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AURKIBIDEA

ÍNDICE

INDEX

11

Aurkezpena

Presentación

169

Trukaketako artistak

Presentation

Artistas de intercambio

19

Bekadun artistak

Exchange artists

Artistas becados

171

Carla Andrade

Grant holder artists

173

Rut Briones & Raquel Durán

 

175

David Cantarero

21

Diego Aldasoro Gómez

177

Gonzalo Fuentes

25

María Altuna Lizarraga

179

Patrik Grijalvo

29

Bego Antón

181

Nadine Hirschauer

23

Nerea Apodaka

183

Fi Jae Lee

37

Paula Bañuelos Trigo

185

Andrea Salzmann

41

María Benito Píriz

45

Manuel Blázquez

189

Erakusketak

49

Elizabeth Casillas

Exposiciones

53

Adrián Castañeda

Exhibitions

57

José Luis Cremades

61

Cláudia Del & Jaume Clotet

191

Vestigios de una cultura

65

Natalia Domínguez

contemporánea

69

Mikel Escobales

193

Tecnología del encantamiento

73

Andere Etxegarai Zubiaur

195

Ikus esparru zabalduak

77

Roberto Freire

197

Dimensiones paralelas

81

Inés García

199

La inteligencia en otro idioma

85

Ignacio García Sánchez

201

Self Identity is a Bad Visual System

89

Kiwon Hong

203

Unlid

93

Zuhar Iruretagoiena Labeaga

205

Deklinabideak

97

Oier Iruretagoiena Arregi

101

Roman Ljubimov Dacko

105

Borja Llobregat

209

Zentrua

109

Jone Loizaga

El centro

113

Uxue López Iruretagoyena

The centre

117

Raul Lorenzo Pérez

121

Ion Macareno

213

Jarduerak

125

Itziar Markiegi Oiza

Actividades

129

Paulina Mellado

Activities

133

Eriz Moreno

137

Mara Ona

141

Myriam P I

145

Páula Prieto Fernández De Velasco

149

Javier Rodríguez Pérez-Curiel

153

Saskia Rodríguez

157

Amaia Salazar

161

Beatriz Sánchez

165

Josune Urrutia Asua

AURKEZPENA PRESENTACIÓN PRESENTATION

AURKEZPENA

PRESENTACIÓN

PRESENTATION

Ate Irekien jardunaldiak eta BilbaoArte Fundazioan abenduan zehar ematen diren gainerako ekintzek ziurrenik urtean zehar garatu den lanaren amaiera fidagarri bat adieraziko dute. Eta zalantzarik gabe, esku artean daukazun katalogo honek geure 2017. urtea osatu duten pertsona, ekintza eta egoera multzo horren berri eman dezake. Honako orriak laburpen gisa gainbegira- tuz, nabari egiten da BilbaoArteren funtsa eratzen duen izaera, hots, Bilbo- ko Udalak mantendu eta bultzatzen duen sorkuntza plastikoarekiko apustu konprometitua.

1999. urtean sortua, mende baten amaieraz gain milurtekoaren agurra ere markatuz, BilbaoArte Fundazioak arte-komunitate eta hiritarrentzako zerbitzua eskaintzeko duen borondatea finkatuz joan da. Bertako ekintzen oihartzuna eta bertatik pasatu diren eta pasatzen jarraitzen duten artis- ten ibilbideak gure aurretik doaz eta gure berri ematen dute. Baina zer da BilbaoArte eta zeintzuk dira bere eginkizunak? Onartu dezagun honako premisa nagusia: ezer ezin dela geldirik betirako egon, are gutxiago arte garaikidearen sorkuntzara bideratzen den espazio baten kasuan. Beraz, BilbaoArte Fundazioaren errealitatea etengabeko bilakaeran, hazkuntzan eta bere inguruko errealitatearekiko moldaketan ari izatean oinarritzen gara. Arte sorkuntzan diharduten pertsonek mantentzen duten errealitatea, alegia.

Etengabeko eraldaketa eta kultura zein artearekiko eskaeren aurreko za- baltze prozesu honetan, BilbaoArte Fundazioa bi esku-hartze mailetan an- tolatuta dago. Lehena, barnekoa, arte sorkuntzari eta produkzioari dago- kio; berrogei inguru artista bekadunek eta berrehun bat erabiltzailek euren proiektuak garatu eta gauzatzen dituzten estudio eta lantegietan.

Bigarrena, kanpoaldekoa, ikusleari bideratuta da. Bere funtsa hiriari lan ho- nen emaitza gerturatzea da, ekintza, ziklo, hitzaldi eta mintegiek osatzen duten glosario baten barruan. Zentzu honetan, bien arteko elkartze horrek BilbaoArtek adierazitakoa mantentzen du. Eta adierazten duen hori ere to- paleku bat da, bertan urtero garatzen diren dozenaka proposamenek era- kundean integratutako profesionalen lanari zentzua ematen diotelarik. Aur- kezpen honen jarraian dauden orrialdeetan 2017 urtean zehar BilbaoArtek barne izan dituen ekintza guztien berri ematen da. Geroago zehazki ikusi- ko dugun guztia hemen azaltzeko intentziorik ez badugu ere, urte honek ekintza interesgarri eta nabarmenez beteriko oroigarri bikaina sortu duela esan dezakegu. Hauen bitartez, hain beharrezkoa, aberasgarria eta eraba- kitzailea den arte sorkuntza eta kultura-sektorea babesten lagundu baldin badugu, gure helburua lortu dugula esan dezakegu. Eta hainbat motatako dozenaka ekimen hauen bitartez egina dugu.

Bilboko Udala ez da Fundazioari laguntzen dion bakarra eta. Bizkaiko Foru Aldundia eta BBK Fundazioa ere erabakigarriak dira. Era berean garrantzi- tsuak dira Bilboko Institut Français, Protugalgo Enbaxada Madrilen edo Ko- reako Kultura Zentroarekin izandako nazioarteko kolaborazioak, baita bes- te dozenaka ekimen pribatu eta erakundeekin izandako elkarlanak. Euren laguntzaz, kultura eta artea hiri honen giro musikala bihurtuz, BilbaoArtek gero eta hiri bizigarriago, adeitsuago eta solidarioagoa egiteko konpromi- sua du.

Hori da gure helburua

Nekane Alonso Bilboko Udaleko Kultura Zinegotzia

Probablemente la jornada de Puertas Abiertas y todo el conjunto de activi- dades que surgen a lo largo del mes de diciembre en la Fundación BilbaoAr- te signifiquen un fidedigno colofón a la actividad desarrollada durante todo un año. Y sin duda, este catálogo que ahora tiene en sus manos puede dar noticia del conjunto de personas, actividades y circunstancias que jalonaron lo que ha sido 2017. Al repasar sus páginas, de manera sintetizada, se puede advertir la naturaleza que conforma la esencia de BilbaoArte, una apuesta comprometida con la creación plástica e impulsada y sostenida por el Ayun- tamiento de Bilbao.

Fundada en 1999, en el final de un siglo que también jalonó la despedida

de un milenio, la Fundación BilbaoArte ha ido consolidando su voluntad de servicio a la comunidad artística y a la ciudadanía. El eco de sus actividades y la trayectoria de las y los artistas que han pasado y siguen pasando por sus instalaciones nos preceden y nos anuncian, pero ¿qué es BilbaoArte y cuáles son sus funciones? Asumiremos la premisa principal de que nada debe ser estático, y mucho menos un espacio dedicado a la creación artística contemporánea. En consecuencia, partimos de que la realidad de la Funda- ción BilbaoArte permanece en constante proceso de evolución, crecimiento

y adecuación a la realidad a la que pertenece. Una realidad sostenida por el conjunto de personas dedicadas a la creación artística.

En ese proceso de transformación permanente y de apertura a las deman- das artísticas y culturales, la Fundación BilbaoArte se articula sobre dos ni- veles de intervención. Uno, interno, pertenece a la creación artística, a la producción; a los estudios y talleres en donde cerca de cuarenta artistas becados y dos centenares de usuarios desarrollan y ejecutan sus proyectos.

Otro, externo, que mira hacia el público. Su fundamento es acercar a la ciu- dad el fruto de ese trabajo en medio de un glosario de actividades, ciclos, conferencias y seminarios. En ese sentido, el encuentro entre ambos sos- tiene lo que BilbaoArte representa. Y ese "lo que representa" es también un espacio de encuentro en el que cada año decenas de propuestas hacen

posible y dan sentido al trabajo de las y los profesionales integrados en esta institución. En las páginas que continúan a esta presentación se da cumpli- da noticia de todas y cada una de las acciones que ha hecho BilbaoArte a lo largo de 2017. Un año del que, por no agotar lo que luego puede verse con más detalle, diremos que ha labrado un gran recuerdo lleno de sugestivas

y notables acciones. Si con ellas se ha contribuido a atender un sector tan

necesario, enriquecedor y decisivo como el de la creación artística y la cul- tura, habremos conseguido nuestro objetivo. Y lo habremos hecho con la inestimable ayuda de decenas de iniciativas de toda índole.

Porque el Ayuntamiento de Bilbao no está solo en este apoyo a la Fundación. La Diputación Foral de Bizkaia y la Fundación BBK resultan también deter- minantes. Como importantes son las colaboraciones internacionales como las que representa el Institut Français de Bilbao, la Embajada de Portugal de Madrid, el Centro Cultural Coreano y las decenas de iniciativas privadas e instituciones con las que BilbaoArte ha colaborado en su deseo de convertir la cultura y el arte en la música de fondo de una ciudad que día a día se com- promete a hacerla más habitable, más amable, más solidaria.

Ese es nuestro objetivo

Nekane Alonso Concejal de Cultura del Ayuntamiento de Bilbao

BilbaoArte Foundation’s Open House day, together with the activities taking place at the space throughout December, are bound to mark the culmina- tion of the work done during an entire year. Certainly, the catalogue that you hold in your hands gives an account of the people, events and circumstances that have marked 2017.

By leafing through its pages, one catches a glimpse of the nature that makes up BilbaoArte’s essence—a commitment with artistic creation, with the sup- port and encouragement of Bilbao City Council. Founded in 1999, at the end of a century that also bid a millennium farewell, BilbaoArte Foundation has firmly established its intention to serve artists and citizens alike. We are preceded and represented by the echo of its activities and by the careers of the artists who have worked and are still working at its facilities. What is BilbaoArte, though, and which functions does it perform?

We shall assume the main premise that nothing must be static, much less a space devoted to the creation of contemporary art. Thus, we part from the principle that BilbaoArte Fundation’s life remains a process of constant evo- lution, growth and adaptation to its reality. A reality sustained by a group of people devoted to artistic creation.

In this process of continuous transformation and openness towards artistic and cultural demand, BilbaoArte Foundation is articulated on two levels of action: An internal level, which belongs to artistic creation itself, that is, pro- duction; the studios and workshops where about forty scholarship-holding artists and approximately two hundred users develop and carry out their projects. On the other hand, there is the external level, that which looks out- ward to the public. Its main goal is to bring the outcome of all this work closer to the city through a glossary of activities, event seasons, conferences and seminars.

In that sense, the encounter between both of them supports that which Bil- baoArte represents. That is to say, a meeting space in which the work of this institution’s professional staff is made possible and meaninful by dozens of proposals every year.

In the pages that follow this introduction, plenty of information is provided about each and every event that BilbaoArte has held during 2017. A year that can be said to have cultivated a memory full of suggestive and notable activities. If we have managed to support such a necessary, enriching and decisive sector as art and culture, we will have achieved our goal. And we will have done so with a myriad initiatives’ invaluable help.

For Bilbao City Council does not stand alone in its support of this Founda- tion. The Provincial Council of Bizkaia and the BBK Foundation are also de- cisive institutions, as well as international collaborations such as those with the Institut Français of Bilbao, the Portuguese Embassy in Madrid, the Ko- rean Cultural Center, and the numerous private initiatives and institutions with which BilbaoArte has collaborated towards transforming culture and art into a sort of background music for a city that the foundation is comitted to making more livable, friendly and supportive every day.

That is our goal

Nekane Alonso Councilor of Culture of Bilbao's Council

BEKADUN ARTISTAK ARTISTAS BECADOS GRANTED ARTISTS

BEKADUN ARTISTAK ARTISTAS BECADOS GRANTED ARTISTS

In medias res azken urtean teorikoki, eta azken sei hilabetetan formalki, garatutako proiektu zabal eta

In medias res azken urtean teorikoki, eta azken sei hilabetetan formalki, garatutako proiektu zabal eta ka- leidoskopiko baten zati bat da. Bi- deoa eta argazkilaritzatik abiatzen zen. Diziplina anitzeko instalazio bat garatzea zen proposatutako helbu- ruetako bat. Eta horretan bildu du denbora gehiengoa. Bere lanaren ikuspuntu zabalago bat jaso nahi bada BilbaoArteko webgunea kon- tsultatu daiteke, bereziki egunkari moduan sortu duen blogarekin ba- tera. Definitio est negatio proiektua- ren beste zati bat da, independentea baina aldi berean instalazioa osatu eta era berean hau testuinguruan jartzen duena. Irudien mapa-atlas bat da, testu-gida batzuekin. Hila- bete hauetan egindako ikerketa ho- nako kontzeptuen inguruan eratzen da: oroimena, irudimena, ametsak. Landa-tasuna, exodoa, abandonua. Landu, kultura, basakeria. Auto-et- nografia, paisaia, sismo-grafia. Hondakinak, erreskatea, artxiboa. Etsipen alaia, biziraupena, esanahi berria. Irudi dialektikoa, erospena, argiztapen profanoa.

Diego Aldasoro Filosofian lizen- tziatua da. Berriki ACTP masterra burutu du (argazkilaritzan eta mu- gimenduan dagoen irudiaren iker- ketan espezializatua). 2013. urtera arte autodidakta, ordutik hainbat ikastaro, mintegi eta tailerretan parte-hartu du. Besteak beste Una tarda eterna d´estiu entre mars, Nostalgia y desarraigo eta Calado de raíces erakusketak burutu ditu. Edo! Argitaletxearen bitartez Uda- ko arrats eternala liburua argitaratu zuen (akordeoi formatua/erakuske- ta txikia) eta gaur egun beste ar- gazki liburu bat bidean dauka: So- riako aldundiak argitaratuko duen Cartografía de los recuerdos.

In medias res es una parte del amplio y caleidoscópico proyecto desarro- llado teóricamente a lo largo de este último año y empezado a desplegar

formalmente en los seis meses de esta beca. Partiendo de la fotografía

y el vídeo, realizar una instalación

multidisciplinar era uno de los obje- tivos que se había propuesto. Y ahí ha concentrado la mayor parte del tiempo. Si se quiere ampliar la infor- mación sobre su trabajo y el proceso llevado a cabo se puede consultar la web de BilbaoArte, así como el blog

que ha creado específicamente a modo cuaderno de bitácora. Definitio est negatio es otra parte del proyecto, independiente y a la vez integrada en la instalación, que sir- ve, a su vez, de contextualización de

la misma. Es un mapa-atlas de imá-

genes con algún texto-guía. Algunos de los conceptos sobre los que gira la investigación realizada son los siguientes: memoria, imaginación, sueños. Ruralidad, éxodo, abando- no. Cultivar, cultura, barbarie. Au- to-etnografía, paisaje, sismografía. Ruinas, rescate, archivo. Feliz deses- peranza, supervivencia, re-significa- ción. Imagen dialéctica, redención, iluminación profana.

Diego Aldasoro es licenciado en Filosofía. Recientemente ha realiza- do el Máster ACTP (especialidad en fotografía y línea de investigación en imagen en movimiento). Auto- didacta hasta el 2013, fecha en que comienza a realizar cursos, semina- rios y talleres a destajo. Ha realiza- do varias exposiciones: Una tarda eterna d´estiu entre mars, Nostalgia y desarraigo y Calado de raíces, en- tre otras. Tiene el librito (formato acordeón - mini exposición) Udako arrats eternala, publicado por la editorial Edo!, así como otro libro de fotografía en camino, Cartogra- fía de los recuerdos, a editar por la Diputación de Soria.

Diego Aldasoro

Soria, 1975 definitioestnegatio.blogspot.com.es

In medias res is one part of the wide and kaleidoscopic project theoreti- cally developed during this last year, which has formally started to unfold in the six month that this schol- arship has lasted. It started from photography and video. One of the main goals that were set was setting up a multidisciplinary installation,

and he has concentered most of his time there. If you wish to get further information about his work and the process that has been carried out, you can check the BilbaoArte web- site, in addition to the blog he has specifically created as a logbook and a journal. Definitio est negation is another part of the project that is independent and at the same time it is integrated in the installation, providing a contextualization for the work. It is an atlas-map for images with some guiding texts. Some of

concepts around which the research is made are: memory, imagination, and dreams. Rurality, exodus, and abandonment. Cultivating, culture, and barbarism. Self-ethnography, landscape, and seismography. Ru- ins, rescue, and archive. Happy hopelessness, surviving, and re-sig- nificance. Image dialectics, redemp- tion, and profane illumination.

Diego Aldasoro holds a BA in Phi- losophy. He has recently studied a ACTP master’s degree (with pho- tography as the field of expertise and image in movement as the line of research). Self-taught until 2013, the year in which he starts taking courses, seminars and workshops and is paid by his job. He has carried out several exhibitions: Una tarda eterna d´estiu entre mars, Nostalgia y desarraigo, and Calado de raíces, among others; he got an accordi- on-format booklet published under the title Udako arrats eternala, pub- lished by Edo! Publishing house, as well as another photography book that is on the way: Cartografía de los recuerdos, which will be published by Diputación de Soria.

Narratiba Kartografikoak proiektua artista liburuekin oinarritutako de- riben bitartez hasitako parte-hartze artefaktuen

Narratiba Kartografikoak proiektua artista liburuekin oinarritutako de- riben bitartez hasitako parte-hartze artefaktuen arte produkzioan ardaz- ten da. Plastikoki esperimentatzeko ukimen-laborategi mugikor, era- mangarri, interaktibo, ludiko, esteti- ko, barneko edo publikoak, egunero- kotasunean bizitako esperientzia eta hauen arte balio hezigarria ardatz nagusi bezala edukita. Aipagarria da artefaktu hauek ins- trumentu estetiko moduan duten izaera esperimental eta sortzailea, arte-produkzio beraren balioari da- gokionez. Horrela, pieza ezberdinak prozesuaren aztarna sortzaile bezala proposatzen dira, zeharkatutako ja- kintza eta espazio fisikoetan aldaketa bat eman dadin, Francesco Careriren ibileraren ekintza estetikoaren ideia- tik abiatuta (2002). Sormen prozesuan bizi izan diren testuinguruak oinarrizkoak izan dira, tailerra eta bertan eginiko egunero- ko lana, baita sormen prozesuetan sortu diren interrelazioak ere. Espe- rientzien ukimen-alderdi eta poetika alderdietara gerturatuz, sortzen di- ren ezagutza mapa moduan. Seriean errepikatzen den proze- suaren zoria eta akatsaren magiak ustekabekora eta aldaketara gertu- ratzen nau. Zeramika, bere ezauga- rriei esker, materialaren hauskorta- suna eta euskarrietan gehitzen diren irudien erretina iraunkortasunaren arteko kontrastea artikulatzea ahal- bidetzen duen materiala da.

María Altuna Lizarraga Arte Ede- rretan lizentziatua da eta Arte Iker- keta eta Sorkuntza masterra eta Irakasle Formakuntza masterra burutu ditu EHUan. Bertan, gaur egun, Arte Garaikide Ikerketa dok- toretza programan tesia garatzen ari da. Bere lana estatuan nahiz na- zioarteko taldekako erakusketetan erakutsi da, bakarkakoetan bezala. Hainbat ekitaldi eta argitalpenetan parte-hartu du.

María Altuna Lizarraga

Zizurkil, 1988 marialtunalizarraga.com

El proyecto Narrativas cartográficas se

centra en la producción artística de artefactos participativos a partir de las derivas ya comenzadas en base a los libros de artista. Laboratorios mó- viles, táctiles, portátiles, interactivos,

lúdicos, estéticos, íntimos o públicos, en los que experimentar plástica- mente, teniendo como eje central las experiencias cotidianas vividas y su valor artístico-educativo. Cabe destacar el carácter experimental

y creativo de estos artefactos como

instrumento estético en cuanto al valor de la misma producción artísti- ca. Por lo que se proponen las piezas como desencadenantes de huellas del proceso para que se dé un cam- bio en los saberes y espacios físicos atravesados, partiendo de la idea de acto estético del caminar de Fran- cesco Careri (2002). Han sido claves los diferentes contextos que se han habitado en el proceso de creación, el del taller y el trabajo diario en el mismo, así como las interrelaciones creadas en los procesos de creación. Acercándome a los aspectos más tác- tiles y poéticos de las experiencias, a modo de mapa de los conocimientos generados. La magia del azar y el error del proceso de repeteción en serie, me acerca a la sorpresa y al cambio. La cerámica es el material que, gracias a sus cualidades, hace posible articular el contraste entre la fragilidad del material y la persisten- cia retiniana de las imágenes incor- poradas a los soportes.

María Altuna Lizarraga es licencia- da en Bellas Artes y ha cursado el máster de Investigación y Creación en Arte y el máster de Formación del profesorado en la EHU/UPV, donde actualmente realiza la tesis dentro del Programa de Doctorado en In- vestigación de Arte Contemporáneo. Su trabajo ha podido verse tanto en exposiciones colectivas a nivel nacio- nal e internacional, así como en indi- viduales. Tambien ha participado en diferentes eventos y publicaciones.

The Narrative Cartography project

focuses on the artistic production of participatory mechanisms whose starting point is based on the artist’s books. Mobile, touch, portable, inter- active, ludic, aesthetic, intimate, or public laboratories in which you can experiment in a plastic way, having as a common thread the everyday experiences and their artistic-educa- tional value. The experimental and creative na- ture of these mechanisms is remark-

able. Due to the value of the proper artistic production, the art works are suggested as triggering prints of the process so that they create a change throughout the knowledge and the physical spaces, having as a refer- ence the idea of the aesthetic act of Francesco Carieri’s line (2002). The different contexts that have been experienced during the crea- tion process are key to her work: the workshop space and the everyday work done in it, as well as the creat- ed interrelations during the creation processes. I have got closer to the more tactile and poetic aspects of experience, by way of map for knowl- edge that has been generated. The magic of the random and the error of the serial repetition put me closer to surprise and change. Ce- ramic is the material that, due to its qualities, makes it possible to artic- ulate the contrast between the fra- gility of the material and the retinal persistence of the images that have been incorporated into the brackets.

María Altuna Lizarraga holds a BA in Fine Arts and has also studied a master´s degree in Research and Creativity in Art, as well as en Educa- tion Master’s Degree at the universi- ty of the Basque Country, where she is currently writing her doctoral the- sis at the Contemporary Art Research PhD Program. Her work has been shown nationally and internationally at collective exhibitions, as well as at individual ones. She has collaborated in different events and publications

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Haiek Danak Sorginak 300 urtetan ze- har Euskal Herrian eman zen sorgin ehizaren inguruko birsorkuntza

Haiek Danak Sorginak 300 urtetan ze- har Euskal Herrian eman zen sorgin ehizaren inguruko birsorkuntza bi- suala da. Seguruenik ez zen ukendu magiko ez erratz hegalaririk egon; ez zen jantzitako aporik ez akela- rreetara joateko katu bilakatzen zi- ren emakumerik izan. Eta hala ere, inkisidoreek tortura eta mehatxu- pean aitorrarazten zituztenean hau da sorginek deskribatzen zuten mundua. Sorgin ehiza Euskal Herrian landare eta fruitu basatien biltzaile eta hauen ezaugarri sendagarrien ja- kintzan adituak ziren emakumeenga- tik hasi zen. Beraz, sendalariak ziren. Baita emaginak ere, eta batzuetan, igarleak. Eta ezaugarri guzti hauen- gatik euren bizilagunen biktima iza- ten bukatu zuten, hauetan aurkitu baitzituzten bizi zituzten gaitz fisiko eta moralei erantzunak. Elizarentza- ko mehatxu bat ziren, bere sinesmen sistema arriskuan ikusita hauek suta- ra bidaliaz erantzun zuelarik. Ez ziren inoiz Akelarre edo ukendu magikoen existentziaren probarik aurkitu eta sorginen bolada gutxitzen joan zen desagertu arte, Isiltasunaren Au- toaren ondoren hauetaz hitz-egiteari utzi zitzaionean.

Bego Antón EHUn kazetaritza ikasi zuen eta argazki dokumentalean es- pezializatu zen Bartzelonan. Haren lan fotografikoak giza portaera aletu nahi du eta, era berean, natur mun- duarekin dugun inplikazio psikolo- giko eta moralari buruzko gogoeta egin. Halaber, interes berezia jartzen du lantalde txikietan, egia, errealitate edo fantasiaren gisako kontzeptuei buruz lan egiteko. Haren lana ospe handiko argitalpenetan kaleratu da, hala nola NYTko Lens Blog-en, Na- tional Geographic, Le Monde, CNN Photos eta The British Journal of Pho- tography-n; orobat, erakusketak egin ditu Espainian, New Yorken, Washing- ton-en, Suitzan edo Alemanian. Be- kak lortu ditu hainbat erakundetan:

Vegap, Spain USA Foundation, Norve- giak Madrilen duen enbaxadaren EEA Grants, Bizkaiko Foru Aldundia eta Etxepare Euskal Institutua.

Haiek Danak Sorginak (Todas Ellas Brujas) es una recreación visual de la caza de brujas en el País Vasco du- rante un periodo de 300 años. Segu- ramente no hubo ungüento mágico ni escobas voladoras; no existieron los sapos vestidos ni mujeres que se convertían en gato para volar a los aquelarres. Y sin embargo, este es el mundo que las brujas descri- bieron a los inquisidores cuando las hacían confesar mediante tortura y amenazas. La caza de brujas arran- có en el País Vasco por la existencia de mujeres recolectoras y expertas en las propiedades curativas de di- ferentes plantas y frutos silvestres. Eran, por tanto, curanderas. Tam- bién matronas y, a veces, adivinas. Y por todas estas cualidades acabaron siendo víctimas de sus vecinos, que encontraron en ellas la explicación de sus males físicos y morales. Eran una amenaza para la Iglesia, que vió peligrar su sistema de creencias y contestó enviándolas a la hoguera. Nunca se encontraron pruebas de la existencia de aquelarres o ungüen- tos mágicos y la ola de brujas dismi- nuyó hasta desaparecer cuando se dejó de hablar de ellas tras el Auto de Silencio.

Bego Antón estudió periodismo en la Universidad de País Vasco y se es- pecializó en fotografía documental en Barcelona. Su trabajo fotográ- fico disecciona el comportamiento humano y reflexiona sobre nuestra implicación psicológica y moral con el mundo natural. También muestra particular interés por pequeños gru- pos para trabajar sobre conceptos como la verdad, la realidad o la fan- tasía. Su obra ha sido publicada en Lens Blog del NYT, National Geogra- phic, Le Monde, CNN Photos y The British Journal of Photography entre otros, exponiendo en España, Nueva York, Washington, Suiza o Alemania. Ha sido becada por Vegap, Spain USA Foundation, EEA Grants de la embajada Noruega en Madrid, la Diputación Foral de Bizkaia y El Ins- tituto Vasco Etxepare.

Bego Antón

Bilbao, 1983

begoanton.com

Haiek Danak Sorginak (All of Them Witch- es) is a visual creation about the witch- hunt that took place in the Basque Country during a 300 year-long pe- riod. There were probably no magic ointments or flying brooms; dressed- up toads did not exist, and neither did the women that turned into cats so that they could fly above the witches' Sabbath. Yet, this is the world that the so called witches described to inquis- itors as they were being threatened and tortured. The witch-hunt started in the Basque Country because there were women who picked medicinal plants and had a great knowledge on their healing properties and the wild fruits. They were healers as well as midwives and, sometimes even seers. Due to all these characteristics, they ended up being victims of their own neighbors, who found in them an ex- planation for their own physical and moral sicknesses. They were a threat to the Church, which realized that its belief-system could be in danger and responded by putting witches at the stake. Evidence on the existence of witches' Sabbath or magical oint- ments has never been found, and the witch wave decreased until it disap- peared when people stopped talking about them after the Auto de Silencio.

Bego Antón studied journalism at the UPV/EHU and specialised in doc- umentary photography in Barcelona. Her photographic work dissects hu- man behaviour and reflects on our psychological and moral involvement with the natural world. She also shows a particular interest in small groups working on concepts such as truth, reality or fantasy. Her work has been published in Lens Blog of NYT, Na- tional Geographic, Le Monde, CNN Photos and The British Journal of Pho- tography among others, exhibiting in Spain, New York, Washington, Switzer- land and Germany. She has received scholarships from Vegap, Spain USA Foundation, EEA Grants of the Norwe- gian Embassy in Madrid, the Regional Government of Bizkaia and the Etxe- pare Basque Institute.

A z a r a z a: eskulturatik, totema eta bere zero maila fetitxea. Giza

A z a r a z a: eskulturatik, totema eta bere zero maila fetitxea. Giza funtzionamenduaren ezkutuko me- kanismo batzuen garrantziaren in- guruko ikerketa. Kultura eta espazio inkontzientetatik eginiko erabilera eta esanahi anitzak eduki ditzake- ten gorputz objektualak eta hauen proiekzioekin eginiko lan bat, argi- tu gabe eusten eta ilunpean irau- ten duten erakarpen eta sedukzio mekanismoetatik. A z a r a z a irudi kontzeptua bezala, ez da soilik hitz eta irudien ekintza ludikoak eragiten duen lilura, sin- taxiaren hutsaren joko hutsa edo zorrotza eta batzuetan zoragarria den zentzugabekeria fonetiko ba- tean sortzen den semantikaren ustiatzearen ekintza soila ekite- tik abiatzen. Erakarpen hau ez da soilik agudeziaren asmamenaren adierazpen bisual edo epidemikoe- tan oinarritzen, Nereak Artearen bi- detik lantzen duen argitaratzearen erresistentzian baizik. Bizitzaren kontzientzia primitiboaren moduko zerbaiten inguruko erakarpenaren hausnarketatik.

Nerea Apodaka Arte ikaskete- tan graduatua da Euskal Herriko Unibertisatean eta RUFAn (Rome University of Fine Arts) eta Euskal Herriko Unibertisateko Ikerketa eta Sorkuntza masterra burutu du. Bere ikasketa eta arte praktika Bilboko Box Arten burutzen dituen pintu- ra eta eskulan monitore lanekin uztartzen ditu. Bere erakusketen artean Erromako SET eta Lanificio 159 edo Bilboko Bizkaia Aretoa, Zwap eta Nuka Espazioan burutu- takoak dira nabarmenenak. 2013. urtean Arte imposible de etiquetar erakusketa ibiltarian parte-hartu zuen: Bilbao Arte, Sala EFTI (Madril), Escenario Santander eta Sala SETBA (Bartzelona). Arte colgante edo Ar- teshop moduko programetan ere parte-hartu du (hiru aldiz jarraian azken honetan).

A z a r a z a: desde la escultura, el

tótem y su grado cero el fetiche. Una investigación en torno a la im- portancia de ciertos mecanismos

ocultos de funcionamiento humano.

Un trabajo con cuerpos objetuales y sus proyecciones que podrían te- ner diversos usos y significados con asociaciones que se realizan desde lugares culturales inconscientes, desde mecanismos de atracción y seducción que se resisten a ser des- velados y permanecen ocultos. Como el concepto imagen a z a r a

z a, que no sólo parte de la fascina-

ción que provoca entregarse a la acción lúdica de las palabras e imá- genes, al puro juego del vacío de la sintaxis o al mero acto de exprimir la semántica que se origina en una es- tricta y a veces maravillosa sinrazón fonética. Esta seducción no se basa solamente en las manifestaciones visuales o epidérmicas del ingenio de la agudeza, sino en la resistencia al desocultamiento que Nerea tra- baja desde el arte, desde la indaga- ción en la atracción hacia algo como la conciencia primitiva de la vida.

Nerea Apodaka es graduada en Arte por la Universidad del País Vasco y la RUFA (Rome University of Fine Arts) y máster en Investi- gación y creación en Arte por la Universidad del País Vasco. Com- pagina sus estudios y su práctica artística con la labor de monitora de pintura y manualidades en Box Art (Bilbao). Entre sus exposicio- nes destaca la participación en el SET, en Lanificio 159 (Roma), Bi- zkaia Aretoa, ZWAP y Espacio Nuka (Bilbao). En el año 2013 participó en la exposición itinerante Arte im- posible de etiquetar en: BilbaoAr- te, Sala EFTI (Madrid), Escenario Santander, y en la Sala SETBA (Bar- celona). También ha participado en programas como Arte colgan- te o Arteshop (durante tres años consecutivos).

Nerea Apodaka

Llodio, 1992

nereapodaka.com

A z a r a z a: from sculpture, totem

and its zero degree fetish. A research

on the importance of certain hidden

mechanisms of the human func-

tioning. A work with object-bodies and their projections, which could be used in different ways and have

a meaning linked to unconscious

cultural places, from mechanisms of

attraction and seduction that refuse

to be revealed and keep themselves

hidden.

The image-concept A z a r a z a does

not only come from the fascination

of jumping into the ludic action of

words and images, into the pure game of emptiness of syntax, or into the simple act of squeezing the se- mantics that originates in the strict and sometimes wonderful phonetic nonsense. This seduction is not only based on the visual or superficial expressions of the wit of acuteness, but on the resistance of the non-hid- ing that Nerea analyzes from Art, from the investigation of attraction towards something as the primitive conscience of life.

Nerea Apodaka graduated in Art from the University of the Basque

Country and Rome University of Fine Arts. She also holds a master’s degree in Research and Creativi-

ty in Art from the University of the

Basque Country. She combines her studies and artistic practice with her job as a painting and crafts instruc- tor in Box Art (Bilbao). Among her exhibitions, we could highlight her participation in SET and Lanificio 159 (Rome), or in Bizkaia Aretoa, Zwap and Espacio Nuka (Bilbao). In 2013, she took part in the itinerant expo- sition Arte imposible de etiquetar in Bilbao Arte, EFTI Room (Madrid), Escenario Santander, and in the Sala SETBA Room (Barcelona). She has also participated in programs such as Arte colgante or Arteshop (during three consecutive years)

Proiektu hau Kretïar izeneko ikus-entzunezko aurreko pieza baten jarraipen natural gisa sortu da eta haren

Proiektu hau Kretïar izeneko ikus-entzunezko aurreko pieza baten jarraipen natural gisa sortu da eta haren asmoa da gizakiari, bizitza- ri eta heriotzari buruzko gogoeta eremua sortzea naturaren, ederta- sunaren eta sinbologiaren bidez, elementu horiek guztiak bilduz gure izaeraren eta ingurunearen oinarriz- koenera biltzeko, gure muina lortzen ahalegintzeko trantsizioaren azken uneen bidez. Genus azken bidea da, hausnartzeko baina batik bat senti- menduak azaltzeko azken bidea.

Paula Bañuelos EHUn Ikus-entzu- nezkoen Komunikazioa ikasi zuen, ondoren zinearen, telebistaren eta ikuskizunen ekoizpenean espezializa- tuz Madrilgo CEVn. 2013an Nouvelle Basque kolektiboa osatu zuen, na- rratiba berriak eta ikus-entzunezko molde berriak esploratzeko. Garai horretan bere piezak sortzen hasi zen, ikus-entzunezkoen munduko postu desberdinetan lortutako ezagupenak baliatuz. Besteen mezuak berrinter- pretatzen hasi zen bideokliparen bi- dez; bitarteko horrek erabateko sor- kuntza askatasuna eman zion. 2015an aurrerapauso bat gehiago eman zuen sorkuntzaren aldetik eta Kretïar eta Itinere bideoartearen piezak sor- tu zituen. Itinere Frontera Imaginaria proiektuaren lehenengo pieza da, gaueko roadtrip bat, amaierarik gabe- koa eta giro astunekoa. Lan horretan behin eta berriz errepikatzen den gai bat azaltzen da: bikote harremanak eta horietan emakumezkoek duten zeregina, bai liberazio pertsonala eta nitasunaren bilaketa ere. Kretïar eder- tasun, sentsibilitate eta garbitasuneko ariketa narratiboa da; bertan irudiaren eta sentimenduen indarrak dena hartzen du. Gizakiaren gain haus- nartzeko aukera bikaina da. Bideoar- tearen Nazio Saria eskuratu zuen Valencia Crea 2015 ekimenean eta bideoartearen zenbait jaialditan izan da Europan eta Latinoamerikan. Gaur egun La ventana indiscreta, Looking for the Bechdel Film ari da lanean; egitas- mo hori irabazlea izan zen Errioxako Gazte Artearen XXXII. erakusketan.

Continuación natural de una pieza au- diovisual anterior llamada Kretïar, esta obra nace con la intención de crear un espacio de reflexión sobre el ser hu- mano, la vida y la muerte a través de

la naturaleza, su belleza y su simbo-

logía, uniendo todos estos elementos para retrotraernos a lo más primario

de nuestro ser y nuestro entorno, para intentar captar nuestra esencia

a través de los últimos momentos de

transición. Genus es el último camino, un camino para la reflexión, pero so- bre todo para los sentimientos.

Paula Bañuelos estudió Comunica- ción Audiovisual en la UPV, especia- lizándose después en Producción de cine, TV y Espectáculos en el CEV en Madrid. En 2013 forma junto a

otros tres artistas el colectivo Nou- velle Basque, centrado en explorar nuevas narrativas y formas audio- visuales. En esta época, comienza

a crear sus propias piezas, apro-

vechando sus conocimientos en los diferentes puestos del mundo audiovisual. Empieza reinterpre- tando mensajes ajenos a través del videoclip, medio que le proporciona una libertad creativa total. En 2015 da un paso más y surgen las piezas

de videoarte Kretïar e Itinere, la pri- mera pieza del proyecto Frontera Imaginaria, un roadtrip nocturno sin final aparente y de atmósfera pesada. En él aborda una temática constante en su obra, como son las relaciones de pareja y el papel de la mujer en ella así como la liberación personal y la búsqueda del yo cons- tante. Kretïar es un ejercicio narrati- vo de belleza, sensibilidad y limpie- za, donde la potencia de la imagen

y los sentimientos lo inunda todo.

Una oportunidad de reflexionar so- bre el ser en estado puro. Obtiene

el premio Nacional de Videoarte en Valencia Crea 2015 y forma parte de diferentes festivales de videoar-

te por Europa y Latinoamérica. Ac-

tualmente trabaja en La ventana indiscreta, Looking for the Bechdel Film, proyecto ganador en la XXXII Muestra de Arte Joven de la Rioja.

Paula Bañuelos

Logroño, 1987

This project emerges as a natural continuation of a previous audio- visual piece called Kretïar and is

born with the intention of creating

a space for reflection on the human

being, life and death through na- ture, its beauty and symbolism, unit-

ing all these elements to go back

to the most primary aspects of our

being and our environment, to try

to capture our essence through the

last moments of transition. Genus is the last path, a path for reflection but above all, for feelings.

Paula Bañuelos studied Audiovi- sual Communication at the UPV, specialising in Film Production, TV and Shows, at the CEV in Madrid. In 2013, she formed the Nouvelle Basque collective focused on explo- ring new narratives and audiovisual forms. Now is when she began to create her own pieces, taking ad-

vantage of her knowledge in the different positions in the audiovisu- al world. She begins reinterpreting foreign messages through video clips, a medium that gives her to- tal creative freedom. In 2015, she took a more creative step forward, and the video art pieces Kretïar and

Itinere, the first piece of the Fronte- ra Imaginaria project, a night-time road trip with no apparent end and

a heavy atmosphere. She addresses

a constant theme throughout her

work, such as the relationship of a couple and the role of the woman in it, as well as personal liberation and the pursuit of constant ego. Kretïar is a narrative exercise of beauty, sensibility and cleanliness, where the power of image and feelings fills

everything, an opportunity to reflect on the pure being. She won the Na- tional Video Art Award in Valencia Crea 2015 and has been part of diffe- rent video art festivals in Europe and Latin America. She is currently wor-

king in La ventana indiscreta, Looking for the Bechdel Film, an award-win- ning project in the XXXII Muestra de Arte Joven de la Rioja [32nd Edition of the Young Art Show of La Rioja].

Sprechgesang abestu eta hitz-egite- aren artean aurkitzen den teknika bokal bati igortzen dion termino musikala

Sprechgesang abestu eta hitz-egite- aren artean aurkitzen den teknika bokal bati igortzen dion termino musikala da. Hitz egiteko eta idaz- teko momentuaren arteko mugak aztertzen dira. Hitzaren musikalta- suna eta poesiarako forma berriak bilatzen dira. Hitzarentzat forma fisiko bat behar da. Negarra ele- mentu plastiko moduan. Abesti ala olerki-testu baten buruz ikasitako interpretazioa. Buruz ikasitako ahoz- kotasuna, behartutako negarra. Itxu- rako kexua. Antzerki-forma eman- dako hitza. Arrakasta eta porrota, arrakastatsua eta porrot egin duena. Orduan eta gorago egon, orduan eta handiagoa izango da erorikoa. Nere testuen antzezpena. Ahozko olerki testu batetik abiatuta lurrean sortu- tako estrukturak. Lurraren eraldake- ta e rre zi taldi espazio moduan erabili ahal izateko, ibilera ala egotearen gainetik dagoen altueran sortutako azalera. Azalera baten altuera ezber- dinak aztertzen dira hau agertoki, idulki ala podium batean bilakatzeko. Altuera egoa bezala hartuta, testu ba- koitzak bere egoera emozionalarekin bat datorren lurrarekiko distantzia bat behar du. Harrokeria, gailentasu- na eta hantustea edo apaltasuna eta segurtasun eza. Egoa neurri unitate bezala. Errezitatutako olerki-testuak aldarrikatzen dituen altuera, ibilbide, gogoeta eta errespetu maila ezber- dinak: intonazioa, erritmoa, metrika, estruktura eta luzapena dira kontu- tan hartzeko balioak.

Maria Benito Píriz Arte Ederretan lizentziatua eta Ikerketa eta Sor- kuntza masterra burutu du EHUan. Eskultura, bideoa, soinua ala idaz- keraren moduko diziplinekin lan egiten du. 2017. urtean proiektu bat gauzatzeko BilbaoArteko egoitza beka jaso du. Urte honetan bertan Eginberri proiektuan parte-hartu du, bere Escenarios lana Gugenheim Bil- bao Museoko erakutsi zuelarik. Erti- bil 2017 erakusketa ibiltarirako eta Errioxako Arte Joven 2017 erakuske- tetan ere parte-hartu du.

Sprechgesang es un término musi- cal que se emplea para referirse a una técnica vocal que se encuentra entre cantar y hablar. Se analizan los límites entre el momento de hablar y de escribir. Se busca la mu- sicalidad de la palabra y las nuevas formas para la poesía. Se necesita una forma física para la palabra. El llanto como elemento plástico. La interpretación memorizada de una canción, de un texto poético. La oralidad memorizada, el llanto forzado. El quejío fingido. La pala- bra teatralizada. El éxito y el fraca- so, el exitoso y el fracasado. Cuánto más alto estés, mayor será la caída. La escenificación de mis textos. Es- tructuras de suelo creadas a par- tir de un texto poético oralizado. La modificación del suelo para ser utilizado como espacio de recital creando una superficie a una altura superior a la del caminar, al de estar. Se analizan las diferentes alturas de una superficie para convertirse en escenario, en peana, en podium. Te- niendo la altura como el ego, cada texto necesita de una distancia del suelo acorde con el estado emocio- nal del texto. La arrogancia, la prepo- tencia y la soberbia o la humildad y la inseguridad. El ego como unidad de medida. Los distintos niveles de altura, de recorrido, de reflexión, de respeto que pretende el texto poéti- co recitado: la entonación, el ritmo, la métrica, la estructura y la duración son los valores a tener en cuenta.

Maria Benito Píriz es licenciada en Bellas Artes y máster de Investiga- ción y Creación en arte por la UPV/ EHU. Trabaja con distintas discipli- nas como la escultura, el video, el audio y la escritura. Ha recibido la beca de residente en BilbaoArte en 2017 y ha sido parte del proyecto Eginberri exponiendo su obra Es- cenarios en el Museo Guggenheim Bilbao. Ha formado parte de la Muestra Itinerante Ertibil (2017) y la Muestra de Arte Joven de la Rioja

(2017).

Maria Benito

Durango, 1992

Sprechgesang is a musical term used to refer to a vocal technique that sit- uates between singing and talking. The limits between the moment of speaking and writing are analyzed. The musicality of the word and the new poetry forms are sought. A physical form for the word is need- ed. The cry as the plastic element. The memorized interpretation of a song, of a poetic text. The memo- rized oral quality, the unnatural cry. The pretended quejío. The dram- atized word. Success and failure, the successful and the looser. The higher you get, the worst the fall will be. The staging of my texts. Floor structures created from a poetic text that has been made oral. The modification of the floor so that it is used as a recital space by creating a surface at a higher level to the one in which we walk and stand. Differ- ent heights of a surface are analyz- ed to turn them into a stage, a base, a podium. Taking height as the ego, each texts needs a distance from the floor according to the emotional state of the text. Arrogance, over- bearingness, and pride, or humanity and insecurity. The ego as a unit of measurement. The different levels of height, of walk tours, of reflection, of respect that the recited poetic text suggests: intonation, rhythm, metrics, structure and duration and the values that need to be taken into account.

Maria Benito Píriz holds a BA de- gree in Fine Arts and a master’s degree in Research and Creativi- ty in Art from the University of the Basque Country. She uses different techniques in her work, such as sculpture, video, audio, and writing. She has received the residency grant at BilbaoArte in 2017. This year, she has also taken part in the Eginberri project showing her work Escenarios at the Guggenheim Biblao Museum. She has also taken part in Muestra Itinerante Ertibil (2017) and Muestra de Arte Joven in La Rioja (2017),

Pieza beltzak lantokian Piezas negras en el estudio
Pieza beltzak lantokian Piezas negras en el estudio

Pieza beltzak lantokian Piezas negras en el estudio

Abundant, Friendly, Composed Timeline Until: 27.10.2017 26.10.2017 AAC div. 160, Printing , 60320 mm. AAC

Abundant, Friendly, Composed Timeline Until: 27.10.2017

26.10.2017

AAC div. 160, Printing , 60320 mm.

AAC div. 220, Printing, 127160 mm.

AAC div 160. & 220, 512940 mm.

16.09.2017

AAC, div. 80 of 160, 320 mm.

Manuel Blázquez

Valencia, 1978

blazquezmanuel.com

AAC, div. 01 of 220, 48400 mm. 04 – 10.09.2017 Desoxidization

24.10.2017

AAC, div. 40 of 160, 640 mm.

3.09.2017

AAC Epilogue, 73102 mm.

AAC, div. 32 of 160, 800 mm.

A4+

Box, 2220 mm.

23.10.2017

AAC, div. 20 of 160, 1280 mm.

A4+

Box, 2220 mm.

AAC div. 160, Printing , 60320 mm.

AAC, div. 16 of 160, 1600 mm.

2.09.2017

AAC div. 220, Printing, 127160 mm.

AAC, div. 10 of 160, 2560 mm.

A4 1/2V, 79200 mm.

16

– 17.10.2017

AAC, div. 08 of 160, 3200 mm.

1.09.2017

AAC Epilogue (Template), 73102 mm.

AAC, div. 05 of 160, 5120 mm.

A4 1/2V, 79200 mm.

12

– 13.10.2017

14.09.2017

24.07.2017

AAC div. 160, Printing, 60320 mm.

AAC, div. 04 of 160, 6400 mm.

DIV

3 of 210 (12/12), 20790 mm.

AAC div. 220, Printing, 127160 mm.

AAC, div. 02 of 160, 12800 mm.

DIV

5 of 210 (11/12), 12474 mm.

09

– 11.10.2017

AAC, div. 01 of 160, 25600 mm.

DIV

6 of 210 (10/12), 10395 mm.

AAC div. 160, Embossing, 60320

AAC, div. 110 of 220, 440 mm.

22.07.2017

mm.

AAC, div. 55 of 220, 880 mm.

DIV

7 of 210 (9/12), 8910 mm.

AAC div. 220, Embossing, 127160

AAC, div. 44 of 220, 1100 mm.

DIV

10 of 210 (8/12), 6237 mm.

mm.

AAC, div. 22 of 220, 2200 mm.

DIV

14 of 210 (7/12), 4455 mm.

04

– 05.10.2017

AAC, div. 20 of 220, 2420 mm.

DIV

15 of 210 (6/12), 4158 mm.

Intervallum Recomposed, 84080

AAC, div. 11 of 220, 4400 mm.

DIV

21 of 210 (5/12), 2970 mm.

mm.

11.09.2017

DIV

30 of 210 (4/12), 2079 mm.

05

– 06.10.2017

AAC, div. 20 of 220, 2420 mm.

DIV

35 of 210 (3/12), 1782 mm.

AAC, div. 210 2 by 2, 62370 mm.

AAC, div. 11 of 220, 4400 mm.

DIV

42 of 210 (2/12), 1485 mm.

30

– 31.09.2017

AAC, div. 10 of 220, 4840 mm.

DIV

70 of 210 (1/12), 891 mm.

DC, div. 297 2 by 2, 62370 mm.

AAC, div. 05 of 220, 9680 mm.

– –

17

– 29.09.2017

AAC, div. 04 of 220, 12100 mm.

A4+

Box for A6, 473 mm.

Printing

AAC, div. 02 of 220, 24200 mm.

A4+

Box, 2220 mm.

Manuel Blázquez Institutuko urte- tan zehar marrazketa teknikoa eta graffitiaren inguruko interes bizi bat lantzen du, Jaume I egindako uniber- tsitate ikasketetan garatzen duena. Publizitatean egindako lehen zikloa eta diseinatzaile grafiko bezala jar- dundako garai baten ondoren Ita- liara aldatzen da, Bolognako Arte Ederren Akademian Arte Grafika ikasketak hasten dituelarik. Bertan Comunicazione e riproducibilità tesia- rekin diplomatzen da, bi urtez Catal- do Serafini irakaslearen laguntzaile moduan lan egiten duelarik. 2011 urte amaieran garai berri bat hasten du Grezian Tesalonikako Aristoteles Unibertsitateko Xenis Sachinis graba- tu irakaslearekin batera. Gaur egun Valentzian bizi da non zenbaki-ko- deak eta hauen aukera plastikoen in- guruko ikerketan lan egiten duelarik.

Manuel Blázquez madura un fuerte interés por el dibujo técnico y el gra- fiti desde el instituto que desarrolla después en los estudios universita- rios de la Jaume I de Castellón.Tras el primer ciclo en publicidad y un período de experiencia como diseña- dor gráfico, se traslada a Italia donde comienza el estudio de la Gráfica Ar- tística en la Academia de Bellas Artes de Bolonia, donde se diploma con una tesis titulada Comunicazione e ri- producibilità y trabaja dos años como asistente del profesor Cataldo Serafi- ni. A finales del 2011 inicia una nueva etapa en Grecia junto al profesor de Grabado Xenis Sachinis de la Univer- sidad Aristóteles de Tesalónica. Ac- tualmente reside en Valencia donde profundiza su investigación entorno a los códigos numéricos y sus posibi- lidades plásticas.

Manuel Blázquez consolidates an interest in technical drawing and

graffiti throughout his high school years, an interest he later develops during his undergraduate studies at

the Jaume I. Upon leaving university

and working as a graphic design- er for some time, he spends a few years at the Academy of Fine Arts in Bologna, where he graduates with a thesis entitled Comunicazione e ripro-

ducibilità and works as a teaching as- sistant to Professor Cataldo Serafini for two years. In late 2011, he enters

a further stage in his career, this

time in Greece with Professor Xenis

Sachinis of the Aristotle University in Thessaloniki. Manuel currently lives

in Valencia, where he continues his

research on numbers and their plas-

tic possibilities.

Intervallum (plantillas). Inpresio digitala 80 g.ko paper erreziklatuan, eskuz zulatua | Impresión digital sobre papel reciclado 80 g. perforado a mano | 225 x 165 cm | 2017

Intervallumentzat kutxa irekia | Caja abierta para Intervallum | 1,4 mm.ko Passe-partout kartoian | Cartón Passe-partout 1,4 mm |22,5 x 16,5 x 2 cm |

2017

DIN A4/2V en A4+, 130 g.ko Basik paperean eskuz moztua| Papel Basik 130 g. cortado a mano | 32,5 x 23 x 2,5 cm | 2017. Argazkia: Saskia Rodríguez

Abundante Amigable Compuesto (160V) | Tinta 130 g.ko Basik paper gainean | Tinta sobre papel Basik 130 g. | Neurri aldakorrak (alea: 21 x 29,7 cm) | Dimensiones variables (c/u: 21 x 29,7 cm) | 2017

Tinta sobre papel Basik 130 g. | Neurri aldakorrak (alea: 21 x 29,7 cm) | Dimensiones
Tinta sobre papel Basik 130 g. | Neurri aldakorrak (alea: 21 x 29,7 cm) | Dimensiones
Nola antzematen dira emakumeak literatura arloan? 1983an Joanna Russ idazle, akademiko eta feminis - tak

Nola antzematen dira emakumeak literatura arloan? 1983an Joanna Russ idazle, akademiko eta feminis- tak How to Suppress Women’s Writing entsegua argitaratu zuen. Bertan emakumeenganako eguneroko lai- doztasun praktikak salatzen zituen, hauek hamaika kategoriatan kata- logatuz; idazteko oinarrizko tres- netarako sarrera ukatzetik, lanaren autoretzaren ukatzea edo isolamen- duaren teoría. Teoría honen bitar- tez praktika bati edo lanaren zati txiki bati soilik ematen zitzaion ga- rrantzia, ekintza soilaren adierazpe- nean oinarritzen zen mito faltsu bat sortuz. Russen entsegua abiapuntutzat hartuta, Elizabeth Casillasek di- seinu grafikoa eta horma-irudiak erabiltzen ditu literaturaren barruan emakumeen "toki eza" salatu eta letren munduan eduki behar duten tokia aldarrikatuz.

Elizabeth Casillas kazetaria, Cac- tus aldizkariko argitaratzailea eta argitaletxe kudeatzailea da. 2016an, Jóvenes y blasfemas jaialdia zuzendu zuen, espiritu feministaren ikuspe- gitik abiatuta; izan ere, jaialdi horren helburua emakumearen presentzia komikiaren eta bideo-jokoaren in- dustrietan bultzatzea da. Gaur egun Joker liburu dendaren Nobela Gra- fikoaren Kluba zuzentzen du eta, halaber, kulturaren inguruko ekital- diak dinamizatzen ditu. Komikietan, literaturan eta feminismoan mur- gilduta, kultura arloan gutxieneko interesa duen edozein gairi buruz idazten du.

¿Cómo son percibidas las mujeres dentro del campo de la literatura? La escritora, académica y feminis- ta Joanna Russ publicó en 1983 el

ensayo How to Suppress Women’s Writing, un libro en el que denun- ciaba las prácticas habituales con las que se denostaba a las autoras

y las catalogaba en once categorías que iban desde impedir el acceso

a las herramientas básicas para la

escritura hasta la negación de la au- toria o la teoría del aislamiento, que consistía en crear el falso mito de que se trataba de un hecho aislado afirmando que sólo un trabajo o una pequeña parte de su carrera se con- sidera relevante. Con el ensayo de Russ como punto de partida, Elizabeth Casillas utiliza el diseño gráfico y la cartelería para denunciar ese "no lugar" de las mu- jeres en la literatura y reivindicar su posición dentro de la historia de las letras.

Elizabeth Casillas es periodista, editora de la revista Cactus y ges- tora editorial. Dirigió en 2016 el festival Jóvenes y blasfemas, un fes- tival que pretende, bajo un espíritu feminista, hacer una celebración de la presencia de la mujer en las industrias del cómic y del videojue- go. Actualmente coordina el Club de Novela Gráfica de la librería Joker y dinamiza eventos en torno a la cul- tura. Centrada en cómics, literatura y feminismos, escribe de todo aque- llo que demuestre un mínimo inte- rés cultural.

Elizabeth Casillas

Bilbao, 1986

How are women perceived within literature? Author, scholar, and fem-

inist thinker Joanna Russ published in 1983 her essay How to Suppress

Women’s Writing, in which she ex- posed the usual practices by which women writers are belittled. Russ catalogued these practices into elev- en types, including categories such as preventing women from access to the basic tools for writing, deni- al of agency or the theory of isola- tion, fabricating the myth that only a single work or small part of the au- thor’s career is considered worthy. Parting from Russ’s essay, Elizabeth Casillas deploys graphic design and posters as a means to bring atten- tion to women’s "no place" in liter- ature and reclaim their place in the history of literature.

Elizabeth Casillas is a journalist and editorial manager. She is the editor of Cactus magazine. In 2016 she managed Jóvenes y blasfemas, a feminist festival celebrating wom- en’s presence in the comic book and videogame industries. She current- ly coordinates the Graphic Novel Reading Club at Joker bookshop and promotes cultural events. She writes about all things culturally interest- ing, focussing on comics, literature, and feminisms.

Proiektu hau demokrazia ordezka- garriaren egungo egoera eta maila politikoaren partetik egiten den bo- tere

Proiektu hau demokrazia ordezka-

garriaren egungo egoera eta maila politikoaren partetik egiten den bo- tere ariketa hertsatzailearen analisia eta eztabaidatik garatzen da. Her- tsaduraren helburu nagusia giza- banakoren jokaeraren baldintzatze- aren bitartez legea betearaztea da; paretarik gabe, modu garden bate- an eta gure bizimodura lasaiki guz-

tiz egokitzeko gaitasunarekin, gure

osasuna eta pertsona bakoitzaren ongizateaz arduratuz eta gizartean banan-banako modeloa inposatuz. Boterearen kontrako mekanismo moduan botere sinbolikoa erabiliz hainbat pieza sortu dira proiektu honen barruan, objektuak eta hitzak euren testuingurutik atera edo iro- nia eta satiraren erabilera azpima- rratzen direlarik. Ikusleen artean konplizeak bilatzen saiatzen diren lanak dira, hauek bideratu dituzten sumisio egoeratik atera eta bes- te alderdira batzeko gonbidapena luzatuz.

Adrián Castañeda Arte Ederretan Graduatua da Salamancako Uniber- tsitatean eta Arte Produkzio Mas- terra burutu du Valentziako Uni- bertsitate Politeknikoan. Bere arte praktika pentsamendu kritikoaren

sorrerarako makinaritzat hartzen du. Egoera honetatik abiatuta bote- rea eta hegemoniarako hainbat me- kanismoen inguruko hainbat alder-

di aztertzen ditu, egungo ikuspegi

sozial, politiko eta demokratikoaren inguruan pausatu eta gogoeta bat

egitera gonbidatuz. Bere lanak, bes- teak beste, Valentziako Las Naves Espai d’Innovació i Creació, Segovia-

ko Palacio de Quintanar, Vallecasko

ABM Confecciones, Madrilgo Sala Amadís (Injuve), Salamancako Zink espazioa edo Greziako Piraeusen erakutsiak izan dira.

El proyecto ha sido desarrollado a partir del análisis y cuestionamien- to del estado actual de la demo- cracia representativa y del ejercicio

del poder coercitivo por parte de la clase política. El principal objetivo de la coerción es el cumplimiento de las normas a partir del condicio- namiento de las conductas de los individuos; sin paredes, de manera transparente y con la capacidad de adaptarse apaciblemente a nuestra forma de vida, velando por la salud

y bienestar de cada persona, e im-

poniendo un modelo individualizan- te en la sociedad. Haciendo uso del

poder simbólico como mecanismo de contrapoder, se han llevado a cabo varias piezas en las que desta- can la utilización de recursos como la descontextualización de objetos, la palabra o el empleo de la ironía

y la sátira. Obras que se afanan en

buscar cómplices entre el público, invitando a abandonar esa posición de sumisión a la que han sido rele- gados y sumarse a las filas.

Adrián Castañeda es graduado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca y Máster de Produc- ción Artística en la UPV de Valencia. Considera su práctica artística como maquinaria de creación de pen- samiento crítico. Partiendo de ese posicionamiento aborda diferentes aspectos relacionados con el poder

y sus diversos mecanismos de hege- monía, invitando a parar y reflexio- nar en torno al panorama social, po- lítico y democrático actual. Su obra ha sido expuesta en Las Naves Espai d’Innovació i Creació de Valencia,

Palacio de Quintanar en Segovia, ABM Confecciones de Vallecas, Sala Amadís de Injuve en Madrid, espa- cio ZInk de Salamanca o en Piraeus, Grecia, entre otras.

Adrián Castañeda

Salamanca, 1990

The project has been developed from the analysis and questioning of the current status of represent- ative democracy and the practice of the coercive power belonging to the political class. The main goal of coercion is to com- ply with the regulations as of con- ditioning of individuals’ behavior; without walls, transparently and with the ability to nicely adapt to our lifestyle, watching over the health and wellbeing of each person, and

imposing an individualizing role model in society. Making use of symbolic power as an anti-establishment mechanism, sev- eral pieces have been made in which the utilization of several resources is highlighted, such as object de-con- textualization, the word, or the use of irony and satire. Works that strive

to look for accomplices among the public, inviting them to abandon that submissive position to which they have been pushed into and en- couraging them to join the ranks.

Adrián Castañeda received his BA degree in Fine Arts at the Univer- sity of Salamanca and his master’s degree in Artistic Production at UPV in Valencia. He considers his artistic practice as a machine that creates critical thinking. From that point of view, he addresses different aspects related to power and its diverse mechanisms of hegemony, inviting us to stop and reflect upon the cur- rent social, political and democratic outlook. His work has been exhibit- ed at Las Naves Espai d’Innovació i Creació in Valencia, Palacio de Quin- tanar in Segovia, ABM Confecciones in Vallecas, Sala Amadís of Injuve in Madrid, Espacio Zink in Salamanca, or in Piraeus, Greece, among others.

Capítulo Primero: Prevenciones generales 215 x 130 x 30 cm | Plater apaingarriak eta kalka
Capítulo Primero: Prevenciones generales 215 x 130 x 30 cm | Plater apaingarriak eta kalka

Capítulo Primero: Prevenciones generales

215 x 130 x 30 cm | Plater

apaingarriak eta kalka zeramikoak

215 x 130 x 30 cm | Platos

decorativos y calcas cerámicas

Aurreko orrialdea | Página anterior Voy a tener suerte

135 x 47 x 40 cm | Makina saltzailea

eta kautxozko bolak

135 x 47 x 40 cm | Máquina

expendedora y bolas de caucho

Urrengo orrialdea goian | Página siguiente arriba 155 kilos

110

x 52 x 32 cm | Hormigoia

110

x 52 x 32 cm | Hormigón

Urrengo orrialdea behean | Página siguiente abajo

Huevos de gallinas criadas en jaula

170 x 65 x 35 cm | Kartoia eta

eraikuntzarako kaskoa

170 x 65 x 35 cm | Cartón y cascos

de obra

gallinas criadas en jaula 170 x 65 x 35 cm | Kartoia eta eraikuntzarako kaskoa 170
gallinas criadas en jaula 170 x 65 x 35 cm | Kartoia eta eraikuntzarako kaskoa 170
Haré un poema de la pura nada. No tratará de mí ni de otra gente.

Haré un poema de la pura nada. No tratará de mí ni de otra gente. No celebrará amor ni juventud ni cosa alguna, sino que fue compuesto durmiendo sobre un caballo.

Guillermo de Aquitania

Composición en seis lienzos proiek- tua erreferentziatzat hartzen du Goetheren koloreen teoria, zehatza- go haren zirkulu kromatikoa, tamai- na handiko sei mihisek osatutako obra bat egiteko proposatuz. Hiru mihise margoturik daude kolore pri- mario batez, bertikalean zuriarekin bat eginez; gainerako hiri mihiseak kolore sekundario batez margoturik daude, baina bertikalean ere zuria- rekin bat eginez. Lana pieza bakar gisa erakutsiko da eta sei mihiseek osatuko dute, hurrenkera honetan:

gorria, laranja, horia, berdea, urdina eta bioleta.

José Luis Cremades Arte Ederretan lizentziatu zen 2006an Valentzia- ko Unibertsitate Politeknikoko San Carlos Arte Ederretako Fakultatean, margolantzan espezializatuz. Or- dutik hona bakarka naiz kolektibo erakusketa ugari egin ditu, hala nola Murtziako Art Nueve galerian izan- dako Todo es entonces erakusketa indibiduala 2015ean edo Madrilgo Espacio Sin Título galerian izandako Fuera quedó cada vez menos erakus- keta 2014an. Haren lanak zenbait beka eskuratu ditu, hala nola Va- lentziako Diputazioko Alfons Roig beka edo Mario Antolín beka. Haren lana nazioartean ere erakutsi da bilduma publiko nahiz pribatuetan. Bere azken erakusketa Camino de campo izan zen Galería Pelairesen, Palma de Mallorca.

José Luis Cremades

Ibi, 1979

Haré un poema de la pura nada. No tratará de mí ni de otra gente. No celebrará amor ni juventud ni cosa alguna, sino que fue compuesto durmiendo sobre un caballo.

Guillermo de Aquitania

El proyecto Composición en seis lien- zos toma como referencia la Teoría de los colores de Goethe, en con- creto su círculo cromático, propo- niendo la realización de una obra compuesta por seis lienzos de gran formato. Tres lienzos estarán pinta- dos con un color primario cada uno, fundiéndose verticalmente al blan- co, los otros tres lienzos estarán, a su vez, pintados cada uno con un co- lor secundario fundiéndose de igual modo al blanco. La obra se presen- tará como una sola pieza formada por los seis lienzos distribuidos en el siguiente orden: rojo, naranja, ama- rillo, verde, azul, violeta.

José Luis Cremades es licenciado en Bellas Artes por la facultad de BB. AA. de San Carlos de la Universidad Poli- técnica de Valencia en el año 2006, especializándose en Pintura. Desde entonces ha realizado exposiciones individuales y colectivas como su ex- posición individual Todo es entonces en la Galería Art Nueve de Murcia, en el año 2015 o Fuera quedó cada vez menos en la galería Espacio Sin Título de Madrid, en el año 2014. Su trabajo ha sido merecedor de becas como la Alfons Roig de la Diputación de Valencia o la Beca Mario Antolín. Su obra está representada interna- cionalmente en colecciones tanto públicas como privadas. Su última exposición ha sido Camino de cam- po en la Galería Pelaires, Palma de Mallorca.

I will create a poem out of the nothingness. It will not be about me or any other person. It will not celebrate love and youth or anything else, but it will have been composed while sleeping on a horse instead.

Guillermo de Aquitania

The Composition on six canvases pro- ject takes Goethe’s Theory of Co- lours as a reference, specifically his chromatic circle, proposing a work composed of six large-format can- vases. Three canvases will be pain- ted with one primary colour each, melting vertically to white and the other three canvases will be pain- ted with a secondary colour, fusing equally to white. The work will be presented as a single piece made up of the six canvases distributed in the following order: red, orange, yellow, green, blue and violet.

José Luis Cremades graduated in Fine Arts at the Fine Arts Faculty of San Carlos of the Polytechnic University of Valencia in 2006, spe- cialising in Painting. Since then, he has hosted solo and collective exhibitions such as his solo exhi- bition called Todo es entonces at the Art Nueve Gallery in Murcia, in 2015 or Fuera quedó cada vez menos at the Espacio Sin Títu- lo gallery in Madrid, in 2014. His work has been awarded scholar- ships, such as the Alfons Roig by the Diputación de Valencia or the Mario Antolín Scholarship. His work is represented international- ly in both public and private collec- tions. His last exhibition has been Camino de campo in Galería Pelai- res, Palma de Mallorca.

Composición en seis lienzos 195 x 130 cm ale bakoitza | Akrilikoa mihise gainean 195

Composición en seis lienzos

195 x 130 cm ale bakoitza | Akrilikoa

mihise gainean

195 x 130 cm cada pieza | Acrílico

sobre lienzo

Millennials-en belaunaldiak (90eko hamarkadan jaiotakoak) mass me- dia ren dinamikak barneratu ditu: norbanako gisa

Millennials-en belaunaldiak (90eko hamarkadan jaiotakoak) mass me- diaren dinamikak barneratu ditu:

norbanako gisa duten izaera datu eta informazio base baten antzera irakur daiteke; entretenimenduaren logika mediatikoari jarraikiz komu- nikatzen dira (arintasuna, azaleko- tasuna eta ikus inpaktua) eta euren bizitza kontatzen dute auto-propa- gandan oinarrituz. Irratia eta te- lebistarekin igorle komunikatzaile bakarra zegoen eta hartzaile ma- siboa: ikus-entzuleak. Internete- kin rol horiek bat egiten hasi dira:

ikus-entzuleak erabiltzaile bihurtu dira, aldi berean edukia kontsumituz eta ekoiztuz. Clàudia Del eta Jaume Clotet-en jardun artistikoa bilba- tzen da Interneta eta gailu teknolo- gikoak elkarrekin bizitzeko eta gure egunerokotasunari eragiteko duten moduaren inguruan. Planteamendu ironiko eta ludiko bati eutsiz, ikus kontakizunak eratzen dituzte eta ho- riek benetakoa eta digitalaren arte- ko banaketa aztertzera garamatza- te, ingurunea eta haren irudikapena zalantzan jartzera, haien karikatura egitera eta entretenimenduaren zentzua nahastera.

Clàudia Del Arte Ederretan gradua- tua da Bartzelonako Unibertsitate- an. Sala d’Art Jove 2017 ekoizpeneko saria eskuratu du (Bartzelona) eta Bartzelonako Fàbrica de Creació Fabra i Coats-en egoiliarra izan da Didógenes kolektiboarekin.

Jaume Clotet Arte Ederretan gradua- tua da Bartzelonako Unibertsitate- an. NeoGroupie haren lehendabiziko erakusketa indibiduala izan zen SIS galerian (Sabadell, 2015) eta hainbat erakusketa kolektibotan parte hartu du, besteak beste: Enésima Intempesti- va (espai 2 Galeria àngels, Bartzelona, 2016), La Gran Il·lusió (Sala d’Art Jove, 2015) eta Biennal de Valls (Museu de Valls, 2015).

Clàudia Del & Jaume Clotet

Girona, 1994 | Barcelona, 1994

La generación de los millennials (los nacidos en los 90’s) ha interiorizado las dinámicas de los mass media: su identidad como sujetos se puede leer como una base de datos e in- formación, se comunican siguiendo la lógica mediática del entreteni- miento (rapidez, superficialidad e impacto visual) y cuentan su vida basándose en la auto-propaganda. Con la radio y la televisión existía un emisor/comunicador único y un re- ceptor masivo: la audiencia. Con in- ternet, estos roles se empiezan a fu- sionar: la audiencia se convierte en los usuarios, que consumen y pro- ducen contenido a la vez. La prácti- ca artística de Clàudia Del y Jaume Clotet gira entorno a cómo internet y los dispositivos tecnológicos convi- ven y afectan nuestra cotidianidad. Manteniendo un planteamiento irónico y lúdico, construyen relatos visuales que nos llevan a explorar la disolución de lo real con lo digital, a cuestionar y caricaturizar el medio y su representación y a tergiversar el sentido del entretenimiento.

Clàudia Del es graduada en Bellas Artes por la Universidad de Barce- lona. Ha obtenido el premio de pro- ducción Sala d’Art Jove 2017 (Barce- lona) y ha sido residente en Fàbrica de Creació Fabra i Coats en Barcelo- na con el colectivo Didógenes.

Jaume Clotet es graduado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelo- na. NeoGroupie fue su primera ex- posición individual en la Galeria SIS (Sabadell, 2015) y ha participado en varias exposiciones colectivas como:

Enésima Intempestiva (espai 2 Gale- ria àngels barcelona, 2016), La Gran Il·lusió (Sala d’Art Jove, 2015), Biennal de Valls (Museu de Valls, 2015), entre otras.

The generation of the Millennials (those born in the 90’s) has inter- nalised the dynamics of the mass media: their identity as subjects can be read as a database and informa- tion, they communicate following the media logic of entertainment (rapidity, superficiality and visual impact) and tell stories about their life based on self-propaganda. With radio and television, there was a sin- gle transmitter/communicator and a massive receiver: the audience. With the Internet, these roles began to merge: the audience becomes the users, those who consume and produce content at the same time. The artistic practice of Clàudia Del and Jaume Clotet revolves around how the Internet and technological devices coexist and affect our daily lives. In keeping with an ironic and playful approach, they construct visual stories that lead us to explore the dissolution of the real with the digital, to question and caricature the medium and its representation and to distort the meaning of enter- tainment.

Clàudia Del graduated in Fine Arts from the University of Barcelona. She won the Sala d’ Art Jove 2017 production prize (Barcelona) and was a resident artist at Fàbrica de Creació Fabra i Coats in Barcelona with the Didógenes collective.

Jaume Clotet graduated in Fine Arts from the University of Barcelona. NeoGroupie was his first solo exhi- bition at the SIS Gallery (Sabadell, 2015) and he participated in several collective exhibitions such as: Enési- ma Intempestiva (espai 2 Galeria àn- gels Barcelona, 2016), La Gran Il·lusió (Sala d’Art Jove, 2015) and Biennal de Valls (Museu de Valls, 2015), among others.

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Aurreko orrialdea | Página anterior See Time Go By | 2017 Ikusentzunezko instalazioa | Instalación

Aurreko orrialdea | Página anterior See Time Go By | 2017 Ikusentzunezko instalazioa | Instalación audiovisual | Egurrezko egitura eta poliuritano espanditua | Estructura de madera y poliuretano expandido | 50 x 140 x 105 cm |Pantaila 96 x 56 cm | Pantalla 96 x 56 cm | Bedar artifizialezko bi kuxin 45 x 145 x 15 cm | Dos cojines de césped artificial 45 x 145 x 15 cm | 11’50” bideo loop-a | Vídeo en loop 11’50”

Goian | Arriba See Time Go By | 2017 | Fotograma, 11'50" bideo loop-a | Fotograma, vídeo en loop 11'50"

Behean | Abajo How to get more followers (2017) Kiroletarako bufanda | Bufanda deportiva | 50 aleko edizioa | Edición de 50 |20 x 140 cm

deportiva | 50 aleko edizioa | Edición de 50 |20 x 140 cm Goian | Arriba
deportiva | 50 aleko edizioa | Edición de 50 |20 x 140 cm Goian | Arriba

Goian | Arriba State of Mainstream - Mark Leckey | 2017 | Lau kortina inpimatuta, barrak eta plastikozko anillak | Cuatro cortinas impresas, barras y anillas de plástico| 200 x 90 x 90 cm

Behean | Abajo State of Mainstream - H&M | 2017 | Fotograma, 30' bideoa | Fotograma, vídeo 30'

Natalia Domínguez Jerez de la Frontera, 1990 nataliadominguez.com Greetings to the audience egitasmoa NASAk 1977an

Natalia Domínguez

Jerez de la Frontera, 1990 nataliadominguez.com

Greetings to the audience egitasmoa NASAk 1977an zuzendutako proiek- tu baten jabekuntza eta itxuragabe- tzetik sortzen da: The Golden Records binilozko bi diskoetatik, hain zuzen. Diskook Voyager 1 eta 2 espazio ontzietan eraman zituzten eta ber- tan gure planeta eta zibilizazioaren ikus-entzunezko zenbait agiri jaso- tzen ziren, balizko aurkitzaile estra- lurtarrei zuzenduta. Ekintza horren

Greetings to the audience surge de la apropiación y tergiversación de un proyecto dirigido por la NASA en 1977: The Golden Records, dos discos de vinilo a bordo de las naves Vo- yager 1 y 2 que contienen diversos documentos audiovisuales propios

Greetings to the audience arose from the appropriation and misrep- resentation of a project led by NASA in 1977: The Golden Records, two vinyl records aboard the Voyager I

erromantizismo eta xalotasunetik, hedapen eta komunikaziorako du- gun azterketatik, XX. mendearen er- dialdeko gizarteak aurrerapenaren alde azaldutako mirespenetik eta etorkizuna vs. futurismoaren eta zientzia vs. zientzia fikzioaren arteko paradoxetatik abiatuz, zenbait objek-

de nuestro planeta y civilización diri- gidos a unos posibles descubridores extraterrestres. Partiendo del ro- manticismo e inocencia de tal acto, el análisis de nuestra necesidad de expansión y comunicación, el fervor del progreso que experimentó la sociedad de mediados del siglo XX

and II ships that contain various of their own audiovisual documents of our planet and civilisation aimed at potential extraterrestrial discoverers. Based on the romanticism and in- nocence of such an act, the analy- sis of our need for expansion and communication, the fervour of

tu eta eszenatoki sortu ditu, ikusleari

y

las paradojas futuro vs. futurismo

progress experienced by society in

y

ciencia vs. ciencia ficción, Domín-

the mid-twentieth century and the

Natalia Domínguez has a degree in

ongietorria emateko eta egoteko eta izateko esperientziarekin saritzeko, ikuslea, azken batean, pieza bakoi- tzaren aktibatzailea baita.

Natalia Domínguez Arte Ederre- tako lizentziatua da Granadako Unibertsitatean eta EHUn ekoiz- pen artistikoko masterra egin du. BilbaoArte Fundazioan egondutaz aparte, 2017. urte honetan Iniciar- te laguntzetaz baliatu ahal izan da. Artista egoilarra izan da El Ranchito Brasil (Matadero Madrid / PIVÔ) eta alRaso12 (Valle de Lecrín, Granada) lekuetan eta 2010. urtetik aurrera bere lanak erakutsiak izan dira Chiri- vella Soriano Fundazioa (Valentzia), Mr. Pink galería (Valentzia), CAC – Málaga, Mostra d’Art Públic 2016 (Valentzia), Working Title Festibala (Bruselas), OSTRALE12 (Dresde), FACBA16 eta FACBA13 (Granada) tokietan. Bere produzkzio artistikoa burutzearekin batera, 2012 eta 2014 urte bitartean Espacio Cienfuegos (Málaga) lekuan egon da artista aktibo bat bezala. Horretaz gain, Co-autorea izan da Nosotrosduran- te tokian 2016. urtean, José Ramón Sandar eta Cristina Anglada sortu- tako plataforma online bat, non arte kontemporaneo arloan burutzen diren inbestigazio artistikoak eta te- orikoak.

guez ha generado una serie de obje- tos y escenarios que pretenden dar la bienvenida al espectador y obse- quiarlo con la experiencia de estar y ser, a fin de cuentas, el activador de cada una de las piezas.

Natalia Domínguez es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada y posee un máster en producción artística por la UPV. Ade- más de su estancia en la Fundación BilbaoArte, durante 2017 ha sido be- neficiaria de las ayudas Iniciarte. Ha sido artista residente en El Ranchito Brasil (Matadero Madrid / PIVÔ) y alRaso12 (Valle de Lecrín, Granada) y desde 2010 su trabajo ha sido ex- puesto, entre otros espacios, en la Fundación Chirivella Soriano (Va- lencia), galería Mr. Pink (Valencia), CAC – Málaga, Mostra d’Art Públic 2016 (Valencia), Working Title Festi- val (Bruselas), OSTRALE12 (Dresde), FACBA16 y FACBA13 (Granada). En paralelo a su producción artística, ha sido miembro activo de Espacio Cienfuegos (Málaga) entre 2012 y 2014 y co-autora en Nosotros du- rante 2016, una plataforma online de investigación artística y teórica sobre arte contemporáneo fundada por José Ramón Sandar y Cristina Anglada.

future vs. futurism and science vs. science fiction paradoxes, she has generated a series of objects and scenarios that aim to welcome the spectator and give them the expe- rience of being, who, at the end of the day, are the activators of each of the pieces.

Fine Arts from the University of Gra- nada and holds a master’s degree in Artistic Production from the UPV. In addition to her residency in BilbaoArte Foundation, she has received grants from Iniciarte. She has been a resident artist in El Ranchito Brasil (Matadero Madrid/PIVÔ) and in alRaso12 (Gra- nada). Since 2010, her work has been exhibited, among other spaces, at Fun- dación Chirivella Soriano (Valencia), Mr. Pink Gallery (Valencia), CAC – Mala- ga, Mostra d’Art Públic 2016 (Valencia), Working Title Festival (Brussels), OS- TRALE12 (Dresden), and in FACBA16 and FACBA13 (Granada). Parallel to her artistic production, she has been an active member of Espacio Cienfue- gos (Malaga) between 2012 and 2014, and coauthor in Nosotros, an online artistic and theoretical research plat- form about contemporary art founded by José Ramón Sandar and Cristina Anglada.

A long day for parafiction. Mikel Es- cobales en lanak oraindik idazteko dagoen edozein kontakizun

A long day for parafiction. Mikel Es- cobalesen lanak oraindik idazteko dagoen edozein kontakizun ala for- mari elkartzeko gai den bektore ire- ki baten moduan funtzionatzen du. Eskultura, argazkia, artxiboko ma- teriala, argitalpena, bideoa, idatzia eta para-fikzioa bezalako beste osa- garrien bitartez akatsaren estetika aztertzen du kontzeptualismoa eta forma, edukia eta komunikatiboa ez den hizkuntza barrena. Ca garatzen duen arte produk- zioaren hedapen ala deformazio anbiguo bat da. Ca jjjjjjjjjjjjjjjjtik da- torren plataforma “para-fiktizio” bat da, non gauzen azalera, bere edukia eta teoriaren xuxurlak eza- gutzetik harutzago, maloca bará; pira-paraná soinutik, eta bi soinu analogoetatik sortzen den materia irristakorretik aberastu dena. Cak ez dauka historia bat, produktu bat ala ekintza ahaztezin bat sortzeko asmorik, ahazteko erraza den zer- bait sortu nahi du.

Mikel Escobales Arte Ederretan lizentziatua da Madrilgo Konplu- tense Unibertsitatean eta Arte Ga- raikidearen Historia eta Kultura Bisualean MA MNCARSen. Mikel Escobales Ca figuraren sortzaileeta- riko bat da eta Elliot? proiektuaren editorea izateaz gain. Hassenheide 9, Berlín, Kastanienalle 26, Berlín eta Madrilgo Montera 32 espazioe- tan bakarkako erakusketak burutu ditu, Madrilgo Matadero, Bogotako El Parqueadero, Madrilgo Sala de Arte Joven, Bilboko BilbaoArte Fun- dazioa, Madrilgo Proyecto Rampa ala Wangjiang kanpuseko Gimna- sioan, Sichuango Unibertsitatean (Chendu) antolaturiko taldekako erakusketetan ere parte-hartu duelarik.

A long day for parafiction. El trabajo de Mikel Escobales funciona como un vector abierto capaz de vincular- se a cualquier forma o relato aún por escribirse. Mediante la escultura, la fotografía, el material de archivo, la publicación, el vídeo, la escritura y otros complementos como la para- ficción, analiza la estética del error

a través del conceptualismo y la re-

lación discontinua entre forma, con- tenido y el lenguaje no comunicativo. Ca es también una extensión o una deformación ambigua de la produc- ción artística que desarrolla. Ca es una plataforma paraficticia proce- dente de jjjjjjjjjjjjjjjj, donde la superfi- cie de las cosas, más allá de su conte- nido y de reconocer los susurros de una teoría, se ha enriquecido del so- nido de la maloca bará; pira-paraná, y de la resbaladiza materia que surge de dos sonidos análogos. Ca, no tie- ne intención de generar una historia, un producto o un hecho inolvidable, sino algo olvidable.

Mikel Escobales es graduado en Bellas Artes por la Universidad Com- plutense de Madrid y MA en Historia del Arte Contemporáneo y Cultura Visual en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Mikel Escobales también es uno de los fundadores

de la figura de Ca, es editor del pro- yecto Elliot? y ha realizado exposi- ciones individuales en Hassenheide 9, Berlín; Kastanienalle 26, Berlín

y Montera 32, Madrid; Además de

participar en exposiciones colec- tivas en Matadero, Madrid; El par- queadero, Bogotá; La Sala de Arte Joven, Madrid; La Fundación Bilbao Arte, Bilbao; Proyecto Rampa, Ma- drid y Gimnasio del Campus de Wangjiang, Univesidad de Sichuan, Chengdu, entre otras.

Mikel Escobales

Arrasate-Mondragón, 1991

A Long Day for Parafiction. The art of Mikel Escobales works as an open vector which is able to link to any form and narrative that is still to be written. With sculpture, photogra- phy, archive materials, publications, video, writing, and other comple- mentary techniques such as para- fiction, he analyzes the aesthetics of error through conceptualism and

the discontinuous relation between form, content, and the non-commu- nicative language. Ca is also an extension or an am- biguous deformation of the artistic production that he develops. It is a parafictitious platform that comes from jjjjjjjjjjjjjjjj, where the surface of things, beyond their content and rec- ognition of the whispers of a theory has improved due to the sound of maloca bará, pira-paraná, and from the slippery matter emerged from two analogous sounds. Ca has no in- tention of generating a story, a prod- uct, or an unforgettable event, but something forgettable.

Mikel Escobales graduated with BA in Fine Arts at the Complutense University of Madrid and with a MA in Contemporary Art History and Visual Culture at the Museo Nacion- al Centro de Arte Reina Sofía. He is also one of the founders of the Ca figure, as well as the editor of the Elliot? project, and has held indi- vidual exhibitions in Hassenheide 9, Berlín; Kastanienalle 26, Berlín

and Montera 32, Madrid. He has also participated in collective expo- sitions in Matadero, Madrid, El par- queadero, Bogotá; the Sala de Arte Joven, Madrid; in BilbaoArte, Bilbao; Proyecto Rampa, Madrid and Gim- nasio del Campus de Wangjiang, Si- Chuan University, Chengdu, among others.

Aurreko orrialdea | Página anterior “b”, sustitución por antinomía Latoia, pago egurra, pinu egurra, papera

Aurreko orrialdea | Página anterior “b”, sustitución por antinomía Latoia, pago egurra, pinu egurra,

papera eta tintatutako metakrilatoa

| Latón, madera de haya, madera

de pino, papel, metacrilato tintado

| Neurri aldakorrak | Medidas variables |2017

Goian | Arriba Moondl la, la, an didly mmis an glug | Elliot? | 2017

Moondl la, la, an didly mmis an glug | Elliot? | 2017 Cuando la omisión es

Cuando la omisión es inmediata, tenemos una metáfora fácil 53x35x13 cm |Latoia, pinu egurra eta kola |Latón, madera de pino, pegamento | 2017

Azken urtetan garatu duen lana nagusiki eskultorikoa da, nahiz eta ikus-entzunezkoen presentzia handi bat ere

Azken urtetan garatu duen lana nagusiki eskultorikoa da, nahiz eta ikus-entzunezkoen presentzia handi bat ere badagoen. Funtsean aurkituak diren material eta iru- dien jabetzetik abiatuta muntaiaren teknika erabiltzen du objektu eta irudiak eraikitzeko. Hauen barruan, zatien artean aktibatzen diren bar- nealdeko harremanak sortzen dira, askotan euren artean nabarmen be- reiziak, zentzu arrailak sortuz. Lana guztiz ez hausteko bezain hauskorra den zerbaiten mugan mantentzen arduratzen da.

Andere Etxegarai Arte Ederretan lizentziatua da Euskal Herriko Uni- bertsitatean, bertan Artean Ikerke- ta eta Sorkuntza masterra burutu duelarik. 2015. urtean Ertibil saria jaso zuen. Zinebi 59 festibalean, Guggenheimen Bilbao, estreinatu zen Margaria Alexander dokumen- talean kolaboratu zuen zuzendari laguntzaile bezala eta Getxophoto 2012ko promozio bideoak egin zi- tuen.

El trabajo que viene desarrollando en los últimos años es esencialmen- te escultórico, aunque también hay una presencia importante del au- diovisual. Partiendo de una apro- piación de materiales e imágenes fundamentalmente encontrados, utiliza la técnica del ensamblaje para construir objetos e imágenes en los que se generan relaciones internas activadas entre sus partes, a menudo claramente diferenciadas entre ellas, generando así brechas de sentido. El trabajo se ocupa de mantenerse en la frontera entre algo suficientemente frágil como para no romperse del todo.

Andere Etxegarai es licenciada en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, donde ha realizado tam- bién un Master de Investigación y Creación en Arte. En 2015 recibe el primer premio de Ertibil. Colabora como ayudante de dirección en el documental Margaria Alexandre es- trenado en el festival de Zinebi 59, en el Guggenheim Bilbao y realiza los videos promocionales para la edición de Getxophoto 2012.

Andere Etxegarai

Leioa, 1980

The projects she has been work- ing on these last years are mainly sculptural, although there is also an important presence of audiovisual techniques. Making use of funda- mentally opposite materials and im- ages, she works with the technique of assembly in order to build objects and images where internal relation- ships are generated by activation between its parts, often clearly dis- tinguished among each other, and thus creating sense-making open- ings. This work deals with keeping itself in the borderline between something that is fragile enough to not get completely broken.

Andere Etxegarai has a BA degree in Fine Arts from the University of the Basque Country, where she has also studied a MA degree in Art Creation and Research. In 2015, she received the first Ertibil prize. She has also col- laborated as an assistant director in the Margarita Alexandre documen- tary, which was released in Zinebi 59 Film Festival at the Guggenheim Mu- seum. She also made the advertising video for the Getxophoto 2012 edition.

"Paria" kontzeptua hutsala, balio - gabea ala maila sozial baxukoa den pertsonari dagokio. Zygmund Ba-

"Paria" kontzeptua hutsala, balio- gabea ala maila sozial baxukoa den pertsonari dagokio. Zygmund Ba- umanek gizartetik kanpo dauden pertsonei-buruz hitz egiteko era- biltzen du, etengabeko aurrerapen batean oinarritzen den sistemak (modernitatea) eragindako honda- kinak. Kontzeptu honetatik abiatuta, "pa- ria" hauek hirian eginiko sinbolo, pintaketa eta inskripzioen bilaketa bat hasten da, sistema hegemo- nikoarekin errebeldian dauden eskastasuna, hiritar espekulazioa eta mugimendu “okupen” harre- manean ardaztutakoa. Honen bidez hiriko ibilbide bat sortzen da, arte eremutik kanpo gelditzen diren arte espresio hauen bila. Artearen izenpean egon ez arren, hiriaren isilpeko isla bat sortzen duen azpi- kultura bat osatzen dute. Bilaketa prozesuari zoria gehitzen zaio, aurkitutako objektuen bitartez piezaren sorkuntza materiala ze- hazten duena. Balioa eta erabilera galdu duten baztertutako materia- lak izan arren, artearen sistemaren barruan, objektu moduan duten funtzioa berreskuratu eta aurretik izan ez duten balio bat eskuratzen dute.

Roberto Freire Arte Ederretan graduatua da Felipe II Goi Mailako Ikasketa Zentroan (UCM) eta Artea eta Sorkuntza masterra burutu du unibertsitate berean. Argazkilaritza irakasle bezala lan egin du, nahiz eta bere lana ez duen soilik teknika honen bitartez garatzen. Hainbat taldekako erakusketa eta festiba- letan parte-hartu du, besteak bes- te Hybriden PROA Espazioarekin (2017) eta Montevideoko NMAC Arte Garaikide Fundazioan. 2016. urtean bere lehen bakarkako erakusketa aurkeztu zuen Tuterako Maria For- cada Fundazioan Residuos Urbanos:

Mierda izenburupean. Berriki Taba- calera Promoción del Arte (Madril) egoitza burutu zuen, bertako eraku- sketarekin batera, eta JustMad8ko Franqueadosen pare-hartu zuen.

El concepto de "paria" se refiere a alguien insignificante, sin valor o de clase social baja. Zygmund Bauman lo utiliza para hablar de las personas excluidas de la sociedad, desechos generados por en un sistema basado en el constante progreso, la moder- nidad. Partiendo de este concepto, se inicia una búsqueda de símbolos, pinta- das e inscripciones urbanas de estos "parias" de la ciudad, centrando en relación a la precariedad, la especu- lación urbanística y los movimientos okupas, en rebeldía con el sistema hegemónico. Con esto se genera un recorrido por la ciudad, en busca de este tipo de expresiones creativas fuera del circuito artístico, que no podrían ser llamadas arte, pero que, conforman una subcultura con la que se genera un reflejo subrepticio de la ciudad. Al proceso de búsqueda se le une el azar, que determina la concepción material de la pieza mediante el ha- llazgo de objetos encontrados, ma- teriales desechados que han perdido su valor y su utilidad, siendo consi- derados basura, pero que, dentro del sistema del arte, recuperan su función como objetos, y adquieren un valor que nunca antes habían po- seído.

Roberto Freire es graduado en BBAA en el CES Felipe II (UCM) y Máster en Investigación en Arte y Creación (UCM). Trabajó como pro- fesor de Fotografía, aunque no de- sarrolla su trabajo únicamente con este medio. Ha participado en di- versas exposiciones colectivas y en festibales como Hybrid (2017) con Espacio PROA y obra expuesta en la Fundación NMAC Montenmedio Arte Contemporáneo. En 2016 reali- zó sus primera exposicion individual Residuos Urbanos: Mierda en la Fun- dación María Forcada (Tudela). Recientemente realizó una residen- cia en Tabacalera Promoción del Arte (Madrid) con su correspon- diente exposición, y formó parte de Franqueados JustMad8.

Roberto Freire

Tudela, 1992 roberto-freire-artista.webnode.es

The concept of "paria" refers to someone who is insignificant, with- out value, or belonging to a low so- cial class. Zygmunt Bauman uses the term to talk about people who are excluded from society, a waste generated by a system based on the constant progress: modernity. Taking this concept as a starting point, a search of symbols begins:

graffitis and urban wall-messages of these "parias" of the city, focusing on their connection to scarcity, the urban speculation and the squatter movements, rebelling against the hegemonic system. With these, a tour around the city is created where these types of creative expressions can be found outside the artistic cir- cle. They could not be called art, but they form a subculture with which a hidden reflection of the city is gen- erated. Fate joins this searching process, and it determines the material con- ception of the piece by using the ob- jects that have been found: wasted materials that have lost their value and their use, and thus become trash. So then, within the system of art, they recover their function as objects, and they acquire a value they had never had before.

Roberto Freire graduated from col- lege with a BA degree in Fine Arts at CES Felipe II (UCM), where he also got his master’s degree in Art Re- search and Creation. He has worked as a Photography teacher, although this is not the only means he uses for his art. He has participated in several collective exhibitions and in different festivals such as Hybrid (2017) with Espacio PROA, as well as in Fundación NMAC Montenmedio Arte Contem- poráneo. In 2016 he held his first in- dividual exhibition called Residuos Hu- manos: Mierda en la Fundación María Forcada (Tudela). He has recently been working at a residency program in Tabacalera Promoción del Arte (Madrid) with his corresponding ex- hibition, and he was also part of Fran- queados JustMad8.

1828an Franz Schubert -ek Winterrei - se konposatu zuen, guztira piano eta ahotserako 24 kantako

1828an Franz Schubert-ek Winterrei- se konposatu zuen, guztira piano eta ahotserako 24 kantako multzoa; kan- tek, argumentu ildo zehatzik gabe, ibiltari baten ibilaldiaren berri ematen dute neguko paisaia batean, behin pertsona maiteak errefusatu duela jakin eta gero. Estilo erromantikoa duen lana da; letrak paisaia eta ibil- tariaren sentimendu etsiak azaltzen ditu, baina obraren multzoa harago doa eta pieza existentzialista bihur- tzen da, kanpo paisaia barne mundu bilakatuz. Barne mundu horrek egoe- ra mental eta psikologikoa irudika- tzen du, maila sozial eta kulturaleko kontzientzia krisialdi baten isla gisa. Winterreise konpositore austriarra- ren Lied ospetsuaren berrirakurketa bat da, denbora ikuspegi desberdin batetik, baina esentziara edo ezere- zera doan deriba existentzial berdine- kin. Helburu nagusia film bat sortzea da, 24 kapituluz edo zatiz osatutakoa; guztien hari gidaria Shubert-en kon- posizioa izango da.

Inés García Arte Ederretan lizen- tziatu zen Bartzelonako Fakultatean eta urtebeteko beka jaso zuen Balin. Bere irakaskuntza osatzeko, Abbas Kiarostami, Víctor Erice, Gabriel Oroz- co eta Wilfredo Prieto maisuek eman- dako tailerren bitartez lortzen du. Estatu mailan zenbait erakusketetan parte hartu du, esaterako Bartzelo- nan, Madrilen eta Bilbon, eta haren bideoak hainbat tokitan proiektatu dira, hala nola Murtziako Lan Con- serveran, LOOPn eta Bartzelonako SCREEN jaialdian. Nazioartean haren ikus-entzunezkoen piezak hainbat tokitan ikusi ahal izan dira: Lisboako Braço de Prata fabrikan, Teheraneko Zinemaldian, New Yorkeko Videoarte Latino jaialdian, Buenos Airesko FIVAn eta hainbat hirietan (Berlin, Suedia, Atenas, Paris eta Montreal). Azken urteontan Paris, Berlin eta Madrilgo Les Rencontres Internationales-en aukeratua izan da, Bilboko Pantaila Fantasmaren IV. erakustaldian parte hartu du eta haren lana erakutsi du Tabakaleran eta Lisboako Cervantes Institutuan.

En 1828 Franz Schubert compuso Winterreise, un conjunto de 24 can- ciones para piano y voz que relatan, sin una línea argumental definida, el paseo de un caminante a través de un paisaje invernal, tras conocer que su amada le ha rechazado. Es una obra de estilo romántico, donde la letra describe el paisaje y los sentimientos desesperados del caminante, pero el conjunto de la obra va más allá y se convierte en una pieza de marcado carácter existencialista donde el pai- saje exterior se transforma en mundo interior. Un mundo interior que repre- senta un estado mental y psicológico reflejo de un período de crisis de con- ciencia, a nivel social y cultural. Win- terreise es una re-lectura del famoso Lied del compositor austriaco, desde un ángulo temporal diferente, pero con las mismas derivas existenciales hacia la esencia o la nada. El objetivo principal es la creación de una pelícu- la, compuesta por 24 capítulos o frag- mentos que tienen como hilo conduc- tor la composición schuberiana.

Inés García se licencia en Bellas Ar- tes por la Universidad de Barcelona en 2009, obteniendo una beca para estudiar un año en Bali. Completa su formación con talleres impartidos por Abbas Kiarostami, Gabriel Orozco, Wil- fredo Prieto y Víctor Erice. Ha partici- pado en varias exposiciones en Barce- lona, Madrid y Bilbao, sus vídeos han sido proyectados en el CA2M, en La Conservera de Murcia, en el MARCO de Vigo, en el LOOP, y en el SCREEN Festival en Barcelona entre otros. In- ternacionalmente sus piezas se han podido ver en el Instituto Cervantes de Lisboa, en el Festival de Cine de Teherán, en el Festival de Videoarte Latino de Nueva York, el FIVA en Bue- nos Aires, y en ciudades como Berlín, Suecia, Atenas, París y Montréal. En los últimos años ha sido seleccionada en Les Rencontres Internationales París/ Berlín/Madrid, ha formado parte de la IV Muestra Pantalla Fantasma en Bilbao y ha mostrado su trabajo en Ta- bakalera, Sala Rekalde y en el Fábrica Braço de Prata en Lisboa.

Inés García

Bilbao, 1983

ines-garcia.com

In 1828, Franz Schubert composed Winterreise; a set of 24 songs for pi- ano and voice that recount, without a

definite storyline, the walk of a walk-

er through a winter landscape, after

finding out that his beloved rejected him. It is a romantic piece, where the lyrics describe the landscape and the desperate feelings of the walker. However, the work as a whole goes beyond that and gains a marked ex- istentialist character where the ex- terior landscape is transformed into an interior world; an inner world that represents a mental and psychologi- cal state reflecting a period of aware- ness crisis, on a social and cultural level. Winterreise is a re-reading of the famous Lied of the Austrian com- poser, from a different time angle, but with the same existential drifts towards the essence or nothingness. The main objective is the creation of a film, composed of 24 chapters or frag- ments with Schuberi's composition as the guiding thread.

Inés García graduated in Fine Arts at the Faculty of Barcelona and received

a one-year scholarship in Bali. She

complete her training by participating

in workshops given by Abbas Kiarost-

ami, Victor Erice, Gabriel Orozco and Wilfredo Prieto. At a national level, she participated in several exhibitions

in Barcelona, Madrid and Bilbao. Her

videos have been screened at CA2M,

La Conservera de Murcia, LOOP and

at the SCREEN Festival in Barcelona,

among others. Internationally, her audiovisual pieces have been show- cased at the Braço de Prata Lisboa

Factory, the Tehran Film Festival and various festivals such as the Latin Vid- eo Art Festival in New York, the FIVA in Buenos Aires and other cities such as Berlin, Sweden, Athens, Paris and Montreal. In the last few years, she has been selected in Les Rencontres Internationales Paris/Berlin/Madrid. She has also been part of the IV ex- hibition Pantalla Fantasma in Bilbao and has exhibited her work in Tab- akalera and at the Instituto Cervantes

in Lisbon.

Aurreko mendearen hasieran Prolet- kult gisa ezagututako erakunde ar- tistikoak sortu nahi izan zuen klaserik

Aurreko mendearen hasieran Prolet- kult gisa ezagututako erakunde ar- tistikoak sortu nahi izan zuen klaserik gabeko gizarte berria eraikitzeko fun- tsezko zeregina beteko zuen estetika proletarioa. Proiektu honek gogoeta egin nahi du mendebaldean klase er- tainak eta langileak desagertu ondo- ren sor litekeen gizarte antolakuntza motari buruz. "Prekariatu" edo "kog- nitariatu"-ren moduko kontzeptuak sortu dira gizarte posfordistan langi- leriaren klasea ordeztu dutena defi- nitu ahal izateko, baina litekeena da hemendik gutxira existitzeari utzi dion zerbait eguneratzeko ahalegin etsitzat hartzea, betiere utzitako hutsunea ez duela kategoria postmoderno batek beteko onartzea saihesteko, baizik eta hemen izan den baina ikusi nahi izan ez dugun azken estratuak: lunpenak, alegia. Lumpenkult fikziozko kultur mugimendu baten berreraikuntza da, haren produktuetatik abiatuz: agi- tazio kartela, irudi sasihistorikoak edo maketa arkitektonikoak, gizarte exo- tikoa ikustea ahalbidetzen digutenak, gizarte horretako bazterreko klasea gaur egun klase hegemoniko bilakatu delako, bere indarraren kontzientzia bereganatu duelako eta langile klase zaharraren bestelako interesak defen- datzen hasi delako. Bere mundu ikus- kerari leialki jarraituz, lunpen garaileak ez luke zalantzarik izango azaleko era- kundeak desagerrarazteko edo eroso- tasun material batzuk sakrifikatzeko, baldin eta ezarritako balio batzuetatik askatzea lortuko balu, hala nola la- naren aldeko kultutik, aurrerapenaren fedetik edota hazkunde ekonomikotik.

Ignacio García Sánchez Arte Ede- rretan lizentziatua da UCMn eta Ham- burgo Hochschule für Bildende Küns- tearen bitartez. Artista egoiliarra izan da Tabakalera (Donostia), NauEstruch (Sabadell) eta El Ranchito Rusia (Ma- tadero Madril / NCCA Vladicáucaso) zentruetan. 2008. urtetik aurrera bere lana Marta Cervera (Madril), Luis Ade- lantado (Valentzia), PM8 (Vigo) gale- rietan ikusi ahal izan da edo Espacio Alexandra (Santander) zentruan beste batzuen artean.

Ignacio García Sánchez

Madrid, 1987

ignaciogarcia.net

A principios del siglo pasado la insti-

tución artística conocida como Pro- letkult se propuso crear una estética genuinamente proletaria que desem- peñara un papel fundamental en la construcción de una nueva sociedad sin clases. Este proyecto especula so- bre el tipo de organización social que surgiría tras la eventual desaparición de las clases medias y trabajadoras en Occidente. Conceptos como "pre- cariado" o "cognitariado", acuñados para definir lo que ha venido a sus- tituir a la clase obrera en la sociedad posfordista, quizás dentro de poco no se consideren más que intentos des- esperados de actualizar algo que ha dejado de existir como tal, evitando reconocer que el vacío no lo ocupará ninguna categoría posmoderna, sino el último estrato que siempre ha esta- do ahí aunque no lo quisiéramos ver:

el lumpen. Lumpenkult es la recons- trucción de un movimiento cultural fic- ticio a partir de sus propios productos:

carteles de agitación, estampas pseu- dohistóricas o maquetas arquitectó- nicas que nos permiten vislumbrar una sociedad exótica en la que la clase marginal de hoy se ha convertido en hegemónica, ha adquirido conciencia de su fuerza y comenzado a defender unos intereses distintos a los de la an-

tigua clase obrera. Fiel a su visión del mundo, el lumpen victorioso no ha- bría dudado en deshacerse de institu- ciones superfluas o sacrificar algunas comodidades materiales a cambio de liberarse de valores impuestos como

el culto al trabajo o la fe en el progreso

y en el crecimiento económico.

Ignacio García Sánchez es licencia- do en Bellas Artes por la UCM y la Hochschule für Bildende Künste de Hamburgo. Ha sido artista residente en Tabakalera (Donostia), NauEstruch (Sabadell), El Ranchito Rusia (Mata- dero Madrid / NCCA Vladicáucaso) y en la Fundación BilbaoArte (Bilbao). Desde 2008 su trabajo se ha podido ver en galerías como Marta Cervera (Madrid), Luis Adelantado (Valencia), PM8 (Vigo) o Espacio Alexandra (San- tander) entre otras.

At the beginning of the last century, the artistic institution known as Pro- letkult set out to create a genuinely proletarian aesthetic that would play a fundamental role in the construction of a new classless society. This pro- ject speculates on the type of social organisation that emerged after the eventual disappearance of the mid- dle and working classes in the West. Perhaps concepts such as "precari- ousness" or "cognitariat", coined to define what has eventually replaced the working class in the post-Fordist society, might soon not be considered anything more than desperate at- tempts to update something that has ceased to exist as such, not wanting to recognise that the void they left will not be occupied by any postmodern category, but instead by the last stra- tum that has always been there, al- though we might not have wanted to see it, the lumpen. Lumpenkult is the reconstruction of a fictitious cultural movement based on its own prod- ucts: agitation posters, pseudo-his- torical prints or architectural models that offer a glimpse into an exotic so- ciety in which today's marginal class has become dominant, aware of its strength and begun to defend inter- ests other than those of the former working class. Faithful to their vision of the world, the victorious lumpen would not have hesitated to give up superfluous institutions or sacrifice material comforts in exchange for freeing themselves from imposed val-

ues such as the work cult or faith in progress and economic growth.

Ignacio García Sánchez has a de- gree in Fine Arts from the Com- plutense University of Madrid and the Hochschule für Bildende Künste in Hamburg. He has been a resident artist in Tabakalera (Donostia), Nau- Estruch (Barcelona), El Ranchito Rus- sia (Matadero Madrid/Vladicaucaso) and at the BilbaoArte Foundation (Bilbao). Since 2008, his work has been put on show in galleries such as Marta Cervera (Madrid), Luis Ad- elantado (Valencia) among others.

Aurreko orrialdea | Página anterior Friso heroico (detalle) 196 x 440 cm | Enbalaje paper
Aurreko orrialdea | Página anterior Friso heroico (detalle) 196 x 440 cm | Enbalaje paper

Aurreko orrialdea | Página anterior Friso heroico (detalle) 196 x 440 cm | Enbalaje paper gainean aerografoa eta margo plastikoa | Aerógrafo y pintura plástica sobre papel de embalar.

Goian | Arriba (De)Crecimiento 70 x 100 cm | Aerografoa enbalaje paper gainean | Aerógrafo sobre pa- pel de embalar

Behera | Abajo Monumento a la Última Internacional 155 x 63 x 63 cm | kartoia, egurra, plastikoa, aluminio papera, korde- la eta alanbrea | Cartón, madera, plástico, papel de aluminio, cordel y alambre.

madera, plástico, papel de aluminio, cordel y alambre. Goian | Arriba Fancy Hoboness Neurri aldagarriak |
madera, plástico, papel de aluminio, cordel y alambre. Goian | Arriba Fancy Hoboness Neurri aldagarriak |

Goian | Arriba Fancy Hoboness Neurri aldagarriak | Medidas variables |Makila eta estanpatutako ohiala |Palo y tela estampada

Behera | Abajo Chispa de la libertad 100 x 70 cm | Aerografoa enbalatzeko papelaren gainean | Aerógrafo sobre papel de embalar.

Kiwon Hong gorputza, memoria, espazioa eta mugimenduaren ar- teko erlazioaz hausnartzen duen ikusmen artista da.

Kiwon Hong gorputza, memoria, espazioa eta mugimenduaren ar- teko erlazioaz hausnartzen duen ikusmen artista da. Bere arte lanak bideo, performance, instalazio eta marrazketa tekniketan oinarritzen dira. Disneyland moduko leku bat ga- leria esparrutzat hartu zuen bere au- rreko lan-kontzeptu bezala. Azkenal-

di honetan, bere proiektu berrirako

ingurugiro sozial oso bat egokitu du

erakusketa espazio modura, espa- zioa, gorputza eta memoriaren arte-

ko erlazioa aztertu nahirik. Bestalde,

bere lanak sufrimenduaren oroitza- penaren eragina ere erakusten du, artistak zaldi gaineko istripu baten ondoren izan zuen gorpu erdiaren paralisiaren memoria eta haren erre- kuperazio prozesua islatzen baititu. Horren ondorioz, bere lana era kon- kretu batetan sortzen da, non hain- bat kontzepturekin esperimentatu nahi den, hala nola mekanikoa eta organikoa, estatikoa eta dinamikoa, funtzionala eta funtzio-eza, edota erregularra eta irregularra. Hongek landuko duen proiektua BilbaoArte- ko erresidentzia programan zehar memoria soziala eta kulturaren esfe- ra anbiguo eta ulertezinak aztertzen

ditu, beste kontzeptu batzuekin bate-

ra, hala nola gizabanakoa eta bere in-

dibidualtasuna, gizabanakoaren eta bere inguruaren arteko mugak, eta emandako gauzen eta onartutakoen arteko hierarkia.

Kiwon Hong Seulen, Hego Korean, bizi da eta bertan egiten du lan. Arte Ederretan lizentziatu zen Londreseko Chelsea College of Art & Design, Uni- versity of The Arts, 2009an. Bakarka- ko hainbat erakusketa aurkeztu ditu:

Appassionata; Mysterious Impres- sion CR Collective-en (Seul, Korea) 2017an, Asymmetric conversation (Performing open studio, BilbaoAr- te) 2016an, Kiwon Hong's Solo Show Brain Factory-n (Seul, Korea) 2012an, eta From One Place to Another Gale- rie Plan.d.-n (Düsseldorf, Alemania) 2011n. Taldekako beste hainbat era- kusketetan ere hartu du parte Asia Mendebaldetik eta Europatik.

Kiwon Hong es un artista visual cuyo trabajo reflexiona sobre la relación entre cuerpo, memoria, espacio y movimiento. Su creación incluye técnicas de vídeo, representación, instalación y dibujo. En su concep- to de trabajo anterior, Hong tomó

un lugar concreto como puede ser Disneyland como si fuera un espa- cio de galería. Para su nuevo tra- bajo, ha instalado todo un espacio

de exhibición en un entorno social para analizar la relación entre es- pacio, cuerpo y memoria. Por otro lado, su creación también tiene una fuerte influencia de la memoria del sufrimiento por la parálisis de la mitad inferior de su cuerpo debido a un accidente montando a caballo, así como también por el proceso de recuperación. Como resultado, su trabajo se crea de una cierta mane- ra para que experimente con con- ceptos tales como lo mecánico y lo orgánico, lo estático y lo dinámico, lo funcional y lo no-funcional o lo re- gular y lo irregular. El proyecto que Hong va a desarrollar en durante la residencia en BilbaoArte explora la ambigua e ininteligible espefera de la memoria social o la cultura, el individuo y su individualidad, los lí- mites entre el individuo y su mundo externo y la jerarquía entre lo que se da y lo que se acepta.

Kiwon Hong vive y trabaja en Seúl, Corea del Sur. Se licenció en Be- llas Artes por la University of the Arts London en 2009. Ha expuesto su obra a nivel individual en las si- guientes exhibiciones: Apassionata, Mysterious Impression en CR Collec- tive (Seúl, Corea) en 2017, Asymme- tric conversation (Performing open studio, BilbaoArte) en 2016, Kiwon Hong's Solo Show en Brain Factory (Seúl, Corea) en 2012 y From One Pla- ce to Another en Galerie Plan.d. (Düs- seldorf, Alemania) en 2011. También ha participado en varias exhibicio- nes a nivel grupal a lo largo del Este Asiático y Europa.

Kiwon Hong

Seúl, 1978

Kiwon Hong is a visual artist whose work reflects upon the relationship between body, memory, space, and movement. His creations encom- pass video, performance, instal- lation, and drawing techniques. A specific place like Disneyland was presumed to be a gallery space in his previous concept of the work. Recently, he has set up the entire social environment as an exhibit space in his new project, examin- ing the relationship between space, body, and memory. On the other hand, his work has also been deeply influenced by the memory of suffer- ing from paralysis of the lower half of the body after a horseriding acci- dent, as well as the process of recov- ery. As a result, his work is created in such a way that it experiments with concepts like mechanical and organic, static and dynamic, func- tional and non-functional, or regular and irregular. The project that Hong will develop during the residency in BilbaoArte explores the ambiguous and unintelligible sphere of social memory or culture, the individual and his individuality, the bounda- ries between the individual and his external world, and the hierarchy between given things and accepted things.

Kiwon Hong lives and works in Seoul, South Korea. He graduated from BFA Chelsea College of Art & Design, University of The Arts Lon- don (2009). Hong held his solo ex- hibitions Appassionata; Mysterious Impression at CR Collective (Seoul, Korea) in 2017, Asymmetric con- versation (Performing open studio, Bilbao Arte) in 2016, Kiwon Hong's Solo Show at Brain Factory (Seoul, Korea) in 2012, and From One Place to Another at Galerie Plan.d. (Düs- seldorf, Germany) in 2011. Also, he has participated in a number of se- lected group shows across East Asia and Europe.

Appassionata #2, ophelia Bideo | Video | 15’ 28”| 2017

Appassionata #2, ophelia Bideo | Video | 15’ 28”| 2017

Appassionata #2, ophelia Bideo | Video | 15’ 28”| 2017
Zuhar Iruretagoiena Labeaga Zarautz, 1981 Ni naiz zure irudia, zure azalera, zu sostengatzen nauen estruktura,
Zuhar Iruretagoiena Labeaga Zarautz, 1981 Ni naiz zure irudia, zure azalera, zu sostengatzen nauen estruktura,

Zuhar Iruretagoiena Labeaga

Zarautz, 1981

Ni naiz zure irudia, zure azalera, zu sostengatzen nauen estruktura, nire euskarria.

Yo soy tu imagen, tu superficie, tú la estructura que me sustenta, mi apoyo.

I am your image, your surface; you are the structure that bears my weight, you are my support.

Hebra hainbat elementu estruktural irudian bilakatzearen arazoaren in- guruan garatzen da, bere onarpen formalaren ondoren, eskultura la- nen adierazle naturalaren funtsezko parte bezala osatzen direlarik.

Hebra problematiza sobre la conver- sión en imagen de ciertos elementos estructurales, que tras su asunción formal, se conforman como parte elemental de la naturaleza signifi- cante de la operación escultórica.

Hebra questions the conversion into image of certain structural elements that, after their form acceptance, they get to be defined as an elemen- tary part of the significant nature of the sculptural functioning.

Argi epel batek erortzen diren gauzen soinua argiztatzen du.

Una tibia luz ilumina el ruido de las cosas cuando caen.

A warm light colors the noise of things when they fall down.

Zuhar Iruretagoiena Labeaga Arte Ederretan doktorea da EHUan

Zuhar Iruretagoiena Labeaga es Doctora en BB. AA. Por la UPV/EHU

Zuhar Iruretagoiena Labeaga holds a PhD in Fine Arts from the

eta Arte Digitalen masterra buru-

y

Master en Artes Digitales, por

University of the Basque Country

tu zuen Pompeu Fabra Unibertsi-

la

Universidad Pompeu Fabra. Su

and a MA degree in Digital Arts from

tatean. Bere lana, besteak bes- te, Bilboko Guggenheim Museoa (Espainia), Donostiako San Telmo Museoa (Espainia), CAAM (Las Pal- mas, Kanaria Handia), Manchester- ko NY Space (Erresuma Batua), Lon- dresko Pinta (Erresuma Batua), La Casa Encendida, (Madril, Espainia), c-art Galerie Prantl & Boch Bregenz (Bregenz, Austria), Bilboko Rekal- de Aretoa (Espainia), Getariako Balenciaga Museoa (Espainia), Do- nostiako KM (Espainia), Gabarron Foundation (New York) eta Kultura Zentro Espainiar ezberdinetan, hau- en artean Tegucigalpa (Honduras), San José (Costa Rica), Mexiko DF (México), Montevideo (Uruguai), Kordoba (Argentina) eta Managua (Nikaragua). Hainbat sari eta beka jaso ditu, Generación 2008 Caja Madrid, Ertibil 2009, Gipuzkoako ar- tista gazteen lehiaketa 2010, Muro Guggenheim, KUNSTHAUS egoitza (Bregenz, Austria), BilbaoArte Fun- dazioaren egoitza beka (utzitako espazioen modalitatea), Rekalde Aretoko Nekatoenea Artistes en Résidence egoitza (Hendaia, Fran- tzia) edo LABORE DSS2016 egoitza- beka, besteak beste.

trabajo ha sido mostrado en luga- res como el Guggenheim Museum Bilbao (España), Museo San Telmo Donostia-San Sebastian (España), CAAM (Las Palmas de Gran Cana- rias), NY Space Manchester (Reino Unido), Pinta Londres (Reino Uni- do), La casa encendida, Madrid (Es- paña), c-art Galerie Prantl & Boch Bregenz Bregenz, (Austria), Sala Rekalde Bilbao (España), Museo Balenciaga Getaria (España), KM, Donostia San Sebastian (España), Gabarron Fundation (New York), Centro Cultural de España en, Te- gucigalpa (Honduras), San José (Costa Rica), Mexico DF (México), Montevideo (Uruguay), Córdoba (Argentina) y Managua (Nicara- gua), entre otros. Ha recibido di- versos premios y Becas como Ge- neración 2008 Caja Madrid, Ertibil 2009, Artista Noveles Guipuzcoa- nos 2010, Muro Guggenheim, Beca Residencia KUNSTHAUS Bregenz (Austria), Beca de residencia Espa- cio de cesión temporal Fundación Bilbao Arte, Beca residencia Sala Rekalde, Nekatoenea Artistes en Résidence Hendaia Francia, Be- ca-Residencia LABORE, DSS2016.

Pompeu Fabra Uniersity. Her work has been exhibited at the Guggen- heim Museum Bilbao (Spain), San Telmo Museum in Donostia-San Se- bastian (Spain), CAAM (Las Palmas de Gran Canaria), NY Space in Man- chester (UK), Pinta London (UK), La Casa Encendida, Madrid (Spain), C-art Galerie Prantl & Boch Bregenz Bregenz, (Austria), Sala Rekalde Bil- bao (Spain), Balenciaga Museum in Getaria (Spain), KM, Donostia-San Sebastian (Spain), Gabarron Funda- tion (New York), Centro Cultural de España in Tegucigalpa (Honduras), San José (Costa Rica), Mexico City, Montevideo (Uruguay), Córdoba (Argentina) and Managua (Nicara- gua), among other places. She has received several scholarships and prizes such as Generación 2008 Caja Madrid, Ertibil 2009, Artista Noveles Guipuzcoanos 2010, Muro Guggenheim, KUNSTHAUS Bregenz Residency Scholarship (Austria), Es- pacio de Cesión Temporal Residency Scholarship Fundación Bilbao Arte, Sala Rekalde Residency Scholarship, Nekatoenea Artistes en Résidence Hendaia Francia, LABORE, and DSS2016 Residency Scholarship.

Proiektua zenbait jakintza arlotan erabilitako metodo konparatiboan oinarritzen da, hala nola antropolo - gian eta

Proiektua zenbait jakintza arlotan erabilitako metodo konparatiboan oinarritzen da, hala nola antropolo- gian eta hizkuntzalaritzan; helburua da erkaketa morfologikoak ezartzea hizkuntza, sinesmen, tradizio eta antzekoen artean, analogiak bi- latzeko eta bestelako erregistrorik utzi ez duten konexio ezezagunetan arakatzeko. Paralelismo horiek ahai- detasuna iradoki dezakete, baina antzekotasunak sistematikoagoak edo nahikoak ez badira ezinezkoa da frogatzea kointzidentzia huts bat denik; era berean, ezinezkoa da era- kustea benetan erlaziorik dagoen ala ez. Horrek espekulaziorako oso eremu zabala zabaltzen du. Artista gisa, erlazioak egin ditzake intuizioa baliatuz, modu manipulatiboan, be- netako konexioak agerian jarri gabe eta fikziozko batzuk sortuz. Para- leloki, ikerketa honek bide ematen du objektuak eraikitzeko, bi zatien arteko osagarritasuna bilatuz, ira- kurketa berriak eratzeko.

Oier Iruretagoiena artista da eta haren lana eskulturaren, soinuaren eta testuaren artean kokatzen da. Arte Ederretan lizentziatu egin zen EHUn eta modu indibidualean egin ditu erakusketak Bilboko Carreras Múgica galerian (2015), Bartzelo- nako Halfhouse espazioan (2014), Egiako Kultur Etxean (2013) eta Gas- teizko Montehermoso kultur zent- roan (2011). Era berean, Bilboko Le Larraskito Kluba espazioaren koor- dinatzaileetariko bat da.

Oier Iruretagoiena Arregi

Errenteria, 1988

El proyecto girará en torno al mé-

todo comparativo usado en varias áreas de conocimiento como la antropología y la lingüistica, que consiste en establecer comparacio- nes morfológicas entre diferentes

lenguas, creencias, tradiciones, etc. para buscar analogías e indagar en posibles conexiones desconocidas que no han dejado ningún otro re- gistro. Esos paralelismos pueden sugerir un parentesco, pero si los parecidos no son más sistemáticos

o suficientes, es imposible demos-

trar que no se trate de una mera coincidencia, a la vez que tampoco hay manera de demostrar que no haya realmente una relación. Esto abre un campo muy amplio para la especulación. Como artista, puede hacer relaciones por intuición, de manera manipulativa, sin pretender desvelar conexiones reales e inclu- so creando algunas ficticias. Para- lelamente, esa investigación dará pie para la construcción de objetos, buscando la complementación en- tre las dos partes, para abrir nuevas lecturas.

Oier Iruretagoiena es artista y de- sarrolla su trabajo entre la escultu- ra, el sonido y el texto. Se licenció en Bellas Artes por la UPV-EHU, y ha expuesto individualmente la galería Carreras Múgica de Bilbao (2015),

el espacio Halfhouse de Barcelona

(2014), la Casa de Cultura de Egia (2013) y el centro cultural Monte- hermoso de Vitoria-Gasteiz (2011). También es uno de los coordinado- res del espacio Le Larraskito Kluba de Bilbao.

The project will revolve around the comparative method used in var- ious areas of knowledge such as anthropology and linguistics, which consists of establishing morpholog- ical comparisons between different languages, beliefs, traditions, etc. looking for analogies and investi- gating possible unknown connec- tions that have left no other record. These parallelisms may suggest kinship, but if the similarities are

no more systematic or sufficient, it is impossible to prove that it is not a mere coincidence, and at the same time, there is also no way of proving that there is a relationship anyway. This opens a very wide field for speculation. As an artist, I can make relationships by intuition, in a manipulative way, without trying to reveal real connections and even creating fictitious ones. At the same time, this research will give rise to the construction of objects, seeking complementation between the two parts, in order to open new read- ings.

Oier Iruretagoiena is an artist who develops his work between sculp- ture, sound and text. He took a de- gree in Fine Arts at the UPV-EHU and exhibited his work in the Carre- ras Múgica gallery in Bilbao (2015),

the Halfhouse space in Barcelona (2014), the Casa de Cultura in Egia (2013) and the Montehermoso cul- tural centre in Vitoria-Gasteiz (2011). He is also one of the coordinators of the Le Larraskito Kluba in Bilbao space.

Aurreko orrialdea | Página anterior Sin título Maché papera, margoa eta oilategiko sarea | Papier
Aurreko orrialdea | Página anterior Sin título Maché papera, margoa eta oilategiko sarea | Papier

Aurreko orrialdea | Página anterior Sin título Maché papera, margoa eta oilategiko sarea | Papier maché,

pintura, red de gallinero | 120 x 115

x 25 cm |

Eskuina | Derecha Sin título Maché papera, margoa eta oilategiko sarea | Papier maché,

pintura, red de gallinero | 162 x 114

x 60 cm |

Argazkiak | Fotografías: Daniel Mera

oilategiko sarea | Papier maché, pintura, red de gallinero | 162 x 114 x 60 cm
oilategiko sarea | Papier maché, pintura, red de gallinero | 162 x 114 x 60 cm
Teknologiak gizakia lagundu eta de- finitu du lehen harria erabili genue - netik. Orain, super-inteligentziaren

Teknologiak gizakia lagundu eta de- finitu du lehen harria erabili genue- netik. Orain, super-inteligentziaren berehalako etorrerarekin, inork ez daki nola birdefinituko den gure harremana teknologia eta erreali- tatearekin. Baliteke gorputzak be- harrezkoa izateari utzi edo zerbait egitea beharrezkoa ez izatea. Beste alde batetik, gure arnaske- ta, unibertsoaren hedapena eta uzkurketa bezala, errealitate hau osatzen duten oszilazioak dira. Giza eboluzioa honen parte bada, mo- menturen batean bere amaierara iritsi eta itzulera bidea hasiko da materiaren oinarrirantz: geometria. Artelan interaktibo honek murgil- duta aurkitzen garen dualtasun es- piritual-teknologikoa nabarmendu nahi du. Egurrezko estruktura batek pantaila zirkular bat eusten du, honen erdian zirkulutik abiatuta eraikitzen diren geometria ezberdinak daudelarik. Puntu bat hau eraikitzen duten le- rroen barrera dabil, gurutzaketetan soinuak eraginez. Giza elementuak, ibilbide honen angelua alda deza- keena, geometrien bidez azaltzen den giza forman ere bere burua al- datzen du. Manipulatzaileak ala manipulatuak al gara? Bide teknologikoak eta es- piritualak toki berdinera bideratzen gaituzte? Beraz, aldatzen den baka- rra ibilbidea bada, zer da garrantzi- tsuagoa, prozesu ala azken emaitza?

Roman Ljubimov Dacko artea, di- seinua eta teknologiaren artean mugitzen da, proiektuaren arabe- ra diziplinak konbinatuz. Teleko- munikazio Ingeniaritza Teknikoan lizentziatua, ikus-entzunezkoen espezialitatean (NUP), bere burua birziklatzen jakin du algoritmo, for- mula eta ekuazioak musika eta arte sorkuntza nahiz bere diseinu, asma- kizun eta programetan erabiltzeko.

Roman Ljubimov Dacko

Prešov, 1985

romanrandom.com

La tecnología acompaña y define al humano desde que usamos la primera piedra como herramienta. Ahora, con la inminente llegada de la superinteligencia, nadie sabe de qué forma se va a redefinir nuestra relación con la tecnología y la reali- dad. Es posible que el cuerpo deje de ser necesario o que no haga falta hacer nada. Por otro lado, nuestra respiración, al igual que la expansión y contrac- ción del universo, son oscilaciones que componen esta realidad. Si la evolución humana forma parte de ella, en algún momento llegará a su final y comenzará el camino de re- torno hacia la esencia de la materia:

la geometría. Esta pieza interactiva pretende resal- tar la dualidad espiritual-tecnológica en la que nos hallamos inmersos. Una estructura de madera da sopor- te a una pantalla circular, en cuyo centro habitan diferentes geome- trías construidas a partir del círcu- lo. Un punto recorre de un lado a otro las líneas que lo conforman, produciendo sonidos en los cruces. El elemento humano, que puede al- terar el ángulo de dicho recorrido, también se altera a si mismo en la forma humana que se muestra tras las geometrías. ¿Somos manipuladores o manipula- dos? ¿Conducen el camino tecnoló- gico y el camino espiritual al mismo sitio? Entonces, si lo único que varía es el recorrido, ¿qué es más impor- tante, el proceso o el resultado final?

Roman Ljubimov Dacko se mueve entre el arte, el diseño y la tecnolo- gía, combinando disciplinas según cada proyecto. Licenciado en Inge- niería Técnica de Telecomunicacio- nes, especialidad en Imagen y So-