En este capitulo comenzaré explicando, o mas bien, narrando un proyecto que

elaboramos desde El Cuarto de Invitados en la galria Factoria de arte y desarrollo (FAD) en

Madrid1. A partir de ahí espero que el relato me lleve a una critica hacia lo que Alain Bodiou

denominaba ( de una manera, al menos para mi, impactante) el arte contemporaneo en la epoca

del capitalismo financiero, es decir; el arte como mercancía. Paraa despues, con cierto vertigo,

nunca mejor dicho, me gustaría articular ese mapeado ssocioeconomico del capitalismo

financiero posfordista con la imposibilidad, o quizás debería decir, absoluto desinteres, del arte

contemporaneo que describe Bodiou, con la estetica de lo sublime que Lyotard recoge de Kant.

Me adentro en este abismo, a estas alturas de la tesis, por principios y convicción, sin saber, pese

a todo, si al final de este texto que comienza teniendo el cariz de un diario personal, se resolverá

una articulación plausible que nos ayude a entender como el acontecimiento y su vigorosa

capacidad de desmontar el suelo firme de las narrativas asentadas tiene una ligera dualidad con

la confusión que nos adviene siempre en toda experiencia sublime kantiana. Efectivamente, “

ese punto de peligro, elemento indispensable en todo viaje (también viaje narrativo) que se

precie. Sentir el pellizco del miedo puede ser fantastico para lo indeterminado, lo extraño o lo

amorfo que nos acecha siempre en ese tiempo suspendido que supone el acontecimiento.

Si el acontecimiento nos confronta con el mundo conocido, si desestaabiliza nuestras

estructuras linguisticas ha de poder verse desde el prisma de la experiencia de lo desmesurado

que apunta hacia lo que jamas aprenderemos ni entenderemos. Y Esta es, según Lyotard, la

condición posmoderna de lo sublime.

El proyecto que preparamos en FAD era un taller, o un laboratorio, o quizás, un

-1-

un encuentro. o quizás. que bien podrían catalogarse como arte relacional. la función del arte como método de conocimiento precientífico. En la web Torres lo explicaba de la siguiente manera: “Yo contaré cosas basadas en mi recorrido profesional y pediré que los participantes en el taller me cuenten cosas que tengan que ver con su manera de estar en el mundo. estos talleres. el -2- .eran mas bien encuentros. o un laboratorio. Esa incertidumbre. una (a)puesta a punto a las que se suele acudir para ir viendo “que es lo que va sucediendo”. atávica y profundamente misteriosa que es el arte”. las estrategias de financiación. la interacción del arte y el mercado y. de esos que no prometen resolver nada. Discutiendo mi trabajo –solo hablo de lo que conozco a fondo– tocaremos temas concretos de la práctica como son las “nuevas” y “viejas” prácticas. resumiendo. Se considerará a todos los participantes como artistas en activo. la función del museo. La palabra taller engendra en su imaginario. Se harán preguntas y se intentarán respuestas en lo que será fundamentalmente un taller más dialéctico que interactivo y en el que todas las opiniones serán imprescindibles en un intento deliberado de aprender alguna cosa que no sepamos sobre esta ocupación tan extraña. El proyecto que preparamos en FAD era un taller. sumamente arriesgada. de la cual se palpa en este mismo escrito. De esta manera. como patrón de comportamiento y como sistema de manipulación simbólica de lo que entendemos como realidad por falta de mejor palabra. las políticas institucionales. se encontraba de la misma manera el otro taller sin título(por llamarlo de alguna manera)que ofreció Francesc Torres en el programa de formación Madrid 45 dirigido por Sergio Rubira. tanto si lo son como si no. La palabra taller nos parecía que tenía unas connotaciones muy pesadas con la industría y los sistemas de producción.

el taller mecanico. nuestro gesto con los participantes solo intentaba desmenuzar. a la embestida de la autoridad2. los talleres “emprende” de algunos ayuntamientos. y las atrapa. Un titulo que parecía prometer desvelar la respuesta a esa encruzijada misteriosa que es el arte contemporaneo. Es decir. el engaño. el taller de artesanía. Todos ellos se trazan en base a una finalidad muy concreta. Asi. de todo el sistema artístico universal. por la narrativa institucionalizada. la manufactura obrera de la producción. un gran eslogan. la logica mercantil del arte contemporaneo. también. incluso. los talleres didacticos de alcoholismo. -3- . la imagen del salto que nadie conoce. sin mas exito que el propio devenir de fuerzas esteriles. que el titulo. Pero no habíaa nadaa mas lejos. se encontraba acompañado en el cartel por la imagen de el famoso salto de Yves Klein sin retocar. la clase de abajo. la vida oculta. Efectivamente lo que demuestra la imagen era que lo unico que se estrellaba contra el duro suelo.con la industría y los sistemas de producción. La imagen que socaba los principios. o como dirian algunos. La palabra taller engendra en su imaginario. era nuestra ingenuidad. que yo alegremente me propongo a llamar ahora. Hay que decir. el famoso salto de klein auguraba un acolchado aterrizaje entre las mantas que sujetaban con fuerza aquellos anonimos invisibles por el relato hegemonico. La que sustenta y se encuentra a la espera del impacto del autor que cae. la que puede ser considerada el reverso de la historia del arte. que las ocupa. Esta vez. talleres de rehabilitación o de coaching. nuestro taller tenía por título “Practicas artísticas contemporáneas o como meter un gol por la escuadra”. esto es.

rara e imposible de los acontecimientos que preparamos dentro de la galería con las chicas y los chicos. es decir. Efectivamente. A los diez participantes. ‘Prácticas artísticas contemporáneas o como meter un gol por la escuadra’ es un experimento pedagógico de El Cuarto de Invitados que desembocará en una exposición en la galería Factoría de Arte y Desarrollo durante las fechas entre el 20 de abril y el 12 de junio de 2017. copia es una persecución imposible e inalcanzable. El proyecto comprende dos etapas: • En primer lugar se realizarán unos talleres dentro de la galería en los cuales se abordarán los códigos y las claves de los estilos predominantes en la producción artística contemporánea. • En segundo lugar. estudiantes de bellas artes. Ya sabemos que toda representación. era un experimento pedagógico que culminaba con una exposición de lo aprendido en el encuentro. la puesta en común culminará con una exposición de los asistentes obedeciendo las lógicas y los códigos del estilo internacional. -4- . solo les enviamos una ligera descripción que no dejaba entrever el lado ironico del encuentro. Una traducción extraña. toda imitación. sus coordenadas de estilo y sus juegos lingüísticos y discursivos.

concretamente aquí en España. En la ficha de prensa explicaban lo siguiente: Cristina Garrido describe su proyecto como un recorrido formal y digital por los últimos años del arte contemporáneo permitiéndole cuestionar el valor de ciertos espacios y objetos. tan atractivas?. así -5- . No obstante. gracias a Internet. Para #JWIITMTESDSA? (Just what it is that makes today’s exhibitions so different. una de nuestras referencias para abordar ese estudio o investigación formal con los participantes fue un brillante proyecto de Cristina Garrido del 2015. respondiendo a un cierto estilo de arte internacional. en un guiño al famoso collage de Richard Hamilton Just what is it that makes today’s homes so different. herramientas formales y estrategias discursivas muy similares. tan atractivos?]. la artista ha identificado y estudiado evidentes tendencias formales en la presentación del arte contemporáneo internacional. so appealing?) [¿Pero qué es lo que hace que las exposiciones de hoy en día sean tan diferentes. unas narrativas institucionales de lo que debía ser “buen arte”3 o arte emergente. so appealing? [¿Pero qué es lo que hace que los hogares de hoy en día sean tan diferentes. validado tanto por el mercado como por la crítica. expandiéndose y mutando a gran velocidad en espacios de todo el mundo. Según ella misma explica: “Bajo este nuevo canon expositivo. Queriamos indagar de forma colectiva en aquello que denominamos “arte internacional” o la denominada “estetica de la especulación” que en los ultimos años azotaba. en los últimos tres años. de esta manera. En los ultimos años advertimos que los dispositivos premiados y expuestos mantenian una correlación de codigos. muchas de las exposiciones presentan patrones que se repiten una y otra vez. Este se valida y legitima. en los mejores certamenes de arte: Generaciones e Ineditos de la Casa Encendida y Circuitos de la Comunidad de Madrid. imponiendo.

como la privada. Abundaban los mismos gestos en displays donde cosas recargadas sobre la pared. gracias a Internet.expandiéndose y mutando a gran velocidad en espacios de todo el mundo. o las dos cosas a la vez. Esto es. sino aquello que modula y condiciona toda su existencia. ni un elemento exterior. así como a la proliferación de ferias y bienales. son las nuevas formas de subjetivizar al sujeto en la época neoliberal del Capital. en los propios artistas que en la mayoría de las ocasiones se les llenaba la boca hablando de arte politico. Todo apuntaba. después de encontrarse con #JWIITMTESDSA?. De manera tal que la deuda no es una anomalía en su vida. de transformarse en productores dentro de la empresa capitalista. como la publica. Como ya nos advirtiera Jorge Alemán: “el reverso de este empresario de sí es precisamente un deudor que está frente a un acreedor frente al cual no va a poder jamás cancelar la deuda. Una logica de querer entrar en el sistema. o lo que era peor. Las deudas. como también modula y condiciona toda su existencia volverse un empresario de sí. Todos eran elementos recurrentes que los artistas utilizaban con la finalidad de introducirse profesionalmente en el mundo del arte. un empresario de si mismo es un deudor. que aquella figura del empresario de si mismo que imponía el neoliberalismo mas feroz se encontraba instalada profundamente en la actividad artística.” Maurizzio Lazzarato por su parte nos explica como con el capital financiero el futuro es -6- . cosas tiradas en el piso o telas colgadas directamente en el muro atestiguaban la existencia de una logica subyacente al arte contemporaneo. Estos factores provocan que los estilos tiendan a unificarse y queden obsoletos rápidamente”4. tanto la soberana.

De este modo. objetivar el tiempo. tan hieratica como completa acerca de los códigos. Una conferencia muy elaborada. poseerlo con antelación. sin ruptura previsible. […]No se trata de un caso típico de ataque contra el mercado del arte bien establecido. Para comenzar el taller ofrecimos un primer impacto con una conferencia de una amiga nuestra llamada Rosaura -sin apellidos-.» Escribe: «Esta objetivación es de una naturaleza completamente diferente a la del tiempo de trabajo. principalmente. sino de la investigación de un nuevo territorio en el que ha penetrado la lógica de la especulación financiera: la cultura visual6”. herramientas y estrategias formales que se venian dando en ese -7- . de la deuda5” En el texto curatorial de #JWIITMTESDSA? Escrito por Joshua Simon nos advierte que “quienes operan según la lógica del arte contemporáneo deben de estar familiarizados con lo que Lazzarato describe aquí. Maurizzio Lazzarato por su parte nos explica como con el capital financiero el futuro es el que atrapa el presente y el pasado con la forma de la deuda: “Todas las innovaciones financieras tienen un solo y único objetivo: poseer el futuro con antelación mediante su objetivación. La sensación extraña de vivir en una sociedad sin tiempo. la deuda se apropia no solo del tiempo de trabajo actual de los trabajadores asalariados y de la población en general. sino que se apodera del tiempo no cronológico: tanto el futuro de cada persona como el futuro de la sociedad en su conjunto. es producto. significa subordinar a la reproducción de las relaciones de poder capitalistas cualquier posibilidad de elección y decisión que encierre el futuro. sin posibilidades.

Antes que nada es la constitución _______________________________________________________________________ __________________ -8- . como la institución educativa en bellas Artes fomentaba ese tipo de arte y artista vinculado ferozmente con la idea de exito tanto de critica como economico. herramientas y estrategias formales que se venian dando en ese Buen arte que les funcionaba a los artistas del arte contemporaneo en la epoca del capitalismo financiero. sucumbido por la estética de la especulación. explico que entendía Berardi Bifo por la abstracción financiera. casi ofreciendo un mitin politico. entendiendo el “instituto” como un organismo con finalidades muy concretas y cerradas. Al analizar como desde una disciplina no era posible indagar esa materia oscura y misteriosa a la que el arte nos lanzaba. Los oyentes apenas les daba tiempo tomar nota de sus amplias referencias. Rosaura. intentando atraer nuevos militantes para su partido de artistas huerfanos. la disciplina no era un conjunto de metodos apropiado a un cierto dominio o un cierto tipo de objeto. El power point iba pasando. Y como subyugaba la vida real y la producción vaciandolas de energía y de poder politico.completa acerca de los códigos. más adelante. Hubo un momento de la convención que el discurso comenzaba a agrietarse. como ese tipo de arte internacional. nos explico que era aquello que Alain Bodiou definía como capitalismo financiero. también. Rosaura explicaba con brio. explicó. ausente al ritmo de su publico. explicó. A fin de cuentas. era un arte predominantemente hiper-institucionalizado.

“Es esta situación endogámica y autoreproductiva del arte. hay como señala también Díaz-Guardiola un poco de todo: de video. manejan el lenguaje con una precisión de cirujano. Nada dejado al azar. impolutas y perfectas. de escultura. en el mejor sentido de la palabra. Y hay. de instalación. pero nada fiables”. No hay riesgo ninguno en asumir que todas las obras son ganadoras netas: entran en los parámetros del arte como un calzador. siempre y en todas ellas. se asientan en sus coordenadas como expertos ejercicios estéticos. CITAS: “Con todas mis ideas y necedades podré fundar muy pronto una sociedad anonima para la difusión de ilusiones hermosas. su saberse ya desde el principio un eslabón más en una cadena que opera a ritmo frenético –¿cuántas salas por llenar?. la perfección maquínica de saberse la lección al -9- . ¿cuántos premios por dar?. ¿cuántos másters por realizar?– la que hace que todas las propuestas merecedoras del premio Generaciones [o circuitos] sean.

probar con ejercicios de responsabilidad no filtrados como óptimos en las expectativas de éxito y fracaso.10 - . Y hay.[…] Lo pernicioso sobre todo de este engranaje sistémico es que anula precisamente el potencial disruptivo del arte: ensayar con tomas de decisiones no ‘útiles’ al sistema. resulta que estamos –todos– cortados por el mismo patrón: esforzándonos y dejándonos los cuernos por ser asimilados por el sistema.blogspot. Ahora cuando parecía que la diversificación y la diferenciación harían posible la creación de nódulos críticos.com. arriesgar. Es decir: jugársela.es/2017/02/generaciones-2017-el-arte-en-la-era- del. Si el arte es espejo duplicado de la sociedad en la que se inserta –cosa no del todo cierta pero que vale para entablar ciertas analogías– es normal que esto sea así.” http://blogeartemadrid. de alternadores dinámicos capaces de catalizar realidades alternativas. catalogado.escultura. de haber pasado por todos los peldaños y escalones. o de determinada orientación en los estudios universitarios: el problema es que la retícula autoproductiva del arte ahoga al propio arte.html . domesticado. En nuestro mundo nada hay que escape a ser medido. siempre y en todas ellas. de tal o cual premio. lo desancla de su [cara] insurgente y dialéctica. serializado.” “No es tanto la negación de tal o cual artista. la perfección maquínica de saberse la lección al dedillo: hay el esfuerzo desmesurado por querer entrar en el sistema. probar. de conductores alternativos con capacidad de ficcionar. Hay la seriedad de quién sabe que su futuro depende de entrar en el régimen administrado que el sistema-arte impone.

por lo tanto. de la equivalencia de las cosas. Cosas tiradas en el piso o Telas colgadas .” Aquí vemos lo que yo supongo que es “buen arte” o modelos que funcionan. Hay que ver claro que la ideología de la finitud. en donde la valorización no genera ningún problema pues obedece a las mismas leyes de la oferta y la demanda. de lo que sucede. El arte contemporáneo es. la idea de que el propio arte debe estar en circulación anónima. lo que debe ser consumido y después debe desaparecer? El modelo de todo esto es la mercancía. leyes que regulan la circulación de las mercancías. encontremos ahí el secreto de esto que es muy evidente: la existencia del mercado del arte. de lo que circula. quizás. la critica política es la siguiente. el arte de la época financiera del capitalismo. de su inmediatez. En nuestro mundo. “Y. de lo que muere en cuanto aparece. ¿cual es el gran modelo de lo que es inmediato. finalmente. pero que todo debe ser consumido. “En #JWIITMTESDSA? Garrido no sólo identifica elementos recurrentes en las exhibiciones de arte contemporáneo sino también gestos de display como Cosas recargadas sobre la pared. especialmente el mercado del arte contemporáneo. es la lógica de la mercancía y. el hecho de que nada debe ser contemplado.11 - .

[…] No se apuesta a una cosa.» (https://www. su saberse ya desde el . el futuro ronda y controla el pasado y el presente: «. que atestigua la existencia de una lógica económica subyacente al arte contemporáneo.12 - . Se trata de la lógica de la especulación.net/documentos/284-las-condiciones-del-arte-contemporaneo/ “Es esta situación endogámica y autoreproductiva del arte.com/s/fbf6tb851s0una1/Cristina%20Garrido%20y%20la%20est% C3%A9tica%20de%20la%20especulaci%C3%B3n%20-%20Joshua%20Simon. con el capital financiero. display como Cosas recargadas sobre la pared.pdf?dl=0) http://brumaria. El sociólogo y filósofo italiano Maurizio Lazzarato explica que. Cosas tiradas en el piso o Telas colgadas directamente sobre el muro.” “Garrido explora la presencia de conjuntos de objetos.dropbox. sino a otras apuestas.

su saberse ya desde el principio un eslabón más en una cadena que opera a ritmo frenético –¿cuántas salas por llenar?. siempre y en todas ellas. se asientan en sus coordenadas como expertos ejercicios estéticos. ¿cuántos premios por dar?. probar con ejercicios de responsabilidad no filtrados como óptimos en las expectativas de éxito y fracaso. en el mejor sentido de la palabra. No hay riesgo ninguno en asumir que todas las obras son ganadoras netas: entran en los parámetros del arte como un calzador. Y hay. Hay la seriedad de quién sabe que su futuro depende de entrar en el régimen administrado que el sistema-arte impone. lo desancla de su [cara] insurgente y dialéctica.” “No es tanto la negación de tal o cual artista. Nada dejado al azar. “Es esta situación endogámica y autoreproductiva del arte. Ahora cuando parecía . arriesgar.13 - . Es decir: jugársela. de haber pasado por todos los peldaños y escalones. domesticado. hay como señala también Díaz-Guardiola un poco de todo: de video. o de determinada orientación en los estudios universitarios: el problema es que la retícula autoproductiva del arte ahoga al propio arte. de tal o cual premio. manejan el lenguaje con una precisión de cirujano. Si el arte es espejo duplicado de la sociedad en la que se inserta –cosa no del todo cierta pero que vale para entablar ciertas analogías– es normal que esto sea así. de instalación. catalogado. serializado. la perfección maquínica de saberse la lección al dedillo: hay el esfuerzo desmesurado por querer entrar en el sistema.[…] Lo pernicioso sobre todo de este engranaje sistémico es que anula precisamente el potencial disruptivo del arte: ensayar con tomas de decisiones no ‘útiles’ al sistema. probar. de escultura. ¿cuántos másters por realizar?– la que hace que todas las propuestas merecedoras del premio Generaciones [o circuitos] sean. impolutas y perfectas. En nuestro mundo nada hay que escape a ser medido.

” http://blogeartemadrid. por excelencia.nada hay que escape a ser medido. catalogado. Pero en esta menesterosidad esta el placer. de conductores alternativos con capacidad de ficcionar. Ahora cuando parecía que la diversificación y la diferenciación harían posible la creación de nódulos críticos.ula.ve/bitstream/123456789/20383/1/obed_delfin2. de alternadores dinámicos capaces de catalizar realidades alternativas. serializado.com.14 - . domesticado. El intento del arte es. chocantes. insólitas. suficientemente. que suceda algo.es/2017/02/generaciones-2017-el-arte-en-la-era- del.pdf “El artista y el escritor trabajan sin reglas y para establecer las reglas de aquello que . en lugar de que no suceda nada.” “El arte empujado por la estética de lo sublime va tras la búsqueda de efectos intensos.saber. resulta que estamos –todos– cortados por el mismo patrón: esforzándonos y dejándonos los cuernos por ser asimilados por el sistema. que no se produzca la privación suspendida12 . que la experiencia transparente y comunicable es inexistente. que es condición de lo sublime.” http://www.html “El siglo XX nos ha mostrado.blogspot. intenta realizar combinaciones sorprendentes.

La respuesta es: guerra a todo. cumplir la fantasía de apresar la realidad. de la reconciliación del concepto y de lo sensible.15 - . Los siglos XIX y XX nos han proporcionado terror hasta el hartazgo. nos proponemos mascullar el deseo de recomenzar el terror. demos testimonio de lo impresentable.” (25) “Por último. merced a su consistencia reconocible. el dolor de que la imaginación o la sensibilidad no sean a la medida del concepto. “El artista y el escritor trabajan sin reglas y para establecer las reglas de aquello que habrá sido hecho. pero la forma continua ofreciendo al lector o al contemplador. Bajo la demanda genaral de relajamiento y apaciguamiento. Es una estética que permite que lo impresentable sea alegado tan solo como contenido ausente. Ya hemos pagado suficiente la nostalgia del todo y de lo uno. de la experiencia transparente y comunicable. que es una combinación intrínseca de placer y de pena. Pero Kant sabía que esta ilusión se paga con el precio del terror. salvemos el honor del hombre. a los que Kant llamaba facultades y que sabia separados por un abismo. Sin embargo.” (26) . El placer de que la razón exceda toda representación.” (25) “La estetica moderna es una estetica de lo sublime. pero nostalgica. es preciso dejar en claro que no nos toca de realidad sino inventar alusiones a lo concedible que no puede ser presentado. de tal modo que solo la ilusión transcendental (la de Hegel)puede esperar totalizarlos en una unidad real. Y que no hay que esperar que en esta tarea haya la menor reconciliación entre los “juegos del lenguaje”. De ahí que la obra y el texto tengan las propiedades del acontecimiento. materia de consuelo y de placer. estos sentimientos no forman el autentico sentimiento sublime. activemos.

Quizás sea por su parentesco con la palabra autoridad. los materiales.factoriarte. Sea lo que sea. o pura concientización social y política.16 - . con el consiguiente aburrimiento. La posmodernidad explicada paraa los niños. los temas. En su proyecto en curso. ¿Articular con creencia vs conocimiento? ¿Laclau ¿Estetica internacional Lyotard. los artistas Hannah Rosa Oellinger y Manfred Rainer han llevado a cabo en Viena una investigación sobre la percepción de lo que es «buen arte». cada vez me parece más importante concentrarme en el efecto que tienen las cosas que en las cosas mismas. Su investigación revela que las composiciones. concluyeron que los artistas eligen mostrar las cosas que a otros artistas les han «funcionado». 1 http://www. Pero es un hecho que cada vez me interesa menos la autoría. las posturas y las afirmaciones que han demostrado ser efectivos para otros artistas (ya . los colores.html 2 "No sé si es producto de hacer arte durante tantos años. Tras realizar una serie de encuestas.com/practicasartisticas. Oellinger y Rainer cuestionan los criterios según los cuales los artistas jóvenes examinan y juzgan el arte contemporáneo." Luis Camnitzer 3 “Recientemente.

Semiotext(e). los que es más probable que se repitan.17 - .es/sites/default/files/ndp_generacion_2015.dropbox.lacasaencendida. The Making of the Indebted Man.pdf?dl=0 . pp 46–472 6 https://www.” ((https://www.dropbox. 2012. por tanto.pdf?dl=0)) 4 http://www.colores. son los que se aceptan como «buen arte» en el arte contemporáneo y.com/s/fbf6tb851s0una1/Cristina%20Garrido%20y%20la%20est %C3%A9tica%20de%20la%20especulaci%C3%B3n%20-%20Joshua%20Simon.pdf 5 Maurizio Lazzarato.com/s/fbf6tb851s0una1/Cristina%20Garrido%20y%20la%20est%C3%A9t ica%20de%20la%20especulaci%C3%B3n%20-%20Joshua%20Simon. las posturas y las afirmaciones que han demostrado ser efectivos para otros artistas (ya sea por la crítica o por los réditos económicos).