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Trabajo singular.
Formación Estética
Corporal
C.I: 15.920.415
Índice
Introducción
1. Formación Estética Corporal
Artes escénicas.
Teatro.
Danzas.
Mimos.
Pantomimas.
Comedia.
Ópera.
Circo.
Drama.
Formación estética corporal: La expresión corporal o lenguaje del cuerpo es una de las formas
básicas para la comunicación humana, el movimiento de las manos o expresión del cuerpo
puede ser un reflejo de los pensamientos o emociones del subconsciente.
• Los gestos: son una forma de comunicación no verbal, ejecutada con alguna parte del
cuerpo y producida por el movimiento de las articulaciones, músculos de brazos, manos o
cabeza. El lenguaje de los gestos permite expresar una variedad de sensaciones y
pensamientos, desde desprecio y hostilidad hasta aprobación y afecto. Prácticamente todas
las personas utilizan gestos y el lenguaje corporal en adición de palabras cuando hablan.
• Las manos: Las manos son las extremidades más movibles, transmiten
manifestaciones o mensajes muy expresivos. Principalmente se puede decir que manos vivas
y activas señalan franqueza, apertura y una disposición básica a cualquier actividad.
• Los brazos: Los brazos del hombre son mucho más fuertes que los de la mujer debido
a los roles entre los sexos, las actividades que han realizado a través del tiempo han marcado
la diferencia en el aspecto de los brazos masculinos y femeninos.
• Las piernas: Cuanto más lejos del cerebro se encuentre una parte del cuerpo, menos
conscientes somos de lo que esta parte hace, esto significa que las piernas y los pies son una
fuente importante de información. En el ser humano las piernas evolucionaron con dos
objetivos principales: avanzar para conseguir comida y huir del peligro. El cerebro humano
está configurado según estos dos objetivos (avanzar hacia lo que queremos y huir de lo que
no queremos) y por ello la forma en la que una persona utiliza sus piernas y sus pies revela
hacia dónde quiere ir.
• Artes Escénicas: Según Ortega y Gasset, las artes escénicas, parecen estar formadas
por una dualidad: los hiperactivos y los hiperpasivos, esto son los que están totalmente
quietos y pasivos, mientras el otro grupo más reducido está formado por los actores y artistas
de cualquier espectáculo escénico, no quiere decir que los espectadores siempre estén
pasivos, ya que, al asistir a espectáculos, se producen procesos mentales y emocionales muy
activos, se valora lo que se ha visto y vivido.
Esto puede ser llevado en cualquier espacio escénico, habitualmente en sala de espectáculos,
pero también en cualquier espacio arquitectónico o urbanístico construido especialmente o
habilitado ocasionalmente para presentar cualquier tipo de espectáculo en vivo, como es el
caso de los circos, comedia del arte o el actual teatro callejero.
• El teatro: Forma parte del grupo de las artes escénicas.
Su desarrollo está vinculado con actores que representan una
historia ante la audiencia, este arte, por lo tanto, combina
diversos elementos, como la gestualidad, el discurso, la
música, el sonido y la escenografía.
Los mimos son artistas que necesitan entrenar con profusión las distintas partes de su cuerpo
con el fin de transmitir la información deseada a las personas que lo observan. Resaltar que
el simbolismo o código específico y fuerte tecnificación lo convierte en una actividad muy
repetitiva que exige una enseñanza directiva y analítica con poco margen a la espontaneidad.
2. Arte en el tiempo
Arte es un término que proviene de un vocablo latino que hace referencia a las creaciones del
hombre para expresar su visión sensible del mundo real o imaginario a través del uso de
recursos plásticos, sonoros o lingüísticos. Contemporáneo es una palabra que se refiere a
aquello perteneciente o relativo a la época en que se vive. Quienes vivieron en la segunda
mitad del siglo XVIII, por ejemplo, fueron contemporáneos a Wolfgang Amadeus Mozart,
no así quienes nacieron en el siglo XX.
o El expresionismo:
Fue un movimiento cultural surgido en Alemania a principios del siglo XX, que se plasmó
en un gran número de campos: artes plásticas, literatura, música, cine, teatro, danza,
fotografía, etc. Su primera manifestación fue en el terreno de la pintura, coincidiendo en el
tiempo con la aparición del fauvismo francés, hecho que convirtió a ambos movimientos
artísticos en los primeros exponentes de las llamadas “vanguardias históricas”. Más que un
estilo con características propias comunes fue un movimiento heterogéneo, una actitud y una
forma de entender el arte que aglutinó a diversos artistas de tendencias muy diversas y
diferente formación y nivel intelectual
o El cubismo:
Es una escuela y teoría estética delas artes plásticas y el diseño. Se caracteriza por la
utilización de las formas geométricas, como los cubos, los triángulos y los rectángulos.
El movimiento nació en Francia y tuvo su apogeo entre 1907 y 1914. El término cubismo
proviene del vocablo francés cubisme, que fue propuesto por el crítico Louis.
Vauxcelles. Este especialista hacía referencia a los cubos que aparecían en las pinturas de
artistas como Pablo Picasso, Juan Gris y Georges Braque, entre otros exponentes del
cubismo.
o El dadaísmo:
o El surrealismo:
o El pop-art:
Fue un importante movimiento artístico del siglo XX que se caracteriza por el empleo de
imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios
publicitarios, comic books, objetos culturales mundanos y del mundo del cine. El arte pop,
como la música pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura
existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con
otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a
través del uso de la ironía.
o El arte conceptual:
o El fauvismo:
Fue un movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color.
Su nombre procede del calificativo fauve, fiera en español, dado por el crítico de arte Louis
Vauxcelles al conjunto de obras presentadas en el Salón de Otoño de París de 1905. El
precursor de este movimiento fue Henri Matisse y su mayor influencia en la pintura posterior
se ha relacionado con la utilización libre del color.
o El futurismo:
o El neoplasticismo:
Es una teoría estética o movimiento artístico iniciado en Holanda en 1917 por Piet
Mondrian. También ha sido denominado constructivismo holandés, por su paralelismo con
el constructivismo soviético. Está vinculado al nacimiento del arte abstracto y las demás
vanguardias especialmente al cubismo y al futurismo.
En este punto hay que decir que entre todas estas corrientes existen elementos comunes en
cuanto a la ideología; en ese deseo de innovar y de darle al arte un espacio diferente al que
había tenido hasta entonces. No obstante, se diferencia en los fines estéticos que cada
tendencia perseguía.
El arte contemporáneo se caracterizó por negar el pasado y buscar una forma de expresión
que rompiera con todo lo planteado hasta el momento, ya no se dedican a imitar a los grandes
referentes del arte, sino a crear nuevas formas, a interpretar partiendo desde un espacio virgen
donde el color y la forma adquirieron cualidades potentes.
La renuncia a la cátedra, muy poco después de ocuparla, no evitó que en 1945 fuera destituido
como docente en Friburgo, tras la ocupación de Alemania por los aliados. Heidegger
reflexiona a partir del concepto de la mirada del artista, es decir, acerca de esa peculiar visión
de los objetos que el “creador” o “imitador de la naturaleza” lanza sobre las cosas con el fin
de dignificarlas y extraer de ellas todo su valor como formas.
El objeto de experiencia estética sólo llega a ser tal cuando el artista que lo plasma o el
observador que lo contempla lo hace de un modo especial, considerándolo como algo más
interesante de lo que pudiera parecer a simple vista. De este modo un objeto que en principio
podía presumirse como carente de cualquier valor estético, como es el caso de un par de botas
viejas, una vez es escrutado por la mirada de un artista como Van Gogh adquiere el valor de
objeto digno de despertar una experiencia estética en aquel observador que se acerca a la obra
con una postura receptiva.
Heidegger propone la dignificación del objeto que lleva a cabo el artista a partir de verter
sobre él su mirada estética; una mirada que combinada con la técnica empleada por el pintor,
el escultor, el fotógrafo, el cineasta o el poeta llega a devenir una obra de arte.
Verdad y método
La historia de la verdad que Gadamer reconstruye está marcada, a partir de Descartes, por el
concepto de "adaequatio": la noción de verdad se explica, en realidad, como método para
alcanzar la correspondencia "adecuada" entre hechos y proposiciones.
Los principios hermenéuticos que el autor elabora no se limitan al estricto ámbito filosófico,
sino que son susceptibles de aplicación a disciplinas tan diversas como la sociología o la
crítica literaria. La búsqueda de la verdad exige una redefinición de la hermenéutica
(interpretación de los textos), entendiendo por tal no una mera técnica de comprensión,
aunque ésta sea cabal, sino una reflexión fundamental sobre las condiciones en que se llega
a toda comprensión en general.
En este ámbito adquieren particular relieve los problemas que se desarrollan en torno a la
experiencia estética. Según Gadamer, en tal tipo de experiencia se deja entrever una
circunstancia de la verdad en la cual el propio sujeto de la experiencia resulta modificado. La
contraposición a las teorías filosóficas en las que la noción de verdad se identifica con el
saber de las ciencias positivas se acompaña, pues, de una reivindicación de la aportación de
verdad de aquellas experiencias del sujeto en contacto con la obra de arte, con la historia o
con el diálogo personal.
Para Gadamer, en la idea casi intuitiva según la cual en la experiencia del arte nos
enfrentamos a algo que parece hablarnos de un modo inmediato, como si no hubiera ninguna
distancia que salvar entre nosotros que comprendemos y la obra, como si se creara allí una
simultaneidad que no se ve en modo
Karl Marx
Contra lo que pudiera parecer, el fracaso y derrumbamiento del bloque comunista no habla
en contra de Marx, sino contra ciertas interpretaciones de su obra y contra la praxis
revolucionaria de líderes que el filósofo no llegó a conocer, y de los que en cierto modo se
desligó proféticamente al afirmar que él no era marxista. Los temas del arte en relación con
la ideología y a la superestructura, de la literatura como reflejo y descripción de las relaciones
sociales o como escapismo y sublimación imaginaria, junto a la predilección por el realismo
social como contenido para una literatura y un arte socialistas y revolucionarios, están ya en
Marx perfectamente perfilados.
Es el Marx poeta y clasicista el que se encuentra a la base del Marx teórico de la economía
política. La antinomia entre el hecho del arte y las condiciones favorables o desfavorables
para su florecimiento, en el sentido del surgimiento artístico en medios desfavorables, se
resolverá en su proposición no parcial, elitista o puntual, sino en la exigencia de generalizar
los bienes humanos (y no cabe duda de que el Arte es uno de ellos) a toda la humanidad en
su totalidad. La reflexión sobre las condiciones de posibilidad del comunismo coincide, punto
por punto, con la reflexión sobre las condiciones de posibilidad del desarrollo y expresión de
la creatividad de los seres humanos en su totalidad; ya que sin una base material que garantice
la vida de los individuos los goces de la producción y la recepción artística permanecen
arruinados o imposibilitados para la mayor parte de los hombres.
Marx fue un pensador ilustrado que asumió la creencia en la linealidad progresiva del tiempo
histórico y que se opuso a la corriente romántica en aquellos lugares en los que las ideologías
centraron las batallas intelectuales del siglo XIX. Ese es el motivo de que el Arte supusiese
una aporía para su quehacer teórico y fuese tratado con ambigüedad, pero también lo que
marcaría la dirección de la estética marxista hacia el realismo social y su crítica de la cultura
y del arte escapista, de evasión y sublimación, cuando no meramente reflejo del capitalismo
triunfante, complacencia o lavado de cara de la sociedad dominante y peor aún, militante acto
de moldeamiento de la conciencia, producción de la subjetividad y dominio ideológico.
4. Tratamiento Pedagógico:
Animación Pedagógica Según Vélez (2008:31) la necesidad que tienen las instituciones de
educación primaria de brindar orientaciones pedagógicas docentes, para que estos organicen
diseños curriculares, recursos, estrategias, técnicas educativas, unidades de aprendizaje así
como evidencias de aprendizajes que favorezcan al desarrollo de las bellas artes como otras
áreas del conocimiento, que comprenden materias diversas cuyos contenidos se adecuan al
sector de la enseñanza en el que corresponde impartirlas.
La animación pedagógica es una relación educativa puede ser ejercida de formas muy
diferentes. Hasta hace pocos años, las modalidades se extendían dentro de la alternativa rígida
entre pedagogía autoritaria, sin tener demasiado en cuenta la libertad e iniciativa del
educando, y pedagogía permisiva, apoyada en la sola espontaneidad y creatividad. Hoy, el
concepto de animación ha roto ese cerco, introduciendo la posibilidad de creer en el individuo
y en su capacidad de autor regeneración, sin renunciar a las exigencias de una relación
educativa, autorizada y propositiva.
Animación Sociocultural
5. Tratamiento Curricular:
diagnostico
planificación
evaluación
Diagnóstico: tiene que tomar en cuenta las potencialidades son las capacidades, virtudes,
aspectos positivos del niño.
Planificación: “el proceso de establecer objetivos y escoger el medio más apropiado para el
logro de los mismos antes de emprender la acción”. (goodstein, 1998)
Aspectos a considerar
enseñanza empleada previamente, si es el caso), así como del progreso y aprendizaje de los
alumnos.
Planificación
Estrategia
Evaluación
Proyecto:
Proceso: V1 + V2 + V3 + V4 + V5.
Resultado: Producto.
Comportamiento.
Blog: Identificación
Fechas: 01/03/2018
Condiciones:
Grupo 1: 13/03
Grupo 2: 15/03
Grupo 3: 20/03
Grupo 4: 22/03
Grupo 5: 03/ 04
Grupo 1: 10-12/04
Grupo 2: 17-19/04
Grupo 3: 24-26/04
Grupo 4: 03-08/05
Grupo 5: 15-17/05
Grupo 1: 22/05
Grupo 2: 24/05
Grupo 3: 29/05
Grupo 4: 31/05
Grupo 5: 05/ 06
Temas:
- Arte en el Tiempo.
- Formación Estética.
- Tratamiento Curricular.
- Tratamiento Pedagógico.
Estrategias:
Grupo 1: 1,2
Grupo 2: 3, 4,5
Grupo 3: 6, 7, 8
Grupo 4: 9, 10
Llanos (1988, citado por Murillo, 1996) sostiene que dentro de la actividad lúdica en la que
está inmersa la ludoteca, el niño es visto como una unidad "biopsicosocial", y como tal, se le
prepara un ambiente propicio para el desarrollo de su potencial físico, emocional e
intelectual, con elementos que interactúan y que van modelando a las futuras generaciones y
a la sociedad. El niño es el protagonista principal de una juegoteca. Todo el ambiente se
organiza de acuerdo con sus necesidades e intereses; es él quien va a crear, actuar y dar las
pautas por seguir en ese mundo lúdico. El desarrollo del pensamiento autónomo se logra no
tanto por lo que el niño hace, sino por cómo lo hace. Él puede efectuar asociaciones físicas,
matemáticas o científicas.
De acuerdo con Chaves (1990, citado por Murillo, 1996) es por medio del juego que el
infante se realiza en la juegoteca, utilizando a su modo materiales de desecho, logra organizar
su entorno creativamente. Así, la capacidad creadora se desarrolla no tanto por las habilidades
naturales, sino de acuerdo con las posibilidades que se le brinden para potenciarlas. (Murillo,
1996)
Conclusiones
A través de la danza y el teatro como manifestación artística, los estudiantes pueden formar
su gusto estético, utilizando el arte como peldaño para alcanzar una verdadera formación
estética, ocupando tanto el estudio de lo bello, como la realidad, naturaleza y los objetos
creados por el hombre. También se constituye por movimientos que tienen vínculo, por la
limpieza, el orden, la sencillez con la cual los ejecuta tanto en las obras de teatro como en la
vida diaria.
El mundo actual requiere cada día de personas más calificadas y especializadas para
poder continuar con el constante desarrollo y evolución de la humanidad. Muchas áreas de
conocimiento son muy importantes en cada país para poder dar productos y servicios de gran
calidad y cumplir con las expectativas del mundo actual, es por ello que la educación es tan
importante en la sociedad porque para poder tener un buen desarrollo personal es importante
estar al mismo tiempo en la constante evolución de nuestra cultura, política, economía y
progreso nacional.
Referencias bibliográficas
Sonia Carvonell Álvarez. EDUCACIÓN ESTETICA para jóvenes y adultos. Traducido del
portugués por. Margarita Mendieta. México 2012.
https://arteescenicas.wordpress.com/2009/10/06/unidades-didáctica-i-concepto-de-publico-
en-artes-escenicas/
http://definicion.de/danza/#ixzz3oBeXaTLp
http://educativa.catedu.es/44700165/aula/archivos/repositorio//1000/11397html/1queselmi
mo.html.
http://planiestraevaluac.blogspot.com/2012/01/planificacion-conceptos-elementos.html.
https://www.academia.edu/9743650/Teatro_y_Expresi%C3%B3n_Corporal
https://es.scribd.com/doc/313578085/Lenguaje-Corporal
http://www.profesorenlinea.cl/castellano/generodramatico.htm