Mientras estudiaba en la universidad me llegue a sentir algo incomoda ya que mi deseo desde que

entre era de crear me encanta crear cosas desde cero, creo que algunas personas en el área del dise-
ño gráfico pueden sentirse identificadas con el área de las bellas artes, pero esto pasa por que suelen
haber confusiones entre los conceptos y objetivos del arte y el diseño, creo que en algún momento
habremos pensando que el diseño es la salida de encontrar dinero de una forma más creativa, pero
lo que realmente nos ha estado enseñando es a ser dependientes de un mercado que está com-
pletamente vacío cuando realmente no debería de ser así, un diseñador, ilustrador o artistas están
estrechamente relacionados entre sí al igual que todo disciplina artística.

Pero que es lo que verdaderamente tenemos que buscar?, todos estamos relacionados y nos
conectamos porque tenemos algo en común somos seres humanos que buscamos una experiencia
de vivir y sentirnos cada vez más vivos, al igual que el diseño la ilustración o las artes es algo que
creamos y le damos vida pero muere cuando no tiene ninguna dirección o algún propósito o cuando
hacemos algo que no es ético, puede sonar algo duro pero la obra siempre va a estar relacionada con
nosotros mismos porque somos ese medio somos los creadores del trabajo personal e imaginativo
son las características de todo artistas, el desarrollo y descubrimiento personal a través de lo que ha-
cemos y nos dedicamos es algo que nos ayuda a desprendernos de las responsabilidades comerciales
en el área de las artes
El objetivo de esta introducción es que me gustaría que cada persona se tomara el tiempo de pen-
sar sin ninguna distracción en que es lo que realmente se quiere dedicar sin importar a que diga un
título universitario o a que digan las personas sobre eso, nuestra búsqueda personal de dedicarnos
a lo que realmente queremos y el equilibro de todas las responsabilidades es sin duda la clave para
que poco a poco llegar a donde de verdad queremos estar, y es algo que solo podremos lograr por
nosotros mismos y el deseo de crear

Quizás en este camino no estudiamos los que nos gustaban, o no aprendimos lo que queríamos
aprender entre diferentes razones, pero esto es algo que no nos debe de detener, es algo complicado
porque al principio no sabremos cómo organizarnos y es bastante frustrante la verdad pero es algo
que con el tiempo, constancia y prestando mucha atención a las cosas que hacemos es algo que no
se pueda arreglar, en este caso he sentido el fuerte deseo de estudiar artes secuenciales, porque
siempre me ha gustado ver he interpretar que movimientos existen entra casa expresión básica o
que es lo que sucede en el cuerpo antes de sonreír, o como reaccionamos antes las cosas es algo que
me parece fascinante e increíble de estudiar

Por esa razón he decidido crear esta guía para todo aquel que vaya iniciando se siena motivado para
comenzar esta nueva disciplina, compartirles mis conocimientos y experiencia sobre esto
Lápices:
Para este proceso de animación me apoye de algunos materiales como lo son los lápices los que más
utilice fueron los lápices HB para bocetar y 2B para los detalles y el delineado.

Bisturí:
Es una de las herramientas que más me gusta para afilar los lápices ya que me permite moldear la
punta para que dure todo el proceso de dibujo sin que se me parta y se conserve la punta.

Sacapuntas:
Lo utilizo para afilar los lápices de una forma más rápida pero no suelo
usarlo con mucha frecuencia es un auxiliar para hacer detalles que no re-
quieran un proceso muy alargado hasta que la punta se gaste.

Borrador nata:
Esta clase de borrador me gusta más porque no
maltrata tanto la hoja cuando se desee borrar trazos
mucho más marcados muy importantes ya que los bo-
rradores de lápices son también buenos pero solo si se
desean hacer correcciones muy exactas.

Limpia tipos:
Es un borrador ideal para no ensuciar la hoja es
bueno para hacer bocetos y sin necesidad del uso del
borrador nata que es más agresivo, absorbe la grasa
que contiene el grafito haciendo que en la hoja no se
manche fácilmente.

Brocha:
Para limpiar las migas de grafito que deja el lápiz sin necesidad de pasarle la mano ya que la mano aplica
más fuerza y esto hace que la hoja se vaya manchando poco a poco en cambio la brocha como es algo más
suave solo hace a un lado las virutas sin estropear el trabajo y tenga un acabado limpio.
Cinta para registrar las paginas:
Si no tenemos un registrador de páginas para eso se puede utilizar
cinta o líneas de registro que nos ayuda a que cada hoja de la anima-
ción mantenga siempre la misma posición.

Lápices de colores:
Complementos para agregarle color a las ilustraciones esto puede variar según el gusto de cada
quien porque pueden utilizarse cualquier técnica para aplicar color.

Espejo:
Siempre es bueno vernos a nosotros mismos como referencia
rápida mientras dibujamos una secuencia ya que nosotros mis-
mos podemos interpretar los gestos faciales que nosotros quera-
mos crear la movilidad.

Cámara:
La utilizo más que todo para tomar fotos de
referencia o hacer pequeñas tomas de cómo se
mueven las personas haciendo alguna acción
que necesite que me ayude a darle realismo y
fluidez a la animación.
Digitalizadora:
Para crear ilustraciones de forma digital hace que el
proceso de animación sea sencillo y semejante al diseño
tradicional.

Pantalla de luz :
Esto lo utilizo para crear las secuencias
y poder ver la posición del personaje por
como la luz proyecta se puede ver con cla-
ridad el dibujo que está debajo de la hoja y
facilitar el trabajo de la animación sea más
fluida.

Fotos referenciales:
Estas nos ayudan a darle mayor detalle ya que podemos
pasar por alto algunos detalles también nos ayuda a sacar
nuevas ideas siempre y cuando no nos copiemos si no que
sean más de uso creativo.

Programas de ilustración y edición de video:
En este caso utilice para pintar las ilustraciones adobe photoshop y
adobe premier para transformar las ilustraciones y crear un formato de
video digitales.
uando empezamos a realizar una animación siempre es bueno
hacer un el estudio del personaje o modelo que vayamos a animar,
esto nos ayudara en muchos aspectos en la animación además de
los detalles nos ayudan a estudiar la personalidad, carácter, esti-
lo, entre muchas cosas más que nos facilitara aún más tener una
visión mucho más amplia para desarrollar la movilidad del perso-
naje.

En este caso decidí hacerlo de una forma tradicional porque me
interesa mucho experimentar con materiales además que siento
que se me hace mucho mas cómodo a la hora de hacer proyec-
ciones con el lápiz, lo más importante es que busquemos siempre
nuestra propia manera de resolver las cosas de una forma rápida
y efectiva pero sin sacrificar mucho los objetivos que tenemos y
siempre viendo una forma de hacer la cosas sin frustrarnos y nun-
ca dejar la constancia que es lo más importante.
a necesidad del animador es captar a través de imágenes una serie de se
cuencias que cuando estas transcurren a cierta velocidad al mirarla nos causa
un efecto que es la persistencia de la retina y hace que veamos estas imágenes
en movimiento. Un animador no tiene limitaciones, tiene la capacidad de na-
rrar toda una historia a través de la ilustración o cada medio artístico.

l ser artista no solo se limita a sentarse a dibujar o hacer cosas sorpren-
dentes a una forma agradable a la vista ser artista es ser un intérprete debe
saber comprender amar manipular un ser observador intuitivo que aprecie
toda creación que existe y encuentre una razón de ver a todo lo que ve es la
experiencia de todo creador sentir fascinación por ser creado.

demás de esto sabe interpretar darle una esencia de vida, tiene que tener
las cualidades de ser dibujante, animador, escritor, editor, maquetista, direc-
tor, fotógrafo operador de cámara, escenógrafo, diseñador de iluminación,
ilustrador todas estas áreas están relacionadas una con otras para la creación
visual y el inicio de una nueva historia u obra animada.

na de las cosas más importantes para ser un buen animador es ser capaz de
interpretar a través del movimiento y la expresión corporal de los personajes
o elementos la sensibilidad de la forma que aun que no nos demos cuenta a
simple vista nuestros ojos también interpretan a través de los movimientos
el mensaje haciendo que nos relacionemos aún más con el mensaje y la obra.

n todas las cosas y situaciones que observamos hay una historia que contar
pero no es solo la historia si no la emoción y el trabajo que le damos al hacerlo
esto es lo que marca la diferencia se ser un animador.
l iniciar toda la fase de lo que es la movilidad del personaje decidí hacer un pequeño estudio
de algunos movimientos básicos que me ayudarían a darle más claridad y fluidez a la hora de
animar el personaje en esta parte es importante visualizar bien los movimientos de nuestro
entorno como se comportan las personas como reaccionan lo más importante es la observación y
mirar que sucede entre cada movimiento y como llegamos a hacerlo, es una parte fundamental
ya que nos ayuda a darle más vida y personalidad a la animación.
uando buscamos proyectar la movilidad nuestra mente reproduce todas estas imágenes
como si fueran una cinta de película por eso es importante el dibujo rápido cuando estamos
en esta búsqueda de movilidad porque es como si dibujáramos cada escena que proyectamos
en nuestra cabeza o que estemos visualizando entre más rápido más fluida será y seremos
capaces de percibir cada entre movimiento.

Todo esto decidí hacerlo de una forma manual porque no tengo mucha experiencia en me-
dios digitales pero es bueno tomar en cuenta que cuando tomemos diferentes procesos es
importante que no nos sintamos que nos tardaremos mucho en hacerlo porque puede que nos
lleguemos a agotar es bueno experimentar pero siempre ir poco a poco hasta lograrlo sin can-
sarnos todo con el tiempo se logra y se obtienen muy buenos resultados.
quí aún sigo con un proceso manual donde definí corregí todos los bocetos y les di un poco de
definición ayudándome con el estudio del personaje que realice al principio para captar los detalles de
una forma más efectiva y que tuvieran una relación todos los bocetos con la proporción de la anatomía
los detalles de la ropa y secuencia del movimiento.

En esta parte más que todo se define lo que es nuestro estilo o forma de ilustrar es cuando le vamos
dando ya forma como lenguaje de comunicación o estilo propio eso es algo que se desarrolla simple-
mente con el tiempo y mucha practica ya que cada momento que ilustramos prestando atención nos
damos cuenta de algunos elementos que son favorables para nuestra composición y vamos añadiendo
y descartando a medida que vayamos desarrollando más nuestro trabajo con la practica.
n la parte del color aquí decidí hacerlo de una forma digital me pareció una buena forma de agregar
el área digital a este trabajo ya que me ayudaría a simplificar los colores y agregarle color, la paleta de
color la coloque al frente de todas las capaz ya que la iba a utilizar la misma paleta de color en toda la
secuencia algo que me periclitaría mucho a la hora de pintar cada dibujo.

Esta secuencia es algo que me hizo introducirme un poco más al área digital ya que es muy favorable
que no se gasta mucho materiales también es favorable por que nos ayuda a estudiar el movimiento sin
ningún límite de que se nos acabe el papel tenemos una gran gama de posibilidades donde se pueden
realizar muchas propuestas de una forma bastante creativa.
Son aquellas imágenes que no logramos captar a la primera cuando realizamos una secuencia,
estas imágenes son importantes ya que son las que nos ayudan a darle más coherencia y fluidez a
cada movimiento que se proyecte en la animación.

en este caso cuando realize toda la animacion tratando de proyectar todos los movimientos que vi-
suelizaba en mi cabeza hubieron algunos que no tome encuenta y me tome el tiempo para suavisar
un poco mas los movimientos esto lo llamo entre secuencia por que fue algo que no se pronyecto
a la primera si no al ir estudiando la movilidad e ir buscando mas la relacion de en cada imagen,
entre mas secuencias hagamos sera mas fluida y se apresiara mas el movimiento de una forma
lenta entre menos se interpretara como movimientos rapidos.
s cuando se calcula la posición o la perspectiva que va a delimitar la animación, es decir,
es creación del espacio que va a determinar la movilidad del personaje y la perspectiva esto
nos ayuda a reducir el número de secuencias para la creación de un storyboard donde solo
salen las escenas principales de la animación.
En la animación tradicional tenemos la oportunidad de resolver de forma creativa con diferentes
tipos o estilos de animación como lo pueden ser el stopmotion y la animación por fotogramas estos
dos formas de hacer una animación están sujetas o dependen de que estas sean reproducidas por un
medio o programa digital en la actualidad que hace que todas estas imágenes o capturas se repro-
duzcan a una velocidad que a simple vista se vean y se produzca un movimiento, también hoy en
día existen medios digitales en donde se pueden realizar animaciones completamente digitalizadas.

He llegado a la conclusión en que cuando realizamos o nos tomamos la tarea de hacer una secuencia
o animación, es importante experimentar con el estilo tradicional y digital, ninguna es más impor-
tante que la otra es un trabajo en conjunto en donde existirán una serie de posibilidades que harán
que nuestro trabajo sea único y genuino si es lo que buscamos ya que entre menos nos limitemos y
más nos centremos en nuestros objetivos para lograrlo sería la clave para la creación y desarrollo de
una animación.
Nuestra visión es una de las cosas mas importantes de todo esto es que piensas
que buscas y que cada uno de nosotros encontremos nuestro propio camino en
las artes o como nosotros deseemos expresarnos, y que se convierta en algo que
nunca dejemos de buscar.
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