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MUSICA

IL NOVECENTO

LA SOCIETÀ E LA CULTURA
Il Novecento si apre con una generale crisi dei valori ottocenteschi.
L'idea di nazione è degenerata nel nazionalismo, la libera iniziativa
economica nell'imperialismo; l'industria ha fatto passi da gigante, ma
le masse operaie reclamano maggiore giustizia. La rivoluzione
proletaria in Russia, due guerre mondiali, le dittature fascista e
nazista, la guerra civile di Spagna sono le eloquenti testimonianze del
travaglio di un'epoca tesa e instabile. Negli ultimi decenni poi si è
assistito a una profonda trasformazione della società, nella quale un
ruolo sempre maggiore sono andati assumendo presunti valori come
quello del benessere e del consumo. Tutto ciò si è riflesso nella ricerca
culturale ed artistica, che è stata sollecitata sia dalla necessità di
rinnovarsi nei confronti dell'eredità ottocentesca, sia dal bisogno di
aderire a una realtà sempre più difficile e mutevole. Per quanto
riguarda in particolare la musica, con l'avvento del disco si crea una
nuova situazione d'uso: quella che pone di fatto l'ascoltatore in una
dimensione di isolamento. Musica leggera, pop, rock sono divenuti il
sottofondo costante della nostra esistenza quotidiana. Importantissimo
per la storia della musica è l'avvento del cinema, della radio e della
televisione, che determinano con fusioni di immagini-parlato-suoni
modi diversi di percepire e ascoltare la musica.

L'IMPRESSIONISMO E IL VERISMO
La Francia di fine secolo si mostra estremamente ricettiva nei
confronti delle nuove correnti musicali assorbendo le esperienze
stilistiche provenienti dagli altri paesi europei e dalla scuola russa. Da
questa straordinaria mescolanza di idee nasce lo stile impressionista
che, caratterizzato da un raffinato colorismo orchestrale e da originali
impasti sonori in grado di descrivere sensazioni emotive immediate,
avrà come principali esponenti Claude Debussy e Maurice Ravel. In
Italia compositori come Puccini, Mascagni e Leoncavallo, stanchi
dell'irrealtà romantica, scelgono libretti che raccontino storie più
vicine alla realtà di tutti i giorni, utilizzando melodie descrittive e
"orecchiabili", di semplice comprensione.

LA SCUOLA VIENNESE
Anche in musica, come nelle altre manifestazioni artistiche, la nascita
del nuovo secolo è caratterizzata da un generale desiderio di
rinnovamento. In particolare Schönberg riesce a elaborare un sistema
musicale totalmente nuovo (la dodecafonia) basato sull'utilizzo dei
dodici suoni della scala cromatica ordinati in una specifica
successione chiamata serie.

IL JAZZ
Le origini del jazz vanno ricercate nel cuore dell'Africa, nei villaggi
delle foreste equatoriali. Le tribù si ritrovavano intorno al fuoco dopo
una caccia, una battaglia o un qualsiasi altro evento, e davano libero
sfogo alle loro sensazioni con danze e canti al ritmo frenetico dei
tamburi. Quando, nel Settecento e nell'Ottocento, dilagò il commercio
dei neri, le popolazioni africane vennero trasferite con viaggi
disumani negli Stati americani del Sud e impiegati come schiavi nelle
piantagioni di cotone e nella costruzione di strade ferrate. Coloro che
sopravvissero al trauma del viaggio e del distacco dalla loro terra si
ritrovarono in luoghi sconosciuti, sfruttati, analfabeti, privi di ogni
mezzo di sostentamento. Fu in questa condizione di profonda
sofferenza umana che la nostalgia della perduta libertà si riversò nei
canti e nei ritmi della terra natale. Il jazz divenne popolare all'inizio
del Novecento a New Orleans, città della Louisiana sul fiume
Mississippi, e si ispirò appunto ai canti di lavoro (work songs) delle
piantagioni di cotone, agli spirituals (canti religiosi), ai blues (canti
accorati e nostalgici) e al ragtime (una vivace musica popolare). Le
prime bands, formate da una sezione melodica (cornetta, clarinetto,
trombone) e da una sezione ritmica (banjo, chitarra, bassotuba),
improvvisavano a orecchio e si esibivano in parate stradali in
occasione di matrimoni e funerali. Questo era lo stile hot, ossia il jazz
improvvisato. La musica jazz andò progressivamente affermandosi;
risalgono al 1913 le prime incisioni di dischi. Verso gli anni Venti il
jazz si "trasferì" a Chicago: qui, negli anni Trenta, nacque il boogie-
woogie. E qui nacquero anche le grandi orchestre jazz nelle quali si
distinguevano per la sezione ritmica il pianoforte, il banjo, la chitarra,
il contrabbasso e la batteria; per quella melodica i sassofoni, le
trombe, i tromboni, i clarinetti. Emersero i maggiori solisti jazz:
Bessie Smith, grande interprete di blues, Louis Armstrong, cornettista-
trombettista, Sidney Bechet, clarinettista-sassofonista, il pianista Duke
Ellington. Negli anni Trenta predominò un nuovo genere, lo swing,
caratterizzato da anticipazioni e ritardi nel ritmo. Nell'era dello swing
si costituirono le orchestre per la musica da ballo. La cantante Ella
Fitzgerald fu la voce più popolare dello swing, e Benny Goodman
divenne il "re dello swing". L'orchestra di Glenn Miller portò il jazz a
livello di piacevole consumo e la musica leggera di tutto il mondo
assunse il ritmo del jazz. Negli anni Quaranta, con la terribile
esperienza bellica, vi fu negli Stati Uniti una nuova presa di coscienza
della popolazione nera, e sorse il genere be-bop, un linguaggio
musicale di protesta: i massimi rappresentanti di questo periodo
furono il sassofonista Charlie Parker e il trombettista Dizzy Gillespie.
Con la fine degli anni Quaranta si distinse per potenza ritmica e
sonora l'orchestra del vibrafonista Lionel Hampton. Nel primo
dopoguerra si impose il cool jazz; con un ritmo più pacato, negli anni
Cinquanta, l'hard bop, con sonorità accese e ritmi accentuati, che
trovò la sua voce nella tromba di Miles Davis. Alla fine degli anni
Cinquanta, negli Usa, vi è una nuova coscienza politica tra la
popolazione nero-americana e i problemi razziali sono molto sentiti.
Nasce il free jazz (jazz libero) a opera principalmente di Ornette
Coleman, dove "libero" significa la volontà di liberarsi delle
esperienze jazzistiche precedenti e affermare una cultura nera
indipendente dalla cultura bianca; è caratterizzato dalla musica di Max
Roach, batterista, e da quella di Charles Mingus, contrabbassista e
compositore. Dagli anni Settanta il jazz subisce le influenze del rock e
delle nuove tecniche elettroniche.

ALTRI COMPOSITORI DEL NOVECENTO


Nella seconda metà del XIX secolo l'assestamento di valori e ideali
nazionali negli Stati Uniti stimola la produzione di una musica
interamente americana. Nasce così un nuovo genere musicale che,
influenzato da tutte le forme nelle quali si era sviluppata la musica
jazz, troverà la sua piena espressione nel musical del Novecento. Tra i
compositori statunitensi più popolari del XX secolo vi è certamente
George Gershwin, autore di concerti, musical. Igor Stravinskij è
probabilmente il musicista più noto del XX secolo. Egli volle bandire
dalla musica qualsiasi significato espressivo, sostenendo che essa altro
non è che il prodotto di una pura azione costruttiva, del tutto simile a
quella di un artigiano. Nelle proprie composizioni, Stravinskij ha
valorizzato soprattutto l'elemento ritmico; la melodia è spezzata,
contorta, spesso grottesca e beffarda. Tra le sue opere: i balletti
l'Uccello di fuoco e Petroucka; la Sagra della Primavera. Reazioni
contrarie ai sistemi ottocenteschi si manifestano nel ritorno a musiche
di età barocca: è questa la linea seguita da compositori italiani come
Ildebrando Pizzetti, Ottorino Respighi, Gianfrancesco Malipiero.

LA MUSICA DEL PERIODO PIÙ RECENTE


La molteplicità delle proposte della musica contemporanea rende
difficile darne in breve un'idea precisa. Alcune tendenze possono
comunque essere così tratteggiate: a) musica seriale: si riallaccia alla
dodecafonia: in queste ricerche si punta alla continua variazione della
dinamica, dell'intensità, del timbro, del ritmo. In questa direzione
hanno lavorato e lavorano compositori come Stockhausen, Boulez,
Pousser e, in parte, l'italiano Luciano Berio; b) musica aleatoria: il
compositore usa una notazione volutamente generica o imprecisa o
indica linee e diagrammi ("gesti" sonori) che l'esecutore ha libertà di
eseguire come meglio crede. Rappresentanti di questa tendenza sono
Cage, Kagel e, in alcuni casi, l'italiano Bussotti; c) altri musicisti,
come l'italiano Nono, Ligeti (recentemente scomparso e noto al
grande pubblico per i vari brani che caratterizzano in modo rilevante i
film di Stanley Kubrick 2001 Odissea nello spazio, Shining e Eyes
Wide Shut) o Penderecki si propongono di conservare un rapporto con
il pubblico e di mantenere un contenuto espressivo alla musica.

MUSICA CONCRETA E MUSICA ELETTRONICA


Comune a molte delle esperienze appena citate è l'uso di
strumentazioni elettroniche. Questa tendenza è iniziata con la musica
concreta. I musicisti che si dedicano a questo "genere" si propongono
di utilizzare suoni di varia natura, tratti dalla realtà ambientale e da
oggetti vari, incidendoli su un supporto magnetico e quindi
elaborandoli attraverso tecniche varie (cambiamento di velocità,
inversione del senso di rotazione e così via). I rumori così ottenuti
vengono poi montati, con risultati spesso di particolare efficacia. La
musica propriamente elettronica si serve di suoni prodotti da
apparecchiature quali sintetizzatori, registratori, macchine per la
trasformazione del suono, filtri, mixer o lo stesso computer. Si
possono ottenere in questo modo impasti timbrici e atmosfere sonore
straordinari, assolutamente non riproducibili con un'orchestra
tradizionale. Al di là degli usi sperimentali, la musica elettronica ha
largo impiego attualmente nelle colonne sonore cinematografiche e
televisive, rivelando in tali utilizzazioni una grande efficacia.