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Universidad de Los Andes

Facultad de Humanidades y Educación
Escuela de Educación
Asignatura: Educación Estética
Semestre A-2016

Tema Nº 2 Arte en el tiempo

Mileidy C. Lopez Zerpa
C.I.: 19.997.072
Grupo Nº 3
Nº de lista 16

Septiembre, 2016

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Introducción
A través del arte el hombre expresa sus ideas, sentimientos, emociones, y eso lo logra a
través del arte, gran parte de ello nos lleva al arte contemporáneo el expresionismo, el
cubismo, el dadaísmo, surrealismo, pop-art, po-art y relacionar como lo fue durante la
edad media con grandes creaciones, en cuanto a pintura, escultura, arquitectura, entre
otros, además estudiaremos como se llevó a cabo estas manifestaciones artística en
Europa, áfrica, el occidente. Además como el arte en el tiempo nos permite conocer los
aportes que nos dejaron las civilizaciones, antiguas, como Egipto, Mesopotamia, Roma
y Grecia. Por otro lado la edad de piedra, como el arte Prehispánico y Prehistórico, y
por último el Renacimiento
El arte es un medio de expresión, un lenguaje del pensamiento en el desarrollo de los
niños. Y es que a través del arte que es una actividad dinámica y unificadora, con un rol
potencialmente vital en la educación de nuestros niños. Su objetivo no debe ser el
desarrollo de la capacidad creadora del maestro, sino la de los infantes.

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Índice

Introducción
Tema
1.- Arte En El Tiempo
Sub-tema
1.1 Arte Contemporáneo
1.2 Arte Medieval
1.3 Arte Antiguo
1.4 Arte Prehispánico y Prehistórico
1.5 Renacimiento
Conclusión
Referencias Bibliográficas

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1.1 ARTE EN EL TIEMPO
Arte es un término que proviene de un vocablo latino que hace referencia a las
creaciones del hombre para expresar su visión sensible del mundo real o imaginario a
través del uso de recursos plásticos, sonoros o lingüísticos.
Contemporáneo es una palabra que se refiere a aquello perteneciente o relativo a la
época en que se vive. Quienes vivieron en la segunda mitad del siglo XVIII, por
ejemplo, fueron contemporáneos a Wolfgang Amadeus Mozart, no así quienes nacieron
en el siglo XX.
1.2 ARTE CONTEMPORÁNEO
Es aquel surgido en la historia inmediata (en las últimas décadas). Para otros expertos,
se entiende como arte contemporáneo al desarrollado a partir de la Segunda Guerra
Mundial (1945). Una versión más amplia de la noción extiende el arte contemporáneo a
lo largo de todo el siglo XX e, incluso, hay quienes creen que el arte contemporáneo es
el que surgió en la Edad Contemporánea (que se inicia a fines del siglo XVIII). Esto
significa que, dependiendo de quién utilice el concepto, hay ciertas variantes que
pueden aparecer en torno a la fecha de la que se está hablando.
Pero seguramente la definición más generalizada se refiere al arte contemporáneo como
el producido en el último siglo. Encontraremos así corrientes y estilos muy diversos que
conviven; tales como:
1.2.1 El expresionismo: fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios
del siglo XX, que se plasmó en un gran número de campos: artes plásticas, literatura,
música, cine, teatro, danza, fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el terreno
de la pintura, coincidiendo en el tiempo con la aparición del fauvismo francés, hecho
que convirtió a ambos movimientos artísticos en los primeros exponentes de las
llamadas “vanguardias históricas”. Más que un estilo con características propias
comunes fue un movimiento heterogéneo, una actitud y una forma de entender el arte
que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y
nivel intelectual

1.2.2 El cubismo: es una escuela y teoría estética de
las artes plásticas y el diseño. Se caracteriza por la
utilización de las formas geométricas, como los
cubos, los triángulos y los rectángulos. El
movimiento nació en Francia y tuvo su apogeo entre 1907 y 1914. El término cubismo
proviene del vocablo francés cubisme, que fue propuesto por el crítico Louis

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Vauxcelles. Este especialista hacía referencia a los cubos
que aparecían en las pinturas de artistas como Pablo
Picasso, Juan Gris y Georges Braque, entre otros
exponentes del cubismo.

1.2.3 El dadaísmo: es un movimiento cultural y artístico
que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich
(Suiza). Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los
primeros textos dadaístas; posteriormente, se unió el
rumano Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema
del Dadaísmo. Una característica fundamental del
Dadaísmo es la oposición al concepto de razón
instaurado por el Positivismo. El Dadaísmo se
caracterizó por rebelarse en contra de las convenciones literarias, y especialmente
artísticas, por burlarse del artista burgués y de su arte.1 Su actividad se extiende a gran
variedad de manifestaciones artísticas, desde la poesía a la escultura pasando por la
pintura o la música
1.2.4 El surrealismo: en francés: surréalisme; sur
sobre, por encima más réalisme realismo es un
movimiento artístico y literario surgido en
Francia a partir del dadaísmo, en la década de los
años 1920, en torno a la personalidad del poeta
André Breton
1.2.5 El pop-art: fue un importante movimiento artístico
del siglo XX que se caracteriza por el empleo de imágenes
de la cultura popular tomadas de los medios de
comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic
books, objetos culturales mundanos y del mundo del cine.
El arte pop, como la música pop, buscaba utilizar imágenes
populares en oposición a la elitista cultura existente en las
Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o
combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto
banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a
través del uso de la ironía
1.2.6 El arte conceptual: da gran relevancia en los años
1960 en Europa y, en especial, en Estados Unidos. Se
trabaja con el cuerpo como material plástico, se pinta
(pintura corporal), se tatúa, se añaden piercings, se calca,
se ensucia, se cubre, se retuerce; el cuerpo es el lienzo o
el molde del trabajo artístico. Suele realizarse a modo de

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acción o performance, con una documentación fotográfica o videográfica posterior.

Con referentes como Henri Matisse, Pablo Picasso, Piet Mondrian, Marcel Duchamp,
Salvador Dalí, Joan Miró
1.3 Arte Contemporáneo: Antes y Después
Debemos aclarar, sin embargo, que estas corrientes surgidas en el siglo XX fueron el
resultado de las tendencias arrastradas desde el siglo XIX. De hecho, se consideran
como puntos de partida a estos nuevos tipos de expresión, el Impresionismo y el
Postimpresionismo. Desde los cuales surgieron las vanguardias más destacadas del siglo
siguiente:
1.3.1 El fauvismo: fue un movimiento pictórico
francés caracterizado por un empleo provocativo del
color. Su nombre procede del calificativo fauve, fiera
en español, dado por el crítico de arte Louis
Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en el
Salón de Otoño de París de 1905. El precursor de este
movimiento fue Henri Matisse y su mayor influencia
en la pintura posterior se ha relacionado con la
utilización libre del color.

1.3.2 El futurismo: es el movimiento de las corrientes de
vanguardia artística, fundado en Italia por Filippo
Tommaso Marinetti, quien redactó el Manifeste du
Futurisme, publicado el 20 de febrero de 1909, en el diario
Le Figaro de París.
1.3.3 El constructivismo: fue un movimiento artístico y
arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo
especialmente presente después de la Revolución de
Octubre.
1.3.4 El neoplasticismo: es una teoría estética o movimiento artístico
iniciado en Holanda en 1917 por Piet Mondrian. También ha sido
denominado constructivismo holandés, por su paralelismo con el
constructivismo soviético. Está vinculado al nacimiento del arte
abstracto y las demás vanguardias especialmente al cubismo y al
futurismo.

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En este punto hay que decir que entre todas estas corrientes existen elementos comunes
en cuanto a la ideología; en ese deseo de innovar y de darle al arte un espacio diferente
al que había tenido hasta entonces. No obstante, se diferencia en los fines estéticos que
cada tendencia perseguía. El arte contemporáneo se caracterizó por negar el pasado y
buscar una forma de expresión que rompiera con todo lo planteado hasta el momento,
ya no se dedican a imitar a los grandes referentes del arte, sino a crear nuevas formas, a
interpretar partiendo desde un espacio virgen donde el color y la forma adquirieron
cualidades potentes.

1.2 ARTE EN EL TIEMPO MEDIEVAL:
Es un periodo de la historia del arte que desarrollo un largo periodo para una grande
extensión espacial. En la Edad Media, que va desde el siglo X al siglo XV, son más de
mil año de este tipo de arte para África del norte, Europa y Oriente medio. Es por lo que
el arte medieval está considerado uno de los periodos más largos de la historia del arte.
Se incluyen varios movimientos artísticos en diferentes períodos entre ellos se
encuentran los regionales, locales y nacionales, tiene diversos géneros, varias etapas de
florecimiento a las cuales se les llamaron renacimiento, tiene obras de artes destacadas y
propios artistas que en la Alta Edad Media se mantenían en el anonimato. En la
Antigüedad tardía se incorporó la herencia artística clásica traída por el Imperio romano
con contribuciones del cristianismo primitivo y de la cultura bárbara. Por la mezcla de
estilos artísticos se produjo unas características artísticas muy particulares.
El arte medieval se manifestó en diferentes medios y distintas disciplinas tanto artísticas
como técnicas entre ellas destacan: manuscritos, orfebrería, escultura, pintura en tabla,
mosaicos, frescos, arquitectura, entre otras. También tenemos que incluir los oficios y
las artes que no se incluían normalmente en las bellas artes como por ejemplo la
confección de la vestimenta medieval.
Las obras de artes medievales aparecieron en un contexto donde no existía todavía la
definición de arte ni tampoco existía la de la belleza, incluso tampoco existía el
concepto de bellas artes o de artistas. El arte medieval tenía que cumplir tres
características fundamentales para ser ese tipo de arte.
Tiene que tener carácter de ofrenda hacia Dios, difuntos o santos. Su objetivo es
conseguir su indulgencia, su gracia, entre otros. Por esto todo artista medieval no duda
de legitimidad de la riqueza en los adornos de monasterios, iglesias y otros lugares de
cultos ya que dicha riqueza era una ofrenda para Dios.
Tiene que ser un intermediario entre lo humano y el mundo sobrenatural. Suele incluir
imágenes medievales en función pedagógica que explican los dogmas de la fe cristiana
y su historia sagrada.
Ha de ser una confirmación de poder, por un lado ha de ser el poder de Dios y de la
Iglesia y por otro sitio el poder político. Aunque a finales de la Edad Media surgen otros
agentes social.

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Movimientos y periodos principales

Arte paleocristiano: es el desarrollado en las primeras comunidades cristianas
de los siglo II y III hasta la caída del Imperio Romano de Occidente, el nexo de
unión entre la cultura y el arte de la Antigüedad Clásica y la Edad Media
Cristiana. En ese tiempo las obras cristianas adquirieron varias técnicas artística
romanas en la pintura, trabajos con mental, mosaicos, tallas y arquitectura. Se
crearán dos manifestaciones artísticas de la importancia del templo basilical y la
iconografía narrativa y simbólica del Cristianismo. Las dos manifestaciones
arquitectónicas de este periodo son las Domus Ecclesiae, que eran para la
celebración del rito cristiano, sin una forma especial y los Cimeterios
(cementerios), donde se hacían los enterramientos cristianos.

Arte Bizantino: nace y se desarrolla a partir del siglo IV después de Cristo en el
imperio romano de oriente, donde florece hasta el siglo XV. De ahí, se pasa a los
países del Este de Europa. Es un arte subordinado al poder del emperador y más
tarde también el poder religioso. Tiene influencia del cristianismo, del
racionalismo griego y del Islam. Los motivos religiosos permeaban todo el arte
en Bizancio, estaban dentro de los templos en las paredes o como objeto
específico del culto a través de estatuas o también como pequeños y portátiles
objetos de veneración a los que se les conoce con el nombre de Iconos.

La técnica del diseño

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Arte islámico: es el estilo artístico que se desarrollo en la cultura generada por
la religión islámica, con una unidad estilística debido al desplazamiento de los

artistas, comerciales, mecenas y obreros. Concedieron gran importancia a la
geometría y a la decoración destacando tres tipos: la caligrafía cúfica, mediante
versículos del Corán, la Lacería, mediante líneas entrelazadas que formaban
estrellas o polígono y la Ataurique, mediante dibujos vegetales. En arquitectura,
crearon edificios con funciones específicas tales como mezquitas y madrazas.
Referente a la escultura se realizaron objetos de metal, marfil o de cerámica,
aunque hay poco arte en esta rama artística.

Arquitectura

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Arte prerrománico: Las influencias germánicas y clásicas son las más
destacadas en este movimiento y por ello se extienden los motivos y las formas
que tiempo después forma el arte románico. En el prerrománico hay
determinadas características comunes, una de ellas es la relativa ausencia de
grandes programas arquitectónicos, una escasez de esculturas de gran tamaño,
tienen predilección por la orfebrería y la ilustración de manuscritos y como
última una evolución formal hacia la simplicidad, la esquematización y el
simbolismo en las artes figurativas, con todo esto se consigue una mayor
expresividad, renunciando al realismo y utilizan una mucho los motivos
decorativos. Una influencia visigoda, la convivencia con el arte islámico
andalusí y los contactos con el resto de la cristiandad latina produjeron en los
reinos cristianos del norte peninsular formas artísticas de particular interés:
como el arte asturiano y el arte mozárabe.

Arte del periodo de las migraciones: es un tipo de arte de los pueblos
germánicos, un arte de los bárbaros o llamado también arte del periodo de las
migraciones. Suelen centrarse cronológicamente en su período de formación, el
denominado de las “migraciones de pueblos” o de las invasiones bárbaras o
reinos germánicos, tras su cristianización y asentamiento en el antiguo Imperio
Romano a partir del S. V. En los reinos germánicos se desarrollaron distintos
estilos entre ellos estaban: España (arte visigodo, arte de repoblación, arte
asturiano y arte mozárabe), Italia (monumentos ostrogodos), Francia (arte
carolino), Alemania (arte otoniano), en Irlanda y Gran Bretaña (arte celta
medieval). Su mayor característica fue la utilización conjunta de piedra y
madera, con cubiertas de piedra a dos aguas flanqueadas por torres cilíndricas,
de formas similares a antiguos monumentos funerarios.

En la baja edad media están estos movimientos: en esta etapa se pueden destacar dos
estilos internacionales divididos en: arte románico, que va desde el siglo XI hasta el XII
y el arte gótico que se originó en Francia a mediados del XII y se desarrolla en Europa
Occidental desde el siglo XIII hasta el XIV.

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Arquitectura románica: en este estilo, en la arquitectura se construían templos
perdurables con una gran grandeza para evitar su destrucción, siguiendo
una evolución perfeccionando y resolviendo problemas tectónicos en busca de
altura y luz, utilizando la piedra como material principal creando construcciones
que se caracterizaban por
sus
macizos
muros
y
contrafuertes para hacer de
soporte a las robustas bóvedas de
cañón.

Arquitectura gótica: se origina en el siglo XII en Francia. En la arquitectura
gótica se introduce la bóveda de crucería, los arbotantes y el arco apuntado.
Como características destacan edificio altos con un sentido simbólico de
ascensionalidad, como queriendo llegar al cielo, espacios interiores muy
luminosos y coloristas, predominando las vidrieras sobre los muros, con
elementos escultóricos naturistas, con follajes, hojas y animales en la decoración
de los capiteles. El material utilizado es la piedra cortada, encuadrada y pulida
en sillares regulares, y los muros pierden gran parte de la función de
sustentantes, por lo que se abren grandes ventanas. A medida que este arte
evoluciona, las bóvedas son más decorativas, convirtiéndose en bóvedas
estrelladas, florales o reticulares.

1.3 ARTE EN EL TIEMPO ANTIGUO

Se denomina así al tiempo transcurrido entre la aparición de la
escritura con las grandes civilizaciones, hasta la caída del
Imperio Romano en el año 476 de nuestra era. Teniendo en
cuenta que las primeras escrituras son de unos 3.250 años a.C.,
este período abarca aproximadamente 3.700 años, por lo que su
historia es muy extensa y rica en acontecimientos y expresiones
artísticas.
El arte en la Edad Antigua puede dividirse, para su estudio, en cuatro grandes bloques
principales, de los cuales derivan todos los demás. Y ellos son: la Mesopotamia, Egipto,
Grecia y Roma. Entre estas grandes civilizaciones transcurren otras más pequeñas en

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número, aunque no en importancia, pero que son fruto de la influencia de las cuatro
grandes mencionadas.
Mesopotamia:
La civilización mesopotámica se desarrolló entre
los ríos Tigris y Eufrates, en el Asia Menor, una
zona rica y fértil, con gran provisión de agua y otros
recursos naturales que hicieron que fuera muy
apreciada y codiciada.
Por el año 6.000 a.C. los sumerios construyeron la
primera ciudad considerada como tal, Uruk; sus
habitantes se destacaron en la metalurgia, la
administración pública y, sobre todo, por la
invención de la escritura cuneiforme.
Su arte se desarrolló a través de la cerámica, la metalurgia, la literatura y la
construcción.

Muchos
pueblos
habitaron
la
Mesopotamia por ser un sitio de grandes
riquezas naturales: Acadios, sumerios,
babilónicos, asirios, hititas, caldeos, medos y
persas fueron algunos de esos pueblos.
Para ellos, el arte tenía un carácter cívico: Murallas,
acueductos, palacios, templos, plazas, puentes, fortalezas
eran construidos y posteriormente adornados con obras de
arte. Las murallas eran recubiertas con relieves, vidrio,
ladrillos de colores y pequeños trozos de cerámica
esmaltada conocidos como mosaicos.
Las esculturas eran realizadas en rocas relativamente blandas como el alabastro, la
arenisca o el basalto; también trabajaron metales como el cobre, el bronce, el oro y la
plata. La finalidad de las esculturas era social y religiosa. Retrataban a sus reyes, a los
altos funcionarios y a los dioses.
Otra técnica muy utilizada era el bajo relieve, donde presentaban escenas militares y
civiles. Las personas eran mostradas de perfil con algunos rasgos frontales, como el
torso y los ojos, una característica que luego se repetirá en el Imperio Egipcio.

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En cuanto a la pintura, esta era estrictamente decorativa y
se usaba como complemento de la arquitectura. Los
temas eran de guerra y de sacrificio a los dioses. Se
representan a animales, figuras geométricas, personas,
animales y monstruos de su mitología.
En la Mesopotamia, el arte estuvo sobre todo al servicio
del poder de los reyes. Los artistas eran de las clases más
pobres y sin ninguna consideración social. El artista era
anónimo porque lo importante era la figura del poder y
no los que servían al poder, por lo que no ha quedado registro de sus nombres. Ganaban
muy poco y generalmente heredaban de sus padres el oficio, estableciéndose siempre
una relación de aprendiz y maestro que no se podía romper. A lo máximo que podía
aspirar un artista era que el rey le disculpara de pagar impuesto, nada más.

Egipto:
La civilización egipcia es también una de las más antiguas
de la humanidad, y se desarrolló a orillas del río Nilo, en el
norte del África, sobre el mar Mediterráneo.
Este río baña ambas orillas del territorio creando
prácticamente un oásis a lo largo de miles de kilómetros;
una tierra rica y fértil que posibilitó el crecimiento de
poblaciones en toda su extensión.
Los habitantes de Egipto creían en la vida después de la
muerte, por eso momificaban a sus muertos y los enterraban
en la arena; después edificaron grandes monumentos
funerarios de piedra, entre ellos los más famosos, las
pirámides de Keops, Kefrén y Mikerinos.
La capacidad de arte de los egipcios se desarrolla alrededor de lo funerario y la gloria de
los faraones. Esculturas, cerámica, la escritura jeroglífica, la arquitectura son muestras
de su desarrollo artístico.
El arte egipcio estaba muy relacionado,
como casi todo en este pueblo, al medio
ambiente en que se desarrollaban sus
habitantes, que poblaban las orillas del
río Nilo. Un río tan importante para
todos ellos que fue incluso considerado
como dios, pues con sus inundaciones
periódicas traía la bonanza de las
buenas cosechas.
El arte egipcio estaba al servicio de los reyes y de sus creencias en una vida en el más
allá, lo que les llevó a realizar grandes construcciones destinadas a guardar sus restos

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mortales en forma de momias para la reencarnación. Esos monumentos son las
pirámides, tal y como las conocemos. Pero también existen otras obras más pequeñas
que igualmente compiten en belleza con las de mayor proporción.
Eso se debe a que el arte en Egipto era de carácter
simbólico,
religioso
y funerario.
Practicaron
abundantemente la arquitectura, la orfebrería, la
escultura y la pintura. Son conocidos sus grandes
palacios y templos, así como las joyas muy trabajadas
que usaban tanto en la vida cotidiana como en la
ceremonial. También sus esculturas, desde las más
pequeñas a las más grandes, enormes colosos que
parecen proteger a quien las mira o pequeñas vasijas
para contener sus más preciados objetos.
Igualmente la pintura, muy colorida y ornamental, está
presente en el arte egipcio. Así adornaron los templos y
las casas de los faraones, de los sacerdotes y de la
nobleza. Son muy conocidos también sus bajorrelieves y
sus jeroglíficos. Y aunque hubo dos clases de artistas,
los que se formaban en los talleres oficiales y los que
trabajaban en forma privada en pequeños
talleres, generalmente eran anónimos aunque
muy apreciados. Sin embargo, se guardan
registros de algunos artistas, especialmente
de un período ya más adelantado del Imperio
Egipcio, tales como: Bakenkhons e Imhotep,
arquitectos; Auta y Bek, escultores;
Harmose y Hesy, músicos; Amenaankhu y
Dedia, pintores; Eratóstenes y Pitágoras,
filósofos.
Grecia:
La civilización griega, también conocida
como helénica, se desarrolló en la zona de la
Península de los Balcanes, las islas del Mar
Egeo y las costas de la Península de
Anatolia, en la actual Turquía. Sus
antecedentes se encuentran en las culturas
cretenses
y
micénicas,
antiguas
civilizaciones de la Edad de Bronce.

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Se puede decir que el concepto de Civilización Occidental se originó
en la Grecia Antigua, gracias al aporte de filósofos, historiadores,
escritores, artistas y otros grandes pensadores que conformaron lo
que se denomina la Civilización Clásica y que influenciaría
posteriormente en todas las épocas de la historia de la humanidad.
Aristóteles, Platón, Sócrates, Homero, Esquilo, Sófocles, Eurípides,
Aristófanes, Eródoto, Arquímedes, el Partenon, la Iliada, la Odisea, Pericles, Troya,
Esparta, Filipo, Alejandro Magno, son todos nombres
relacionados con esta gran civilización.
Su arte se expresó a través de las grandes construcciones
arquitectónicas, la escultura, la cerámica, la orfebrería, la
pintura, el teatro y la escritura.

El arte en la Grecia clásica también estuvo al servicio
cívico, pero sus ideales fueron mayores que en otras
culturas. Ellos buscaban la belleza recreando el
mundo ideal, copiando la naturaleza y al ser humano.
Esta cultura tan importante, la griega, dio origen a la
Cultura Occidental así como la conocemos hoy en día,
de ella surgieron los conceptos y principios del arte, la
filosofía y todo el saber que vino posteriormente en el
mundo occidental comenzando por Europa y luego distribuyéndose por todas partes del
mundo.
Fueron también quienes desarrollaron y establecieron la estética en el arte con los
conceptos de un “orden arquitectónico” y un “canon de belleza”, que definieron un
modelo o patrón a seguir basado en la armonía entre las partes y el todo, ya sea en un
edificio como en una persona, para representar la imagen perfecta.
Los griegos practicaron muchas formas de arte, como la arquitectura, la escultura, la
orfebrería y la pintura, a la que consideraban como una de las
formas más elevadas. En este período, el arte ya no es anónimo y
se guardan registros de sus principales exponentes. Polignoto de
Tasos (año V a.C.) fue un pintor muy importante de su época,
comparable con Leonardo da Vinci o Miguel Angel Buonarotti del
Renacimiento italiano. Calímaco, Epicteto, Exequias, Pausón,
entre otros, también fueron pintores muy relevantes.

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Fidias, Mirón y Policleto, también en el siglo V a.C., fueron escultores muy
importantes. El primero de ellos, Fidias, es el responsable del conjunto escultórico del
templo más famoso de la historia ocidental, el Partenón, en Atenas, Grecia.
El drama, el teatro, así como la literatura y la filosofía, como las demás ciencias,
también fueron muy desarrolladas por los griegos. Aristófanes, Menandro, Sófocles,
Eurípides, Homero, Temístocles, Esquilo, Esopo, Píndaro, Platón, Sócrates, Tales de
Mileto, Anaximandro, Demócrito, Aristóteles, Parrasio, Apeles y Apolodoro son
algunos nombres que hay que recordar acerca de las artes de la Grecia antigua en todas
sus formas.
Roma:
Los romanos ocuparon toda la cuenca del Mediterráneo y llegaron muy lejos gracias a la
conquista militar. Fueron expertos en asimilar otras civilizaciones, como la griega, de la
que obtuvo el conocimiento y la base de su propia organización civil, política y
religiosa.
Vivieron en paz con los pueblos conquistados, a los que hicieron llegar los beneficios de
pertenecer al Imperio Romano toda vez que vivieran bajo sus condiciones, que no eran
tampoco muy rigurosas, en lo que se denomina la “Pax Romana”.
El hecho de ocupar grandes extensiones de territorio posibilitó que las costumbres de
cada pueblo se mezclen con las de otros, ocurriendo el mayor traspaso de cultura de la
humanidad para su época.
Tal es así que incluso el cristianismo
aprovechó la amplia influencia territorial
romana para establecerse y sumar adeptos,
generando a su vez un arte muy particular
conocido como paleocristiano.
El arte en el Imperio Romano estuvo
caracterizado por las grandes construcciones
arquitectónicas, la escultura, la cerámica, la
pintura al fresco, la escritura y el mosaico.
Coliseo de Roma

El arte romano se extendió por todo el territorio conquistado
por el Imperio, y de igual forma fue absorbiendo el de las
tierras ocupadas. Sobre todo se basaron en el mundo etrusco
y de la Grecia clásica, ya que hasta sus dioses eran los
mismos, así como su organización social, pero a la manera
de los romanos.

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En el Imperio Romano, el arte estuvo muy influenciado por el poder, por lo que sus
fines fueron propagandísticos y de comunicación. De igual manera, los romanos de la
clase alta consumían mucho arte, con los que decoraban sus casas y palacios puesto que
eran personas que disfrutaban mucho de los placeres que la vida les otorgaba, sobre
todo por su poder y posición.
La arquitectura sobresalió de entre todas las
manifestaciones, ya sea para sus palacios como
para los templos o las construcciones civiles como
las carreteras, los acueductos o los edificios de
departamento para la población. También la
escultura se desarrolló ampliamente, basada sobre
todo en el mismo carácter que en el de la Grecia
clásica. La pintura, aunque considerada de menor
rango y con p ropósito decorativo, también fue de mucha calidad y estuvo presente
decorando sus edificaciones ya sea en los pisos, los techos o las paredes.
Y aunque de carácter público y casi anónimo, los artistas tenían un espacio ganado y
eran muy respetados e incluso llegaban a firmar sus obras. Hay algunos registros de
ellos y se destacaron en todas las ramas, técnicas y estilos. Algunos de ellos son:
Facundus Novius y Marco Vitrubio Pollio, arquitectos; Filoxeno de Eritrea y Silvanus,
pintores; Pasíteles y Gaius Aulius, escultores; Valerius y Iulius Apolaustus, orfebres;
Alexandrus y Caturus, ceramistas; Marcianus y Marcel, mosaiquistas; Cicerón y Eneas
de Gaza, filósofos; Hipólito y Epígono, escritores; Tácito y Suetonio, historiadores;
Plauto y Terencio, comedia; Virgilio y Horacio, poetas.
1.4 ARTE EN EL TIEMPO PREHISTORICO Y PREHISPANICO
1.4.1 Arte Prehistórico: abarca todas las facetas de la vida social de los humanos,
(caza, guerra, trabajos etc.). Lo más representativo es: La Escultura, La Pintura.
Las manifestaciones artísticas de la prehistoria tienen su máxima representación en los
llamados artes rupestre, mobiliario y megalítico.
El primero de ellos, el arte rupestre, recibe su nombre de las paredes rocosas de las
cuevas y abrigos en los que se realizaban las pinturas. Estas pinturas representaban
fundamentalmente animales y escenas de caza.
El arte rupestre está, sobre todo, representado en España y el sur de Francia. En España
destacan las pinturas rupestres de las cuevas de Altamira y en Francia las de Lascaux.
En España podemos encontrar dos zonas de pintura rupestre diferenciadas: la zona
cantábrica y la levantina.
En la primera, la cantábrica, las escenas representadas muestran únicamente animales
con un alto nivel de realismo y la utilización de policromías. En la zona levantina, las

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pinturas son más estilizadas y representan escenas de caza en las que aparecen figuras
humanas. En esta última zona las pinturas son monocromas.

Bisonte Recostado - Cueva de Altamira
(Cantabria - España)

Cazadores con sombreros planos y
faldellín - Cinto de las Letras - (Dos
Aguas - Valencia - España)

Segundo "Caballo Chino" (Lascaux Francia)

El arte mobiliario o arte mueble (también llamado arte miniatura o arte portátil) consiste
en figuras y objetos decorativos tallados en hueso, cuernos de animal o piedra o
modelados toscamente en arcilla.
Estas figuras son pequeñas estatuillas antropomórficas y zoomorfas talladas en arcilla y
piedra. Particular interés ofrecen unas características figuritas femeninas de pequeño
tamaño talladas en piedra, denominadas genéricamente Venus. Estas estatuillas tienen
una clara tendencia a la esquematización y un especial interés por resaltar los atributos
sexuales. De entre las más de cincuenta figuras descubiertas destacan la Venus de
Willendorf y la Venus de Savignano.

Venus de Savignano - Museo
Prehistórico Pigorini (Roma Italia)

Venus de Willendorf - Museo de
Historia Natural (Viena - Austria)

Caballo - Museo de las Antigüedades Nacionales
(St. Germain-en-Laye - Francia)

Como arte megalítico se reconoce a los monumentos formados por piedras
grandes y toscamente labradas, erguidas en solitario o combinadas para
formar una estructura, levantadas bien con fines religiosos o bien como
lugares de enterramiento o como monumentos conmemorativos de sucesos
destacados. Los de Europa occidental pertenecen al neolítico y a la edad del
bronce.

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Los principales tipos de monumentos megalíticos son:

El menhir: También llamado monolito es una gran piedra clavada verticalmente
en el suelo
El dolmen: Se trata de un monumento formado por varios menhires sobre los
que descansan horizontalmente otras grandes piedras. Muchos de estos
dólmenes servían como cámara funeraria.
El crómlech: Círculos formados por varios dólmenes y menhires.

Menhir de Filitosa
(Córcega - Francia)

Vista interior del dolmen de la Menga Antequera (Málaga - España)

Crómlech de Stonehenge (Wiltshire - Gran
Bretaña)

1.4.2 Prehispánico: El arte prehispánico se usa para hacer referencia al arte que existía
en América mucho antes de que los españoles llegaran, a las expresiones materiales
desarrolladas por las culturas anteriores a la llegada de los españoles a América. Este
concepto se refiere principalmente a todos los estilos de arte que había antes de que los
españoles conquistaran una gran parte de América. Cuando hablamos del arte
prehispánico nos referimos a todos los estilos de arte que surgieron antes de 1492, ya
que en América existían diferentes culturas y cada cultura tenía diferentes tipos de
representaciones artísticas.

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Su mayor característica es que tiene una función principalmente mítica de ratificación
de la sociedad que la origina.
Se puede considerar que la etapa de América prehispánica era aquella posterior a la
llegada de colón y en la cual se encontraban las primeras civilizaciones que se ocuparon
toda América central, una gran parte de México, en Yucatán y en Guatemala aunque
estas poblaciones también se pudieron ver en otras regiones.
Este arte lo realizaban los artesanos que trabajaban para las elites religiosas y que tenían
la misión de relatar a través de la arquitectura, la cerámica, el textil, el arte plumario, la
orfebrería y la pintura, los grandes mitos que dan origen a su cultura. En la zona de los
Andes, el arte Prehispánico se caracteriza en general, por el desarrollo de formas de
representación, que van desde la abstracción geométrica simbólica, a las formas
figurativas realistas, las que permitieron la comprensión por parte de los indígenas, de
las imágenes religiosas traídas por lo españoles.
¿Qué culturas comprendían el arte prehispánico?
En el arte prehispánico, o mejor dicho en la etapa prehispánica existen diferentes
culturas que se han de destacar:

Cultura Maya: Se estableció durante el período Pre-Clásico
en el 2000 a. C. a 250 d. C., de acuerdo con la cronología de
Mesoamérica, muchas ciudades Mayas alcanzaron su mayor
desarrollo como estados durante el periodo clásico del 250 d.c
a 900 d. C. y continuaron durante todo el período de PostClásico hasta la llegada de los españoles. La cultura maya fue
una de las más conocidas e importantes. Ocupó una gran parte
de América central y México. Fue una civilización
precolombina mesoamericana, conocida por haber desarrollado
un único lenguaje escrito conocido de la América precolombina,
así como por su arte, arquitectura y sistemas matemáticos y
astronómicos. La arquitectura Maya Abarca varios milenios. Lo más
emblemático de la arquitectura maya son sus Pirámides, y adopto la
estructura vertical arquitectónica para estar más cerca de sus dioses.
Cultura Olmeca: Tuvo una muy amplia influencia ya que sus obras
de arte de esta civilización también se encuentran en El Salvador. Los
olmecas se desarrollaron entre los años 1200 a.c hasta alrededor del
año 400 a. C. Fue una civilización antigua precolombina que habitó
en las tierras bajas del centro-sur de México, durante el periodo
Preclásico Medio mesoamericano. Esta cultura se consideró como la
cultura madre de las poblaciones prehispánicas. Se podían encontrar
en las tierras más bajas del centro y el sur del país. Las principales

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formas artísticas de los Olmecas que sobreviven a pesar de los siglos son las
monumentales obras líticas y pequeñas obras hechas de piedras preciosas.
El arte olmeca es altamente estilizado y usa una iconografía que refleja un
significado religioso, pero algunas de las obras de arte de los olmecas son
sorprendentemente naturalistas, con una relativa precisión a la anatomía
humana. Los temas usados para sus obras eran representaciones humanos y de
animales, por ejemplo, las vasijas en forma de pez y de ave. Los monumentos de
piedras como las Cabezas Colosales de la cultura olmeda, son las obras que
mejor representan esta cultura.

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Cultura Azteca: Fueron una civilización precolombina de
la región de Mesoamérica, que floreció entre los siglos XIV y XVI
d.c., que se asentó en México desde el 1325 hasta que llegaron los
españoles. Su idioma era el náhuatl. Su arte estaba al servicio del
Estado, un lenguaje utilizado por la sociedad para transmitir su
visión del mundo, reforzando su propia identidad frente a la de las
culturas foráneas. En su arte se ve una forma de “redescubrir” el
mundo que lo rodeaba y de crear formas escultóricas apropiadas a su peculiar
visión místico-guerrera del universo. Fue un pueblo muy buen escultor ya que
podían realizar esculturas de todos los tamaños en las que plasmaban temas
religiosos o de la naturaleza. Captaban la esencia de lo que querían representar y
luego realizaban sus obras con todo detalle.

Cultura Tolteca: se refiere a las poblaciones que habitaron el centro de México
precolombino que se asentó en el centro de México aproximadamente en el año
900 d.C. El máximo desarrollo artístico de los toltecas se encuentra en el trabajo
de la piedra, con esculturas que muestran escenas militares y de sacrificios
humanos. Una de las más representativas es el Chacmool , una gran figura
sentada en forma reclinada, sosteniendo en el vientre un recipiente y con la
cabeza mirando hacia un costado. El máximo
desarrollo artístico de los toltecas se encuentra
en el trabajo de la piedra, con esculturas que

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muestran escenas militares y de sacrificios humanos. Una de las más
representativas es el Chacmool , una gran figura sentada en forma reclinada,
sosteniendo en el vientre un recipiente y con la cabeza mirando hacia un
costado. También destacan los frisos arquitectónicos de Tula, en que se
representaron guerreros, algunos animales poderosos como el jaguar, el coyote,
el águila y la mítica serpiente emplumada o Quetzalcoatl. El estilo cerámico
Tolteca más antiguo y que antecede a la fundación de Tula, conocido como
Coyotlatelco , se caracteriza por el color rojo y café de sus vasijas.
Cultura Zapoteca: Era un pueblo indígena mesoamericano precolombino que
floreció en el Sur del Valle de Oaxaca y en el istmo de Tehuantepec (México).
Hay evidencia arqueológica que muestra que su cultura se remonta desde hace
unos 2500 años. Esta población se encontraba en el valle de Oaxaca donde se
hizo famosa. Los Zapotecas trabajaban la piedra, especialmente realizaban
diseños decorativos que abundan en su arquitectura. Los bajorrelieves y las
pinturas murales constituyen algunos de los fragmentos más
preciosos del arte prehispánico de México. Destacan
especialmente los motivos de guerreros y cautivos, en los
que pueden observarse la importancia de los conflictos
bélicos en la sociedad.
Cultura Teotihuacana: es una civilización precolombina de Mesoamérica que
se desarrolló entre los siglos I a.c hasta el siglo VIII d.c aproximadamente y se
asentó en México en el siglo I a.C. y duró hasta el siglo VIII d.C. Esta cultura se
caracteriza por el enorme tamaño de sus monumentos,
cuidadosamente dispuestos en principios geométricos y
simbólicos. La mayoría de sus estructuras monumentales son el
Templo de Quetzalcóatl, la Pirámide del Sol y la Pirámide de la
Luna.
Cultura Mixteca: fue un pueblo amerindio de Mesoamérica de familia
lingüística otomangueana que habitaron los actuales estados mexicanos de
Oaxaca, Guerrero y Puebla, en la llamada región Mixteca que floreció
en el sur de México entre los siglos (XV-II a. C.) a.c y llego a su fin a
inicios del siglo XVI d.c cuando los europeos aterrizaron en
América. Los mixtecos construyeron edificios decorados con grecas de
piedra que demuestran su habilidad como artesanos, desarrollaron un estilo de
cerámica con mucho colorido, trabajaron los metales y se destacaron como
excelentes orfebres y realizaron hermosos collares, pectorales, brazaletes,
narigueras y anillos con oro, plata, cobre y piedras preciosas como la turquesa,
las perlas y los corales.

Cultura Totonaca: residían en las regiones costeras y montañosas del este de
México en el momento de la llegada de los españoles en el año 1519. El moldear
el barro es un arte muy arraigado en las costumbres totonacas.
Cultura inca: se desarrolló en la zona Andina, surge a principios de XIII . Se
origina en la cuenca del Cuzco en el actual Perú y luego se desarrolla a lo largo
del Océano Pacífico y los Andes en América del Sur, se fue extendiendo desde
Colombia hasta que la Argentina y Chile. Los constructores incaicos esculpieron
en piedra sus mayores obras de arte edificaron eternas creaciones llenas de vida
y profundo respeto por el medio ambiente que los rodeaba y acogía. Sus
características más destacadas eran la solidez, la sencillez y la simetría. La
cerámica Incaica era en mayor parte utilitaria, pero también ceremonial ya que
fue utilizada en los ritos religiosos donde esta cerámica era especialmente
decorada para esa función.

Cronología del arte prehispánico: Existen algunos periodos que caracterizan a este
estilo de arte entre estas etapas o periodos podemos destacar:

Etapa preclásica: duro desde el año 1500 a.C. hasta el año 300 d.C. Esta etapa
se componía de pequeños reinados que tenían diferentes culturas que fueron
desarrollando, independientemente, a otras culturas.

Etapa clásica: este periodo se inicia a finales del año 300 d.C. hasta el año 900
d.C. Esta etapa fue la causa que permitió un estilo más determinado y definido
gracias a la formación que se obtuvo.
Etapa posclásica: esta etapa comienza en el año 900 d.C. hasta el año 1540 d.C.
Esta etapa se caracteriza por las usuales guerras que estaban causadas por un
aumento de población y por el desarrollo técnico.

Tipos de disciplinas dentro del arte prehispánico

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Existieron varias disciplinas dentro de este estilo de arte entre ellas las más destacadas
fueron la cerámica, la Litoescultura y la Textilería. Aunque también destacaron las
comunes disciplinas que fueron la Pintura, la Arquitectura y la Escultura. Dentro de las
nuevas disciplinas tenemos que destacar:

Cerámica: fue el material más utilizado, ya que según los arqueológicos las
obras más encontradas fueron realizadas con cerámica.
Litoescultura: la litoescultura se inició con las manifestaciones artísticas y
culturas que hubo en esa época. El templo fue el principal centro y con el existen
dos tipos o fases que son: el templo viejo y el templo nuevo.
Textiles: en los textiles los artistas prehispánicos creaban obras sofisticadas y
muy originales y creativas. Estos efectos de creatividad y sofisticación se daban
por la finura que tenían los hilos, por los colores utilizados, entre otras cosas. En
la gran mayoría de los textiles se representaban el mundo natural y el universo
mental que poseía el artista.

1.5 ARTE EN EL TIEMPO RENACIMIENTO
El Renacimiento es el movimiento cultural y artístico iniciado en Italia en el siglo XV
que dirige sus ojos al clasicismo romano y al hombre como centro de las cosas,
superada la tradición teocéntrica medieval.
No es de extrañar que sea en Italia donde se produce tal proceso pues el impresionante
legado del viejo imperio romano estuvo presente incluso en plena época medieval y el
mundo italiano nunca se llegó a desapegar del todo, como demuestra, incluso, su arte
románico peculiar.
Pintura de El Greco. genio del Renacimiento y el Manierismo español
El trasvase de la cultura y arte del Renacimiento al resto de Europa fue
lento y desigual y para lo que centra nuestro interés, el arte en España,
podemos decir que sus primeras manifestaciones comienzan en la
penúltima década del siglo XV y se finaliza en los primeros años del
siglo XVII.
En el apartado de arquitectura renacentista se pondrá especial atención a
dos subestilos o modalidades tan castizas como el
plateresco y el estilo herreriano. En la página de
escultura se dividen los artistas en los tres tercios de
la centuria pues se trata de un arte en constante
evolución. Trataremos escultores tan significativos

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como Vasco de la Zarza, Diego de Siloe, Juan de Juni, Alonso Berruguete, la familia
Leoni, etc.
En lo concerniente a la pintura renacentista del siglo XVI hay que tratar a Juan de
Juanes, Alonso y Pedro Berruguete, Sánchez Coello, Juan Pantoja de la Cruz, Luis de
Morales "El Divino" pero muy especialmente el sublime y espiritual genio del
manierismo "El Greco".
El comienzo del Renacimiento Italiano suele datarse hacia el año 1420, el Renacimiento
florentino es considerado por algunos historiadores del arte como un retomar la época
de esplendor del Trecento temprano, en el cual se destacó Giotto por su naturalismo,
donde según Vasari la renovación del arte se realiza por la imitación de la naturaleza
que para él es lo mismo que el retorno de aquel (Giotto) a los maestros de la antigüedad.
La pintura del Renacimiento se data en Masaccio (1401-1428). La arquitectura en el
florentino Filippo Brunelleschi (1377-1446) y la escultura en Donatello (1386-1466)
En la pintura renacentista Masaccio manifiesta el naturalismo de las representaciones
figurativas y escénicas y el ilusionismo espacial
logrado por la perspectiva central con que crea sus
imágenes.
Otra característica del Renacimiento en Italia es el
surgimiento del individualismo, el hombre se
reconoce como individuo espiritual y como indicio de
la creciente conciencia de sí mismos que cobran los
hombres del siglo XVI, toma reanimación, la pintura
de retratos donde príncipes , nobles y miembros del
alto clero se hacen retratar y también miembros de la burguesía como los comerciantes,
los banqueros, artesanos y eruditos humanistas e inclusive los artistas que lograron
ganarse el reconocimiento de la sociedad y gozar de sus privilegios.
Se pretendía especialmente en el siglo XV y XVI alcanzar la meta de convertirse en el
hombre universal versado en muchas disciplinas, ideal que corresponde a algunos
elegidos como Brunelleschi, Ghiberti, León Batista Alberti, Francesco Di Giorgio,
Donato Bramante, Leonardo Da Vinci, Miguel Ángel Buonarroti y otros. En su mayoría
también eran arquitectos.
La arquitectura no era considerada oficio autónomo ni poseía un sistema de formación
propio, dado que quien era arquitecto anteriormente tendría formación artesanal en otra
disciplina donde demostraría su destreza avanzando
posteriormente en tareas de mayor envergadura donde se
precisarían conocimientos en geometría y de teoría de las
proporciones de la arquitectura antigua.

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Los pintores y escultores ganarían su reconocimiento al no ser considerados artesanos
normales, en la clasificación medieval de la pintura y la escultura, estas serían artes
"mecánicas" no liberales. Condicionalmente las artes liberales se enseñaban en las
universidades, entre ellas se destacan las disciplinas elementales como la gramática,
lógica y retórica y las más elevadas como, aritmética, geometría, música y astronomía.
La importancia de una formación elevada para los pintores y escultores la destacaría
Ghiberti que sostenía que debían estudiar gramática, geometría, aritmética, astronomía,
filosofía, historia, medicina, anatomía, perspectiva y "diseño teórico".
"La Puerta del Paraíso" del Baptisterio de Florencia realizada por Ghiberti marcará un
punto de inflexión en la historia del arte.
Hasta entrado el siglo XV la palabra "artista" era utilizada para nombrar a los
estudiantes de las artes liberales y no para un pintor y escultor. Pero los artistas como
Ghiberti durante los siglos XV y XVI se emanciparon de la programática teológica
dándole al concepto "artista" su significado moderno, el ser artista denotan un ascenso
de estatus social.
Anteriormente la iglesia había sido patrocinadora del arte pero en la Italia renacentista
la mayoría de las imágenes serían encargadas por laicos. Los laicos y religiosos se
comportaban como personas privadas o representantes de diversas corporaciones como
los gremios responsables de las obras de la Catedral y del Baptisterio que encargaban
mayormente obras como esculturas. Entre los corporativos se hallaban las hermandades
destinadas a las tareas religiosas o caritativas que también se relacionaban con la
política y la cultura. El Estado o Gobierno de las ciudades de la misma manera se
mostraría como comitente.
Poco se diferenciarían los comitentes públicos de los privados cuando se habla de
príncipes que actuaban como regentes del Estado, que no diferenciaban entre las
funciones públicas y privadas. Los artistas recibían encargos de ellos y en oportunidades
un empleo fijo como Leonardo Da Vinci en Milán. Este empleo tendría dos caras, dado
que la mayor seguridad económica y aumento de prestigio estaba concatenada a
obligaciones de presencia y dependencia en lo referido a la ejecución del trabajo.
Hay tres tipos de motivaciones para los encargos de pintura y escultura: la piedad, el
prestigio y el placer, siendo esta la que ganaría importancia en el siglo XV y XVI las
familias donde se destacara más esta característica será en las de formación
Humanística, dado que entre los príncipes y representantes de las grandes familias, que
actuaban como mecenas de las artes, los maestros humanistas, encontrarían sus
alumnos. Así también en ocasiones los artistas recurrirían al consejo de los humanistas,
en cuestiones de mitología clásica y de historia de la antigüedad para la realización de
sus imágenes.
Los humanistas serían los primeros en difundir conocimientos de la tradición clásica por
ser conocedores de literatura, también aquí los estímulos se remontarían al Trecento en
el que la Antigüedad Clásica y su legado literario se reactivaría. Siendo Petrarca (1304-

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1374) transmisor del entusiasmo por la antigüedad a sus discípulos. Destacándose
Coluccio Salutati que ocupara en 1375 el cargo de canciller en Florencia y se convertiría
en el pionero de la Filología Clásica, entre sus alumnos se encuentran los humanistas de
la próxima generación: Leonardo Bruni, Pietro Paolo Vergerio y Poggio Bracciolino. La
percepción de la antigüedad humanística en los siglos XV y XVI se eleva al rango de
ciencia en el plano teórico e ideológicamente en lo práctico se tematiza la relación entre
el Renacimiento y la Antigüedad.
En lo que se refiere a la arquitectura: el Papa Nicolás V sería uno de los más grandes
constructores del Renacimiento y comitente de León Battista Alberti quien fue participe
en los proyectos para reconstruir el Vaticano, el Papa consideraba que la pintura era
capaz de hacer visible el poder divino, mostrando a las divinidades como hombres y
mujeres reales y llenos de vida, mientras que la arquitectura presentaba obras para la
eternidad donde las personalidades e instituciones gobernarían en el presente y los
siglos venideros.
Con sus edificios recuperó un imperio desaparecido y lo pobló con los cristianos
poniendo al frente al Papa como nuevo Pontifex Maximums reconstruyendo la Iglesia
de San Pedro con un mayor esplendor y porte clásico dándole la apariencia de un
"Monumento Perpetuo" creado por la mano de Dios siendo una prueba eterna de que a
los papas le correspondía tanto el poder terrenal en Roma así como las llaves del cielo y
de la tierra entregadas por Cristo a Pedro, primer Papa fundador de la Iglesia.

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CONCLUSIÓN
Es importante resaltar como la historia del arte ha dejado huella en los aportes que nos
ha dejado tanto las civilizaciones antiguas, como en lo prehistórico y prehispánico,
durante la edad media, el renacimiento y el arte contemporáneo. Por otro lado, el arte
antiguo nos permite conocer el origen de grandes descubrimientos por el hombre, como
escritura, grandes esculturas, arquitecturas, astronomía, agricultura, calendario entre
otros, estas grandes civilizaciones dieron grandes aportes a la humanidad, como la
filosofía, geometría, matemáticas, diferentes ramas que hoy día se han ido
perfeccionando. Hoy día vemos como se ha revalorizado el arte a través de la historia y
es que gracias a el hay evidencias del origen de nuestro pasado. Y es que lo niños por
naturaleza sienten esa curiosidad de saber de dónde vengo, a donde vamos y es aquí la
importancia de los docentes tomar en cuenta estos grandes aportes
Se ha demostrado científicamente que el estudio de las bellas artes, desde edad
temprana, cultiva en el ser humano una sensibilidad que lo lleva a desarrollar una ética
muy sólida en su vida adulta.

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REFERENCIAS BIBLIOGRÁFICAS
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http://definicion.de/arte-contemporaneo/#ixzz48yXxyTS3
http://tiposdearte.com/que-es-el-arte-medieval/
https://thales.cica.es/rd/Recursos/rd98/HisArtLit/01/artepreh.htm
http://tiposdearte.com/arte-prehispanico-que-es/
http://www.arteguias.com/renacimiento.htm
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