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UNIVERSIDAD DE LOS ANDES

FACULTAD DE HUMANIDADES Y EDUCACIÓN

ESCUELA DE EDUCACIÓN

ASIGNATURA: EDUCACIÓN ESTÉTICA

Formación Estética
Corporal

Nombre. Molina Contreras María Milagro


C .I. 24191351
Animadora Pedagógica: Betty Osorio

Mérida, marzo de
IN D IC E

1.- Introducción

2.- Contenido

2.1.- Formación Estética Corporal

2.1.1.- Clases de Expresión Corporal

2.1.2.- Juegos de Expresión Corporal

2.1.3.- Danza

2.1.4.- Tipos de danza

2.1.5.- Coreografía

2.1.6.- Escenografía

2.1.7.- Drama

2.1.8.- Opera

2,1.9.- Mimo

2.1.10.- Comedia

2.2.- Arte en el Tiempo: Arte Contemporáneo

2.2.1.- Criterios para determinar cuándo es Arte Contemporáneo

2.2.2.- Etapas del Arte Contemporáneo en el Siglo XX

2.3.- Arte y Estética en Interdisciplinariedad y Transdisciplinariedad: Arte Estética


Lúdica Creatividad

2.3.1.- Creatividad e Inteligencia

2.4.- Pensadores Filosóficos en Estética y Arte

2.4.1.- Gadamer

2.4.2.- Martin Heidegger

2.5.- Tratamiento Curricular: Planificación, estrategias y evaluación; Instrumento


Pedagógico
2.6.- Tratamiento Pedagógico: Animación Pedagógica

2.6.1.- animación pedagógica

2.6.2.- animación sociocultural

3.-Conclusión

4.-Referencias
INTRODUCCION

Hoy en día se debe tener en cuenta la expresión corporal como esa formación que nos permite mantener
una postura importante en la sociedad en general, ya que si observamos y detallamos los artistas
suelen reflejar sus actitudes por medio de estas actividades artísticas abarcando así una
gama de arte y la estética, por ello esta investigación se centra en la formación estética corporal, Así
mismo el arte contemporáneo; el cual entra en este ámbito con conceptos nuevos y artistas
reconocidos que influyen en él, es por ello que abarcaremos a grandes pensadores
filosóficos como: Heidegger, Gadamer autores con pensamientos importantes para desarrollar
este trabajo, en el mismo orden de ideas hablaremos sobre Arte y Estética en Interdisciplinariedad
y Transdisciplinariedad (Arte Estética Lúdica Creatividad), Tratamiento Curricular
(Planificación, estrategias y evaluación), Tratamiento Pedagógico (Animación
Pedagógica y socio cultural).

Información un andamiaje importante llevar información relevante de lo que abarca la formación


estética corporal. Los invito a consultar la misma, extraída de diferentes fuentes para su aprendizaje integral
expresiones corporales emocionales, sentimentales.
CONTENIDO

1.- Formación Estética Corporal


Los movimientos corporales, expresión
corporal o lenguaje corporal es una de las formas
básicas para la comunicación no verbal. A veces
los gestos o movimientos de las manos o los
brazos pueden ser una guía de sus pensamientos o
emociones subconscientes. Las palabras se usan
para establecer y mantener relaciones personales,
mientras que las señales no verbales se utilizan
para comunicar información acerca de los sucesos
externos es para hablar o expresarse de una
manera creativa, se refiere a la expresión con las
manos que realizan las personas. El movimiento corporal se puede explicar como un
modo de expresión universal el cual es el resultado de la acción de nuestro pensamiento
creativo utilizando nuestro cuerpo como medio de comunicación; el movimiento
corporal propicia una buena salud y una buena autoestima.

Como expresión artística se basa en la forma en que se interpreta emociones por


medio de los movimientos: inconsciente y conscientemente, se caracteriza por la
disciplina que lleva a expresar emociones. El propósito principal es sentir libertad en la
ejecución de cada movimiento artístico basado en los sentimientos que quieren expresar,
ejemplo: si se quiere hacer una ejecución de éstas, se utiliza la creatividad para inventar
formas y movimientos de lo que se está actuando. La expresión corporal es una
actividad que normalmente desempeñan personajes como artistas, bailarines, mimos,
etc. Esta actividad consiste en utilizar el cuerpo para representar ideas, sentimientos y
sensaciones.

En la representación teatral se podría prescindir de todos los sistemas de signos


auditivos y de casi todos los visuales, menos de la acción; quien se dedica a
la actuación siempre es la persona encargada de llevarla a cabo, por lo que la expresión
corporal es esencial y fundamental en la representación teatral, es decir, durante la obra.
Como material educativo, la expresión corporal se refiere al movimiento, con el
propósito de favorecer los procesos de aprendizaje, estructurar el esquema corporal,
construir una apropiada imagen de sí mismo, mejorar la comunicación y desarrollar
la creatividad. Su objeto de estudio es la corporalidad comunicativa en una relación:
estar en movimiento en un tiempo, un espacio y con una energía determinada. Las
estrategias para su aprendizaje se basan en el juego, la imitación, la experimentación y
la imaginación. Estos procesos son los que se ponen en juego para el desarrollo de la
creatividad expresiva, aplicada a cualquiera de los lenguajes. Como tal, ofrece a
los educadores una amplia gama de posibilidades en su trabajo específico además da la
libertad de expresarse libremente lo cual es un buen progreso para el desarrollo de la
sociedad.

La Expresión Corporal busca el desarrollo de la imaginación, el placer por el


juego, la improvisación, la espontaneidad y la creatividad. El resultado es un
enriquecimiento de las actividades cotidianas y del crecimiento personal. Además,
enseña a encontrar modalidades de comunicación más profundas e íntegras, lo que
repercute en el encuentro con los demás. La Expresión Corporal ayuda a descubrir los
mecanismos de funcionamiento de los distintos grupos humanos: equipos de trabajo,
alumnos de clase, etcétera.

Se sabe que durante los primeros años del niño, su motricidad necesita
desarrollarse. A través de la Expresión Corporal, se puede dar cauce a la espontaneidad
y a la tendencia natural al movimiento propio de esta edad. Amplía y enriquece el
lenguaje corporal de los niños, fomentando la concienciación y expresión de sus
sentimientos.

1.1.- Clases de Expresión Corporal

· El autoconocimiento: Para el comienzo de la


clase se recomiendan los ejercicios de autoconocimiento
corporal para que los alumnos aprendan a conocer y
sentir sus cuerpos con los cuales se van a expresar y
comunicar. A continuación, se puede seguir con
ejercicios de grupo dinámicos y participativos que tengan el juego como estímulo.

· La música: Es muy importante que la música que utilicemos invite a estar


atentos y a participar. Hay muchos factores a tener en cuenta para realizar una buena
elección musical.

· Participación: Es conveniente que con principiantes, los ejercicios sean


totalmente dirigidos. Sin embargo, con el paso del tiempo las propuestas deben ser cada
vez más abiertas, dando lugar a que los alumnos aprendan a desenvolverse con
autonomía.

· Objetos: Los elementos son una buena excusa para comenzar con la
improvisación, ya que facilitan la búsqueda de movimientos, formas, manejos, figuras y
maneras de relacionarse con el otro. En los grupos o personas con dificultades, son muy
útiles como objetos intermediarios para facilitar la apertura hacia el mundo externo.

· Palabras: Es importante buscar el momento adecuado para comentar con el


grupo lo que cada uno ha sentido durante un ejercicio. "Poner palabras", a lo
experimentado ayuda a que los alumnos elaboren lo sucedido y da pautas a los docentes
para seguir la evolución de cada uno y del grupo, para así decidir los caminos a tomar
en futuras clases, son los alumnos los que nos guían en cuanto a la evolución de las
mismas.

1.2.- Juegos de Expresión Corporal Infantil


La expresión corporal para niños es una
herramienta fundamental para su desarrollo físico y
emocional. La expresión corporal para niños, es un
recurso pedagógico de gran eficacia y una opción
excelente para el desarrollo de su conducta,
personalidad, capacidad física e intelectual.

Los niños estructuran su desarrollo psíquico


a través del cuerpo y el movimiento. Según Piaget, el
pensamiento y la inteligencia tienen una base biológica
que evolucionan al ritmo de la maduración y el crecimiento biológico del niño, por eso
cobra importancia los ejercicios de expresión corporal infantil.
En otras palabras, a través de la
expresión corporal no solo el niño
podrá disfrutar del movimiento, y
mejorar sus capacidades físicas, sino
que también desarrollará su
creatividad, competencias sociales,
imaginación, percepción, memoria,
capacidad espacial con ejercicios libres
sin estereotipos motores.

· Juego del Suelo Helado

*Invita a que todos los niños se descalcen y se coloquen en la posición indicada con
varios periódicos delante.

*A continuación indícales que a partir de ese momento no podrán pisar más el suelo
porque está congelado y ellos están descalzos.

*La única forma en la que pueden desplazarse es colocando una hoja de periódico e ir
pisando sobre ella. Los niños tendrán que tapizar el suelo con hojas de diario para
cumplir con las indicaciones de quien dirige el juego.

· Juego de Pelota: Cada niño participante de este juego debe tener una pelota.
Con ella tendrá la libertad de realizar todo tipo de movimientos, pero no podrá
repetirlos, si lo hace tendrás que proponerle una divertida prenda. Por ejemplo, puede
picar la pelota, cabecearla, etc.

· Juego de Pelota Imaginaria: En este juego, los niños deben hacer lo mismo
que en el ejercicio anterior, pero ahora con una pelota imaginaria. Formados en pareja,
cada uno le mostrará al otro lo que puede hacer con su pelota invisible.

· Juego de los Saludos

*Para esta actividad de expresión corporal, debes de seleccionar una música divertida e
instar a los niños a moverse por todo el local. Cuando la música pare, los niños deberán
saludar al compañero más cercano, siguiendo tus indicaciones: saludo con alegría, con
sorpresa, con indiferencia, etc.

*Cuando se reanuda la música y pare de nuevo deberá saludar a otro compañero y así
sucesivamente.
· Juego de los Oficios: También en este juego de expresión corporal infantil,
vas a necesitar música alegre. En este caso los niños deberán moverse al ritmo de la
música y cuando esta pare, tendrán que mostrarle a su compañero más cercano, con
gestos, cuál es el oficio que más les gusta realizar.

1.3. Danza

La danza es la acción o manera de bailar. Se trata de la


ejecución de movimientos al ritmo de la música que
permite expresar sentimientos y emociones. Se estima
que la danza fue una de las primeras manifestaciones
artísticas de la historia de la humanidad. Es importante
resaltar el hecho de que la danza tiene su origen ya en la
Prehistoria pues desde siempre el hombre ha tenido la
necesidad de expresar sus sentimientos y no sólo a
través de la comunicación verbal sino también mediante
lo que sería la comunicación corporal. No obstante, en
esos orígenes el ser humano recurría a la danza como parte fundamental de rituales
relacionados con la fecundidad o la guerra. La danza implica la interacción de diversos
elementos. El movimiento del cuerpo requiere de un adecuado manejo del espacio y de
nociones rítmicas. La intención del bailarín es que sus movimientos acompañen a
la música.

1.4. Tipos de danza

Danza Académica: Es aquella que se caracteriza


porque se han creado métodos de enseñanza para su
aprendizaje, y están” reglamentados” sistematizados
hasta cierto punto los pasos o movimientos a realizar.

Danza Clásica: Es aquella que tiene su origen en


Europa, más concretamente en los bailes cortesanos de la nobleza, como distracción y
diversión para esa clase social. A este tipo de danza se le fueron agregando
reglamentaciones o lineamientos, buscando un perfeccionamiento en cuanto a la forma
de la ejecución de los bailes, acordes con los tiempos determinados por la música, un
ejemplo de danza clásica es el ballet.

Danza Moderna: Esta danza surge como una reacción a las formas clásicas del Ballet
buscando en cierta forma una mayor expresión mediante los movimientos para la
expresión de los sentimientos e ideas, usando una ampliación de los movimientos que se
usaban en el ballet clásico, pero teniendo aún una continuación del ballet en sus formas
y movimientos, sin embargo se cambian los vestuarios con los que se realizan las
danzas y se buscan mayores posibilidades expresivas dentro del espacio de baile.

Danza Contemporánea: Este tipo de danza no se basa en el ballet clásico por lo que
no tiene la rigidez de movimientos que el ballet posee y comparte con la danza
moderna. Mediante la danza contemporánea se busca la expresión máxima de los
sentimientos, mismos que son expuestos mediante los movimientos del cuerpo,
buscando que con los movimientos del bailarín se exprese una idea, una emoción o
sentimiento, usando movimientos muy efusivos en cuanto a su ejecución, combinando
algunos movimientos clásicos, tradicionales y propios de las danzas actuales, así como
de la mímica. Si bien suele estar acompasada con la música, puede realizarse sin ella, en
especial en la denominada danza abstracta. En ocasiones suelen utilizarse como
complementos de la expresión dancística, imágenes de fondo e incluso videos
proyectados.

Danza Tradicional: Son danzas tradicionales todas aquellas que se transmiten por
tradición de generación en generación, y a su vez forman parte del imaginario e
identidad cultural de una comunidad o región específica, tienen por lo común un origen
ritual. Dentro de las danzas tradicionales se encuentran las folklóricas, las regionales y
las populares.

Danzas Folklóricas: Son aquellas que reflejan y conservan las costumbres y tradiciones
de las regiones donde se practican, conservando sus elementos originales tanto en la
danza en sí, como en cuanto a la ropa, y demás para su ejecución. Es transmitida de
generación en generación y representan uno de los rasgos culturales de un pueblo o
cultura.
Danzas Regionales: Son parte de las danzas folklóricas pero tienen una particularidad,
que es la adaptación a una determinada región y estilo propio, entendiéndose de esto,
que la danza que es ejecutada en cierta región de un lugar, tiene diversas variaciones
(en la música o en la vestimenta) al ser ejecutada en lugares cercanos, por lo que la
misma danza difiere en cierta medida, con respecto a la misma danza ejecutada en una u
otra región, por lo que las mismas danzas van adquiriendo con el tiempo tintes locales
propios que varían de región en región.

Danzas Populares: Son danzas generalmente tradicionales, que poseen una


connotación de índole popular, entendiéndose esta como su uso o ejecución en
festividades no solo religiosas, sino profanas, con una tendencia muy grande a la
diversión de quienes la ejecutan o la observan, son ejemplo de este tipo, danzas como
las tarantelas, las jotas, el flamenco, boleros, danzas en círculos y otras.

Se conoce como coreografía a una estructura de movimientos predeterminados que se


lleva a cabo a la hora de ciertas danzas. La coreo grafía indica los pasos a seguir durante
el baile: se trata, por lo tanto, de movimientos que no son espontáneos, sino que
obedecen al diseño de un coreógrafo. Las coreografías adquieren mayor relevancia en
los espectáculos de danza donde bailarines profesionales suben a un escenario con la
intención de montar una obra artística. Las danzas rituales o los bailes informales, en
cambio, no suelen seguir ningún tipo de coreografía. En estos casos, cada bailarín elige
con total libertad los pasos a seguir.

Danza cultural

 La danza del vientre, danza de la cultura árabe o correctamente


llamada Danza Oriental que proviene del siglo XIX, Egipto en la década de 1930 es
la evolución escénica de diversas danzas antiguas tradicionales de Oriente Medio,
junto con otros del Norte de África y Grecia, cuya diversidad de elementos como la
música, ritmos, estilo y vestuario depende del país o la región.

El raqs baladi (danza del pueblo) es una danza muy elemental, prácticamente sin
desplazamientos y con movimientos principalmente de pelvis; improvisada por una
sola bailarina, aunque ahora pueden verse espectáculos con coreografía y varias
bailarinas; con un vestuario muy ligero Los trajes, son muy vistosos y de inspiración
gitana; faldas amplias con varias capas, tops o choris y adornos de gran tamaño. Son
muy característicos los gorros o tocados que recogen el pelo y lo adornan cubriendo
parte o la totalidad del mismo. Al igual que en la danza oriental clásica, también pueden
utilizarse elementos como el velo, sable o crótalos que lo hacen más vistoso. . La
evolución de esta danza es la Danza oriental o raqs sharqi incluye movimientos de
folclore egipcio, danza clásica y contemporánea, con grandes desplazamientos, vueltas
y movimientos de todas las partes del cuerpo, pero sobre todo de la pelvis. En Turquía,
a la danza del vientre se la conoce como gobek dans o rakasse (ritmo turco). Antes de
llegar a la evolución de la danza, no se puede soslayar el significado puramente de
estímulo sexual destinado al hombre en las sociedades de esos países y región, tanto
como al agasajar invitados, como en la intimidad del harem.

Academias como Bellydance, danza oriental o Raks Sharki, es una disciplina que desde
hace unos años ha ganado mucha popularidad en occidente pero que viene de una
milenaria tradición oriental

 La danza del dragón

Es una danza tradicional china Viene de la dinastía Han, sin embargo se conoce como
La danza del dragón incluye un baile realizado durante un ritual para atraer la lluvia en
tiempos de sequía, ya que al dragón chino se le asoció con la lluvia, actúa en la
variedad baixi muestra donde los artistas disfrazados de un dragón verde tocan una
flauta, y los actos donde el pescado se convirtió en un dragón. La danza del dragón
moderna utiliza una estructura ligera manipulada por una docena de hombres que usan
postes a intervalos regulares a lo largo de la longitud del dragón, en algunas versiones el
dragón puede ser muy largo e involucrar a cientos de artistas. Hay más de 700 danzas
del dragón diferentes en China.
 Danza tradicional venezolana

Joropo por Danzas Ensueños Venezolanos


Foto Kris Mora

El joropo es una forma tradicional de música y baile que identifica plenamente al


venezolano. Antiguamente “joropo” se refería a una fiesta y con el pasar del tiempo se
identifica más bien como una forma de música y baile.

El Joropo es actualmente un símbolo emblema de identidad nacional. Sus orígenes se


remontan a mediados de 1700 cuando el campesino venezolano prefirió utilizar el
término “joropo” en vez de “fandango” para referirse a fiestas y reuniones sociales y
familiares. Fandango es un término de origen español, el cual identifica unos de los
cantos y bailes más populares dentro del flamenco. El joropo parece haber tomado del
fandango el sentido de la fiesta ó baile... abandonando el galanteo amoroso propio del
fandango y adopta el asido de manos y los giros del vals... Así se conserva hasta ahora.

El joropo es caracterizado por ser tan mestizado como nosotros mismos, así
encontramos que lo rítmico de la melodía, el acompañamiento de arpa, cuatro y
maracas, y en la versificación literaria observamos la presencia europea en la melodía
identificamos la presencia del negro y en la estampa de las maracas identificamos la
huella indígena.

El joropo no solo es un estilo musical, también es baile y danza, y representa cada zona
geográfica toma su propia esencia, es más usado en los llanos central y oriental.
Igualmente en la región de Guayana, centro-occidental.

Desarrolla una coreografía en pareja agarrada con diferentes paso y figuras en el baile,
existiendo sin embargo figuras básicas que los identifican.

Las principales figuras del joropo son el valsiao, el escobillao y el zapatiao. El primero
se da en el inicio del baile, en el vals las parejas se abrazan suavemente recorriendo el
espacio de baile en tres tiempos propios del vals, dan vueltas rápidas en giros espirales.
El siguiente, el escobillao, es una figura donde los bailarines colocados de frente
mueven los pies a manera de cortos avances y retrocesos como si estuvieran cepillando
el suelo. El tercero, el zapatiao, es una figura varonil y se realiza por la pareja sin soltar
el abrazo ó sueltas completamente como es propio en los llanos, en esa figura el hombre
hace sonar sus pisadas del fuego mientras la mujer se limita a escobillar.

Vestuario

LA MUJER: anteriormente Utiliza una falda ancha de pisos que cae al tobillo,
elaborada con siete varas de tela de fondo claro o rojo y con flores, sobre la costura de
cada piso lleva cinta o encaje.
La Blusa de manga tres cuartos, cuello alto, adornado con cintas y botonadura atras en
el mismo color de la falda, enterizo (pegado falda y blusa), Cotiza de suela y lazos de
cinta que adornan la cabeza.
Hoy en dia se usa la misma falda pero en el borde lleva encaje ancho y va a media
pierna; blusa blanca con escote, arandela y manga corta. La mujer llanera prefiere llevar
el cabello suelto con un cayeno.

EL HOMBRE: Puede usar pantalon blanco remangado a media pierna, camisa blanca o
roja sin cuello. Tambien pantalon negro con camisa blanca. En algunas ocasiones usan
vestidos completos color caqui, camisa que baja suelta por encima del pantalon. Usa
sombrero alon preferido el peloeguama por lo pesado para garantizar que en zapateo no
se caiga.

 El sebucán

Esta danza tradicional también se conoce como las cintas o el palo de las cintas. Tiene
su origen en Europa, concretamente en el baile del Palo de Mayo. Tras el baile se
realiza una representación teatral sobre la conquista.

Un sebucán es una especie de herramienta de los indígenas de Venezuela que se


asemeja a este palo con cintas, de ahí su nombre. La música que acompaña al baile tiene
tintes africanos.

 La burriquita
En la burriquita, el intérprete principal lleva una especie de traje o disfraz que
representa una burra y su jinete. Se interpreta el 30 de septiembre, aunque también es
típico del Carnaval y las fechas navideñas. Se practica desde la época colonial.

 Danza o ritual de la lluvia y fertilizacion

Las comunidades indígenas de la zona occidental celebración del ritual de la lluvia y la


fertilización Nahuizalco, Sonsonate, 1 de mayo. De cada añoEsta es una tradición muy
antigua de los ancianos indigenas; ellos afirman que sus abuelos contaban que la
serpiente y la rana estaban asociadas con la lluvia a diversos fenómenos como las nubes,
los truenos y la lluvia, para los cuales se realizan ritos y danzas para asegurar una buena
cosecha”. y, por consiguiente, con la fecundidad

Para la ceremonia de la lluvia se hace un altar con un círculo de hojas de pie de león y
aceituno, y se coloca fruta en los cuatro puntos cardinales. En el centro, se ubica un
huacal —de preferencia de barro— con figuras de piedra en forma de cangrejo.
Posteriormente, se saluda y se realiza el baile alrededor del círculo.
1.5.- coreografía

La coreografía (literalmente «escritura de la danza», también llamada composición), es


el arte de crear estructuras en las que suceden movimientos. El término composición
también puede referirse a la navegación o conexión de estas estructuras de
movimientos. La estructura de movimientos puede ser considerada como la coreografía.
Las personas que crean la coreografía son llamados coreógrafos/coreógrafas. Si bien es
usado principalmente en relación con la danza, el término coreografía puede ser
aplicado en varios escenarios dependiendo de la música.

Como escribir una coreografía: Para hacer una coreografía se necesita hacer una
planigrafia, consistente en plasmar los movimientos de los artistas en un papel; la
planigrafia normalmente la hace el coreógrafo, ya que con este material puede
dirigir a un grupo grande de personas en el escenario.

Tipos de coreografía: Como también Dependiendo del número de integrantes, el


uso del espacio, la música o la referencia de creación, la coreografía puede
clasificarse de diversas formas.
 Coreografía grupal: ésta es la danza más usada en todo el mundo. Estas se
construyen por el coreógrafo quien corrige los movimientos que se actuaran,
para ser una coreografía grupal tiene que haber de 2 personas en adelante, o una
persona que haga bailar al público.

 Coreografía expresiva: es aquella en la que recurren expresiones interjectivas y


diversas manifestaciones de la danza.

 Coreografía distributiva: está marcada por una división. Mientras que las otras
personas bailan, el principal hace actos pero vuelve a recurrir a ellos, se pueden
dividir entre las personas por ejemplo: la principal danza igual que cinco
personas colocadas atrás, mientras que dos al lado del principal danzan igual
pero diferente a los otros.

 Coreografía principal: el bailarín va hacia la persona principal, pero también


dirigida hacia los bailarines.
 Coreografía folclórica: ésta es la más usada entre los pueblos rurales en la que
destacan los bailes o danzas culturales sembrada en un país. Ésta la usan más los
países para destacar la cultura entre las personas y dar conciencia al pueblo y
entretenerlos.

 Coreografía histórica: es aquella en la que se reproduce un acontecimiento


histórico o de gran importancia.

 Coreografía simétrica: en las que los movimientos siguen un equilibrio de


simetria entre dos partes del cuerpo o del espacio.

 Coreografía asimétrica: es aquella en la que sus movimientos se realizan


teniendo en cuenta la simetría para desequilibrarla..
 Coreografía del espacio parcial: La que ocupa solo una parte del escenario.

 Coreografía individual, es cuando un bailarín/actor/performer se marca un


solo.

 Coreografía aeróbica: es cuando se una coreografía más que todo para


conseguir mejorar el entrenamiento aeróbico y la resistencia del cuerpo.

 Coreografía monologo: esta depende de una sola persona, puede ser instruida
pero la que lo lleva al escenario es que danzara. Es una de las coreografías
minorías de entre las modernas y se aplica a base de las obras literarias, operas.
1.6. - Escenografía

Tanto al arte y técnica de diseño y decoración de espacios escénicos, como al conjunto


resultante de elementos visuales que constituyen de forma realista, ideal o simbólica el
lugar en el que se desarrolla una acción y que conforman una producción escénica
o escenificación.

Elementos de una escenografia

la propia puesta en escena de los diversos


espectáculos en vivo ( danza, ),

decoración (utilería, la iluminación,


dependerá de la música y efectos,
la caracterización de los personajes
(vestuario, maquillaje, peluquería
dependerá de el tipo de baile a presentar)

1.7. Drama

Es el género donde se representan acciones


de la vida, tratando asuntos serios y
profundos por medio del diálogo. Este
género puede dividirse en: dram a histórico,
drama isabelino, drama lírico, drama social,
drama litúrgico, drama satírico. Entre los
primeros quedaron escritas la tragedia y
la comedia ya existentes, y en el siglo XX vino a agregarse obra didáctica y
la tragicomedia (también conocida como comedia trágica clásica), reconocidos como
tales desde el Renacimiento. Además, a esto se suma la farsa, considerada como género
imposible. Todos ellos tienen en común la representación de algún episodio o conflicto
de la vida de los seres humanos por medio del diálogo de los personajes o
del monólogo. En el género dramático, el autor lleva el desarrollo de la acción a la
escena: los hechos no se relatan, sino que se representan. Su forma expresiva es el
diálogo y los personajes adquieren vida ente cuando tiene un “final trágico”, pero el
término hace referencia también a las obras cómicas (al menos en la cultura occidental,
donde se considera que nació del término drama) y además incluye, pues, la tragedia y
la comedia.

Algunos teóricos del siglo XX insisten en la diferenciación categórica entre el drama y


el teatro, de los cuales el primero es la versión constituida en lo absoluto por elementos
lingüísticos, formando parte entonces de lo que se considera un género literario, cuya
particularidad es el predominio de la función apelativa del lenguaje, la ausencia de un
mediador (intérpretes, actores) entre el mundo creado (la realidad ficticia) y el lector y
la posibilidad virtual de ser representado.

El teatro es la concreción del drama e incluye la actuación, la música, etc. Es decir,


elementos que no le son propios al drama como realidad lingüística acotada solamente
al discurso. El análisis de un drama puede hacerse desde la crítica literaria, mientras que
el análisis del teatro debe incluir factores como la actuación, la evaluación del
espectáculo, los músicos, la iluminación, etc.

Se puede añadir la precisión, desde la perspectiva de la etnoescenología, campo


interdisciplinario que estudia los fenómenos y comportamientos humanos
espectaculares organizados (PCHSO) del teatro, que es un subgrupo dentro del conjunto
de formas espectaculares organizadas. Se pueden distinguir tres aspectos claves dentro
del análisis de una forma espectacular: la espectacularidad, la Performatividad
(Teatro) y el fenómeno de relación simbiótica o de empatía que se construye en la
relación con el público (Pradier, 1996).

La pertinencia de la evaluación de estos aspectos del teatro como forma espectacular


reside en el hecho de que toda forma espectacular responde a un contexto social. En este
sentido, la dramaturgia y su manifestación espectacular por medio del teatro se
organizan por medio de códigos que no son universales, sino que son particulares a un
contexto histórico y cultural.

1.8.- Opera
Es una obra teatral donde los diálogos se
desarrollan a través del canto
fundamentalmente. Originada en Italia a
fines del siglo XVI, puede divid irse en:
ópera seria, romántica, bufa, legendaria,
etc. designa, desde aproximadamente el
año 1617, un género de música teatral en
el que una acción escénica, se armoniza, se canta y tiene acompañamiento instrumental.
Las representaciones suelen ofrecerse en teatros de ópera, acompañadas por
una orquesta o una agrupación musical menor. Forma parte de la tradición de la música
clásica europea y occidental.

1.9. Mimo
Es cuando alguien que utiliza
la mímica como medio teatral o como
una acción artística, o representa una historia
a través de los movimientos del cuerpo, sin
uso del discurso. En épocas anteriores,
en inglés, un mimo, como normalmente se le
conoce, era conocido como un mummer. La
mímica se distingue de la comedia muda, en la que el artista es un personaje
transparente en la película o dibujo animado.

La actuación temprana del mimo se originó en la Antigua Grecia ; el nombre se tomó de


un único bailarín enmascarado llamado Pantomimus, aunque las actuaciones no eran
necesariamente en silencio. En la Europa Medieval, las formas tempranas de mimos
tales como las obras de teatro de los máscaras de Rumania y luego
la pantomima evolucionaron. A principios del siglo XIX en París, Jean-Gaspard
Deburau consolidó los muchos atributos que hemos llegado a conocer en los tiempos
modernos, la figura silenciosa en cara blanca.

Jacques Copeau, fuertemente influenciado por la comedia del arte y el teatro japonés nō,
utilizó máscaras en la capacitación de sus actores. Su discípulo Étienne
Decroux desarrolló el mimo corporal en una forma altamente escultural, dejando fuera
los ámbitos naturalistas. Jacques Lecoq contribuyó significativamente al desarrollo de la
mímica y el teatro físico con sus métodos de entrenamiento.

1.10.- Comedia

Es el género dramático opuesto a la tragedia y,


por tanto, relacionado casi siempre con historias
con final feliz. Esa lectura epicúrea, placentera y
optimista, tuvo su origen en los primitivos cultos
de la fertilidad en honor del
dios Dionisos («Diônysos») y se desarrolló como
género derivado del ditirambo, asociado a
los dramas satíricos y al mimo.

En la Antigua Grecia adquirió su máximo esplendor con Aristófanes (periodo antiguo) y


pasó a la cultura romana de la mano de Menandro (periodo medio), en el siglo IV.
Durante el medievo adquiere un tono más ligero y el emental, llegando a ser burlesco en
muchos subgéneros y convirtiéndose en espectáculo muy popular como en el caso de la
«Commedia del'Arte», Como género dramático global definió el conjunto del teatro
clásico español, con las coordenadas del conjunto de la obra dramática de Lope de
Vega. Está clasificada, junto con la tragicomedia, como una de las formas clásicas del
drama griego, y uno de los tres géneros dramáticos llamados realistas.

A partir del siglo XX se convirtió en uno de los géneros básicos del Séptimo Arte, y en
el lenguaje ha alumbrado expresiones más amplias como hacer comedia o, referido a
la dramaturgia, autor de comedia.

2.- Arte en el Tiempo: Arte Contemporáneo

El arte contemporáneo, explicado técnicamente, es un concepto que se utiliza


para denominar de manera general a las expresiones artísticas originadas durante
el siglo XX, es decir, de una manera más coloquial podríamos decir que el arte
contemporáneo es el que está realizado en nuestra época, pero esto es dependiendo de la
persona que hable de él ya que hay varias formas de entender este concepto. Para
algunas personas este concepto surgió en las última década, para otros se creó en la
Segunda Guerra Mundial (1945), también hay personas que creen que este concepto se
desarrolló en la Edad Contemporánea (finales del siglo XVIII). Por lo tanto, todo
depende de quién utilice este concepto ya que hay mucha diversidad de opiniones de su
origen.

2.1.- Criterios para determinar cuándo es Arte Contemporáneo


Uno de los criterios juzga como contemporáneo aquel arte surgido a partir de
la eclosión vanguardista de los inicios del siglo XX.
Estas propuestas artísticas, se distinguieron por presentar
una serie de ideas que revolucionaron la institución del
arte, como la ruptura con los modelos tradicionales o su
carácter crítico y experimental, tenemos de ejemplo los
movimientos artísticos contemporáneos como el fovismo, el expresionismo, el
cubismo, el futurismo, el neoplasticismo, el dadaísmo y el surrealismo.
Otro criterio utilizado para las manifestaciones contemporáneas es aquel que
toma como punto de partida el inicio de la Postmodernidad, que va de finales de la
década del 60 e inicios de los años 70, o el fin de la segunda guerra mundial, en 1945.
Este arte contemporáneo está formado por movimientos como el arte pop, el nuevo
realismo francés, el arte povera, el arte conceptual, el minimalismo y el expresionismo
abstracto, así como con el hiperrealismo, la neofiguración, las instalaciones o la
deconstrucción.
Y por último criterio tenemos el que vincula el inicio del arte contemporáneo
con el principio de la Edad Contemporánea, a finales del siglo XVIII con la
revolución francesa.
Por ello podemos decir que, el arte contemporáneo se caracteriza por tener una
conciencia de grupo dentro de cada uno de ellos y lo dejan reflejado en sus respectivos
manifiestos. Niegan el pasado y buscan un nuevo lenguaje expresivo basado en una
visión diferente de la realidad, a la que ya no imitan, interpretan. El deseo de novedad
los lleva a experimentar con el color, las formas y la composición, es querer
encontrar una nueva manera de expresión que no encaje con todo lo que se había
hecho hasta ese momento.

2.2.- Etapas en el Arte Contemporáneo en el Siglo XX


Podemos observar estas etapas a través de los años entre las que están:
· El informalismo: en paralelo con el expresionismo abstracto de Estados Unidos y
abarca todas las tendencias abstractas y gestuales desarrolladas en francia y en el resto
de Europa después de la Segunda Guerra Mundial. Se distinguen varias corrientes
diferentes como la abstracción lírica, la pintura matérica , la Nueva escuela de París, el
tachismo, el espacialismo o el art brut.
· El Pop: fue un movimiento artístico del S.XX su
característica más importante es el empleo de imágenes de la
cultura popular, como los anuncios publicitarios, cómic books,
el mundo del cine, entre otros. El arte pop, buscaba utilizar
imágenes populares en oposición a la elitista cultura de bellas

artes, resaltando lo banal a través del uso de la


ironía.
· Desconstrucción y Postmodernidad: se
caracteriza por su oposición al proyecto del arte
moderno visto como un reflejo de la sociedad
que lo envuelve y lo genera rechazando el
principio programático del arte de vanguardia, asumiendo el fracaso de los
movimientos de vanguardia, siendo un arte autorreferencial,
el arte habla del arte, sin pretender hacer una labor social.
Dentro de las vanguardias históricas, las más
destacadas fueron el fauvismo, el expresionismo, el
cubismo, el futurismo, el constructivismo, el
neoplasticismo, el dadaísmo y el surrealismo. Todas tienen
una serie de elementos comunes en su ideología, pero no en
lo estilístico.
· El fauvismo: sustituyó la paleta de tonos naturalistas empleada por los impresionistas
por un fuerte colorido y un dibujo de trazo muy marcado para crear un mayor énfasis
expresivo. George Braque y Henri Matisse fueron
algunos de sus integrantes.
· Los expresionistas: valoraron los contenidos y las
actitudes emocionales, la expresión del propio yo, por
ello la composición se hace desgarrada y el color más
violento, con contenidos simbólicos. El primer grupo expresionista se fundó en
Alemania y fue conocido como Die Brûcke (El Puente). Destacan Emil Nolde, Ernest
Kichner, Kart Schmidt - Rottluft y Erich Heckel.
· El cubismo: enfatiza la superficie plana y la bidimensionalidad del lienzo y propone
una forma de perspectiva basada en la multiplicidad de los puntos de vista. En una
primera fase, denominada cubismo analítico los artistas que buscaron la descomposición
de las formas tridimensionales en múltiples elementos geométricos a partir de la
fragmentación de elementos cúbicos y proyecciones planas. En
una segunda fase, denominada cubismo sintético, se
desarrollaron experiencias con el collage. Materiales como la
madera, papeles de periódico, fotografías o plumas se
combinaron con pigmentos planos en la composición del
cuadro. Las obras son más decorativas y las evocaciones
figurativas más explícitas. Robert Delaunay, Picasso, Juan Gris
y Frantisek Kupka son destacados exponentes del cubismo pictórico y Pablo Gargallo y
Julio González de la escultura cubista en España.
· Los artistas del futurismo italiano, especialmente Gini Severini, Humberto Boccini,
Carlo Cará y Giacomo Balla, trabajaron un estilo que se ha denominado cubismo
dinámico porque se interesaron por la representación del movimiento y la velocidad a
través de la repetición rítmica de líneas e imágenes. El cubismo también influyó en la
aparición del arte no figurativo o abstracto. El suizo Paul Klee produjo algunas
acuarelas abstractas.
· El movimiento dadaísta: representa la antítesis del
racionalismo de Mondrian y otros teóricos de la
abstracción. Disconformes con el sistema de valores
burgués, eligieron una palabra sin sentido, dada, para
designar su actividad de protesta y sus obras antiestéticas. Marcel Duchamp, el artista
más conocido, fue el inventor del ready-made, que es la consideración de objetos
cotidianos como obras artísticas. El más célebre de éstos fue el famoso urinario titulado
Fuente.
· Los surrealistas: trataron de ir más allá de la realidad visible asegurando la
superioridad del subconsciente y la importancia de los sueños en la creación artística.
Trabajaron con un estilo figurativo Marx Ernst, Salvador Dalí, René Magritte y Van
Ray, mientras que a la corriente abstracta pertenecieron Jean Arp, André Masson, Yves
Tanguy y Joan Miró.

3.- Arte y Estética en Interdisciplinariedad y


Transdisciplinariedad: Arte Estética Lúdica Creatividad

La estética es la rama de la filosofía que estudia la esencia y la percepción de


la belleza. Algunos autores definen a la estética de manera amplia como el estudio de
las experiencias estéticas y los juicios estéticos en general, y no solo los relativos a la
belleza. Cuando juzgamos que algo es bello, feo, sublime o elegante, estamos haciendo
juicios estéticos, que expresan experiencias estéticas. La estética es el estudio de estas
experiencias y juicios, y de los principios que tienen en común.

La estética es una disciplina más amplia que la filosofía del arte, en tanto que los
juicios y las experiencias estéticas se pueden encontrar fácilmente fuera del arte.
Ejemplo, cuando vemos pasar a un perro, podríamos juzgar que el perro es bello, y
realizar así un juicio estético sobre algo que nada tiene que ver con el arte. Los seres
humanos han mantenido y mantienen diversas relaciones con el mundo. Diversas son
también en ellas su actitud hacia la realidad, las necesidades que trata de satisfacer y el
modo de satisfacerlas. Entre esas relaciones figuran:

·La relación teórico-cognoscitiva con la que se acercan a la realidad para


comprenderla.

·La relación práctico-productiva con la cual intervienen materialmente con la


naturaleza y la transforman produciendo, con su trabajo, objetos que satisfacen
determinadas necesidades vitales: alimentarse, vestirse, guarecerse, defenderse,
comunicarse, transportarse, etc.

·La relación práctico-utilitaria en la cual utilizan o consumen esos objetos.

La reflexión estética y su aplicación en las obras de arte aparecen con


el prerromanticismo del siglo XVIII y se acentúa con el romanticismo del XIX. Edgar
Allan Poe demuestra cómo el principal objetivo del arte es provocar una reacción
emocional en el receptor. Lo verdaderamente importante no es lo que siente el autor,
sino lo que este hace sentir al receptor de su obra.

La creatividad es la capacidad de generar nuevas ideas o conceptos, de nuevas


asociaciones entre ideas y conceptos conocidos, que habitualmente producen soluciones
originales. La creatividad es sinónimo del pensamiento original, la imaginación
constructiva, el pensamiento divergente o el pensamiento creativo. La creatividad es una
habilidad típica de la cognición humana. La creatividad, como ocurre con otras
capacidades del cerebro como son la inteligencia, y
la memoria, engloba varios procesos mentales
entrelazados que no han sido completamente
descifrados por la fisiología. Así, por ejemplo, la
memoria es un proceso complejo que engloba a la
memoria a corto plazo, la memoria a largo plazo y
la memoria sensorial.

El pensamiento original es un proceso mental que nace de la imaginación. No se


sabe de qué modo difieren las estrategias mentales entre el pensamiento convencional y
el creativo, pero la cualidad de la creatividad puede ser valorada por el resultado final.
La diferencia entre los altamente creativos y los relativamente no creativos no reside en
la inteligencia tal como ésta se mide en las pruebas de inteligencia. El individuo
creativo puede, no obstante, diferenciarse de los demás en cuanto a los rasgos de su
personalidad. En general se ha comprobado que el individuo creativo suele
ser introvertido, necesita largos periodos de soledad y parece tener poco tiempo para lo
que él llama trivialidades de la vida cotidiana y de las relaciones sociales. Los
individuos creativos suelen ser enormemente intuitivos y estar más interesados por el
significado abstracto del mundo exterior que por su percepción sensitiva.

Entre individuos de personalidad creativa pueden distinguirse, a grandes rasgos,


dos grupos distintos: el artístico y el científico. Las características fundamentales son las
mismas en ambos, pero, en general, el artista es más dado que el científico a expresar su
inconformidad tanto en su vida como en su trabajo. El artista es corriente, pero el
científico anti-convencional es relativamente raro. Entre los artistas y escritores, el
genio se confunde y se relaciona, a menudo, con la locura.
3.1.- Creatividad e Inteligencia

Actualmente se considera que creatividad e


inteligencia son capacidades mentales bastante
distintas. La inteligencia, por lo que se aprecia en las
pruebas tradicionales que la evalúan, puede
considerarse como pensamiento convergente, como la capacidad de seguir pautas de
pensamiento aceptadas y de suministrar soluciones correctas a un problema dado. Y se
dice que la mayoría de las pruebas de inteligencia actuales miden sobre todo las
facultades y la actividad del hemisferio cerebral izquierdo.

La creatividad se valora por medio de los resultados, porque esta es la forma de


ver lo que es ser único, como los demás observan creaciones bellísimas de color, la
forma e innovación que surge al ser creativos en situaciones cotidianas o en resolución
de problemas. La diferencia de competencias entre los dos hemisferios cerebrales parece
ser característica exclusiva del ser humano.

Las variables más frecuentemente utilizadas para medir la creatividad son:

· Fluidez: es la capacidad para producir ideas y asociaciones de ideas sobre un


concepto, objeto o situación.

· Flexibilidad: es la capacidad de adaptarse rápidamente a las situaciones nuevas u


obstáculos imprevistos, acudiendo a nuestras anteriores experiencias y adaptándolas al
nuevo entorno.

· Originalidad: es la facilidad para ver las cosas, de


forma única y diferente.

· Elaboración: grado de acabado. Es la capacidad que


hace posible construir cualquier cosa partiendo de una
información previa.

· Sensibilidad: es la capacidad de captar los problemas, la apertura frente al entorno, la


cualidad que enfoca el interés hacia personas, cosas o situaciones externas al individuo.

· Re definición: es la habilidad para entender ideas, conceptos u objetos de manera


diferente ha como se había hecho hasta entonces, aprovechándolos para fines
completamente nuevos.
· Abstracción: se refiere a la capacidad de analizar los componentes de un proyecto y
de comprender las relaciones entre esos componentes; es decir, extraer detalles de un
todo ya elaborado.

· Síntesis: lo opuesto a la abstracción, es la capacidad de combinar varios componentes


para llegar a un todo creativo.

4.- Pensadores Filosóficos en Estética y Arte


4.1.- Gadamer

Gadamer Pese a los deseos de su padre, que le


incitaban a estudiar ciencias naturales, hizo caso omiso a
sus recomendaciones y optó por las humanidades. Así
que realizó estudios en Breslavia bajo los auspicios
de Richard Hönigswald, volvió a Marburgo para estudiar
con los filósofos neokantianos Paul Natorp y Nicolai
Hartmann, bajo cuya dirección se doctoró en el
año 1922con un trabajo sobre Platón (Das Wesen der
Lust nach den platonischen Dialogen, La esencia del placer en los diálogos platónicos).
A través de Heidegger se insertó en un grupo de estudiantes que luego destacarían
intelectualmente, entre ellos se encontraban: Leo Strauss, Karl Löwith y Hannah
Arendt. La amistad entre Gadamer y Heidegger se hizo tan estrecha que
cuando Heidegger recibió una plaza en Marburgo, Gadamer optó por seguirle. Es
posiblemente la fuerte influencia de Heidegger lo que ha hecho del pensamiento de
Gadamer algo particularmente característico. En la República Federal Alemana, acepto
primero una posición en Fráncfort del Meno y después el puesto en sustitución de Karl
Jaspers en Heidelbergen 1949. Ésta sería la posición que ocuparía el resto de su vida,
hasta su muerte en el año 2002.
Es el fundador de la Escuela Hermenéutica. Sostenía que la interpretación debe
evitar la arbitrariedad y las limitaciones surgidas de los hábitos mentales, centrando su
mirada en las cosas mismas, en los textos. Afirma que siempre que nos acercamos a un
texto, lo hacemos a partir de un proyecto, con alguna idea previa de lo que allí se dice.
El proyecto filosófico gadameriano, tal como queda definido en Verdad y método, fue
elaborado en relación directa con la hermenéutica filosófica, proyecto iniciado pero no
terminado por Heidegger. El objetivo de Gadamer era descubrir la naturaleza de la
comprensión humana. En el libro, Gadamer sostuvo que la "verdad" y el "método"
estaban en desacuerdo el uno con el otro. Gadamer fue muy crítico con los dos enfoques
metodológicos que se emplean en el estudio de las ciencias humanas
La filosofía estética de H-G. Gadamer sirve de pórtico preliminar a la
fundamentación de la hermenéutica filosófica en el seno de su obra Verdad y Método I.
Su pretensión fundamental es mostrar hasta qué punto ante la experiencia estética las
ciencias naturales y su método particular topa con una barrera infranqueable. Uno de los
motivos fundamentales es que en la experiencia estética, según Gadamer, se produce
una disolución del sujeto perceptor y el objeto, esto es, la obra de arte. La experiencia
estética se hace, se lleva a cabo, mediante un movimiento de vaivén en el cual transitan
en un mismo sentido la obra y el sujeto que la disfruta, así por ejemplo, en la
contemplación de una obra de arte el espectador se ve sometido, él mismo, a los
avatares de la trama y, con ello, se introduce en la misma obra a la vez que la obra opera
sobre él. A esta noción englobante la denomina Gadamer juego.

4.2.- Martin Heidegger

Martin Heidegger fue un filósofo y profesor


universitario. Tras sus inicios en la teología católica,
desarrolló una filosofía que influyó en campos tan diversos
como la teoría literaria, social y política, el arte y
la estética, la arquitectura, la antropología cultural,
el diseño, el ecologismo, el psicoanálisis y la psicoterapia.
Es considerado, junto con Ludwig Wittgenstein, como uno
de los pensadores más influyentes en la filosofía contemporánea.
Martin Heidegger reflexiona a partir del concepto de la mirada del artista, es
decir, acerca de esa peculiar visión de los objetos que el “creador” o “imitador de la
naturaleza” lanza sobre las cosas con el fin de dignificarlas y extraer de ellas todo su
valor como formas. Una de las obras analizadas por Heidegger a propósito de esta
reflexión es el cuadro impresionista de Vincent Van Gogh, en el que el motivo
representado es un par de botas viejas, desgastadas, casi y a buen seguro malolientes.
Nació en Messkirch, distrito de Baden, el 26 de septiembre de 1889, hijo de
Friedrich Heidegger, tonelero y sacristán, y de Johanna. Estudió teología católica,
ciencias naturales y filosofía en la Universidad de Friburgo de Brisgovia, donde fue
discípulo de Carl Braig y de Heinrich Rickert, fundador de la fenomenología. Comenzó
su actividad docente en Friburgo en 1915. Es una de las figuras protagónicas de
la filosofía contemporánea El estilo innovador, complicado y aún oscuro que utiliza
Heidegger con el fin de abrir mundos lo lleva a tratar problemas ontológicos, problemas
de tipo semiótico. La obra de Heidegger suele entenderse como separada en dos
períodos distintos:
· Momento en que se sirve de la analítica existencial como instrumento o
«prolegómeno» para replantear la pregunta tradicional de la metafísica, la pregunta por
el «ser», como pregunta por el «sentido de ser» (claramente desde los primeros párrafos
de Ser y tiempo). En esta etapa se concluye que el sentido de ser es íntimamente
dependiente del tiempo, por esto podemos considerar la primera etapa como marcada
por una búsqueda del «ser del tiempo».
· Un segundo periodo en el que, como el propio autor señala, concibe su pensamiento
como el desarrollo de una «historia del ser». El objetivo fundamental radica en la
comprensión de los vínculos entre el desarrollo de la cuestión del ser en la filosofía y la
historia de Occidente. Esta segunda etapa ya no pretende abordar el «ser del tiempo»
sino encara frente a los «tiempos del ser». Sin embargo, en ambos períodos hay un
mismo objetivo unificador: la elaboración y consiguiente respuesta a la pregunta por el
sentido de ser.

5.- Tratamiento Curricular: Planificación, estrategias y


evaluación
Una escuela que no enseña y que no exige
esfuerzo para aprender, perjudica siempre a
quienes menos medios tienen, porque a éstos solo
la escuela puede proporcionarles un futuro mejor.
Los nuevos desarrollos en evaluación han traído a
la educación lo que se conoce como evaluación
alternativa y se refiere a los nuevos
procedimientos y técnicas que pueden ser usados dentro del contexto de la enseñanza e
incorporados al aula.

La evaluación del desempeño está íntimamente relacionada con la educación


basada en competencias, como estas no pueden ser observadas de manera directa,
entonces se tiene información de ellas utilizando técnicas de evaluación y observación
de desempeños. Algunas de las herramientas consideradas en este ámbito son: mapas
mentales, solución de problemas, método de casos, proyectos, diario, debate, ensayos,
portafolios, técnica de la pregunta.

Estrategia Didáctica: Una estrategia es, en un sentido


estricto, un procedimiento organizado, formalizado y orientado
a la obtención de un objetivo general o competencia
claramente establecida. Su aplicación en la práctica diaria
requiere del perfeccionamiento de métodos, procedimientos y
de técnicas cuya elección detallada y diseño son
responsabilidad del docente. La estrategia debe estar fundamentada en un método es
flexible y puede tomar forma con base en los objetivos a donde se quiere llegar.

Método Didáctico: El término método se utiliza para


designar aquellos procesos ordenados de acciones que se
fundamentan en alguna área del conocimiento, o bien modelos
de orden filosófico, psicológico, de carácter ideológico, etc.
Por lo tanto, hablamos de métodos lógicos y pedagógicos
como: Inductivo o demostración, etc. Método significa camino
para llegar a un lugar determinado. Por lo tanto, el método indica el camino y la técnica
cómo recorrerlo.

Técnicas Didácticas: Con relación al concepto de


técnica, ésta es considerada como un procedimiento didáctico
que se presta a ayudar a realizar una parte del aprendizaje que
se persigue con la estrategia. Mientras que la estrategia abarca
aspectos más generales del curso o de un proceso de formación
completo, la técnica se enfoca a la orientación del aprendizaje
en áreas delimitadas del curso.
Actividades Didácticas: Dentro del proceso de una técnica, puede haber
diferentes actividades necesarias para la consecución de
los resultados pretendidos por la técnica. Estas
actividades son aún más parciales y específicas que la
técnica y pueden variar según el tipo de técnica o el tipo
de grupo con el que se trabaja. Las actividades pueden
ser aisladas y estar definidas por las necesidades de
aprendizaje del grupo.

Instrumento Pedagógico

Se entiende por medios y recursos didácticos


todos aquellos instrumentos que, por una parte, ayudan a
los formadores en su tarea de enseñar y por otra,
facilitan a los alumnos el logro de los objetivos de
aprendizaje. Son herramientas que sirven de apoyo al
docente para orientar los procesos de aprendizaje e
incentivar la construcción del conocimiento.

Los medios educativos se constituyen en cualquier material que, en un contexto


educativo determinado, sea utilizado con una finalidad didáctica. Estos recursos
didácticos, se encauzan hacia la generación de espacios que permiten al pedagogo
asumir su rol de manera activa, para poner a disposición de sus estudiantes y de la
comunidad educativa su saber, creatividad y acción en la búsqueda conjunta de
alternativas de mejoramiento ante los procesos de aprendizaje de los estudiantes.

Por esta razón, se plantea la necesidad que todo docente debe elaborar y utilizar
los medios y recursos didácticos como herramientas que apoyen los diversos métodos
de aprendizaje, respondiendo a procesos significativos, a través de medios
motivacionales para retroalimentar el interés del estudiante por su aprendizaje, generar
cambios que dinamicen el desempeño del docente, teniendo en cuenta que cada uno de
ellos ofrezca posibilidades de utilización en el marco de las acciones educativas.
6.- tratamiento pedagógico: animación pedagógica, animación
sociocultural

6.1.- animación pedagógica

El mismo término animación, en su significado originario, según el Diccionario de la


Real Academia, indica "la acción de infundir ánimo, valor o energía". La expresión se
enriquece, si consultamos la palabra animar, verbo del que se deriva y al que hace
referencia. El Diccionario presenta diversos significados, entre ellos, "vivificar el alma al
cuerpo", "infundir energía moral a uno", "tratándose de cosas inanimadas, comunicarles
mayor vigor, intensidad y movimiento". De esas acepciones se puede deducir que animar
significa tanto dar vida a los vivientes, como a las cosas inanimadas. Así, por ejemplo, un
instrumento musical puede ser animado por quien lo usa, como también una persona
puede transmitir a otro los propios sentimientos e ideas o estimularle a la acción (M.
POLLO 1984,54). Por las raíces lingüísticas, la palabra animación se enlaza con el
significado de alma, o sea, de un principio interior de vida, e indica la actividad mediante
la cual la vida es infundida en el hombre y en las cosas.

En el sentido educativo de la animación hay una serie de elementos, que ayudan a


precisar mejor el significado y el sentido educativo de la animación: La animación no es
un contenido o un proceso más de transmisión de la cultura, sino una cualidad, un modo
de dar forma y de organizar los procesos de inculturación, socialización y educación. No
es una acción concreta, sino un estilo de hacer, propio de toda actividad relacionada con
el crecimiento o el desarrollo de cuanto posee gérmenes de vida. · En un sentido más
estricto, hablamos de animación como de una actividad intencional y metódica, que
procede por pasos ordenados y lógicos, y pretende una finalidad muy concreta; capacitar
a las personas y a los grupos como sujetos conscientes y activos de los procesos sociales
y culturales en los que están implicados y que configuran su vida diaria. · Lo específico
del método de la animación consiste en dos particularidades: Un tipo de relación, que se
establece entre las personas, que se define como contractual, democrática, de
intercambio, y no por autoridad e imposición; y un modo de concebir el proceso de
animación, en el que se privilegia el protagonismo del sujeto, la personalización del
ritmo, la globalidad, la participación y elaboración comunitaria, etc. El concepto
educativo de animación, por tanto, quiere expresar la movilización de todas las energías
de un ambiente, de un grupo o de una persona. Y el animador es aquél que ayuda a
entablar relaciones, despierta las energías de creatividad latentes, ofrece elementos de
juicio, hace tomar conciencia de las situaciones y no deja que los procesos formativos se
detengan. El adjetivo que se agrega a la animación indica los recursos que se pretende
mover; y por eso se habla de animación cultural, social, deportiva, espiritual, etc.; la
característica de todas ellas es hacer al sujeto responsable principal de los procesos que lo
atañen. La animación representa la modalidad más típica de la educación. La animación
es el estilo con que se educa y abarca todos sus contenidos, proceso y metodología.
Educar desde la animación supone entender que el verdadero cambio brota del interior de
la persona, según ella se oriente en libertad hacia un proyecto de vida. El educador puede
incidir en el ambiente, proponer un modelo de vida y un cuadro de valores, pero es el
joven, sujeto y protagonista de su desarrollo, quien ha de interiorizarlo. El estilo y el
método de la animación lo hacen posible. La animación, pues, no se reduce a una técnica,
a una metodología, a una actividad o a un momento determinado, sino que es una
mentalidad con la que actúa el educador (PASTORAL JUVENIL 1985,41). Esa
mentalidad se fundamenta en:

✓ Una antropología, una manera de entender a la persona, sus dinamismos y

procesos, en los que entra en juego su maduración. Gracias a sus recursos interiores,
la persona es capaz de hacerse cargo de los procesos que la afectan.

✓ Un método, que sabe escoger los recursos y los momentos educativos y que los

organiza de modo que tiendan a liberar y promocionar, y no a restringir y controlar.

✓ Un estilo de caminar con los jóvenes, de sugerir, de ayudar a crecer y de saber

captar los estímulos que de ellos proceden y descubrir sus posibilidades reales y sus
aspiraciones.

✓ Un objetivo y finalidad última de devolver a cada persona la alegría de vivir

plenamente y el valor de esperar y proyectar con ilusión y creatividad.

✓ Una función, que asume el rostro concreto de una persona, el animador, que

acompaña y discierne la validez del proceso formativo.


✓ Una estrategia educativa unitaria, que prefiere la calidad de las actuaciones

educativas a la cantidad, y ordena, por tanto, los tiempos, lugares y agentes diversos
en torno a procesos convergentes y unificados.

6.2.- Animación sociocultural

Quintana (1993): la A.S.C. es un instrumento adecuado para motivar y ejercer la


participación. En definitiva, una forma de entender la animación en tanto que
intervención educativa relacionada con prácticas socializadoras tales como el fomento de
la identidad cultural, la promoción de una actitud democrática, la participación, el trabajo
de la creatividad colectiva, el pensamiento crítico o la generación de cambio social.
Según él la A.S.C. se caracteriza en un conjunto de prácticas y acciones:

✓ Están destinadas a generar procesos de participación en mayor número posible de

personas.

✓ Se deciden y se llevan a término de un modo concertado con los participantes

desarrollando las posibilidades que todas las personas, grupos o colectivos poseen.

✓ Generan dinámicas que convierten el público espectador en participante – actor.

✓ Con una metodología adecuada desarrollan la actuación de la gente y el nivel de

conciencia de los participantes.

✓ Articulan acciones abiertas a todos según el sexo, edad y condición.

✓ Se llevan a términos reconociendo el pluralismo cultural y la autonomía de los

destinatarios.

✓ Se hayan relacionadas con una propuesta de proyecto cultural, en constante

referencia a un modelo de sociedad y a una visión política.

✓ Tienen una perspectiva programática que comprende la capacidad de análisis, la

de organización, la de creación y la de expresión. Objetivos de la Animación


Sociocultural.
✓ Creación y mantenimiento de redes de relación dentro de la Comunidad.

✓ Promoción del voluntariado

✓ Participación de la población en el desarrollo de programas sociales.

✓ Orientación y capacitación de la población para la creación de recurso.

✓ Educación del ciudadano como medio de prevención y promoción social.

✓ La A.S.C dependiendo del tipo de objetivo que se plantee se divide en cuatro

campos, que implican cuatro diferentes tipos de actividades y de finalidad


CONCLUSIÓN

Al finalizar esta investigación se puede apreciar distintas perspectivas de lo que es la formación estética
corporal, desde mi punto de vista; el arte y la estética ha formado parte dentro de las sociedades
desde el principio de los tiempos como medio de expresión, el cual tiene diferentes
dimensiones y transformaciones según el artista y la época en la que se desarrolla permite
mantener una postura importante en la sociedad y reflejar nuestras actitudes por medios de todas
estas expresiones y actividades artísticas que podemos desarrollar. Teniendo en cuenta que
el artista es el que crea una nueva manera de interpretación y vivencia del mismo, por lo
cual cada individuo maneja de manera diferente sus distintas habilidades como en la danza y
sus tipos, el drama, la opera, entre otros.

Es muy importante como docentes conocer, analizar y comprender todos los aspectos que
intervienen en el mundo de la expresión corporal y todo el contenido recorrido en esta
investigación para la influencia que tienen en el aprendizaje de los niños y la sociedad en
general y a partir de allí depende de nuestra planificación, evaluación, estrategias y didáctica
de trabajo.
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