Universidad de Los Andes

Facultad de Humanidades y Educación
Escuela de Educación
Asignatura: Educación Estética

Trabajo de comprensión singular, Arte
prehistórico y prehispánico.

Apellido, Nombre:
Rivas Erazo, Mileidy Alexandra
Prof. Asesor:
Betty Osorio

Junio, 2016

FORMACIÓN ESTÉTICA AUDIOVISUAL
La palabra audiovisual es un adjetivo que hace referencia conjuntamente al oído y a la
vista. El contenido audiovisual, por lo tanto, emplea ambos sentidos a la vez. Por otro lado,
el término también puede emplearse como sustantivo.
La utilización más frecuente del concepto está vinculada al formato de
difusión de contenidos que se vale de imágenes ópticas acompañadas por grabaciones
acústicas. Un material audiovisual es visto y oído por el espectador.
Las enciclopedias digitales fueron uno
de los primeros esfuerzos del ser
humano por acercar la tecnología
multimedial a los recursos educativos,
ya que rompieron con las limitaciones
propias de un libro, incluyendo texto,
audio y vídeo en un mismo paquete.
Esta peculiar combinación enriqueció
la experiencia del usuario de una forma
que no tenía precedentes.
Con el tiempo, distintos factores
colaboraron con una nueva división del
contenido, aunque sin perder el formato
digital: hoy en día, si bien la popularidad de las enciclopedias digitales ha decaído
considerablemente, Internet ofrece un sinfín de material de consulta que aprovecha las
ventajas de la tecnología. Se podría decir que, tras un intento de aunar los distintos tipos de
contenido, se ha retornado a la organización original de texto por un lado y grabaciones
audiovisuales por otro, solo que esta vez ha aumentado considerablemente su accesibilidad
gracias a la digitalización.
Una de las ventajas del contenido audiovisual por sobre el textual, en cuanto al material
educativo, es que acerca al estudiante a ciertos conceptos que resultan muy difíciles de
imaginar sin ninguna referencia gráfica; lejos de atrofiar su capacidad de pensar por sí
mismo, le brinda una perspectiva más amplia, a partir de la cual es posible tomar
innumerables caminos diferentes.
Algunas materias, como las matemáticas y la literatura, no se benefician necesariamente de
esta clase de contenidos; sin embargo, las ciencias naturales, la historia y la música, entre
otras, pueden valerse de vídeos para plasmar la información de una manera más impactante,
evitando las interferencias que pueden ocasionar las malas interpretaciones, y despertando
la vocación de más de un estudiante al ver por primera vez a una ballena azul nadando libre
en el océano, o a una orquesta filarmónica ejecutando una joya de la música romántica.
El arte audiovisual surge con el desarrollo del cine sonoro, a finales de la década de 1920.
Hasta entonces, la proyección de películas y sonido no iban de la mano, ya que los filmes
eran mudos (no contenían grabaciones que pudieran escucharse). Cabe mencionar, por otro

lado, que en ocasiones había una banda en vivo que aportaba música a las películas. A
partir del cine sonoro, los expertos comenzaron a referirse a las técnicas de difusión
simultáneas como audiovisuales.
Muchas personas consideran los videojuegos como una forma de arte audiovisual, ya que
algunos de ellos combinan creaciones gráficas de los más variados estilos con una narrativa
rica y profunda, música orquestada y escenas propias del ámbito cinematográfico.
En la actualidad, se entiende como lenguaje audiovisual a aquel que se transmite mediante
los sentidos del oído y de la vista. La televisión, Internet y el cine son ejemplos de
manifestaciones audiovisuales. La integración del sonido y la imagen se conoce
como montaje.
Cabe destacar que el lenguaje audiovisual excede al sonido y la imagen ya que se plasma en
distintos soportes físicos, como un DVD o una cinta, que permiten consolidar el material de
manera simultánea.
La comunicación audiovisual, por su parte, es el intercambio de mensajes que utilizan
el lenguaje que combina información sonora y visual.
Al recibir de manera simultánea el audio y la imagen, se crea una nueva realidad sensorial
que implica la puesta en
marcha
de distintos mecanismos,
como
la complementariedad (ambos aportan cosas distintas), el refuerzo (se potencian los
significados) y la armonía (a cada sonido le corresponde una imagen).

ARTE EN EL TIEMPO PREHISTORICO
El tiempo prehispánico se puede considerar como periodo de tiempo previo a la Historia,
transcurrido desde el inicio de la evolución humana hasta la aparición de los primeros
testimonios escritos, a través de estos testimonios se puede conocer con certeza
acontecimientos, hechos y creencias de aquellas personas que vivieron antes de nuestra era.
La prehistoria se divide en tres etapas como lo son:
El más antiguo de estos tres periodos es el Paleolítico, cuyo comienzo se remonta a hace
unos 2.500.000 años. En esta etapa el ser humano utilizaba herramientas elaboradas a base
de piedra tallada, huesos y palos. Durante esta época el hombre fue cazador, pescador y
recolector, por lo que llevaba una vida llamada nómada y solía colocar sus campamentos
en las orillas de los ríos donde se aseguraba el agua y la comida por un tiempo. En esta
época se comenzó a utilizar el fuego (hace 1.500.000 años aproximadamente) y se tenían
creencias religiosas de carácter mágico y se realizaban ceremonias funerarias.
El segundo periodo es el Neolítico que marca el gran el descubrimiento de la agricultura El
comienzo de esta etapa de la evolución humana es difícil de concretar ya que cada grupo
humano descubrió la agricultura en un momento distinto. Como fecha aproximada se ha
dado como referencia hace 5.000 años. Durante el Neolítico, el ser humano descubrió la
ganadería y la agricultura, siguiendo a su vez la práctica de caza y recolección, lo que

ayudo a la construcción de las primeras poblaciones. El hombre en esta época utilizaba
herramientas más perfectas realizadas con huesos y piedras pulidas, comenzando a su vez el
arte del tejido y la cerámica.
El último periodo de la Prehistoria es la llamada, genéricamente, Edad de los Metales, ya
que en él, los seres humanos descubrirán y utilizarán los metales. A su vez este periodo se
divide en tres etapas que reciben el nombre de los metales que el hombre fue utilizando
progresivamente. La más antigua es la Edad del Cobre, primer metal trabajado,
posteriormente vino la Edad del Bronce y por último la Edad del Hierro. Al igual que en el
Neolítico, los metales no fueron descubiertos a la vez por todos los pueblos, por eso
aquellos pueblos que utilizaron el cobre se impusieron a los que sólo utilizaban la piedra,
aquellos fueron sometidos por los que usaron el bronce y por último el hierro se mostró
durante mucho tiempo como el metal más fuerte. En esta etapa se desarrollan las primeras
civilizaciones que acabarían por inventar la escritura, entrando en la Historia.
Las manifestaciones artísticas
Tienen su máxima representación en los llamados artes rupestre, mobiliario y megalítico.
El primero de ellos, el arte rupestre, son los rastros de actividad humana o imágenes que
han sido grabadas o pintadas sobre superficies rocosas.
En su paso por el mundo, el hombre ha dejado plasmadas en cuevas, piedras y paredes
rocosas, innumerables representaciones de animales, plantas u objetos; escenas de la vida
cotidiana, signos y figuraciones geométricas, etc., obras consideradas entre las más antiguas
manifestaciones de su destreza y pensamiento. Antes del desarrollo de la escritura, las
sociedades humanas posiblemente registraban, mediante la pintura y el grabado en piedras,
una gran parte de sus vivencias, pensamientos y creencias.
En la primera, la cantábrica, las escenas representadas muestran únicamente animales con
un alto nivel de realismo y la utilización de policromías. En la zona levantina, las pinturas
son más estilizadas y representan escenas de caza en las que aparecen figuras humanas. En
esta última zona las pinturas son monocromas.
La pintura rupestre, se caracteriza por utilizar en su preparación sustancias minerales
(óxidos de hierro, manganeso, cinabrio, carbón, arcillas), animales (sangre, huevos, grasas)
o vegetales (grasas, colorantes). Diversas mezclas se llevaron a cabo para obtener
pigmentos que van desde el negro hasta el blanco, pasando por una amplia gama de rojos
ocre, naranjas y amarillos.

Estos pigmentos se aplicaron con los dedos (pintura dactilar) o con algún instrumento a
manera de pincel. En muchos sitios rupestres es posible reconocer la impronta de los dedos
o de la mano completa, lo que sugiere una aplicación directa del pigmento; pero también se
advierten trazos muy finos o, por el contrario, áreas muy grandes, que debieron ser
realizadas con algún instrumento (pinceles o hisopos). También existe un tipo especial de
pintura que se denomina negativa y que se realizó soplando desde la boca el pigmento

pulverizado sobre un objeto (por ejemplo, la mano), dando como resultado una imagen de
su contorno.
Manifestaciones a nivel mundial
El arte rupestre es una manifestación cultural común a toda la humanidad, y es posible
encontrarlo en prácticamente toda la faz del planeta.
EUROPA: El descubrimiento de la cueva de Altamira, a finales del siglo XIX, y más tarde
las de El Castillo, Maltravieso, La Mouthe, Niaux, Font de Gaume, Lascaux, Chauvet,
Cosquer y muchas otras más en España y Francia, han puesto en evidencia la existencia de
una importante tradición de arte rupestre de más de 25.000 años de antigüedad. Con más de
300 cuevas registradas, el arte parietal paleolítico europeo de la región franco-cantábrica se
caracteriza por encontrarse en profundas grutas, y por representar, entre otras formas,
animales ya extintos, o migrados a otras regiones, como mamuts, bisontes, renos,
pingüinos, leones y rinocerontes.

Pintura rupestre de un bisonte en la cueva de Altamira (Santander, España).
Al oriente de la península Ibérica se encuentra un importante conjunto pictográfico
denominado “arte levantino” cuya antigüedad se puede remontar al 8.000 a.C. y que a
diferencia del arte parietal paleolítico, suele encontrarse al aire libre en abrigos de poca
profundidad y representando vívidas escenas de la cotidianidad humana de esos tiempos. Se
pueden identificar, de una manera muy esquemática, escenas de caza, trabajo agrícola,
domesticación de animales, combates y danzas.
El fiordo de Alta en Noruega, cerca al Círculo Polar Ártico, conserva evidencias de
asentamientos humanos desde el año 4.200 a.C. hasta el 500 a.C. Cientos de pinturas y
grabados han dado claves para el conocimiento del medio ambiente y las actividades
humanas de esta remota región en tiempos milenarios.

Alta, Noruega. Posible representación de una escena de pesca. Alta Museum
Valcamonica, en la planicie lombarda de los alpes Italianos, contiene una de las más
grandes colecciones de petroglifos de los albores de la historia descubiertos hasta ahora,
más de 140.000 signos y figuras, grabadas durante un período de 8.000 años (desde el
Neolítico hasta tiempos de la ocupación romana), representan motivos relacionados con la
agricultura, navegación, guerra, ritos, etc.

Valcamonica, Italia. Petroglifo
en el Parque Nacional Naquane (Capo di Ponte).
Orme dell’uomo
En el valle de Çoa, en Portugal, se encuentra una importante concentración de rocas
grabadas con fauna (caballos, cérvidos y bovinos) atribuida al paleolítico superior (22.000
a.C.-10.000 a.C.), único en el mundo, este arte rupestre fue rescatado de hundirse bajo las
aguas de una represa en construcción.

Foz Çoa, Portugal.
Representación de bóvido.
Álvaro Almeida, Duarte Belo.
AFRICA: El Tassili n’Ajjer es un singular paraje en el desierto del Sahara, al norte de
África, en donde se encuentran más de 15.000 pinturas y grabados que registran, en sus
representaciones de animales y diversas escenas, los cambios climáticos, la migración de la
fauna y la evolución de vida humana en esta región desde el año 6.000 a.C. hasta los
primeros siglos de nuestra era.

Tassili (Libia).
Transcripción de una pintura que representa a un grupo de arqueros.

El Drakensberg Park en Suráfrica posee la más grande concentración de pinturas
rupestres en el sur de África. Localizadas en cuevas y abrigos rocosos, estas
pinturas son atribuidas a los grupos nativos San, quienes posiblemente las
realizaron durante un período de 4.000 años. En estos páneles pictóricos se
pueden identificar animales y seres humanos en escenas que representan la vida
cotidiana y espiritual de esta cultura

Drakensberg (Suráfrica).
Detalle de una escena de caza de antílope.
OCEANÍA: El Parque nacional Kakadu en Australia es una excepcional reserva
arqueológica y etnológica localizada en el Territorio del Norte en Australia. Ha sido
habitado continuamente desde hace 40.000 años. Las pinturas, grabados y sitios
arqueológicos muestran la destreza y forma de vida de los habitantes de la región, desde los
cazadores-recolectores de tiempos prehistóricos hasta los aborígenes que en la actualidad
viven allí, los cuales, y como parte de una tradición muy antigua, aún siguen elaborando
arte rupestre.

Rio Victoria (Territorio del Norte, Australia).
Pictografía denominada “Los hermanos iluminados”.
La Isla de Pascua (Chile) es el asiento de la cultura Rapa Nui. Esta isla polinésica situada
en medio del océano Pacífico, posee un importante conjunto de vestigios arqueológicos
entre los que se destacan las grandes esculturas conocidas como Moai y más de 1.000 sitios
con pinturas y petroglifos. Entre los motivos más característicos se encuentra la
representación del hombre-pájaro, mito de gran trascendencia para esta cultura.

ASIA: En la región de Huashan en el sureste de China, se halla el más grande mural con
pinturas rupestres en el mundo (200 m x 40 m). Contiene más de 1.800 figuras, que tienen
desde 30 cm hasta 3 m de altura y representan probablemente a guerreros con espadas,
perros y aves. Estas manifestaciones datan de más de 2.000 años.

Huashan (Sureste de China). Detalle del mas grande panel
con pictografias en el mundo. Parece representar un guerrero.
En la región de Bhimbetka, en la India, se encuentra uno de los más grandes conjuntos de
arte rupestre del continente. Elaborados con pinturas en colores rojo, blanco y verde, que
representan la figura humana, animales y escenas de cacería.
AMÉRICA: La cueva de las manos, en el Río Pinturas (Argentina), posee un excepcional
conjunto de arte rupestre, ejecutado entre el 10.000 a.C. y el 700 d.C. Este sitio toma su
nombre de la gran profusión de impresiones negativas y positivas de manos que posee,
aunque también hay representaciones de animales, como el guanaco, especie de llama muy
común en la región, y escenas de caza.

Cueva de Las manos (Argentina)
La Sierra de San Francisco en la Baja California (México) fue habitada desde el año 100
a.C hasta el 1.300 d.C por pueblos que dejaron una de las más excepcionales muestras de
pinturas rupestres en el mundo. Notablemente bien conservadas debido al clima seco y a la
difícil accesibilidad al sitio, las pinturas ilustran seres humanos y especies animales
(mamíferos, peces, reptiles y aves), algunas veces en forma monumental, y empleando una
gran variedad de colores y técnicas.

Baja California (México).

Muchos de los numerosos abrigos rocosos de la Sierra de Capivara (Piauí, Brasil)
están decorados con pinturas rupestres que representan ceremonias, ritos, mitos y
escenas de la vida cotidiana. Algunas investigaciones estiman su antigüedad en
más de 12.000 años, lo que representaría un importante testimonio de uno de los
más tempranos vestigios humanos de América del Sur.

Piauí (Brasil). Pictografía policroma.

El segundo es el, arte mobiliario o arte mueble (también llamado arte miniatura o arte
portátil) consiste en figuras y objetos decorativos tallados en hueso, cuernos de animal o
piedra o modelados toscamente en arcilla.
Son todas aquellas obras realizadas por el homo sapiens sapiens que podía llevar consigo al
cambiar de lugar de asentamiento: una figurilla, un bastón de mando, una placa decorativa
en hueso...Para ser considerado artístico esta obras deberán tener un referencia figurativa.
No incluimos, por tanto, en esta categoría los utensilios de piedra tallados por el hombre

desde hace millones de años, siguiendo una técnica de talla u otra, que, aunque son en
ocasiones muy bellos (v.g. bifaz achelense), los consideramos tan sólo instrumentos.

Los restos mobiliarios más antiguos que nos han llegado del ser humano son de época
relativamente reciente, a lo sumo se remontan a los 40.000 años, y se encuentra en Europa
al sur del casquete glacial creado por la glaciación de Würm, que se llegó a extender en
algunos momentos desde el Polo Norte hasta latitudes tan bajas como la zona de la actual
Paris.
Características
Estos objetos son de pequeño tamaño y están tallados en piedra, marfil y hueso, materiales
resistentes al paso del tiempo. No se descarta que el ser humano hubiese realizado sus obras
de arte en materiales más blandos y dúctiles como barro o madera, pero sí lo hizo esas
obras no nos han llegado.
Muchas de las obras se han encontrado en enterramientos junto a otros objetos de adorno,
por lo que además de ser objetos que pretendían tener una función de interacción mágica
con la naturaleza, también podían tener una finalidad ornamental o de ostentación y
prestigio (bastón de mando).

Etapas y obras
Las venus esteatopigias. Son las primeras representaciones plásticas de la humanidad. Las
más antiguas aparecen en el Paleolítico Superior, hace unos 30.000 años, en un periodo
conocido como Auriñaciense. Se tratan de figuras femeninas en piedra, en bulto redondo o

en relieve, con sus atributos sexuales exageradamente marcados. El rostro, sin embargo,
apenas está esbozado en un abandono consciente del realismo. Los prehistoriadores opinan
que se tratan de ídolos de la fecundidad femenina que los grupos humanos creaban para de
esa forma controlar el misterio de la reproducción de su clan. Con ellos querían hacer una
especie de "magia simpática" para asegurar que la naturaleza hiciese su voluntad y, de esta
forma, poder asegurar la continuación generacional de ese grupo humano. Es el precedente
de la representación de una Diosa Madre Tierra de tiempos posteriores.

Se han encontrado unas cien figurillas (de hasta 20 y 30 centímetros) en yacimientos desde
la península ibérica hasta Rusia con una asombrosa unidad estilística.
Las obras más conocidas son las venus de Willendorf (Austria), la de Lespugue,
Brassempouy y Laussel en Francia y Grimaldi en Italia. La de Willendorf, que
posiblemente sea la más antigua, apenas tiene 11,5 centímetros de altura y es la más
paradigmática por sus formas tan voluminosas y porque se aprecia en ella que su autor
aplicó un criterio estético como la unidad de líneas, al concebir la figura en formas
globulares que afectan a todas las partes de su cuerpo e incluso en los rizos del cabello. La
de Laussel es también especial porque está hecha en relieve y porque porta en una de sus
manos un objeto que se ha identificado con un cuerno de bisonte, relacionándolo con el
mito del cuerno de la abundancia.

Los grandes herbívoros cazados por el hombre. Las representaciones de los animales de
caza del hombre son abundantes en la pintura, donde podían cumplir una función mágica,
pero no son tan frecuentes en la escultura. Cuando aparecen aquí son en objetos de hueso y
hasta que tienen una finalidad práctica u ornamental. Los motivos cumplen la ley de
adaptación a la forma del objeto, ya sea una aguja, un arpón, un cuchillo, un bastón
perforado, un propulsor...
Las representaciones más importantes de esta temática las tenemos en el Magdaleniense, el
periodo final del Paleolítico. A diferencia de las "venus" tienen un carácter más realista y
proporcionado. Se conservan miles de estos objetos entre los que vamos a destacar el
propulsor de Bruniquel, por el detallismo del caballo al que se le aprecia crines y cascos y
un deseo de captarlo en movimiento y la naturalidad del bisonte sobre asta de reno que se
lame el lomo de la cueva de La Madeleine, Dordoña.

Por último, el arte megalítico. El desarrollo del Megalitismo en el marco geográfico de la
fachada atlántica europea y en el primer estadio de la Edad de Los metales, concretamente
en el desarrollo de la Edad del Bronce, que va desde el 3000 hasta el 1700 a.C. y que
también se le conoce como Calcolítico.
El Megalitismo puede ser considerado como una primigenia arquitectura. En él se
evidencia la continuación en el culto a los muertos, culto que adquiere con estas
construcciones un marcado carácter monumental. En general son enterramientos colectivos,
es decir, tumbas, las cuales se caracterizan porque están realizadas a partir de grandes
bloque de piedra. Como ya se ha señalado anteriormente la presencia de estas tumbas
extiende por las costas del litoral atlántico europeo, desde Escandinavia hasta el sur de la
Península Ibérica.
Por otro lado hay que señalar que las construcciones
megalíticas presentan variaciones dependiendo de su
localización, aunque podemos circunscribirlas a varias
tipologías generales. En primer lugar encontramos
el Menhir que es la tipología más sencilla. Consiste en una
monolito de piedra fijado en el suelo y cuya función se cree
que era la de fijar el alma de los muertos.

En segundo lugar están los alineamientos con
consisten en una hilera de menhires. El más
importante es el Alineamiento de Carnac, en
Bretaña francesa, aunque también encontramos
otros en Escocia. El alineamiento de Carnac está
formado por 14 hileras de piedras paralelas de un
kilómetro de longitud.

En tercer lugar encontramos el Dolmen. El dolmen
es una tumba construida a partir de dos piedras
verticales de forma poligonal o circular que se
clavan en el suelo y sobre las que descansa otra
piedra horizontal que realiza la función de
techumbre. En la Península Ibérica encontramos
ejemplos en Galicia, con el Dolmen de Dombate, en
el País Vasco, con el Dolmen de Aguilzas, en La

Rioja, donde se encuentra el Dolmen de Laguardia, en Navarra con elDolmen de Sakulo,
Cataluña donde encontramos el de Pedra Gentil o la Extremadura con elDolmen de Tapias.

La arquitectura megalítica, además de precisar de avances tecnológicos, relacionados con la
extracción, el acarreo y colación de las piedra, también exigían recursos humanos que
aunaran esfuerzos. Poco a poco, el aumento de la población y la paulatina división social,
así como la aparición de los metales, fueron propiciando la construcción de dólmenes más
complejos.
Existen varias tipologías de Dolmen como son las galerías dolménicas, que consistían en un
pasillo adintelado, y los llamados Sepulcros de Corredor, en los que esta galería adintelada
desembocaba en una cámara funeraria cubierta por cúpula formada por aproximación de
hiladas de piedras puestas en círculos concéntricos que van reduciendo su altura a la vez
que reducen su diámetro. El resultado es una falsa cúpula que evidencia uno de los mayores
dominios técnicos del momento. Estas galerías dolménicas y sepulcros de corredor se
cubrían con tierra formando así un montículo artificial.
En Andalucía encontramos asombros ejemplos de esta arquitectura. En la provincia de
Huelva, concretamente en la población de Tigreros se encuentra el Dolmen de Soto,
denominado así porque fue descubierto por Armando de Soto en 1922. Podemos datarlo
alrededor del 1700 a.C. dentro del contexto relativo al desarrollo del cobre. Es un dolmen
del tipo Galería Dolménica que va ensanchándose hacia el interior. El pasillo está formado
por grandes bloques de granito procedentes de Paterna del Campo y tiene estructura
adintelada. Su orientación, este-oeste, propicia la entrada de los primeros rayos de sol en el
solsticio.

Dolmen, Andalucía (Dolmen de Soto)
Otra tipología dolménica es el Henge o Cromlech. Realizado igualmente mediante grandes
monolitos pétreos, estas construcciones no poseían un carácter funerario sino ritual. Se
creen que eran templos de culto solar. El más famoso e importante el crómlech de
Stonehenge localizado en Inglaterra, concretamente en Wiltshire. Es considerado un

calendario astronómico ya que presenta una abertura que coincide con el punto exacto en el
que sale Sol cada solsticio de verano. A pesar de todo, aun hoy día seguimos buscando una
explicación a este majestuoso monumento, la cual sigue siendo un misterio.

Finalmente, la arquitectura ciclópea balear. Esta tipología arquitectónica se desarrolla
durante toda la Edad del Bronce en las islas de Mallorca y Menorca. Se la denomina
ciclópea porque está realizada a base de grandes bloques de piedra sin devastar.
Encontramos tres tipologías, los talayots, las taulas y las navetas. En cuanto a los talayots
hay que señalar que son torres vigías que podían aparecer aisladas o bien asociadas a los
asentamientos. Su interior se solía aprovechar como almacén, principalmente de carne
desde donde se distribuía. Por su parte, las taulas consistían en dos piedras, una vertical y
otra horizontal que se colocaba encima de la interior, formando una especia de T. Se cree
que están relacionadas con prácticas de rituales de sacrificio, ya que se han aparecido
alrededor de ellas numerosos restos de animales. Finalmente, las navetas se denominan así
porque se parecen a un barco invertido. Son construcciones de tipo longitudinal en las que
se diferencia una fachada de acceso y un ábside semicircular. Eran usadas como viviendas
y como sepulcros. Las primeras eran denominadas “navetas de habitación” y las segundas
como “navetas de enterramiento”, que eran sepulcros colectivos formados por un pasillo
que desembocaban en una o dos cámaras funerarias adyacentes.

Arte en Venezuela
El arte prehispánico de Venezuela se define como las expresiones materiales desarrolladas
por las culturas anteriores a la llegada de los españoles. Este arte se caracteriza por tener

una función principalmente mítica de ratificación de la sociedad que la origina. Es realizada
por artesanos que tienen la misión de relatar a través de la arquitectura, la cerámica, el
textil, la pintura los grandes mitos que dan origen a su cultura. El Arte de la Venezuela
Prehispánica
*Manifestaciones Culturales Indígenas. Hace unos 15.000 años se inicio el doblamiento del
territorio Venezolano. Al parecer nuestro territorio se convierte en el paso seguro y
obligatorio de de hombres de diversas culturas, procedentes de Centroamérica, del Caribe y
de Suramérica. De todos los grupos humanos, que utilizaron nuestro territorio como vía o
paso para realizar diversas actividades, solo se establecieron tres familias aborígenes: Los
Arawuacos: Ocuparon la región noroccidental y sur del país. Sus tribus más importantes
fueron Los Achaguas, Los Banibas, Los Caberres, entre otros. Los Caribes: Se
establecieron en las zonas montañosas del norte, la región del sur y oeste del Lago de
Maracaibo y parte de Guayana. Se destacan entre otras tribus las siguientes: Los Teques,
Los Caracas, Los Motilones, Los Cumagotos… Los Timoto-cuicas: ocuparon
exclusivamente la región de los Andes Venezolanos. Entre sus tribus más representativas se
mencionan: Mucuchies, Timotos, Mucuñuques y Cuicas.
* Manifestaciones Artísticas de los Indígenas Prehispánicos. Como sabemos nuestro
indígena jamás malversó, ni malversara su ambiente, su medio; al contrario vivió y vive en
constante equilibrio con la naturaleza, tomo de ella lo que necesito y aún tiene esta práctica
como respeto a ese mundo que es el hacedor de sus días.
* La Arquitectura Indígena. En resumen, podemos decir que en lo referente a la
arquitectura indígena no hubo un gran desarrollo de la misma, el grupo étnico que llego a
destacarse en este arte fueron los Timoto-cuicas. Actualmente, nuestros grupos étnicos
construyen diversos tipos de espacios arquitectónicos, como son: palafitos, churuatas,
chozas y bohíos.
* La Escultura y Cerámica Indígena. Si bien es cierto que la escultura y la cerámica
indígena no fueron artes altamente desarrolladas no es menos cierto que ha sido a través de
estas manifestaciones la mejor vía que han utilizado los arqueólogos para medir, comparar
y contrastar culturas. Es en ese trabajo, que algunos catalogan como burdo, otros lo
consideramos como una muy original expresión artística, en donde el indígena prehispánico
y el actual plasman toda la magia inocencia y explicación de ese mundo del cual el es el
dueño.
* La Pintura en el Arte Indígena. La pintura entendida como tal, no fue desarrollada por
nuestros grupos étnicos; sin embargo algunos antropólogos sostienen que estos grupos
realizaron una gran cantidad de pintura rupestre, sobre las paredes de las cuevas, con el
objeto de “proteger a sus muertos” estos hallazgos constituyen una buena muestra de la
necesidad de expresión de nuestras etnias. Además de realizar las pinturas rupestres,
nuestros grupos étnicos desarrollaron con buen acierto la pintura corporal, aspecto que se
mantiene vigente hasta hoy en muchas comunidades indígenas. Dentro del gran
acontecimiento que implica el haber hallado restos de pintura mural o rupestre, se
encuentran los petroglifos y los geoglifos que se toman también como manifestaciones
expresivas de las culturas prehispánicas venezolanas.

* Instrumentos Diversos. Entre los diversos instrumentos elaborados por los grupos étnicos
prehispánicos, podemos mencionar: puntas de flechas, botonas de concha y huesos, sellos o
pintadera de cerámicas, agujas, flautas, botutos, cerbatanas, entre otros objetos.
* Mito, Magia y Religión. El mito, la magia y la religión constituyen la base fundamental
de la creación artística del indígena; ya que este admite el universo y los fenómenos
cósmicos como acontecimientos naturales, que suceden por una razón que no logra
explicarse pero que se dan y que están allí formando parte de su cotidianidad.

ARTE EN EL TIEMPO PREHISPANICO
En América, en la época prehispánica, no existía una sola cultura sino que por el contrario
existieron varias culturas valiosas y bastantes desarrolladas; muchas de estas eran muy
parecidas al neolítico europeo, incluso las más adelantadas se podrían comparar con la edad
de bronce. Los pueblos Prehispánicos o Precolombinos son todos aquellos que habitaban en
el continente antes de la llegada de los colonizadores españoles. Algunas de las culturas
para ese momento aun eran muy primitivas, pero otras estaban bastante desarrolladas y eran
muy civilizadas como era el caso de los Mayas, los Incas y los Aztecas. Estas culturas no
conocían el hierro, pero en cambio eran tan desarrolladas en las artes que pueden ser
comparados con Egipto, Persia, Asiria, Caldea, India; Japón y China.
Área Mesoamericana
El área mesoamericana está conformada por México, Guatemala, Belice, El Salvador,
Honduras y parte de Nicaragua. En todos estos países existían muchas manifestaciones
culturales muy similares, como lo son: pirámides escalonadas, patios cubiertos con estuco,
juego de pelota, sistema numérico vigesimal y meses de veinte días, calendario solar,
cultivo de cacao y maguey con el que se fabrica el papel y escritura jeroglífica usada en
libros.
Los Aztecas
Fue la civilización más importante que existió en América
central. Esta cultura se dio hasta el siglo XII después de
Cristo, y vinieron de una isla llamada Aztlán ubicada al
norte de California. Desde que salieron de allí duraron más
de 200 años hasta llegar definitivamente al valle de México,
para fundar las ciudades de Tenochtitlán, actualmente
conocida como ciudad de México y Tlatelcolco.
Los aztecas se dedicaron principalmente al cultivo de maíz,
a la caza y a la pesca; así como también era común el
comercio entre ellos. Formaron variedad de pueblos
pequeños y grandes. Sus viviendas eran hechas de adobe y
madera y generalmente eran de planta cuadrada y su forma
era cúbica. Su sociedad se dividía en distintas clases: la
aristócrata, los mercaderes, el pueblo, los ciervos y los

esclavos.
Eran guerreros y teocráticos, su diversión principal era el juego de pelota, la música y la
danza. Su religión era principalmente guerrera y exigían sacrificios humanos y creían en
diversos dioses como Tonatiuh el cual era el Dios del Sol; la diosa de la luna que
denominaban Metzli, el Dios del viento el cual denominan Quetzalcóatl al cual
representaban con largas barbas y del cual dicen que fue el que enseño las artes a los
humanos.
Arquitectura
Era principalmente religiosa y se destinaba al culto de divinidades. Se caracterizaba por que
sus ciudades eran alineadas de forma rectangular, en su centro había una plaza y alrededor
de ella ubicaban los principales edificios religiosos. Las viviendas eran de dos tipos, unas
que hacían con caña o ramas y otras donde se usaban la piedra y el adobe unidos por una
mezcla llamada argamasa.
Su arquitectura poseía medidas colosales, y sus formas eran eminentemente geométricas y
muy simples. Los interiores eran espacios oscuros y muy pequeños, las únicas aberturas
existentes eran las puertas y en su exterior se decoraba de manera excesiva con formas
abstractas. Empleaban en los techos las vigas de madera, falsos arcos y pequeñas bóvedas.
La edificación principal en cualquier ciudad azteca era el templo; el cual llevaba el nombre
de Teocalli. Los templos eran levantados en el centro de un gran patio el cual era definido
por edificaciones importantes. El lugar sagrado era una simple cámara de forma
rectangular, y el lado más largo mirando al frente el cual poseía varias puertas separadas
por columnas, poseía una gran escalinata la cual subía por una de las caras hasta la última
terraza. La construcción era decorada por pinturas y esculturas. Algunos de los templos más
importantes son las pirámides de Cholula, la de Teotihuacan, la de Tenochtitlán, la de
Cempoala y el templo Quetzalcoatl.
El templo de Quetzalcoatl es uno de los cuales se conserva más referencia, tenía acceso por
una pequeña puerta la cual abría al este y era representada por la boca de una gran
serpiente. Poseía un techo inclinado con forma cónica el cual era decorado con almenas en
forma de caracol. Detrás del templo se encontraba el lugar dedicado para el juego de pelota,
conformado por un patio rectangular delimitado por unas paredes inclinadas de los que
salían unos anillos de piedra propios del juego.

Panorama de las pirámides Teotihuacan

Templo de las inscripciones

Anillos de juego tradicional de esa época.
Los palacios también fueron importantes para esta cultura y se ubicaban generalmente junto
al Teocalli o templo. Eran construcciones de planta rectangular larga y bastante estrecha, la
cual se ubicaba sobre terrazas en el centro de un patio delimitado por otras edificaciones
importantes. Las puertas de los palacios eran bajas y un poco angostas y no poseían
ventanas. Su fachada mostraba tres divisiones. Los aztecas usaban las columnas
monolíticas y los pilares cuadrados o cilíndricos y muy gruesos, rematados en su parte
superior por un ábaco. La decoración de los palacios eran relieves profundos y muy rudos,
los cuales representaban a animales como monos, caimanes, jaguares y el más resaltante era
una serpiente emplumada, la cual era el símbolo del Dios Quetzalcoatl.
La Escultura
Los aztecas tenían una gran imaginación y sus temas principales eran los Dioses, los
monstruos y los animales. Trabajaban con las leyes de verticalidad y frontalidad; al igual
que con la geometría tratando siempre de reducir las formas al esquema cúbico.

1. La
escultura
y
la
talla
se
dividen
en
cuatro
tendencias:
a primera se puede decir que es casi cubista, ya que existe una gran estilización en
las figuras geométricas.
2. La segunda se caracteriza por tratar de buscar la naturalidad en sus obras pero en
muy raras ocasiones lo consigue.
3. En la tercera logra imitar lo natural casi siempre solo en modelados de cabezas.
4. La cuarta que usa la fantasía creando espectaculares obras.
En muchas de sus estatuas se observa claramente lo cruel de sus ritos; ya que al igual que
todo lo concerniente a esta cultura, los aztecas pagan tributo a la religión. La finalidad
fundamental de la escultura no es la de decoración sino la de cumplir siempre una función.
Algunas de las obras más resaltantes en la escultura es el gran tambor de madera de
Malinalco en el cual se representa la danza de los caballeros del Águila y del jaguar. Otro
elemento importante es la llamada piedra de Tizoc sobre la cual los caciques presentaban
sus juramentos antes de salir a la guerra; también lo representan como el lugar donde se
colocaban los corazones de los sacrificados para los dioses y otras personas lo identifican
como la piedra del sol o el calendario azteca; esta es un enorme disco de unos cuatro metros
de diámetro y en el centro se ve una figura que representa el sol.

Calendario Azteca

La Pintura
Es muy importante debido a que muchos de los relieves estaban policromados. El templo
de Teotihuacan es muy resaltante por sus pinturas y murales así como también lo son las
pinturas encontradas en unos de los palacios de Mitia.
Los colores van a variar según la edificación, por ejemplo, en las paredes exteriores se usan
el rojo, negro y amarillo y en el interior se combinan para adquirir diversos matices.
Los llamados Códices que se conservan aun en la actualidad son manuscritos donde se
encuentran importantes obras de la pintura mexicana precolombina. Estos códices están
hechos de fibra de Maguey o de piel de ciervo y están cubiertos por una pasta hecha con
caliza; se encuentran doblados en forma de acordeón. Se suelen pintar por ambos lados con
colores como el rojo, el negro o brillantes.

Códices
Los Mayas
La cultura maya estuvo conformada por un grupo de pueblos indígenas pertenecientes al
área de Mesoamerica. Su lenguaje era la yucateca y el quiché y habitaban en México,
específicamente en los estados de Veracruz, Yucatán, Campeche Tabasco y Chiapas; en
Guatemala, en Belice, Honduras y el Salvador.

Algunos de los pueblos pertenecientes a esta cultura son:
el Maya, el cual es el más conocido, que se ubicaba en la
península de Yucatán; los Huastecos, ubicados al norte
de Veracruz; los Tzeltales, que ocupaban Tabasco y
Chiapas; los Choles, que se ubicaron en Guatemala; y los
Chortís que se encontraron al este de Guatemala y al
oeste de Honduras. Todos estos pueblos ocupaban
territorios contiguos con la excepción de los Huastecos.
Estos pueblos tenían una sociedad muy dividida, eran
gobernados por una autoridad política llamada el halach
vinic. Este a su vez delegaba autoridad sobre los jefes locales de las diversas comunidades
para que hicieran cumplir las funciones militares, civiles y religiosas.
Arquitectura
Existieron tres estilos arquitectónicos en la cultura Maya: los edificios que consisten de una
sola planta, con friso muy decorado representado el prototipo arquitectónico, como se
muestra en el templo de Chichén-Itzá; otro estilo es el representado en las casa de tortugas
en Chichén-Itzá; el cual se caracterizaba por ser un poco más pequeños que los anteriores y
porque su decoración en el friso es muy sobria; el tercer estilo es el que se encuentra en el
arco de Labná en Yucatán y son construcciones aun más pequeñas que las anteriores.
Las ciudades están conformadas por una serie de estructuras piramidales, las cuales en su
mayoría están coronadas por templos o adornos labrados y se agrupan alrededor de una
plaza abierta. Dichas pirámides se encuentran recubiertas por bloques de piedras pulidas y
generalmente llevan una gran escalinata en una o en varias de sus caras y el centro de esta
pirámide está conformado por tierra y piedra. Las paredes de piedra por lo general se
levantaban sin mortero en sus uniones. La madera era usada en dinteles de puertas y para
las culturas.
Un elemento muy importante fue la falsa bóveda, la cual se hacía por medio de bloques de
piedra y se usaba para cubrir espacios largos o pequeños. Las ventanas eran muy escasas en
sus construcciones y cuando existían se hacían muy pequeñas. Los interiores de las
edificaciones se pintaban con colores muy vivos al igual que los exteriores a los que se les
daban más atención, por medio de decoraciones hechas con esculturas pintadas, con
dinteles tallados, con molduras de estucos y mosaicos de piedras. La decoración se
realizaba con frisos en los cuales se intercalaban franjas de ladrillos lisos.
Las viviendas de los pobladores Mayas eran muy parecidas a las chozas contemporáneas,
ya que se hacían de adobes y el techo era de paja y ramas. Existieron cuatro clases de
centros urbanos, los que se clasifican según su importancia, tomando en cuenta la
preferencia de los ciudadanos como lugar donde vivir, los movimientos migratorios de
estos y su tamaño.

Primera clase se encuentran las ciudades de Tikal, Cópan y Chichón Itzá;
en la segunda clase se encuentran Uxactún, Yaxchilán, Piedras Negras y Palenque;


dentro de la tercera clase se encuentran Seibal, Tayasal, Tzibanché, Tulum, Labná,
Yaxuná;
en la cuarta y última clase se encuentran Tzendales, Lacanhá, Bonampak e Isla de
Jaina. Tikál se puede considerar el centro más grande de la civilización maya del
“Viejo Imperio” y se caracteriza principalmente por los cinco grandes templos o
pirámides que lo conforman; las cuales son las construcciones más altas del templo
Maya.

Templo Maya

Ciudad de Uaxactun

Ciudad de Tikal

Ciudad de Uaxactun

Ciudad de Bonampak
Escultura
La escultura Maya es mucho menos agresiva que la azteca.
Posee características como el equilibrio entre el naturalismo y
el estilismo. Las figuras humanas es uno de sus fuertes,
generalmente era representada con una contextura redonda y
fuerte, gran nariz, pómulos salientes, labios gruesos y el
superior mas saliente que el inferior.
Unas de sus representaciones principales eran los grandes
monolíticos en forma de prisma, los cuales alcanzan hasta seis
metros de altura; que representan figuras humanas en cuyas
cabezas hay plumas, y posee una gran ornamentación en todo
su alrededor. La cerámica posee formas de animales y
humanas. Esta se hace por medio de barro cocido.
Para las tallas usan diversos materiales, como la madera, la
piedra y el barro. Las tallas de madera más resaltantes se encuentran en los dinteles de las
puertas de los templos. Las esculturas aisladas representan de una manera muy resaltante al
Dios de la lluvia, llamado por ellos Chac-Mool, el cual se encuentra en el templo de los
guerreros
de
Chichón Itzá.
La escultura lapidaria es insignificante. La técnica a pesar de ser más antigua, no puede
compararse con el modelado de arcilla, el cual se encuentra en toda el área Maya. Sus joyas

más importantes son las estatuillas de un cementerio de Jaina, la cual es una isla que se
encuentra frente a Campeche. Básicamente se puede decir que la escultura se encuentra
limitada por la arquitectura, ya que generalmente se usa para embellecer las fachadas de las
edificaciones. Las esculturas son generalmente pesadas, muy poco expresivas y toscas;
como lo son los Chac-mooles, las cariátides, los porta-estandartes, los tronos de jaguares,
entre otros.

Chac-mooles
Pintura
En la cultura Maya se usan gran cantidad de colores
brillantes los cuales se usan para decorar sus edificaciones;
y a pesar de todo el tiempo que ha transcurrido aun se
mantienen los colores en las obras, y se observan también
gran cantidad de matices con una excelente calidad
decorativa.
La pintura es principalmente religiosa como la mayoría del
arte del este de América, y sus obras están llenas de energía
y mucho movimiento. Los colores tienen muchas
limitaciones en cuanto a su uso, las paredes eran blancas, el agua se representaba con el
azul y con líneas ondulantes y los techos amarillos semejando a la paja que se usaba.
En sus composiciones se nota claramente el horror al vacío, ya que los espacios en blanco
eran llenados con motivos muy variados.
Es importante destacar la poca intervención de la figura femenina y la ausencia total de
niños en las pinturas conocidas. El mural fue otro gran elemento importante d la pintura
Maya. Eran usados generalmente para decorar muros, cerámicas y manuscritos. Usaban
colores de origen vegetal y mineral, teniendo una gama bastante grande. En muchas
edificaciones se han encontrado pinturas en los interiores como lo es en Uaxactún,
Palenque y Chichón Itzá.

Bonampak
Escritura
Los mayas desarrollaron un método de
jeroglifos como escritura y así registraron su
mitología, historia y rituales. Estos escritos se
hacían pintados o grabados sobre bloques o
pilares de piedra en los dinteles, escaleras y en
otros lugares de gran importancia. También se
han encontrado manuscritos en papel amate, el
cual proviene de la corteza de un árbol, así como
en pergaminos de piel de animales.
Los manuscritos hechos sobre papel se armaban de la siguiente forma: se pegaban las hojas
sobre tablas de madera y se doblaban en forma de acordeón y los que se encargaban de
ilustrarlos y redactarlos y los colores que emplearon fueron verde, negro, amarillo, marrón,
azul y rojo. Solo existen en el mundo tres muestras de estos manuscritos: el Dresdensis en
Dresden; el Perezianus en París y el Tro-cortesianus o Matriense Maya.
Muchos de estos se usaban como almanaques con temas relacionados con la agricultura, la
meteorología,
enfermedades,
la
caza
y
la
astronomía.
Durante el siglo XVI se escribieron algunos de estos manuscritos pero con el alfabeto
latino, entre los más importantes se encuentra el Popol Vuh, el cual es un relato sobre el
origen del mundo y la historia de los pueblos Maya; también están los libros de Chilar
Balam, en el cual se plasmaron crónicas de chamanes y sacerdotes.

TRATAMIENTO PEDAGÓGICO, APRENDIZAJE POR PROBLEMA
LÚDICO Y CREATIVO
“El Aprendizaje Basado en Problemas (ABP) es un método de enseñanzaaprendizaje centrado en el estudiante en el que éste adquiere conocimientos, habilidades y
actitudes a través de situaciones de la vida real. Su finalidad es formar estudiantes capaces
de analizar y enfrentarse a los problemas de la misma manera en que lo hará durante su
actividad profesional, es decir, valorando e integrando el saber que los conducirá a la
adquisición de competencias profesionales.”
La característica más innovadora del ABP es el uso de problemas como punto de partida
para la adquisición de conocimientos nuevos y la concepción del estudiante como
protagonista de la gestión de su aprendizaje.
En un aprendizaje basado en problemas se pretende que el estudiante construya su
conocimiento sobre la base de problemas y situaciones de la vida real y que, además, lo
haga con el mismo proceso de razonamiento que utilizará cuando sea profesional.
En el proceso de enseñar-aprender intervienen una amplia gama de funciones, entre otras:
cerebrales motoras, cognitivas, memorísticas, lingüísticas y prácticas. La asociación e
interacción de estas funciones es lo que nos permite llegar al nivel conceptual, nivel que
posibilita la abstracción, los razonamientos y los juicios. Es a través de construcciones
individuales como cada uno va realizando su propio edificio intelectual.
EL
ABP
se
fundamenta
en
el
paradigma
constructivista
de
que
conocer y, por analogía, aprender implica ante todo una experiencia de construcción
interior, opuesta a una actividad intelectual receptiva y pasiva. En este sentido,
Piaget afirma que conocer no consiste en copiar lo real, sino en obrar sobre ello y
transformarlo (en apariencia y en realidad), a fin de comprenderlo. Para conocer los
fenómenos, el físico no se limita a describirlos tal como parecen, sino que actúa sobre los
acontecimientos de manera que puede disociar los factores, hacerlos variar y asimilarlos a
sistemas de transformaciones: los deduce.
De la descripción y el análisis que hace Carretero del constructivismo resaltamos los
principios que nos hacen concebir el ABP dentro del mismo.
-

-

-

En el aprendizaje constructivo interno no basta con la presentación de la
información a la persona para que aprenda, sino que es necesario que la construya o
la aprehenda mediante una experiencia interna.
El aprendizaje consiste en un proceso de reorganización interno. Desde que se
recibe una información hasta que la asimila completamente, la persona pasa por
fases en las que modifica sus sucesivos esquemas hasta que comprende plenamente
dicha información.
La creación de contradicciones o conflictos cognoscitivos, mediante el
planteamiento de problemas e hipótesis para su adecuado tratamiento en el proceso
de enseñanza-aprendizaje, es una estrategia eficaz para lograr el aprendizaje.

-

El aprendizaje se favorece enormemente con la interacción social.

Barrows, citado por Norman y Schmidt señala que la meta primaria en la enseñanza basada
en problemas es favorecer el razonamiento y las habilidades para la solución de problemas,
con lo cual, seguramente, el resultado será una ampliación en la adquisición, retención y
uso de los conocimientos.
Con la tarea del conocimiento se busca que el estudiante adquiera las estrategias y las
técnicas que le permitan aprender por sí mismo; esto implica la toma de conciencia de la
asimilación, la reflexión y la interiorización del conocimiento para que, finalmente, pueda
valorar y profundizar a partir de una opción personal. Este proceso permite
responsabilizarse de los hechos, desarrollar una actitud crítica y poner en práctica la
capacidad de tomar decisiones durante el proceso de aprender a aprender.
El ABP posibilita la construcción del conocimiento mediante procesos de diálogo y
discusión que ayudan a los estudiantes a desarrollar habilidades transversales de
comunicación y expresión oral, al mismo tiempo que también desarrollan el pensamiento
crítico y la argumentación lógica, para la exploración de sus valores y de sus propios puntos
de vista.
Quienes están involucrados en este proceso de enseñanza-aprendizaje: el docente y el
estudiante
El docente en el ABP adopta diferentes roles; el principal es el de tutor que facilita y
fomenta en el estudiante las actividades de reflexión para que identifique sus propias
necesidades de aprendizaje. El papel del tutor no es el de docente experto en la temática de
la situación/problema, sino que su principal función es la de ayudar a pensar críticamente
sobre los temas que se están discutiendo y ser, a la vez, un catalizador de la investigación y
del descubrimiento.
Es evidente que el tutor debe poseer un conocimiento de los objetivos de aprendizaje y un
dominio de las técnicas y estrategias necesarias para desarrollar el proceso.
Las características que requiere un docente en el ABP son:
-

Una actitud positiva respecto al método, es decir, estar convencido de que es una
estrategia de aprendizaje viable y aplicable.
Estar formado y capacitado para aplicar el método, es decir, poseer las habilidades,
actitudes, valores y conocimientos necesarios para la puesta en marcha del ABP.

En esta realidad, el tutor es el guía del proceso de gestión del conocimiento, y el estudiante
es el responsable de «aprender a aprender ».El entusiasmo docente influye positivamente en
los estudiantes a la hora de lograr los objetivos planificados.
El estudiante es el elemento central dentro de un proceso sistemático que será lento pero
posible y que tendrá como resultado el cambio, tanto de la concepción del aprendizaje

como de la actitud frente al mismo. Lo importante es que valore las bondades del ABP y
que intente modificar su actitud de receptor pasivo de la enseñanza aceptando cambios
tendentes ha:
-

Asumir la responsabilidad de su propio aprendizaje y dejar que el tutor le oriente en
la adquisición de conocimiento.
Desarrollar habilidades de trabajo en grupo.
Desarrollar habilidades comunicativas.
Desarrollar capacidades de análisis, síntesis e investigación.

Este método promueve el desarrollo del pensamiento crítico y creativo, la adquisición de
habilidades interpersonales y el trabajo en colaboración. En definitiva: el estudiante
aprende a aprender.
Elementos esenciales para la aplicación del ABP
Las competencias y los objetivos de aprendizaje
Teniendo en cuenta que el ABP conduce a la formación de habilidades y competencias, un
primer paso para la implantación del mismo dentro de una disciplina pasa por la definición
del perfil y las competencias profesionales de la misma. Se entiende por Perfil Profesional
la descripción de un conjunto de conocimientos, destrezas y habilidades que son inherentes
al desempeño profesional y que proporcionan a quien ejerce la enfermería la capacidad de
pensar, crear, reflexionar y asumir su compromiso desde una perspectiva histórica y social.
Aunque no es fácil ponerse de acuerdo en una definición común del concepto de
Competencia, sí parece haber consenso en que dicha noción está más relacionada con el
campo del Saber Cómo que con el campo del Saber Qué. La competencia, por lo tanto, es
una capacidad general basada en el conocimiento, la experiencia, los valores y las
disposiciones que una persona ha desarrollado a través de la implicación en las prácticas
educativas.
Los objetivos implican que, después de realizar un proceso de aprendizaje, el estudiante
tiene que haber adquirido nuevas habilidades y conocimientos.
Un objetivo de aprendizaje es la descripción del desempeño que se desea que los
estudiantes puedan demostrar antes de considerarlos competentes en un área; así pues, el
objetivo de aprendizaje describe el resultado esperado con la instrucción, más que el mismo
proceso de instrucción.
El mismo Mager propone que para establecer objetivos de aprendizaje realmente útiles se
deben tener en cuenta cuatro factores:
Audiencia ¿Quién? Sus objetivos deben decir: “El alumno será capaz de”.

Conducta o desempeño ¿Qué? Un objetivo siempre debe decir lo que se espera que el
estudiante pueda realizar.
Condición ¿Cómo? Un objetivo siempre describe las condiciones importantes (si las hay)
en las que debe darse o tener lugar el comportamiento o conducta (desempeño).
Grado o rango ¿Cuándo? un objetivo debe explicar el criterio de desempeño aceptable,
describiendo qué grado de bondad debe tener la ejecución o realización del estudiante para
ser considerada aceptable.
En el ABP, las competencias y los objetivos de aprendizaje son la base a partir de la cual se
construye todo el proceso educativo.
Las situaciones/problema
En el ABP, la estructuración del conocimiento se lleva a cabo a través de situaciones y
problemas que permiten al estudiante alcanzar los objetivos de aprendizaje que se
desprenden de las competencias profesionales.
Es fundamental señalar que las situaciones/problemas deben poseer ciertas características,
ya que no todo problema cumple con las condiciones intrínsecas para poder desarrollar lo
que se busca en el método ABP.
Según Duch las características que deben reunir son:
-

El diseño debe despertar interés y motivación
El problema debe estar relacionado con algún objetivo de aprendizaje.
Debe reflejar una situación de la vida real.
Los problemas deben llevar a los estudiantes a tomar decisiones basadas en hechos.
Deben justificarse los juicios emitidos.
No deben ser divididos y tratados por partes.
Deben permitir hacerse preguntas abiertas, ligadas a un aprendizaje previo y ser
tema de controversia.
Deben motivar la búsqueda independiente de información.

La evaluación
La evaluación debe ser un método más de enseñanza, y también una manera real y directa
de posibilitar el aprendizaje.
En el ABP, la evaluación se constituye en una herramienta por medio de la cual se le otorga
al estudiante la responsabilidad de evaluar su proceso de aprendizaje y de formación. Es
decir, se trata de visualizar la evaluación como un proceso en el que la responsabilidad es
compartida por los estudiantes y los tutores.

El valor de la evaluación en el ABP es el de contemplar la evaluación individualizada,
cualitativa y formativa. El estudiante tiene la posibilidad de evaluarse a sí mismo, a sus
compañeros, al tutor, al proceso de trabajo en equipo y a los resultados del proceso.
La evaluación formativa, como columna vertebral de una docencia centrada en el
estudiante, comprende la autoevaluación, la de sus pares y la del tutor. La autoevaluación,
como procedimiento valorativo, le permite evaluar, orientar, formar y confirmar el nivel de
aprendizaje de cada una de las unidades. Además, le proporciona ayudas para descubrir sus
necesidades, la cantidad y la calidad de su aprendizaje, las causas de sus problemas, las
dificultades y los éxitos en el estudio. La evaluación por pares le permite al estudiante
recibir retroinformación sobre lo que es incapaz de conocer sin la visión de los demás (la
parte desconocida por el yo y conocida por los otros de la Ventana de Johan). La
evaluación del tutor le permite a éste emitir juicios acerca del nivel alcanzado y de la
calidad del aprendizaje logrado. Por otro lado, la evaluación sumativa o de certificación
debe tener en cuenta los conocimientos que el estudiante ha adquirido, las habilidades que
ha desarrollado y las actitudes que ha modelado. Esta evaluación sirve para justificar las
decisiones académicas respecto a las calificaciones.
Proceso en el grupo tutorial
En el ABP se trabaja en grupos pequeños, de entre 8 a 10 estudiantes más un tutor. El punto
de partida es una situación/problema. Una vez que los estudiantes la han analizado,
formulan preguntas y/o generan hipótesis explicativas, revisan los conocimientos previos
que poseen y determinan sus necesidades de aprendizaje. Partiendo de los objetivos
previamente establecidos por la institución, los estudiantes desarrollan estrategias de
búsqueda de información que les permitan alcanzar dichos objetivos. Del conocimiento
obtenido a través de las diversas fuentes consultadas extraen principios y conceptos que
pueden aplicar tanto a la situación planteada como a situaciones análogas.
Presentación de una situación/problema
El primer paso es la lectura y el análisis individual de la situación/problema.
Exploración de la situación
Los estudiantes, a través de una lluvia de ideas, detectan áreas o temas de la situación que
necesitan ser explorados (datos no estructurados).
Es importante que los estudiantes, para integrar el conocimiento, entiendan las relación que
se establece entre los diferentes elementos de la situación, a la vez que desarrollan el
razonamiento clínico y aprenden a enfrentarse a los problemas de una forma lógica y
secuencial.

Desarrollo de un plan de trabajo
En esta fase, los estudiantes desarrollan de forma individual o colectiva las estrategias de
búsqueda, qué información es relevante y qué fuentes de consulta utilizarán.
El marco donde se desarrolla la búsqueda de información respecto a las hipótesis
planteadas es el de los objetivos institucionales de aprendizaje y los propios del estudiante.
Aplicación del aprendizaje a la situación/problema
El conocimiento obtenido de las diversas fuentes consultadas es analizado de manera
crítica, se discute y se pone en común en el grupo tutorial; aquí confrontan la información
que han seleccionado con la que ya tenían y vuelven a examinar el problema para
identificar nuevas necesidades de información. De este conocimiento se extraen principios
que se puedan aplicar a la situación y a situaciones similares.
Evaluación
La evaluación es formativa. Se realiza al final de cada sesión de tutoría y, más
exhaustivamente, al final de un situación. En esta última sesión se evalúan los objetivos de
aprendizaje alcanzados, tanto los institucionales como los propios de cada estudiante. Se
evalúan las habilidades de aprendizaje, los principios y conceptos que se han discutido
(cuestionando su aplicabilidad o no a otras situaciones), la dinámica del grupo, las
habilidades comunicativas, la participación, la responsabilidad y el respeto. Esto es posible
por medio de la autoevaluación, la evaluación entre iguales y la evaluación del tutor.
Finalmente, y a título de conclusión de este capítulo, hay que remarcar que el aprendizaje
basado en problemas abre un abanico de posibilidades a la innovación didáctica, poniendo
en práctica términos tan conocidos como: interés, motivación, aprendizaje significativo,
evaluación formativa, aprendizaje autónomo y aprendizaje a lo largo de la vida, visión
integral de los problemas e interdisciplinariedad, complejidad y práctica reflexiva.

TRATAMIENTO CURRICULAR, 2DO GRADO (CONTENIDOS)
CONTENIDO: Los contenidos escolares son productos sociales e históricos que se
definen en el contexto de prácticas sociales. Son saberes que en el ámbito escolar circulan
como objetos de enseñanza y de aprendizaje. Desde esta concepción, siguiendo la línea de
Cullen (2000), los contenidos escolares implican distintos modos de referirse y
representarse la realidad; y de actuar sobre ella. Desde esta caracterización es posible
reconocer el doble carácter de los contenidos: como selección del saber culto y académico y
como saber popular, experiencial y práctico.
Esta consideración es fundamental para la selección de los mismos y para romper con los
modelos tradicionales en los cuales los contenidos escolares distan ampliamente de las
necesidades de los alumnos. La selección de contenidos no solo se relaciona con la decisión
de qué enseñar, sino que supone situarse en una plataforma de decisiones, que se encuentra
condicionada por una serie de posturas previas respecto a temáticas más generales.

Según Ezequiel Ander Egg, los contenidos aluden al conjunto de capacidades que el
educando debe adquirir. Algunos pedagogos españoles como Coll, Zabala y Mauri,
distinguen cinco tipos de capacidades: cognitivas, psicomotrices, de autonomía y equilibrio
personal, de relación interpersonal y de inserción social. Los contenidos se articulan y
estructuran procurando proporcionar esas capacidades. En este sentido cabe señalar que los
contenidos conceptuales, procedimentales y actitudinales (que se seleccionen) se relacionan
con las competencias intelectuales, prácticas y sociales desde los diferentes saberes: saber
declarar, saber razonar, saber hacer, saber ser, y saber valorar. Estos saberes constituyen
conocimientos en acción en la medida que el alumno los utiliza para resolver problemas.
De aquí se desprende la necesidad de mantener la coherencia entre las expectativas, los
objetivos y las competencias y la propuesta de contenidos a desarrollar. Recordemos las
diferencias entre los distintos tipos de contenidos: Dentro de los contenidos conceptuales se
incluyen hechos: situaciones, datos, fenómenos, sucesos; conceptos: abarcan hechos,
objetos y símbolos que tienen características comunes. Poseen un grado mayor de
abstracción y exigen necesariamente compresión; principios: describen relaciones entre
conceptos, sus variaciones, conexiones, cambios, etc.
En cuanto a los contenidos procedimentales, podemos afirmar que un procedimiento es un
conjunto de acciones ordenadas que conducen a la consecución de un objetivo. Incluyen
habilidades, técnicas, estrategias y destrezas. El nivel de complejidad es diverso y nos
encontramos con procedimientos motrices, cognitivos, heurísticos , e t c . Es t o s
procedimientos se aprenden por realización, ejercitación, reflexión, aplicación, practica
guiada, transferencia a otros ámbitos.
En muchas ocasiones se confunde la formulación de contenidos procedimentales con las
actividades propuestas, es por ello que para aclarar este punto transcribimos un párrafo del
documento “El desarrollo curricular N° 5”, Curso para supervisores y directores de
instituciones educativas, del Ministerio de Cultura y Educación de Argentina, 2008: “…
Esta confusión comienza con la contestación de que para aprender un contenido
procedimental se requiere realizarlo repetidamente, a leer se aprende leyendo y a razonar
razonando. (…) para aprender un contenido procedimental hay que hacer actividades
consistentes en el propio contenido: para aprender el procedimiento “dibujo” hay que
dibujar; en este caso “dibujo” es el contenido a aprender y “dibujar” la actividad a realizar.
La diferencia radica en que el contenido procedimental es lo que se pretende que el alumno
aprenda, mientras que la actividad es el medio para conseguir ese aprendizaje. El contenido
responde a la pregunta que enseñar, que es lo que el alumnado tiene que saber hacer y la
actividad responde a la pregunta de cómo se va enseñar…” (pág. 33)
En cuanto a los contenidos actitudinales, podemos afirmar que estos incluyen valores:
principios o ideas éticas que permiten a las personas emitir un juicio sobre las conductas y
sentidos (libertad, responsabilidad, respeto, etc.); actitudes: tendencias o predisposiciones
relativamente estables de las personas a actuar de determinada manera (coopera con el
grupo, predisposición al dialogo, etc.); Normas: patrones o reglas de comportamiento que
se siguen en determinadas situaciones. Constituyen la forma pactada de concretar valores
compartidos por un grupo e indicar lo que se puede y no se puede hacer (respeto y cuidado
de los objetos, reglas de un juego o de organización etc.)

INTERDISCIPLINARIDAD Y TRANSDISCIPLINARIDAD:
CREATIVIDAD
La creatividad, denominada también pensamiento original, pensamiento creativo, inventiva,
imaginación constructiva o pensamiento divergente, es la capacidad de crear, de innovar,
de generar nuevas ideas o conceptos, o nuevas asociaciones entre ideas y conceptos
conocidos, que normalmente llevan a conclusiones nuevas, resuelven problemas y producen
soluciones originales y valiosas. La creatividad es la producción de una idea o un concepto,
una creación o un descubrimiento que es nuevo, original, útil y que satisface tanto a su
creador como a otros durante algún periodo.
Es por lo anterior, que la creatividad es una de las capacidades muy importantes y útiles en
el ser humano. Ya que, le permite, justamente, crear e inventar nuevas cosas, objetos,
elementos a partir de lo que ya existe en el mundo. La idea de creatividad proviene
justamente de la idea previa de "crear", por lo cual el acto de inventar o generar algo nuevo
está vinculado siempre en mayor o menor grado con el uso de la mencionada habilidad. Si
tenemos en cuenta que el ser humano se caracteriza por adaptar la naturaleza y lo que lo
rodea a sus necesidades, comprenderemos por qué entonces en esto es central la
creatividad: la capacidad de pensar en algo nuevo y mejor es lo que hace que la sociedad y
la civilización humana avance en definitiva hacia nuevas y mejores formas de convivencia.
La creatividad se relaciona directamente con el acto de crear. Para la ciencia esto ha sido
siempre un elemento de profundo interés y desde que en el siglo XIX comienza a estudiarse
con mayor rigor el funcionamiento del cerebro humano hasta el día de hoy, las teorías que
hablan de la creatividad son muchas. En la actualidad se acepta en el ámbito académico que
el cerebro humano funciona de una manera muy particular: cada hemisferio hace su aporte
para que podamos desarrollar distintas actitudes, aprendizajes, acciones, estrategias de
supervivencia, etc.
La teoría de los hemisferios cerebrales marca que el hemisferio izquierdo es el que nos
permite desarrollar actitudes lógicas, matemáticas, racionales, lingüísticas, estructuradas y
ordenadas. La creatividad no tiene tanto lugar en este hemisferio, pero sí está presente en el
hemisferio derecho. Este es responsable de todo lo que imaginamos, de lo que creemos
posible, de la libertad y de sentirnos poderosos de crear cualquier cosa. También allí se
localizan los sentimientos, lo cual actúa muchas veces como disparador de nuevas
invenciones: el amor, el miedo.
Es normal pensar que sólo es creativo quien escribe la letra de una canción, quien pinta
todos los días una nueva obra de arte, quien tiene la facilidad para generar melodías desde
la nada, quien construye piezas arquitectónicas maravillosas. La realidad nos dice que la
creatividad está presente en muchas cosas porque el creativo busca permanentemente
soluciones a nuevos problemas que surgen día a día. La creatividad se basa siempre en una
idea abstracta y no concreta que puede estar inspirada por cosas, objetos o situaciones ya
existentes. Así, la creatividad supone trabajar con lo que ya poseemos a nuestra disposición
pero transformarlo (en mayor o menor medida) para crear con eso algo completamente
nuevo.

La creatividad es, a la vez, una proyección abstracta de algo que se puede llegar a construir,
por lo cual siempre implica un ejercicio de mirar hacia un futuro a través de ese elemento
que se crea. Sin embargo, es claro que hay personas que tienen un sentido de la creatividad
mucho más desarrollado.
Es por esto que la creatividad es un rasgo esencial de la persona y si bien hay algunas
personalidades que pueden tener un sentido de la creatividad más desarrollado que otras,
todos en algún modo somos capaces de crear y de inventar nuevas cosas, ideas o
reflexiones tomando en cuenta el bagaje cultural ya existente.

PENSADORES FILOSOFICOS
HERBERT READ
Herbert Read nació en una familia de granjeros de
Kirbymoorside, pueblo de la zona rural de Yorkshire, el
9 de diciembre de 1893. En el año 1912 ya expresa un
ávido interés por la lectura, el socialismo, el arte y la
poesía, incluso publicando sus primeros versos.
En 1922 va a laborar en el Victoria and Albert Museum,
donde se especializa en curaduría de vitrales y cerámica,
adquiere reputación gracias a sus primeros trabajos como
experto en arte y trabaja a tiempo completo hasta 1931.
Por entonces, sus escritos sobre tópicos literarios y
artísticos le van ganando nombradía en el medio cultural
londinense, consolidada tras la publicación de obras
como Reason and Romanticism – el primero de sus
textos de crítica literaria – y The Meaning of the Art – libro fundamental en la exposición
de sus concepciones estéticas -.
Recibe un Doctorado Honorario de su Alma Mater en 1932, además de cumplir funciones
como docente de Bellas Artes en las Universidades de Edimburgo (1931-33), Liverpool
(1935-36) y Londres (1940-42). Aparte de los compromisos académicos, Read se ocupa en
la década de 1930 con múltiples actividades : de 1933 a 1939 es Editor del BURLINGTON
MAGAZINE, publicación de primera línea en la escena cultural inglesa ; publica su única
novela : The Green Child, relato alegórico y fantástico de excelente factura ; tiene hondos
vínculos con los nuevos talentos del arte británico, entre los que destacan Henry Moore,
Ben Nicholson y Barbara Heptworth ; promueve el contacto con las tendencias plásticas de
avanzada, por ejemplo a través de la organización de la Exhibición Surrealista de Londres
en 1936 ; así mismo continúa con su producción escrita como crítico, como poeta y publica
ensayos filosófico-políticos de corte decididamente anarquista, faceta polémica que parece
haber sido decisiva en el veto en 1939 a su designación como Director del primer museo de
arte moderno en Gran Bretaña.
En 1947, junto con Roland Penrose funda el Instituto de Artes Contemporáneas de Londres,
de señalada importancia en la evolución artística británica. En 1953, en reconocimiento
oficial a su destacada trayectoria, recibe de manos de la Reina el título de “Sir”; tal hecho le

trajo agrias polémicas con los medios anarquistas y radicales donde se le había tenido en
tanta estima, aún cuando se ha señalado repetidamente que en esa decisión fueron
determinantes las presiones de su esposa y otros familiares.
Resumidamente, Herbert Read es un crítico de arte y poeta inglés contemporáneo, que con
la persistente preocupación por la formación integral, obtuvo una beca en la Universidad de
Londres en el período 1940-1942 para investigar y escribir esa obra monumental:
Educación por el arte. Obra que tuvo gran influencia en la formación de maestros en países
como Uruguay, Argentina, Chile. Es autor también del libro Imagen e idea (La función del
arte en el desarrollo de la conciencia humana/ que acoge las conferencias dictadas por él, en
1953, en la Cátedra Charles Eliot Norton, de la Universidad de Harvard. Y en su libro Carta
a un joven pintor9 recoge estudios críticos breves sobre pintores y varios ensayos sobre arte
visual en general.
En el arte
Herbert Read, escribió una obra llamada, la educación por el arte, que tuvo real influencia
en la formación de maestros en países de mejor fortuna, sin haber pasado siquiera de
soslayo por Colombia. Es otra de las evidencias dramáticas de la insularidad que hemos
padecido. El punto de partida de Read es la tesis de Platón: el arte debe ser la base de la
educación. Platón se refiere a la educación de los ciudadanos en La República o de lo Justo.
Allí establece que los guerreros, para lo cual deben prepararse todos los ciudadanos con
independencia de sexo, de infantes deben comenzar su educación por la lectura de fábulas
que puedan ser aleccionadoras, y acompañarse de la instrucción en música, incorporando en
ésta la palabra hablada, y también educarse en gimnástica. La cita clave de donde quizá se
desprende la aseveración de Read, es como sigue: "..., la belleza, la armonía, la gracia y el
número del discurso son expresión de la bondad del alma... ¿No deben aplicarle nuestros
jóvenes guerreros a adquirir todas esas cualidades, si quieren cumplir a conciencia con sus
deberes? -Indudablemente. Tal es, a lo menos, el objeto de todas las artes, de la pintura, de
la escultura, del bordado, de la arquitectura y de la propia naturaleza en la producción de las
plantas y de los cuerpos. La gracia o la falta de gracia se encuentran en sus obras; y así
como la falta de gracia, de número, de armonía, suele ser indicio de mal espíritu y pésimo
corazón, así las cuestiones opuestas son imagen y expresión de un espíritu y de un corazón
bien hechos.... / Necesitamos,..., buscar artistas hábiles, capaces de seguir las huellas de la
naturaleza de lo bello y de lo gracioso, para que nuestros jóvenes, criados entre sus obras
como en un ambiente puro y sano, reciban sin cesar de ellas saludables impresiones por
ojos y oídos, y que desde la infancia todo les mueva insensiblemente a imitar, a amar lo
hermoso, y a establecer entre ello y ellos mismos un perfecto acorde. No habría nada mejor
que semejante educación."
A su vez Read define bajo ese norte \a finalidad de la educación, que no puede ser otra que
fomentar el crecimiento de lo que cada ser humano posee de individual, armonizando al
mismo tiempo la individualidad así lograda con la unidad orgánica del grupo social al cual
pertenece el individuo. Es decir, la educación debe ser no sólo proceso de
individualización, sino también de integración, o sea de reconciliación de la singularidad
individual con la unidad social. Entonces, de acuerdo con lo expresado por Read, la

finalidad de la educación se encamina a la conquista de armonía, en acople justo entre lo
individual y lo social.
Read toma en cuenta, para el desarrollo de su propuesta pedagógica, las teorías más
importantes que le anteceden, incluyendo las de Rousseau, Pestalozzi, Froebel, Montessori,
Dewey, Holmes, pero se apuntala en estos dos últimos para reinvidicar una teoría de la
educación integrada en un todo al concepto democrático de sociedad. A su vez establece
Read la educación, en brevedad, como el cultivo de los modos de expresión y le adjudica a
la educación estética los siguientes alcances:
1. La conservación de la intensidad natural de todos los modos de percepción y sensación.
2. La coordinación de los diversos modos de percepción y sensación, entre sí y en relación
con el ambiente.
3. La expresión del sentimiento en forma comunicable.
4. La expresión, en forma comunicable, de los modos de experiencia mental que, si no
fuera así, permanecerían parcial o totalmente inconscientes.
Por tanto, la educación estética que propone Read debe preservar la intensidad de lo que se
percibe y se siente, coordinando sus distintas manifestaciones entre sí y con el medio
circundante, pero además debe conseguirse una manera de expresar, de hacer comunicable
al otro todo aquello, como experiencia de la mente. De no lograrse una cabal comunicación
los niveles alcanzados en captar o percibir, en sentir y elaborar, pasarían desapercibidos y
aún más tendrían como refugio al inconsciente.
Para ese fin, Read establece formas de relación de aspectos de la técnica de la educación
estética, con los sentidos, dando forma al diseño, a la música y a la danza (entre ambas a la
euritmia), a la poesía, al teatro, y a la artesanía.18 Se trata de una clasificación de
características formales o descriptivas, sujeta a interrelaciones, sin separaciones tajantes,
pero que se apoya en otra de Edmond Holmes, que a su vez remite a trabajo de John
Dewey.
El método propuesto por Read no busca formar solo artistas, aunque sin la menor duda
despertará y canalizará la vocación de aquella minoría selecta y admirable que se abrirá un
camino haciendo del arte su vida. Lo que trata el método de Read es de hacer de todas las
personas sujetos favorables para un despertar mejor al mundo por las sensaciones, con
expresiones propias, que afirmen la personalidad y el carácter, en libertad. El método vale
por la incitación, la manera de cautivar, de atrapar, que tienen las formas, los colores, los
ritmos, las melodías, aún las disonancias, para avivar la imaginación y provocar en la
persona un despertar del entusiasmo por percibir y sentir, por expresarse y compartir con
sello individual.

ARNOLD HAUSER
Sociólogo, ensayista e historiador del arte,
húngaro, luego nacionalizado británico. Nació en
Budapest, el año 1892, y murió en la misma ciudad,
el año 1978. Estudió Literatura e Historia del Arte
en las universidades de Budapest, Berlín y París.
La importancia de Arnold Hauser radica en el
profundo análisis que realizó sobre los
condicionantes y elementos socio-económicos de la
obra artística, renovando, de ese modo, los estudios
e investigaciones sobre estética que imperaban en
su época. El tema más investigado por Arnold
Hauser fue el análisis sociológico que rodeaba a cualquier producción artística. Para
Hauser, toda obra, la que fuese, era realizada por individuos, influidos por un tiempo y un
espacio concreto, es decir, por toda su sociedad.
De su extensa obra destacan los siguientes títulos, todos traducidos al
castellano:Conversaciones con Lúkacs (Madrid, 1979), Fundamentos de la sociología del
arte(Madrid, 1975), Historia social de la literatura y el arte (Madrid, 1993), Introducción a
la Historia del Arte (Madrid, 1973), Literatura y manierismo (Madrid, 1969), El
manierismo: crisis del Renacimiento (Madrid, 1971), Origen de la literatura y del arte
modernos (Madrid, 1974).
Este filosofo define el arte como: “Las obras de arte de los tiempos prehistóricos tienen una
significación de especial interés para la sociología del arte, y esto no sólo ciertamente
porque dependen en gran medida de las condiciones sociales, sino porque nos dejan ver
más clara que el arte de épocas posteriores la relación existente entre los moldes sociales y
las formas artísticas…”

REFERENCIAS ELECTRÓNICAS
-

http://definicion.de/audiovisual/
https://thales.cica.es/rd/Recursos/rd98/HisArtLit/01/prehistoria.htm
http://www.rupestreweb.info/introduccion.html
http://algargosarte.blogspot.com/2014/09/el-arte-mobiliar-del-paleolitico-la.html
https://ehistoriadelarteuniversal.wordpress.com/category/arte-megalitico/
http://chopo.pntic.mec.es/~csanch20/PREHISTORIA/page7.html
http://educrea.cl/aprendizaje-basado-en-problemas-el-metodo-abp/
http://www.importancia.org/creatividad.php
http://www.significados.com/creatividad/
http://www.portaloaca.com/historia/biografias/484-herbert-read-filosofo-poeta-critico-dearte-y-anarquista.html
http://www.bdigital.unal.edu.co/9373/1/01200216.2000.pdf
http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=hauser-arnold
http://ocw.uma.es/humanidades/teoria-del-arte/material-de-clase-1/presentacionesharte/ocw_presentacio_n_tema_10.pdf

http://www.chubut.edu.ar/descargas/recursos/cpie/serie/Serie_n12.pdf
http://www.rena.edu.ve/cuartaEtapa/historiaArte/Tema6.html