Índice

Introducción……………………………………………………………………………1

Leonardo Da Vinci……………………………………………………………………..2

La Ultima Cena………………………………………………………………………….5

Influencia Del Estilo E Ideología……………………………………………………..7

Impacto Visual Y Social………………………………………………………….......9

Reflexión…………………………………………………………………………………11

Donatello…………………………………………………………………………………13

Judith Y Holofernes…………………………………………………………………….16

Influencia Del Estilo E Ideología……………………………………………………..18

Impacto Visual Y Social……………………………………………………………….20

Reflexión…………………………………………………………………………………22

Bibliografía………………………………………………………………………………24
Introducción

En esta sección analizaremos dos obras artísticas propias de Renacimiento, las

cuales serán:

La Última Cena por Leonardo Da Vinci

Judith y Holofernes por Donatello

Se hará una breve introducción de quienes fueron estos grandes artistas y se

analizaras las obras ya mencionas como sus elemento compositivos, el impacto
visual que tuvieron ambas obras y el impacto que causo en la sociedad de aquel
entonces así como la ubicación geográfica de donde fueron elaboradas.

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Leonardo da vinci

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Nombre completo: Leonardo di ser Piero da Vinci

Fecha de su nacimiento: 15 de Abril de 1452

Lugar de nacimiento: Anchiano (cerca de Vinci)

Fecha de su muerte: 2 de Mayo de 1519

Lugar de su muerte: Cloux

Edad al morir: 67 años

Artista florentino y uno de los grandes maestros

del renacimiento, famoso como pintor, escultor,
arquitecto, ingeniero y científico. Leonardo
fue hijo ilegítimo de Ser Piero da Vinci, un
hombre pudiente y Caterina, una campesina.

Se crio como hijo único, ya que su padre tuvo con posterioridad diez hijos varones
más, pero fue en sus dos últimos matrimonios. En total se casó cuatro veces.

Desde pequeño manifestó una gran maestría artística dibujando animales

mitológicos de su invención. Siendo aún niño fabrico un escudo de Medusa con
dragones que espantó a su padre cuando este lo encontró por sorpresa.

Cuando Leonardo da Vinci tenía 14 años, su padre le mostró a Andrea del

Verrocchio los bocetos que realizaba su hijo y automáticamente, este lo admitió
como aprendiz en su taller.

En 1476 fue acusado por un denunciante anónimo de mantener relaciones

homosexuales con un conocido prostituto que además posaba como modelo. Esto
le costó dos meses de cárcel de donde al fin pudo salir por falta de testigos.

Algunos creen que Leonardo da Vinci era homosexual. Su relación más duradera
tuvo lugar con Gian Giacomo Caprotti da Oreno, un pequeño delincuente que fue
acogido en casa de Leonardo cuando tenía 10 años y al que
llamaba Salai (pequeño diablo). También mantuvo una duradera relación con
el Conde Francesco Melzi que fue discípulo y compañero durante toda su vida. En
1518 Salai abandonó a Leonardo y con posterioridad murió en un duelo en Milán.

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A pesar de todo Salai heredó la mitad de los viñedos de Leonardo, aunque Melzi
heredó la mayor parte de sus bienes.

Es sabido que Leonardo era vegetariano por razones éticas.

Leonardo da Vinci fue el mejor exponente del hombre de Renacimiento. No es

extraña pues su genialidad en tan variadas disciplinas como el dibujo, la pintura, la
escultura, la ingeniería o la anatomía, y otras no tan conocidas en el autor como
la cocina, la música o la literatura. De todo ello dejo testimonio en sus muchos
escritos en los que utilizaba la escritura especular, que consiste en escribir de
izquierda a derecha de tal modo que las frases sólo adquieren su aspecto habitual
cuando son vistas en un espejo.

Entre 1482 y 1499 tuvo su propio taller que contaba con numerosos aprendices,
trabajando para el duque de Milán Ludovico Sforza.

En 1498 Milán es conquistada por los franceses provocando la marcha de

Leonardo da Vinci a Mantua, luego a Venecia y finalmente a Florencia, donde en
1500 trabaja para César Borgia (hijo del Papa Alejandro VI) como arquitecto militar
e ingeniero.

En 1506 los Sforza recuperan el control de Milán y vuelve a trabajar allí. Entre
1513 y 1516 trabaja en Roma. Desde 1516 y hasta el final de sus días trabaja para
el rey Francisco I. El rey francés otorgó a Leonardo la mansión y tierras de Clos
Lucé, cerca del castillo de Amboise, residencia del rey, en cuyos brazos morirá
tras convertirse en gran amigo suyo. A causa de que ninguno de los proyectos
escultóricos de Leonardo fue finalizado, el conocimiento de su arte tridimensional
sólo puede hacerse a través de sus dibujos. Idénticas consideraciones pueden
aplicarse a su arquitectura. Sin embargo, en sus dibujos arquitectónicos,
demuestra maestría en la composición de masas, claridad de expresión y
fundamentalmente, un profundo conocimiento de la antigüedad romana. Un
creador en todas las ramas del arte, un descubridor en la mayoría de los campos
de la ciencia, un innovador en el terreno tecnológico, Leonardo merece por ello,
quizá más que ningún otro, el título de Homo universalis.

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La ultima cena

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La Última Cena (1495 – 1497). Es una pintura mural con dimensiones de 460 x
880 cm., esta está situada en una pared del refectorio del convento dominicano de
Santa María delle Grazie en Milán y requirió diez años de preparación por parte de
Leonardo da Vinci. Fue encargado por Ludovico Sforza, duque de Milán.

Técnicamente no se puede afirmar que sea un fresco, ya que este sistema le

parecía a Leonardo muy precipitado. Esto le llevó a pintar con óleo sobre el yeso
seco, técnica experimental que provocaría un rapidísimo deterioro de La Última
Cena, provocando numerosas restauraciones.

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Influencia del Estilo e Ideología

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Nos remontamos al Cinquecento en el Renacimiento donde el Conde Ludovico
Sforza le pidió pintar para la nueva iglesia de los dominicos de Santa María delle
Grazie en Milán un mural de grandes dimensiones. Su factura se demoró mucho
tiempo, dado al gran cuidado que esgrimía Leonardo, así como la difícil técnica
mural que empleó.

Leonardo ha escogido representa la escena de la Última Cena de los últimos días

de la vida de Jesús de Nazaret según narra el Nuevo Testamento. La pintura está
basada en Juan 13:21, en la cual Jesús anuncia que uno de sus 12 discípulos le
traicionaría.

La Última Cena fue creada en el ambiente del Renacimiento, en el Cinquecento.

Leonardo tras el encargo de Ludovico decidió crear algo innovador, algo nuevo,
algo más que un simple mural.

Leonardo pensó inicialmente en la composición clásica, con Judas delante de la

mesa, y los otros once apóstoles en frente, con Jesucristo en el medio como uno
más. Leonardo se apartó de esta tradición iconográfica e incluye a Judas entre los
demás apóstoles, porque ha elegido otro momento, el posterior a su anuncio de
que uno lo traicionará. Leonardo cambió la posición de Jesucristo, que
inicialmente estaba de perfil hablando con Juan Evangelista, que parece en pie a
su lado, (hay otro apóstol que también estaba de pie), y lo sitúa en el centro, hacia
el que convergen todas las líneas de fuga, destacando aún más al perfilarse
contra el ventanal del centro, rematado con un arco y separándolo de los
apóstoles. A ambos lados de Jesucristo, aislados en forma de triángulo y
destacados con colores rojo y azul, están los apóstoles, agrupados de tres en tres,
según la escuela florentina por Ficino y Mirandola, los personajes se dividían en
varias triadas, o lo que es lo mismo, grupos de tres. En ellos se puede ver
diferentes motivos y teorías filosóficas, como el amor platónico o el camino a
Cristo a través del diálogo filosófico.

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Impacto Visual y Social

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Uno de los elementos que más
llama la atención y que más fue
aplaudido por los pintores de su
época es la perspectiva, tanto en el
fondo de la factura como en los
propios personajes, todos ellos en
movimiento e individualizados. La
escena transcurre en una sala
cerrada, con un tejado plano de
casetones, al estilo clásico, y al
fondo unas grandes vidrieras de
donde emana la luz que incide en
todos los personajes. Sin embargo,
hay una luz frontal, que sobre todo
incide en Jesús, en el centro de la
composición.

En cuanto a la obra, se trata de una composición simétrica, son un punto de

referencia que es Jesucristo, en el centro de la mesa y rodeado por sus apóstoles.
Una fuerte línea horizontal marca la escena, que es la mesa de mantel blanco,
incidiendo en el carácter de tranquilidad y sosiego de la misma. Asimismo, las
líneas diagonales hasta el fondo de la sala añaden movimiento y profundidad de
campo a la misma, aumentando su realismo.

Una de las características que más impactó a los contemporáneos de Leonardo,

que vieron el fresco recién terminado, fue la galería de personalidades, de retratos
psicológicos, que el artista había plasmado en él. En lugar de concebir la Cena
como sus predecesores, yuxtaponiendo figuras separadas. Se plantea el problema
de expresiones de emoción diversas, en una única acción. El grupo está
imaginado como la ondulación de una piedra en el agua; la emoción fluye y refluye
por los doce cuerpos al caer sobre ellos las palabras de Jesús, en el centro
inmóvil, entre un torbellino de movimientos: “Uno de vosotros me traicionará”.

10 | P á g i n a
Reflexión

11 | P á g i n a
Iniciando con mi punto de vista personal, se me hizo algo interesante que
Leonardo se haya atrevido a pintar oleo en un muro recubierto con yeso, el busca
destacar de los demás y crear su propio método pero precisamente el
experimentar ha hecho que su mural se esté desapareciendo tan drásticamente.
Lo más destacado de esta obra es que Da Vinci quiso renovar la ultima cena,
creando un ambiente en perspectiva y con personajes en movimiento y actuando
en el preciso instante en el que Jesús dijo a sus 12 discípulos: “En verdad os digo
que uno de ustedes va atraicionarme”. Y más llamativa es la reacción que tiene
Judas al sostener la bolsa con las monedas con las que vendió a Jesús.

Se ha hablado mucho acerca de los significados de posibles figuras. Así, se

especula sobre la figura del propio Leonardo en el cuadro. Sería uno de los
apóstoles de la derecha. Sin embargo, esto se ha descartado ya que la edad del
representado es bastante superior a la edad en ese momento del propio pintor, por
lo que es poco probable que se representara así. Otra especulación trata de la
figura de una daga en la parte izquierda.

Los técnicos que hicieron radiografías al cuadro explican que en los dibujos
preliminares la daga la sostenía Pedro, en relación con el capítulo por el que
defiende con ella a Jesús. Por último, en cuanto a las especulaciones sobre la
figura que hay a la derecha de Cristo con pelo largo comentar que se ha
especulado mucho sobre si era una mujer e, incluso, se ha llegado a decir que es
María Magdalena.

Sin embargo, si observamos la tradición pictórica hasta la fecha y posteriores,

siempre se ha representado a San Juan como un joven de pelo largo, delgado y
joven, por lo que la imagen corresponde a la perfección con la que aparece de
Leonardo, sin embargo en una esquina de la mesa se aprecia un nudo que solo se
le hacía al mantel cuando había una mujer comiendo entre hombre. Además, si
este apóstol no apareciera y fuera María Magdalena, faltaría uno de los más
importantes fieles de Jesús en una de las escenas más importantes, por lo que es
una segunda razón para afirmar que dicha figura corresponde a la de San Juan y
no la de una mujer.

12 | P á g i n a
donatello

13 | P á g i n a
Nombre completo: Donato di Niccolò di Betto Bardi

Fecha de su nacimiento: 1386

Lugar de nacimiento: Florencia

Fecha de su muerte: 13 de diciembre de 1466

Lugar de su muerte: Florencia

Nacido en Florencia alrededor del año de 1386, ya

desde joven es posible encontrarle ejerciendo el
oficio de escultor (hacia 1407 aparece
documentado en el taller de la Catedral de
Florencia, para la que realizará una serie de estatuas que dejan entrever lo que
será su posterior evolución).

Preocupado por el movimiento y el naturalismo desde los comienzos de sus

trayectoria, en 1410 el encargo de una escultura para un nicho de la fachada de
Or San Michele le va a permitir continuar ensayando modos de representación de
la estatuaria de gran tamaño, dando lugar a la ejecución, entre otras obras, de un
San Marcos o un excepcional y plenamente renacentista San Jorge (1417). Se
cree que sobre estos años comenzaría también la realización, por encargo de la
familia Cavalcanti, de la Anunciación de Santa Croce (aunque existen autores que
datan la ejecución de esta pieza bastante más tarde, en la década de los
cuarenta) y procedería a esculpir las estatuas para el Campanile florentino.

Habitualmente se ha establecido este periodo inicial como el de formación (en

algunas de cuyas primerísimas obras aún pervivirían retazos góticos),
considerándose su producción a partir de 1425 (fecha en la que comienza a
trabajar con Michelozzo) propiamente clasicista. En la capital romana, ciudad a la
que se trasladará con su nuevo colaborador hacia 1430 y donde habría pasado
una estancia anteriormente con su amigo Brunelleschi estudiando el legado de la
Antigüedad, dejará constancia de su maestría en piezas como El entierro de Cristo
(1430-1433). Será a la vuelta cuando comience los relieves de la Cantoría de la

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Catedral de Florencia, en los cuales es apreciable el conocimiento de modelos
clásicos.

Magnífico será el David en bronce (va a ser ésta una tipología recurrente en su
obra) realizado hacia 1435 para el palacio que los Médici poseían en la Vía Larga
florentina y que inaugurará una relación de colaboración con dicha familia. En esta
obra se puede apreciar toda la madurez y el dominio de Donatello a la hora de
representar la anatomía humana.

A partir de 1443 va a entrar en contacto con la corriente artística que se estaba

desarrollando en Padua, hecho que resultará decisivo en el giro que tomará su
escultura durante la segunda mitad del siglo (se tornará mucho más expresiva). La
fabulosa estatua ecuestre de El Gattamelatta (que tanto debe a la herencia clásica
romana) o los relieves y esculturas realizados para el altar de la Basílica del Santo
(alejados ya de aquellos primeros florentinos) forman parte de la herencia que
Donatello dejará a ésta ciudad. A esta última etapa pertenecen también los
Milagros de San Antonio, la composición de Judith y Holofernes y su "terrible"
María Magdalena en madera (estas dos últimas obras ya en Florencia, ciudad en
la que fallecerá en 1466).

15 | P á g i n a
Judith y holofernes

16 | P á g i n a
Judith y Holofernes
es un grupo
escultórico de bronce
realizado por
Donatello en 1460,
dentro de su último
periodo denominado
“expresionista”.

Originalmente fue
producido como una
fuente de agua
encargada por
Cosme de Medici para en jardín del Palacio Medici-Riccardi de Florencia. Se
considera una de las primeras figuras italianas exentas e independientes de
cualquier programa arquitectónico.

La estatua fue originalmente dorada viéndose aún restos de este recubrimiento en

la hoja de la espada. La base está formada por una estructura en forma de cojín
cúbico que le da más naturalismo con una serie de frisos en bajorrelieve de
evocación clásica.

La obra posee vistas independientes: el frente del cojín y el de la base están

alineados y desde esta vista dominante se ve el rostro de Judith y su brazo
derecho alzado; bajo ella la espada de Holofernes, con la cabeza de perfil hacia la
izquierda. Al dar la vuelta la estatua por la izquierda, las posiciones se invierten:
Judith aparece de perfil y Holofernes en vista frontal. Por la derecha, Judith se ve
también de perfil pisando el brazo de Holofernes.

17 | P á g i n a
Influencia del Estilo e Ideología

18 | P á g i n a
La obra representa un tema habitual del arte italiano: el asesinato del general
asirio Holofernes en manos de Judith de Betulia, quien lo sedujo y decapitó para
salvar a su pueblo, y se destaca por ser una de las primeras obras renacentistas
exenta de bulto redondo, no supeditadas a un plano arquitectónico, sino para
admirarlas rodeándola.

El texto bíblico indica que la heroína necesitó dos golpes para cortar la cabeza del
enemigo y el momento exacto de la acción es inmortalizada entre ese espacio de
los dos cortes, como demuestra la herida en el cuello de Holofernes.

Su tipología responde a lo que se llama en arte escultórico “figuras en lucha”, lo

que requeria combinar en una composición unitaria las figuras del vencedor y del o
de los vencidos. Donatello optó por una postura activa y represento a Judith en un
movimiento detenido, con la espada en alto, y a Holofernes delante de ella. Esta
acción instantánea adquiere un carácter definido: Judith apoya sus pies en un
cojín rectangular, desde cuyos extremos brotan agua, con factura mas suelta que
otras obras anteriores del artista (como el Altar Mayor de Padua), y en la cabeza
de Holofernes la superficie está menos acabado (lo que se denomina non-finito),
aunque la tosquedad de la textura fuera una exigencia del efecto que el artista
quería conseguir.

19 | P á g i n a
Impacto Visual y Social

20 | P á g i n a
La estatua de Judith Holofernes de
Donatello se puede equiparar al
David en la iconografía de los
Médicis. Al haber salvado a la nación
judía de la dominación extranjera
asesinando al general asirio
Holofernes, Judith resulta,
obviamente, la compañera adecuada
de David. A este respecto constituye
también un símbolo cívico.
Concebida como una escultura para
la fuente de un pequeño jardín del
palacio, la estatua es el ejemplo más
temprano de escultura realizada para
ser vista por todo su alrededor, sin un único punto de vista fijo para el observador.
Las pesadas vestimentas de Judith contrastan con la práctica desnudez y la
carnalidad, francamente sensual, de Holofernes. El pie de Judith está situado
justamente sobre los genitales de Holofernes, mientras su mano se alza para
golpear por segunda vez su cabeza, parcialmente cortada. Puede que manase
agua de las esquinas del cojín sobre el que se alzan las figuras. La escultura
podía interpretarse simplemente como la virtud aplastando al vicio. Sin embargo,
hay un claro significado político implícito en la obra que desvela la inscripción que
Piero colocó originalmente en el grupo: “Piero, hijo de Cosme, ha dedicado la
estatua de esta mujer a la libertad y fortaleza otorgada a la república por
invencible y constante espíritu de los ciudadanos”

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Reflexión

22 | P á g i n a
En primera instancia pienso en que esta escultura fue creada sin sentido aparente
y fue algo espontaneo y en su momento le dieron algún valor cívico como la que le
otorgo Piero. Y en base al momento en que se capturo la escena se le pudo
brindar ese valor ya que encaja muy bien y más que eso, está muy bien utilizado
por consecuente representación.

Donatello creó esta escultura por encargo de Cosme de Medici y desconozco si

Cosme le había pedido precisamente esa escena. Pero de lo que sí es seguro es
que en esta escultura Donatello implemento una nueva forma de crear arte, de
crear una escultura con vista de diferentes ángulos, que la escena se pudiera
apreciar de cualquier punto, que sobresaliera por sus tres dimensiones
apreciables y no solo de frente como la mayoría de anteriores esculturas

Donatello se basó en la historia bíblica donde Judith seduce a Holofernes pero con
el solo propósito de matarlo para liberar al pueblo judío.

Esta representación se encuentra relacionada como es muy obvio con la victoria y

la libertad del débil sobre el fuerte. Y así mismo se relacionó en ese entonces con
la sociedad de tal modo que el pueblo jugaba el rol de Judith y los invasores el de
Holofernes, era una interpretación de fuerza y libertad con espíritu invencible de
cada ciudadano.

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Bibliografía

Http://www.epdlp.com/pintor.php?id=402 El poder de la palabra. Leonardo Da

Vinci. (11/oct/2012).

http://www.elrelojdearena.com/leonardo-da-vinci/la-ultima-cena.htm El reloj de
arena. La Última Cena de Leonardo Da Vinci. (11/oct/2012).

http://www.elrelojdearena.com/leonardo-da-vinci/biografia.htm El reloj de arena.

Leonardo Da Vinci. (11/oct/2012).

http://es.wikipedia.org/wiki/La_%C3%9Altima_Cena_(Leonardo_da_Vinci)
Wikipedia. La Última Cena (Leonardo Da Vinci). (10/oct/2012).

http://es.wikipedia.org/wiki/Donatello#Judith_y_Holofernes Wikipedia. Donatello.

Judith y Holofernes. (10/oct/2012).

http://misgrandesobrasdearte.blogspot.mx/2011/04/165judith-y-holofernes-1455-
1460-de.html Las grandes obras de arte. 165."Judith y Holofernes" (1455-1460) de
Donatello. (10/oct/2012).

EL ARTE EN LA ITALIA DEL RENACIMIENTO. John T. Paoletti, Gary M. Radke

Akal/Arte y Estética. Pág. 257.

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