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INTRODUCCION........................................................................................................................................3
1. ¿QUÉ ES LA MÚSICA?....................................................................................................................4
CONCLUSIÓN...........................................................................................................................................31
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HABILIDADES
MUSICALES
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INTRODUCCION
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1. ¿QUÉ ES LA MÚSICA?
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unos conocimientos específicos complejos, para emprender plenamente su
realidad científica.
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afirma que tal obra de arte posee esas características y si tales afirmaciones
son defendibles y de qué forma.
Píndaro atribuyó este don a los dioses, pero admitiendo que el poeta
puede desarrollar su habilidad mediante el esfuerzo personal.
Platón abordó todos los problemas estéticos en sus diálogos, pero los
análisis más importantes aparecen en “Ión, el Banquete y la República”.
Cuando hablamos hoy de la estética de Platón, nos referimos a sus ideas
filosóficas en torno a las bellas artes sobre las que reflexiona: artes visuales
(pintura, escultura, arquitectura), artes literarias (épica, lírica, poesía dramática)
y artes con intervención musical (danza y canto). Según él, si todas las cosas
creadas son imitaciones de sus arquetipos eternos o “formas”, Platón parece
considerar también las representaciones pictóricas, los poemas dramáticos y
los cantos son como imitaciones en un sentido más estricto: son imágenes.
Según Platón las artes pueden encarnar o materializar en diversos grados la
cualidad de la belleza. La belleza de las cosas concretas puede cambiar o
desaparecer, pero hay una eterna y absoluta forma de belleza. La belleza es lo
que resulta agradable a través de los sentidos del oído y la vista. El
conocimiento es una captación de las formas eternas; cosa que Platón niega a
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las artes, en cuanto a imitaciones de imitaciones. La música compuesta en
modos enervantes debe reemplazarse por otra más adecuada. La música, la
poesía y la danza son medios indispensables para la educación del carácter,
susceptibles de hacer a los hombres mejores y más virtuosos. El problema
consiste en garantizar la responsabilidad social del artista creador, insistiendo
en que su propio bien ha de subordinarse y ordenarse al bien de la
colectividad.
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3. EL SONIDO Y EL SILENCIO. LOS ELEMENTOS DEL SONIDO
(CUALIDADES)
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Sonidos accesorios o Sonidos de diferentes El compositor específica en la
TI armónicos colores o timbres partitura los instrumentos o
M (lo que escuchamos propios de cada voz y voces que han de sonar en cada
B no es un sonido puro, cada instrumento. momento para conseguir el
R sino la mezcla de una La voz de cada timbre deseado.
E serie de sonidos persona es irrepetible
accesorios que, al (como las huellas
unirse al sonido digitales)porque cada
principal confieren un una tiene armónicos
“timbre” peculiar a diferentes
cada instrumento o
voz; no se distinguen
de oído, porque su
amplitud de onda es
menor que la del
sonido fundamental)
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El sonido es la materia prima del arte musical, a partir de aquí, la
música se sirve de cuatro elementos principales que ayudan al compositor a
hacer música. Estos elementos son: ritmo, melodía, contrapunto y armonía.
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5. COMPONENTES EXTERNOS DE LA MÚSICA.
La técnica debe estar siempre por encima de los pasajes difíciles que
aborda para dar esa sensación de dominio y fluidez sin tropiezos. Una buena
técnica instrumental o vocal sirve para reproducir la partitura con sus detalles
de matices del sonido, velocidad del ritmo, las pausas y los acentos indicados
en la música. Cada intérprete le da a la pieza un toque personal necesitando
sensibilidad, inteligencia, imaginación y buen gusto. La personalidad y el
temperamento del intérprete afectan su manera de decir la música.
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La habilidad de tocar o cantar varía con las condiciones físico-mentales
natas de cada intérprete. Unos están limitados y otros adquieren virtuosismo
que es el grado superlativo de destreza.
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3.- Un mínimo de prejuicios y un máximo de curiosidad, tolerancia, humildad e
imaginación.
4.- Pasión por comunicarse, por enseñar.
5.- Afición a las letras y cierto talento para escribir.
El reunir todas estas características es difícil por lo que no abundan los
buenos críticos y sí los cronistas de eventos musicales.
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interés propio, y algún talento tiene problemas si no entiende bien lo que cuesta
trabajar la música. Trabajo interminable en el instrumento y horas sin fin en
torno a la historia, el estilo y las leyes teóricas de la música. Para ser solista de
conciertos se necesita combinar talento excepcional, inteligencia, personalidad
y voluntad férrea. Como el estudio musical resulta una tarea muy difícil, el
estudiante se cansa de él y lo abandona. El maestro debe evitar que la
frustración afecte al interés que el alumno ha demostrado.
1.- El público debe llegar a la sala con tiempo suficiente para ubicarse en su
asiento antes de comenzar el concierto.
2.- Cuando se llega tarde, las personas deben esperar fuera de la sala a
que finalice la primera obra y, mientras la aplauden, ir a sentarse.
3.- No se debe comer ni desenvolver dulces cuyos papeles hacen ruidos al
desplegarse.
4.- Tener el móvil apagado.
5.- Debe guardarse absoluto silencio mientras se ejecuta la música.
6.- Debe aplaudirse después de que el ejecutante haya quitado las manos
del instrumento.
7.- No deben admitirse las fotografías, ni gente caminando en la sala.
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8.- Las suites o los movimientos diferentes de una sonata no deben ser
separados por aplausos.
TIPOS DE MÚSICA
Hay varios tipos de música y entre ellas está el folklore musical la cual
no tiene anotación de las melodías. El músico popular normalmente no aprende
a escribir música, su nombre se pierde y las melodías se conservan al
recordarlas generación tras generación.
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6. GENERALIDADES SOBRE LAS APTITUDES MUSICALES
Hay dos formas de oído absoluto: el oído absoluto activo que reproduce
los sonidos reconocidos y el oído absoluto pasivo que sólo los reconoce. El
oído musical absoluto es una aptitud que no se adquiere, favorece el
aprendizaje de un instrumento y es un factor del desarrollo musical.
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La musicalidad es entendida como la capacidad para crear e
interpretar música de forma imaginativa, sensible. Precisa de conocimientos
musicales, originalidad, dedicación e inspiración. Su disminución o pérdida es
una forma de amusia. Los mejores sujetos para estudio son los compositores.
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La capacidad de conocer, compartir y disfrutar de la música es innata, a
pesar de que haya personas incapaces de vivir la música debido a un fallo
genético. La música, como se aprecia en las relaciones de los adultos con los
recién nacidos, en los coros religiosos, en los himnos nacionales o
acontecimientos deportivos, refuerza el sentimiento de pertenencia a un grupo
y puede considerarse como una de las ventajas evolutivas mantenidas por la
selección natural, de la que no participan sólo las personas con una
irregularidad genética menor.
Entre los Anang Ibibo existe la creencia de que toda persona es capaz
de un alto grado de destreza musical. Esta visión no es ampliamente
compartida en Occidente, pero existen ciertas pruebas que, pese a las
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apariencias, nos dicen que la mayor parte de la población tiene algo de
habilidad musical. La respuesta del individuo a la música revela que, incluso
antes del nacimiento, tal respuesta tiene lugar.
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de “lo azul”. Dicho de otro modo, hay un recuerdo semántico, pero no hay
ningún episodio relacionado con el significado. Por tanto, es muy probable que
en actividades de práctica diaria, como la música, los detalles particulares
como los aumentos en el tiempo dedicado al día al estudio puedan volverse
algo borroso con el tiempo.
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descubrió diferencias objetivas entre los grupos recopilando datos sobre el
rendimiento académico de los niños. El grupo especialista progresó
académicamente mucho más deprisa que los demás. No obstante, al examinar
mediante un tratamiento informático de los datos la relación entre el nivel
académico obtenido y el número de horas dedicadas, encontramos que no
había diferencias entre grupos. Dicho de otro modo, a los sujetos les llevó las
mismas horas de práctica conseguir un nivel determinado, independientemente
del grupo al que pertenecieran.
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Dos individuos bien distintos entre sí ayudaron a llegar a esta conclusión: el
autista N.P., estudiado por Sloboda y Louis Armstrong, el trompetista de Nueva
Orleans, estudiado por Collier.
N.P. era un individuo de muy bajo rendimiento mental en todas las áreas
de su vida, excepto la interpretación musical. Con poco más de veinte años,
después de una sola escucha, era capaz de tocar un movimiento entero de una
sonata para piano de Grieg. N.P. había pasado la mayor parte de su vida
escuchando música clásica tonal por la radio. De hecho, su atención estaba
totalmente dirigida a la música, y su actividad mental dedicada a la asimilación
y memorización de una estructura musical. Una serie de grabaciones
realizadas a la edad de cinco y ocho años demostraban que las habilidades
interpretativas de N. P. se forjaron mediante procesos de ensayo y error.
PROFESORES
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una correlación entre bajo rendimiento de éstos y las bajas expectativas de
aquéllos.
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Según Rutter, los varones son educados generalmente para obtener un
rendimiento más alto, esto puede apoyar la idea de que los profesores les
exigen más, y por tanto le someten a mayor presión que a las niñas. El primer
grupo fue el único que reveló diferencias entre sexos en cuanto al factor de la
presión educativa, lo cual parece indicar que los niños con alto rendimiento en
música son sometidos a mayor presión que las niñas con un rendimiento
igualmente alto.
Según Sloboda los factores que permiten que se forme un músico son:
Experiencias musicales en la infancia: dicha experiencia puede
comenzar incluso antes del momento del nacimiento. En varios estudios sobre
los primeros años de la vida de jóvenes músicos altamente capacitados para la
música, se comprobó que muchos de los padres les cantaban todos los días
(especialmente cuando estaban dormidos), desde el día de su nacimiento.
Muchos de los padres utilizaban también juegos musicales, animando a los
niños a bailar y a cantar con la música. Este tipo de estímulos afecta a las
capacidades perceptivas y receptivas del niño y, por tanto, puede que sus
efectos no siempre se observen en los primeros comportamientos de éste, pero
sí puede incidir de manera importante en la facilidad con la que un alumno
joven progresará luego.
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Niveles altos de prácticas: parece que no hay mejor indicador del nivel
alcanzado que el tiempo que se haya dedicado al estudio formal. Siendo así,
parece imprescindible analizar como se puede fomentar y mantener muchas
horas de práctica.
Nivel alto de apoyo familiar adecuado.
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9. IMPORTANCIA DE LAS HABILIDADES MUSICALES: POR QUÉ
SE DEBEN DESARROLLAR LAS HABILIDADES MUSICALES
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1.- Habilidades motrices: A través de las actividades musicales se trabaja la
coordinación y el equilibrio, la movilidad y el desarrollo de las actividades
motrices funcionales. Se mejora la coordinación motora, la amplitud de
movimiento, el tono muscular y la respiración.
2.- Habilidades sensoriales: mediante técnicas musicales se aumenta la
capacidad de recibir y diferenciar estímulos sensoriales. Posteriormente, se
logra una organización e interpretación de los mismos y la producción de la
respuesta deseada.
3.- Habilidades cognitivas: con la música se estimulan las funciones
superiores: la atención, la memoria, el nivel de alerta, la orientación, el
reconocimiento, el aprendizaje y la imaginación.
4.- Habilidades socio – emocionales: las técnicas musicales receptivas y
activas facilitan la expresión y el compartir de emociones y sentimientos a la
vez que promueven la interacción y las habilidades sociales. El uso terapéutico
de la música fomenta el auto – conocimiento de la persona, permitiendo un
aumento de su autoestima y una reducción de los sentimientos depresivos, de
ansiedad y de estrés.
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llevan más o menos aplausos. Las ideas de algo, más que o menos que son
importantes para aprender matemáticas.
En los primeros años el niño/a aprende por medio del juego, entendido
como el impulso natural por moverse, actuar, tocar, etc. y por medio de la
imitación. Así, predominan las respuestas rítmicas corporales sobre las
melódicas. La expresión lingüística se enriquece a medida que va
experimentando las posibilidades rítmicas de las palabras. Por otro lado, le
gusta cantar, pero su entonación no es afinada.
En estos primeros años sus repuestas tienen un gran valor educativo por
ser un medio de expresión y comunicación por medio del movimiento, del
gesto, plásticamente, del lenguaje, del ritmo, etc.
Por períodos:
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A los 7 u 8 meses el niño/a ofrece respuestas rítmicas corporales,
posturales o con movimiento, a estímulos sonoros.
Al año y medio utiliza todo su cuerpo para responder rítmicamente.
Melódicamente reproduce algunos sonidos. Es la etapa del balbuceo y
canturreo.
A los dos años: ofrece respuestas rítmicas corporales diferenciando ya
diferentes segmentos: pies, palmas, cabeza, etc. melódicamente interpreta
canciones a su estilo propio e improvisa melodía.
A los dos años y medio ya diferencia ruidos y melódicamente retiene
algunas letras que incorporará a sus juegos.
A los tres años muestra diferentes desplazamientos como trotar, saltar,
correr. Sus movimientos ofrecen una mayor armonía. Imita ejercicios rítmicos.
Melódicamente, su desarrollo lingüístico le permite retener mayor cantidad de
letras, aunque su afinación sigue sin ser correcta. Muestra preferencia por las
canciones onomatopéyicas.
A los cuatro años es la etapa de la canción dramatizada con gestos y
mimos que se convertirá en el núcleo de muchos juegos.
A los cinco años ajusta ya su ritmo corporal al musical por medio del
movimiento por lo que interpreta sencillas danzas rítmicas. Comienza a retener
mayor número de canciones y la entonación comienza a afinarse.
A los seis años se aprecia una mayor exactitud entre la sincronización de
su ritmo corporal y el musical. Comienza a ampliarse su registro por lo que las
canciones deberán ser seleccionadas adecuadamente. Prefiere los temas de
tipo animista.
A los siete años muestra especial interés por nuevos instrumentos que
produzcan ruido o sonido. La creciente conducta receptiva le lleva a gozar más
de las audiciones.
A los ocho años comienza una etapa de aceleración del ritmo
psicomotriz lo que lleva a ofrecer movimientos más fluidos y un mayor
equilibrio. Así su movilidad también se amplía. Así esta no es considerada
como una etapa que se caracterice por una conducta muy receptiva por parte
del niño, por la necesidad que experimenta de moverse continuamente. Al
mismo tiempo es la etapa de la dramatización de personajes, historias,
sentimientos, escenas, etc.
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A los nueve años su mayor sentido rítmico sumado al aumento de su
habilidad digital da como resultado una creciente perfección en la ejecución de
instrumentos musicales. La preferencia en cuanto a la temática de las
composiciones se centra ahora más en aquella más realista y menos fantástica
como las historietas y el humor.
A los diez años las canciones deben desarrollar la capacidad
memorística que dispone ahora. El descenso del egocentrismo y el aumento de
la sociabilidad posibilitan trabajar en esta etapa actividades para conocer la
vida y obra de los diferentes compositores.
A los once años nos hayamos ante una etapa de mayor estabilidad por
lo que se comienza a diferenciar actividades fuera de un ambiente de juego.
Muestra preferencia por la canción popularizada o de moda.
A los doce años existe una mayor influencia del entorno sonoro musical
y busca en él la variedad por lo que es conveniente trabajar diferentes estilos y
géneros musicales.
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CONCLUSIÓN
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Referencias:
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