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ACTIVIDAD DE ADQUISICÓN DEL

CONOCIMIENTO

Apreciación de las artes


Profesor: Francisco Alemán
Dilan Eduardo Guajardo Ovalle – 1932959
Gabriel Emiliano Castañeda Guevara – 1930456
Evelyn Aleida López Picharra – 1925829
Ángela Tamara Varela Cedillo – 1901477
Carlos Alberto Hernández García – 1928613
Francisco Sebastián Castañeda Cepeda -- 1931307
PREPARATORIA 1 grupo: 241
Los elementos de la danza
El cuerpo humano
El término enunciado incluye tanto los aspectos físicos como aquellos ingredientes
subjetivos, inmateriales, que tienen influencia en el manejo del cuerpo humano. Cada
comunidad, clase social, pueblo o nación va elaborando, ampliando y aplicando su propia
cultura del cuerpo para cada etapa histórica. Por ejemplo, los ritmos reiterativos de las
danzas indígenas de algunos lugares de la república mexicana, así como la persistente
cadencia con la que las plantas de los pies de los danzantes “golpean” la tierra, se
relacionan directamente con el llamamiento a las deidades que cubrían el reino divino
prehispánico.
El espacio
El ser que baila es un ser que irradia luz o energía: a partir de su interior refleja algo más
que su carnalidad. Y lo hace así afuera. El espacio le es indispensable al cuerpo en
movimiento porque en la danza el cuerpo se prolonga. En el escenario, en el tablado de la
plaza, en el salón de baile, en las calles- durante el carnaval – en el patio de la vecindad,
en la discoteca y el salón de fiesta se manifiesta este espacio real que el ser humano
“llena” al bailar pero que también “transforma” puesto que, por así decirlo, altera sus
dimensiones.
El movimiento
El arte de la danza, el movimiento en sí, constituye material básico en cuanto que sus
“modos” de manifestación indican, por una parte, el probable establecimiento del código, o
sea: el apoyo de las técnicas, por la otra, atañe a las formas a las que ha de dar lugar.
El impulso del movimiento
Danzar, bailar, significa mover el cuerpo en el espacio. Pero este movimiento no para
pertenecer al ámbito de la danza debe contener, además, significación: un halito, un
acento, una carga impuesta por el bailarín que diferenciara a este movimiento de todos
aquellos6 movimientos que seres humanos y animales realizan para sobrevivir, para
moverse dentro de la naturaleza.
El tiempo
En el arte de la danza el tiempo existe como apoyo o continente. También existe el ritmo
aunque no pueda ser percibido mediante sonidos o ruidos, marcas o golpes en un
instrumento. La gente que se halla ante alguien que baila y no escucha un precioso
acompañamiento rítmico o musical puede, no obstante, “ver” ese ritmo: lo percibirá al
través de los movimientos del cuerpo o cuerpos que se hallen ejecutando la obra. Y en las
referencias externas que la misma naturaleza le ofrece para establecer los ritmos y
frecuencias de la luna y otros astros por el cielo, el ciclo de las siembras y las cosechas,
etcétera.
La relación luz-oscuridad
En todas las artes escénicas, la combinación de luces y sombras, de luces y oscuridad es,
desde sus orígenes, elemento fundamental. Los grados de luminosidad y la capacidad
lumínica de las áreas especiales en las que se realiza una danza pueden tener
consecuencias directas sobre la secuencia, el lapso o la forma dancística. En la época
primitiva, el sacerdote o brujo, al bailar junto a la hoguera, hacia crecer su figura
visualmente mediante el artificio de acercarse a las llamas. En plena oscuridad no hubiera
alcanzado su objetivo de establecer, tras un proceso visual, el reconocimiento de una
autoridad que le era necesario.
La forma o apariencia
Danzar, bailar, significa realizar movimientos con el cuerpo, dentro del espacio. Se danza,
se baila para que la expresión –eso que queremos decir por medio de los movimientos del
cuerpo dentro del espacio. Se danza, se baila para que la expresión –eso que queremos
decir por medio de los movimientos del cuerpo- adquiera forma, apariencia. De otra
manera, “bailaríamos” a todas horas, incluso al realizar o desarrollar las más elementales,
cotidianas, domesticas actividades, y bastaría con realizar este tipo de actividades en una
vitrina para que los supuestos espectadores lo consideraran “arte”.
El espectador participante
Todos los seres humanos se hallan vinculados al arte de la danza. No importa cuál sea su
raza, su religión, su edad, su procedencia, su status social. Cualquier hombre o mujer ha
entrado en contacto con este arte porque todas las culturas y los pueblos han instituido su
práctica. Esta vinculación del ser humano con la danza se ha llevado a cabo directa o
indirectamente porque en su procedimiento de realización de la danza requiere de una
conciencia del ejecutante, no importa qué tipo de género practique, el bailarín expone sus
movimientos y su cuerpo para que lo vean los demás.

Géneros dancísticos
Danza autóctona
Se trata de aquellas danzas que aún se practican en muchas comunidades del
mundo y que han se trata de que ya es danzas que aún se practican en muchas
comunidades del mundo y que han conservado elementos originales: pasos,
ritmos, trazos coreográficos, rutinas de montaje e interpretación, desplazamientos,
actitudes, vestimentas, música, maquillajes, implementos auxiliares, escenografía,
tratamiento de espacios, etcétera.

Danza popular folclórica y regional


A diferencia de las danzas autóctonas las folklóricas o regionales expresan
directamente las actitudes existenciales las formas de vida y de organización las
ideas morales y religiosas de conglomerados más recientes. En ella se expresan
no sobre la cultura del cuerpo propio de cada región sino también otros aspectos
de la manera de ser de sus habitantes.
Tienden a ser bailadas por la comunidad entera.

Danzas populares urbanas


Expresión directa de formas de vida y de organización, la danza ha ofrecido una
vida de acción- que a veces va más allá de lo artístico- para todos los tipos de ser
humano, todas las clases sociales, todos los tipos de agrupamiento. Las danzas
populares urbanas son aquellas que nacidas en el seno de las ciudades, han
surgido a partir de los impulsos colectivos de sectores sociales oriundos de la urbe
o “aclimatados” a los sistemas de vida urbanos.

Clasica: Es la modalidad europea surgida y asentada de manera codificada


durante el siglo XVII.

Moderna: es un género de danza que se basa en la interpretación y visión


individual del bailarín o coreógrafo. Esta expresión artística se empieza a forjar a
principios del siglo XX y rompe con las reglas y criterios del ballet clásico.
Contemporánea: es aquella que forma parte del tiempo en el que se vive.

La función del teatro


Su función es representar a través de un medio de expresión audiovisual que transforma
un texto escrito en un texto vivido para lograr así la expresión más humana de emociones
y sentimientos

Antecedentes
El teatro aparece a la par con las primeras expresiones del hombre.
Pintura: Rupestre
Escultura: puntas de lanzas
Música: Limitación de los sonidos de los animales
Danza: Ceremonias
Arquitectura: Cavernas y acondicionamiento de las mismas.

Definición
Teatro es una palabra de origen griego Thetaron, que significa lugar para ver.
•El arte de representar
•Un medio de expresión audiovisual
•El arte de transformar un texto escrito en un texto vivido
•La expresión más humana (el hombre frente al hombre) de emociones y
sentimientos.
Géneros literarios
•Género épico: Comprende todas las composiciones en que dominan las
narraciones aquí el hombre recurre a la memoria estoica para hacer conciencia de
trabajos y padecimientos anteriores que le han aportado mejores condiciones de
vida.
•Género lírico: Surgida entre la necesidad de contar con una conciencia individual,
es decir la relación de un individuo determinado con otro.
•Género dramático: El género dramático comprende todos aquellos textos en los
cuales el escritor nos narra acontecimientos empresas como la lírica sino que
introduce personajes que representan delante de los espectadores como si
realmente acontecieron hecho en todo su desarrollo.
Análisis de la obra
Técnica moderna de actuación (realismo psicológico)
Entre los finales del siglo XIX y principios del siglo XX literatura dramática empezó
son de los misterios del inconsciente autores modernos muestra del hombre el
peligro de la represión comienzo una vasta empresa liberadora esta tendencia
enseñó los actores recurrir a la imaginación al inconsciente al subconsciente a
elaborar una creación artística subjetiva del actor se sienta camina y se comporta
en escena con un personaje como un hombre de la vida real después de creer que
el hecho de maquillarse y de vestirse con el personaje ayudar a la actora
convertirse en ese personaje se piensa que la verdad de venir de más lejos desde
una mayor profundidad en el sistema de l entre los finales del siglo XIX y principios
del siglo XX literatura dramática empezó a sondear los misterios del inconsciente
autores modernos muestra del hombre el peligro de la represión comienzo una
vasta empresa liberadora esta tendencia enseñó los actores recurrir a la
imaginación al inconsciente al subconsciente a elaborar una creación artística
subjetiva del actor se sienta camina y se comporta en escena como un personaje
como un hombre de la vida real después de creer que el hecho de maquillarse y
de vestirse con el personaje ayudar a la actora convertirse en ese personaje se
piensa que la verdad de venir de más lejos desde una mayor profundidad.
En el sistema de la psico técnica se traducen a lenguaje de la práctica creadora
los principios del arte realista los requisitos expresar ideas y reflejar fielmente la
realidad la claridad la sencillez de la forma artística el contenido vital etc. dentro
del sistema se estudia del orden mismo del proceso creador que transcurre de
acuerdo con determinadas leyes de naturaleza que incluyen el análisis y la
síntesis la percepción y conocimiento del material de creación su elaboración
artística la vivencia y la encarnación de la imagen escénica.
El actor reconstruye psicológicamente su personaje con extremo cuidado no se
limita los datos que le da la obra, sino que me quiera lo más concretamente
posible el pasado y el porvenir del personaje que representa.
Con este método de la 14 libra de luso de trucos puesto que puede transferir
autenticidad de su trabajo ya que parte de la verdad de sus sentimientos.
Realismo
Modo de expresión o tratamiento artístico de la vida consiste en reflejar sin idealización ni
sentimentalismo subjetiva reacción ante el romanticismo se extiende al siglo XIX reflejar
los resortes psicológicos de los personajes en relación con el ambiente y sus factores
materiales lleva una estilización denomina el naturalismo los principales exponentes fue
Henry Ibsen.
Naturalismo
Movimiento dramático del último tercio del siglo XIX entroncado ideológicamente con
Darwin y los filósofos positivistas en práctica eso condujo a que se llevaran presentes
escenas principalmente lo aborrecible lo morboso figuras sojuzgadas y explotadas las
víctimas o representadas de un orden social se caracteriza por ir mas alla de la realidad
para atrapar la esencia de las cosas
Existencialismo
Corriente filosófica contemporánea que tiene sus orígenes del teólogo dinamarqués
Kierkegaard quien opuso los sistemas esencialista una filosofías que llamo existencial la
coexistencia del ser con otro infierno mismo pues son con otros los que consumen su
mira descubren nuestro propio ser que en vano podemos descubrir mirándonos en el
espejo y sus máximos exponentes fueron Albert Camus y Jean Paul Sartre.
Épico
Tendencia del teatro a finales del siglo XIX a integrar los elementos épicos es decir
dramáticos en relatos supresión de la expresión ruptura de la ilusión por que toma la palabra
de un narrador escenas de masa de intervención esto fue creada por bertolt Brecht.

Esperpento
Corriente literaria europea que surge a finales del siglo XIX se caracteriza por
1 el grotesco como forma de expresión:
a) la función de las formas humanas y animales
b) la mezcla de mundo real y pesadilla
c) la distorsión de la escena exterior
2 deformación sistemática de la realidad
a) La apariencia de burla y de y caricatura realidad
b) El significado profundo semi transparente cargado de crítica e intención satírica
c) La presencia de la muerte como personaje fundamental

Absurdo
Después de la segunda guerra mundial surgió una filosofía propuesta con orden social y
condición humana el teatro del absurdo maneja como temas de desconfianza en el futuro
de la sociedad y la incapacidad del hombre para un mundo mejor esta obra teatral se
caracteriza por los elementos teatrales que la obra incorpora los representantes más
comunes son Eugene Ionesco y Samuel Beckett

ELEMENTOS CREADORES DEL ESPECTACULO TEATRAL


a) El autor o dramaturgo:
Es el artista que al escribir una pieza teatral, presenta algún aspecto, un
acontecimiento, un suceso, etcétera, de la existencia del hombre en acción o, lo
que es mismo, en forma dramatizada, para ser presentada por actores en un
teatro y frente al publico.

b) El director:
Es quien, por medio del texto desea dirigir un mensaje o punto de vista de un
hecho de la vida; además el director da unidad a la obra, equilibra todos los
medios con que cuenta la escenificación. El director de escena propone la
concepción general el modo en que se desarrolla el tema; es quien dicta los
movimientos de los actores, armoniza los decorados, los colores, el vestuario, la
música, o efectos de sonido, etcétera.

c) Los actores:
Son las personas que poseen el talento artístico de crear una ilusión de
naturalidad y realidad en el personaje representado. En su calidad de artista, el
actor es único porque es su propio instrumento. Sus recursos son el mismo, su
talento y capacidad para desarrollar ambos. A diferenciar de otros artistas
creadores, debe trabajar con y por medio de su propio cuerpo, voz, emociones,
apariencia y su propia cualidad personal que utiliza como el pintor sus colores y el
compositor sus notas musicales.

e) El escenógrafo:
Es quien debe resolver en el espacio escénico de que se trate, todos los
problemas espaciales, visuales, plásticos, psicológicos, etcétera, contenido en el
texto dramático.

PARTES DEL EDIFICIO TEATRAL:


SALA DE ESPECTADORES:
Lugar donde se concentra el publico para presenciar
la obra.

FOSO DE LA ORQUESTA:
Lugar destinado para albergar a los músicos de la
orquesta que participan.

TRAMOYA:
Consiste en varas que suben y bajan para apoyar el
colgado de telones con motivos escenográficos,
arboles en figuras, edificios, etcétera.

PIERNAS:
Cortinas angostas en forma vertical generalmente de
color negro, utilizadas en las entradas y salidas de los
personajes.
BAMBALINAS:
Cortinas angostas colocadas en forma horizontal en la
parte superior del escenario.

CICLORAMA:
El ciclorama es la tela que se ubica al fondo del
escenario, regularmente de color celeste y que sirve
para delimitar espacio, asi como de apoyo de la
iluminación, para informar al publico si es de día, noche,
atardecer, amanecer, etcétera.

ESCENARIOS

Nombre del tipo de Imagen Descripción


escenario
Escenario tipo Se caracteriza
italiano porque el público se
encuentra ubicado
frente al escenario.

Escenario tipo Se caracteriza por


Isabelino estar rodeado de
público en tres de
sus lados.
Escenario tipo Se caracteriza por
Arena o foro circular estar rodeado en
sus 360° por el
público, acceso a
actores y entradas y
salidas.