You are on page 1of 7

Opera sincretica, tehnici sincretice, concepte

sincretice a 3 artisti contemporani (1969 – prezent)

Cesar Santos
Poți combina Rembrandt, Caravaggio și Hello Kitty? Cesar Santos poate. Artistul creează forme
artistice complexe și divergente în picturi unice. "În mod sugestiv și teatral încerc să pun întrebări, să-i atrag
pe privitori să cerceteze atent imaginile pe care le prezint și să încerce să le descifreze sensul", spune artistul.
Cesar Santos (născut la 10 iulie 1982) este un artist contemporan cubano-american și pictor de portret. El
este mai bine cunoscut pentru “Syncretism”-ul său, un termen pe care l-a adoptat în 2011 pentru a descrie
picturi în care prezintă două sau mai multe tendințe artistice în echilibru estetic. Lucrările sale se desfășoară
atât în colecții private, cât și în colecții publice din întreaga lume.

Artistul modernizează stilurile și tehnicile de artă academică prin compoziții care juxtapun
elementele împrumutate direct de la piesele de artă canonică cu propriile imagini contemporane. Lucrările
lui ridică întrebări cu privire la modalitățile schimbărilor în timp. Prin fuziuni bizare, incluzând o interpretare
memorabilă a “Le Déjeuner sur l'herbe” a lui Manet, cu o sugestie de burger, cartofi și pui KFS, Santos aspiră
să aducă lumea în conflict într-o comuniune disparată. "Într-o manieră sugestivă și teatrală", spune el,
încurajând spectatorii să compare etica diferită și perioadele culturale din istorie.

Tehnica lui Santos joacă, de asemenea, un rol important în ceea ce încearcă să realizeze cu estetica și
conceptele artei sale. Lucrând în primul rând cu uleiuri pentru textile (materiale fără timp, care sunt
maleabile, translucide, durabile și organice), Santos este capabil să realizeze ceea ce el numește o tehnică
"neo-academică", una care se împrumută din trecutul canonic și din practicile contemporane. (2)
Opera lui Santos reflectă atât interpretările clasice, cât și cele moderne într-o singură pictură.
Lucrările sale au fost influențate de Renaștere, precum și de arta contemporană. Forumul MDC a scris despre
munca sa că "într-o epocă în care tehnica este adesea o gândire ulterioară, Cesar Santos este un maestru
modern care combină în mod evocator clasicul și contemporanul în picturile sale". Potrivit lui Santos, scopul
final al lucrării sale sincretice este de a stabili un nou domeniu al picturii cu propriile sale caracteristici
definite. Ca orice alt proces legitim al evoluției, el dobândește un punct de sprijin în etapele anterioare până
când este exprimată asimilarea tendințelor opuse, ca o entitate nou-născută și unificată.

Influența formării sale contemporane în SUA și a pregătirii clasice din Florența sunt evidente în
lucrările sale, și l-au ajutat să creeze picturi cu vivacitate, culoare opulentă și figuri senzuale pentru a evoca
atât o perspectivă unică, cât și un sentiment de ironie. "Dezvolt un tablou, lucrând mai întâi într-o schiță, un
desen simplu. Apoi merg la Photoshop și încep să compun pictura. Într-un fel, este ca și cum un artist clasic ar
face un studiu de culoare. O dată ce am totul compus, optimizez culorile ca să arăte aproape ca piesa finală.
Folosind uleiuri pentru textile, mă duc apoi să pictez acea imagine. În timpul procesului însă lucrurile se
schimbă. Când încep să aplic culorile, încep cu un strat subțire și apoi îngroș în culoarea locală. Chiar dacă
folosesc instrumente moderne, procesul este foarte clasic", spune artistul. (3)

Rudolf Stingel
În ultimii douăzeci de ani, Rudolf Stingel a examinat natura memoriei umane în timp ce extinde
domeniul de aplicare și definiția picturii. În centrul operei sale, trecerea timpului devine palpabilă, odată cu
extinderea vocabularului de pictură și a percepției sale: de la tablourile de argint abstracte din anii 1990 până
la instalațiile de covoare care au estetizat atât suprafața spațiilor, cât și urmele vizitatorilor; de la seria de
autoportrete melancolice până la cele mai recente filme de aur care poartă urme de timp și de acțiune în
studio. Producția artistică a lui Stingel este prolifică și diversă din punct de vedere vizual, dar meticuloasă și
generoasă în oferta sa.

La începutul anilor 1990, a acoperit pereții și podelele spațiilor expoziționale cu covor wideloom,
transformând arhitectura într-o suprafață cu textură monocromă. Mai târziu a acoperit pereții galeriei cu
tablă de izolație metalică pe care spectatorii o puteau marca și inscripționa la alegere. Acumulând tot felul de
graffiti compulsive pe parcursul timpului, acest material a fost ulterior divizat pentru a forma lucrări pe
panouri autonome, exuberant de umane și anonime. Apoi a poleit aceste panouri cu aur și cupru.

Începând cu anul 2005, Stingel a creat o serie de autoportrete mari, prestate cu grijă în tonuri de gri,
bazate pe fotografii ale lui în diferite etape ale vieții sale. Acestea au fost prezentate impreună cu tablourile
abstracte ale marcajelor constituite doar de urmele timpului și a actiunii în studio.
Renumitul artist de origine italiană, Rudolf Stingel și-a dedicat opera explorarii psihicului uman în
contact fizic cu opera de artă propunându-și abordarea unor noțiuni autentice și de context într-o manieră
unică. Artistul urmărește disjuncța dintre real și imaginar speculând impactul pe care îl va avea opera de artă
asupra receptorului. El experimentează o varietate de spații și subiecte cu scopul de a fi non-figurativ și
apelează la o formă de sincretism între pictura pe pânza și arta conceptuală. (1)

În cadrul temelor sale favorite se distinge ironizarea diverselor curente artistice cum ar fi, spre
exemplu, foto-realismul. În același timp, protestează împotriva utilizării defectuase a spațiului expozițional. O
altă ironie la adresa conceptului "oricine poate fi artist", a fost publicarea unei mici cărți (1989) în care
demonstra faptul că pictura realizată cu un mixer și o armă cu aer comprimat nu are nimic de a face cu
emoțiile ori talentul artistic.

Stingel este deosebit de apreciat pentru abordările sale critice și riguroase în domeniul picturii. Un
minimalist convins, adept al conceptualismului și al performance-ului, Stingel utilizează o gamă largă de
materiale neconvenționale cum ar fi textile, cauciuc, metal și polistireni, evocând constant intenția de a
produce un mediu artistic înclinat spre puritate. La una din expozitiile sale, într-un articol din The New York
Times se scria: "Vreme de 20 de ani opera lui Rudolf Stingel a sedus ochiul, demonstrând mai presus de
toate, ce constituie pictura, ce reprezintă ea și mai ales de cine este concepută". Trecerea sa de la
abstracționismul monocrom pe care îl aborda în lucrarile sale timpurii din anul 1987, la autoportretele
supradimensionate din 2006, încarcate de melancolie în care abordează subiecte figurative și reproducerea
fotografică, Stingel se vrea a fi multivalent și ambițios, insistând pe constanta radicalitate în ceea ce privește
pictura, în toate formele ei. Scopul său este acela de a-l câștiga de partea sa pe privitor implicându-l în actul
artistic. (1)
Keith Edmier
Keith Edmier este un sculptor de origine americană care se situează la intersecția dintre motivația
personală și interesul publicului. El crează calea prin care receptorul apelează la fondul comun de memorie și
informații istorice. A colaborat și cu Hollywood-ul folosindu-și imaginația în crearea efectelor speciale.

Opera lui Keith Edmier extrage adânc din amintirile personale și culturale, cum este sculptura mamei
sale într-un costum roz tip Jackie Kennedy, "Beverly Edmier, 1967", realizată în 1998, o altă imagine a
Madonnei și a pruncului, care îl ia pe Edmier și mai departe în trecut. Este o figură de dimensiuni reale,
turnată în plastic roz translucid, ce o reprezintă pe propria sa mamă însărcinată cu uterul ce dezvăluie un făt
răsucit.(4) Sculptura face trimitere și la memoria ce a înregistrat detaliile asasinării președintelui Kennedy.

Referindu-se la simbolurile culturale americane și la narcisism, Edmire întrunește în arta sa farâme de
istorie spre a fi judecate de publicul privitor. În acealași timp, el expune aceste figuri în ipostaze personalizate
cu care receptorul se poate identifica, urmărind trăirea subiectivă.

În instalația sa din Bremen Towne (2008), a creat o reproducere pe scară largă a bucătăriei din casa
copilăriei, asociată cu sculpturi și colaje bazate pe elementele decorative ale casei (5), iar sculpturile sale
folosesc adesea tehnici și materiale alternative, cum ar fi o rolă de castă turnată în rășină roz sau plante
cicadice turnate în lavă bazaltică.
Pentru a putea crea lucrarea intitulata "Cycas revoluae bulbil", Keith Edmier apelează la ajutorul
Graphicstudio's (un studio specializat în efecte speciale pentru filme) și la specialiștii din cadrul universității
de geologie. Cu ajutorul acestora a reusit să readucă în stare lichidă o rocă vulcanică (bazalt) și să îi dea forma
dorită. Floarea a fost modelată din rășină și pictată manual, apoi atașată suportului de lavă. Edmire a gândit
acest proiect vreme de câțiva ani. Ideea manipulării lavei topite i-a venit în Hawaii unde a studiat efectul pe
care îl are întâlnirea lavei cu o plantă vie. A observat că, datorită umezelii, lava păstra imprimat negativul
plantei după răcire sau măcar o urmă a acesteia.

Atractia lui Edmier pentru formele naturale și interesul său pentru ființa umană se regăsesc în uriașii
nuferi Victoria Regia înmuguriți (1998), simboluri ale masculinului și femininului, pentru realizarea cărora
autorul a folosit rășina de poliester, silicon de cauciuc, acrilice, poliuretanice și oțel.
Referințe
1. Jerry Saltz, The Icon and the Iconoclast, Artnet, www.artnet.com/Magazine/features/jsaltz/saltz3-8-05.asp
2. Victoria Casal-Data, “Cesar Santos’s Skillfully-Painted Pastiches Reference Art History”, Hi-Fructoze - The New
Contemporary Art Magazine, 24 aprilie 2014
3. Jené Gutierrez, Cesar Santos’ Paintings Artfully Blend Imagery From Disparate Genres, Beautiful/Decay -
www.beautifuldecay.com/2014/07/15/cesar-santos/
4. Holland Cotter, “Personal History, Captured in Plastic”, New York Time, 11 ian. 2008,
www.nytimes.com/2008/01/11/arts/design/11edmi.html
5. Artist Keith Edmier discusses the kitchen from his work Bremen Towne (2006--2007), part of the Walker Art
Center's exhibition Lifelike, https://www.youtube.com/watch?time_continue=79&v=fFs_dG-SisA
6. http://www.theartstory.org/artist-kiefer-anselm.htm

Anselm Kiefer

Tablourile monumentale, adesea confruntare, ale lui Anselm Kiefer au fost inovatoare într-un moment în care pictura a
fost considerată ca un mediu. Artistul este cel mai cunoscut pentru subiectul său care se ocupă de istoria și mitul
german, mai ales că se referă la Holocaust. Aceste lucrări i-au forțat pe contemporanii săi să se ocupe de trecutul
german când recunoașterea nazismului a fost tabu. Kiefer încorporează în bucățile sale imposto grele și materiale
neobișnuite, cum ar fi plumbul, cioburile de sticlă, florile uscate și fâșiile de fân, multe dintre ele fiind tot felul de istorie
și mit, germană și altfel. Influențat de contemporanii săi Joseph Beuys și Georg Baselitz, Kefer este considerat parte a
mișcării neo-expresioniste, care este deviată din perspectivă minimalistă.

Repertoriul de imagistică al lui Kiefer este larg răspândit, încorporând motive reprezentative și simbolice, inclusiv
sigiliile, icoanele oculte, interioarele arhitecturale și elementele de peisaj pentru a oferi efecte emoționale și psihologice
spectatorului. Multe dintre acestea fac trimiteri directe la aspecte ale germanei, cum ar fi pădurile care evocă bătălii
faimoase sau basmele fraților Grimm.

Kiefer este atras de medii diverse și adesea neobișnuite pentru potențialul lor simbolic. Materiale naturale, cum ar fi
paiele, pământul și rădăcinile copacilor. Atât timp cât și modele de viață, moarte și dezintegrare. Conduce și are
rezonanță pentru artist, atât ca mediu, cât și ca subiect. Acesta a fost materialul de bază folosit în alchimie și este
singurul material material.

Datorită interesului său față de mitologie, istorie și cunoaștere, Kiefer folosește adesea cărțile ca subiect care reprezintă
cunoașterea și civilizația. În mod similar, el încorporează frecvent textul în picturile sale, incluzând fragmente din poezii,
romane și sloganuri naționaliste, precum și nume ale unor figuri seminal, scrise într-un scenariu scandalos.