IMPRESIOMISMO Y VANGUARDIAS

04.03.2016  Clase 1

Se abarcará desde fines del S.XIX hasta el día de hoy.

Hasta antes de la segunda guerra mundial la sede mundial del arte era París (y el
lenguaje del arte era generalmente el francés), pero después el centro se traslada a Nueva
York (y el lenguaje del francés al ingles).

Hay arte desde la prehistoria. La diferencia entre el hombre y el animal es que

pueden pensar sobre sí mismos. Desde 24.000-6.000 a. C. se considera prehistoria.

Este curso se concentrará en el mundo occidental. Esto se debe a que el mundo

oriental, en cuanto a arte, es muy desilusionante, muy inmovilista.

Arte paleolítico

- Cuevas de Lascaux.
- Altamira. Las venus gordas (arte rupestre o de las cavernas)

Arte neolítico (4.000 a.C.)

Aquí encontramos el arte egipcio. Las pirámides egipcias nos evidencian que ya
desde la antigüedad existía la abstracción; las pirámides son arte abstracto (figuras
geométricas).

Luego viene el arte sumerio, babilónico y asirio.

Luego el arte griego.

Luego el arte romano.

1
 Luego viene el arte bizantino. Aquí comienza la época cristiana. Hay un cambio
fundamental en el arte. Por primera vez ahora se considera lo feo como belleza.

Luego viene el arte románico (S. XI-XII). Se llama románico únicamente por el uso
del arco de medio punto (usado por los romanos).

Luego viene el arte gótico (S. XIII-XV). Las grandes catedrales góticas están en
Francia.

Luego viene el arte renacentista (S. XV-XVI). Toma y transfigura todo lo recibido
por Roma.

Entre el renacimiento y el barroco hay un movimiento que se llama el manierismo.

Cambió gran parte de Europa, su modo de pensar y sobre todo con Dios. Está relacionado
con el luteranismo. Mejores exponentes: Miguel Angel, Greco, Tintoreto.

Luego viene el arte barroco. Le dieron el nombre debido a la perla barroca, un arte
tan especial como aquella perla.

Luego viene el arte rococó. Arte derivado del barroco. Una vez que con Napoleón se
acaba la revolución francesa, aparece el neoclasicismo.

Luego viene la Revolución Francesa. Logró terminar con el arte cristiano.

Ahora comienza el S. XIX

Siglo SIX:

Comienzan las corrientes. En arquitectura el S. XIX es desastroso, no es capaz de

crear nada, en escultura pobrísima.

En el S. XIX hubo un gran avance en varias cosas: música (Bethoven, Wagner,

Verdi, Tschiacosky, etc.), en la literatura (Tolstoy).

2
 Siglo XIX

1800-1850 1850-1900

Neoclacisismo Realismo

Romanticismo Impresionismo

En 1841 Marx escribe el Capital, hecho que influye muchísimo el arte.

En Chile durante el Gobierno Militar fue el período donde más arte se produjo
(ejemplo de la jaula con la corbata invertida en forma de horca).  Hay que saber
distinguir entre el arte panfletario del arte sublimado.

NEOCLASISIMO

Es el arte oficial de la Revolución Francesa. Es una vuelta a los ideales greco-

romanos.

El vestido común del rococó era el que usaba María Antonieta; con unos alambres
que lo ensanchan y unas cortinas muy finas que caen desde la cintura al suelo.

La vestimenta se caracteriza por su simplicidad formal y por inspirarse en la

antigüedad greco-romana.

En escultura también se imitan los modelos greco-romanos. Tienen un solo escultor

importante: Canova. Es un buen escultor, pero poco novedoso.

3
 Más calidad se encuentra en la pintura. 2 artistas importantes:

- Louis David. Gran dibujante que sabe testimoniar los ideales de la Revolución
Francesa y después los del imperio napoleónico. Pintó escenas históricas. Una obra
importante es la Coronación de Napoleón.
- Ingres. Superior a Louis David. Él supo unificar los modernos antiguos con lo
natural y viviente. Sus retratos, que es lo mejor que hizo, reúnen grandeza y
delicadeza.

En general el neoclasicismo tiende a lo teatral y lo retórico. Académicamente frío

(pintura que no tiene vitalidad). Sus temas principales son históricos. No obstante, cumple
los anhelos de la ilustración, siendo fácilmente comprendido por el público. A pesar de ello
su éxito fue breve siendo ampliamente superado por el romanticismo.

11.03.2016

ROMANTICISMO

Paralelo al neoclasicismo y totalmente contrario al neoclasicismo. El Romanticismo

era una tendencia bastante alocada para la época. Aunque en un principio fue
menospreciado, terminó imponiéndose al neoclasicismo y alcanzó una mayor amplitud
de difusión.

En general se caracteriza por gustar de lo pintoresco, de las costumbres exóticas, por

su sentido del paisaje; el artista se identifica con la naturaleza. Tiende a lo trascendente,
hay una vuelta al catolicismo (como respuesta a la Revolución Francesa).

Sus tres grandes pintores:

1. Delacroix: Muy buen pintor (superior a David e Ingres). Es un gran colorista y

muestra una contenida emoción.
2. Turner: Es un inglés que ve la naturaleza como un estado del alma. Sabe pintar
notablemente las nubes y el agua. Sus figuras se vuelven difusas.
3. Goya: Español que vivió tanto el rococó como el romanticismo. El Goya
romántico es el más importante. Las invasiones napoleónicas a España le

4
 sirvieron para sus grandes obras. Ese es el Goya trágico-romántico. Aquí son
muy importantes sus grabados sobre los desastres de la guerra. Sus grabados
tenían la particularidad de que los creaba con ácidos.

18.03.2016

EL REALISMO

La segunda mitad del S.XIX corresponde a la industrialización de Europa, con su

consiguiente desarrollo económico. Se genera una sociedad burguesa. Esto se refleja en el
arte provocando una visión más materialista que prefiere representar lo más real y tangible.
También sus pintores buscan facilitar la comprensión del público (así venden más).

Es un arte eminentemente burgués (sin ideales), al mismo tiempo se intensifica la

observación de la naturaleza y se recoge la inquietud social que comienza a desarrollarse en
ese tiempo (las diferencias sociales) y se empieza a representar la miseria (recordemos que
en 1851 se escribe El Capital). Todas estas características las reúne el realismo.

Tuvo gran éxito en el público. Todo el mundo lo entiende. Los chilenos ricos del salitre
de finales del S. XIX que viajaban a Europa se trajeron muchísimas pinturas realistas. Gran
equivocación, si hubiesen comprado pinturas impresionistas, extremadamente baratas en
esa época, hoy serían riquísimos.

Es un arte materialista, de lo reconocible.

La pintura y la fotografía no tienen nada que ver. Cuando la pintura quiere ser igual a la
fotografía fracasa; porque el arte no puede copiar todos los detalles de la realidad. El arte es
transfiguración, no copia. El arte “fotográfico” es simplemente anecdótico.

Sus personajes son gente común.

El realismo descubre la pintura al aire libre (un cambio muy importante). Eso sí, sin
pensar todavía en representar los cambios atmosféricos.

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 Sus principales pintores son:

1. Courbet: Representa las figuras desde muy cerca, destacando el volumen,

produciendo un efecto táctil. Tuvo gran influencia en su época, y es el que mejor
refleja el enfrentamiento entre capital y trabajo; refleja la inquietud social y, a
veces, la miseria. (francés)
2. Corot: Pintura paisajes, donde consigue una especial unidad de conjunto
(armonioso) a través de colocar un punto luminoso de color que domina el cuadro
entero. (francés) (puente de mantes)
3. Constable: Estuvo a punto de ser él el primer impresionista, a punto de hacer la
división de los colores, pero no se atrevió. (ingles)
4. Manet: (el mejor de los 4). Tiene un período muy vinculado con los impresionistas.
Los temas de Manet resultan muy novedosos, por ejemplo: Desayuno sobre la
hierba y Olympia (realista).

Escuela de Barbizon  Fue el conjunto de pintores franceses reunidos en torno al

pueblo de Barbizon (París). Aquí se encuentra Corot y Constable.

EL IMPRESIONISMO

Último tercio del siglo XIX. Es de las cosas más radicales que se ha hecho. Estamos
en una sociedad próspera. Aparece un grupo de pintores franceses que van a proponer
una forma distinta de pintar.

El renacimiento ya no corre.

Nos encontramos con un ambiente en que la fotografía ya tiene mucha influencia.

Hay una cosa que la fotografía prueba que es el asunto temporal; la fotografía capta el
instante. Este instante influenciará al impresionismo.

Se descompone el color. La figura pierde autoridad.

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 Nace un nuevo modo de ver la realidad. El nombre impresionismo nace cuando en
Francia, en el Salón de otoño (institución que exponía a todos los pintores nuevos)
fueron rechazados los cuadros de estos impresionistas. Estos impresionistas tuvieron, en
consecuencia, que exponer en un salón del fotógrafo Nadar. Cuando expusieron ahí, un
crítico realista se fijó en el cuadro Impression soleil levant de Monet y de ahí se quedó
el nombre Impresionismo.

Los impresionistas someten al ojo del espectador a una experiencia nueva. Haciendo
que el ojo toma una parte activa en la apreciación de la obra de arte.

Características formales de la pintura impresionista:

- La técnica del impresionismo consiste en pinceladas divididas y yuxtapuestas (una

al lado de la otra) de colores puros (antes se pintaba con colores mezclados)
- Pinceladas divididas, puestas una al lado de la otra del pigmento tal como sale del
tubo, exige la acción del ojo; así éste debe mezclar los colores (esto no lo hacían por
novedad, sino que por una necesidad: querían un modo distinto de pintar).
- Desaparece la línea.
- Los volúmenes corporales se eliminan y la forma se define de acuerdo a la
luminosidad del momento del día y de la estación del año (el cuadro se atmosferiza
completamente).
- A estos pintores le interesa, por lo tanto, representar el instante fugaz de sus
modelos y para ellos, más importantes que las cosas, son las apariencias.
- Las sombras se pintan de color violeta.

Los cuadros impresionistas adquieren una vitalidad, una ligereza y una espontaneidad
desconocida hasta entonces.

En esta época dominaban los realistas. Los 6 impresionistas1 eran mirados como unos
locos; nadie los tomaba en serio.

1
Muchas veces se confunde los pintores impresionistas y se consideran como tal a pintores como Van Gogh,
Cézanne y Gaugin; pero no son impresionistas. No son impresionistas porque no renuncian a la línea de
contorno.

7
 01.04.2016

Los pintores impresionistas importantes son (importantes señalar que por primera vez
aparecen dos importantes pintoras, Morisot y Cassat):

1. Monet
2. Renoir  Pinta muchas mujeres.
3. Sisley  Sobre todo paisajes.
4. Pissarro  Le encanta representar árboles y esconder cosas detrás de éstos.
5. Morisot  Temas femeninos. No tiene la genialidad de los otros 4 hombres. Es
la menos brillante de los 6.
6. Casat  Temas femeninos. Más brillante que Morisot.

También el impresionismo contó con el mejor escultor del S.XIX:

7. Rodin  Tiene mármoles y bronces2 notales (sobre todo bronces). Tiene obras
importantes como El Pensador, el Monumento a Balzac o las Puertas del
infierno.

NEOIMPRESIONISMO (o Puntillismo)

Dura hasta comienzos del siglo XX.

Es la continuación inmediata del impresionismo. Sus pintores utilizan la técnica

impresionista de acuerdo a un modo científico como producto de los últimos
descubrimientos de la óptica. O sea hacen la pintura de acuerdo a un método estricto de
puntos, que reemplazan a las pinceladas cortas del impresionismo.

Produce una pintura fría y rígida. Eso no impide, sin embargo, que cuente con dos
buenos pintores:

1. Seurat
2. Signac

2
La técnica del bronce es hacer el molde y con éste las esculturas.

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 Dégas  Pintor muy importante muy influido por el impresionismo, pero no es
impresionista porque mantiene siempre la línea de contorno de las figuras. Sus magníficas
pinturas abarcan sobre todo dos temas principales: la hípica (carreras de caballo) y las
escenas de ballet (coloca a las bailarinas dentro de un ambiente cromático casi de ensueño).
Usa líneas rectas, nada de puntos.

08.04.2016 (clase después de la prueba 1)

En Japón paralelo al impresionismo (fines del S. XIX) se comenzó a exportar

grabados (con los que envolvían las porcelanas). Los impresionistas quedaron maravillados
con los grabados. Estos grabados tenían la particularidad de hacerlos sobre figuras cortadas,
que potencia la imagen (por ejemplo un grabado de la mitad de un caballo). Los
impresionistas comenzaron a utilizar esta técnica de cortar la imagen.

Toulouse- Gráfica del siglo

Lautrec XX y afichistas

Gauguin Fauvismo
4 pilares del
siglo XX
Van Gogh Expresionismo

Cézanne Cubismo Abstracciones

Son cercanos al impresionismo y expusieron juntos. Fueron tan despreciados como

los impresionistas. Sin embargo, sus pinturas son completamente independientes y es la
base de las principales tendencias del siglo XX.

TOULOUSE-LAUTREC:

Hijo del conde Toulouse-Lautrec. Se cayó de niño por las escaleras; desde el tórax
hacia arriba le creció normal pero sus piernas quedaron chicas (deforme). Desde niño tuvo

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problemas con su padre, lo único que hacía era pintar. Cuando se mudó a París dormía de
día y pintaba de noche.

Nadie como él ha pintado mejor el movimiento. Se le considera uno de los mejores

dibujantes de la historia del arte. Murió en 1901 a los 37 años. Sus modelos son los
burdeles y los cabarets (el famoso Moulin Rouge) de París. Fue alcohólico y drogadicto. Le
fue mal en vida, era mantenido por su mama (a escondidas de su papá).

Como pintor parte de Dégas (discípulo), pero lo supera ampliamente.

Características de su obra:

- Representa el movimiento de una manera magistral.

- A diferencia de los impresionistas, conserva siempre la línea de contorno y
desprecia el pintor al aire libre.
- Llega a caricaturizar el movimiento. Y capta el gesto individual más preciso.
- Además de pintor, es el más grande afichista.
- De él deriva toda la gráfica del siglo XX y todos los afichistas posteriores.

15.04.2016

GAUGUIN:

Empleado de un banco, tenía una mujer y 5 hijos. Conoció a los impresionistas y le

gustaba pintar los fines de semana (desde temprano los impresionistas se dieron cuenta de
su genialidad artística). Pronto se fue a pintar a una isla hawaiana abandonando a su
familia. Conoció ahí a una hawaiana y tuvo problemas con el cónsul por su alcoholismo.

Frase de Gauguin famosa: “El arte es una abstracción, sacadlo de la naturaleza,

soñando ante de ella”.

Características de su pintura:

- Trazos de contorno muy marcados y dejaba marcada la figura de contorno.

- Exótica y cálida armonía de colores, que nadie había usado antes.

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 - Por sus perspectivas inesperadas y múltiples3. Varias perspectivas a la vez, eso es lo
notable que tiene.
- Síntesis del paisaje.
- Figuras planas.

Gauguin parte del impresionismo, recibiendo las influencias de los grabados

japonesas, los vitrales medievales (figuras separadas unas de otras). Sus cuadros algo
tienen de enigmático.

La fuerza expresiva de sus colores exóticos e intensos tuvo influencia decisiva en el

futuro fauvismo. También influyo en dos tendencias contemporáneas suyas: el
simbolismo y el nabis.

VAN GOGH:

Era un holandés protestante. Quiso desde joven ser pastor protestante. Ya desde
chico dibujaba bien. Su obispo, que notó que este joven era bastante especial, lo mandó a
misionar a las minas de carbón. Ahí comenzó a pintar; sus primeras pinturas fueron las
pinturas negras. Luego comenzó a trabajar en una galería de arte en donde conoció al
impresionismo. Después de la época negra tuvo un pequeñísimo tiempo muy influenciado
por el impresionismo.

Su gracia es que pintó mucho. La pintura de sus últimos 4 años de vida es enorme.
Estas pinturas son de una calidad impresionante. Se suicidó cuando estaba pintando un
cuadro de trigo, obsesionado por los cuervos que se comían el trigo, se angustió con éstos y
pensó que eran enemigos de él y que los iban a comérselo; fue tanta su angustia que se
mató de un escopetazo (estuvo 2 días agonizando).

En Provenza se encontró con Gauguin y para abaratar se fue a vivir junto a él

a una pensión de mala muerte; ahí pintaron juntos. Cuando vieron juntos una exposición de
Delacroix, quedaron fascinados. Desde ahí comenzó una discusión entre ambos sobre los
colores de Delacroix. La reacción de Van Gogh ante esta discusión fue cortarse su oreja y

3
Matta es el maestro de las perspectivas múltiples.

11
se la envió como regalo a una prostituta que le gustaba. Ella lo acusó a la policía, y fue
preso. Esta fue la primera manifestación de locura de Van Gogh.

Esquizofrénico en relación a la vida. De relación con los demás como pintor fue
completamente normal y de una lucidez admirable. Siempre tuvo inquietudes religiosas.

Él, al comienzo pintó escenas de las minas de carbón sin mayores de rastros de
genialidad, pero el conocimiento de la pintura impresionista y la influencia de Gauguin y
del grabado japonés hicieron su estilo inconfundible.

Su obra realmente genial la realiza entre 1885 y 1890. En estos 5 años llegó a pintar
en 15 meses 200 cuadros.

Características de su pintura:

- Colores puros y directos y en contrastes intensos.

- Esos colores los aplica como pasta gruesa dispuestos con dinámica violencia (trazos
ondulados). Esto es invento de Van Gogh, no se había visto antes.
- Deforma sus figuras de una manera muy sugerente.
- El color manifiesta sus estados de ánimo y sus distintos sentimientos.
o amarillo: optimismo y amor.
o rojo y verde: representan las terribles pasiones humanas.

De éste saldrá el movimiento expresionismo. Una de las tendencias de mayor

duración durante el siglo XX.

22.04.2016

La deformación de la figura en Van Gogh lo hace con fines expresivos. Para

darle más expresión al cuadro. Por esto de él nacerá el expresionismo.

La noche estrellada es probablemente uno de los mejores cuadros que hay

en el Moma.

Sus primeros cuadros, los de la época del realismo, no tienen la genialidad

de sus cuadros posteriores (ej: el de las botas).

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CÉZANNE:

Es totalmente distinto a los anteriores. Sus cuadros son mucho más calmados que
los anteriores. Producía sus cuadros en mucho tiempo. Es mucho más frío, más medido.

Es el más moderno de los 4: es más del siglo XX que del XIX (a diferencia que los
3 anteriores).

Recién se rebela como innovador en 1895. Tiene un primer período influenciado por
el impresionismo, aunque conservado siempre el volumen de la figura y su delimitación
con el espacio circundante.

Características de su pintura:

- A partir de sus madurez pinta a partir de una estructuración rigurosamente

arquitectónica de la composición (distinto al modo instintivo de Gauguin)  Pinta
lenta y dificultosamente (estudiaba con mucho cuidado sus modelos).
- Es el más anti impresionista de los cuatro pintores, pues busca conquistar cuanto
tiene de estable la realidad  para eso introduce en sus cuadros la forma
geométrica. Para Cézanne, la figura humana son formas geométrica.
- Es casi pura naturaleza muerta y retratos.

En Cézanne tiene su origen el cubismo y, a través de él, las distintas abstracciones del
siglo XX (hay dos formas las figuras geométricas y las manchas).

Cézanne era el único de los cuatro que era absolutamente normal. Fue el que tuvo más
larga vida de los cuatro, el único que alcanzó a ver el éxito del Impresionismo. No tuvo
ningún problema económico.

Hay un 5to pilar del siglo XX que consideramos aparte, pues es mucho más joven, pero
cuya influencia vanguardista es la mayor de todos: Marcel Duchamp.

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 FAUVISMO

Primera tendencia del siglo XX. Constituye una consecuencia de la pintura de

Gauguin. Nace en París en 1905 y se dio a conocer en una exposición que causó escándalo
en el público y en los conocedores en un local totalmente marginal.

Un crítico se fijó en el local en que se hacía copias en yeso de figuras de Donatello

en donde se encontraban también estas pinturas fauvistas. El crítico relató esto como
“Donatello en medio de las fieras” haciendo referencia a estos cuadros agresivos, de ahí
quedó el nombre Fauvismo (que hace referencia a fieras).

Se caracteriza por la intensidad de sus colores puestos en contrastes extremos.

En síntesis la esencia del Fauvismo es el color. ¿Qué es el fauvismo? La

expresividad a través del color.

Con esto sus cuadros poseen una luminosidad vibrante y en ellos el color lo es todo.

Sus principales pintores:

- Matisse: Uno de los mejores coloristas del siglo XX.

- Derain:

Sus cuadros muestran una gran simplificación e la figura (como cuadro de niño), pero al
mismo tiempo un ritmo lineal que llega al arabesco.

CUBISMO

Es una de las tendencias más rupturistas de la historia del arte (la gracia de la
ruptura es crear algo nuevo, o sino no tendría ninguna gracia). Nace a comienzos del siglo
XX a partir de Cézanne.

Lo inician simultáneamente el francés Braque y el español Picasso.

¿Qué es el cubismo? El cubismo comprende la tarea de representar el volumen en el

plano (cosas planas que aparezcan con volumen) y de crear nuevas imágenes. Estas dos
búsquedas son sus características esenciales.

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 29.04.2016

Para conseguir sus dos propósitos, antes mencionados, representan simultáneamente las
distintas caras de un mismo objeto, visto desde distintos ángulos y basado en la
estructuración geométrica de la forma. O sea, se yuxtapone en un mismo plano las varias
caras de las figuras representadas.

Esto tiene una consecuencia: se elimina el elemento sicológico, la identidad, en la

pintura (ya no se interpreta la figura, ya no expresa nada la figura, todo lo que individualice
la figura: ya no se sabe, por ejemplo, si la persona esta seria o no).

A través de estos procedimientos se va produciendo un aniquilamiento de la figura

reconocible. Esto conducirá más adelante a las abstracciones.

Cézanne produce el cubismo, y el cubismo a su vez produce las abstracciones.

La naturaleza muerta y el retrato son los principales temas del cubismo.

El cubismo muestra dos etapas:

i. El cubismo analítico: Es el más conocido. Se caracteriza por su austeridad y poco

color (colores apagados, grises, etc.). Así mismo introduce letras o palabras con
sentido ornamental y sobre todo crea collages. El collage consiste en pegar cosas
sobre el cuadro (papeles, pedazos de madera, tickets de teatro). Es lo más contrario
al fauvismo4.
ii. El cubismo sintético: Se caracteriza por una coloración muchísimo más encendida.

El cubismo parte con el francés Braque y el español Picasso, pero Picasso, además
de cubista, pasa por otras etapas creativas (expresionismo, neoclásica, etc.). Braque es
más tranquilo, mas estático, que Picasso.

Otros cubistas importantes son Juan Gris (español), y Villon (francés).

4
El fauvismo es la expresividad a través del color, mientras que el cubismo niega la expresividad y niega los
colores fuertes.

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