RODRIGO MARTIN AGUILERA

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Trabajo Practico “Rítmica Contemporánea”
Ígor Fiódorovich Stravinski

Igor Stravinsky nació en 1882 en Oranienbaum, una ciudad rusa al
sur del golfo finlandés. Sus Padres fueron Fyodor Stravinsky, un
cantante bajo del Mariinsky Theatre en San Petersburgo; y Anna née
Kholodovsky, una talentosa pianista (Maconie, 2013). Su tatarabuelo
Stanisław Stravinski aparentemente fue descendiente de una familia
noble polaca “Soulima”; según Igor el apellido Stravinsky procede de un
pequeño rio al este de Polonia llamado “Strava”. Su familia fue
originalmente llamada “Soulima-Stravinsky” y eran terratenientes en
Polonia del este hasta donde se sabe. Posteriormente Rusia anexó gran
parte de Polonia, los Soulima cayeron y durante el reinado de Catalina
la grande su familia se movió a Rusia.

Igor recuerda sus días de escuela como solitarios mencionando en su
autobiografía la circunstancia de no encontrar a nadie interesante.
Comienza con lecciones de piano siendo bastante niño además de
estudiar también teoría musical tratando de componer. En 1890 ve una
presentación del ballet de Tchaikovsky “The Sleeping Beauty” en el
teatro Mariinsky. A la edad de 15, ya tenía completamente dominado el
“Piano Concerto in G Minor” de Mendelssohn y había finalizado una
reducción a piano de un Cuarteto de cuerdas de Glazunov pero que
aparentemente dice poco de sus habilidades.

A pesar de su entusiasmo por la música, sus padres esperaban que
estudiara Abogacía. Así es que ingresó en la “Univesity of Saint
Petersburg” en 1901 cursando aproximadamente 4 años discontinuos
de la carrera, sin embargo, durante sus estudios en la universidad
conoce a Vladimir Rimsky-Korsakov quien fuera hijo del famoso
compositor Nikolai Rimsky-Korsakov. A través de ésta amistad
Stravinsky pudo mostrar sus primeras composiciones a Nikolai quien
detectó talento suficiente como para comenzar a darle lecciones
privadas de armonía y contrapunto hasta el 1908, año en el que falleció
Nikolai. (Igor Stravinsky Foundation, 2010)

En 1902 el padre de Igor fallece por un cáncer así que como
consecuencia Stravinsky adquiere mayor independencia económica y
también expande su conocimiento a otros artistas como Claude

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Debussy, Cesar Franck, Emmanuel Chabrier y Paul Dukas. (Igor
Stravinsky Foundation, 2010)

En 1906 luego de unos meses en los que la Universidad cerró a causa
del “Domingo Sangriento”, por lo cual aparentemente Stravinsky no
pudo rendir sus exámenes finales de leyes; recibió un título intermedio.
A partir de ese momento, se empezó a dedicar completamente a la
música y a tomar más clases con Rimsky-Korsakov. (Wikipedia, n.d.)

En 1905 Stravinsky estaba comprometido con su prima Yekaterina
Gavrílovna Nosenko a quien había conocido en su infancia, con quien
compartía muchos intereses, como los de la música y de quien recibiría
una valiosa ayuda como copista de sus partituras. A pesar de que la
iglesia ortodoxa estaba opuesta al matrimonio entre primos hermanos,
se casaron en enero del 1906. Sus primeros hijos nacieron en 1907 y
1908.

En 1909 dos de sus trabajos orquestales, el “Scherzo Fantastique” y
la “Feu d’artifice” fueron presentados en un concierto en Saint
Petersburgo, en donde fueron escuchados por Sergei Diaghilev. Diaghilev
quedó lo suficientemente sorprendido como para encargarle algunas
orquestaciones y el ballet completo “The Firebird”.

En 1910 es presentada en la Opera de París “The Firebird”
coreografiado por Michel Fokine. La presentación fue muy exitosa y
marcó un comienzo para la fama del joven Stravinsky, quien en ese
momento tenía solo 28 años. Debussy, Ravel y Schmitt dieron una
buena recibida a Igor y comenzó desde entonces a frecuentar el circulo
artístico parisino, que incluían a Picasso, Braque, Cocteau y Satie.

Durante los próximos cuatro años Igor y su familia vivieron en Rusia
durante los veranos y en Suiza los inviernos. Durante estos períodos
compone dos obras más para los Ballets Rusos, “Petrushka” (1911), y
“Le Sacre du Printemps” (1913). La primera Vaslav Nijinsky
personifica el rol de Petrushka de forma extraordinaria, entonces
Diaghilev le encarga la coreografía completa de la segunda, en la que
Igor también trabaja con el pintor Nikolái Roerich en la selección de los
sets y la indumentaria.

Luego de la presentación de “Le Sacre du Printemps” en París es
confinado a una residencia unos meses por contraer fiebre tifoidea,
posteriormente se dedica a completar su primera ópera, “The
Nightingale” (Le Rossignol). Trabajo que ya había comenzado en 1908.

Volvió a Suiza poco antes de que se cierren las fronteras nacionales tras el estallido de la Primera Guerra Mundial y tuvo que prácticamente comenzar una nueva vida al perder todas sus pertenencias en la Revolución. sin embargo. En esta época durante un viaje a Italia. pudieron volver a Clarens. así es que no puso un pie hasta octubre de 1962. como “Renard” y “L’Historie du Soldat”. En abril. En 1920 la familia se trasladó a Francia. obtuvo cierta admiración por Mauricio Ravel. RODRIGO MARTIN AGUILERA 4-9-16 En el otoño de 1913 regresan con su familia a Suiza y en 1914 nace el cuarto hijo de Igor. Esta obra marcó el denominado período “Neo-Clásico” de Stravinsky. La familia se instala en las inmediaciones y el 28 de marzo es completada “Le Rossignol”. rodeado del escritor Charles Ramuz. en colaboración con Piccaso en el set. el pintor René Auberjonois y el director de orquesta Ernest Ansermet. La presentación de esta obra no despertó tanto éxito para el público común y los críticos. en colaboración con Ramuz. cambiando residencia varias veces hasta 1939. con decorados y vestuarios de Alexandre Benois. Igor empezó a trabajar en la partitura de Pulcinella. Katya descubre que tiene tuberculosis y es confinada a un sanatorio en los Alpes. Marie Miléne. Con mayores dificultades de producción durante la guerra. En 1919. Diaghilev sugiere a Igor trabajar en adaptación de una obra del Siglo XIX del Compositor italiano Pergolesi. Despues del parto. La guerra hizo imposible a Igor regresar a Rusia. Para entonces. y a petición de Diaghilev la orquestación de dos movimientos . Stravinsky y Ramuz también trabajan juntos en la versión francesa de “Les Noces”. el teatro de Moscú para quien había creado “Le Rossignol” había quebrado y como consecuencia de esto la obra se terminó realizando por primera vez bajo los auspicios de Diaghilev en la opera de París en 1914. n. Terminados los años de guerra Stravinsky prepara una Ópera Bufa. Bartók y Reinaldo Hahn quienes encontraron cierta destreza eh incluso afirmando detectar cierta influencia de Schoenberg. (Wikipedia. con la guerra que se avecinaba Igor decide hacer un rápido viaje a Rusia para recuperar efectos personales.) En julio. vestuario y el bailarín Massine en la coreografía. Igor compone trabajos con pocos recursos.d. una obra de teatro basada en el personaje Polichinela de la “Commedia dell’arte”. incluyendo obras de referencia sobre música popular rusa. se hace amigo de Pablo Picasso. “Mavra”.

En la década de 1930. Aunque Igor y Gide tenían una relación difícil. En 1925 Igor hizo su primera gira por estados unidos. Al año siguiente compuso un ballet basado en un poema de André Gide. el año de su segunda gira norteamericana. Algo que marca el final de una larga amistad de un gran respeto y admiración mutua a la vez que también el final de una etapa en Igor. todas ellas por culpa de la tuberculosis. Igor mismo se vio obligado a pasar unos meses en . a su regreso a Francia ofreció a Jean Cocteau colaborar en la creación de “Oedipus Rex”. a petición de Ida Rubinstein. Atraído por los temas clásicos. una obra inspirada en Tchaikovsky. Así es que Stravinsky decide retomar lo vinculado a la antigüedad Clasica y traer el tema de Apolo dando clases a las musas. conoce al violinista Samuel Dushkin. Ese mismo año le fue encargado un ballet por la mecenas norteamericana Elisabeth Sprague Coolidge. que será publicada parcialmente en 1935. firmó contrato con Columbia Records para grabar algunos de sus trabajos. El período de 1938 a 1939 fue uno de los más difíciles para Igor. En 1934 Igor se transforma en ciudadano francés. algo que en palabras de él le permitió tener una mirada más clara y determinada de las intenciones. “Jeu de Cartes” con coreografía de George Balanchine para el american ballet. quien perdió a su hija mayor. retoma la fe de su juventud. Decide escribir su autobiografía “Chronicle of my Life”. Stravinsky comenzó su carrera como director y solista de piano. la muerte de Diaghilev dejó un terrible vacío en la vida de Stravinsky. En 1924 impulsado por el director de orquesta ruso “Koussevitzky”. En 1931. la religión ortodoxa y compone tres obras religiosas: “Symphony of Psalms”. RODRIGO MARTIN AGUILERA 4-9-16 del ballet de Tchaikovsky “The Sleeping Beauty”. La famosa bailarina Ida Rubinstein le encarga un nuevo ballet “Le Baiser de la Feé”. con quien colaboraría de forma regular. a su esposa y a su madre. En agosto de 1929. así como también la de la ruptura con su Rusia natal. más que con el piano roll. También comenzó a trabajar en la composición de un nuevo ballet. Ese mismo año Igor presenta en Barcelona a su hijo Soulima como pianista al público por primera vez. ambas colaboraciones dieron como resultado “Persephone”. “Credo” and “Ave María”. Durante esta estancia en América.

Stravinsky se transformó en ciudadano estadounidense naturalizado en 1945. . Entre 1948 y 1951 Stravinsky compuso “The Rake´s Progress”. también se establecen en Norteamérica. Su próxima composición va a ser “Cantata” en la cual ya comienza a explorar las técnicas serialistas. Dos años más tarde se muda de Hollywood a New York. una ópera a tres actos en inglés que marcó el final de su período Neo- Clásico. entristecido por el asesinato de Kennedy. mientras que el hijo mayor permanece en Suiza. compone una obra sencilla “Elegy for J. en el que descubrió mucho interés por el jazz y también lo consideró una ola de nuevos proyectos. En 1970 hace su última visita a Europa a conocer a su familia de Ginebra y desde Rusia una de sus sobrinas hace un viaje especial para convencerlo de volver a su país de origen. Para este entonces había desarrollado contactos profesionales con gente de estados unidos. En 1967 a la edad de 85 y con el deterioro de su salud dio su último concierto en Toronto. En 1940. incluyendo algunos muy originales como el de los estudios Disney que animaron en la película fantasía con partes de la consagración de la primavera o también un encargo de “Ringling Brothers Barnum & Bailey Circus” para componer un ballet para elefantes “Circus Polka” (1942). Un año más tarde. Encontró estimulante su nuevo hogar. lo invita a cenar a la Casa Blanca. estableciéndose en Hollywood. durante el cual también escribió sus conferencias sobre la poética de la música. De 1957 a 1967.F. comenzó a grabarlas con la CBS.K” que toca en el aniversario de la muerte de Kennedy. En 1962 el líder soviético Nikita Krushev lo invita a celebrar su cumpleaños 80. Su hija y su hijo Miléne Soulima. ansioso por querer asegurar la correcta ejecución de sus obras. Igor emigró a Norteamérica con su segunda esposa. RODRIGO MARTIN AGUILERA 4-9-16 un sanatorio suizo. Vera de Bosset. Ese mismo año el presidente de estados unidos John Kennedy. En 1942 también compuso “Four Norwegian Moods” inspirado en cuentos populares noruegos y que estaba destinado a ser soundtrack de una película que no se terminó. Después de una gira mundial y de 48 años de exilio visita Moscú y Leningrado. ya estaba trabajando en su “Symphony in C” para la sinfónica de chicago y luego la universidad de Harvard lo invitó a hacer unas lecturas de la serie de conferencias con una audiencia de estudiantes.

el compositor utiliza la brutalidad de la Rusia pagana. casi fuera de rango. el que generalmente es considerado la apoteosis del "Período Ruso" de Stravinsky. El período primitivo o ruso El primero de los períodos estilísticos mayores de Stravinsky (excluyendo algunos trabajos menores tempranos) fue inaugurado por los tres ballets que compuso para Diaghilev. Otras piezas de este período incluyen: Renard (1916). también se anota distintamente y es el primero de los balletes de Stravinsky que utiliza la mitología folclórica rusa. ocho notas fuera de lugar tocadas por las cuerdas y acentuadas por los cornos francés (ver La Consagración de la Primavera para un análisis más detallado de este trabajo). 2006) . Petrushka. Aquí. es notable por su inusual introducción (tríos de cuerdas bajas) y barrido de la orquestación. los temas y motivos argumentales se basan en el folclore ruso. La tumba de Igor está en la Isla de San Michele. En estas obras el músico llevó al 1 Todo el texto referente a los períodos es perteneciente a: (Torres & Fernández. Historia de un soldado (Histoire du soldat) (1918). Pero es en el tercer ballet. reflejando estos sentimientos en la agresiva interpretación. El Pájaro de Fuego. pero dos son de nota particular: el tema de la obertura basado en los sonidos del fagot con las notas en el límite de su registro. Períodos1 La carrera de Stravinsky pasa por tres grandes períodos estilísticos distintos. La consagración de la primavera. con participación vocal. por lo que la mayoría de sus composiciones pueden ser consideradas como parte de alguno de ellos. RODRIGO MARTIN AGUILERA 4-9-16 Después de varios momentos en el hospital. El primero de los balletes. y el golpeado. armonía politonal y ritmos abruptos que aparecen a lo largo del trabajo. instrumentada para la original combinación de cuatro pianos y percusión. y llevan la marca de Rimsky-Kórsakov tanto es su desarrollo como en su instrumentación. Stravinsky murió en New York el 6 de abril de 1971. Hay varios pasajes famosos en esta obra. y Las Bodas (Les Noces) (1923). Éstos ballets tienen varias características compartidas: están hechos para ser interpretados por orquestas sumamente grandes. Su funeral se llevó a cabo el 15 de abril en Venecia.

Algunos trabajos mayores de este período son las tres sinfonías: la Sinfonía de los Salmos (Symphonie des Psaumes) (1930). En estas nuevas obras. o "vuelta atrás" a la música clásica de Mozart. Apollon. es decir. que de hecho nació como una oposición al arrebatado subjetivismo del romanticismo y el expresionismo germánico. Bach y sus contemporáneos. y recuerda a las óperas y temas de Monteverdi. ofrece los ritmos fuera de lugar de la marca de fábrica de Stravinsky. el retorno de Stravinsky. encapsula todo lo que Stravinski había perfeccionado en los 20 años anteriores a su período neoclásico. escrita por W. involucró el abandono de las grandes orquestas exigido por los ballets. en estos casos. Sinfonía en Do (1940) y Sinfonía en Tres Movimientos (1945).H. comenzando a escribir la música que vendría a definir su cambio estilístico final. Después de la realización de ésta ópera Igor no escribió nunca más otro trabajo "neoclásico". solapando al primero ligeramente. coros y trabajos de cámara. Esta ópera. Gluck y Mozart. continúan esta tendencia. RODRIGO MARTIN AGUILERA 4-9-16 límite la herencia de la escuela nacionalista rusa hasta prácticamente agotarla. . Otros trabajos como Edipo Rey (Oedipus Rex) (1927). la mitología de los antiguos griegos. es marcado por dos trabajos: Pulcinella (1920) y Octeto (1923) para instrumentos de viento. pide prestado de la armonía tonal clásica pero también interpone disonancias sorprendentes. Auden y basada en las pinturas y grabados de William Hogarth. escritas aproximadamente entre 1920 y 1950. El pináculo de este período es la ópera The Rake's Progress completada en 1951. durante este período. dios de las musas (Apollon Musagéte) (1928) y el Concierto en Mi bemol (Dumbarton Oaks) (1931). Ambos trabajos ofrecen lo que será un sello de este período. La Sinfonía de Instrumentos de Viento (1920) y la Sinfonía de los Salmos está entre los trabajos más finos compuestos para vientos. Este estilo "neoclásico". El período neoclásico La siguiente fase del período composicional de Stravinsky. Stravinsky se vuelca mayoritariamente a los instrumentos de viento. de no sólo volver a la música "Clásica" sino también volver a los temas "Clásicos”. piano. Apolo. La música es directa pero rara. Perséphone (1933) y Orpheus (1947) también marcan la preocupación de Stravinsky.

El ballet es así una clase de enciclopedia en miniatura de Stravinsky. A Sermon. Stravinsky se ayudó en su comprensión. primitivismo. Stravinsky empezó a impregnarse de la técnica dodecafónica en los primeros trabajos vocales más pequeños como Cantata (1952). Además. mientras otros (el Bransle Gay. quién había estado defendiendo este método musical. y un oído ágil para la orquestación impetuosa y autoritaria. conteniendo muchas de las firmas que pueden ser halladas a lo largo de sus composiciones. De hecho. o serialismo: peculiaridad rítmica y experimentación. Tres Canciones de Shakespeare (1953) y In Memoriam Dylan Thomas (1954). durante esta etapa sobresalen títulos como Movimientos para piano y orquesta (1959). los siguientes quince años fueron empleados en escribir trabajos en este estilo. Un trabajo importante de transición de este período en las obras de Stravinsky. un trabajo para doce bailarines escrito entre 1954 y 1957. Él posteriormente empezó expandiendo el uso de la técnica en obras a menudo basadas en textos bíblicos como Cánticum sacrum y Threni (1958). es su retorno al ballet: Agon. por ejemplo) el despliegue de su reinterpretación única del método serial. a Narrative and a Prayer (1961). Monumentum pro Gesualdo y Réquiem canticles (1966). como si él estuviera probando el método. Stravinsky empieza a utilizar ésta técnica en sus propios trabajos. el inventor del dodecafonismo. al método de los doce tonos en su confidente y ayudante Robert Craft. Sin duda. De esta forma. neoclásicismo. RODRIGO MARTIN AGUILERA 4-9-16 El período dodecafónico o serialista Sólo después de la muerte de Arnold Schoenberg en 1951. y El Diluvio (1962). . e incluso su conversión. aunque ninguno de estos ha obtenido el nivel de aceptación de las obras de las dos épocas precedentes. ingeniosidad armónica. estas características son lo que hace que las producciones de Stravinsky sean tan únicas cuando se compara con las obras de compositores seriales contemporáneos. Algunos números de Agon recuerdan la tonalidad de la "nota-blanca" del período neoclásico.

en segundo en un tratamiento similar al que usa Rimsky-Korsakov en su ópera “The Golden Cockerel”. el uso de material folclórico. s. n. en tercer lugar. directos en tanto los sobrenaturales exóticos motivos cromáticos. Los críticos estaban eufóricos. (Wikipedia. Para citar sólo dos fuentes populares Stravinsky utiliza: “In the Garden” para la base en la ronda de baile de las princesas y “By the Gate” para la parte final. De repente. alabando el ballet de lo que veían como una simbiosis ideal entre la decoración. se adentra sin saberlo en el jardín encantado del malvado Kaschéi el Inmortal.f. insistentes repeticiones de patrones de ritmo.) El relato se basa en el príncipe Iván. dinamismo rítmico en los acentos cambiantes del 7/4 final o el ataque sincopado de “Kastchei”. se le aparece un pájaro de resplandeciente plumaje que revolotea entre los árboles. (Howard. y cada actuación del ballet en esa primera producción. cuya presencia musical se cierne en primer lugar sobre el brillo luminoso de la orquestación. o ambos.) Estrenado en París el 25 de junio. ostinatos. como en la figura introductoria de “Berceuse” o “Lullaby”. A pesar de eso se puede destacar primitivismo más que nada en “Infernal Dance of Kastchei”. Perteneciente a la temporada de ballets rusos organizados por Diaghilev y en este caso con la coreografía de Michel Fokine. la coreografía y la música. melodía. la compañía percibió un gran éxito en la realización. en la que los personajes humanos tienen temas simples.f. RODRIGO MARTIN AGUILERA 4-9-16 Desarrollo de obras The Firebird (1910) Es un ballet de 1910 basado en historias folclóricas rusas sobre el ave mágica de brillo intenso (el Zhar-Ptitsa o Pájaro de fuego) que es tanto una bendición como una maldición para su captor. conocido a un "crescendo" de éxito. Incluso antes de la primera actuación. Iván lo persigue y consigue .) Stravinsky dedica esta composición a su maestro y amigo querido Nikolai Rimsky-Korsakov. (Wikipedia. dirigido por Gabriel Pierné. s. que ha salido a cazar por la noche.d. y armonías picantes. Esta obra a pesar de todo el contenido ruso folclórico que destaca no va a ser tan intensa u original como las próximas dos obras que le siguieron. Fue el primero de los ballets de Diaghilev con música íntegramente compuesta para el mismo.

El pájaro acude y hechiza al séquito del brujo. le corresponde. pronto los monstruos se recobran y se lanzan a una danza infernal que los deja exhaustos. El pájaro interviene de nuevo y. el 13 de junio de 1911 y bajo la dirección musical del Pierre Monteux. a su vez. pero Iván se ha apoderado del huevo y lo estrella contra el suelo. RODRIGO MARTIN AGUILERA 4-9-16 capturarlo. al que el brujo quiere convertir en piedra. música de Ígor Stravinski. agitando la pluma que éste le ha dado. el príncipe llama en su ayuda al pájaro de fuego. El proyecto de Diaghilev y Stravinsky se basó en la última versión de piano de Fireworks de 1909. revela al príncipe que el malvado brujo tiene escondida su alma dentro de un huevo.f. Fue compuesto durante el invierno de 1910-11 y estrenado en París. el príncipe y la princesa celebran su boda. Poco después. Petrushka fue su segunda colaboración con Diaghilev y fue el primer gran éxito que llevó a dar una gran libertad a Stravinsky para poner un sello de originalidad en la vida musical de parís. conmovido por las súplicas que éste le dirige. Francia. Cuando está a punto de conseguirlo. obteniendo a cambio una de sus plumas. pero.) 3 (Wikipedia. Con coreografía de Michel Fokine. el seguía teniendo la audacia de no limitarse en cuanto a la composición o colaborar con el diseñador Benois o el coreógrafo Mikhail Fokine.d. y aunque Stravinsky tenía 27 años en ese entonces y no era todavía muy conocido.) . libreto de Stravinski y Alexandre Benois. los monstruos servidores de Kaschéi hacen prisionero al joven Iván. en el Teatro del Châtelet por los Ballets Rusos de Serguéi Diáguilev. Petrushka (1911) 23 Es un ballet en un acto y cuatro escenas. Con el despertar de los caballeros petrificados. El joven se les acerca y queda enseguida prendado de la princesa más hermosa. Kaschéi despierta. y decorados y vestuario también de Alexandre Benois. Diaghilev encargó a Igor que escriba The Firebird. tras dormir a Kaschéi con un dulce berceuse. 2 (La Phil. el príncipe descubre a un grupo de trece princesas que juegan lanzándose manzanas de oro que arrancan de un árbol del jardín. quien. s. le concede la libertad. Al amanecer. El brujo y todo su séquito desaparecen para siempre. n. Sin embargo.

Fagot. y en la orquestación que alterna y se funde con vientos fuertes y tonos parecidos a una campana en el piano con el empuje grave de las cuerdas. The ballerina. coqueta e irresistible. Él es juguetón. Esta idea lo había atormentado durante las semanas finales de Firebird. Un solo de flauta de tono coqueto hace entrar nuevamente en sintonía. La música abre con un día de feria que se alborota: las muchedumbres y la atracción brillante por todas partes reflejada constantemente en los ritmos cambiantes y la armonía. sigue siendo bastante folclórica. antiautoritario. que es la razón de su atractivo. Petrushka es un descendiente del arte de “the commedia dell’arte Pulcinella” un payaso que representa el arquetipo del pícaro. y un redoble de tambor (un recurso bastante frecuente) golpea a la multitud y la mete en un silencio absoluto. 1830. La versión de concierto de Petrushka comprende cuatro cuadros. dando tumbos y el hechizo siniestro es arrojado. que es la versión rusa de Columbina en la Comedia del arte. pero me encanta porque es absolutamente desprovisto de hipocresía”. Otros personajes desarrollados: The Blackamoor. bonita. el estallido resulta fantástico. un extraño acento festivo de toda la orquesta. pendenciero. comienza a moverse dando una melodía sola de flauta. Arpegios de piano acompañan a los sueños de libertad de la marioneta que se intensifican a gritos enfurecidos de las trompetas y trombones. Trompa y trompetas muteadas evocan a Petrushka solo en una celda sombría. Petrushka se introduce con otro de los mayores recursos de la composición: el “Acorde Petrushka”. travieso. sin embargo. Acá nos encontramos también con la Ballerina y el Blackamoor. cambiando el estado . Petersburg. que van tejiendo un trabajo conjunto tanto armónica como melódicamente. veleidoso. y The Magician. pero por supuesto indestructible. The Magician aparece con movimientos hipnóticos y la orquesta se apaga. El primer cuadro viviente representa los días anteriores de Carnaval. viejo St. El cuadro numero dos: Clarinete. y cuando el proyecto fue terminado él se lanzó a trabajar completamente en el bosquejo de la misma. quien revela la inmortalidad de Petrushka. y los tres juntos hacen una danza rusa deformada y angular. enemigo de Petrushka y eventual asesino. RODRIGO MARTIN AGUILERA 4-9-16 A diferencia de Firebird. Dos baterías aparecen fuera de un teatro de marionetas. la idea de Petrushka era propia de Stravinsky. Stravinsky escribió a su Madre: “…mi Petrushka se está transformando cada día en algo nuevo y hay nuevos rasgos ácidos o desagradables. un tono realizado con la agrupación de dos triadas de Do y Fa sostenido. en la Plaza del Almirantazgo.

todo suena fuera de sincronía con lo demás acompañando el galanteo. The magician se da cuenta que Petrushka es una marioneta y cuando el fantasma de Petrushka aparece The magician huye asustado.d. El bailarín Léonide Massine creó el libreto y la coreografía. el éxito de Petrushka yacía en su brillante representación de la vida mediante la eliminación de las inclinaciones románticas y presentando una profunda. El recurrente “Acorde Petrushka” da la última palabra. El liderazgo de Stravinsky en la vanguardia fue asegurado cuando el propio Debussy dijo que la música de Igor era: “Infantil y salvaje. A quien la bailarina realmente quiere es a Blackamoor. simbólica y arquetípica realidad. Más tarde se demostró que gran parte de la música pudo 4 (Wikipedia . El ballet se estrenó en la ópera de París el 15 de mayo de 1920 bajo la batuta de Ernest Ansermet. n. Afuera de Rusia. Diaghilev quería un ballet basado en un libreto y música de la commedia dell'arte de principios del siglo XVIII que. después de la música en la escena de la feria. y Pablo Picasso diseñó los trajes y decorados originales. Petrushka aparence en la fiesta y Blackamoor lo persigue en la multitud. En el cuadro final. Pero sin embargo en Rusia fue criticada por simplemente contener extractos de canciones rusas pop o de canciones populares y sonido ambiente no muy bien ligado o como dijo Prokofiev con cierto “relleno modernista”. RODRIGO MARTIN AGUILERA 4-9-16 de ánimo para retratar a la Ballerina. de quien Petrushka está enamorado. una tonada banal de los vientos con el pizzicato de las cuerdas. Ella va a provocar. La presentación de esta obra fue criticada como una muestra sofisticada de folklorismo teatral e intelectual. Blackamoor persigue a Petrushka y lo mata.) . en el tiempo de Diaghilev se creía que había sido compuesta por Giovanni Battista Pergolesi. Sin prudencia ni pretensiones”. La obra fue encargada por Sergei Diaghilev. Una melodía torpe. el chico malo que es el centro del tercer cuadro. Pulcinella (1920)4 Es un ballet basado en una obra de teatro del siglo XVIII en torno al personaje Pulcinella o Polichinela originario de la commedia dell'arte. pero por supuesto no quiere tener nada que ver con Petrushka.

una vez que estudió las partituras que Diaghilev había encontrado en las bibliotecas de Nápoles y Londres. la cual fue revisada en 1944. los enamorados Florindo y Prudenza y sus correspondientes siervos Coviello y Rosetta. s. interrumpe la escena. Stravinsky reescribió esta música antigua de una forma más moderna tomando prestados temas y texturas concretas. que al final se besan. La obra tiene tres movimientos y fue compuesta durante el periodo neoclásico del compositor. entonces. cadencias y armonías modernas. pero intercalando ritmos. Florindo y Cloviello llegan en ese momento y. Las dos mujeres no se dejan impresionar y responden a los pretendientes con agua. cambió de opinión. El ballet se desarrolla en un solo acto y cuenta con los siguientes personajes: Pulcinella. El padre de Prudenza. La historia comienza con Florindo y Cloviello cantando serenatas a Prudenza y Rosetta. El ballet concluye con las bodas de las tres parejas. celosos a su vez de Pulcinella. En 1925 compuso otra versión para violín y piano conocida cono La Suite Italiana. Fue Ernest Ansermet. una soprano y un tenor. Pulcinella es a menudo considerada como la primera pieza del período neoclásico de Stravinsky. Sinfonía de los Salmos (1960 – 61)5 Es una sinfonía coral compuesta en 1930 por encargo de Sergéi Kusevitski para celebrar el 50º aniversario de la Orquesta Sinfónica de Boston. y aunque al compositor no le seducía Pergolesi. y Prudenza y Rosetta sucumben por fin al cortejo de Florindo y Cloviello. aparece entonces y sale en su persecución. Así que. quien sugirió la propuesta a Stravinsky en 1919. La partitura del ballet fue revisada en 1965. Carlo Ignazio Monza.f. Pero todo esto es realmente una farsa para conseguir que Pimpinella perdone a Pulcinella. sin la parte cantada. su amigo Furbo. que les estaba espiando. el director. Pimpinella perdona a Pulcinella. Éstos son interpretados sin 5 (Wikipedia. Está orquestado para una pequeña agrupación de cuerdas acompañada de un barítono. le dan una paliza durante la cual Pulcinella es apuñalado. Pimpinella. Un nuevo episodio comienza con Rosetta bailando para Pulcinella.) . un doctor. Unico Wilhelm van Wassenaer y Alessandro Parisotti. En 1922 compuso una suite con música del ballet. RODRIGO MARTIN AGUILERA 4-9-16 haber sido escrita por Domenico Gallo. aparece Furbo disfrazado de mago y resucita a Pulcinella delante de todos. su novia Pimpinella. No obstante.

Curiosamente. Stravinski dijo acerca de los textos que «no es una sinfonía en la que he incluido Salmos para ser cantados. la obra invierte el orden de las virtudes teologales que hace San Pablo: fe. lo que hizo que se pensara que se había vuelto projudío. Escribió partes sustanciales de la pieza en contrapunto fuga. esperanza y caridad. al igual que ocurrió con otras de sus composiciones. De vez en cuando utiliza la escala octatónica (que alterna tonos y semitonos). Proviene del Antiguo Testamento. es el canto de los Salmos lo que estoy convirtiendo en sinfonía». pero en su defecto pueden ser reemplazadas por voces femeninas. la mayor extensión es de once líneas divisorias entre los números de ensayo 4 y 6 en el primer movimiento. seis y doce minutos respectivamente. El primer movimiento representa la caridad. que era lo habitual para todos los coros de iglesia durante todo el período barroco. La más sutil de las técnicas que utiliza Stravinski para retratar a la Iglesia es el uso de los modos eclesiásticos. Stravinski retrata el carácter religioso del texto a través de sus técnicas de composición. Debido a la naturaleza religiosa de esta obra. cada movimiento está dedicado a una de las virtudes teologales. con una duración de tres. Por el contrario. ya que estos textos son usados en las partes corales. Los textos que eligió fueron el Salmos 38 para el primer movimiento. También utiliza el gran coro para crear una atmósfera ritual como el de la Iglesia.. Stravinski dijo que las raíces de toda la sinfonía son «las secuencias de dos terceras menores acompañadas por una tercera mayor [. Stravinski se negó a que fuera traducido. el . ya que a las mujeres no se les permitía cantar en la iglesia. La obra consta de tres movimientos. El texto de la sinfonía es en latín. que era ampliamente utilizado en la iglesia en el Renacimiento y Barroco.. el segundo representa la esperanza y el tercero representa la fe.] derivadas del motivo de trompeta-arpa en el comienzo del allegro en el Salmo 150». El coro de Stravinski incluye hombres y niños. RODRIGO MARTIN AGUILERA 4-9-16 interrupción y los textos cantados por el coro provienen de la Vulgata en latín. La obra debe su nombre al Libro de los Salmos. a lo que el propio compositor contestó que los textos en latín de la Vulgata eran utilizados desde hacía dos mil años en la liturgia de las iglesias cristianas.

Un Pentacordio cromático delimitado por una tercera mayor. La serie básica usada en el trabajo se presenta melódicamente en la sección A. La primera grabación la hizo el propio Stravinski con la Orchestre des Concerts Straram y el Alexis Vlassay Choir en el Teatro de los Champs-Élysées en París el 17 y 18 de febrero de 1931. en los segmentos 3-7 y en 8-12. El estreno en Estados Unidos lo realizó el 19 de diciembre de ese mismo año Kusevitski y la Sinfónica de Boston. en un patrón “A B C D A E C D”. Aunque la obra fue compuesta para la Orquesta Sinfónica de Boston. el estreno mundial fue realizado finalmente por la Société Philharmonique de Bruselas el 13 de diciembre de 1930. escrita en un estilo de inglés contemporáneo. Para su texto. La apertura del Sermón se divide en 8 partes. Stephen (from the "Acts") III . A Sermon. Paul) II . sigue con el Expectans expectavi Domine y finaliza con el Laudate Dominum.A Prayer (from Thomas Dekkar) La orquesta complete nunca suena junta en ninguna parte de la composición y el coro está en silencio durante todo el segundo movimiento.A Sermon (from St. Stravinsky escogió pasajes de las “Epistolas de Pablo” y los “Hechos de los Apóstoles”. a Narrative and a Prayer (1960-61) Stravinsky considera esta cantata como un Nuevo Testamento en contraparte a Threni (1957). compuesto tres años antes para un texto del Antiguo Testamento. y este pentacordio ocurre dos veces más en la fila. “The Lamentations of Jeremiah”.A Narrative: The Stoning of St. Los títulos de los tres movimientos son: I . RODRIGO MARTIN AGUILERA 4-9-16 Salmo 39 para el segundo y el Salmo 150 para el movimiento restante. bajo la dirección de Ernest Ansermet. un preludio instrumental de abrir el primer movimiento: “Eb-E-C-D-Db-Bb-B-F#-G-A-Ab” las primeras 5 notas de esta fila son una forma permutada de la fila de cinco notas que Stravinsky usó en “In Memoriam Dylan Thomas” (1954). la obra se abre con un Exaudi orationen meam. Así. así como una oración por el poeta isabelino Thomas Dekker. . con el coro de la Cecilia Society (guiado por Arthur Fiedler).

Igor utiliza sólo la forma no transpuesta de las principales. como lo hace con esta matriz que usa para el siguiente pasaje canónico en las voces alto y tenor: “Oh My God. Este tipo de procedimiento sugiere los cánones usados por Messiaen y Pierre Boulez. transpuestas un semitono más alto. un pasaje bastante oscuro y de una construcción serial muy complicada e intrincada. hablada con el coro con un acompañamiento de las cuerdas con “Sul Ponticello”. un corto solo para el tenor conduce a la sección C. que aprendió de las obras de su amigo Ernst Krenek. y los tonos que los forman corresponden a la serie retrograda. el coro entra con las cuatro formas de la serie básica. Al final de este canon. para generar matrices de tonos. Las matrices se construyen mediante la adopción de rotaciones progresivas de cada hexacordio y luego transporta la resultante de cada conjunto que comienza con la misma nota. ahora uno tras otro en un pasaje de dos partes contrapunteada entre el coro y la orquesta. tocando simultáneamente la serie retrograda y retrograda invertida. piano. Durante la conclusión del acorde en las trompas. En muchos casos viajara sistemáticamente a través de la matriz para derivar líneas melódicas largas. que proporcionaron el esquema para muchas de las obras de Igor. if it Bee Thy pleasure to cut me off before night". El movimiento concluye con una coda instrumental de ocho barras en el que las cuatro formas básicas de la fila se combinan en una serie de acordes sombríos. RODRIGO MARTIN AGUILERA 4-9-16 Esto es inmediatamente seguido por la primera parte coral B. Este pasaje es estricto. A lo largo de la cantata. arpa y gongs continúan su ostinato de la . ahora introduciendo en primer lugar los Oboes y Fagotes en doble canon. los hexacordios son desplazados. La segunda es una escena elaborada por el narrador (haciendo su primera aparición en la obra) y solistas. que describe el juicio y lapidación de St Stephen. se repiten en la sección D. Los pasajes canónicos continúan para destacar. directamente un canon rítmico. retrograda. inversa y la retrograda inversa de sus series. Fuera de estas matrices. en los compases 226-38 cerca del comienzo del tercer movimiento. Estas mismas dos formas de la serie. sobre todo acompañada de cuatro Trompas. Contrabajo. y después el piano y la tuba en un canon de tres partes. Stravinsky emplea un método de rotación de hexacordios. el tenor con hexacordios II-II-IV-V-VI y contralto I-II-II-IV- V. acompañado por la orquesta. en lugar de compositores como Josquin des Prez y Bach.

basado en el primer hexacordio de la inversión. Estos tres bailes juntos constituyen el segundo Pas-de-Trois. los hexacordios aparecen por primera vez por separado en el Branle simple (para dos bailarines) y Branle alegre (para bailarina sola). Agon (1957) Es un ballet para doce bailarines con coreografía de George Balanchine. la música del ballet demuestra así una simbiosis única de idiomas musicales. pero consiste en una serie de movimientos de danza conformado de diferentes grupos. RODRIGO MARTIN AGUILERA 4-9-16 sección de apertura canónica. una vez más. pero fue la primera en que utiliza una serie dodecafónica. compases 104-107. mientras que la primera actuación en el escenario fue dada por el ballet de la ciudad de New York el 1 de diciembre de 1957. Composición iniciada en 1953 pero interrumpida al próximo año. alternando con pasajes de las cuerdas. en el que se trasladó de un lenguaje musical diatónico a uno basado en el dodecafonismo. Al principio en el trabajo emplea una serie de 16 tonos. pero esto no afecta fundamentalmente al diseño de doce partes porque su función es prosódica y compensatoria. El Branle doble se basa en una serie de doce tonos diferentes. la combinación de las cuetro formas de la serie. compas 185. El Ballet no tiene historia. la música se presentó por primera vez el 17 de junio de 1957 en los Ángeles dirigida por Robert Craft. gallarda o branle. . sólo que esta vez con el primer hexacordio de cada retrograda. el trabajo se reanudó en 1956 y concluyó el 27 de abril de 1957. y la evidencia sugiere que estas dos filas están relacionadas. con cuatro grandes secciones compuestas por tres bailes. Los dos solistas al unísono introducen el Alleluia. Esta no es la primera composición de Igor en la que emplea técnicas serialistas. El largo período de gestación abarca una coyuntura interesante en la carrera compositiva de Igor. Un preludio y dos interludios se producen entre las secciones grandes. Un numero de movimientos se basa en danzas cortesanas del siglo XVII como la zarabanda. y se combinan para formar una fila de doce tonos en el doble Branle. Stravinsky expuso el ballet en una forma duodecimal. introducida en el segundo coda.

El ballet describe la historia. del rapto y sacrificio pagano de una doncella virgen al inicio de la primavera que debía bailar hasta su muerte a fin de obtener la benevolencia de los dioses al comienzo de la nueva estación. Sostenuto e pesante. esta coreografía se perdió. evocando escenas primitivas en cuanto a diversos ámbitos de la vida. Tranquillo) . se aparta abruptamente del refinamiento y la exquisitez que había caracterizado y distinguido al ballet clásico. Igor utiliza la brutalidad de la Rusia pagana. Tempo I) . Poco después de su estreno. a toda una época. Cortège du Sage . Jeux des cités rivales (Molto allegro) . Jeu du rapt (Presto) . Danse de la terre (Prestissimo) . lo que la gente estaba acostumbrada a oír y ver. reflejando estos sentimientos en la agresiva interpretación. La obra se divide en dos actos: Primera parte: Adoración de la tierra . Tuvo muchísima repercusión ya que inició el cambio de lo clásico a lo contemporáneo. El ballet fue coreografiado por. Introducción (Lento. pagana y étnica Para ello. Adoration de la terre (Lento) . Nijinksy. Les augures printaniers (Tempo giusto) . a toda una generación. sucedida en la Rusia antigua. que sorprendía a todos. Todo ello se desarrollaba en el escenario de una Rusia arcaica. se sirve de imágenes musicales de gran plasticidad. Stravinsky. armonía politonal y ritmos abruptos que aparecen a lo largo del trabajo. de pronto. Rondes printanières (Tranquillo. creó con ello un lenguaje musical de un carácter y originalidad única. Se presentó un ballet que. Più mosso. Vivo. RODRIGO MARTIN AGUILERA 4-9-16 La Consagración de la Primavera (1913) Acá. Diaghilev quería rendir un homenaje a su tierra natal con la creación de un ballet que girase en torno a las tradiciones de la Rusia ancestral.

y los reaccionarios autores románticos y post-románticos. a innovar más de cuanto la corriente modernista francesa (una de las vanguardias en aquel momento) se había atrevido a hacer. Introduction (Lento) . La crítica por su parte estaba dividida entre los maravillados modernistas franceses. Variación 1. impulso. Stravinski se atrevió. Además. Action rituelle des ancêtres (Lento) . La innovación de esta obra se produjo fundamentalmente en varios ámbitos musicales: Ritmo El autor prescinde de las típicas secuencias que caracterizaban hasta el momento toda obra (por ejemplo: Introducción.. Hay pulsación en el ritmo. adquiriendo una estructura lineal. lo que produce en el oyente esa sensación de imprevisión. naturalmente. Variación 2. ni entre sí mismas a lo largo del tiempo. por el uso de compases complejos o por la utilización de la síncopa para alterar la posición de las partes acentuadas de los compases. Por otra parte..Più mosso - Tempo I) . prácticamente carente de repeticiones. supuso un estrepitoso fracaso: el público comenzó a abuchear la obra cuando ésta aún no había finalizado. no hay sincronía y acompasamiento ni entre las distintas voces de los instrumentos. Su estreno. Tema principal. Este tipo de figura de pulsación desigual tiene un nombre propio: se llama ritmo Aksak (que en turco significa «cojo»). Evocation des ancêtres . pero la duración no es siempre la misma y unas son más largas que otras. que la consideraron como una sucesión estruendosa e incomprensible de sonidos y ruidos.). Danse sacrale (L'Elue) (♪ = 126) A diferencia de los ballets anteriores. obras más «rusas» y menos «rupturistas». RODRIGO MARTIN AGUILERA 4-9-16 Segunda parte: El Sacrificio . ya que los turcos lo . Glorification de l'Elue (Vivo) . Cercles mystérieux des adolescentes (Andante con moto . y es propia de la tradición de muchos pueblos del este de Europa. en esta obra. brutalidad y desorden. los ritmos utilizados se vuelven irregulares por el constante cambio de compás. como podía esperarse.

Otras se basan incluso en escalas pentatónicas de 5 notas. La obra está cerca del atonalismo pero con un sentido muy estricto. desaparece el . todo con una función figurativa al servicio de una mejor representación plástica. con intervalos aumentados o disminuidos. sino que muchas veces se compone de una simple acumulación de notas. Orquestación Stravinsky desarrolla aquí una sonoridad completamente nueva. sino a veces meramente onomatopéyicas. agresivos y violentos. todo tiene un sentido además de la capacidad del autor. El acorde sacre. El uso de estratificación de terceras. Stravinsky insistió durante toda su vida en que no podía justificar como lo había construido. Abundan los efectos percusivos. y la adopción de la música dodecafónica. Melodía Sin llegar a la destrucción del sistema de octavas. También emplea pocas notas en la escala para crear melodías de poco recorrido (antaño dependían por completo de la voz para ser ejecutadas y no se permitían registros amplios para comodidad del intérprete vocal) y pocos saltos. Esta armonía no tiene función estructural. RODRIGO MARTIN AGUILERA 4-9-16 llevaron a los pueblos eslavos. aunque se usen acordes disonantes. para dar brillo a la obra y sacar la sonoridad que se pretende. es un ejemplo claro de la intencionalidad de Stravinsky de guiarse no tanto por la funcionalidad sino por la sonoridad. como sucede en Schönberg. la armonía que se obtiene se aparta de la tonalidad clásica. Armonía Como resultado de la superposición de líneas melódicas. o clúster. el acorde más representativo e importante de esta composición cuya sonoridad es muy particular y disonante. De nuevo algo antiguo suena realmente nuevo. así como de líneas musicales (bien de fondo o como figura principal) que no respetan estrictamente las líneas marcadas por las modalidades y las escalas. es frecuente en esta obra el uso de disonancias. Es importante señalar que para la creación de estas melodías Stravinsky utiliza escalas y modos «antiguos» que se asemejan a los actuales pero en realidad no son del todo ni mayor ni menor. que simplemente había sido el gozo de escucharlo lo que le llevó a decantarse por él. Además son muy repetitivas. Con ello consigue un cierto efecto de antigüedad.

Debido a su condición de primera obra claramente rupturista. trata la cuerda de un modo rudo y áspero. Cuatro Fagotes. Dos clarinetes en Sib. Cuatro Oboes. RODRIGO MARTIN AGUILERA 4-9-16 sonido expresivo y melódico de los instrumentos de cuerda y se favorece el predominio de la percusión y los instrumentos de viento. se limitan prácticamente a funciones de acompañamiento rítmico tocando notas breves y repetitivas. tres Flautas (la tercera también toca el piccolo 2). esta obra puede considerarse para el oyente como una obra inicial de la música clásica del siglo XX. De hecho. Corno Ingles. Flauta en Sol. El solo de fagot en el registro agudo con el que comienza la obra ya indica que nos encontramos en un mundo totalmente nuevo en lo que a la sonoridad orquestal se refiere. . Clarinete en La. Otro tipo de recurso instrumental utilizado a menudo en la obra de Stravinsky es la mixtura de sonidos. sin participar del protagonismo habitual. Contrabajos Maderas: Flautín. también toca el clarinete bajo. Instrumentación Cuerdas: Violín I. Está en concreto entre flauta contralto y violín solo tocando en armónicos una escala pentatónica como las de antes es realmente inusual. Dos tubas. Clarinete Bajo. Los violines. De hecho. y a la dificultad de su audición (especialmente para los oídos acostumbrados a los compases barrocos. como la melodía. A partir de Stravinski. también toca el clarinete en Mib. el estilo rupturista domina todo el panorama musical europeo en todas sus dimensiones. Tres trombones. neoclásicos y románticos). Merece la pena destacar igualmente el curioso papel reservado a las cuerdas en esta composición. Cuatro trompetas en do. Violonchelos. la forma y el timbre. en ninguna otra obra de Stravinski encontramos la misma voluntad de romper deliberadamente contra todo lo anterior. la séptima y la octava también tocan la tuba wagneriana. Metales: Ocho trompas en fa. la cuarta también toca la trompeta baja en mi♭. Violas. En algunos momentos el uso de los instrumentos de viento madera (corno inglés. Contrafagotes. que por lo general son los encargados de llevar el peso de la obra. flauta contralto) tiene un efecto exótico y evocador. por lo que el escándalo de esta obra no se repetirá. evocadores de una naturaleza salvaje y primitiva. Violin II. Clarinete en Re. como un instrumento de percusión. Trompeta en re. el cuarto también toca el corno ingles 2.

como el güiro o la trompeta piccolo. la coreografía original de Nijinski se perdió y. Tuvo gran rechazo. pero al tiempo se terminó reconociendo el valor y la calidad de esta gran . la coreografía informal de Nijinsky. también la atrevida coreografía de Nijinsky y el vestuario excesivamente liviano de los bailarines resultaron ser demasiado provocativos para la conservadora sociedad parisina del momento. Tam-tam. provocando que en el segundo acto se tuviera que contener al público. también adaptado para dos juegos de timbales. Se estrenó en París en el Théâtre des Champs-Élysées el 29 de mayo de 1913 con Pierre Monteux como director de orquesta. en el estreno. las intensas disonancias y los fuertes ritmos asimétricos provocaron una reacción del público tan fuerte que ni siquiera los bailarines podían oír la orquesta. El público comenzó a abuchear la obra cuando ésta aún no había finalizado. de notas y dibujos. no lo comprendió. También usó instrumentos que rara vez integraban una orquesta sinfónica. El escándalo de este estreno no se debió solamente a la música. Güira (instrumento musical). se pudo reconstruir lo más fielmente posible en 1978 en el Joffrey Ballet. El público. Bombo. Es la pieza de danza del Siglo XX por excelencia. Sin embargo. Stravinsky orquestó esta obra usando todos los registros de los instrumentos desde el grave hasta el sobreagudo. Triángulo. El ejemplo más claro de esto es al comienzo de la obra con el solo de fagot en el registro sobreagudo. de Wagner. RODRIGO MARTIN AGUILERA 4-9-16 Percusión: Tres juegos de tres timbales. Pandereta. que la consideraron como una sucesión estruendosa e incomprensible de sonidos y ruidos. en su mayoría. un instrumentista toca 5 y otra toca 4. Nadie había escuchado antes una música que llevase semejante carga de poder primordial. La crítica estaba dividida entre los maravillados modernistas franceses. por lo menos desde Tristán e Isolda. a través. Dos crótalos en la♭ y si♭. y los reaccionarios autores románticos y post- románticos. Danza La Consagración de la Primavera supuso en el ámbito de la danza un cambio radical con la tradición de los Ballets Rusos y con la tradición del Ballet Clásico. explorando los timbres poco usados.

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