PRESENTACIÓN

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Guía para educadores

Art in the USA
300 años de innovación

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ÏNDICE

Art in the USA: 300 años de innovación
Guía para educadores

Museo Guggenheim Bilbao Del 11 de octubre de 2007 al 27 de abril de 2008

Índice

Consejos de uso Introducción a la exposición Itinerario de la exposición Unidades
© de la edición: FMGB Guggenheim Bilbao Museoa, Bilbao 2007

3 4 5

15.1 Colonización y Rebelión (de 1700 a 1830) 15.2 Expansión y Fragmentación (de 1830 a 1880)

6 10 14 18 22

De las obras reproducidas © sus autores

15.3 Cosmopolitismo y Nacionalismo (de 1880 a 1915) 15.4 Modernidad y Regionalismo (de 1915 a 1945) 15.5 Prosperidad y Desilusión (de 1945 a 1980) 15.6 Multiculturalismo y Globalización (De 1980 a la actualidad)

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Patrocinador de programas educativos
Art in the USA: 300 años de innovación ha sido organizada por The Solomon R. Guggenheim Foundation conjuntamente con la Terra Foundation for American Art.

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CONSEJOS DE USO

Consejos de uso
Esta guía está diseñada par ofrecer a los profesores de Educación Primaria EP y Secundaria ES recursos generales, preguntas y actividades que les sirvan para explorar con sus alumnos la exposición Art in the USA: 300 años de innovación. A lo largo de la guía, se ofrecen sugerencias para integrar el estudio del arte en el currículo escolar y aumentar el conocimiento de los alumnos sobre el arte contemporáneo a través de la observación y el debate en torno a las obras de arte. Este material le ayudará a: •Dirigir una visita autoguiada a la exposición con su clase. •Preparar al alumnado antes de la visita a la exposición o profundizar en el contenido de la misma. •Programar clases sobre el arte norteamericano, ajustando el contenido a los intereses del grupo o del currículo escolar. •Motivar al alumno a que reflexione y discuta sobre temas artísticos; adquiera el vocabulario y capacidad para debatir sobre arte; cuestione, redefina y formule ideas propias. •Desarrollar la capacidad de análisis y observación. Antes de acudir con su clase al Museo, le recomendamos que visite la exposición. El Museo ofrece días señalados de acceso gratuito y sesiones de orientación. De esta forma, podrá decidir qué aspectos de la exposición son más relevantes y significativos para su clases en particular. Con independencia de la visita al Museo, esperamos que este material —que puede usar total o parcialmente y en el orden que prefiera— siga siendo una herramienta útil para que sus alumnos conozcan la historia del arte norteamericano.

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INTRODUCCIÓN A LA EXPOSICIÓN

Introducción a la exposición
Art in the USA: 300 años de innovación explora el arte de una nación que lucha por definirse en sus primeros siglos de existencia. Los Estados Unidos nacieron a finales del siglo XVIII, cuando los valores modernos de independencia e iniciativa empresarial comenzaban a extenderse por todo el mundo. A lo largo de su historia, EE UU ha producido un arte que expresa el orgullo por sus ideales. Art in the USA presenta los principales movimientos artísticos del arte norteamericano. La exposición, que se divide en seis periodos históricos y cubre desde 1700 hasta la actualidad, evidencia cómo el arte de cada época ha reflejado y, al mismo tiempo, aportado a la compleja narrativa visual de una nación. La muestra ofrece un retrato de la experiencia norteamericana con sus mitos, sus sueños, las dificultades vividas y sus debilidades. Explora cómo el paisaje cultural, político, étnico, económico y natural ha dado forma a la conciencia e identidad nacionales.

La Terra Foundation for American Art promueve el desarrollo de materiales creados para ayudar a los profesores a incluir el arte norteamericano en el currículun escolar. Terra Foundation for American Art http://www.terraamericanart.org/ education/

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ITINERARIO DE LA EXPOSICIÓN

Itinerario de la exposición

2ª planta
2O2 2O4 2O3

2O5

2O8

2O6 2O9 2O7

DIDAKTIKA

1ª planta
1O1

1O3A

1O5

1O

1O

3B

1O4

4

B

15.1

COLONIZACIÓN Y REBELIÓN
(De 1700 a 1830)

Charles Willson Peale (1741–1827) George Washington, ca. 1780–82. Óleo sobre lienzo, 127 x 101,6 cm. Walton Family Foundation Collection, Bentonville (Arkansas) SALA 205

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15.1. COLONIZACIÓN Y REBELIÓN

Información histórica
Durante este período, tanto la política como el arte estadounidenses se centraron en la relación con Inglaterra. Los grandes retratos al óleo de ciudadanos destacados, típicos en el arte británico, también dominaron los comienzos del arte norteamericano. Sin embargo, desde un principio, en el arte norteamericano se advertían sutiles desviaciones con respecto al modelo británico. Los primeros retratos de colonos reflejan la influyente cultura puritana de Nueva Inglaterra. La rígida aproximación a la figura humana de esos retratos es el resultado del estricto código moral del ciudadano ideal. Aunque en el siglo XVIII los valores coloniales se relajaron y los norteamericanos pudientes —como sus homólogos europeos— encargaban retratos que mostraran sus lujosos vestidos y sus posesiones, los norteamericanos evitaban los símbolos europeos de nobleza y poder y preferían concentrarse en sus logros como comerciantes y coleccionistas. A partir de 1776 las colonias norteamericanas proclamaron la Declaración de Independencia. Mientras seguían los enfrentamientos con Inglaterra en la Guerra de la Independencia, aumentó el deseo de distinguir el arte norteamericano de la tradición europea. Los artistas americanos rompieron con dicha tradición pintando retratos de líderes civiles y de figuras públicas destinados a inspirar, más que reverencia o admiración, orgullo nacional y entusiasmo en la ciudadanía. RETRATOS Según el historiador de arte Michael Leja, algunos fundadores de EE UU desconfiaban de las bellas artes. Creían que estaban vinculadas a la riqueza y al lujo y, por tanto, a la explotación y la desigualdad. Para sobrevivir en una joven república, las bellas artes tuvieron que justificar su utilidad y compatibilidad con la democracia. Superaron inmediatamente este reto. El arte encontró su finalidad pública ya que contribuyó a establecer la autoridad y legitimidad de la nueva nación. Charles Willson
BIBLIOGRAFÍA
Lubin, David M. Picturing a Nation: Art and Social Change in NineteenthCentury America. New Haven: Yale University Press, 1994.

Peale fue un destacado retratista que defendió enérgicamente la independencia frente a Gran Bretaña. Peale fue el primer artista que ofreció retratos de George Washington a un país ávido de imágenes de su victorioso líder militar y primer presidente.

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15.1. COLONIZACIÓN Y REBELIÓN

Temas de debate
EP-ES Describid detalladamente este retrato. Peale quiere mostrar las virtudes de la persona retratada: sabiduría, humanidad, fortaleza y honradez. ¿Cómo es capaz de plasmar tales rasgos de la personalidad en la pintura? ¿Cómo ha conseguido retratar a un líder sin reflejar una riqueza extrema? Analizadlo. Los primeros retratos norteamericanos de líderes eran diferentes a los retratos de los monarcas europeos. Comparad el retrato de Peale de George Washington con el retrato oficial que Goya realizó del Rey de España Carlos IV (1748–1819) en 1789. Véanse referencias web. Observad la pose de George Washington en la pintura de Peale. ¿Qué rasgos de la personalidad refleja dicha pose? Fijaos en su vestimenta y en el entorno. ¿En qué medida contribuyen a crear un efecto en el espectador?

REFERENCIAS WEB
http://museoprado.mcu.es/familia.html http://www.artehistoria.jcyl.es/historia/ personajes/5601.html

Actividades
EP-ES Pintad un autorretrato donde vuestra pose, vestimenta y el entorno reflejen aspectos de vuestra personalidad. Se conoce a George Washington como “el padre de la nación norteamericana” por sus contribuciones como líder político y militar. Elegid un mandatario de la historia de vuestro país que haya contribuido en su desarrollo. Buscad biografías de ambos líderes y analizad los rasgos de la personalidad que ambos compartan. Pida a sus alumnos que elijan a una persona a la que admiren, alguien que haya influido en sus vidas. Puede ser un familiar, un amigo, un famoso o una figura pública. Que escriban una redacción sobre los motivos por los que dicha persona es especial para ellos y sobre cómo les ha influido sus palabras o actos.

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15.1. COLONIZACIÓN Y REBELIÓN

ES Las colonias norteamericanas mantuvieron una larga y difícil lucha contra los británicos para conseguir su independencia. ¿Cuáles fueron las causas de la Guerra de la Independencia (1775–83)? Buscad información sobre este período de la historia y los acontecimientos que condujeron a la formación de un nuevo país: los Estados Unidos de América.

15.2

EXPANSIÓN Y FRAGMENTACIÓN
(De 1830 a 1880)

Asher B. Durand (1796–1886) Un arroyo en el bosque (A Creek in the Woods), 1865. Óleo sobre lienzo, 101,6 x 81,9 cm. Museo ThyssenBornemisza, Madrid SALA 206

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15.2. EXPANSIÓN Y FRAGMENTACIÓN

Información histórica
Al crearse un país nuevo, Estados Unidos, surgió la necesidad de desarrollar una identidad nacional. Durante la década de 1820, la pintura de género —que describía la vida cotidiana y los paisajes nacionales— sirvió a los artistas norteamericanos y a sus mecenas para ilustrar la creencia de que Estados Unidos y sus ciudadanos eran excepcionales por sus libertades personales y económicas. La pintura de género retrataba a personajes comunes en acontecimientos cotidianos. El objetivo de estos pintores era entretener y generar sentimientos de aprobación entre los espectadores, al contemplarse a sí mismos o a sus vecinos reflejados en las escenas anecdóticas. Así, las pinturas de género ayudaron al desarrollo de una conciencia nacional entre la disparidad de los ciudadanos del país. Los cuadros de paisajes, que muestran las tierras salvajes en su estado natural y la extensión de un continente virgen que parece no tener límites, simbolizan el potencial de grandeza de la nación y están inspirados en las teorías filosóficas y en las doctrinas políticas. El Transcendentalismo filosófico (la creencia de que Dios es inherente a la naturaleza y al hombre) dominó la vida intelectual norteamericana entre 1836 y 1860, y quedó reflejado en múltiples pinturas paisajísticas. Hacia la mitad del siglo XIX, la idea del Destino Manifiesto estaba en su punto álgido. Según esta creencia, la expansión hacia el oeste del territorio era un designio divino. Esta convicción, reflejada en la pintura de paisajes, legitimó, para muchos norteamericanos, la propagación de la población por todo el continente. PINTURA PAISAJÍSTICA
VOCABULARIO
Escuela del Río Hudson: grupo de artistas del siglo XIX que pintaban asombrosas escenas del paisaje norteamericano. Querían crear un arte que plasmara temas exclusivamente norteamericanos y que reflejara la grandeza del Nuevo Mundo.

Asher B. Durand y Thomas Cole fundaron la Escuela del Río Hudson de pintura paisajística. Su nombre deriva de que muchas de sus escenas muestran monumentos o lugares emblemáticos del estado de Nueva York, como el Río Hudson. La obra de Durand despierta directamente los sentidos. Este artista estudiaba la naturaleza con una mirada precisa y reverente, y

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15.2. EXPANSIÓN Y FRAGMENTACIÓN

transmitía en sus pinturas una vivencia directa. Sus representaciones detalladas de rocas, hojas, troncos o raíces provocan la sensación de que uno se encuentra realmente en el lugar pintado. Muchos argumentan que la comunión de Durand con la naturaleza era un viaje artístico y espiritual. Para él la naturaleza y Dios eran un único ser y, en sus escritos, aconsejaba a los artistas jóvenes salir de sus estudios y adentrarse en la naturaleza para hallar la inspiración.

Temas de debate
EP-ES Describid detalladamente esta pintura. Imaginad que entráis en ella. ¿Hacia dónde dirigiríais vuestros pasos? Describid lo que ves, oís y oléis al desplazaros por el lugar. ES Describid la relación entre el hombre y la naturaleza que se representa en esta pintura. ¿Creéis que dicha relación ha cambiado con los siglos o sigue siendo la misma? Explicad vuestras respuestas.

Actividades
EP-ES Durand dibujaba múltiples bocetos y los combinaba para crear una obra final, una escena ideal que reflejara a Dios, la naturaleza y la nueva nación. Sus pinturas son una proclama simbólica que no muestra lugares específicos sino escenas imaginarias. Aplicad vosotros
REFERENCIAS WEB
Digital History, un libro on-line sobre la historia de EE. UU http://www.digitalhistory.uh.edu/ National Gallery of Art, Washington, D.C., EE. UU http://www.nga.gov/

este método artístico de Durand realizando varios bocetos de paisajes de vuestro entorno. A continuación, combinad elementos de los distintos dibujos para recrear un paisaje imaginario. Escribid un breve poema inspirado en esta pintura y recitadlo ante vuestros compañeros de clase.

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15.2. EXPANSIÓN Y FRAGMENTACIÓN

ES Aunque los fundadores de la Escuela del Río Hudson (Thomas Cole y Asher B. Durand) trabajaban en Nueva York, también pertenecían a esta escuela otros artistas que no vivían en la ciudad, como Frederick Edwin Church, Albert Bierstadt y Thomas Moran. Éstos pintaban en el Oeste de los Estados Unidos, México, Sudamérica o en los países mediterráneos, pero sus paisajes mostraban una adoración similar hacia la naturaleza. Buscad imágenes de las obras de estos artistas de la Escuela del Río Hudson. ¿Os gusta algún artista o estilo en especial? Explicad por qué1. El Destino Manifiesto se basaba en la creencia de que la expansión territorial de Estados Unidos no sólo era inevitable, sino que era de un designio divino. Así, los expansionistas justificaban la adquisición de territorios. No obstante, los indios americanos, que llevaban siglos viviendo en dichas tierras, tenían una visión muy diferente. Debatid este asunto en clase. Dividid la clase en dos grupos. Uno de ellos defenderá a los expansionistas y el otro adoptará el enfoque de los indios americanos.
La muestra incluye pinturas de Church, Bierstadt y Moran.
1

15.3

COSMOPOLITISMO Y NACIONALISMO
(De 1880 a 1910)

Frederich Childe Hassam (1859–1935) Avenida Commonwealth, Boston, (Commonwealth Avenue, Boston), ca. 1892. Óleo sobre lienzo, 56,5 x 76,8 cm. Terra Foundation for American Art, Chicago, Colección Daniel J. Terra SALA 207

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15.3. COSMOPOLITISMO Y NACIONALISMO

Información histórica
El arte norteamericano de principios del siglo XX refleja los retos a los que se enfrentaba un país que buscaba su lugar en la escena mundial. La nueva riqueza permitió a los artistas y a los coleccionistas dejar su impronta en el extranjero. Al mismo tiempo, la inmigración masiva desde todos los rincones del mundo disipó la identidad de EE. UU como antigua colonia británica y convirtió ciudades como Nueva York en internacionales y cosmopolitas. El ritmo acelerado de la vida moderna encajó a la perfección con el ciudadano americano, para quien el desarrollo de las tecnologías modernas era motivo de orgullo nacional. Ésta fue la época del barco de vapor, que acercó América y su arte al resto del mundo. El Impresionismo era tan popular como en Europa gracias a los numerosos artistas norteamericanos que trabajaban en París, así como a la oleada de pinturas impresionistas francesas que ingresaron en las colecciones norteamericanas. Hacia el año 1900, el desarrollo del cine permitió a los artistas captar las escenas en movimiento de la vida norteamericana. Esto influyó en la aproximación de algunos pintores a los temas urbanos. En lugar de la colorista y elegante visión impresionista de la ciudad, los pintores del escuela Ash Can (“cubo de basura”) buscaron una imagen trepidante y oscura de Nueva York, la ciudad del comercio y de la inmigración. Conscientes de las tendencias modernas internacionales, estos pintores creían en una interpretación propia, exclusivamente norteamericana, del arte. PAISAJES URBANOS En 1892, Hassam fue pionero en la pintura de paisajes urbanos así como en el uso del estilo impresionista. Tras pintar escenas callejeras de París, Nueva York se convirtió en tema central de sus cuadros. En Avenida Commonwealth, Boston, el artista muestra los elegantes bulevares y parques de la ciudad donde vivió en su infancia. Esta zona de Boston se desarrolló a mediados del siglo XIX. En 1890, Back Bay se había convertido en el nuevo barrio residencial y acomodado de la ciudad. En esta pintura, Hassam subraya las

BIBLIOGRAFÍA
Catálogo de la exposición: Davidson, Susan. Art in the USA: 300 años de innovación. Madrid: Guggenheim Bilbao Museoa, 2007

VOCABULARIO
Impresionismo norteamericano: variante del Impresionismo desarrollado por artistas norteamericanos que se formaron en su país y en el extranjero. Es similar al Impresionismo francés pero fue adaptado para retratar temas norteamericanos. La Escuela Ash Can (“cubo de basura”): de 1908 a 1913 aprox. Pequeño grupo de artistas que deseaban documentar la vida diaria del Nueva York de principios del siglo XX, captando imágenes realistas de escenas callejeras.

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15.3. COSMOPOLITISMO Y NACIONALISMO

diferencias entre Boston y París: la longitud, anchura y limpieza de las calles de Boston, la sofisticación de sus habitantes y su ambiente agradable. La mujer y el niño que pasean solos —en primer plano— reflejan la seguridad de las calles de la ciudad. Hassam ofrece una imagen positiva de la vida cotidiana e ignora la cruel realidad social 2 de la vida urbana moderna .

Temas de debate
EP-ES Haced una lista de adjetivos para describir esta obra y, a continuación, analizad cómo ha conseguido el artista tales efectos mediante la composición, la aplicación de pintura o el color. ¿Qué elementos revelan que esta escena se pintó hace más de un siglo? Si visitarais este lugar de Boston (Massachusets) actualmente, ¿qué cambios apreciarías? Comparad el cuadro de Asher B. Durand, Un arroyo en el bosque (1865) con esta obra de Frederick Childe Hassam. ¿En qué lugar preferíais vivir? ¿Por qué? ¿Qué mensaje transmite cada artista sobre la vida en Estados Unidos en el siglo XIX?

Actividades
EP-ES Imprimid esta imagen y, colocando una lámina de acetato o papel cebolla sobre ella, actualizad la escena. Con lápices o rotuladores de colores, calcad la imagen y pintad sobre ella introduciendo los cambios que se han producido en el último siglo. ES Hassam pinta un bonito y próspero barrio en un día soleado, pasando por alto las dificultades de la vida urbana moderna. En la década de 1880, el fotógrafo Jacob Riis (1849–1914) recogió en imágenes la dura
2

Texto adaptado y traducido de la Terra Foundation for American Art, http://www.terraamericanart.org/collections/

situación en que vivían los niños pobres e inmigrantes en vecindarios del Lower East Side de Manhattan. Su libro, Cómo vive la otra mitad

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15.3. COSMOPOLITISMO Y NACIONALISMO

(1890) se convirtió en una obra fundamental que aceleró la aplicación de reformas. La versión completa de este libro está disponible en Interne3. Comparad y analizad la visión optimista de Hassam con la exposición periodística de Riis. Aunque el Impresionismo americano compartía muchas similitudes con el francés, por lo general, el primero tendía a mostrar un mayor realismo y estructuras más marcadas. En la muestra, se incluyen obras de otros impresionistas norteamericanos como Mary Cassatt (1844–1926), John Henry Twachtman (1853–1902) y William Merritt Chase (1849–1916). Observad atentamente sus obras y comparadlas con pinturas de los impresionistas franceses. ¿Qué diferencias encontráis? ¿Y qué similitudes? Véase referencias web.

REFERENCIAS WEB
http://www.musee-orsay.fr/es/reception.html

3

Jacob Riis, How the Other Half Lives (1890), www.yale.edu/amstud/inforev/riis/contents.html

15.4

MODERNIDAD Y REGIONALISMO
(De 1915 a 1945)

Archibald J. Motley, Jr. (1891–1981) Sábado noche (Saturday Night), 1935. Óleo sobre lienzo, 81,3 x 101,6 cm. Howard University Gallery of Art, Washington, D.C. SALA 209

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15.4. MODERNIDAD Y REGIONALISMO

Información histórica
En una época de efervescencia política entre las dos guerras mundiales, las tensiones provocadas por las complejidades nacionales e internacionales dio lugar a uno de los períodos más variados y contradictorios del arte norteamericano. La Gran Depresión —período de la década de 1930 de crisis económica y desempleo masivo a escala mundial— ocasionó momentos de agitación social en la vida cultural urbana. Muchos artistas neoyorquinos, que hasta entonces habían seguido el camino de la abstracción, abandonaron preocupaciones meramente estéticas en favor de proclamas contra la injusticia social y política. Así, empezaron a pintar imágenes de la América regional empleando, en la mayoría de los casos, nuevas formas modernas: colores vivos, formas cubistas y comprimiendo el espacio de sus cuadros. En Nueva York, muchos artistas modernos estuvieron ligados al fotógrafo Alfred Stieglitz, destacado representante del arte moderno entre 1915 y 1935. El mundo natural y las formas geométricas inspiraron a esta elite vanguardista de artistas, entre ellos Arthur Dove, Marsden Hartley y Georgia O’Keeffe. Otro grupo de artistas más sociales representaban escenas de la vida urbana con mensajes cargados de conciencia social. Eran afroamericanos, vinculados al movimiento Renacimiento de Harlem, entre los que se contaba Archibald J. Motley, Jr. A diferencia de los artistas que seguían a Stieglitz, los artistas regionalistas representaron a Estados Unidos como una nación de gentes sencillas y zonas geográficas diversas. Además, demostraron que los artistas podían ser independientes del mundo artístico de Nueva York, que se centraba en el arte abstracto. Sin embargo, tras la Segunda Guerra Mundial (1939–45), el realismo empezó a considerarse como una ideología y un estilo reaccionario y se detestaba el carácter propagandístico de las obras realistas europeas. Así, la abstracción desbancó a todas las demás expresiones de modernidad e, irónicamente, se tomó como una creencia política que simbolizaba la libertad de expresión en una sociedad democrática. A comienzos de la década de 1920, un barrio de Nueva York conocido como Harlem acogió a múltiples afroamericanos aspirantes a artistas, escritores y músicos. Este período creativo fue bautizado como el Renacimiento de Harlem y vibró con fuerza durante casi dos décadas. Archibald J. Motley, Jr. fue uno de los primeros artistas

BIBLIOGRAFÍA
Corn, Wanda M. The Great American Thing: Modern Art and National Identity, 1915 – 1935, Ahmanson-Murphy Fine Arts Books, 2001.

VOCABULARIO
Renacimiento de Harlem: movimiento de las décadas de 1920 y 1930 surgido en el barrio neoyorquino de Harlem cuando proliferaron los logros de los afroamericanos en el arte, la música y la literatura.

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15.4. MODERNIDAD Y REGIONALISMO

que plasmó la vida afroamericana en sus pinturas. Aunque nunca vivió en Harlem, su obra fue referencia para todos los trabajos asociados al Renacimiento de Harlem. Motley es principalmente conocido por sus retratos y escenas de Bronzeville, un barrio afroamericano de Chicago. En Sábado noche (1935), Motley recrea el ambiente cálido y acogedor de un club nocturno de moda, repleto de gente vistosamente arreglada y reunida en torno a mesas salpicadas de coloridas lámparas, botellas, puros y copas.

Temas de debate
EP-ES ¿Qué está pasando en esta pintura? ¿Dónde sucede? ¿Por qué? ¿Qué detalles ha añadido Motley para crear este ambiente? Describid el estilo pictórico. ¿De qué manera contribuyen los colores, la composición y las formas a crear un ambiente o estado de ánimo? ¿Qué sentiríais si entraseis en esta escena? ¿Qué oiríais? ¿Cómo ha conseguido Motley pintar un cuadro que sugiere sonido?

Actividades
EP-ES Poneos en el lugar de uno de los personajes de esta escena: el apresurado camarero, uno de los clientes, el barman o la bailarina. Describid la experiencia que vivís imaginándoos que sois uno de estos personajes. Leed vuestra descripción a toda la clase y comparad cómo un mismo acontecimiento o situación puede percibirse de diversas maneras. El Jazz es un estilo musical desarrollado por afroamericanos que incluye elementos de la música de África occidental, la música popular negra y la música popular contemporánea. Dos influyentes músicos de jazz, Louis Armstrong (1901–1971) y Earl “Fatha” Hines (1903–1983), vivieron y trabajaron en Chicago. Escuchad su música y debatid qué composición se adapta mejor a esta pintura de Motley. Véanse las referencias web.

REFERENCIAS WEB
Historia del Jazz http://www.vervemusicgroup.com/ http://elclubdejazz.com/ Poesía americana http://www.poets.org/ http://www.dipucadiz.es/Areas/ArchivoP ublicaciones/Publicaciones/Atlántica/Nu mero23/21lagsto.pdf

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15.4. MODERNIDAD Y REGIONALISMO

EP-ES Langston Hughes (1902–67) fue un escritor y poeta norteamericano representante del Renacimiento de Harlem. Trabajó como marinero, ayudante de camarero y profesor en diversas ciudades norteamericanas y en el extranjero. Viajó a la Unión Soviética y, durante la Guerra Civil española fue corresponsal en Madrid para un periódico estadounidense. Muchos de los poemas de Hughes están disponibles en Internet. Elegid uno de ellos y comentad las reflexiones del poeta y vuestra reacción hacia ellas. Véanse las referencias web.

15.5

PROSPERIDAD Y DESILUSIÓN
(De 1945 a 1980)

Dan Flavin (1933–1996) verdes cruzando verdes (dedicado a Piet Mondrian, a quien le faltaba el verde) [greens crossing greens (to Piet Mondrian who lacked green)], 1966 Instalación de luz fluorescente con lámparas verdes con apliques; primera sección: 122 x 610 cm; segunda sección: 61 x 670 cm. Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York, Panza Collection. © 2005 Estate of Dan Flavin/Artists Rights Society (ARS), Nueva York SALA 103

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15.5. PROSPERIDAD Y DESILUSIÓN

VOCABULARIO
Expresionismo Abstracto: movimiento artístico que surge hacia 1940 en Nueva York y hace hincapié en las cualidades de la pintura en sí misma y en su capacidad para transmitir estados emocionales y mentales, así como registrar los movimientos que realiza el artista para crear la obra. Pinturas de acción: rama del Expresionismo Abstracto que enfatiza el proceso, el movimiento y la energía que transmite el artista mientras representa un determinado drama personal. Pintura de campos de color: rama del Expresionismo Abstracto que utiliza grandes planos cromáticos, con frecuencia para evocar estados espirituales. Arte Pop: movimiento artístico desarrollado en Gran Bretaña y Estados Unidos en las décadas de 1950 y 1960. El estilo pop emplea las técnicas y temas de la publicidad, la televisión y los medios impresos. Sus imágenes, presentadas a menudo con humor e ironía, se pueden considerar tanto una celebración como una crítica de la cultura popular. Fotorrealismo: estilo artístico de la década de 1970 que fue especialmente popular en Estados Unidos, Inglaterra y Francia. Las pinturas fotorrealistas reflejan escenas cotidianas y personajes corrientes mediante un realismo detallado y meticuloso. Suelen ser imágenes planas en las que apenas se aprecia la pincelada. Minimalismo: movimiento artístico neoyorquino de la década de 1960 cuyas esculturas y pinturas presentan una extrema simplificación de la forma y el color. Recurre a formas básicas y paletas monocromas, a la objetividad y al anonimato estilístico. Arte Conceptual: movimiento artístico internacional surgido a finales de la década de 1960. Se trata de un arte concebido para transmitir una idea o concepto al espectador y no implica necesariamente la creación o apreciación de un objeto artístico tradicional como una pintura o una escultura.

Información histórica
El desarrollo del Expresionismo Abstracto coincidió con la transformación de Estados Unidos en una superpotencia internacional. Los artistas asociados a este movimiento encontraron en la abstracción un modo de plasmar las pasiones y presiones de la vida moderna. Estas heroicas aspiraciones se hacen evidentes en las innovadoras pinturas de acción de Jackson Pollock, o en las enérgicas pinceladas de Willem de Kooning, o en la pintura de campos de color de Mark Rothko. El arte Pop, que surgió a principios de los años sesenta, respondió con ironía e indiferencia al Expresionismo Abstracto y a su seria búsqueda espiritual. Los artistas Pop se inspiraban en atractivas ilustraciones de objetos comunes que veían en anuncios, películas, televisión o tiras cómicas. El arte Pop —que promovía imágenes y marcas de característico sello norteamericano— puede considerarse tanto una celebración como una crítica de la cultura del consumo. Más tarde, en la década de 1970, el fotorrealismo recuerda este distanciamieno en la presentación de los elementos cotidianos norteamericanos. El arte neoyorquino de las décadas de 1960 y 1970 se hizo cada vez más teórico y fue relegando la pintura a un segundo plano, prevaleciendo la escultura. Sin embargo los artistas creaban objetos y estructuras que, pese a ser tridimensionales, no podían definirse según los términos escultóricos tradicionales. Los artistas minimalistas empleaban formas geométricas sencillas y materiales industriales que organizaban en unidades modulares. Los artistas que siguieron pintando preferían las superficies monocromas y lisas, por las que parecía que la mano del artista no había pasado. La estructura y la forma del lienzo pasaron a un primer plano y acercaron la pintura a la dimensión escultural de los objetos. En el Arte Conceptual, lo material desapareció para dar paso a las ideas y el lenguaje como medios de expresión. Dan Flavin inventó un nuevo arte industrial compuesto casi exclusivamente de luces fluorescentes. Sus instalaciones transforman e incluso invierten la experiencia museística convencional, ya que invaden literalmente el espacio del espectador. La referencia al artista Piet Mondrian (1872–1944) cumple con la práctica de Flavin de dedicar sus obras a familiares, amigos o figuras históricas que consideraba relevantes.

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15.5. PROSPERIDAD Y DESILUSIÓN

Temas de debate
EP-ES Flavin trabaja con una “luz” etérea, pero recurre a lámparas fluorescentes comunes y no pretende ocultar ni adornar sus formas industriales. ¿En qué otros lugares habéis visto estos objetos? ¿Por qué creéis que Flavin ha elegido estos objetos en lugar de otras bombillas más decorativas? ES Pocos artistas se identifican tanto con un medio concreto como Dan Flavin. Después de 1963, su obra se compuso prácticamente en su totalidad de tubos fluorescentes comerciales de diez colores (azul, verde, rosa, rojo, amarillo, ultravioleta y cuatro variantes del blanco) y de cinco formas (una circular y cuatro rectas de diferentes longitudes) ¿Creéis que el uso exclusivo de este tipo de lámparas limita o amplia las posibilidades de esta obra? Explicad vuestras respuestas.

Actividades
EP-ES Pensad en materiales industriales que podrían utilizarse para crear arte. Consultad catálogos comerciales. Buscad inspiración en otras obras minimalistas.Véanse las referencias web. Dibujad propuestas que muestren cómo podría utilizarse dicho material (u objeto) para crear una obra de arte. Mostrad vuestros planes de la instalación a vuestros compañeros y explicad los motivos que os han llevado a elegir ese material. En los títulos de sus obras, Flavin suele incluir un homenaje o reconocimiento a personas importantes para él. Algunas son figuras históricas, como el diseñador constructivista ruso Vladimir Tatlin (1885–1953), el artista Piet Mondrian (1872–1944) o el erudito medieval Guillermo de Ockham (1280–1349) Flavin también aludía a
Minimalismo http://www.guggenheimcollection.org/ cite/movement_works_minimalism_o.html

REFERENCIAS WEB

amigos y familiares en los títulos de sus obras. ¿A quién incluiríais en el título de una obra vuestra? ¿Por qué?

15.6

MULTICULTURALISMO Y GLOBALIZACIÓN
(De 1980 a la actualidad)

Kara Walker (1969–) ¡Insurrección! (Nuestras armas eran rudimentarias, aun así nosotros continuamos) [Insurrection! (Our Tools Were Rudimentary, Yet We Pressed On)], 2000 (detalle). Siluetas de papel recortadas y proyecciones de luz. Medidas variables según la instalación. Solomon R. Guggenheim Museum, Nueva York. Adquirida con fondos de los Miembros del Comité Internacional del Director y del Comité Ejecutivo. SALA 105

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15.6. MULTICULTURALISMO Y GLOBALIZACIÓN

Información histórica
Como reacción a la frialdad del Conceptualismo, el arte norteamericano de los ochenta volvió a la pintura figurativa. A pesar de proclamarse en innumerables ocasiones el fin de la pintura, muchos artistas norteamericanos siguieron explorando las prácticas pictóricas tradicionales, ahondando en la representación, la composición y la técnica. Algunos artistas se inspiraron en la energía del graffiti (palabras e imágenes pintadas con spray en paredes). Estos artistas introdujeron aerosol en el Arte Pop elementos urbanos y políticos para crear un arte público que actualmente es conocido como arte callejero. Inspirados en la cultura juvenil y el poder del hip-hop, se movían cómodamente por las calles, galerías y museos de las ciudades. INSTALACIONES Las nuevas tecnologías han posibilitado el desarrollo del arte digital y del videoarte. En las instalaciones, los artistas recurren a muy diversos materiales y técnicas para crear una experiencia en un entorno concreto. El arte de las instalaciones puede incorporar cualquier material, urbano o natural, y técnicas como el vídeo, el sonido, la performance, los ordenadores o Internet. Kara Walker es conocida por las siluetas de papel recortadas con las que explora temas como la raza, el género y la sexualidad. Walker pega sus figuras de papel directamente en las paredes de la galería, creando violentas e inquietantes escenas teatrales sobre la esclavitud norteamericana. Los retroproyectores arrojan luz coloreada en el techo, las paredes y el suelo de la sala. Cuando el espectador se adentra en la instalación, su cuerpo también proyecta una sombra en las paredes con las que interactúa, de manera que entra a formar parte de la obra.
REFERENCIAS WEB
Sobre el arte americano http://www.nga.gov/education/american /aasplash.htm Smithsonian American Art Museum http://americanart.si.edu/index2.cfm

Temas de debate
EP-ES ¿Qué ocurre en esta obra? Divida la clase en grupos y pida a cada

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grupo que se centre en una sección de la obra. Cada grupo debe analizar la sección y, posteriormente, poner en común las conclusiones. ¿Por qué este método ayuda a entender mejor toda la obra? ES Parte de la narrativa de Walker se interpreta fácilmente, pero otra parte resulta ambigua. Organizad un debate y analizad los aspectos de la obra que pueden captarse fácilmente y aquellos que resultan más difíciles de comprender. ¿Esta ambigüedad aporta algo a la obra o le resta valor? Analizadlo.

Actividades
EP-ES Cread una narrativa con las siluetas*. Por grupos decidid qué escena os gustaría crear. *Para crear una silueta •Pegad una hoja de papel negro a la pared. •Colocad una fuente de luz que brille sobre el papel. •Situad a una persona entre la fuente de luz y el papel. •Con un lápiz blanco, dibujad la sombra de la persona en el papel. •Cortad la figura. •Colocad la silueta negra sobre una hoja de papel blanco. Aplicad el método anterior, pero esta vez con la gente disfrazada con atrezzo y trajes y frente a una hoja de papel mural blanco. Dibujad minuciosamente las figuras y, a continuación, píntalas de negro. Kara Walker emplea retroproyectores para crear el entorno para sus figuras. Pintad una transparencia o diapositiva con rotuladores o pegad recortes de acetatos de colores. Proyéctala sobre el mural para generar un escenario para vuestros personajes.

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ES Estudiad el período de la historia norteamericana al que Walker alude en su obra: la Guerra Civil Norteamericana (1861–65). También podéis leer la novela de Margaret Mitchell, Lo que el viento se llevó (1936) o ver en clase la película basada en la novela y rodada en 1939. Analizad las formas de pensar que se reflejan en esta obra y sus diferencias con la sociedad contemporánea.