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HISTORIA DEL CINE
(http://recursos.cnice.mec.es/media/cine/bloque1/index.html)

Introducción
Los pasos que ha dado el cine a lo largo de más de un siglo de existencia confirman un trayecto histórico plagado de realidades que, en forma de películas, han consolidado una estructura creativa e industrial que ha permitido superar los problemas que han surgido al cabo de los años. En su evolución el cine ha consolidado un lenguaje, ha definido trayectos artísticos, modelos empresariales que han favorecido el surgimiento de carreras artísticas de todo tipo, construidas sobre modelos y representaciones que, en muchos casos, han trascendido su propio ámbito cinematográfico. En el camino, el cine se vio marcado por todo tipo de vanguardias artísticas, movimientos culturales, circunstancias políticas y conflictos bélicos.

1.1 Precedentes
El Cinematógrafo se presenta en sociedad en los últimos años del siglo XIX. Este nuevo invento, surge a partir de la convergencia de una serie de progresos científicos que arrancan desde siglos atrás, a partir de aportaciones habidas en el campo de la Física y la Química, de la óptica y de las cámaras, y mejoras en terrenos como la proyección de las imágenes, tanto de aquellas que pueden ser fijas —la fotografía- como de las que, por aplicación de ciertos mecanismos, consiguen dar sensación de movimiento. Desde la teoría de la visión, impulsada por Johannes Kleper en 1602, hasta los inicios de la industria óptica, que consolida Joseph Fraunhofer en 1807, se confirma la posibilidad de uso de la cámara oscura que ya había anticipado Leonardo da Vinci, aunque se atribuya a Giambattista della Porta la invención de dicho mecanismo. Estos estudiosos e inventores pusieron los cimientos para el desarrollo de las cámaras fotográficas que impulsarían hombres como Friedrich Voigtländer en 1841, Thomas Lutton —el inventor de la cámara réflexen 1860 y George W. Eastman, quien en 1888 presentó en sociedad la famosa cámara Kodak.

El nacimiento de la fotografía se sitúa en 1839, cuando Joseph N. Niepce obtuvo, tras una larga exposición, obtener una sombra. Fue un avance que para el hombre de la calle pasó desapercibido, pero no para aquellos científicos, empresarios e intelectuales que se dieron cuenta que algo estaba pasando en el mundo de la obtención de imágenes. En apenas unos años, este nuevo procedimiento enfrentó a pintores y fotógrafos, entendiendo los primeros que la fotografía iba a acabar con su trabajo. La fotografía hacia finales del siglo XIX se socializó de tal manera que muchos ciudadanos en todo el mundo podía disponer de una cámara. Y la fotografía fue el soporte que animó a otros inventores en pensar en cómo se podía obtener una imagen en movimiento. Desde finales del siglo XVIII ya se proyectan imágenes fijas que se intentan animar mediante procedimientos como la linterna mágica -que había sido inventada por Athanasius Kircher- y otros artilugios llamados Phantascopio (Etienne Robertson en 1799), Praxinoscopio (Emile Reynaud en 1880) o Zoopraxiscopio (Eadweard Muybridge en 1881). Estas ilusiones ópticas dieron paso a otras generadas por sistemas mecánicos como el revólver fotográfico que utilizó Jules Jansen en 1874, o el fusil fotográfico que aplicó Etienne Jules Marey en 1882. Estas y otras muchas investigaciones buscaron el otorgar movilidad a la imagen fotográfica. Ayudó a alcanzar este objetivo la comercialización del rollo de película (celuloide) comercializado por los hermanos Hyatt en 1868 y que desarrolló plenamente, George W. Eastman cuando son mostradas al público en diversos países, las primeras imágenes en movimiento. El Cinematógrafo —el Cine- llegó a ser una realidad cuando todos los procedimientos y sistemas de captación y fijación de imágenes permitieron alcanzar la mayoría de edad necesaria para ser presentado al público como un nuevo espectáculo.

1.2 Nacimiento del cine
Antes de dar a conocer el Cinematógrafo, en diversos países de Estados Unidos y Europa varios inventores están trabajando en varios sistemas que tenían un objetivo común: el visionado y proyección de imágenes en movimiento. Entre 1890 y 1895, son numerosas las patentes que se registran

1902).con el fin de ofrecer al público las primeras "tomas de vistas" animadas. Jenkins. con ellas. . Tras la presentación del Cinematógrafo en París. En la mayoría de los aparatos el visionado de las imágenes sólo se podía hacer de manera individual. sobre todo. imágenes mágicas en las que desaparecen personajes (Escamoteo de una dama. 1896). Por eso. crecen los objetos y hasta se puede viajar a lugares desconocidos (Viaje a la Luna. chocan trenes. por aquellas que les resultan más sorprendentes. los estadounidenses Charles F. Esta línea creativa la desarrollará el español Segundo de Chomón. aunque ya desde 1893 ya se dispone de una primeras películas. que compite con Méliès en la producción de películas sorprendentes (El hotel eléctrico. En España la primera proyección la ofrece un enviado de los Lumière en Madrid. 1908) . se sucederán sin interrupción las proyecciones y. y los franceses hermanos Lumière. y los espectadores se dejan atrapar. poco a poco. alguno de los cuales al ver La llegada del tren a la estación creyeron que se iba a salir de la pantalla y llegaron a levantarse del asiento. el 15 de mayo de 1896. en el Boulevard de los Capuchinos. los temas de las películas se repiten con cierta frecuencia. Thomas Armat y Thomas Alva Edison. Las primeras imágenes que proyectan en el pequeño salón causan sorpresa y hasta temor entre los espectadores presentes. en otras muchas ciudades europeas y americanas comienza a "presentarse" el nuevo invento. Durante unos años. También fueron importantes las aportaciones de los fotógrafos de la Escuela de Brighton. con lo que se inicia la producción a gran escala de películas que. la existencia del Cinematógrafo como tal no comienza a correr de boca en boca hasta la primera proyección pública que organizan los hermanos Auguste y Antoine Lumière el día 28 de diciembre de 1895 en París. el más conocido en esta línea fue el Kinetoscopio de Edison. En esta línea trabaja en mago francés Georges Méliès que comienza a dirigir una serie de películas que tienen muchos trucos y efectos. A partir de este año. la demanda de más títulos. Entre los pioneros se encuentran los alemanes Max y Emil Skladanowski. van aumentando de duración al igual que mejora la historia que narran.

de James A. como sucedió con La lupa de la abuela (1900). Porter cuando en Salvamento en un incendio (1902) va más allá de la estructura lineal que plantea todo el mundo. en donde el punto de vista da mayor expresividad a los hechos que se narran. película que daba inicio a un género exclusivo americano: el western). panorámicas.3 Consolidación de un lenguaje El desarrollo de la industria del cine ha propiciado la definición de un lenguaje específico que se encargaron de ir definiendo los directores que trabajaron en el tránsito del siglo XIX al XX. Porter. Williamson. Méliès y Segundo de Chomón aplican técnicas —como el paso de manivela. Sorprende que los pioneros no se limitaran a seguir con la simple "toma de vista" durante muchos años. intercalando situaciones que atraen de manera especial . Esta fase la cierra Edwin S.pioneros británicos que sorprendieron por la utilización narrativa de ciertos recursos que dieron fuerza a la historia que contaban. Simultáneamente. En Estados Unidos será Edison el máximo impulsor del Cinematógrafo. etc. 1903. A su sombra van creciendo otros directores como Edwin S. que permitía el construir una historia fotograma a fotogramapara generar historias fantásticas y con efectos. fecha a partir de la que utilizan en sus películas diversos recursos (puntos de vista. Hubo quien se preocupó por dar a entender que la utilización de varios planos de distinto tamaño servían para enriquecer la historia y la acción de los personajes. La evolución que se aprecia en los primeros años tiene que ver con las primeras imágenes impresionadas por los primeros operadores en todo el mundo. consolidando una industria en la que desea ser el protagonista indiscutible al considerarse como el único inventor y propietario del nuevo espectáculo. sobreimpresiones. es el momento del cine de trucos en el que se intenta sorprender al espectador haciendo aparecer y desaparecer personas y objetos.) para organizar la historia. que logrará dar un paso fundamental en la construcción de una historia con el diseño de una estructura que se centra en "el salvamento en el último minuto" (Asalto y robo de un tren. Un paso más lo dan los fotógrafos de Brighton a partir de 1900. 1.

quien tuvo la capacidad de organizar todas las aportaciones habidas hasta mediados de la década de los años diez. es el momento en el que se construye una situación a partir del plano-contraplano. A partir de 1910. condujeron a que el teórico italiano Riccioto Canudo escribiera en 1911 su "Manifiesto de las Siete Artes" en el que señalaba al cine como el Séptimo Arte. y en el que pedía que los empresarios del cine asumieran un mayor compromiso artístico con lo que hacían. superó las dos horas de proyección. Fue el momento en el que se dio un paso importante: cambiar la cámara de lugar. de Enrico Guazzoni. para ir más allá de la industria y el comercio. y concretarlas en dos películas que han pasado a la Historia del cine como las más emblemáticas de la narración cinematográfica primitiva: El nacimiento de una nación (1915) e Intolerancia (1916). Las adaptaciones de obras de Victor Hugo y Emile Zola sirvieron de garantía para diversas producciones francesas.la atención del espectador —insertos-. Griffith. buscar nuevos ángulos desde los que contar la historia al tiempo que se mantiene la continuidad de acción —en la que también han de ser funcionales los rótulos que se intercalan para recoger el diálogo de los actores-. es decir. se convirtió en uno de los grandes monumentos cinematográficos de la historia por su tratamiento de la historia. de la escenografía (estas producciones italianas dan un impulso a la construcción de decorados corpóreos). de la iluminación. de la acción de los personajes y con los que se pasa de un espacio a otro sin ningún tipo de explicación —el montaje paralelo-. Cabiria (1914). de Giovanni Pastrone. A partir de estos años. los italianos consolidaron un modo de hacer que afectará a las industria cinematográficas de todo el mundo. del espacio. de los personajes. . los europeos comienzan a producir películas más largas que sorprenden por su buena factura. intercala una serie de planos en los que destaca ciertos detalles del ambiente. Quizás todas estas aportaciones y el hecho de cada vez más se apropiara el cine de textos literarios muy conocidos por los espectadores. Por su parte. El paso más relevante hacia la consolidación de un lenguaje específico lo ofreció el director estadounidense David W. Quo Vadis? (1913).

1925). El cine surgido de la revolución rusa (1917) dio paso a numerosas e . cine". a caballo del cine comercial. publicando algunos libros (Jean Epstein firma en 1921 "Buenos días. sustentado por el expresionismo y la puesta en escena impulsada por el Kammerspielfilm. Charles Chaplin (El imigrante. 1927. 1916). Friedrich W. de gran espectáculo. El cine europeo de los 20 Los movimientos artísticos que se proyectan en la Europa de los años veinte influyen de manera determinante en el cine. entre otras la pantalla múltiple. Metrópolis. Fritz Lang (Las tres luces. 1922. 1918). dando cuerpo a una gramática de recursos expresivos que el espectador asumirá y llegará a conocer con mucho detalle. Los alemanes disponen de recursos importantes (propiciados por la productora UFA) y abordan películas de diversa consideración a partir de proyectos dirigidos por Ernst Lubitsch. van profundizando en el lenguaje cinematográfico.4. y el más intimista. Desde diversas perspectivas y en casi todos los países. un compromiso teórico fundamental impulsando cine-clubs (Louis Delluc funda el primero en 1920). Pabst (La calle sin alegría.directores como Cecil B. Los directores franceses asumen. en el que habla de las posibilidades creativas de la cámara y otros recursos expresivos) y desarrollando nuevas fórmulas narrativas que se anticipan en el tiempo al cine espectáculo (Abel Gance rueda Napoleón. 1926). Fausto. además de sus películas. Murnau ( Nosferatu el vampiro. Louis Feuillade (director de varios seriales) y otros muchos. Son años dominados también por el futurismo (Fernand Léger o Many Ray) y el surrealismo de Germaine Dulac. 1926) y George W. y las aportaciones realistas y melodramáticas de la Nueva Objetividad. De Mille (Juana de Arco. directores jóvenes y con grandes ideas teóricas y creativas. ofrecen un buen conjunto de películas que dejarán profunda huellas en las generaciones posteriores. película que ofrece diversas innovaciones técnicas. Luis Buñuel y Salvador Dalí. Armas al hombro. 1917 . anticipo del sistema Cinerama). 1921. 1.

Pérez Lugín y Manuel Noriega. no debe resultar llamativo el hecho de que a lo largo de los años veinte dirigieran algunas de las películas más importantes. 1924 Pudovkin y Aleksandr Dovjenko. La casa de la Troya (1924). dirigido por Gregori Kozintev. directores que marcharán a trabajar a Hollywood durante esta década. de A. Eisenstein. Octubre. y desde los valores culturales que impulsaron su trayectoria artística. llamativas y sorprendentes de sus respectivas carreras y de la Historia del Cine. 1923). El cine español busca encontrar una cierta estabilidad industrial y aprovecha ciertos temas populares para consolidar su producción.5 El cine estadounidense de los 20 Después del aprendizaje que muchos directores tuvieron a lo largo de los años diez. La verbena de la Paloma (1920). entre otros. El drama nórdico se sostiene en las películas de los suecos Victor Sjöström (La carreta fantasma. además de estos nombres.sólo logra un cierta representatividad gracias a la presencia en sus producciones de ciertas actrices como Francesca Bertini o Lyda Borelli. En otras cinematografías. que firmará una de las películas más importantes de estos años: La pasión de Juana de Arco (1928). Leoni Trauberg y Sergei Yukevitch.importantes aportaciones teóricas que se concretaron en los trabajos de Dziga Vertov —sobre todo el "cine ojo": objetividad de la cámara-. El acorazado Potemkin. 1920) y Mauritz Stiller (La expiación de Gösta Berling.y el grupo de la Fábrica del Actor Excéntrico (FEKS). y en la del danés Carl Theodor Dreyer. y las películas de Benito Perojo y Florián Rey. director que supo aprovechar y enriquecerse con las aportaciones de directores de todo el mundo para construir un cine de gran efectividad plástica e ideológica (La huelga. las aportaciones individuales alcanzaron desigual fortuna. A su sombra se movieron con desigual fortuna Vsevolod 1. 1925. cabe mencionar al gran maestro soviético: Sergei M. 1927). totalmente opuestos a la objetividad de Vertov. . El cine italiano después el éxito conseguido con las grandes producciones históricas de la década anterior —un modelo denominado peplum entre los referentes cinematográficos. de Lev Kulechov — en su laboratorio experimental desarrolló la teoría del montaje. . de José Buchs. No obstante.

una línea que progresaría gracias a las aportaciones de Búster Keaton.Si Mack Sennett se había convertido en el máximo exponente del cine de destrucción (de sus manos salieron el famoso grupo de policías —los Keystone Cop-. 1926). hasta el cine de aventuras impulsado por Allan Dwan (Robin Hood. El cameraman (1928). Además del cine cómico. desarrolló sus fundamentales argumentos temáticos —sobre la base de un tono tragicómico. Wellman (Alas. Tres hombres malos. también después de un dilatado aprendizaje alcanzó su mayor gloria con el desarrollo de "gags" y situaciones muy divertidas en películas como El estudiante novato (1925). El inmigrante (1917) y Armas al hombro (1918). La siete ocasiones (1925). situándolos en la cumbre el cine que alcanzaron no sólo por sus propios trabajos sino. la industria estadounidense abordó otros temas. con singulares aportaciones de John Ford (El caballo de hierro. 1928)y William A. 1924. 1929). Desde el cine del Oeste (western). Buster Keaton se caracterizó por un rostro inexpresivo (lo que provocó que se le llamara "cara de palo") y el tener que enfrentarse estoicamente a un mundo que se rebelaba a cada instante ante lo que hiciese. 1927). 1922. El maquinista de la General (1927) . Charles Chaplin hizo famoso su personaje de "Charlot" gracias a la caracterización que se convertiría con el tiempo en uno de los iconos más recordados. entre otros muchos. dando origen a una serie de líneas de producción que se denominarían géneros. y los melodramas de Frank Borzage (El séptimo cielo. con una acción vertiginosa que dio lugar al estilo slapstick). El cine cómico y la comedia se entrelazan en las películas de estos actores-directores. Si ya fueron importantes películas como El vagabundo (1915). El hombre mosca (1926) y Relámpago (1928).en El chico (1921) y La quimera del oro (1925). 1925. por su parte. . por el éxito popular conseguido en todo el mundo. la guerra de tartas. Harold Lloyd. Lo mejor de su trabajo se encuentra en La ley de la hospitalidad (1923). 1927). también. La máscara de hierro. Y el mundo marcha. se pasa por el cine bélico y social de King Vidor (El gran desfile. sus discípulos Harold Lloyd y Charles Chaplin progresaron hacia un cine de mayor interés y efectividad.

6 Consolidación del sonido Desde finales del siglo XIX. 1922.con la película La ley del hampa (1927). económicamente más costoso. El cine estadounidense se benefició a lo largo de estos años de la presencia de numerosos directores y técnicos europeos que decidieron probar fortuna en su industria. de Ernst Lubitsch) y Rodolfo Valentino (Los cuatro jinetes del Apocalipsis. de Rex Ingram. 1927. y Joseph von Sternberg. El águila negra. El alemán Ernst Lubitsch da sus primeros pasos hacia un cine mordaz e irónico que consolidará tras la implantación del cine sonoro. de Rupert Julien). El carrusel de la vida. se intentó que tanto el fonógrafo inventado por Edison como el gramófono diseñado por Emil Berliner pudieran se acoplados al Cinematógrafo. Avaricia. 1923.además de las sorprendentes obras de terror interpretadas por Lon Chaney (El jorobado de Nuestra Señora. de Wallace Worsley. 1923. de Fred Niblo . El príncipe estudiante. Quien lo intentó en primer lugar fue el francés Auguste Baron. 1925. el fantasma de la ópera. 1921. 1922. El sueco Victor Sjöström dejará su buen hacer en El viento (1928) y el francés Jacques Feyder aprovechará la presencia de Greta Garbo para rodar con la Metro Goldwyn Mayer El beso (1929). Sangre y arena. 1. cuando se producen las primeras imágenes en movimiento. lo empresarios tenían más interés en explotar el nuevo espectáculo que en pensar en rentabilizar algo nuevo. Su hora. después le siguieron otros muchos. Ramón Novarro (Ben-Hur. caballo y rey. Entre los emigrantes más reconocidos de esta época se encontraron los austríacos Erich von Stroheim. 1925. de John Ford. Fueron unos años importantes para el star-system cinematográfico. A partir de los experimentos e investigaciones que se remontan a los primeros . cuando el Cinematógrafo comienza a difundirse por el mundo. muy agudo a la hora de abordar temas sociales con ironía y realismo (Esposas frívolas. 1924. No obstante. de Clarence Brown). de King Vidor). 1921. 1925. 1923). las de los galanes romanticos John Gilbert (Sota. quien puso los cimientos de un género típico americano -el cine de gangsters (cine negro). de Fred Niblo.

obligó a decidir adoptar un sistema estándar de sonido para evitar el caos en la industria. Los Estudios afincados en Hollywood comenzaron a producir películas en varias versiones (idiomas) con el fin de comercializar cada una en su correspondiente país. ambas dirigidas por Alan Crosland. Se proyectaron películas mudas sonorizadas y se remontaron otras incorporándoles partes sonoras. en los profesionales que en ella trabajan. en los planteamientos estéticos de las historias. los sistemas que se patentan en torno a los años veinte buscan hacer realidad un sueño de muchos: que los actores hablen en la pantalla. Con el tiempo. a la comercialización de las películas en todo el mundo. y otras empresas. La Warner Bros. Fue el momento en que los productores decidieron adoptar el doblaje como opción más económica. y el segundo y más importante. sobre todo cuando la versión original con subtítulos fue rechazada en la mayoría de los países. Se decidió que el más apropiado era el sonido óptico. La polémica suscitada entre la Warner (su sistema llamado Vitaphone suponía la sincronización del disco con el proyector cinematográfico) y la Fox (tenía el sistema Movietone) y la RCA (con su sistema Photophone). Este nuevo paso tecnológico va a influir de manera determinante en la industria. porque iba impreso en la misma película. éstos con el registro del sonido en la misma película (llamado sonido óptico). Las primeras películas sonoras que comenzaron a circular por todo el mundo se adaptaron a las circunstancias del momento. y que se centran en el registro y la reproducción del sonido cinematográfico. Entre las películas que muestran los problemas que se vivieron en diversos . inevitablemente. es la primera empresa que se arriesga a producir las primeras películas "sonoras" y "habladas". con lo que la obra original comenzó a tener "versiones" derivadas de la traducción realizada en cada país. Este sistema perduró durante unos años hasta que vieron que resultaba muy costoso.años del siglo XX. obligando a una reestructuración industrial que afectará. se adoptó e implantó definitivamente dicho procedimiento en casi todos los países. El primer intento parcial se aprecia en Don Juan (1926). en El cantor de jazz (1927).

de Francisco Elías. que irían sufriendo diversas modificaciones en su estructura de gestión al fusionarse con otras empresas dedicadas a la exhibición y la distribución. cabe mencionar El séptimo cielo (1927). Después se incorporaría al grupo la 20th Century Fox. de Frank Borzage.. de Stanley Donen. de Alfred Hitchcock. de Fritz Lang. sino el desarrollo de las más diversas líneas temáticas que dieron lugar una política de géneros más definida. Fox Film Corporation —después conocida por 20th Century Fox-. 1937). Se contempló a la Metro Goldwyn Mayer —con su famoso león en la presentación de todas sus películas-. United Artists.países entre 1926 y 1931. RKO. las más diversas historias firmadas por Victor Fleming (La indómita. 1935).7 Grandes Estudios de EE. sobre todo porque fueron los Estudios que dispusieron de mayores recursos tecnológicos y humanos. el vampiro de Dusseldorf (1931). en especial dos películas que marcaron una época de esplendor: Lo que el viento se llevó (1939). Columbia. 1935. Desde comienzos de los años diez se fueron fundando las más importantes empresas de cine estadounidenses como la Universal Pictures. Paramount y Warner con respeto. y la española El misterio de la Puerta del Sol (1928). con una jovencísima Judy . La consolidación de estas firmas permitieron que la década de los años treinta se definiera como la "Edad de oro" de los grandes Estudios cinematográficos estadounidenses (y del mundo). La MGM se hizo con el estrellato cinematográfico gracias a los temas románticos dirigidos por Clarence Brown e interpretados por Greta Garbo (Ana Karenina. En cualquier caso. Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). debe recordarse Cantando bajo la lluvia (1952). 1.UU. la exclusividad no impidió un intercambio a lo largo de los años de actores y directores según intereses afines. M. La muchacha de Londres (1929) . con Clark Gable y Vivien Leigh. y El mago de Oz (1939). Warner Bros. Sobre la vivencias de los actores y los problemas económicos y técnicos vividos en los grandes Estudios estadounidenses durante los rodajes de las primeras películas sonoras. Paramount. Capitanes intrépidos. entre otras. El motivo no es sólo la producción continuada que se realiza en cada uno de ellos.

con un inimitable Bela Lugosi. 1934) o el cine de gangsters y de terror dirigidos con buen pulso por Rouben Mamoulian (Las calles de la ciudad. Sus películas musicales fueron mas bien historias en las que diversos actores cantaban unas canciones (Mae West. La Warner Bros. Los hermanos Marx fueron dirigidos por Sam Wood en sorprendentes películas como Una noche en la ópera (1935) y Un día en las carreras (1937). La RKO produjo los musicales de la pareja de baile más famosa del cine: Fred Astaire y Ginger Rogers. 1932) . (1930). Robinson. y Soy un fugitivo (1932). especialmente con La alegre divorciada (1934) y Sombrero de copa (1935). Tod Browning dirigió Drácula (1931). ambas con Errol Flynn y Olivia de Havilland. En el primero Mervin LeRoy dirigió títulos tan representativos como Hampa dorada. La producción musical del Estudio quiso ser una proyección de los espectáculos de Broadway. etc. representativas de un modo de hacer que atrapó al público de la época: La carga de la brigada ligera (1936) y Robín de los bosques (1938). Bing Crosby. La Universal se especializó en cine de terror con inolvidables películas que han marcado a buena parte del cine posterior de género. De Mille como El signo de la cruz (1932) y Cleopatra (1934).Garland. James Whale fue el responsable de Frankenstein (1931) y El hombre invisible (1933). 1932.). 1931. Paramout por su parte apoyó los grandes filmes históricos de Cecil B. Dr. Y en el campo musical sobresalieron las películas barrocas dirigidas y coreografiadas por Busby Berkeley. supo desarrollar hábilmente géneros como el cine negro y el cine de aventuras. la comedia sofisticada y de fina ironía de Ernst Lubitsch (Un ladrón en mi alcoba. entre otras. Jekyll y Mr. con Edward G. en el cine de aventuras destacan las aportaciones de Michael Curtiz. La viuda alegre. destacando las comedias de Frank Capra en la línea de Sucedió una . con Paul Muni. La Columbia se centró en una producción más familiar. tanto operetas (con Jeannette MacDonald) como historias con mucho baile (con Eleanor Powell). y una sorprendente e inigualable La parada de los monstruos (1932). Hyde. El hombre y el moustruo.

Paul Rotha. 1932) y Jean Renoir (Toni. 1938) y Anthony Asquit alcanza su madurez con Pigmalion (1938). El cine inglés comenzó a diseñar una estructura proteccionista para su cine. La guerra delimitó espacios. 1935. 1. con el que convivieron directores consolidados como Clair (El silencio es oro. con Claudette Colbert y Clark Gable. con ciertas dosis de fatalismo. 1938). Alarma en el expreso. 1934. afectaron irremediablemente en el modo de hacer y los temas a abordar por quienes deseaban dirigir cine. La regla del juego. El secreto de vivir (1936). el clima político que se vive en varios países a lo largo de los años treinta y la Segunda Guerra Mundial. con Gary Cooper y Jean Arthur. y Vive como quieras (1938). los directores franceses se centraron en las adaptaciones literarias y muy académico en las formas. 1939) y el drama que. director y productor que consiguió uno de sus grandes películas en La vida privada de Enrique VIII (1933). recrean Julien Duvivier (Pepe-le-Moko. ambas películas interpretadas por el gran actor Jean Gabin. 1937) y Marcel Carné (El muelle de las brumas. No obstante. las industrias de cada país comenzaron a producir y a abastecer el mercado con películas que fueron interesando al público. etc.noche (1934). 1947) y otros directores más jóvenes como Jacques Becker. con Jean Arthur emparejada en esta ocasión con James Stewart. Los bajos fondos. permitirá que un grupo de directores (Basil Wright. El cine francés se mueve en el realismo que se ofrece desde la tradición y los ambientes populares de René Clair (Catorce de julio. Son los años en los que Alfred Hitchcock demuestra que sabe contar historias (treinta y nueve escalones.8 El cine europeo de los 30 y 40 Tras la implantación del sonido en todo el mundo. Harry Watt. dada la implantación del cine estadounidense en su mercado e industria. 1936. El gran impulsor del cine de los treinta fue Alexander Korda.) realicen un . La Escuela impulsada por John Grierson y con apoyo del gobierno. Más allá de abordar temas realistas. un cine llamado "de qualité". No obstante. los treinta confirman que los británicos son unos maestros del documental. Henry-George Clouzot y Robert Bresson.

y Breve encuentro (1945). mientras que la directora Leni Riefenstahl acomete dos de los pilares del documentalismo cinematográfico: El triunfo de la voluntad (1934) y Olimpiada (1936). con una excepcional papel de Marlene Dietrich) y Fritz Lang (M. George W. volver la mirada a la sociedad. Ocho sentencias de muerte. El ascenso político de los nazis tiene su proyección en obras de singular relieve como El flecha Quex (1933). dirigida e interpretada por Laurence Olivier. en los que el maestro Carol Reed dirige películas como Larga es la noche (1947) y El tercer hombre (1949). y en la comedia intrascendente (llamada de "teléfonos blancos") de Mario Camerini (¡Qué sinvergüenzas son los hombres. extraídos de la vida cotidiana y plasmados con gran realismo y un tono visual próximo al documental. y El judío Süss (1940). El cine alemán se muestra muy activo durante los primeros años treinta de la mano de Joseph von Sternberg (El ángel azul. uno de los mejores actores británicos y el que mejores adaptaciones hizo de la obra de William Shakespeare. Fueron años. antes de que estos directores se incorporaran al cine estadounidense. 1932). de Veit Harlan. Los años cuarenta van a estar dominados por la producción de John Arthur Rank. 1949). Con un deseo de superar viejos traumas y. de Hans Steinhoff. surge el neorrealismo impulsado por una generación que.1930. 1949. los cuarenta. con películas de prestigio como Enrique V (1945) . Pabst mostró su gran vena realista en Westfront (1930) y Carbón (1932). sobre todo. No obstante. Dada la situación política europea.cine informativo de gran altura con el apoyo de maestros como el propio Grierson y Robert Flaherty. y los Estudios Ealing desarrollan una gran e interesante producción en el campo de la comedia social con gran ironía (Pasaporte para Pimlico. con una interpretación especial de Peter Lorre). en la inmediata postguerra cobrará fuerza un movimiento neorrealista centrado en temas sencillos. Italia se ve sumida en la producción de cine con marcado cariz propagandístico en la línea de La corona de hierro (19). . 1931. aunque escasa de recursos. de David Lean. supo ofrecer algunas de las historias más brillantes del cine en la inmediata postguerra. de Blasetti. El vampiro de Dusseldorf.

de John Ford. un culto a la personalidad que dará origen a un retroceso en la producción cinematográfica. westerns como Duelo al sol (1946). de John Ford (Las uvas de la ira. 1940. con una pareja protagonista inolvidable: Ingrid Bergman y Bogart. de Leo McCarey. con Henry Fonda). y en la que tuvo un gran protagonismo el director de fotografía Gregg Toland. Se puede hablar de Charles Chaplin (El gran dictador. Fueron años de gran variedad temática y de excepcionales interpretaciones. 1941 . mientras que la presión política que se ejerce sobre los creadores obligará a realizar otras muchas películas que pretenden ensalzar la figura de Stalin. Linda Darnell. de Charles Vidor. con Bing Crosby. con Rita Hayworth y Glenn Ford. las dos interpretadas por Bette Davis) y de George Cukor (La costilla de Adán. los musicales como Escuela de sirenas (1944). No obstante. dirigida por un recién llegado llamado Orson Welles.El cine soviético alcanza unos de sus grandes momentos con Iván el Terrible (1945). 1949. de Sergei M. Eisenstein. y Gilda (1946). con la famosa Esther Williams. el cine estadounidense de los cuarenta se vio delimitado en su . 1940. de Michael Curtiz. de William Wyler (La carta. Estos años estuvieron marcados por la producción de películas de "cine negro". con Gene Tierney y Dana Andrews. La loba. con excepcionales aportaciones en obras como El halcón maltés (1941). con Gregory Peck y Jennifer Jones. de George Sydney. Casablanca (1942). Laura (1944). de King Vidor. 1940). de Otto Preminger. con una pareja sorprendente: Spencer Tracy y Katharine Hepburn). Además encontraron un hueco en la programación aquellas historias más humanas y evangelizadoras como Siguiendo mi camino (1944). 1. Pasión de los fuertes (1946). de John Huston. con Henry Fonda. que rompió muchos esquemas desde el punto de vista visual y narrativo. con Humphrey Bogart.9 El cine estadounidense de los 40 y 50 La década de los cuarenta se inicia con una auténtica bomba creativa: la película Ciudadano Kane (1940).

1954. El increíble hombre menguante. En esta tesitura se moverá la producción cinematográfica en los cincuenta. Y también. También se vio condicionado en su creación por la las iniciativas del Comité de Actividades Antiamericanas. que impulsó el cine de propaganda desde el documental y el cine de ficción. Cantando bajo la lluvia. El musical alcanza su cumbre con las aportaciones de Stanley Donen y Gene Kelly (Un americano en París. 1951. En el western se revisan sus planteamientos. 1952). historias de ambiente juvenil (Rebelde sin causa. 1957. y Raíces profundas (1953). de Wyler) que acomete la industria estadounidense para intentar atraer a la sala al . Wellman. en películas en las que el heroísmo del soldado estadounidense quedaba bien destacado. de Robert Wise. de Delmer Daves en la que el indio ya deja de ser el malo de la película-. 1959. 1956. de George Stevens. un retrato realista de los soldados que caminan hacia sus objetivos.producción por la entrada del país en la Segunda Guerra Mundial. con un Errol Flynn capaz de solucionar él solo todos los problemas. de Mervyn LeRoy. de William A. de Jack Arnold). en la que el cine de género continuará su marcha con singulares aportaciones. Sólo ante el peligro (1952). de Billy Wilder). guionistas y actores sintieron la persecución implacable de la Comisión dirigida por el senador Joseph McCarthy. 1951. de Huston. 1959. y Objetivo Birmania (1945). muestra su eficacia. una batalla política con la que se pretendió sanear Hollywood de comunistas. Directores. como en Treinta segundos sobre Tokio (1944). Fue la denominada "caza de brujas". En el lado contrario se encontró También somos seres humanos (1945). Hollywood produce mucha ciencia-ficción influenciado por la literatura de la época y por la tensión de la "guerra fría" entre las dos superpotencias (Ultimátum a la tierra. de Raoul Walsh. de Fred Zinnemann. de Douglas Sirk). con películas como Flecha rota (1950). Ben-Hur. de los jóvenes que sufren. melodramas (Obsesión. de Nicholas Ray) y mucho cine de entretenimiento que llega con las superproducciones (Los diez mandamientos. comedias (Con faldas y a lo loco. tiene miedo y angustia. que pasan hambre. El cine negro con La jungla de asfalto (1950). 1955.

Hollywood contratara a numerosos profesionales (Ramón Novarro. a finales del siglo XIX.1946. 1. Muy pronto el mercado de cada uno de los países comenzó a estar controlado por el cine de Hollywood. Las circunstancias sociales. en otros países. Brasil o Argentina. que se apoyaría a lo largo del tiempo y en gran medida en la coproducción entre países de habla hispana. las primeras producciones sonoras locales se darán a conocer más tarde (1932-50). Quizás esta situación es la que provocó que en la producción de las primeras películas habladas en español. esta situación no impidió que en diversas épocas floreciesen aportaciones que mostraron la singularidad de la producción latinoamericana. 1936. Antonio Moreno. Río escondido. No obstante. económicas y políticas marcaron con los años su progreso cinematográfico. en el que tanto tuvieron que ver los promotores españoles. y María Félix (Enamorada. 1933. entre otros) con el fin de que realizaran e interpretaran las versiones destinadas a dichos países. Lupe Vélez. Dolores del Río.público que durante estos años vive más pendiente de la televisión y del esparcimiento social. También se encuentran las obras de Fernando de Fuentes (El compadre Mendoza. franceses e italianos como la presencia de las películas estadounidenses en sus pantallas.10 El cine latinoamericano Los países latinoamericanos fueron recibiendo al Cinematógrafo al igual que en el resto del mundo. 1948). 1943). José Mojica. y . Jalisco canta en Sevilla. Allá en el Rancho Grande. ésta con Jorge Negrete y Carmen Sevilla -primera coproducción hispano-mexicana tras la llega al poder en España de Francisco Franco). Durante la década de los cuarenta es el cine mexicano el que alcanza una mayor notoriedad internacional gracias a las películas de Emilio Fernández "El Indio" (y la colaboración en la fotografía de Gabriel Figueroa) y la presencia de notorias estrellas como Dolores del Río y Pedro Armendáriz (Flor silvestre y María Candelaria. 1948. Carlos Gardel. Esto no impidió que entre 1929 y 1931 se produjeran las primeras películas sonoras en México.

su director más internacional será Arturo Ripstein (Cadena perpetua. 2001) los que proyecten la creación argentina hacia el exterior. referentes ineludibles para los jóvenes de los sesenta. 1941. Julio Bracho y Roberto Gavaldón. entre otras. Sube y baja. de Humberto Mauro. 1986). y Pedro Páramo (1966). Pero también cuenta con la importante película Ganga bruta (1933). 1956. Luis Cesar Amadori (Santa Cándida. 1950) y la aportación de su hijo Leopoldo Torre-Nilsson (La casa del ángel. La reina de la noche. El cine brasileño tiene un punto de partida singular en Límite (1929). quarenta . el crimen de Oribe. y O Cangaçeiro (1953). 1981). 1937. de Mário Peixoto. sugerente y marcada por las vanguardias europeas de los veinte. 1992. premiado en diversos festivales internacionales. 2001) y Juan José Campanella (El hijo de la novia. de Juan Bustillo Oro. Durante varias décadas será Nelson Pereira dos Santos quien dirija algunos de las historias socialmente más interesantes (Río. de Lima Barreto. director de películas como Abismos de pasión (1953) y Los olvidados (1950) . A partir de los setenta. Fabián Bielinsky (Nueve reinas. El padrecito. 1942. que tendrán en Glauber Rocha al máximo exponente internacional. 1973). Adolfo Aristarain (Tiempo de revancha. En las décadas siguientes serán directores como Héctor Olivera con La Patagonia rebelde (1974) o No habrá más penas ni olvido (1983). También circula por ciertos circuitos el trabajo de Fernando Birri (Los inundados. sin olvidar la extensa filmografía de Leopoldo Torres Ríos (Adiós Buenos Aires. Principio y fin. se encargará de consolidar su popularidad nacional e internacional y arrasar en taquilla durante unos años con películas como Ahí está el detalle (1940). 1964). Hugo Fregonese (Donde las palabras mueren. Son años en los que despunta el actor Mario Moreno "Cantinflas" quien. 1978. Delgado (El gendarme desconocido.otras de Alejandro Galindo. 1946) y actrices como Libertad Lamarque. El cine argentino se sostiene con dificultad sobre las películas de Lucas Demare (La guerra gaucha. 1994). 1942). Eliseo Subiela (Hombre mirando al sudeste. quien dirigió un excelente documental. 1961). 1958. 1945). Y también es notoria la presencia de los españoles Luis Buñuel. Torero (1956). y Carlos Velo. Los siete locos. con su verborrea. y la numerosas películas que dirigió Miguel M.

y darán origen a unos movimientos con proyección cultural y política que fueron conocidos como la "nouvelle vague" (Francia). 1969. La Revolución Cubana definió la trayectoria de diversas cinematografías latinoamericanas. Vidas secas. además de un extenso elenco de documentalistas. desean hacer frente al cine convencional y clásico. Cecilia. 1981) y Manuel Octavio Gómez (La primera carga al machete. y siempre en conexión directa con lo que acontecía en diversos países americanos. el "free cinema" (Reino Unido) y el "Nuevo cine alemán". 1968). Tomás Gutiérrez Alea (Memorias del subdesarrollo. varias adaptaciones literarias de desigual acierto (La ciudad y los perros. En el cine chileno sorprendieron las películas de Raúl Ruiz (Tres tristes tigres. 1971). 1993). entre otros. Fresa y chocolate. 1968. En su país destacaron. El cine peruano tiene en Francisco Lombardi su máximo representante desde 1977. Es una década de transición en la que directores muy jóvenes. con películas polémicas como Muerte al amanecer (1977) y Muerte de un magnate (1980). 1. de Miguel Litín (El chacal de Nahueltoro. realizará la mayor parte de su obra en Europa. en su mayoría surgidos del campo de la crítica cinematográfica. El cine venezolano está representado por Roman Chalbaud con El pez que fuma (1977) y La oveja negra (1987). y el cine colombiano por Sergio Cabrera con películas como Técnicas de duelo (1988) y La estrategia del caracol (1994) y Víctor Gaviria con La vendedora de rosas (1998). 1985) además de dirigir proyector internacionales como No se lo digas a nadie (1998).1969). . con el fin de poder establecer unos márgenes que permitan desenvolverse en el propio mercado ante la presencia del cine estadounidense. 1955.11 El cine europeo de los 50 y 60 El cine europeo pasa por una situación de necesario proteccionismo por parte de los gobiernos de cada país. Humberto Solás (Lucía. 1963). por basarse en hechos reales. 1976) y Helvio Soto (Voto más fusil. Actas de Marusia. 1968.graus. el cine boliviano por Jorge Sanjinés con El coraje del pueblo (1971). Para eso a lo largo de la década reclaman libertad de acción y creación y ayudas para financiar sus proyectos.

Sorprende por la proyección de su obra Federico Fellini. El gatopardo. y el singular trabajo de Robert Bresson que busca una ruptura en las formas a través de Diario de un cura rural (1950) y Un condenado a muerte se ha escapado (1956). 1960. La "nouvelle vague" marcará los nuevos itinerarios para el cine posterior. Henry-George Clouzot con la sorprendente El salario del miedo (1956). René Clair (La belleza del diablo. 1963. con su singular Juegos prohibidos (1952). La comedia de los Estudios Ealing y las adaptaciones shakesperianas de Laurence Olivier convivieron con producciones bélicas y numerosas adaptaciones teatrales que habían sido éxito en el West End londinense. especialmente. A Roberto Rosellini le interesan los problemas humanos que aborda con diverso interés en Europa 51 (1951) y. para muchos radicales. más arropadas por la ayuda del gobierno. Las noches de Cabiria (1956). El cine italiano se sostiene a partir de las películas que firman directores como Luchino Visconti que tras Bellísima (1951) y Senso (1954). En los sesenta también Pier Paolo Pasolini propone alternativas. 1952). maestro del humor inteligente y crítico como lo demostró en La vacaciones de Monsieur Hulot (1951) y Mi tío (1958). El cine británico mantiene vivas las líneas creativas de los cuarenta. abordará un cine espectáculo combinado con la reflexión social e histórica (Rocco y sus hermanos. recibiendo varios Oscar de la Academia. como las de El evangelio según San Mateo (1964) o Teorema (1968). la originalidad y trascendencia del trabajo de Jacques Tati. La caída de los dioses. En estos años las películas de David Lean evolucionaban entre la sencillez de El déspota (1953) y la superproducción (El puente sobre el río Kwai. 1950) se encuentran excepciones como la de René Clément.En Francia. 1957. La dolce vita (1958). que también vive su momento más intenso y representativo de su carrera con filmes tan completos como La strada (1954). 1971). Lawrence de Arabia. junto con una producción en la que intervienen los directores como Jean Renoir (La carroza de oro. 1962). Muerte en Venecia. Michelangelo Antonioni profundiza en la incomunicación a través de su trilogía La aventura (1959) . Te querré siempre (1953). La productora Hammer vivirá su mejor momento industrial y artístico al abordar películas de . La noche (1960) y El eclipse (1962). Ocho y medio (1962) y Amarcord (1973). 1969.

dirigidas por Terence Fisher e interpretadas por Peter Cushing y Christopher Lee. Fueron años en los que dieron sus primeros pasos directores como Teinosuke Kinugasa. sin embargo.ciencia-ficción como El experimento del doctor Quatermass (1955). en las que rescata los personajes clásicos que hiciera famosos la Universal. lo que lleva emparejado la multiplicación de empresas y Estudios cinematográficos. sólo con la diferencia que estas producciones ya eran en color. continuando con una producción tan intensa que llegó a superar los 700 filmes al año en el segundo lustro de los años veinte. director sueco que sorprende al mundo con una películas cargadas de emoción. Kenji Mizoguchi. historia de terror. No obstante. sentimiento. quienes dirigieron las primeras películas totalmente sonoras a lo largo de los años treinta (hasta 1937 todavía se produjeron películas mudas).12 El cine japonés La Historia del cine en Japón se inició con los trabajos de varios pioneros. A partir de El séptimo sello (1956) es descubierto en muchos países en los que comienzan a revisar su obra anterior al tiempo que continúan su trayectoria con otros filmes tan sorprendentes como Fresas salvajes (1956) y el manantial de la doncella (1959). producciones que alcanzaron un notable éxito internacional. y. especialmente. 1. entre otros. Así surgieron La maldición de Frankenstein (1957) y Drácula (1958). Yasujiro Ozu y Heinosuke Gosho. como el del maestro Carl Theodor Dreyer que dirigió La palabra (1955). En apenas cuatro años la producción ya es muy alta. dependerá durante unos años del equipamiento y película virgen llegados del exterior. que en buena parte serán arrasados en el terremoto de 1923. como Koyo Komada. a partir de esta década el nombre que recordará la existencia del cine en estos países será el de Ingmar Bergman. El cine nórdico continuó ofreciendo excelentes trabajos. Su producción se centró en las películas . de Val Guest. La industria no se desalienta ante esta catástrofe. a finales del siglo XIX. e inmediatamente recompone su infraestructura. una obra completa en su fondo y forma. La industria japonesa. tragedia y humanidad.

Todos los directores evolucionaron durante los treinta y cuarenta sobre estos tres modelos temáticos. Cuentos de la luna pálida de agosto (1953) y El intendente Sansho (1954). feudales que sorprenden en todo el mundo y obligan a una revisión del cine anterior.de época. Son películas de época. de Akira Kurosawa —Oscar a la mejor películas extranjera-. Los siete samuráis (1954). una estructura temática basada en temas de la vida familiar y del individuo. y con el "shomingeki". -los"jidaigeki"-. de Teinosuke Kinugasa — también Oscar a la mejor película extranjera-. Kagemusha (1980) y Ran (1985). Venecia) abrieron las puertas al cine japonés concediendo importantes premios a películas como Rashomon (1950). que durante épocas convivieron con el cine que mira a las clases más populares. El mercenario (1961). Machico Kyo. la vida contemporánea. Con buen pulso narrativo irrumpe también en escena Kon Ichikawa con El arpa birmana (1956) . en los que profundiza. que sólo conseguirá darse a conocer en Occidente a partir de los años cincuenta. Kazuo Hasegawa. Masayuki Mori e Isuzu Yamada. Kinuyo Tanaka. desde perspectivas diversas y momentos históricos diferentes. desarrollados a caballo de la comedia y el drama. También descubren el buen hacer de actores como Toshiro Mifune. históricas. Se descubrió en estas películas que su estructura narrativa estaba muy evolucionada y que tenía muchos puntos de contacto con todo lo desarrollado en Occidente. en el hombre y su relación con los demás. Quien logró asentarse en las salas occidentales con regularidad fue Akira Kurosawa. abriendo nuevas puertas a otros subgéneros que facilitaron la riqueza de un cine en buena medida de autoconsumo. y La puerta del infierno (1953). Hideko Takamine. Los principales festivales internacionales de cine (Cannes. Chishu Ryu. sobre una trama melodramática. que sorprendió a lo largo de su carrera con títulos excepcionales como Vivir (1953). —los "gendaigeki"-. Tatsuya Nakadai. Dersu Uzala (1975). de Kenji Mizoguchi. entre otros. circunstancia que se produce en diversas Filmotecas y ciclos culturales. la clase media baja. feudales. . Takashi Simura. un soberbio trabajo sobre el horror de la guerra que fue premiado en el Festival de Venecia.

aunque la .13 El cine estadounidense de los 60 La sociedad estadounidense comienza a sentir la fuerza de una generación que busca abrir nuevos caminos reivindicativos de una nueva convivencia que se proyectan en los intereses culturales. 1968. Italia y España. a Peter Sellers (El guateque. etc. quien participaría también en Metrópolis (2002). Los géneros todavía conservan la esencia que les ha definido como tales. 1965. 1963. Las comedias tienen de protagonistas a Rock Hudson y Doris Day (Un pijama para dos. El mundo del cómic. en la realidad cotidiana de los habitantes de un pueblo que conviven en el más arraigado primitivismo. y la obra de Shoei Imamura quien. Stanley Kubrick. como las de. 1962. a Jerry Lewis (Lío en los grandes almacenes y El profesor Chiflado. creativos y vivenciales. continuó con su proyección internacional con Akira (1989).). que muestra el lado trágico del sexo en El imperio de los sentidos (1976). del animador Shigeyuki Hayashi (Rintaro). Nagisha Oshima. John Schlesinger. La televisión y otros modos de entretenimiento provocan que determinadas superproducciones tengan difícil su amortización. Orson Welles. de Blake Edwards) y. del maestro del manga Katsuhiro Otomo. con La balada de Narayama (1983).Años después llegarán de forma aislada películas que continúan llamando la atención por la crudeza de ciertas historias y la reflexión continuada de los directores sobre temas arraigados en la tradición japonesa. con actores de prestigio internacional (Doctor Zhivago. también siente cómo el interés de los espectadores por las películas que produce está provocando que sus cimientos se resientan. de Delbert Mann). especialmente. produciendo numerosas películas en Gran Bretaña. La industria del cine. de Frank Thaslin y el propio Lewis). 1. en gran medida. tan importante en Japón. de David Lean) y los directores más representativos de la época trabajan tanto en Estados Unidos como en el Viejo Continente (John Huston. El cine estadounidense ya ha sentado bases en Europa. se adentra en el mundo de los sentimientos.

Las nuevas vías creativas. para producir historias como ¡Qué noche la de aquel día! (1964). y El hombre que mató a Liberty Balance (1962).las películas que aprovechan el tirón popular de los nuevos grupos musicales jóvenes. de Arthur Penn. Clint Eastwood. y La noche de los muertos vivientes (1968). de George A. se consolida un cuadro artístico apoyado en actores como Jack Lemmon. Repulsión (1965) y La semilla del diablo (1968). 1961. de Arthur Penn. dos. Danzad. tres. Romero. Walter Matthau. 1965. de John Schlesinger. Paul Newman. -con sendas magistrales interpretaciones de Dustin Hoffman. Cowboy de medianoche. como los Beatles. y Bonnie y Clyde. que sirven de transición entre la estrellas maduras y los jóvenes que va a irrumpir en la década siguiente. La jauría humana (1966). de Mike Nichols. de Richard Lester. de Roman Polanski. Robert Redford. desde un ámbito independiente y solapado con las iniciativas de los grandes Estudios. entre otros. Barbra Streisand. danzad. Sonrisas y lágrimas. y que de alguna manera permanecen en la memoria colectiva como iconos de un momento socio-cultural de gran relieve. 1960. El western continúa dando historia con gran fuerza y efectividad como Los siete magníficos (1960). Uno. El cine de terror alcanzó algunos de sus momentos más memorables con películas como Psicosis (1960) y Los pájaros (1963). de John Ford. de Robert Wise) y comienzan a surgir con más frecuencia —antes ya había pasado con Elvis Presley. No obstante. de John Sturges. quedan reflejados en varias películas que cierran la década: El graduado. En cualquier caso. de Sydney Lumet. y actrices como Faye Dunaway. de Alfred Hitchcock. malditos (1969) . . con Jack Lemmon. Shirley MacLaine. 1961. con James Cagney) El musical aborda temas relacionados con el mundo juvenil y familiar (West Side Story.presencia del maestro Billy Wilder sigue marcando las diferencias (El apartamento. la reflexión sobre el hombre en el más amplio sentido de la palabra se impone en trabajos tan diversos temáticamente como El prestamista (1965). de Sydney Pollack.

como Bertolucci. Federico Fellini. Cinema Paradiso (1989). El árbol de los zuecos (1974). realmente. provocadores. se le cruzan en su camino. gracias a un sistema de financiación que permite acometer empeños de mayor fuste. No se puede decir que cada cinematografía tenga unas señas de identidad como grupo. de Ermanno Olmi. Pier Paolo Pasolini. con las ayudas de las Administraciones nacionales y los fondos europeos que intentan dinamizar un mercado mortecino y paliar las deficiencias existentes. el cine underground).Mucho más allá de las trayectorias personales de directores consagrados y de los nuevos creadores. de Bernardo Bertolucci. de Giuseppe Tornatore. pretenciosos y aburridos. Werner Herzog dirige Aguirre o la cólera de Dios (1973). Fassbinder. 1. El resto de cinematografías buscan sobrevivir en el corto espacio que le queda. excepcional relato sobre la época de conquistas. y el multipremiado trabajo de Roberto Benigni La vida es bella (1998). alcanzando con El último emperador (1987) . También apuestan. se dieron otras líneas mucho más marginales que se englobaron bajo la denominación "Cine independiente americano" (el New American Cinema. uno de sus momentos más brillantes.14 El cine europeo contemporáneo A partir de los años setenta. por un cine estilo Hollywood. corrientes de vanguardia que quisieron romper con las temáticas tradicionales. en Francia. El público europeo continúa accediendo a las salas con el fin de visionar cine estadounidense. el cine europeo evoluciona a partir de los proyectos individuales de cada uno de los directores que buscan proseguir su carrera superando todos los obstáculos que. rutinarios. El cine italiano continúa en manos de directores clásicos como Luchino Visconti. Rainer W. En el cine alemán cogió el testigo la generación intermedia con nombres tan significativos que con sólo nombrarlos se les atribuyen ejemplos notorios de buen cine. el interés por el cine propio destaca. película que recibió 9 Oscar de la Academia. originales. insulsos. existen proyectos singulares. aunque otros autores comienzan a demostrar creativamente sus inquietudes culturales e ideológicas en títulos tan interesantes como El conformista (1970) y Novecento (1976). . de manera especial.

el iraní Abbas Kiarostami. entre otras. El amigo americano (1977). El resplandor. Del resto de cinematografías. o Pelle el conquistador (1988). Mientras que Volker Schlöndorff muestra su madurez en El tambor de hojalata (1979). Cielo sobre Berlín (1987). y el éxito comercial de todos los tiempos fue Full Monty (1997). 1971. etc. La personalidad de Wim Wenders crece en círculos de cinefilia de todo el mundo tras la proyección de Alicia en las ciudades (1973). de Peter Cattaneo. junto con el movimiento Dogme 95 impulsado por Lars von Trier (Rompiendo las olas. 1999). En el cine francés. 1988. se puede decir que son autores únicos (como el griego Theo Angelopoulos. Louis Malle (Adiós muchachos. firma películas como La ley del más fuerte (1974) y La ansiedad de Verónica Voss (1981). para dar en los ochenta a una de las décadas más brillantes de dicha cinematografía con Carros de fuego (1981). Lloviendo piedras. de Hugh Hudson. 1993) y Jim Sheridan (En el nombre del padre. Surge un cine de realismo social impulsado por Ken Loach (Agenda oculta. 1974. de Richard Attenborough. de Mike Newell. 1998) y los hermanos Luc y Jean Dardenne (Roseta. y Secretos y mentiras (1996). que no lograron ocultar el acierto de películas como El festín de Babette (1987). estela que continuarían producciones como Cuatro bodas y un funeral (1994). Un asunto de mujeres. 1997) y Bertrand Tavernier (Hoy empieza todo. Stephen Frears (Mi hermosa lavandería.) los que defendidos por la crítica internacional de cinéfilos y . 1987). Café irlandés. los filandeses Aki y Mika Kaurismäki. de Mike Leight. La cuadrilla. y Gandhi (1982). 1981). 1996) y otros cineastas daneses. 1990. El cine británico se apoya en los trabajos de los veteranos Stanley Kubrick (La naranja mecánica. 2001). el portugués Manoel de Oliveira. No va más. e irrumpen con fuerza Robert Guédiguian (De todo corazón. sigue muy activo Claude Chabrol (Inocentes con manos sucias. 1980) y Charles Crichton (Un pez llamado Wanda. 2001). 1993. 1985. de Gabriel Axel. 1999) y Jean-Pierre Jeunet (Amélie. junto con los François Truffaut (La mujer de al lado.corrosivo analista de la sociedad alemana y del ser humano. 1993). 1988). pasando después a trabajar en el cine estadounidense. de Bille August.

o los éxitos de El señor de los anillos. Pero los grandes éxitos no pueden ocultar otras fracasos. el consumo del cine ya no es en la sala o a través de la televisión. La comunidad del anillo (2001). 1. de Kevin Reynolds. de Chris Columbus. de Michael Cimino. de The Matrix (1999). es decir. de Larry y Andy Wachowski. A partir de 1975 el cine estadounidense entra en la nueva era que va a estar dominada por los blockbusters. producciones que supieron aprovechar el tirón de series impulsadas por Steven Spielberg —uno de los grandes empresarios de Hollywood. de Steven Spielberg.15 El cine estadounidense contemporáneo Los cambios que se aprecian en las películas de finales de los sesenta son suficientes para que el Hollywood clásico entienda que ha quemado sus últimos cartuchos. de Sam Raimi. además de gran . a finales del siglo XX. de Peter Jackson. pues el vídeo ofrece otra ventana de comercialización. de James Cameron. por la rentabilidad inmediata en taquilla de una película. el box-office. el mundo del agua (1995). Desde Tiburón (1975). En este sentido también sorprende el éxito de Titanic (1997). Los productores tienen otro estilo. y Waterworld. Hollywood va a estar pendiente de la ventas de entradas en el primer fin de semana. todo un fenómeno cinematográfico —toda la saga.que se transforma en otro sociológico y de mercadotecnia. hasta Spiderman (2002). los actores demandan mayores honorarios.arropados por un sin fin de premios en los festivales más importantes. quizás los más sonados fueron los de La puerta del cielo (1980). y Harry Potter y la piedra filosofal (2001). La tecnología avanza tan rápido que revoluciona el concepto creativo cinematográfico y ya. llegan con frecuencia a ciertas salas europeas para ser disfrutados por el público interesado en otras historias y maneras de narrar. los directores se adentran plenamente en el negocio audiovisual. Esta nueva idea del negocio la consolida George Lucas cuando dirige La guerra de las galaxias (1977). El cine del último tercio del siglo XX fue básicamente espectáculo. se ruedan películas en vídeo digital.

fenómenos extraños. Regreso al futuro. Forrest Gump. 1973. Además toda la tecnología permite realizar a través de ordenador las nuevas producciones de animación que abordan diversos Estudios (Disney. trabajan activamente al lado de otros más jóvenes y renovadores como Jim Jarmusch. de Peter Weir. 1981. Dreamworks. la comedia e historias de terror juvenil (American graffiti. la televisión. 1988. Frente a todo este despliegue de fuegos artificiales. 1984). Parque Jurásico. llegado del espacio (El exorcista. 1985. Poltergesit. 1970. Black Hawk derribado. la comedia familiar. Las nuevas herramientas tecnológicas. 1998. 1994 . de Steven Lisberger. Aterriza como puedas. son tanto los temas de actualidad que se convierten en cotidianos a través de las historias que se construyen para el cine. Alien. hasta El show de Truman (1998). hasta Armageddon. Espectáculo muy vinculado a las historias catastróficas (desde Aeropuerto. los nuevos hábitos de consumo de productos audiovisuales conducen a que el mundo del cine indague en todo lo que tiene que ver con la electrónica. 1990. el cine bélico. El diario de Bridget Jones. 1998. Directores clásicos como Billy Wilder o Robert Altman. Y todos ellos. Loca academia de policías. y mucho cine de animación: ¿Quién engañó a Roger Rabbit?. Fox. Shrek.). 1973. el proyecto de la Bruja de Blair. 1999). la realidad virtual. Antz/Hormigaz. 1994. 1982. de los hermanos Wachowski. 1993. Tim Burton. Los Picapiedra. y otros intermedios como Francis Ford Coppola. William Friedkin. de David Cronenberg. al cine de terror sorprendente. Salvar al soldado Ryan. 2001).director. 1980. etc. Woody Allen o Clint Eastwood. Algo pasa con Mary. Internet y el mundo del videojuego. histórico y político (Patton. Pixar. paranormal. eXistenZ (1998). 1970. 1979. 1979. romántica y disparatada (Solo en casa. Steven Soderbergh y los hermanos Coen. 2001. El sexto sentido. el octavo pasajero. 1998. Scream: vigila que alguien llama. Desde Tron (1982). Apocalypse Now. 2002).y un grupo de directores que fueron consolidando su carrera a su sombra en películas diversas (En busca del Arca perdida. el cine tradicional consigue encontrar su hueco. dan entrada a las nuevas estrellas . y The Matrix (1999). 1996. 1999). 1998).

cinematográficas como Tom Cruise. Brad Pitt. Bridget Fonda o George Clooney. Jodie Foster. el más vivo retrato del nuevo Hollywood . Sylvester Stallone. Arnold Schwarzenegger. entre otros muchos. Kevin Costner. Harrison Ford. Sharon Stone. Julia Roberts.