MINIMALISMO.

CARACTERÍSTICAS FORMALES:

 Una primera respuesta podría resumirlas en:

abstracción, geometría elemental, austeridad y
monocromatismo. Ampliando el punto de vista,
cabria añadir la repetición. Una obra
minimalista seria, pues, una composición
tridimensional sencilla de formas geométricas
rectilíneas y regulares, sin efectos de
composición y sin ornamentación.
 En principio, esta corriente desborda los géneros
artísticos desde un punto de vista tradicional, ya
que no es, en sentido estricto, ni pintura ni
escultura.
 No es pintura porque las obras tienen volumen y
renuncian al ilusionismo que supone trabajar en
un espacio de dos dimensiones; no es escultura
porque, pese al volumen y al carácter
tridimensional, las obras carecen de parte de
composición.
 En el mismo sentido, ni pictórico ni escultórico, Sol
Le Witt hablaba de estructuras y Dan Flavin de
proyectos. El propio Judd se refería a sus trabajos
como objetos específicos, obras que no son signos
de nada y no tienen otras referencias que si
mismos, de ahí su especificidad. El arte
absolutamente libre no desemboca en cuadro ni
es escultura sino en objeto puro, dado que obviar
en lo posible la tradición europea era un
prepuesto fundamental para los minimalistas mas
radicales.
 Los minimalistas
trataron de crear nuevas
relaciones de volumen,
color y escala.
Igualmente trataron de
replantear las relaciones
del arte como objeto
(especifico) y entre el
objeto y el hombre como
artista. Y fue este nuevo
planteamiento el que se
produjo en Estados
Unidos a lo largo de loa
años sesenta.
 Robert Morris,
Instalación 1964.
 En esos años, la escena
artística estaba dominado
por el expresionismo
abstracto. Los
expresionistas planteaban
una clara analogía entre la
psicología interior del
artista y el interior
ilusionista de los artistas.
El arte quedaba así
convertido en metáfora de
las emociones humanas.
Una pintura que es un acto
es inseparable de la
biografía del artista. El arte
vuelve a la pintura por
medio de la psicología.
 La obra minimalista podría captarse en su
totalidad de una sola vez y de forma inmediata. Su
propia presencia era todo lo que había que ver en
los objetos. Cualquiera podría entenderlos a
primera vista. Su radical abstracción trata de
eliminar toda presencia del cuerpo humano en las
obras e impedir la proyección en ellas de cualquier
prejuicio psicológico.
 Nada de ilusiones, nada de alusiones decía
Donald Judd.
 Las ideas de abstracción geométrica,
austeridad y monocromatismo, presentes en
muchas tendencias artísticas, se concretaban
ahora en una búsqueda de la máxima
expresividad, sin expresionismo, conseguido
con los mínimos medios. De este modo, la
especificidad de los objetos minimalistas venia
dado, en primer lugar, además por ser
abstractos y austeros, por el uso industrial y
literal que hacían de los materiales.
 El uso de materiales
industriales, ladrillo, hacer,
aluminio, cobre, plástico,
luz fluorescentes, espejos
o vidrios, y la producción
industrial de las obras
aportaban una abstracción
perfecta en los acabados y
borraban cualquier huella
de la intervención del
artista. Es el triunfo del
galvanizado, el lacado o la
pintura de esmalte sobre
las pátinas o pintura al
oleo. La elección del
material es una toma de
postura.
Cuál es el significado de obra en formula de obra de
arte.
Resulta para mi fundamental no ensuciarme las
manos, decía Dan Flavin. Reivindico el arte como
pensamiento.
La forma de trabajar del artista se acerca así, a la
del arquitecto, que proyecta pero no ejecuta
personalmente sus obras. Por su parte, la defensa
del arte como idea acercaría algunos al terreno del
arte conceptual, un ámbito en el que la aportación
de Sol Le Witt fue decisiva.
 Además de ser producidos industrialmente, en las obras
minimalistas los materiales son usados literalmente, no
se camuflan ni manipulan para parecerse a nada. Se
rompe de este modo con la estrategia de la escultura
de, por ejemplo, representar la carne humana con el
mármol, pasado de lo literal a lo metafórico y
convirtiendo un material en signo de otro. Huyendo de
todo ilusionismo, los objetos interesan por su material,
su color y su volumen, tomados en lo que son, no en lo
que pudieran representar.
 Se trata de pasar a la representación a la presentación,
de la esfera de las apariencias a la esfera de las
realidades.
 Si las obras minimalistas
rechazan cualquier
lectura histórica,
metafórica, “No existe el
hombre interior” o
impresionista, su afán se
cifra, necesariamente,
en la percepción; no en
qué significan las cosas,
que no significan mas
que en ese ser cosas,
sino en cómo se
perciben.
 La escultura y la arquitectura comienzan a diluir
sus fronteras. Es ya arquitectura o es todavía
escultura?
 La escultura ya no es aquello que estaba sobre o
frente a un edificio y que no era el edificio, o
aquello que estaba en el paisaje y que no era el
paisaje.
 Basta echar un vistazo a la evolución de la
escultura contemporánea para comprobar cómo
ha ido expandiendo su campo hasta modificar su
relación con la pintura, los edificios o el paisaje.
 En primer lugar hay que
considerar la tendencia
moderna a distanciarse
de la figuración y de la
lógica de monumento. Con
este distanciamiento, la
escultura tiende a la
representación de sus
propios materiales y hacia
la fetichizacion de la base,
la apropiación del
pedestal. La nueva
preocupación por crear
formas abstractas en el
espacio coinciden,
precisamente, con una
investigación tradicional de
la arquitectura.
 En segundo lugar, los
escultores comienzan
a emplear en sus
trabajos los nuevos
materiales, hormigón,
acero, vidrio, y técnicas
constructivas que la
arquitectura había ido
incorporando a la
industria.
 Finalmente, la propia
arquitectura del movimiento
moderno se había decantado
por una depuración que supero
los tradicionales estilos
históricos. Mas allá de
cariátides y adornos, los
caminos de la arquitectura y la
escultura iban a correr paralelos
a la abstracción. Pese que el
termino minimalismo extendió
su fortuna desde las artes
plásticas hasta parte de la
arquitectura actual, fue mayor la
influencia en la escultura de la
sobriedad del movimiento
moderno arquitectónico que la
de aquella en éste, siquiera por
pura cronología.
 El uso de la geometría primaria, la elaboración
industrial, las superficies puras y la búsqueda
de imágenes simples de apreciación inmediata
eran presupuestos de la escultura minimalista
que, en cierto modo, constituyen para la
arquitectura la culminación de los
presupuestos de la modernidad.
 Por otro lado, algunas piezas
minimalistas dependen
conceptual y físicamente de la
arquitectura. Como simples
formas rectilíneas, repiten las
formas arquitectónicas, su
disposición esta en paralelo
con los planos que conforman
la construcción, el suelo, el
techo y las paredes. La nueva
escultura paso en los años 60
de crear objetos o estructuras
colocadas en el espacio a
proyectar piezas que definían
un espacio.
 En Donald Judd, la
fidelidad a los materiales
se orienta a eliminar todo
efecto ilusorio, para que el
espacio representado se
corresponda con el real.
 En esto coincide con la
defensa de Mies van der
Rohe: la honestidad mayor
de la construcción se da
cuando un edificio esta
levantándose aun y se ve
su estructura, ya que de
ésta tendría que derivar su
forma.
 La escultura se libera de las servidumbres del
antropomorfismo, traducido en estatuas y
monumentos, a través de una abstracción
absoluta ajena a todo símbolo y a toda función
mas allá de la pura forma.
 La arquitectura, por su parte, tomaba la vía
funcionalista como camino de liberación: la forma
vendría marcada estrictamente por la función, sin
concesiones estilísticas o representativas.
 En un discurso en 1938 Mies
afirmo: queremos un orden que
otorgue a cada objeto su sitio. Y
queremos dar a cada objeto
aquello que le corresponde por
su esencia. Queremos hacer
todo esto de una manera tan
perfecta que el mudo de
nuestras creaciones empiece a
florecer desde su interior.
 Para Mies solo puede ser bello
lo autentico, y solo la
autenticidad garantiza la
belleza, el uso literal de los
materiales y el cuidado de los
detalles en los acabados ha de
ser total. En Mies la nueva
belleza se manifiesta mas en la
sustracción que por adición, en
un proceso muy estricto que
elimina todo lo que no es
esencial.
  Reducción y síntesis.
 Una primera cualidad del
minimalismo arquitectónico
estriba en la idea de
reducción. Frente al exceso y
el desorden, reducir para
limpiar, para poder elegir,
para poder hacerlo. John
Pawson, el arquitecto ingles
que ha hecho el minimalismo
su sello, define este
tratamiento, aplicado al arte,
a la arquitectura y al diseño,
como la cualidad que un
edificio posee cuando cada
componente, cada detalle,
cada junta y cada entrega ha
sido reducido o condensado
a su esencia.
 Igualmente en el campo de las creencias numerosas
religiones comparten un ideal de pobreza que culmina
en la no posesión. Desde el budismo Zen hasta la
organización domestica y civil de los cuáqueros
protestantes, a la pobreza material unida a la riqueza
espiritual ha sido predicada con insistencia desde los
mas diversos credos.
 Reducido a lo esencial, a lo mínimo, el minimalismo
aboga por una cierta verdad, una autenticidad de los
lugares y de los objetos, una desnudez alejada del
expresionismo para llegar a la expresividad. Una
radicalidad para la que, según Le Corbusier y Mies, se
requiere una especial disposición del espíritu.
 Una relación de edificios
minimalistas incluirá inmuebles
compactos de geometrías
simples y rectilíneas, de
fachadas uniformes y
consistentes que, desde su
sencillez y contundencia,
también encuentran eco y
precedentes en la historia de la
arquitectura. Las fachadas se
convierten en planos corridos,
hormigón, piedra vidrio.
 Museos, galerías, centros de
exposición y comercios son
tipologías en la que la
arquitectura desnuda no debe
entrar en competencia con el
producto expuesto, forzando que
sea el propio producto que
diferencie tipológicamente el
espacio o sirva de reclamo
comercial.
LA OBRA DE ARTE, PARADIGMA DE LA
ARQUITECTURA.
 A finales del siglo XX, cuando las posibilidades
tecnológicas aumentan a ritmo acelerado, puede
parecer paradójico que la arquitectura rehúya la
producción en serie e intenta cobijarse en el campo no
normalizado de la obra de arte contemporáneo (Todo
vale; Postmodernidad).
 Se trata de una reacción a la corriente tecnificada del
mundo. Sea como fuera, existe una posición
arquitectónica que busca en la obra arte y sus
componentes irracionales un modelo que la legitime y
que estructure sus procesos de investigación formal.
 Y en el campo del diseño
radical de los años 60 y
70, especialmente en
Italia, también se produjo
un intenso cruce entre el
diseño industrial y la obra
de arte. Como critica al
diseño de matriz
racionalista de la tradición
de la Bauhaus y la Escuela
de Ulm se busco la salida
de la artisticidad del
diseño. Las obras
promovidas por
diseñadores industriales
se situaban en el campo
de la obra artística
irrepetible.
 El artista plástico, símbolo del éxito y del
prestigio social, trabaja las obras una a una, de
manera artesanal, planteando la síntesis
personal de muy diversas influencias plásticas.
Al mismo tiempo, los artistas plásticos,
movidos por un reaccionario deseo de rechazar
cualquier etiqueta de tendencia o posición
artística, han tendido a defender un panorama
de estricta multiplicidad e individualidad.
 Todo ello ha movido al
arquitecto a intentar
desarrollar un método
arquitectónico que tiende a
aproximarse a los
mecanismos de la creación
artística. Se renuncia, en
principio, a la producción en
serie y a la industrialización
radical; cada obra, en
cambio, será singular,
mantendrá una relación
única e instrumental con el
contexto, con el usuario o
con las arquitecturas
prexistentes.
 Para estos arquitectos, el método del arte, con su
rechazo a la producción masiva, a la dictadura de la
tecno ciencia y al despilfarro, puede ser el camino
personal adecuado para orientarse en una época de
dispersión y desorientación. En una época de transición
y duda, lo mas ético seria plantear una arquitectura
débil, fragmentaria, hecha de materiales
intercambiables, algo que respondan al desorden y
provisionalidad de la situación contemporánea.
 Frank Gerhy ha
desarrollado una obra
basada en el ensamblaje
artesanal de diversas
formas simples prismas,
cilindros, torres, esferas,
etc.; su obra es una clara
tendencia a esta
arquitectura dúctil, flexible
y plástica como el arte.
 La obra de Gerhy arranco
de la explotación de las
cualidades plásticas de
materiales de mala
reputación como cartón,
alambre, maderas
laminadas, telas
metálicas, planchas
prefabricadas, etc.
 Su propia casa en Santa
Mónica, California (1977-
1978), realizada por fases,
como collage de
materiales baratos, y sus
diseños de muebles de
cartón serian una primera
muestra de esta vía.
 Influido por las
arquitecturas y objetos
popular, Gerhy plantea
proyectos que sean una
fiesta de volúmenes,
materiales, texturas,
colores y objetos;
proyectos en los cuales
haya una densidad
máxima de referencias.
 En su obra se manifiesta la
colaboración con artista
plásticos como Ron Davis,
Claes Oldemburg o Richard
Serra y se expresa su
simpatía hacia la experiencia
de personas como Andy
Warhol, Jasper John y otros.
 El proyecto para Chiat Day en
Main Street California recurre
a un gesto iconográfico: la
puerta gigante esta
constituido por un binocular
colocado verticalmente,
ideado por Oldemburg, que
se refiere a la puerta clásica
escoltada por dos columnas.
RICHARD SERRA
VERSUS FRANK GERHY.
 Coop Himmelblau,
formado en 1968 en
Viena, ha llegado a sus
propuestas recientes, en
cuadradas por la critica
multinacional y simplista
dentro del
deconstructivismo, a
partir de un ardua
trabajo en proximidad al
arte, experimentando
con el pop y las
posibilidades de la alta
tecnología.
 Sus proyectos emblemático
inicio con dibujos
garabateando con los ojos
tapados. Con este proceso se
intenta eludir los mecanismos
de la razón, partiendo de un
instantáneo dibujo
automático, haciendo aflorar
toda la energía que esconde
el inconsciente y condensa la
mano. Evidentemente, el
método de proyección
utilizado explicita un renacer
del surrealismo. Con el objeto
de conseguir una arquitectura
totalmente libre, se abandona
cualquier forma
preconcebida.
 Emilo Ambasz, de origen
argentino, ha desarrollado
una arquitectura de cristal,
semihundida entre masas de
vegetación y rodeadas de
lagos. Con formas
minimalistas, muros,
pirámides, etc., se crea una
especie de espacios
virtuales, de construcciones
mentales que establecen un
dialogo entre lo artificial y
natural. Así lo cotidiano se
halla sumergido entre la
tierra y la vegetación, en
cambio, lo conceptual y
simbólico se eleva hacia el
cielo en forma de volúmenes
de cristal.
 La mayoría de las obras y los arquitectos que se han
citado tienen diversos puntos en común: referentes
predominantes en el mundo del arte, énfasis puesto en
la idea y dibujos iniciales asimilables a obras de arte, a
trazados realizados por verdaderos artistas; búsqueda
de una especie de vanguardia interior en la
introspección y las experiencias de la infancia,
recuperación de los mecanismos de automatismo y el
equilibrio sensorial de los surrealistas; defensa de la
libertad expresiva.
 Estas fuertes relaciones
entre vanguardias artísticas
y arquitectónicas son una
constante de toda la
evolución del arte y la
arquitectura de los últimos
tiempos.
 De hecho para la
arquitectura es vital
introducir innovaciones que
primero se hayan tanteado
visual y plásticamente en
otros campos artísticos de
mas fácil transformabilidad
y experimentación que la
arquitectura.