arte trataba de dar a conocer los diversos conceptos
espirituales y mediante las pinturas sobre rollos se representaba
las recompensas del bien y del mal. Es importante recalcar que
durante esta época el arte se caracterizó por ser sereno, enérgico
espiritual y voluptuoso.

Las pinturas de Amanta tienen un estilo muy parecido a las
del período Gupta, donde se encuentran representaciones del
Buda, de mujeres dormidas y de diversas escenas de amor. En
Afganistán se han encontrado otros murales budistas lo que
resalta la agilidad que tenían los hindús para representar las
partes humanas. Otras pinturas importantes son las que se han
encontrado en Ellora, cuyos temas van desde un jinete cabalgando
sobre un león hasta parejas flotando sobre las nubes; estos temas
se van semejando cada vez más a los característicos de la época
medieval. Las únicas pinturas que se conservan en manuscritos
son las pertenecientes a la escuela de Pala entre los años 750 y
1200, los cuales están hechos sobre hojas de palmas. Estos
manuscritos poseen un aproximado de 51 miniaturas, las cuales
representan a divinidades Budistas y diversas escenas de la vida
del Buda. Otro documento importante que aún se conserva es el
Kalpa Sutra, el cual es un manual religioso y data del año 1237.
Otras épocas importantes para la pintura fue la que se dio
entre los siglos XVI y XIX, ya que esta se basaba en la iluminación
de manuscritos con motivos decorativos, tenían colores brillantes y
gran semejanza con la pintura Persa y Mongola del mismo período.
A

fines

del

siglo

XIX

la

pintura

tradicional

hindú

fue

desapareciendo, ya que los artistas solo trataban de imitar estilos
occidentales

que

se

filtraban

por

influencias

Europeas.

A

principios del siglo XX se fue retomando el interés por los estilos
propios antiguos gracias a la estimulación de los diversos estudios
arqueológicos encontrados.
TRATAMIENTO PEDAGÓGICO, ANIMADOR PEDAGÓGICO

La sensibilidad educativa actual tiende a considerar a la
persona como sujeto y protagonista en su propio crecimiento, y
encuentra en la animación su mejor traducción pedagógica. Hablar
de animación es hacer referencia a una opción antropológica y
metodológica, que tiene como fin el crecimiento de la persona,
haciéndola progresivamente responsable de la propia maduración.
Educar en el estilo de la animación significa crear relaciones
educativas que potencian a la persona y a sus capacidades, y la
hacen sujeto activo, consciente y responsable de los procesos que
influyen en su propio crecimiento. Se propone una metodología de
taller para el desarrollo de este trabajo porque esta permite una
correspondencia entre la teoría y la praxis, la toma de conciencia
del darse cuenta de las experiencias y con ellas realizar la
construcción de conocimientos y el desarrollo humano en su
totalidad. Por otro lado, la animación es el estilo con que se educa
y abarca todos sus contenidos, proceso y metodología.
Educar

desde

la

animación

supone

entender

que

el

verdadero cambio brota del interior de la persona, según ella se
oriente en libertad hacia un proyecto de vida. El educador puede
incidir en el ambiente, proponer un modelo de vida y un cuadro de
valores, pero es el joven, sujeto y protagonista de su desarrollo,
quien ha de interiorizarlo. El estilo y el método de la animación lo
hacen posible. A su vez, en la animación deriva de pasos
ordenados y lógicos, y pretende una finalidad muy concreta;
capacitar a las personas y a los grupos como sujetos conscientes y
activos de los procesos sociales y culturales en los que están
implicados y que configuran su vida diaria.
El concepto educativo de animación, por tanto, quiere
expresar la movilización de todas las energías de un ambiente, de
un grupo o de una persona. Y el animadores aquél que ayuda a
entablar relaciones, despierta las energías de creatividad ocultas,

hace tomar conciencia de las situaciones y no deja que los
procesos formativos se detengan. La animación, pues, no se
reduce a una técnica, a una metodología, a una actividad o a un
momento determinado, sino que es una mentalidad con la que
actúa el educador (PASTORAL JUVENIL 1985,41). Esa mentalidad se
fundamenta en:
Una antropología, una manera de entender a la persona, sus
dinamismos y procesos, en los que entra en juego su maduración.
Gracias a sus recursos interiores, la persona es capaz de hacerse cargo
de los procesos que la afectan. Un método, que sabe escoger los recursos y los momentos
educativos y que los organiza de modo que tiendan a liberar y
promocionar, y no a restringir y controlar.
Un estilo de caminar con los jóvenes, de sugerir, de ayudar a
crecer y de saber captar los estímulos que de ellos proceden y
descubrir sus posibilidades reales y sus aspiraciones.
Un objetivo y finalidad última de devolver a cada persona la
alegría de vivir plenamente y el valor de esperar y proyectar con
ilusión y creatividad. Una función, que asume el rostro concreto de una persona, el
animador, que acompaña y discierne la validez del proceso
formativo. Una estrategia educativa unitaria, que prefiere la calidad de
las actuaciones educativas a la cantidad, y ordena, por tanto, los
tiempos,

lugares

y

agentes

diversos

en

torno

a

procesos

convergentes

y

unificados.

Ahora

bien,

enfocándolo

en

la

formación estética auditiva cabe destacar que; Maneveau (1993)
hace hincapié en lo importante que es el silencio precedente y
consecuente a la audición, así como el evitar que el profesor anule
las respuestas emotivas y expresivas del alumno al exponer como
principios las suyas.
El papel del profesor durante la audición es la de animador,
buscando siempre la motivación del alumno. Tampoco se ha de
olvidar que el repertorio de audiciones debe seleccionarse según
criterios diferentes en cada momento (por ejemplo, si puede
relacionarse con algún otro contenido de la Educación Musical que
se esté explicando en ese momento, o por su relación con una
época determinada del año o del curso escolar, etc.), pero siempre
buscándole un objetivo y una significatividad a la misma. Algunas
de las adiciones que se consideran imprescindibles para la práctica
docente en Primaria son las siguientes:
- El Cascanueces (Tchaikovsky).
- El Carnaval de los animales (Camille Saint-Saëns).
Picolo, Saxo y Compañía (André Popp).
- Sinfonía de los Juguetes (¿Edmund Angerer? Durante mucho
tiempo atribuida a Leopold Mozart).
- Guía para la joven orquesta (Benjamín Britten). La capacidad de
concentración de un niño en tiempo es muy corta durante sus
primeros cuatro o cinco años. Además, necesitan más atención
cuando trabajan con lenguajes abstractos como la música que
concretos. Irá aumentando con la edad, siendo el niño capaz de
atender durante más tiempo a este lenguaje abstracto a partir de

los once años. Por ello, se recomienda en un principio relacionar la
audición con otros elementos: programas, cuentos, imágenes, etc.
Progresivamente se irán eliminando hasta no existir la necesidad
de ningún otro apoyo.
Contenidos

que

se

pueden

trabajar

en

el

proyecto,

basándose en el Currículo Básico Nacional (CBN)
Ciencias Naturales Bloque:
SOL - TIERRA - LUNA: MEZCLA
Contenido Conceptual Contenido Procedimental Contenido
Actitudinal
Noción de mezcla. - Descripción de mezclas que se preparan
comúnmente

en el

hogar.

-

Experimentación

para

separar

colorantes usando agua como disolvente. - Aplicación de técnicas
para la extracción de pigmentos de hojas y flores de diferentes
colores, usando alcohol como disolvente. - Disfrute de la ciencia en
la medida que se aprende de ella. Bloque:

SOL, TIERRA Y LUNA
Contenido

Conceptual

Contenido

Procedimental

Contenido

Actitudinal
- Noción de los movimientos de sol, de la luna y de la tierra.
- El día, el año, el siglo. - Relaciones con el tiempo meteorológico.

- Evocación y conservación acerca de las ideas previas que tienen
del sol, la luna y la tierra.
- Aplicación de procedimientos para la construcción de modelos
que

representen:

*Movimiento

de

la

Tierra

sobre

su

eje.

*Movimiento de la Luna alrededor de la Tierra. *Movimiento de la
Tierra alrededor del Sol. *Movimiento de los satélites creados por
el hombre alrededor de la Tierra. *Interpretación de los modelos con
relación a la concurrencia del día, del año y del siglo.
- Aplicación de procesos secuenciales para la construcción de
relojes de sol y observación de las sombras a lo largo del día.
- Establecimiento de relaciones entre estos movimientos de la Tierra y
los cambios del tiempo meteorológico.
- Respeto por la evidencia científica.
- Respeto por las ideas de los demás.
- Valoración de la importancia de los modelos representativos para la
comprensión de la ciencia.
- Curiosidad por los fenómenos del espacio sideral
- Reconocimiento de la importancia de la celebración: del Día de la
Tierra y del pensamiento global de los habitantes del planeta.
Lengua Bloque:
EL INTERCAMBIO ORAL

Contenido

Conceptual

Contenido

Procedimental

Contenido

Actitudinal
Articulación de los sonidos, la entonación, la acentuación, el tono
de voz. - Adecuación del tono de voz a diversas situaciones
comunicativas. - Identificación de los cambios que se dan en
expresiones

orales

con

entonación

afirmativa,

interrogativa,

imperativa, desiderativa, exclamativa.
Dichos medios de comunicación ejercen una poderosa
influencia en la sociedad; son los llamados medios de difusión
masiva. Los más importantes son, sin duda, la prensa, la radio y la
televisión.
YouTube
YouTube
Es un portal del Internet que permite a sus usuarios subir y
visualizar videos. Fue creado en febrero de 2005 por Chad Hurley,
Steve Chen y Jawed Karim, quienes se conocieron trabajando
en PayPal. Un año más tarde, YouTube fue adquirido por Google en
1.650 millones de dólares.

Esta plataforma cuenta con un

reproductor online basado en Flash, el formato desarrollado por
Adobe Systems.
Una de sus principales innovaciones fue la facilidad para
visualizar videos en streaming, es decir, sin necesidad de
descargar el archivo a la computadora. Los usuarios, por lo tanto,
pueden seleccionar qué video quieren ver y reproducirlo al
instante. La idea original consistía en compartir videos personales
(de vacaciones, fiestas, etc.) con amigos. YouTube, sin embargo,
creció de manera muy rápida y pronto comenzaron a publicarse

fragmentos de películas, programas de televisión y videos
musicales (videoclips).
Muchas empresas incluso decidieron subir comerciales y
difundirlos a través del portal. Otro paso para la popularidad de
YouTube fue la posibilidad de incluir los videos en otras páginas
web y blogs con sólo copiar un código HTML. De este modo, los
videos trascendieron al propio portal y llegaron a todo tipo
de sitios. Tal es el avance y crecimiento que ha experimentado
Youtube que, a día de hoy, es una de las plataformas mundiales
que ha pasado a ser la herramienta incluso publicitaria de muchos
artistas. Prueba de ello es que una gran cantidad de compositores
y cantantes optan por crear sus propios canales en aquella para
así dar a conocer sus videoclips y toda aquella información que
pueda serles de interés a sus fans o la prensa. Pero no sólo eso.
Youtube se ha convertido además en el escaparate perfecto
para quienes sueñan con ser cantantes y con lanzar al mercado
sus propios discos. Buena muestra de ello es el artista español
Pablo Alborán que, a raíz de la publicación de una de sus
canciones,

logró

ser

un

auténtico

fenómeno

de

masas

y

actualmente triunfa en el panorama internacional vendiendo miles
de álbumes.
Y algo similar fue lo que sucedió con el actual ídolo de
millones de adolescentes en todo el mundo: Justin Bieber. Este era
un adolescente al que le gustaba componer y cantar y que no
dudaba en colgarse en Youtube mostrando su arte.
Así fue como lo descubrió un productor que le dio su
primera oportunidad en el mercado discográfico. Todo ello sin
olvidar tampoco que incluso líderes políticos mundiales han
utilizado este espacio de la Red para lanzar sus mensajes. Este ha
sido el caso, por ejemplo, de Tony Blair, el que fuera Primer

Ministro británico, quien colgó un vídeo en aquel para felicitar a
Nicolás Sarkozy por haber triunfado en las elecciones de Francia.
Uno de los principales problemas de YouTube son los videos
que violan los derechos de propiedad intelectual. Google (actual
propietario de la plataforma) intenta bloquear y Cuando pinches en
dicho botón, te aparecerá la siguiente ventana ya que no
tendremos configurado nuestro canal: Si quieres que tu canal
tenga un nombre de empresa o un nombre distinto al tuyo propio,
pincha en la opción que sale abajo del todo.
Te llevará a una nueva página donde podrás escribir el
nombre deseado. Una vez lo tengas simplemente pincha en
Aceptar y ya tendrás tu nuevo canal de
Youtube.
Paso 3: Sube tu primer video
Ahora ya sí que sí, podemos subir nuestro primer vídeo a la
plataforma de Youtube. Pincha en el botón “Subir” de la esquina
superior derecha que vimos antes y te aparecerá la siguiente
página: Simplemente pincha encima del recuadro donde está la
flecha

gris

o

arrastra

tu

archivo

de

vídeo

encima.

Automáticamente se comenzará a subir el vídeo mientras se te
muestra una pequeña pantalla de configuración básica. Vamos a
verlo más en detalle.
Paso 4: Configuración básica del vídeo
Mientras el vídeo se sube y se procesa deberás rellenas los
siguientes campos:
Título: Escribe un título llamativo pero conciso, que describa de
una forma muy resumida de qué va el vídeo.

Descripción: Escribe una descripción de tu video, siéntete libre de
poner lo que desees. Cuanto más largo sea el texto mejor ya que
eso ayudará a que te encuentre más cantidad de gente. Utiliza
sinónimos para no repetir siempre las mismas keywords.
Etiquetas: Escribe las palabras clave que mejor describen tu
vídeo. Por supuesto, si quieres que el vídeo lo vea todo el mundo,
deja la opción de privacidad en
“Público”.
Esta es la configuración básica que deberías implementar en
todos y cada uno de los vídeos que subas.
Paso 5: Elegir miniatura
Cuando el vídeo se haya subido completamente podremos escoger
la miniatura que más nos guste o que más represente el
contenido. Aparecerá debajo de las opciones básicas.
EDITAR VIDEOS
Algunas páginas son las siguientes, además de gratuitas de fácil
manejo.
Editor Online de YouTube
La primera de ellas es parte del servicio de streaming de videos de
Google: cuando subimos un video a YouTube, puede que ya lo
tengamos preparado. Pero también tenemos la opción de retocarlo
usando un editor nativo que nos brinda muchas posibilidades.
Además, está completamente basado en la web, por lo que no
necesitaremos instalar nada.
Es verdad que el editor tiene funcionalidades muy básicas,
casi para sacarnos del paso, pero tiene una interfaz rápida e
intuitiva y nos permitirá realizar tareas simples muy rápidamente.
Nos permite combinar diferentes videos que hayamos subido a

nuestra cuenta

para crear un archivo más extenso, editar el

tamaño del video a algo más “apto” para YouTube, agregar música.
_ De una librería de canciones permitida por YouTube-, y editar con
funcionalidades básicas como zócalos de texto, brillo, contraste,
transiciones de fundido, y más.
Pixorial: En lo que se refiere a editores en la nube, Pixorial es uno
de los mejores. Nos ofrece un almacenamiento de hasta 1GB
online,

que

nos

permite

crear

proyectos

colaborativos

de

diferentes videos. Esto nos ahorra el trabajo de tener que instalar
software.
– Usualmente

bastante pesado- en nuestro propio ordenador,

dándonos más herramientas para trabajar que el editor online de
YouTube. Además, para sumar más almacenamiento podemos
sincronizarlo con Google Drive para sumar otros 5GB.
Profesionales en el campo de la edición de vídeo han
valorado este software como un editor de vídeo para los
aficionados y los profesionales. Esto es debido a su facilidad de
uso, y las herramientas únicas que ofrece para la edición de vídeo.
Junto con esto, también es compatible con una amplia carga de
formatos de video incluyendo HD que se pueden importar yeditar
con facilidad. Otro de las ventajas del Sony Vegas es su interfaz
que es generalmente atractivo para los usuarios. Sony Vegas
también tiene un montón de efectos de audio y vídeo que lo hacen
una gran opción en referencia a iluminar videoclips. Más allá de las
opciones básicas, Sony Vegas está bien documentado, con lo que
su uso y aplicación ampliamente aceptable y fácil de usar.
Final Cut Pro-X

Este software de edición de vídeo único está diseñado y
optimizado para los nuevos ordenadores Mac Pro específicamente.
Su singularidad está en la capacidad de trabajar con-múltiples
flujos.
También

permite

al

usuario

editar

y

reproducir

las

resoluciones y más efectos gráficos incluyendo brillo de vídeo en
tiempo real sin necesidad de procesamiento, cortesía de la función
de conexión a la línea de tiempo y el clip magnético en la
aplicación.

Utilizando

sus

herramientas

de

edición

de

revolucionarios, Final CutProtambién ofrece potentes maneras de
organizar los medios de comunicación en el increíble rendimiento
de 64 bits. La tecnología de la computación en los Final Cut Pro lo
diferencia como software para editores de vídeo profesionales que
utilizan los ordenadores Mac. La única desventaja de esta
aplicación es que es limitada a los ordenadores Mac. Corel Video
Studio Pro. Este es un programa de edición de vídeo diseñado por
Corel. Viene con herramientas de recolección, edición de vídeo de
vanguardia completa que ayuda a los usuarios a reproducir vídeos
de calidad. Corel Video Studio Pro se ha consolidado en los círculos
de edición de vídeo como una aplicación estable y totalmente
empaquetado de elección.
Los profesionales han valorado este recurso por gama alta
software de edición de vídeo que está muy por encima del resto.
Lo siguiente ha sido citado como sus puntos fuertes en la edición
de vídeo más en brillo videoclips.
-Está añadiendo transiciones y efectos que son tan simple como
arrastrar y soltar.

-Su capacidad para establecer el seguimiento del movimiento y
definir caminos para objetos superpuestos, ya que viene preempaquetado con los patrones de valores y caminos.
- Tiene Potente velocidad y la estabilidad de 64 bits.
- Viene con el nuevo modo fácil de edición de Flick rápido4 y
espacios de trabajo más simple.
Virtual Dub
Esta captura y procesos de software de edición de vídeo de
utilidad tanto para la plataforma Windows de 32 y 64 bits. Se ha
licenciado bajo la GNU (General PublicLicense), por lo que es un
software de edición de código abierto. Esto en esencia significa
que los ordenadores y la tecnología experto que accede a este
software puede ser capaz de emplear grandes avances en él para
satisfacer sus funcionalidades. En general, se orienta hacia el
procesamiento

de

archivos

AVI,

aunque

sus

opciones

de

abrillantadores de vídeo pueden mejorarse dependiendo de la
funcionalidad del usuario. La investigación en los campos de
software califica esta aplicación como una herramienta general de
edición de vídeo propósito que se utiliza a menudo por los
principiantes en los círculos de edición.
Aimersoft Video Editor
Este es mejor conocido como un software de edición de video en
general. Esto es debido a que permite a los usuarios crear
fácilmente películas de cualquier formato de vídeo. Permite a los
usuarios

cortar

fácilmente,

unir

y

diviir

sin

mayores

complicaciones. Aimersoft Video Editor soporta fácilmente todos
los comunes formatos de vídeo, por ejemplo mp4, avi, mov, mpg,
asf, vob, wmv y 3gp. Otras características notables de esta
aplicación de edición de vídeo son:

- Se establece el corte de clips manualmente a la facilidad del
usuario.
- Se une fácilmente diversos formatos de clips de vídeo en un solo
archivo para facilitar la manipulación y edición.
- Presenta una alta velocidad tanto en la salida y la velocidad de
corte.
- Tiene potente juego y la función de vista previa en la interfaz
principal.

En la identificación de software de edición de vídeo para su
uso, es imprescindible tener en cuenta las funcionalidades básicas
de la computadora de uno antes de comprar y, o utilizando la
aplicación. Todos los expertos en informática y tecnología de
acuerdo en este hecho.
PENSADORES FILOSÓFICOS
Martin Heidegger
(Messkirch, Alemania, 1889
-Todtnauhaberg, actual Alemania, 1976)
Filósofo

alemán.

Discípulo

de

Husserl,

su

indiscutible

preeminencia dentro de la filosofía continental se ha visto
marcada siempre por la polémica, sobre todo la de su adhesión al
régimen

nacionalsocialista,

manifestada

en

el

discurso

que

pronunció en la toma de posesión de la cátedra en la Universidad
de Friburgo (1933).
La renuncia a la cátedra, muy poco después de ocuparla, no
evitó que en 1945 fuera destituido como docente en Friburgo, tras
la ocupación de Alemania por los aliados. Heidegger reflexiona a

partir del concepto de la mirada del artista, es decir, acerca de esa
peculiar visión de los objetos que el “creador” o “imitador de la
naturaleza” lanza sobre las cosas con el fin de dignificarlas y
extraer de ellas todo su valor como formas.
El objeto de experiencia estética sólo llega a ser tal cuando
el artista que lo plasma o el observador que lo contempla lo hace
de un modo especial, considerándolo como algo más interesante
de lo que pudiera parecer a simple vista. De este modo un objeto
que en principio podía presumirse como carente de cualquier valor
estético, como es el caso de un par de botas viejas, una vez es
escrutado por la mirada de un artista como Van Gogh adquiere el
valor de objeto digno de despertar una experiencia estética en
aquel observador que se acerca a la obra con una postura
receptiva.
Heidegger propone la dignificación del objeto que lleva a
cabo el artista a partir de verter sobre él su mirada estética; una
mirada que combinada con la técnica empleada por el pintor, el
escultor, el fotógrafo, el cineasta o el poeta llega a devenir una
obra de arte.
Hans-Georg Gadamer
(Marburgo, Alemania, 1900 - Heidelberg, 2002)
Filósofo alemán. Se licenció con una tesis doctoral en filosofía que
dirigió Martin Heidegger en Friburgo (1922). Enseñó estética y
ética en su ciudad natal (1933), en Kiel (1934-1935) y de nuevo en
Marburgo, donde fue nombrado profesor extraordinario (1937).
Dos años más tarde consiguió una cátedra en la Universidad de
Leipzig, para trasladarse luego a las universidades de Frankfurt
del Main (1947-1949) y Heidelberg (1949). Llegó a ser profesor

emérito en 1968. Su obra más importante, Verdad y método.
Elementos

de

una

hermenéutica

filosófica

(1960),

fijó

los

presupuestos y objetivos de la corriente hermenéutica, según la
cual no existe el mundo, sino diversas acepciones históricas de
mundo. A pesar del relativismo que conlleva esta concepción,
Gadamer remite siempre en sus escritos a una convergencia
última en la que es posible la comunicación y la expresión de un
sentido.
Verdad y método
Es, al mismo tiempo, la exposición más sistemática de la
filosofía hermenéutica y el trabajo más significativo de Gadamer;
en este ensayo se muestra su adhesión a la hermenéutica del ser
de Heidegger y a la filosofía de Dilthey en su análisis del problema
de la verdad.
La historia de la verdad que Gadamer reconstruye está
marcada, a partir de Descartes, por el concepto de "adaequatio":
la noción de verdad se explica, en realidad, como método para
alcanzar

la

correspondencia

"adecuada"

entre

hechos

y

proposiciones.
La tarea de Gadamer consiste, en neta contraposición con
dicha postura, en un intento de descripción de las posibilidades
reales de la experiencia humana de la verdad.
Los principios hermenéuticos que el autor elabora no se
limitan al estricto ámbito filosófico, sino que son susceptibles de
aplicación a disciplinas tan diversas como la sociología o la crítica
literaria. La búsqueda de la verdad exige una redefinición de la
hermenéutica (interpretación de los textos), entendiendo por tal
no una mera técnica de comprensión, aunque ésta sea cabal, sino

una reflexión fundamental sobre las condiciones en que se llega a
toda comprensión en general.
En este ámbito adquieren particular relieve los problemas que se
desarrollan en torno a la experiencia estética. Según Gadamer, en tal
tipo de experiencia se deja entrever una circunstancia de la verdad en la
cual

el

propio

sujeto

de

la

experiencia

resulta

modificado.

La

contraposición a las teorías filosóficas en las que la noción de verdad se
identifica con el saber de las ciencias positivas se acompaña, pues, de
una reivindicación de la aportación de verdad de aquellas experiencias
del sujeto en contacto con la obra de arte, con la historia o con el
diálogo personal.
Para Gadamer, en la idea casi intuitiva según la cual en la
experiencia del arte nos enfrentamos a algo que parece hablarnos de un
modo inmediato, como si no hubiera ninguna distancia que salvar entre
nosotros que comprendemos y la obra, como si se creara allí una
simultaneidad que no se ve en modo
alguno perturbada por el “aumento” de la conciencia histórica, es decir,
por la conciencia de la distancia cada vez mayor que nos separa de la
obra. A primera vista, entonces, parece no ser necesaria una especial
hermenéutica de la obra de arte. Sin embargo, esta idea no debe
inducirnos a creer que la obra de arte no plantee efectivamente una
tarea de comprensión, y que, por lo tanto, no haya que “encontrar” su
origen histórico. Este origen histórico es lo que funda la necesidad y
legitima la función de una hermenéutica histórica. “La realidad de la
obra de arte y su fuerza declarativa no se dejan limitar al horizonte
histórico originario en el cual el creador de la obra y el espectador eran
efectivamente simultáneos. Antes bien, parece que forma parte de la
experiencia artística el que la obra de arte siempre tenga su propio
presente, que sólo hasta cierto punto mantenga en sí su origen histórico

y, especialmente, que sea expresión de una verdad que en modo alguno
coincide con lo que el autor espiritual de la obra propiamente se había
figurado”
(Gadamer, 1998: 55).
Karl Marx
(Tréveris, Prusia occidental, 1818 - Londres, 1883) Pensador
socialista y activista revolucionario de origen alemán. Raramente
la

obra

de

un

consecuencias

filósofo

históricas

ha

tenido

como

la

tan
de

vastas

Karl

y

Marx:

tangibles
desde

la

Revolución rusa de 1917, y hasta la caída del muro de Berlín en
1989, la mitad de la humanidad vivió bajo regímenes políticos que
se declararon herederos de su pensamiento.
Contra lo que pudiera parecer, el fracaso y derrumbamiento del
bloque comunista no habla en contra de Marx, sino contra ciertas
interpretaciones de su obra y contra la praxis revolucionaria de
líderes que el filósofo no llegó a conocer, y de los que en cierto
modo se desligó proféticamente al afirmar que él no era marxista.
Los

temas

del arte en relación con

la

ideología y a la

superestructura, de la literatura como reflejo y descripción de las
relaciones sociales o como escapismo y sublimación imaginaria,
junto a la predilección por el realismo social como contenido para
una literatura y un arte socialistas y revolucionarios, están ya en
Marx perfectamente perfilados.
Es el Marx poeta y clasicista el que se encuentra a la base
del Marx teórico de la economía política. La antinomia entre el
hecho del arte y las condiciones favorables o desfavorables para
su florecimiento, en el sentido del surgimiento artístico en medios
desfavorables, se resolverá en su proposición no parcial, elitista o

puntual, sino en la exigencia de generalizar los bienes humanos (y
no cabe duda de que el Arte es uno de ellos) a toda la humanidad
en su totalidad. La reflexión sobre las condiciones de posibilidad
del comunismo coincide, punto por punto, con la reflexión sobre
las condiciones de posibilidad del desarrollo y expresión de la
creatividad de los seres humanos en su totalidad; ya que sin una
base material que garantice la vida de los individuos los goces de
la producción y la recepción artística permanecen arruinados o
imposibilitados para la mayor parte de los hombres.
Marx fue un pensador ilustrado que asumió la creencia en la
linealidad progresiva del tiempo histórico y que se opuso a la
corriente romántica en aquellos lugares en los que las ideologías
centraron las batallas intelectuales del siglo XIX. Ese es el motivo
de que el Arte supusiese una aporía para su quehacer teórico y
fuese tratado con ambigüedad, pero también lo que marcaría la
dirección de la estética marxista hacia el realismo social y su
crítica de la cultura y del arte escapista, de evasión y sublimación,
cuando

no

meramente

reflejo

del

capitalismo

triunfante,

complacencia o lavado de cara de la sociedad dominante y peor
aún, militante acto de moldeamiento de la conciencia, producción
de la subjetividad y dominio ideológico.

Anexos