La moda a través de la historia

Les presentamos un breve reportaje sobre la evolución de la moda a través de la

historia y el uso de diferentes técnicas y materiales.
La historia de la moda refleja la evolución cronológica de las prendas de vestir. El vestido
es una necesidad básica para el ser humano, para protegerse del frío y de las inclemencias
del tiempo. Durante su evolución, el ser humano ha ido perdiendo el pelo, que ha tenido
que suplir con pieles de otros animales o, más tarde, con lana o productos vegetales como
el lino y el algodón.
La moda es algo muy antiguo. Empieza con la aparicición del Homo Sapiens. En este
momento sus vestimentas consistían en pieles de animales que cazaban. En el Neolítico,
el ser humano aprendió a tejer e hilar.
Respecto a las primeras civilizaciones, en Egipto, ya se hacían prendas más elaboradas y
como material principal, se utilizaba el lino; mientras que en Mesopotamia, se solía vestir
con largos mantones de lana adornados con franjas de colores vivos, pliegues y mechones
de tela.
En Grecia se utilizaba el lino, la lana, el algodón y la seda. El vestido más antiguo, era la
exomis. En esta época, la moda ya era una forma de diferenciación de clases sociales: los
campesinos vestían con pieles curtidas o vestidos gruesos de lana con un gorro de cuero
llamdo kyne; las clases más altas llevaban vestidos de lino o lana fina, llamados quuitón;
las mujeres llevaban una túnica larga denominada peplo.
Los pueblos germánicos introdujeron el acto de coser la ropa. Usaban prendas de lana, la
mayoría de veces una túnica corta de manga larga, unos pantalones o calzones largos y un
sayo. En la Edad Media se seguía utilizando la lana, siendo así el material más utilizado.
También destacó como material el lino fino, que se utilizaba para camisas y calzas.
Respecto a los atuendos, el masculino consistía en dos túnicas, una a modo de camisa
hecha de hilo (brial) y otra compuesta de lana, más larga, con mangas estrechas y ceñida
a la cintura con un cinturón; además de de calzones y capa. El atuendo femenino también
tenía dos túnicas, pero diferentes a las de los hombres: una interior de mangas estrechas
(camisia) y otra larga hasta los pies (estola). Para acompañar la vestimenta, las mujeres
llevaban una capa, manto o clámide y, muchas veces, también un velo. En el Medievo
también fue corriente el uso de guantes, de hilo para el verano y de piel para el invierno. A
partir del siglo XII, aumentó el uso de seda y algodón. En el siglo siguiente, apareció el
terciopelo.
Fue en el Renacimiento cuando surgió el concepto de la moda como lo entendemos hoy.
Se introducieron nuevos géneros y la costura fue adquiriendo más profesionalidad. En la
Italia renacentista aparecieron los trajes más espectaculares de la historia, de colores vivos
y formas muy originales. En el siglo XVI el calzón corto era a modo de bombacho, y continuó
usándose el jubón. En el atuendo femenino, apareció el corsé, que se ceñía sobre una falda
llamada crinolina, hecha de tela y crin de caballo.
En el siglo XVIII la vestimenta era similar al del siglo anterior, con camisas de mangas
anchas con corbata y chaqueta, y calzones hasta las rodillas y medias. En el traje femenino
se dio el «estilo Watteau», con faldas muy voluminosas sobre crinolina.La Revolución
Francesa supuso el comienzo de una forma de vestir más formal: carcasas cortas y
pantalones largos para los hombres; y faldas redondas y chal para las mujeres. Inglaterra
pasó a ser el país que poseía el poder sobre la moda, donde los hombres llevaban casacas,
calzones hasta las rodillas y sombrero de coba; y las mujeres vestidos largos ajustados bajo
el pecho.
En el siglo XIX la vestimenta del hombre pasó a ser moderna, formada por un pantalón
amplio por arriba que iba estrechándose hasta el tobillo, abrigos de corte recto y un frac
que iba adoptando el estilo de la actual chaqueta. En la vestimenta de la mujer, el talle se
bajó hasta llegar a la cintura, con mangas anchas y hombrearas y faldas anchas con vuelo
y pasamanería. En este siglo, aparecieron las figuras de modisto y modelo como creador
de tendencias y para el pase de ropas, respectivamente. También se inventó la máquina
de coser.
En el siglo XX, la moda femenina estaba dominada por la costura francesa, mientras que la
masculina seguía estándolo por la inglesa. Cobraron mayor importancia los estilos deportivo
y urbano. Respecto a las mujeres, las faldas se acortaron hasta llegar a la actual minidalda
y empezaron a usar pantalones al igual que los hombres, apareciendo así la moda unisex.
Estados Unidos empezó a ser el país que dictaba las modas, e impuso los tipos de moda
juvenil, práctica y deportiva. En este país nacieron los famosos blue jeans o pantalones
vaqueros, que hoy en día siguen siendo una de las prendas más prácticas. En los últimos
años, ha ganado mucha importancia el prêt-à-porter, término francés que significa el diseño
de moda a precios económicos y al alcance de cualquiera. También ha sido en los últimos
años cuando han aparecido las modas de las llamadas tribus urbanas.
Así es como ha ido cambiando y evolucionando la moda a través de la historia.

La moda, de la prehistoria hasta nuestros días

Desde la época prehistórica hasta el tiempo actual la necesidad de vestirse ha desembocado en un

desarrollo de la moda con distintas manifestaciones en las diferentes épocas

La ropa femenina ha sufrido cambios drásticos durante el transcurso del tiempo, movimientos
feministas, necesidades económicas, movimientos de protesta y comodidad personal. Las primeras
prendas de vestir se remontan a miles de años antes de Cristo debido a que las personas necesitaban
de ellas para sobrevivir. La primera época de la moda se remonta al 7000 antes de Cristo, cuando
los hombres prehistóricos cazaban animales y con sus pieles hacían prendas para vestirse. En las
sociedades griega y egipcia también se han encontrado evidencias del uso de las vestimentas. Los
egipcios utilizaban polleras cortas. Los griegos utilizaban túnicas y capas de lino y pieles. Pero en la
historia de la moda, los romanos tuvieron su importancia; su vestimenta se vio influenciada por
otras culturas. Durante la edad media el uso de túnicas y togas decae; los hombres empiezan a
utilizar una especie de calzas que cubrían las piernas y que eran por lo general de paño o de cuero.

Ya en la edad moderna, a partir del siglo 16, los hombres utilizaban abullones, pero solo en las
mangas y sus vestidos se caracterizaban por llevar muchísimas capas de tela que llegaban hasta el
suelo. En el siglo 17 se empieza a usar el encaje y los abullones se convierten en pantalones. El siglo
19 es una época muy importante para la moda; algunas modas de este siglo persisten hasta
mediados del siglo 20; los corsés reducían las cinturas de las mujeres proporcionándoles una silueta
única; poco a poco esta moda poco saludable va desapareciendo.

A partir del siglo XXI se empieza a hablar de tribus urbanas y se asocian una serie de marcas y estilos
a cada de estas tribu; los trajes y los vestidos clásicos se llevan solo en ocasiones especiales. Nace
una tendencia nueva, son muchas las personas que crean sus propias prendas y accesorios y las
opciones de diseño y personalización se incluyen en procesos de fabricación a escala mundial. La
ropa es un reflejo de la personalidad de cada persona. Los trajes y vestidos de marca se vuelven a
pedir a medida y se paga por la exclusividad. La moda de diseño se convierte en amigo inseparable
de la gente lujosa.

En la actualidad sabemos que tenemos una imagen de la moda heredada de las culturas
americanas, esto se puede observar con tan solo ver las chaquetas de Fútbol Americano que
ahora tanto se llevan

Pero no todo siempre fue así, por ello os mostraremos como ha evolucionado la indumentaria de las personas
con el paso de los años.

La Prehistoria
En la prehistoria la gente, iba vestida con pieles de animales que cazaban con sus lanzas hechas a mano. La
piel, la lavaban, la cortaban y se la ponían para no pasar frío. Los "Picapiedras", son una imitación de los
verdaderos prehistóricos. Principalmente la ropa no era así, era mucho más sucia y además, no llevaba ningún
detalle de ese tipo. La ropa que llevaban era parecida a una manta que se echaban por encima, nada de corbatas
ni bonitos vestidos.
Los hombres y las mujeres qué vivieron durante el periodo Paleolítico, cubrían el cuerpo con pieles a manera
de taparrabos, que sujetaban con tiras de cuero crudo; se adornaban con collares hechos con las uñas y los
dientes de los animales que cazaban para su sustento, así como también de caracolillos, que enhebraban en finas
tiras de cuero.

La Edad Antigua
En este apartado tan solo hablaremos de las vestimentas de las culturas clásicas. Ya sean romanas o griegas.
El traje en la antigua Roma constaba de dos tipos de piezas como el griego, llamadas indutus (las interiores)
y amictus (las exteriores).

En los primeros tiempos, se reducían las prendas a la túnica, semejante al quitón de los griegos y a
la toga propia y exclusiva de los ciudadanos romanos que por ello, se llamaban gens togata, mientras ellos
decían de los griegos gens paliata. A veces, llevaban otra túnica interior, denominada subúcula, equivalente a
nuestra camisa, y la superior solía ceñirse con un cinturón llamado cinctus, cerrado con broche. La toga era
una amplia vestidura de lana, de corte elíptico, cerrada por abajo y abierta por arriba hasta la cintura. Al
llevarla, se recogía por los pliegues del lado derecho y se echaban terciados hacia el hombro izquierdo.
La Edad Media
La modestia y el pudor de los cristianos por una parte, la invasión de los bárbaros después y la influencia del
imperio bizantino en seguida determinaron el cambio del traje en Occidente desde los primeros siglos de la Edad
Media de siguiendo por entonces con el fondo romano. Cesó por completo el uso de la toga ya casi olvidada
(salvo para algunos actos oficiales) después de el siglo de Augusto. Se usaron más las bragas (especie
de pantalones) tomándolas de los bárbaros. Se adoptaron asimismo las calzas, a menudo confundidas con las
bragas pero que se diferenciaban de éstas en ser como nuestras medias pero de paño o de cuero y por lo general
muy elevadas y de variados tamaños. Las túnicas siguieron usándose cortas sobre las bragas o calzas pero con
mangas. En cambio, las capas o mantos eran más amplios en uno u otro sexo y las mujeres las llevaban sobre
túnicas talares. Se usaban también las clámides como en la época romana.

La Edad Moderna
Aquí lo dividiremos en siglos para una mejor percepción.

Siglo XVII
En esta época domina la moda francesa tanto en hombres como en mujeres, ellos utilizaban, calzones cortos
con medias de seda, chupa y casaca que, a mediados del siglo es mas reducida y con pliegues laterales hacia
atrás y mangas estrechas. A la caída de la dinastía francesa vuelve el traje a la simplificación y se llevan calzones
ajustados hasta media pierna, chaleco, corbata y casaca de largo faldones con cuello alto y vuelo. Pelucas
empolvadas y rematadas por un lazo. Sombreros de tres o dos picos. Después de la revolución se deja el cabello
largo y liso, sombreros de copa alta cónica o en tubo, con alas cortas y mas tarde zapatos con tacón de color al
que se añaden lazos o hebillas y botas altas con vueltas. La mujer viste con paniers o verdugados anchos y
aplastados en los dos frentes, corpiño acorsetado y escote con gasas o encajes. Polonesas, batas con cuello de
encaje y manga larga. En el traje francés, corpiño puntiagudo mangas abolladas, faldas rectas y abiertas, luego
son drapeadas con polizón y larga cola. Cuello doblado mangas tirantes hasta el codo, con chorreras. Con la
revolución desaparece el vuelo de la falda y se imita a las vestiduras clásicas. Talle alto, chaquetilla corta con
manga larga; falda con pliegues y grandes escotes. Chales y guantes largos. Peinado hacia atrás con rizados que
luego se hacen mas altos y voluminosos con tirabuzones, lazadas y plumas. Bonetes y sombreros de alas anchas.
Zapatos con tacón alto y punta estrecha, y luego de algún tiempo se pasaron a los bajos.
Siglo XVIII
En el siglo XVIII se destacan como prendas masculinas las casacas francesas y las chupas, las chaquetillas, los
calzones pitillos hasta la rodilla, las corbatas en vez de las golillas, las pelucas y los grandes sombreros.
Mientras tanto, en las vestiduras femeninas continúa el mismo estilo que en el siglo anterior y se adopta el uso
de las mantillas para la cabeza, llevaban también vestidos largos, grandes sombreros y demás.En España si bien
apenas fue admitido por las damas formales hasta la época de Fernando VII.

Siglo XIX
Del siglo XIX son propios el frac, la levita y el pantalón, para los caballeros, además de otras prendas, hoy en
uso y la mantilla de seda para las señoras españolas las cuales moderaron en dicho siglo el fausto y la
fanfarronería de las demás prendas del vestido de los precedentes.

La Edad Actual
Este apartado tan solo contendrá el siglo XX

Siglo XX
Nos referimos a 1860, el vestido vuelve a destacar las formas del cuerpo femenino, manteniendo los faldones.
Este estilo predominó hasta principios del siglo XX. Desde este momento fue la mujer la que impuso su gusto,
dejando de lado la influencia de las élites sociales que habían mandado, en lo que a moda se refería.
Los cambios, fueron acompañados por la industrialización y el sentido práctico de la moda.
El talle de los vestidos, cayó hasta las caderas, la falda se acortó por primera vez hasta la rodilla, los cabellos
largos atados en complejos moños son cortados al estilo "garçón", corto como lo usan los varones.
La mujer se había liberado de los incómodos vestidos que deformaban su cuerpo con ajustados accesorios. A
pesar que los modistas, por la década del treinta, alargaron nuevamente la falda y el talle volvió a la cintura, fue
el traje sastre el que imperó en esa época. Confeccionado en lana y diseñado con un gran sentido práctico, nunca
más la mujer volvió a sentirse prisionera de la ropa usada hasta ese entonces.
Egipto
Los desbordamientos del Delta del Río Nilo fueron calendarizados de modo
de poder anticipar la marea, las crecientes y bajantes, y así poder seguir
sacando provecho de sus cualidades. De ahí surgió la casta sacerdotal,
capaz de predecir los "enfurecimientos" del Nilo y de ofrecer los sacrificios
necesarios para que regresara al cauce deseado en el momento preciso. La
rígida separación entre los trabajadores y la casta sacerdotal permitió que
se constituyera un poder absoluto, siendo el monarca una figura divina,
junto al Sol y al Nilo. La línea sucesoria era femenina, puesto que la
condición divina la transmitía la madre y no el padre, el término "Faraón"
designaba un título femenino.
Se dice que “el desierto protegía a Egipto de enemigos exteriores”, pero lo
cierto es que el río constituía una excelente ruta de transporte, que gracias a
los vientos del norte eran fácilmente navegables, y facilitaban la tarea de los
invasores, quienes encontraban muy atractiva las tierras mesopotámicas.
El clima fue uno de los grandes factores que determinaron el tipo de
indumentaria que usaría la civilización egipcia, desde la materialidad, el color,
la forma, la densidad del textil, hasta la situación de uso. Es por ello, que las
prendas se confeccionaban mayormente en lino, no solo por ser un junco
próspero a orillas del Nilo, sino por su liviandad y ligereza, apto para tolerar las
altas temperaturas. De todos modos, existían las telas de lana, algodón y seda,
dependiendo de qué se buscara comunicar en ella época y cuáles fueran sus
medios. Por ejemplo, la lana fue raramente empleada por considerarse un
tejido impuro, al estar asociado a los pueblos asiáticos.

Muy peculiar es la constante de la indumentaria egipcia a los largo de sus 3000

años de historia, que se mantuvo fiel a las tipologías tradicionales, no variando
el color (blanco), la situación de uso, y, apenas, los largos modulares. Esto se
debe, como se dijo más arriba, al clima, cuya elevada temperatura no dejaba
muchas opciones. Se trataba de una evolución sobre el mismo vestido base.

La vestimenta de los pueblos varía de acuerdo a múltiples factores: características

orográficas y climáticas, características antropológicas, pautas culturales, etc.
Todos los pueblos del mundo desarrollaron diversos tipos de calzado que a su
vez se manifestaron en una multiplicidad de modelos que respondieron a
necesidades propias. El egipcio vivía en un medio ambiente peculiar: desiertos,
mesetas pedregosas, marismas y lagunas. Era caminante por excelencia, le era
más cómodo ir descalzo, salvo en desiertos puesto que la arena levanta mucho
la temperatura y lastima los pies. Las sandalias eran conocidas desde la
prehistoria, pero en el caso de Egipto se las usaba en ocasiones especiales. La
mayor parte de la indumentaria fue hallada en las tumbas. Sabemos también
como se vestían a través de relieves, esculturas o pinturas, pero generalmente
vemos al rey y a la familia real, los funcionarios o la elite. Nuestra visión a través
de la iconografía, es, en consecuencia, parcial. (Las Sandalias en el Antiguo
Egipto, Alejandra R. Cérsosimo)
LA INDUMENTARIA EGIPCIA
(siempre que analicemos las prendas de moda en una sociedad, encontraremos
discrepancias entre las que utilizaban las clases poderosas, y los trabajadores o
esclavos)
1. Para los hombres

En el Imperio Antiguo se utilizaba el schenti (Sken-tee), o faldellín, una tela

rectangular cuyos extremos se cruzaban y anudaban a la altura de la cadera, y
llegaba por encima de las rodillas. En ocasiones utilizaban pieles animales, como
el leopardo, otorgándole poder a quienes la usaban, ya sean soldados o figuras
religiosas, en eventos sociales o festividades.
Los trabajadores iban desnudos o con un ligero paño de lino, más pequeño, a
modo de "chiripá". Estas prendas eran un elemento indispensable, sobretodo para
quienes debían trabajar a plena luz del día, posibilitándoles el movimiento y
alivianándolos de ropa.
En el Imperio Medio, el schenti se alargó, los hombres comenzaron a utilizar
elaborados adornos prendidos al cinto, y a finales de este periodo usaron un
doble schenti con una faja triangular.

En el Imperio Nuevo, los hombres importantes solían utilizar una capa

o saya sobre los hombros para cubrirse el torso. Las prendas eran las mismas,
pero compuestas de piezas de tela más grandes y con drapeados más intrincados
y decorados. Ambos sexos utilizaban schenti drapeados y plisados, sostenidos
por prendedores, tirantes o fajas, y con mangas hasta los codos. En este punto,
el vestir egipcio se vio influenciado por los persas griegos que sucesivamente los
conquistaron hasta la victoria romana.
Los hombres cambiaban su vestimenta con mayor frecuencia que las mujeres, se
estima según los pictogramas que los hombres tenían más de 40 indumentos
distintos de variada forma, largo y detalle. Sin embargo, son las mujeres quienes
introducen mayores cambios.
2. Para las mujeres
En el Imperio Antiguo el kalasiris o túnicas carecían de cortes y costuras, eran
paños envolventes, drapeadas al cuerpo; eran ajustadas y caían desde el pecho
hasta los tobillos, sujetas por anchos tirantes. La sobriedad tanto en la
indumentaria como en el peinado marca la pauta de esta época. El vestido
femenino evolucionará a lo largo de la historia de Egipto, mientras que el del
hombre mantendrá el schenti corto.
En el Imperio Medio el busto se muestra sin reparos, la túnica ajustada desde
debajo del pecho hasta el tobillo. Había modelos de trajes amplios con mangas,
pero no era lo habitual.
En cambio, el Imperio Nuevo es el auge de las transparencias y los pliegues,
marcando el cuerpo con otra sensibilidad y logrando una silueta de curvas suaves.
El kalasiris se sujetaba a la cintura con fajines de colores o cenefas, que se
entreabrían dejando ver las piernas de sus dueñas. Ciertas veces se cosían
plaquitas, de fayenza o pasta de cristal, que al caminar chocaban entre sí
produciendo un sugerente sonido como de campanillas.
Sobre el kalasiris se superponía una saya o capa corta plisada, con la que se
cubría los hombros en forma de abanico.
El kalasiris que usaban las mujeres de los campesinos y artesanos, eran más
amplios, permitiéndoles trabajar con mayor comodidad.
ACCESORIOS
Dado que las tipologías de la indumentaria no variaban mucho, eran necesarios
los accesorios para lograr distinción y prestigio.
Las Pelucas se realizaban con cabello natural o con fibras vegetales. Los
sacerdotes tomaron la costumbre de afeitarse la cabeza y el rostro, así como todo
el cuerpo, en señal de pureza, y así los siguieron los nobles. Aunque hay
ejemplos, en el Imperio Antiguo, de funcionarios con bigotes. El uso de la barba
no era habitual aunque se la encontrase en campesinos desaseados o en quienes
la dejaban crecer como señal de duelo. Esa barba en nada se asemejaba a la de
los faraones, en lapislázuli, que era señal de divinidad.
Tanto las mujeres como los hombres se afeitaban el cuerpo entero, incluyendo la
cabeza. El pelo en un país con intenso calor, era poco querido entre los egipcios.
Sin embargo, las pelucas, de melena corta durante el Imperio Antiguo y
alargándose hacia el Imperio Nuevo, se usaban como elemento de connotación
erótica, al igual que el tipo de peinado que llevasen.

“Así, por ejemplo, “En el cuento de los Dos Hermanos”, la esposa del hermano
mayor, intenta seducir a su cuñado valiéndose del atractivo que le da su peluca.
O también en el cuento “El Broche de Turquesa”, el Rey Snofrú se divertía con
“… veinte muchachas de pechos bien formados y cabellos rizados…”. O, el caso
de la amante que, avergonzada, se excusa por no haber arreglado
adecuadamente sus cabellos debido a la prisa por correr hacia su amado, cuando
dice “… Sólo he trenzado la mitad de mi peinado, vine a toda prisa y descuidé mi
tocado.”. Cuando una mujer se citaba con su amado o se preparaba para el amor,
se dedicaba mucho más y tenía más cuidado en arreglar su peluca o en aparecer
muy bien peinada. Tan importante era el llevar bien peinada la peluca que,
sirvientas arreglaban el cabello de las damas invitadas a un banquete. “ (“La
Indumentaria egipcia, por Joana Baqué)
Durante el Imperio Medio el tratamiento dado a las pelucas se iría complejizando,
se trataría de pelucas más pesadas, en forma de rollo (imitando la iconografía de
la diosa Hat-Hor), bipartitas, tripartitas, y cuadradas, estarían adornadas con
moños o piezas de oro.

A continuación se puede ver una peluca cuadrada trenzada con las puntas
cosidas para que no se desarmaran y un paño bordado en piedras semipreciosas
cubriendola. Debajo a la izquierda otra peluca tripartita, dividida en tres
particiones, dos a cada lado y una más emplia que caía en la espalda. A la
derecha se pueden ver a las doncellas que atendían en los banquetes que iban
con las cabezas rasuradas o con algunos mechones. En la imagen aparecen de
un tamaño inferior, que a nuestras reglas de proporciones podríamos considerar
niñas, pero nótese que la proporción de ellas es de una mujer adulta, pero la ley
pictórica egipcia establecía una relación de tamaño-jerarquía.
En el Imperio Nuevo las pelucas eran más pesadas, con pequeñas trenzas,
tirabuzones u ondas a media espalda, y adornadas con joyas semi preciosas o
con coronas de nenúfares.
Las pelucas se guardaban en cajas junto a las “tenacillas” para ondular el cabello,
y la cera de abeja para fijar las ondas.
Las sirvientas, no utilizaban pelucas y llevaban el cabello largo.

Se encontró un taller de pelucas con vasos de alabastro que contenía pelo

humano, redes de lino en forma de gorro que servían de base para las
pelucas y que se ataban a la cabeza, una caja que contenía alfileres de
hueso, una punzón de bronce, y fragmentos de dos cuchillos de sílex.
Acudían a un modelo de cabeza en el cual se trazaban en líneas negras la
estructura de la peluca, tratamiento que se hace hoy en día para sombreros,
incluso el que hacen los sastres de alta costura sobre el cuerpo del maniquí.
Para cubrir la cabeza usaban un tocado particular, el Claf, conformaba por
un lienzo de lino aprestado en forma cuadrangular cuyos extremos
superiores se sujetaban bajo la nuca quedando bien firmes por sobre la
frente, y quedando los extremos inferiores sueltos a los lados cubriendo la
cabeza. (como se puede ver en la imagen de la derecha).

Los trabajadores podían utilizar paños de lino atados detrás de la nuca con algún
cordón, evitando así el polvo y la suciedad en su cabello, que el sudor no
descendiera a su ojos y que el cabello no estorbara en su tarea. Este paño era
llamado “el paño de los aventadores”. (ver la imagen del ángulo inferior derecho).
La utilización de una diadema de oro y piedras semipreciosas y la piel de un
felino, como el leopardo, rodeando el torso a modo de capa y sujeta con sus
propias garras, eran símbolo de realeza. Más arriba vemos una diadema con el
símbolo de la serpiente cobra o uraeus, símbolo de la soberanía.
También utilizaban un gorro, como base de las pelucas, que podían colocarselo
solo para cubrir el cráneo rasurado.
El calzado más utilizado eran las sandalias cuya materia prima era, generalmente,
el junco o el papiro. Los egipcios eran duchos en el curtido del cuero, el cual
utilizaban como tiradores para las túnicas, o bien, en el calzado, por cierto muy
costosos. Las sandalias comunes o para la vida cotidiana se hacían de papiro, las
especiales en cuero, madera, hojas de palmera, metales preciosos y hasta marfil
de elefante.
En egipcio sandalia se denomina “tbwt”, las había en negro o en blanco de
acuerdo a la situación de uso, las blancas eran de uso ritual, y las negras de uso
diario. En la vida cotidiana el hombre común iba descalzo y solo en ocasiones
especiales usaba sandalias. Cuando tenían que ir a algún sitio las portaban en la
mano o las ataban al extremo de un bastón, y las calzaban cuando llegaban a
destino.
El rey, en cambio, poseían un funcionario cuyo título nobiliario era el de "Porta
sandalias del Rey", miembro de la familia real que llevaba las sandalias atadas a
su muñeca izquierda y un cuenco en su mano derecha, una caja pequeña atada
alrededor de su cuello que contendría el sello del rey, y un taparrabos de dos
largas tiras que colgaban sobre sus muslos. Una de las teorías dice que el cuenco
servía para recoger la sangre de la víctima en la ceremonia del mazazo en la
nuca. En estas ocasiones el porta sandalias era la mano derecha del rey,
adquiriendo un rol de gran importancia, y sugiriendo por metonimia las
connotaciones que tenía en su época el calzado, considerándose incluso, según
la iconografía, símbolo de la vida.

Otra interpretación sobre la importancia de este

calzado es la de su finada autoridad, al usar los faraones sandalias con la punta
levantada señalando al cielo, al espíritu elevado; y a su vez, representaban en su
suela a los enemigos de modo que mágicamente el rey los pisoteara cada vez
que daba un paso, y quedase por sentado su predominio.
Los trabajadores vestían un schenti simple y sandalias de junco que eran
provistos por el Estado, además de una pieza de fino lino para ocasiones
especiales. Los niños de las clases trabajadoras iban desnudos y descalzos hasta
la pubertad, por lo tanto no hay calzados de esta tipología.
No se encontraron talleres de artesanos que se dedicasen a estos fines, por lo
que se piensa que eran realizadas por las mujeres en el hogar.
De acuerdo a las condiciones climáticas y geográficas, el caminar no era tarea
fácil, por lo que se valían de compresas, ungüentos, pomadas, bálsamos,
vendajes y otros métodos para curar las enfermedades y dolencias de los pies,
como así el dolor de pantorrillas, la picazón y los calambres. Para curar la
hinchazón, por ejemplo, se recomendaba esparcirse larva de renacuajo cocida en
aceite.
El proceso del teñido de telas se introdujo muy lento en Egipto. Sin embargo, a
pesar de ser sus túnicas blancas, no escaseaba el color. Los brazaletes, aros,
colgantes, anillos y tobilleras estaban hechos en piedras semi preciosas o en
arcilla, bañados en azules, verdes, marrones y dorados que contrastaban con las
túnicas.
También utilizaban valonas (grandes cuellos que se colocaban sobre los hombros
y se cerraban bajo la nuca) y fajas, bordadas con hilos de oro y piedras
semipreciosas, que colocaban sobre la piel o sobre las túnicas. En el Imperio
Nuevo se introdujo, bajo la influencia de los Sirios, los bordados con motivos de
la flor de loto, el papiro, pájaros en vuelo y formas geométricas. Emblemas sacros,
como el escarabajo y el áspid (pequeña víbora venenosa) eran usados por la
nobleza y el clero.

Como suele suceder en la Historia del Arte - según nuestro punto de vista
occidental y nuestro modo de analizar y clasificar por Edades – los periodos se
inivian con bases más simples y austeras, y a medida que el hombre comienza a
formular preguntas y a intentar buscar respuestas, el pensamiento y el obrar se
complejizan y adquieren gran dinamismo. Al no ser las respuestas satisfactorias,
va aumentando la angustia, llegando incluso a hastiar y confundir, y cuestionar,
provocando un quiebre y llconduciendo al nacimiento de una nueva era, más
limpia y simple.

HIGIENE
A diferencia de otras civilizaciones, la egipcia tenía un gran sentido de la higiene,
considerándola no sólo ritual si no necesaria, ya sea para mantener bello y puro
el cuerpo que luego pasaría a mejor vida, o para ayudarles a soportar el clima y
mantener el cuerpo fresco. Solían, a su vez, lavar constantemente sus prendas a
utilizar obteniendo una imagen impecable.
  El Aseo:
Actividad que se realizaba diariamente, varias veces al día, es preciso aclarar que
por las familias mas acaudaladas. Su baño consistía en una suerte de ducha,
pasaban el agua a través de un cestillo que la dispersaba como si se tratara de
un tamizado. Al bajar el sol, se refrescaban en las aguas del estanque que toda
buena familia tenía en la parte central de su patio.
La gente trabajadora, a la hora de su aseo personal, se introducía en una bacha
(lo que hoy en día sería una bañadera), donde iban vertiendo el agua, con otra
vacija más pequeña. Para lavarse manos y cara, disponían de jofainas o lavabos.
Los menos agraciados, o los esclavos, se bañaban en el Nilo o en canales
aledaños.
Un baño alternativo, realizado generalmente por los soldados en campaña, era
fregarse el cuerpo con arena para despojarse de la suciedad.
Dado que las altas temperaturas sometían al cuerpo a una transpiración excesiva,
los beneficios del baño duraban poco, por lo que inventaron
el desodorante, realizado a partir de trementina e incienso en polvo, o de incienso,
alumbre y mirra, aplicados en diferentes partes del cuerpo.
Por las mañanas y luego de cada comida, recurrían al aseo bucal, que consistía
en enjuagues de nitrita o natrón disuelto en agua. De tener halitosis (mal aliento),
tomaban una pastilla de kifi,mezcla de semillas de alholva molidas, incienso,
mirra, bayas de enebro, resina de acacia, pasas y miel.

 El Embellecimiento:
Ya en ese entonces recurrían a la exfoliación para mantener la piel tersa, suave
y limpia de impurezas. Se untaban sobre el cuerpo, la cara y las manos, una pasta
compuesta por polvo de alabastro, natrón rojo, sal y miel, que luego enjuagaban
con agua, y secaban. Para evitar que la piel se resecara en contacto con la arena,
el viento seco y el sol, la mantenían húmeda con ungüentos, logrando una piel
suave y elástica. Éstos se hacían a partir de aceites tanto animales como
vegetales, se empleaban grasas de hipopótamo, cocodrilo y gato. Los egipcios
también conocieron los beneficios terapéuticos de los masajes corporales con
aceites y otros ungüentos.
Mantener un rostro joven ha sido y es la lucha del hombre y la mujer desde la
Antigüedad.
La mujer egipcia no se exponía al sol, y las campesinas lo hacían sólo en época
de cosecha. Para combatir las arrugas y pecas una buena opción era aplicarse a
diario una pasta de resina de terebínto, cera de abeja, behen fresco, hierbas de
chipre y aceite de alholva, previamente triturada y macerada.

MAQUILLAJE
Cuando los hombres y las mujeres del antiguo Egipto se maquillaban los ojos, no
lo hacían solamente para resaltar la belleza de los mismos. El mesdemet o khol
, que obtenían de la galena (sulfuro de plomo) o de la antimonita (sulfuro de
antimonio), lo empleaban también para prevenir enfermedades oculares, como
repelente de moscas y para evitar el reflejo del sol. A su vez, cuando se pintaban
los ojos, representaban a Horus, amuleto con el que invocaban la protección
mágica de su persona. Por un tiempo también se empleó una sombra verde, udju,
que se obtenía de la malaquita.
Oscurecían sus cejas y pestañas con polvo de galena mezclado con agua que se
aplicaba con palitos de madera, metal o hueso. Este sería el antecedente de lo
que hoy conocemos como Rimmel.
A los labios se les aplicaba, con pincel o con el dedo, oxido de hierro humedecido,
dándoles una tonalidad rojiza, pintura que por un tiempo también se lo aplicó
sobre los pómulos.

Desde estos tiempos eran frecuentes las pinzas de depilar, las cuchillas para
rasurar, los tarros para ungüentos, recipientes para el khol, espejos, peines de
hueso o madera, y pinceles, entre otro sinnúmero de elementos de tocador. El
peine arrastraba la suciedad y las liendres, sobretodo los piojos, portadores de
enfermedades como el tifus.
Las canas eran un problema para las mujeres ya desde ese tiempo, por ello
optaban por cubrírselas con diferentes tónicos: como henna, sangre de vaca
negra hervida y mezclada con aceite, o grasa de serpiente negra. El olor que
emanaba de estos ungüentos no era nada agradable, por lo que recurrían a
esencias para aplacarlo. Otro efecto no deseado era la opacidad y resecamiento
del cabello, debiendo recurrir a las yemas de los huevos del cuervo negro para
devolverle el brillo e hidratación.
Tanto los hombres como las mujeres se hacían la manicura y pedicura, y
utilizaban barniz o laca blanca para decorar sus uñas.

ARTE
Podría decirse las primeras obras artísticas se encuentran hacia el 4.000 a.C. en
el desierto egipcio, con las cerámicas pintadas con figuras primitivas de animales.
Las creencias religiosas favorecieron el desarrollo de la representación plástica,
en la constante búsqueda de medios adecuados para expresarse. Creían en la
inmortalidad del alma y del cuerpo, ya que el clima extremadamente seco y al
suelo arenoso, momificaban los cadáveres sin apenas elaboración humana. Las
tumbas estaban bajo las propias casas, acompañando a los vivos, y los difuntos
eran agasajados regularmente proveyéndolos de comida, vestido y armas. Los
pudientes, construían casas exclusivas para los difuntos, cuyos interiores
adornaban con frescos y bajorrelieves de la imagen del fallecido, de modo de que
éste pudiera disfrutar eternamente de los placeres terrenales. Sin embargo, el
estilo pictórico ceremonial utilizado en las tumbas no era el único que se
practicaba, muchos egipcios aún en vida pintaban murales en sus casas.
Realidad constante y sin cambios
Las primeras pinturas, al igual que las pinturas rupestres, constaban de siluetas
planas que flotaban en espacios no demarcados por encuadramientos o líneas de
tierra u horizonte. A pesar de los recursos pictóricos aparentemente austeros, sus
pinturas poseen vida y movimiento, se puede percibir el caminar de las siluetas o
los gestos angustiados vibrantes de dolor. (Lo mismo sucede con la indumentaria,
que se mantiene casi inalterada a lo largo de los años). La importancia residía en
la «esencia eterna», lo que constituía su visión de la realidad constante y sin
cambios. Por lo tanto, su arte no se preocupaba de las variaciones para un mayor
encanto visual, e incluso sus agudas observaciones de la naturaleza estaban
sujetas a formas estandarizadas que muchas veces se convertían en símbolos.
No se debe a ningún tipo de «primitivismo» el hecho de que sus escenas parezcan
decididamente irreales: su habilidad técnica y su evidente comprensión de las
formas naturales deja esta cuestión bien clara; más bien es la consecuencia
directa de la función esencialmente intelectual de su arte. Cada sujeto se
mostraba desde el ángulo que lo hacía más fácilmente identificable y, según una
escala basada en el rango, de mayor o menor tamaño según la jerarquía social.
Esto daba lugar a imágenes esquemáticas y de muchas formas. Esta dominante
preocupación por la claridad y la representación «rigurosa» se aplicaba a todo
tipo de temas, y por eso, la cabeza humana siempre se muestra de perfil, aunque
los ojos se dibujan de frente. Por esta razón no hay perspectiva en la pintura
egipcia, todo aparece en dos dimensiones.
La mayoría de las pinturas murales egipcias se crearon con la técnica de fresco
secco. Según este método, la pintura al temple se aplicaba sobre yeso que
previamente se había dejado secar, a diferencia del buon fresco, en el que la
pintura se aplica sobre yeso húmedo.
Normas de representación
Hacia el 3.200 a.C. se produjo un avance que estableció las características que
han de mantenerse invariables hasta el fin del Imperio: surge la línea de suelo
sobre la cual se alinean las figuras, las mismas se someten a una rígida
jerarquización de tamaños establecida por pautas simbólicas, determinando que
el tamaño del sujeto representado debía ser directamente proporcional a su status
divino. Se trataba de una conjunción entre un arte figurativo más realista y uno
más abstracto, el de la pictografía.
La representación de la figura humana se realizaba según la llamada "regla de
proporción", un estricto sistema geométrico de cuadrículas que aseguraba la
repetición exacta de la forma ideal egipcia a cualquier escala y en cualquier
posición. Era un sistema infalible que regulaba las distancias exactas entre las
partes del cuerpo, que se dividía en 18 unidades de igual tamaño situadas en
relación a unos puntos fijos de la cuadrícula; incluso especificaba la anchura
exacta de la zancada de las figuras que aparecían andando y la distancia entre
los pies (ambos pies se reproducían por la cara interna) en las figuras que estaban
de pie.

Se inicia el Imperio Antiguo cuando Narmer unifica el Alto y el Bajo Nilo

erigiéndose como primer faraón de la primera dinastía de 35. Bajo su reinado
terminan de establecerse los códigos estéticos de la pintura y el bajorrelieve
(estas dos técnicas se mezclan frecuentemente y se superponen para realzar las
figuras). Se establece una frontalidad para las figuras que han de verse
completamente desde su punto óptimo. Ha de plasmarse todo lo que caracteriza
al modelo genérico.
1. Para el hombre se reflejan los dos pies de perfil, que es su forma más
representativa, y se colocan ambos del mismo lado, como las manos (es
decir, aparecen dos manos izquierdas, dos pies izquierdos, para no ocultar
tras el perfil el quinto dedo).
2. El rostro también aparece de perfil, pero el rasgo más importante de éste,
el ojo, se coloca de frente.
 El torso se dibuja de frente completamente, excepto los senos femeninos o
pezones masculinos, que aparecen alineados ambos de perfil en uno de
los lados.
 Igualmente de perfil se representan las caderas y las piernas, de las cuales
una se avanza, para dejar ver el sexo.
Con esta recomposición de la figura humana, la lectura correcta no es la de que
las figuras se desplazan de derecha a izquierda, sino que avanzan de frente hacia
el espectador desde la superficie pintada. Estos convencionalismos tan complejos
se establecían como un alfabeto en el cual la menor desviación suponía una falta
de ortografía. Saber leer y escribir era un privilegio reservado a las clases más
altas, puesto que un escriba necesitaba años de aprendizaje y práctica. Es por
eso que estos altos funcionarios aparecen representados con la misma dignidad
que un sacerdote o un príncipe.
Estos cánones de representación se aplicaban a las imágenes de dioses y a la
familia real. Cuanto menor era el rango del representado, mayor libertad se
permitía a su imagen. Así, los esclavos y campesinos se pintan de una manera
extremadamente naturalista. Las figuras se sujetaban a un canon anatómico
concreto, sobre una cuadrícula dividida en 18 cuadrados de largo. A partir de esta
retícula podían aumentarse los tamaños sin perder nunca la proporción "correcta"
de las figuras.

Tras el Imperio Antiguo se sucedió un período de inestabilidad, en el cual el

poder faraónico se disolvió en territorios feudales. Se produjo entonces una cierta
democratización del “Más Allá", que ya no se restringe a las figuras divinas, sino
a las posibilidades económicas del cliente que pudiera pagarse la momificación y
la mansión sepulcral.
Relajación del estilo

El Imperio Nuevo, se pasó a una política expansionista. Este imperialismo puso

en contacto su arte con formas extranjeras, que se adoptaron en mínima
medida. Se desarrolló en el arte sepulcral el tema del banquete y los festejos,
puesto que se introduce una nueva moda: los familiares del difunto se trasladan
en ciertas fechas a la mansión del muerto para celebrar determinados rituales.
De esta manera, las pinturas ya no se dedican únicamente al espíritu del
muerto, sino a la contemplación de los vivos. Esto vivificó el estilo,
abandonándose la rigidez.

La máxima relajación del estilo llegó en forma de revolución religiosa, el faraón

Amenofis IV renunció a su nombre por el de Akhenaton, a sus dioses por Aton
(primer caso de monoteísmo), y a la estructura social preestablecida en contra de
sacerdotes y funcionariado. Feo, enfermo, renunció a la representación
conceptual que embellece el cuerpo humano, para aparecer en su realidad
corporal. Su esposa, Nefertiti, ha quedado por ese mismo realismo como la reina
indiscutible de la belleza en la Antigüedad. El sucesor de Akhenaton fue
Tuthankamon, casi adolescente al subir al trono, casado con una niña. Reinó 18
meses, los sacerdotes envenenaron a él y a su esposa. Luego reinó la dinastía
de Ramsés, en la cual se produjo el esplendor del arte colosal, con las pirámides
y las enormes composiciones pictóricas. Imperio en decadencia: Egipto sufrió
sucesivas invasiones de sus enemigos tradicionales: asirios, persas y Alejandro
Magno (emperador de la Grecia Helenística).
Historia 1: Roma
SEPTIEMBRE 2, 2018 / HISTORIA DEL TRAJE / DEJA UN COMENTARIO
ESTILO GÓTICO Y EL GÓTICO DE
VESTIR
Gótico – existe la arquitectura gótica, escultura gótica y la pintura. También hay un
estilo gótico del vestido, pero antes de hablar de ello, mira la historia misma de
estilo gótico.
Need for Speed es increíble hermoso, pero hermoso tipo de belleza sombría,
austero y frío. Gótico nació en la Europa medieval, en tiempos de los más oscuros
Edad Media, cuando las brujas quemadas en la hoguera, que era fuerte Iglesia
Católica y los caballeros fieles lealmente servido las damas de su corazón.

Sin embargo, la Edad Media oscura llama pensadores del Renacimiento, una época
que vinieron después de él, hacia el siglo XV. Y la palabra “Edad Media” para un
período que duró desde el V al XV siglos, también es recogido pensadores del
Renacimiento. Antes de ese período fue tan querido de la antigüedad, clásico,
correcto, matemáticamente comprobado, que los que están ahora revividos, y la
Edad Media – es el medio entre ellos y la antigua, la edad oscura, la edad en que
el arte se ha negado a seguir las leyes de las matemáticas y las proporciones.
arte gótico renacentista europea pensadores medievales góticas también fueron
nombrados. Esta palabra viene del nombre de la tribu está listo – las tribus bárbaras.
Bárbaros en la época romana se llamó la mayoría de las tribus y naciones de la
Europa moderna, con exclusión de los romanos. Aquí y pensadores del
renacimiento, renacimiento, apodado todo el arte de la Europa medieval bárbara,
gótico, desproporcionada, mal, no clásica.
Hoy llama arte gótico en el extremo de Europa XII – XV siglos. Gótico estaba en
Italia y en Inglaterra, con el tiempo se extendió por casi toda Europa, pero gótico
emergente en Francia. estilo francés – gótico. Nacido en el estilo gótico del siglo XII
en el norte de Francia, la región de Ile-de-France.
Manifiesta más claramente en la arquitectura gótica. Catedrales de Chartres, Reims,
Amiens. Catedral de Notre Dame en París. Su característica principal es la
presencia de arcos ojivales, que aparecen precisamente en la época del gótico.
Majestuoso, sombrías, verdaderamente, catedrales góticas fríos. Fue en la época
de la arquitectura gótica y vidrieras allí. Y para peculiar imagen quimeras góticas
amenazantes y sombrío y gárgolas, monstruos, cuyas esculturas adornan muchas
catedrales góticas.

estilo gótico de la Edad Media.

Pero si gótico estaba en todas partes: la arquitectura, la escultura, la pintura, si está

flotando en el aire, entonces, por supuesto, no podía aparecer en la ropa.

Sin embargo, no debemos olvidar que en aquellos días, cuando hay una gótica,
fuera de la Edad Media, la sociedad está dividida en clases, y la ropa de los señores
feudales, la gente del pueblo y los campesinos variará considerablemente. Así, por
ejemplo, se les prohibió ciudadanos en contraste con los señores feudales que llevar
ropa cosida de la seda, y un vestido largo tren. Hay que tener en cuenta y el hecho
de que fue durante los europeos gótico, finalmente, “aprendió” a coser ropa
artesanal a medida se hizo más perfecto.
Chica gótico. Ilustración de la Biblia en 1340 en el velo del vestido hombro inclinado
a largo prisborennoe chica de ancho, y encima de ella zhiletik.

ropa de tierra en el estilo gótico, por supuesto, fue Francia. Y el absurdo, a las
formas más extremas de la ropa gótica traerá en Borgoña.

La ropa aparecen, como en la arquitectura, proporciones gótico, alargados. Y si en

los pasos de la catedral, los zapatos de vestir en punta y muy alargada forma en
punta del sombrero. En un color brillante de la moda (de color oscuro gótico viene
mucho más tarde), una tela favorita – terciopelo. En la ropa una gran cantidad de
ornamentación y decoración son principalmente las plantas.

.
Capa mientras servía dobla por la mitad y se cose en los lados de un trozo de tela
con un agujero para la cabeza, llamado el escapulario. Pero si el escapulario fue
cosido a los lados y tiene aberturas para los brazos o las mangas, a continuación,
se le llamó sobreveste. Impermeables eran cortas y largas.

Ropa mujer se compone de kameez y Cota. Cott consiste en una parte superior
estrecha y faldas amplias y lazada trasera o lateral. Talia se alargó, un elemento
obligatorio de la falda era un bucle (y más largo el lazo, la gran dama), y en la falda
muy frontal hizo pliegues – drapeado tela en la moda se consideró su estómago.
Prendas de vestir exteriores fuera circular y abrigos de corte transversal semi-
circular y la hebilla-hebilla en el pecho.

Y los zapatos de los hombres de las mujeres y tenían puntas de los pies, la longitud
de los cuales en ocasiones alcanza los 50 cm.

Los más populares sombreros de las mujeres durante su servicio Gorj – parecía un
tubo de tela cosida con una hendidura por la espalda y se extiende hasta la parte
inferior. Damas y llevaban altos capos “de dos cuernos”.
Por lo tanto, las principales características de una prenda de vestir gótico medieval
eran – sombreros puntiagudos y zapatos calcetines, cintura delgada y altamente-
atado, bucles largos, prendas de vestir, hecho en la forma de los dientes, para los
hombres – calcetines, pantalones, ceñidos a las piernas.

Foto de vestidos modernos con elementos de estilo gótico

estilo gótico de los godos.

Y aquí, es aquí, en este lugar, y ahora está en nuestro artículo, planeado un giro
inesperado. En la erosión gótico del siglo XV, en su lugar, como en el arte, y en la
ropa vienen los otros estilos. renacer gótico en algún momento en el XVIII – XIX
siglos, en tiempos de eclecticismo, historicismo, renacerá como neo-gótico, junto
con neobarroco, neorrenacentista, estilo pseudo-ruso, mientras que en la moda va
a volver al pasado, los períodos de mezcla, direcciones mezcla. Pero va a ser breve
resurrección.
estilo gótico en ropa moderna

Mucho más interesante “resucitan” gótico a finales de 1970 del siglo XX. estilo gótico
del vestido de ahora se llama el estilo de la subcultura de la juventud listo. ¿Qué
tienen con la Edad Media gótica? tema controvertido. En general, ya que es, por lo
que prácticamente no lo es. Hay oscuridad, frialdad, un cierto rigor, interés en el
más allá. Pero está listo para usar hoy tiene más que ver con las catedrales góticas
y los protege quimeras que la ropa de la época.

Godos, subcultura juvenil listo, aparece con una dirección definida en la música –
rock gótico. Una de las primeras bandas que han recibido la etiqueta “gótica” se
convirtió en división de la alegría, ya que describen la crítica.
estilo gótico en ropa moderna

Y listo, desde 1980, hay cierto estilo propio, su propia moda. Las principales
características del estilo gótico en la ropa hoy en día son de color negro, joyas de
metal con símbolos de la subcultura gótica, a menudo religiosas, mitológicas y
godos como la plata, así como una constante, un maquillaje muy distintivo. Este
maquillaje usado por hombres y mujeres, sus dos componentes principales – un
polvo de cara blanca y delineador de ojos oscuros alrededor de los ojos.

– peinados de cabello a menudo largo, que los godos en el color negro, el color
menos rojo.
Ropa listos para ser de estilo de moda siglos XVIII-XIX – encajes, vestidos largos
para las mujeres, guantes largos, abrigos y cilindros en los hombres, puede haber
elementos de neogótico y de la confección, y elementos románticos. Ropa listos
pueden tener similitudes con el estilo de Metalúrgicos – ropa de cuero, accesorios
de metal, cadenas. La ropa se pueden encontrar listas como accesorios y collares
y pulseras con púas. Entre gotess disfruta de una popularidad y estilo “vampiro” –
lápiz labial y esmalte de uñas de rojo brillante a negro maquillaje, negro, delineador
de ojos.

Se pueden identificar y dicha dirección en el estilo gótico, como “gótico corporativa”.

Digamos que es una opción oficina, una opción que se utiliza cuando no se puede
vestir de una forma más extrema del estilo gótico. Para estas zonas se caracterizan
por una decoración discreta, ropa de negocios negros.

Más vívidamente todas las diferencias y las tendencias se presentan en el estilo

gótico en las obras de fotógrafo belga Viona Yelegems.
estilo gótico en la pasarela

En la década de 1990 – gótico temprano de 2000 aparece en el podio. Desde la

recogida Aleksandra Makkuina “Los pájaros”, “El hambre” y “The Shining”, no había
referencias a la trama gótica y el significado. Y la revista Elle en 2009, escribió:
“celebrar el regreso del neo-romanticismo del drama victoriano en el podio. Faldas,
blusas con volantes y encaje negro que se convierten en una verdadera heroína
gótica “.

La pantalla del gótico colección de primavera-verano de 2011 fue representado por

Jean-Paul Gaultier, quien, sin embargo, se mezcla con el rock y el punk, y Givenchy.
Incluso hoy en día, en el año 2012, podemos estar seguros de que el gótico de una
manera u otra, tendrán su lugar en el podio, entre otras direcciones y tendencias.
MODA Y BARROCO TRAJE – LA ÉPOCA DE LUIS XIV
el traje de estilo barroco.

Iasent Rigaud
Retrato de Luis XIV

Barroco – el más brillante, el más magnífico, el estilo más elegante en la historia del
arte y de la historia del traje. Nunca antes y nunca después de la moda no era tan
difícil, y al mismo tiempo increíblemente hermoso. Nunca antes el estilo barroco
traje masculino no era tan elegante y vestida como una mujer.
De nikolya Larzhiyer
Retrato de Luis XIV y su familia

estilo barroco francés (en estilo barroco traje también fue una moda española,
especialmente en la primera mitad del siglo XVII) – este es el estilo de la fiesta
eterna. En la demanda – es plisado y puffs, cascadas de cintas, volantes, volantes
y lazos. Francés arco – Galant, por lo tanto, otro nombre para este tiempo – era
galante.
Favorito barroco de metal – oro. Y en Francia del siglo XVII se creía que el oro no
sucede mucho. marcos dorados de cuadros y espejos, candelabros de oro, bordado
de hilo de oro. Y el oro es la mejor manera de llevar diamantes. Los diamantes
cosidos en la ropa, los diamantes se utilizan como botones en un traje de hombre.

estilo barroco en Francia se asocia con el nombre del rey Luis XIV. Luis XIV llamado
el “Rey Sol”, y dijo para sí: “Francia – soy yo.” residencia de campo del rey de
Francia en el estilo barroco – Versalles de Luis XIV se construyó.

Louis casi todos residía en Versalles, y con él y su corte. Desde la segunda mitad
del siglo XVII y principios del siglo XVIII, toda la moda en Europa dependía de
Versalles. ¿Cuáles fueron los cortesanos de Luis XIV, y pronto se puso de moda en
toda Europa.
Sharl Lebren
Canciller Seguier

juego de los hombres era muy elegante. Los hombres eran más bajos, asegúrese
de encaje, camisa, sobre el cual se puso el chaleco y casaca. Chaleco era siempre
más corto de 10-15 cm de vestir exteriores – casaca.

Casaca inicialmente considerada militar de ropa, pero en la segunda mitad del siglo
XVII, se desgastará la aristocracia corte de Luis XIV y, a continuación, la aristocracia
de toda Europa.
Sharl Lebren
Retrato ecuestre de Luis XIV

Casaca – una prenda de vestir de la rodilla de longitud, silueta adyacente que se

extiende hacia abajo. Siempre con un cinturón ancho. Casaca decorados con
botones ornamentales, entre ellos que pueden ser un diamante. Casaca También
tuvimos dos bolsillos frontales y tres de corte – dos en cada lado y uno en la parte
trasera.
Las incisiones se realizan para la comodidad de conducción. Casaca también
decorado con bordados. De debajo de las mangas casaca deben haber sido visibles
volantes camiseta.

Retrato de Charles Le Brun trabaja por el artista Nikola Larzhilera

También con casaca llevaba una corbata blanca, el prototipo de la corbata moderna.
Se cree que los aristócratas franceses tomados de la bufanda de soldados
mercenarios de Croacia. Entonces, ¿qué país de origen para empatar se puede
considerar Croacia.
Retrato de Moliere cepillo pintor Pierre Mignard
“Desde los zapatos a los sombreros – lazos, cintas, lazos, cintas …” – Moliere
escribió acerca de aristócratas franceses del siglo XVII de la moda

También había una opción casaca que sólo podía llevar a la familia real. Esto se
explica en el decreto de Luis XIV, adoptada en la década de 1660. Tales casaca
llamados “casaca de privilegios”. Parecía como sigue: – azul a rojo-alineado,
bordado en oro y plata.
Autorretrato del artista Pierre Mignard
(En una bata)

Con casaca hombres de los franceses moda de estilo barroco desgaste corta y
ajustada, pantalones hasta la rodilla llamados Pantaloons y largas medias de seda
blanca y zapatos, a menudo adornados con un lazo.
Retrato de Colbert – Ministro de Hacienda del rey de Francia

elemento obligatorio de la indumentaria masculina corte del siglo XVII era una
peluca. En ese momento, los hombres usaban polvo de largo (de color bajo las
canas), pelucas, grandes rizos rizados.

De acuerdo con la leyenda, o Luis XIV, o algo parecido a su padre, Luis XIII, se
volvió gris temprano, y que no había manera de blanco, como pelucas “grises”. Entre
los ciudadanos en esos días fui a broma que los aristócratas son ahora consumen
harina no sólo dentro, sino también roció la cabeza.
Luis XIV con su hermano y visita Colbert
fábrica de los duendes

El maquillaje era también no es ajeno a los hombres del siglo XVII. Aristócratas,
independientemente de la cara blanqueada de género y las mejillas de color rojo
brillante.
Retrato de Madame de Montespan
estudio de artista Pierre Mignard

de traje barroco francés mujeres y fue construido junto a, al igual que los hombres.
Las mujeres llevaban traje de ceremonia con faldas mullidas en el marco. En este
caso, la parte inferior de los vestidos de la segunda mitad del siglo XVII se componía
de tres faldas.

El faldón inferior se llama un “misterio”. falda media llama fripon, que significa
“traviesa”. Esta falda menudo cosió de telas más ligeras, por ejemplo tafetán o
muaré. La parte inferior de la falda fripon medio era visible desde debajo de la falda
superior decorado y así filas de encaje, flecos, borlas, volantes, volantes.
Retrato de Madame de Montespan
amante del rey Luis XIV de Francia

La falda superior se llama Modesto, que significa “modesto”. Estaba hecha de telas
pesadas y llanos. Por ejemplo, el atlas, brocados, terciopelos. Por cierto, el color de
los dos trajes femeninos y masculinos barrocos eran a menudo oscuro e intenso.
Especialmente popular eran los colores rojo y azul oscuro oscuro.

La falda de corte superior Modest y criado en los lados, que muestra la falda media
fripon y alineando su propia cuenta. En este caso, para el vestido corpiño se sujeta
con perlas de fantasía o cordones.
Madame de Montespan y sus hijos

El cuerpo está decorado con hileras de encaje o lazos. Mangas hasta el codo y
decorado con volantes. Francia del siglo XVII era la moda en el escote. Moda para
la escisión casi indecente, que eran tan profundas, se ha introducido uno de los
favoritos del rey Luis XIV, Madame de Montespan.
Madame de Montespan

La manera en juego de las mujeres es más a menudo dictada precisamente uno de

los favoritos del rey. Y en los últimos años de Luis XIV, cuando su favorito era el
piadoso Marqués de Maintenon, la moda para el vestido de escote abierto
desapareciendo. También desaparecerá y adornado. señoras del vestido del año
pasado reinado de Luis XIV en su conjunto se han vuelto más modesta y menos
recargado.
Koroleva Mariya Tereziya de Austria – la esposa de Luis XIV

También es un elemento indispensable de la indumentaria femenina del siglo XVII

era un corsé. El propósito del corsé, que estaba hecha de hueso de ballena, era
hacer lo más posible de la cintura femenina estrecho.

Corsés a veces se retrasan hasta el punto de que en una habitación mal ventilada
era difícil respirar y las mujeres a menudo caen en un desmayo. Por lo tanto,
señoras necesariamente el siglo XVII llevaban con sales aromáticas. El uso del
corsé en el vestuario de las mujeres también tiene un impacto negativo en la salud
de la mujer en el momento, a causa de los órganos internos del uso prolongado de
un corsé está deformado.
Izquierda – Hortense Mancini, duquesa de Mazarin
La hermana Mary Mancini

Derecha – Marie Mancini. copia del retrato de Jacob Foote

Una de las cinco hijas del cardenal Mazarino
y el primer amor del rey Luis XIV

las mujeres peinados siglo XVII eran a menudo alta. Por ejemplo, en la moda del
cabello es “Fontanges”, llamado así en honor a otro de los favoritos de Luis XIV
Anzheliki De Fontanges. Este peinado consistía en una serie de pelo batida, cintas
y encajes establecidos en un marco de alta alambre.
Retrato de Anzheliki De Fontanges pintor Henri Pigayema
Catalina Charlotte de Grammont,
Princesa de Mónaco, duquesa Valantinua

Izquierda – la señorita de Roklor,

retrato del artista Pierre Mignard

Derecha – Anna-Henriette Gonzaga princesa bávara Conde

Aparte del hecho de que las mujeres del siglo XVII encaladas y la cara rojiza, que
también llevaban y moscas – lunares artificiales de seda negro. Las moscas
pueden ser montados en el labio superior, en la esquina del ojo, en la frente, el
cuello y el pecho.

Retrato de la marquesa de Maintenon

el último amante de Luis XIV
Francoise d’Obine
Marquesa de Maintenon
Después de la muerte de su esposa Marii Terezii de Austria,
Luis XIV se casa en secreto el Marqués de Maintenon

tela del vestido barroco necesariamente decorado con adornos y fotos – fruta de la
granada, flores ornamentales, zarcillos, racimos de uvas. Muy popular fue patrón de
enrejado – malla en forma de diamante con rosetas.
Retrato de la marquesa de Maintenon
Antes de convertirse en uno de los favoritos del rey, y luego su esposa,
Marquesa de Maintenon era una enfermera hijos de Luis XIV
y su amante más influyente señora de Montespan

Pero no sólo el vestido ceremonial usado por las damas del siglo XVII. Aparece en
la moda para el hogar y ropa. Por ejemplo, fue durante el barroco aparece un
elemento del traje de las mujeres como el deshabillé – un vestido simple casa hecha
de tela ligera. En un deshabillé transparentes y bata de seda finas medias de mujer
del siglo XVII bien podría permitirse el lujo de tener invitados en la mañana en su
propio gabinete.

No se olvide de barroco moda y los diseñadores contemporáneos. Por lo tanto, una

gran cantidad de motivos barrocos siempre se puede encontrar en las colecciones
de la marca Dolce & Gabbana. No fue la excepción y la colección de primavera-
verano de 2017. Una gran cantidad de decoración, una combinación de blanco y
negro colores ricos y brillantes. Nada vale la pena usar en el año del gallo.
El Renacimiento en el vestuario
PIN IT

Según los historiadores de vestuario, alrededor del año 1490 comenzó la

“desmesura” en todas las áreas del revestimiento humano: aquello determina el
comienzo del vestuario renacentista. Esta revolución, resulta hermana al acontecer
en los otros tipos de expresión creativa (pintura, escultura, música, etc.), que fue
generado por el fuerte intercambio cultural resultante del momento de los
descubrimientos. Formalmente, ésta podría ser definida como la desaparición de la
verticalidad de las prendas medievales, la cual fue sustituida por la horizontalidad
del traje del Renacimiento: esa es la coordenada que se trabaja. Cada país de
Europa, desarrolló esta reforma en el vestuario de manera diferente, por ejemplo,
los países del norte de Europa distorsionaron la figura natural a través del acolchado
de mangas y dobletes en las extremidades; Italia, Inglaterra y Francia se adhirieron
a un modo influenciado por lo medieval (ver post anterior); los alemanes fueron los
más extremos en sus intervenciones: determinaron grandes volúmenes en la
cabeza, hombros y muslos, además de pequeñas aplicaciones tridimensionales
sobre el pecho, espalda, brazos, piernas y pies. Las plumas aparecen como
protagónicas en todo: desde sombreros de ala ancha, calzado, bijoutería hasta
confección, donde eran ubicadas incluso en la zona de las rodillas.

El revestimiento renacentista masculino

Vestidos de seda, los hombres, eran muy aficionados a los colores llamativos y
llegaron al extremo de ataviarse con trajes de varios colores. Hacia fines del siglo
XV las túnicas empezaron a acortarse y las medias a alargarse, este fue el gran
cambio durante la época, aparte de una mayor ornamentación: el alargamiento de
los calzones, los cuales iban muy adornados por quedar a la vista. En el siglo XVI
se usaba vestir camisola por encima del corto faldón, se utilizan además
“greguescos acuchillados” (calzoncillos con cortes que permitían ver la tela inferior,
que generalmente era de otro color) con pretina; “jubones” (prenda rígida que cubría
desde los hombros hasta la cintura) con mangas trenzadas o enteras, anchas y
ceñidas en las muñecas; calzas cortas, anchas por arriba y adornadas con oro y
terciopelo; cuello alto y “gorgueras” (pañuelo que cubría el cuello o el escote);
mantos, capas, chalecos y casacas cortas con solapas y mangas; “bonetes”
(sombreros de forma cónica) de terciopelo, caperuzas y gorras con plumas;
sombreros de alta copa o baja, con ala sin doblar; zapatos de terciopelo con punta
cuadrada, botines y botas altas de gamuza y tacón de color. La mayoría de los
hombres utilizaba un corte de cabello con movimiento, aunque la longitud del pelo
era determinada por el gusto individual, también si era recto o rizado. La barba se
llevaba cerrada y en punta.
El realce de la figura de la mujer en el Renacimiento a través de la distorsión

El revestimiento femenino en la época del Renacimiento, era particularmente

complejo en su diseño: el fundamento era distorsionar la figura de la mujer, para
realzar sus características femeninas, a través de un incremento de las caderas y
el busto, además de atenuar la cintura. Las telas preferidas para la confección eran
las sedas, rasos, terciopelos, brocados, damascos, enriquecidas aún más por los
bordados con hilos de plata y oro, y con el agregado de perlas y piedras preciosas,
que gracias a la difusión de la aguja de acero introducida por los moros en España,
permitió realizar estas intervenciones de un modo más fino y delicado. Los colores
de este período son fuertes en el vestuario femenino. El corpiño era de talle corto,
ajustado, en punta y muy escotado y la falda amplia, a veces se usaba una especie
de sobre-vestido con sisas muy grandes por donde pasaban las mangas ajustadas
o bien muy amplias y “acuchilladas”; en estos casos el escote tenia forma de V y
llegaba hasta la cintura, dejando ver una pechera ajustada y con cuello redondeado.
En invierno se usaban capas forradas con pieles de marta, armiño, zorro, etc. En
verano, los abanicos de plumas eran el complemento protagónico. Los guantes se
convirtieron en este siglo en un objeto de lujo y solían ser de seda o piel muy fina,
con bordados. Las mujeres podían llevar el pelo con estructuras elaboradas, como
es el caso de los alemanes. El cabello iba siempre hacia arriba o a los lados,
rematado en un moño, con raya al centro cubierto por una pequeña toca o birrete
bajo; cabe destacar, que en este momento de la Historia del Vestuario, el tocado se
convirtió en el gran complemento del peinado.
 Cleopatra, la reina más
joven de Egipto
Desde su adolescencia, Cleopatra causó sensación por su
cultura y su atractivo personal. Con esas armas sedujo a Julio
César, que a su llegada a Egipto la repuso en el trono.
Cleopatra, cuyo nombre significa "gloria de su padre", nació durante el
invierno del 69 al 68 a.C. en la capital de Egipto, Alejandría.
Su padre fue Ptolomeo XII y su madre probablemente fue Cleopatra VI,
aunque otras fuentes aseguran que era hija de una egipcia de clase alta.
Cuando ascendió al trono de Egipto, a los 18 años, Cleopatra ya había
desarrollado un atractivo irresistible, fruto de una intensa educación y de
su presunta belleza. Poco más se conoce acerca de los primeros años
de la vida de Cleopatra. Su figura está irremediablemente ligada a los
últimos años de la historia de Egipto, un período que supuso la
decadencia de una larga estirpe: la de los Ptolomeos.
Tras la muerte de Alejandro Magno, sus generales se repartieron el
inmenso imperio que él había reunido. Ptolomeo Lagos adquirió el
territorio de Egipto, nombrándose faraón e iniciando la dinastía lágida,
época que se conoce con el nombre de ptolemaica. Sus sucesores
gobernaron Egipto concediendo poca atención a la milenaria cultura
faraónica, mientras Roma dominaba el Mediterráneo. En un periodo de
suma inestabilidad, los egipcios entronaron a Ptolomeo XII, hijo ilegítimo
de Ptolomeo IX, que se casó con su hermana Cleopatra VI Trifena y tuvo
con ella tres hijas. Una de ellas, Cleopatra VII, se convertiría en la futura
reina de Egipto.
Frida Kahlo

BIOGRAFÍA DE FRIDA KAHLO

Magdalena Carmen Frida Kahlo Calderón fue una pintora mexicana, nació el 6
de julio de 1907 en Coyoacán, México. Conocida en el mundo por el sufrimiento
que reflejaban sus obras, que están basadas en su vida y las diversas situaciones
que debió afrontar.
Frida Kahlo es la tercera hija de la unión entre el fotógrafo alemán, Guillermo Kahlo,
y Matilde Calderón. La primera hija fue Matilde, de ahí siguió Adriana, Guillermo
(Murió a los pocos días), Frida y Cristina; Cristina fue la más unida a Frida y fue la
única que dejó descendencia. Guillermo Kahlo antes de conocer a Matilde, tuvo una
relación con María Cardeña Espino, quien murió en el parto de Margarita, con quien
tuvo tres hijas: Luisa, María (falleció a los pocos días de nacida) y Margarita.
La Casa Azul, from Wikimedia Commons

Tras la muerte su mamá y la situación con la nueva pareja de su papá, Wilhelm

(Guillermo) Kahlo se subió a bordo en Hamburgo y llegó a Veracruz, México en
1890. Como sinónimo de haber roto relaciones con su familia de origen, se cambió
el nombre a Guillermo, significado de su nombre en español. En 1893 se casó con
María Cardeña, quien falleció cuatro años después. En 1898 contrajo matrimonio
con Matilde Calderón. En 1904 la familia se trasladó a Coyoacán, a la muy
reconocida y famosa, Casa Azul, que es actualmente donde está ubicado el Museo
Frida Kahlo.

FRIDA KAHLO, SU LUCHA CONTRA LA ENFERMEDAD

Desde temprana edad, Frida Kahlo tuvo que soportar el sufrimiento físico a causa
de varias enfermedades que padeció. En 1913 contrajo poliomielitis, así fue como
empezó varias cadenas de operaciones, lesiones, accidentes. Esta enfermedad la
hizo permanecer nueve meses en cama, y le dejó una secuela, pues su pierna
derecha es mucho más delgada que la pierna izquierda. La muy notable limitación
motriz y sus varias operaciones hicieron que Frida creciera de modo distinto y a
menudo se viera limitada de compartir con otros niños.

En 1922 Frida había tenido la oportunidad de observar a Diego Rivera mientras

realizaba su primer mural en el Anfiteatro Simón Bolívar de la Escuela Nacional
Preparatoria.
UN ACCIDENTE PUDO TERMINAR CON LA VIDA DE FRIDA KAHLO

El 17 de septiembre de 1925 Frida Kahlo sufrió un accidente mientras regresaba

con su novio Alejandro Gómez Arias de la escuela, pues el autobús en el que
ellos viajaban se accidentó con un tranvía, quedando así aplastado contra un muro
y destruido. Su columna vertebral quedó fracturada en tres partes, sufriendo
además fracturas en la clavícula, tres en el hueso pélvico y en dos costillas. Su pie
derecho se dislocó, su hombro izquierdo se descoyuntó, su pierna derecha se
fracturó en once partes y un pasamanos la atravesó desde la cadera izquierda hasta
salir por la vagina. A causa de todas estas fracturas, fue operada muchísimas veces,
tras de eso tuvo que vivir con corsés.

“Pies para qué los quiero si tengo alas pa’ volar”

FRIDA KAHLO Y EL ARTE

Frida antes del accidente no mostraba interés sobre el arte, pues a causa de la
poliomielitis ella se inclinaba más hacia el deporte. Pero luego de su accidente, lo
que menos tenía que hacer era moverse para que así sanara más rápido, y fue ese
tiempo en el cual aprendió a pintar, y que influyó con toda posibilidad en la creación
del complejo mundo psicológico que se refleja en sus pinturas.
El marxismo dará salud a los enfermos, Frida Kahlo 1954, Desde Google Arts &
Culture

En septiembre de 1926 Frida Kahlo hizo su primer autorretrato, lo pintó como regalo
para su novio de aquellos tiempos, Alejandro Gómez Arias, quien había terminado
la relación. Se lo dio con el fin de recuperar su afecto y que la recordara. En la parte
de atrás escribió en alemán: “Hoy es siempre todavía”. En esa primera obra
aprendió algo que haría el resto de su vida, reflejar en sus pinturas los sucesos de
su vida y los sentimientos que le producían.
En 1927 Frida ya había hecho varios retratos, entre esos a su hermana menor,
Cristina. Para ese tiempo Frida ya frecuentaba ambientes políticos, intelectuales y
artísticos. Frida conoció a Julio Antonio Mella, un comunista cubano, y su esposa,
la fotógrafa Tina Modotti. Tina y Frida se hicieron amigas y Tina invitaba a Frida
Kahlo a varias reuniones políticas del partido comunista mexicano, organización en
la que se incorporó Frida.
En 1928 se encontró de nuevo a Diego Rivera en varias reuniones y cenas a las
que iba con Tina Modotti. Frida nunca había hablado con él, pero un día lo visitó
mientras hacía varios murales en el edificio de la Secretaría de Educación Pública,
para mostrarle varias de sus obras. Diego Rivera quedó fascinado por sus obras y
la animó para que continuara, y desde ese día fue constantemente invitado a la casa
de los Kahlo Calderón.
En el año de 1929, Frida Kahlo y Diego Rivera contrajeron matrimonio; su
relación se basaba en aventuras con otras personas, amor, creatividad y odio.
En 1930 Frida quedó embarazada por primera vez, pero debido a la posición extraña
del feto y a las secuelas del accidente en el autobús, el embarazo de tres meses
debió ser interrumpido. El primero de varios embarazos fallidos de Frida.

Entre 1931 y 1934, Frida y Diego vivieron en Nueva York. En 1932 se trasladaron a
Detroit, ya que Diego tenía varios encargos de murales allí. En esa ciudad Frida
sufrió otro aborto, mientras su recuperación pintó su autorretrato Aborto en Detroit.
En 1933 volvieron a México. La pareja lograba complementarse a pesar de sus
amoríos fuera de la relación. Diego Rivera engañó a Frida con varias mujeres, entre
esas está su hermana menor, Cristina, pero este romance con Cristina afectó tanto
a Frida y dio un giro concluyente en sus relaciones de pareja. Frida inició otras
relaciones amorosas tanto con hombres como con mujeres que continuaron toda su
vida.
Entre 1937 y 1939, León Trotsky y su esposa vivieron exiliados en la casa de Frida
en Coyoacán. Frida y León Trotsky tuvieron un amorío. Después del asesinato de
León, Frida y Diego fueron arrestados y acusados por ello, pero luego fueron
dejados en libertad.

En 1939 Frida y Diego se separan. Frida regresó temporalmente a su casa de

Coyoacán. Fue un tiempo de ánimo depresivo en el que Frida consumió alcohol
como forma de aliviar su sufrimiento físico y psicológico. En ese mismo año expuso
en París en la galería Renón et Collea gracias a Bretón. Esa estancia en París la
llevó a relacionarse con el pintor español, Picasso.
En todos sus cuadros Frida Kahlo aparece vestida de mexicana y lleva joyas
precolombinas. A Diego Rivera le gustaba tanto su manera de vestir como su largo
cabello negro. En Autorretrato con pelo cortadode 1940, Frida Kahlo renuncia a los
atributos de su feminidad y se muestra vestida con un gran traje de hombre y
sentada en una silla amarilla sobre un suelo de colores rojo y naranja rodeado por
su cabello cortado, en la parte superior del cuadro aparecen escritos los versos de
una canción mexicana: “Mira que si te quise, fue por el pelo, ahora que estás pelona,
ya no te quiero”.

“Creían que yo era surrealista, pero no lo era. Nunca pinté

mis sueños. Pinté mi propia realidad”

Luego de la separación, Diego y Frida seguían compartiendo parte de su vida social.

En junio de 1940 Diego viajó a San Francisco, Frida le siguió en septiembre de ese
año. Dos meses después la pareja decidió casarse de nuevo. El nuevo pacto
amistoso consistía en vivir juntos, compartir los gastos, seguir con la colaboración
artística y suprimir de su relación la vida sexual de pareja.
En esos años se fue volviendo más reconocida e hizo varias exposiciones en varios
museos de diferentes países y ciudades. En 1943 dio clases en una escuela
conocida como La Esmeralda.

En 1950 tuvo que ser hospitalizada, y permaneció un año. En 1953 en México

hubo una exposición individual, la exposición fue en la Galería de Arte
Contemporáneo. Frida para ese año estaba muy grave de salud y los doctores le
prohibieron asistir. Pero Frida llegó a la exposición en una ambulancia, acostada en
una camilla. La camilla fue colocada en el centro de la galería de arte; Frida tomó,
cantó y contó chistes toda la tarde. En ese mismo año, debido a una infección de
gangrena, a Frida le tuvieron que amputar la pierna (Por debajo de la rodilla), esto
la hizo volver a caer en depresión e hizo varios intentos de suicidio. En ese
tiempo Frida Kahlo escribía poemas en sus diarios, la mayoría tenían que ver sobre
el sufrimiento y el dolor. En 1954 Frida escribía sobre sus intentos suicidas y que lo
único que la retenía era no faltarle a Diego. El 19 de abril de ese año fue internada
por intento de suicidio, y el 6 de mayo de ese mismo año volvió a recaer y fue
internada de nuevo por otro intento de suicidio.
En su museo se exhibe su último cuadro, se trata de una pintura en óleo que
muestra varios cortes de sandías en tonos muy vivos. En uno de esos trozos y a
lado de su firma está escrito “Viva la vida”. Las últimas en su diario fueron:

“Espero alegre la salida y espero no volver jamás” – Frida

Kahlo.

El 13 de julio de 1954 falleció Frida Kahlo, fue velada en el Palacio de Bellas Artes
de la Ciudad de México, su cuerpo fue cremado en el Crematorio Civil de Dolores y
sus cenizas se guardan en la Casa Azul de Coyoacán, actual museo de Frida Kahlo,
el lugar que la vio nacer y crecer.
Rihanna

BIOGRAFÍA DE RIHANNA
Robyn Rihanna Fenty nació en Bridgetown, Barbados, el 20 de febrero de
1988. Es una reconocida cantante, compositora, modelo, bailarina, actriz,
diseñadora de moda, empresaria y productora musical de nacionalidad
barbadense y estadounidense.
Rihanna es hija de Mónica Braithwaite, una contadora pública en retiro, y Ronald
Fenty, un supervisor comercial de origen tanto de Barbados como de Irlanda. Tiene
dos hermanos de sus padres y tres medios hermanos por parte de su padre. Fue a
la escuela Charles F. Broome, donde cursó la primaria, y al colegio Combermere,
donde ganó en el 2004 tanto el concurso de talentos como el certamen de belleza.
De niña sufrió de graves dolores de cabeza, asociados a las constantes discusiones
que sostenían sus padres debido a la adicción a la cocaína por parte de Ronald
Fenty. Sin embargo, cuando Rihanna tenía 14 años, estos se divorciaron y los
dolores cesaron.

Su carrera musical inició cuando formó un trío musical con dos de sus
compañeras de clase en el 2003. Por este tiempo, el productor musical
estadounidense Evan Rogers se encontraba de vacaciones junto con su esposa en
Barbados. Una amiga de Rihanna contacto con la esposa de este y le contó acerca
de ella. Convencido por su esposa, Evan llamó al trío a una audición, en la que
Rihanna se impuso ante sus dos compañeras con su voz, cantando Emotion, de la
banda Destiny’s Child, y Hero, de la cantante Mariah Carey. Evan Rogers concertó
entonces una segunda audición, pero esta vez sin sus compañeras y con la
presencia de su madre. Contento con lo que escuchaba, invitó a Rihanna a grabar
en Estados Unidos una maqueta, la cual fue enviada a distintas discográficas. Esta
maqueta pasó por varias manos, hasta llegar al rapero Jay-Z, quien acaba de
obtener el puesto de presidente y director ejecutivo de la discográfica Def Jam. A
Jay-Z sólo le bastó escuchar a Rihanna cantando Pon de Replay para sentirse
entusiasmado, aunque tenía sus dudas. Así que llamó a Rihanna para una audición
en Nueva York, donde convenció tanto a Jay-Z como a L.A. Reid de que la querían
en Def Jam. Luego de firmar con la discográfica, Rihanna rechazó las otras
ofertas que tenía y se fue a vivir con Evan Rogers y su esposa en Estados
Unidos.
En el 2005, su canción Pon de Replay estuvo en el top cinco de las listas musicales
de verano de quince países, entre las cuales se pueden mencionar el UK Singles
Chart y el Billbiard Hot 100. Incluso alcanzó el puesto número uno en la Hot Dance
Club Songs. Para agosto de ese mismo año, Rihanna lanzó su álbum debut, Music
of the Sun, con el que obtuvo la certificación de oro de la Asociación de la industria
discográfica de Estados Unidos, pues vendió más de medio millón de unidades.
Rihanna además cantó su disco en la pre-gala de los Premios MTV Vido Musica
Awards de ese mismo año.
Al año siguiente lanzó su segundo álbum, A Girl Like Me, el cual fue muy bien
recibido también, pues quedó en el puesto número cinco de las canciones más
escuchadas tanto en Estados Unidos como en el Reino Unido, y en Canadá ocupó
el primer puesto. El 31 de mayo del 2007, Rihanna lanza su tercer álbum Good
Girl Gone Bad. Fue con este con el cual logró reconocimiento global, pues
más allá de las numerosas ventas del disco hechas en todo el mundo, que
suman hoy en día más de 6 millones y medio de copias, la llevó a hacer un tour
con más de 80 presentaciones tanto en Europa como en Norteamérica, además de
darle la nominación de varios Premios Grammy en el año 2008, de los cuales ganó
el de Mejor Colaboración de Rap/Cantada.
Para el mes de noviembre del 2009, salió su cuarto álbum, Rated R, con el cual
inició su tour The Last Girl On Earth, que contó con 57 espectáculos que iniciaron
en Europa y terminaron en Australia. Al año siguiente colaboró con Eminem en la
canción Love the Way You Lie, la cual fue el tema más vendido del 2010 en el Reino
Unido. Ese mismo año, lanzó su quinto álbum, Loud, el cual contenía el
sencillo Only Girl (In the World), con el que ganó el Premio a Mejor Grabación Dance
en los Grammy. En el 2011 lanzó otro exitoso álbum, Tlak That Talk, y en el 2012
colaboró con Coldplay en Princess of China y con Drake en Take Care. Asimismo,
fue elegida como la mejor artista internacional en los Brit Awards por segunda vez
consecutiva y ganó el MTV Musica Award por el mejor video del 2012, siendo la
primera mujer en recibirlo varias veces. En septiembre lanzó su séptimo
álbum Unapologetic, y en el 2013 ganó el Grammy al Mejor Video Musical Corto
gracias a We Found Love. Para el 2015, la Asociación de la Industria Discográfica
de los Estados Unidos reveló que la artista había vendido más de 100 millones de
copias. En el 2016, Rihanna lanzó su octavo álbum y último hasta el momento, Anti.
Más allá de su carrera musical, Rihanna participó en el 2006 como actriz en Bring it
On: All or Nothing, aunque con pésimas críticas. También produjo la serie Styled to
Rock en el 2012. Además participó en This Is the End, del 2013; Home, del 2015; y
se sabe que aparecerá en la serie Bates Motel. Ha actuado en comerciales para
Kodak y Samsung, ha lanzado su propia fragancia, Rebelle, y ha ayudado en
múltiples obras de caridad.