Alberto Espinal. Visual Book

Visual book
2010
Alberto Espinal
Alberto Espinal Rodríguez. liberaelarte@gmail.com Sevilla, Diciembre de 2010

Alberto Espinal Visual book, 2010
ÍNDICE:
Artículo I. INTRODUCCIÓN. Pág. 4
Artículo II. CUERPO TEÓRICO. Pág.5
Sección 2.01 TEORÍA ARTÍSTICA BÁSICA. Pág.6

(a) DERECHOS DE LAS OBRAS DE ARTE. Pág.6
(b) TEORÍA BÁSICA DE ARTE. Pág.7
Sección 2.02 OTROS ENSAYOS SOBRE ARTE. Pág.11
(a) LA MUERTE DEL ARTISTA. Pág.11
(b) EL ARTE COMO DROGA. LA ESPRESIÓN ARTÍSTICA DEL SIGLO XXI Pág.13
(c) EL ARTE COMO NOVEDAD. Pág.15
(d) EL ARTISTA QUE SE CREYÓ DIOS Y ACABÓ SINEDO BUFÓN. Pág.16
Sección 2.03 EL CUADERNO AZUL. Pág.18
(a) INTRODUCCIÓN. Pág.18
(b) CARTAS A THÉO Y LA PÉRDIDA DE LA IDENTIDAD ARTÍSTICA. Pág.19
(c) LA PÉRDIDA DE LA IDENTIDAD ARTÍSTICA, EL KISTCH, LA LUNA. Pág.22
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Artículo III. IMÁGENES. Pág.24
Sección 3.01 INTRODUCCIÓN. Pág.25
Sección 3.02 OBRAS. Pág.26

(a) LOS AMANTES DE ORIÓN. Pág.27
(b) ÁNGEL ENTRE LOS ÁRBOLES. Pág.29
(c) ÁRBOL CIUDAD. Pág.31
(d) CASCADA. Pág.33
(e) CARA DE GATO. Pág.35
(f) LA CERCANA AMENAZA. Pág.37
(g) COMETA DE CHIRICO. Pág.39
(h) COMO NAVEGAR ENTRE LAS TRES PIEDRAS. Pág.41
(i) FRAGMENTO DE PAIS”AGE” DE LA HUMANIDAD EN LA TIERRA. Pág.43
(j) HOMENAJE DEL SUBCONSCIENTE A LAS CASAS DE HUNDERTWASSER. Pág.45
(k) JULIO DE 2010: INVESTIGACIÓN PLÁSTICA. Pág.47
(l) LASCAUX, CAS DU FELINS 1. Pág. 49
(m) LAS LUNAS MONUMENTALES ARQUITECTÓNICAS. Pág.51
(n) EL NACIMIENTO DE ATENEA. Pág.53
(o) PAISAJE PÍXEL. Pág.55
(p) PATATAS. APOLO Y LEDA. Pág. 57
(q) REMEMORANDO A MARAT SUICIDADO. Pág.59
(r) SIN TÍTULO. Pág.61
(s) SIN TÍTULO. Pág. 63
(t) SIN TÍTULO. Pág.65
(u) LA TOALLA MOJADA. Pág. 67
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(v) URBANIZACIÓN DE CASAS COMO EL MAR. Pág.69

(w) VIAJE A LA TIERRA. Pág.71
(x) YERMA. Pág.73
Sección 3.03 DATOS PERSONALES. Pág. 75
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INTRODUCCIÓN:
Esto no es solo un visual book de imágenes, es también un ideario donde voy a exponer algunas de mis teorías artísticas más importantes. Ya
que soy de la opinión que el arte no solo debe ser la imagen, sino que debe además estar respaldado por un fuerte componente teórico.
Además de la teoría propiamente dicha, a la que voy a dedicar la primera parte. Voy a presentar también en este visual book también algunos
fragmentos del dietario llamado “el cuaderno azul” en el cual he plasmado algunas de mis ideas, no solo sobre arte, sino también sobre otros
ámbitos de la vida. Por último, en una tercera parte expongo el visual book propiamente dicho, con una primera parte a modo de introducción
con algunos datos biográficos y artísticos. Y finalmente las reproducciones de los lienzos, acompañadas de completas, con datos acerca de la
realización de la obra o la teoría que la respalda; además de una ficha técnica con datos como la técnica, el soporte, las dimensiones o el precio
(los precios pueden variar, consultar al artista). Además, en la última página del visual book podrá encontrarse un listado con algunos datos
personales, como e-mail, teléfonos y direcciones web.
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CUERPO TEÓRICO
Alberto Espinal. Visual book, 2010
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TEORÍA ARTÍSTICA BÁSICA:
DERECHOS DE LA OBRA DE ARTE

I. La obra de arte tiene derecho a la vida
II. La obra de arte tiene derecho a la muerte
III. La obra de arte tiene derecho al asesinato
IV. La obra de arte tiene derecho a no ser destruida
V. La obra de arte tiene derecho a no ser de una persona
VI. La obra de arte tiene derecho a no ser de nadie
VII. La obra de arte tiene derecho a ser de todos
VIII. La obra de arte tiene derecho a no permanecer encerrada en un museo
IX. La obra de arte tiene el derecho de no ser idolatrada
X. La obra de arte tiene derecho a que opinen sobre de ella
XI. La obra de arte tiene derecho a ser entendida y escuchada
XII. La obra de arte tiene derecho a ser mal arte
XIII. La obra de arte tiene derecho a ser espiritual
XIV. La obra de arte tiene derecho a ser original
XV. La obra de arte tiene derecho a ser conocida o a pasar totalmente desapercibida
XVI. La obra de arte tiene derecho a opinar y decidir sobre el mundo que le rodea
XVII. La obra de arte tiene derecho a ser obra de arte si alguien así lo desea, aunque esto no garantiza su calidad como obra de arte.
XVIII. La obra de arte tiene el derecho y la obligación de ser parte fundamental de la vida del ser humano.
XIX. La obra de arte tiene el derecho y el deber de ser objeto de originalidad y cambio
XX. La obra de arte tiene derecho a tener derechos
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TEORÍA BÁSICA SOBRE ARTE
El arte no es solo arte, es mucho más. Es vida y es historia, pero sobre todo es humanidad. La forma de entender el arte por parte del individuo, marcará en
parte su forma de ser y de actuar a lo largo de la vida. Por lo tanto, la obra artística debe ser algo más que simple mercancía o elemento visual.
“El arte debe ser sobre todo humano e inspirar al mismo ser humano”
Curva y color
“El ser humano es, además de ser social, ser natural y como tal debería actuar”
Pero mientras el mundo de la naturaleza es infinito y aparentemente caótico, el mundo tradicionalmente humano es radicalmente racional y radicalmente
normalizado desde tiempos remotos. Por lo tanto el ser humano ha olvidado su esencia natural, incluso pese al propio ser humano. De éste modo se ha
visto limitado por sí mismo al poner límites al caos de la naturaleza, encontrándose aprisionado en un entorno hostil. La racionalidad antinatural humana se
ha visto reflejada en el uso descarado de la línea recta. La línea recta no genera sentimientos, de este modo:
“La línea tiene la capacidad de anular el pensamiento del ser humano debido a su profunda antinaturalidad"
“Frente a la línea recta, yo opongo curva, color y forma”
Lenguaje Místico
“Hay elementos que rigen nuestro destino, elementos presentes ante nuestros ojos, pero que tienden a pasar desapercibidos”
Los primitivos adoraban y adoran a los astros y a la naturaleza, adoran a aquello que realmente les proporciona la vida, aquello que realmente controla sus
vidas. Así surge la que defino como “teoría de los tres altares”:
“El ser humano es el único dios y éstos son sus tres altares”
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Los tres altares se refieren a diversos elementos estratificados en tres niveles de conocimiento. Son elementos realmente merecedores de una adoración y
de un respeto ya que son los encargados de controlar nuestro destino.
Los altares son el punto místico de unión entre el elemento y el ser humano, elementos de paz y comunión, elementos de reconocimiento de una existencia
fundamental, la naturaleza mística y real:
Altar de los astros: el Sol y la Luna.
Es el altar de los elementos lejanos. Los astros son elementos sin los cuales la vida en la tierra sería imposible, nosotros mismos somos el polvo de viejos
astros, la misma energía, la misma materia.
“El espacio es el lugar desconocido, el lugar de los sueños”
El cometa esencial. Alberto Espinal, 2009
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Altar de Gaya: la Tierra y la naturaleza.
Los seres humanos al fin comenzamos a darnos cuenta de la importancia de la naturaleza y de su soporte vital la Tierra, productora de vida. Desde un punto
de vista místico, Gaya es un ente vivo que se compone de la Tierra y de la naturaleza.
“Gaya es el lugar del conocimiento”
Altar social: el altar del ser humano y la cultura
El ser humano es el altar menos respetado, ya que de muy diversos modos, no nos respetamos a nosotros mismos, para conocernos a nosotros mismos,
para tener una unión mística entre nosotros y nuestra especie, e necesario respetar y comprender a los demás seres humanos.
“La sociedad es nuestro lugar de desarrollo individual”
El altar social. Alberto Espinal, 2009
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Libertad
El arte es libre, no debe seguir convenciones ni tener limitaciones El arte únicamente debe ser limitado a lo ilimitado, una idea debe ser plasmada de
manera libre, sin seguir normas. NO A LOS ESTILOS ARTÍSTICOS.
“Si alguna persona se ha sentido ofendida al leer éstas opiniones, que siga pensando así, pues de este modo el arte seguirá siendo libre e infinito”.
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OTROS ENSAYOS SOBRE ARTE:
LA MUERTE DEL ARTISTA

Para que una sociedad llegue a ser una sociedad artística es totalmente necesario que la figura del artista como creador omnipotente de iconos dignos de
ser admirados por el público mayoritario debe ser eliminada. Las conclusiones a las que he llegado tras una profunda autocrítica han sido las siguientes:
1. Hasta ahora el artista era un creador de experiencias artísticas, único ser capaz de crear arte de entre su grupo de expresión artística, pero que a su
vez se encontraba sometido a la demanda de dicha expresión artística y su prolongada permanencia. El artista siempre se ha debido a su público, al
que nunca debía defraudar.
2. La obra de arte se entrega como un objeto de lujo acabado en el cual, tan solo en algunas ocasiones, el espectador tiene la capacidad de interactuar,
siempre a voluntad de los deseos del artista y dependiente de una unidad espacio temporal.
3. La obra de arte se encuentra normalmente enclavada en un espacio específico, normalmente en un museo o una sala de exposiciones, en un lugar
cerrado y elitista al cual la actual sociedad moderna, racionalista y consumista ha relegado el arte y al cual ha dejado de asistir con normalidad. El
artista se convierte e un producto que se puede desechar y que forma parte de una agenda de ocio en el cual se encuentran enclavadas otras
actividades. Es una opción y en casi ningún caso una referencia vital, sino algo secundario e incluso reprochable por una mayoría de la sociedad que
considera el museo como algo elitista y para personas "cultas". Al igual que el lenguaje o el transcurso histórico, el arte debe ser una parte
disuelta en la esencia social, ya que son parte de las características propias de lo esencial y genuinamente humano.
4. La obra de arte actual se encuentra sujeta a la unidad de tiempo. Como objeto de consumo es pasajera en la experiencia diaria y se convierte por lo
tanto en un objeto finito, con fecha de caducidad.
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Como conclusión, propongo que el artista actual es en su gran mayoría, un ser superior intocable, que desde una alta atalaya ofrece su generosa donación
artística al mundo, a unos espectadores que por sí mismos deciden si experimentan la experiencia artística que les ofrece el artista mediante una demanda
consumista, cambiante y sujeta a modas. El arte ha dejado de cambiar por pura evolución y novedad artística para ser mediante las modas impuestas.
Además, la obra de arte del artista-dios suele tener un carácter limitado a nivel espacio temporal.
Vistos los defectos del artista-dios y de su producto artístico, se puede llegar a la conclusión de que su método está caduco y es necesario establecer una
profunda renovación. El artista ha muerto.
Para eliminar al artista-dios es necesario empezar por la raíz y contraponer al artista que ofrece su obra ya concluida a la sociedad, un artista que se disuelva
en el entramado social, para que sea el propio entramado social el que genere, por estimulación artística, la obra de arte.
Así, la figura del artista-dios, el creador de la obra de arte, desaparece y se transforma en artista-estimulador que mediante la estimulación artística directa,
dentro del propio entramado social y no en museos o actuaciones puntuales, despierte el entramado artístico, que es similar al histórico o lingüístico y que
permanece aletargado por diversas razones, pero que no es inexistente. Así el artista-dios desaparece en favor de una sociedad creadora de estímulos
artísticos individualizantes pero colectivizados que provocan un despertar de las mentes aletargadas por un entorno esencialmente tecnificado y
deshumanizado. Creando así una nueva sociedad fundamentalmente artística pero también política y social, ya que el despertar del propio sentido artístico
y estético provocará un cambio en la misma esencia del ser humano.
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EL ARTE COMO DROGA: LA EXPRESIÓN ARTÍSTICA EN EL SIGLO XXI

¿Qué utilidad podría tener el arte en una sociedad racional? El arte, en su base, carece de una utilidad práctica, la utilidad del arte es algo añadido, algo que
no pertenece a su esencia y en la mayoría de los casos, ni tan siquiera el arte pretendidamente práctico acaba por serlo. En una sociedad racional, el arte sin
razón es algo inútil y por lo tanto tiende hacia su desaparición.
El arte del último siglo ha buscado en muchas ocasiones tener una utilidad práctica que tiende a limitar sus infinitas posibilidades. En algunas de las últimas
tendencias artísticas se va en contra del propio arte, elevando la crítica artística a una categoría artística más. Además, el arte siempre ha procurado
comportar cierto aire de cambio o revolución social, ya sea luchando por causas políticas, como por causas concretas, como pueden ser la liberación en el
propio arte.
Ahora bien, éstos modelos de arte también han pretendido normalmente dar una explicación definitiva de lo que denominamos arte, auto-imponiéndose
como único modelo artístico válido, aunque en realidad todos esos modelos artísticos han sido válidos; ya que son todos ellos, diversos vértices de un
mismo concepto universal, el arte.
El arte es una expresión íntimamente humana, es una manera diferente de observar la realidad, pero es un modo de expresión diferente en cada individuo,
incluso la obra más colectiva tiende a tener un componente individualizante o de identificación de grupo. Los límites identificativos se encuentran dentro de
los límites del propio individuo o grupo que realiza la obra. Debido a esta capacidad individualizante, la obra llegará siempre a un número limitado de
espectadores de manera completa, que serán aquellos capaces de comprender y disfrutar del mensaje que expresa la obra.
Para que una persona sienta como suya una obra artística es necesario es necesario que el receptor entienda de manera consciente o inconsciente la obra y
la asimile como tal obra de arte, a continuación, para el disfrute total es necesario sienta cierta forma de placer ante la contemplación o el uso de dicha
obra.
Una persona puede asimilar y entender de forma inconsciente una obra si ésta es capaz de transmitirle un mensaje sensorial. Esto sucede con bastante
asiduidad por ejemplo al escuchar canciones en idiomas que desconocemos, pese a ello nos gustan y una letra triste nos provoca sentimientos tristes si está
bien construida y compartimos su mensaje.
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Dependiendo del número de personas a las cuales llegue un mensaje artístico, la obra de arte logrará o no su objetivo y tendrá más o menos éxito en su
difusión y asimilación a la cultura social global.
Finalmente, la falta de comunicación del mensaje del arte actual parece ser precisamente la causa de que, pese a que existen obras que alcanzan precios
multimillonarios en las grandes subastas de arte y su repercusión llega incluso a los periódicos de tirada diaria, no existe una repercusión real del arte en el
mundo "real" quedando como algo elitista, cursi e incluso feo o incomprensible, casos como el de Damien Hirst, un autor cuya obra alcanza cifras
millonarias en las subastas y que sin embargo es ampliamente desconocido incluso entre el grupo más o menos culto de los propios artistas. Una obra que
además es ampliamente criticada por su mas que probable falta de sentido artístico real, más allá del fenómeno puramente comercial
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EL ARTE COMO NOVEDAD
El ser humano se siente perdido en un mundo excesivamente predecible en el que nada se salta la lógica racional. Por lo tanto, existe una escasez de
estímulos externos, que provocan un estado de baja excitación intelectual. El ser humano disfruta con lo novedoso, a lo inverosímil en cierta forma. El ser
humano disfruta viajando, conociendo nuevos lugares, una realidad e incluso una racionalidad diferente, esto provoca en el ser humano un estado de
excitación de los sentidos y de la mente extraordinaria, provocando un estado de placer y de felicidad. El arte es parte de esa novedad y la degustación
artística pasa por una primera fase de experiencia metafísica, de catarsis como realidad totalmente diferente. El arte no pierde en parte la capacidad de
excitación mental, pero en la novedad, en lo nunca visto es donde el ser humano tiene más capacidad de recrearse y por lo tanto de disfrutar. No es difícil
cansarse de aquello que es rutina y el arte es así.
Pese a que la novedad es fundamental para la activación mental, un excesivo número de novedades efectúa el efecto contrario, de saturación de imágenes
y por lo tanto de falta de síntesis y de capacidad de asimilación estética por parte del ser humano. Esto se refleja en la actualidad en varios campos y un
ejemplo claro es el de la información, ya que ante el exceso de información, el receptor se siente desinformado. Es difícil que en un mundo donde el
consumo de imágenes es constante una imagen destaque por sí misma por encima de las demás, calando y modificando realmente la sociedad.
Así, para que el arte realmente quede impreso en la sociedad en necesario actuar de forma directa en ella misma. Para que una obra de arte funcione es
necesario llevar un punto de irracionalidad a un mundo tan profundamente racional. ¿Por qué no pueden colgar del techo de una casa cientos de latas de
conserva?
Irracional no tiene por qué ser sinónimo de absurdo, sino de libertad creadora y de degustación. Romper normas para crear experiencia artística. Así, las
Meninas de Velázquez, una obra plenamente realista y conservadora para el mundo actual, puede actuar como una obra innovadora y activadora del
intelecto si es colocada por ejemplo en un contexto diferente al que le es reconocible. Todo aquello que provoca experiencia artística es digno de ser
considerado arte, aunque sea una experiencia muy minoritaria.
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EL ARTISTA QUE SE CREYÓ DIOS Y ACABÓ SIENDO BUFÓN
Soy un artista y quiero cambiar el arte de ahora. El arte ya no comunica, ahora el arte solo vende. El arte debe unir y no separar; el arte debe eliminar las
fronteras y hacernos más felices. Ante el panorama de economía en crisis, de mundo en crisis y de valores en crisis se hace necesario cambiar nuestra vida.
Hay que crear una sociedad realmente libre e inteligente, una sociedad artística.
Pero ¿Qué le ocurre al artista de ahora? (Entre los cuales yo, por cierto, también me incluyo, que aquí nadie es un santo) Pues sucede que el artista de ahora
se cree un dios porque vende sus obras a cuatro papanatas y no se da cuenta de que no es más que un bufón que le ríe las gracias a esos que se visten de
rey. El arte de hoy se encuentra sometido al gusto de unos cuantos. Por cierto, unos cuantos que, casualidades de la vida, son dueños de los grandes lobees
del arte... Por qué será que me da que lo único que quieren esos del arte es sacar tajada económica.
Sucede que en una sociedad tan "democrática" como la actual, el arista sigue siendo el tipo raro que crea una obra de arte. Y que la mayoría, si quieren (que
normalmente no quieren a no ser que la que aparezca en el cuadro sea la duquesa de Alba) lo disfruten en las paredes del museo o la galería de turno y
poco más. Por cierto, que a esa mayoría o minoría que va al museo le da igual ir al teatro, ir al museo o darse un paseíto por las ofertas del Corte Inglés. Y es
que el arte ya no pasa de ser un producto de consumo más, como un suéter o una buena comilona regada con cerveza.
Y sucede por cierto y viniendo al caso, que ese mismo artista que se cree un dios y mira desde su alto trono de bufón, mañana puede estar en una cuneta
muerto de hambre porque ha pasado de moda. Porque el arte ahora es eso, una moda; por cierto bastante caprichosa.
Fíjense si la moda es caprichosa y es poderoso el señor don dinero, que mientras que muchos artistas buenos de verdad las pasan canutas (de esos están las
calles de las ciudades repletas) las grandes subastas se llenan de grandes mediocres que en muchos casos ni siquiera se manchan las manos para hacer su
próxima obra maestra. Total, con seguir las recetas del triunfo... Cualquier taller de subordinados te hace un animal en formol, mientras tú duermes la mona
de la última fiesta en una de las cien habitaciones de tu mansión inglesa.
Y me gusta tan poco lo que está sucediendo. Y me gusta también tan poco que la gente no se mueva ni para luchar por su puesto de trabajo. Que voy a decir
lo que pienso aunque lo que pienso sea tirar piedras contra mi propio tejado.
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Y es que, haciendo un inciso, yo soy uno de esos que venden arte, aunque me podrás ver con mis cuadros en la calle y no en las galerías. Y aunque mis
cuadros no valgan más dinero que una buena comilona. Pero lo soy, yo soy un artista-dios, uno de esos que lanza su idea ya terminada a modo de carroña a
cuatro cuervos que consideran que estoy de moda, a esos que me compran un cuadro en vez de comprarse el último call of duty para la Play station 3, que
viene a ser lo mismo.
Pero eso no es arte, porque a alguien se le olvidó enseñar desde pequeños a los niños en el cole que posiblemente junto con la historia, nuestra capacidad
para destruir nuestro entorno y poco más, sea lo más genuinamente humano que tenemos, que tal vez sea aquello que realmente nos diferencia como
especie de los otros animales. Lo que quiere decir, que solo unos cuantos, al hacer arte, demuestran que son seres humanos y no un grupo de chimpancés
traga-plátanos, con perdón por los chimpancés.
Debemos empezar a valorarnos más, a dejar de sentirnos poca cosa como individuo y a demostrar que si queremos, podemos quitar la careta a los artistas
que se creen dioses y dejarlos como lo que realmente son, seres humanos. El artista-dios ha muerto, comienza la era del artista-estimulador. Es el momento
de que aquellos que se encuentran subidos en su pedestal se bajen de él y comiencen a enseñar a los demás que el arte es cosa de todos, será precisamente
en ese momento, cuando todos hagamos éste mundo un poco más humano, cuando por fin habrá alguna esperanza de que este mundo puede ir a mejor,
hasta entonces, seguiremos tragando plátanos.
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EL CUADERNO AZUL:
INTRODUCCIÓN
El cuaderno azul es algo así como una especie de diario, o más bien de dietario, donde escribo diversas ideas propias sobre el arte, la cultura y
la existencia en general. El nombre de "cuaderno azul" viene del color de las tapas del dietario original donde escribo además siempre con tinta
azul.
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CARTAS A THÉO Y LA PÉRDIDA DE LA IDENTIDAD ARTÍSTICA

Martes, 3 de agosto de 2010. Sevilla
Estoy leyendo las "cartas a Théo" de Vincent Van Gogh, empecé ayer. Es curioso y, la verdad, no me agrada demasiado (teniendo en cuenta cómo acabó el
pobre Vincent) que por lo que cuenta en sus primeras cartas, nos parecemos, al menos en nuestras tristezas y en nuestras penurias.
También desde ayer, aunque técnicamente desde la madrugada de hoy, estoy intentando llevar a cabo una recopilación de lo que leo en pequeños
cuadernos, haciendo resúmenes que me ayuden a recordar las cosas que venga leyendo para que así me llenen más. Es, creo, un buen ejercicio, ya que a
veces me apena bastante la escasa memoria que me queda de cosas que me interesan y que me ayuden a ser, entre otras cosas, un mejor artista.
Precisamente empecé a realizar éstos resúmenes con las "cartas a Théo" y realmente es algo que me apasiona y de lo que, creo, puedo sacar bastante
provecho.
Además del "cuaderno rojo", que es el cuaderno de los apuntes sobre lo que leo y que es rojo por aquello de que son cosas de importancia. También he
empezado con éste otro cuaderno, que es el "cuaderno azul", el cuaderno sobre mis vivencias y de mis ideas, tanto de mis ideas estéticas, como artísticas y
también vitales. Es azul porque el azul es el color del espíritu, que es lo que vuelco en éstas páginas.
En ambos cuadernos voy a intentar exponer además de nuevas ideas y nuevos conocimientos, las cosas que tenía por otros sitios apuntadas, en hojas
sueltas, etc. Para así realizar a la vez cuadernos de recopilación de lo que ya se.
Al igual que Van Gogh, yo también espero que mi esfuerzo y mi trabajo den sus frutos y éstos dos cuadernos son ejemplos de éste trabajo; ya que existen
momentos, ciertas ocasiones en las que me pongo a pensar que toso esto no sirve para nada, que todo esfuerzo es en vano y entonces también pienso
"como metáfora" que para qué empeñarse en vivir, pero creo que son precisamente las expectativas, es decir, la espera de un cambio hacia mejor, lo que
precisamente me anima a mí, y mucha otra gente, a seguir hacia adelante.
Aunque haya personas que piensen lo contrario, yo siempre estoy haciendo nuevas cosas, y más y más cosas; dse lo contrario pensaría que el mundo me ha
derrotado y entonces ya nada valdría la pena. El único problema es que nada de lo que he hecho hasta ahora, ha dado los suficientes frutos como para
considerarse un éxito, por lo tanto, debo seguir intentándolo.
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Precisamente, si alcanzara por fin mis expectativas, pudiera suceder que llegara a la displicencia y la autocomplacencia. Como leí hace poco en un artículo
sobre Miquel Barceló; un gran artista que, según el escritor del artículo , tras alcanzar el mayor de los éxitos gracias a sus obras tremendamente cargadas de
sentimientos, había llegado a la autocomplacencia, a encerrarse en sí mismo y en su estilo, su etiqueta, convirtiéndose sus primeras grandes obras en
posteriores obras mastodónticas pero con un carácter vacuo y vacío de significado; perdiendo así importancia en el mundo del arte y convirtiéndose
prácticamente en un bufón.
No es precisamente un caso único en el mundo del arte, parece que en general el artista busca un estilo que sea como un "filón de oro" inagotable, algo que
llame la atención, que sea rompedor e increíblemente bueno, pero el problema es que casi todos los artistas explotan y sobreexplotan ese "filón" hasta que
pierde su significado y su valor. Al final, el artista intentará seguir vendiendo barro insistiendo en que se trata de oro; y como el artista ya estará en la cima,
como será idolatrado, alguien acabará comprando barro a precio de oro.
Hay infinitos ejemplos de éstos artistas, pero quizás el caso que más me duele, por ser precisamente uno de mis artistas favoritos, es Pablo Picasso. Es
simplemente increíble su capacidad de crear estilos y cambiar radicalmente hacia otro completamente diferente que tiene durante sus primeros años de
madurez y siguientes. Así pasa por un período azul, uno rosa, el “protocubismo”, el cubismo analítico, el cubismo sintético y su propio y personal cubismo
llamado vulgarmente estilo "picassiano", todo esto aderezado con etapas de vuelta a los estilos más naturalistas.
Pero sucede que sobre todo a partir de pintar "el Guernica", el que puede ser el gran canto de cisne del gran artista que Picasso llevaba dentro, su estilo se
vuelve más acomodaticio. Mientras en etapas anteriores era increíblemente sencillo encontrar grandes obras maestras, a partir de este momento sus obras
se vuelven vacuas y simplistas, poco elaboradas y trabajadas.
En ésta época Picasso ha dejado de vivir en la "bohemia" París para pasar la mayor parte de su tiempo en el castillo de "la Californiè", tiene dinero y
mujeres, y sus cuadros se exponen en los mejores museos del mundo. Sus mejores obras de ésta época pertenecen a los mal llamados estilos "menores" y
tienen un extraño tufo a pasatiempo de viejo burgués, son el grabado, las versiones de obras de viejos maestros en óleos de grandes dimensiones y sobre
todo la cerámica.
Personalmente puede que sienta un malestar excesivo hacia este Picasso de los "últimos" casi cuarenta años; pero resulta trágico pensar en lo que la
historia del arte y la propia humanidad han dejado de recibir por la actitud de Picasso. El arte de la primera mitad del siglo XX bailó al ritmo que marcó
Picasso; después de 1937 Picasso murió y otros tomaron su relevo.
Será porque soy pobre, pero no acabo de entender una actitud tan acomodada ante el éxito. Los artistas suelen ser mentes revolucionarias, pero su
"militancia" también suele desaparecer con el dulce sabor del dinero. Yo espero que si, por casualidad, alguna vez me llega el éxito, únicamente me sirva
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para animarme a realizar nuevos proyectos y experiencia que sin dicho éxito no puedo realizar. No niego que quiera mejorar un poco mi vida, pero no más
que para ser alguien muy normal. Mi necesidad de éxito es sobre todo mi necesidad de cambiar el mundo, no de cambiarme a mí mismo
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LA PÉRDIDA DE LA IDENTIDAD NACIONAL, EL KITSCH, LA LUNA

Jueves, 5 de agosto de 2010. Sevilla
La verdad es que lo que pinto, mi manera de pintar en todas sus épocas, siempre me ha arecido independiente y libre. Nunca me he regido por normas
cerradas ni me he visto limitado en mi expresión por la que a veces ha sido mi falta de conocimiento técnico, ni tan siquiera ésta razón ha limitado mi estilo
a, por ejemplo, tener la necesidad de crear obras únicamente con la necesidad de crear obras únicamente con el objetivo de mejorar mi calidad técnica.
Pero sí que tengo una queja, algo que aunque pudiera sonar limitador, es en realidad una expresión de libertad con la que siempre he tenido problemas, se
trata de mi incapacidad para tener un "estilo local"; yo soy sevillano, andaluz y español como podría ser parisino y francés. Me refiero a que no tengo rasgos
que me definan como perteneciente a una región.
Esto resulta en parte de mi deseo de buscar un lenguaje universal, un lenguaje de sentimientos y emociones y no de sentimientos locales, cerrados y
excluyentes, es decir, de localismos. Pero Lorca o Picasso nunca fueron localistas y sin embargo nunca perdieron sus raíces, un modo de volcar al mundo su
propia individualidad, su identidad. Además, precisamente nuestra región es una región cargada de historia y tradiciones arraigadas en una cultura muy
potente.
Pero éste defecto de falta de localismo no es exclusivamente mío como artista, sino de casi todos los artistas modernos en general y por extensión de casi
toda la sociedad, no solo andaluza o española, sino a nivel mundial.
Los artistas somos hijos de nuestro tiempo, incluso cuando se rememoran tiempos pasados en nuestras obras o se "copia" lo que nos rodea; el tiempo
presente nos atrapa, pues una época permite sólo unas pocas formas incluso de escapar a este tiempo.
Por ejemplo, Van Gogh o Caravaggio o El Bosco, se puede decir que fueron revolucionarios, diferentes, que supieron prever lo que quedaba por venir, pero
en realidad, en la pincelada "impresionista" de Van Gogh, en los temas de Caravaggio o en la misma forma de pintar, un poco primitiva, de El Bosco, se
reconocen los vestigios de una época, de un entorno concreto.
Eso pasa actualmente, no nos hemos librado de ello; el sino que manipula nuestro tiempo es la "globalización", la unificación de las formas, o incluso cuando
aún quedan formas, como aquellas que da la identidad a un pueblo, éstas han perdido casi todo su contenido y quedan para momentos especiales, como las
fiestas, donde cada pueblo cree recuperar las viejas costumbres o la tradición, pero no es mas que forma y como ya he dicho, carece de contenido.
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Cuando, por ejemplo, por lo que me toca, decimos los sevillanos que la feria de abril es única ¿de qué estamos hablando? La feria de abril es una fiesta de
alcohol y diversión, donde nos vestimos con trajes típicos. Por lo tanto no es tan diferente de las fiestas de la cerveza alemanas o las típicas ferias de pueblo
norteamericanas.
O incluso cuando tenemos fiestas auténticamente únicas, como puede ser en Sevilla y Andalucía la "Semana Santa" (que en realidad no deja de ser una
típica procesión de santos) Ésta ha perdido su significado, se ha convertido en el fondo en una diversión más, ya prácticamente no hay recogimiento y
verdadera devoción (base de dicha celebración), actualmente la devoción es falsa e idólatra. Actualmente no es más que ocio, tiempo libre que queda entre
negocio y negocio. El ocio es el "Circo Máximo" del siglo XXI, una gran lacra a nuestra imaginación.
En la actualidad es cada vez más complicado ser honesto con lo que cada uno es; a veces sufro porque veo que puedo no ser consciente de si mi arte puede
ser kistch, es decir, vacío de contenido. Quizás sólo el conocer, pero conocer de verdad, con avidez y desinteresadamente, quizás sea eso lo único que nos
puede permitir ser realmente únicos, saber qué es cada cosa y abandonar el kistch
Bueno, una de las pocas cosas que me devuelve la identidad en mis obras es la Luna, sí, la Luna, algo que pertenece a toda la humanidad y a nadie a la vez,
la vemos pero casi nadie puede alcanzarla. La Luna es universal, pero concretamente en Andalucía tiene una fuerza renovada; son innumerables los poetas
que le han cantado a la Luna, tenemos un pasado musulmán cuyo símbolo es éste astro. La noche andaluza tiene una fuerza especial, sobre todo en
primavera y verano. Cuando llega la noche acaba el calor sofocante y llegan los sonidos nocturnos de los pájaros y los insectos, llega la brisa que reconforta,
llegan los sonidos del agua y los olores a flores como el jazmín.
Además, en Andalucía somos Selénicos, es decir, adoradores de la Luna, desde siempre. Adoradores de la Luna como ente femenino, como diosa de la
fecundidad de nuestros campos, que son a su vez nuestras innumerables vírgenes María de la era cristiana. La Luna es la cultura de Andalucía, aquel astro
que permaneció en silencio, siempre igual sobre nuestras cabezas, mientras nuestro propio entorno cambiaba; antiguas civilizaciones construían caminos,
minas y casas que ahora son las colinas sobre las que se asientan nuestras propias ciudades. Pero la Luna sigue idéntica.
23
IMÁGENES
Alberto Espinal. Visual book, 2010
24
INTRODUCCIÓN:
Biografía
Nací en Sevilla el 21 de septiembre de 1984, ciudad donde actualmente resido.
Comencé a pintar hacia el año 2003, soy totalmente autodidacta.
Tras terminar bachillerato de humanidades decidí empezar a estudiar Escenografía entre los años 2006 y 2009.
Actualmente expongo los domingos en el mercado de bellas artes del museo.
Influencia
Algunos de los autores que de siempre más me han influenciado; aquellos que se pueden considerar mis maestros, son aquellos que vivieron en las
vanguardias, en especial autores como Picasso o Dalí.
También me han influenciado los temas y la filosofía del pintor austríaco Friedrich Hundertwasser, un autor relativamente desconocido y que tenía una
poderosa filosofía vital que nunca dejó de lado la importancia de la naturaleza en el mundo del ser humano. Tiene una monografía en la editorial Taschen.
Obra y estilo
Mi obra se puede caracterizar por la variedad estilística, no me gusta coartar mi expresión por un estilo artístico concreto. De todas formas, sí que existen
unas ciertas características recurrentes, como puede ser la investigación de nuevos materiales para crear texturas y apariencias ajenas a las propias de la
pintura. También existen temas o motivos habituales, como son las relaciones personales, la naturaleza o la arquitectura y la relación entre ellas.
25
OBRAS
26
LOS AMANTES DE ORIÓN
27
DESCRIPCIÓN
Cambio reciente en mi obra surgida a partir de la improvisación, usando pintura plástica mezclada con pintura satinada y creando asombrosos efectos.
Originalmente, la obra era una representación de la constelación de Orión sobre la que fui improvisado hasta que di con la idea final.
FICHA TÉCNICA
Técnica: Mixta (pintura plástica y pintura sintética)
Soporte: Tabla
Dimensiones (en cms.): 80x40
Precio: 120€
28
ÁNGEL ENTRE LOS ÁRBOLES
29
DESCRIPCIÓN:
Obra inspirada en el ángel de la estatua de Bécquer en el parque de Maria Luisa.
FICHA TÉCNICA
Soporte: Corcho y cartón sobre bastidor de madera
Precio: 150€
30
ÁRBOL CIUDAD
31
ÁRBOL CIUDAD
Una obra de significación compleja en la que superponen varios significados diferentes en diversas etapas de su realización y que ha acabado como una obra
semi-abstracta que ha vagado por los campos de mi subconsciente.
FICHA TÉCNICA
Técnica: Mixta (pintura plástica y pintura acrílica)
Soporte: Lienzo
Precio: 90€
32
CASCADA
33
DESCRIPCIÓN
Una cascada en un entorno artificial, la vida y la muerte. Lo nuevo y lo infinitamente viejo, porque el río nunca es el mismo y la arquitectura, aunque cambia,
da sensación de inmovilidad.
FICHA TÉCNICA
Técnica: Mixta (pintura acrílica, óleo y guache)
Soporte: Lienzo
Precio: 80€
34
CARA DE GATO
35
DESCRIPCIÓN
Cara abstracta de un gato que forma parte del tríptico formado por cara de gato, oreja izquierda de gato todo son pulgas y oreja derecha de gato con
pulgas.
FICHA TÉCNICA
Soporte: Lienzo
Precio: 120€
36
LA CERCANA AMENAZA
37
DESCRIPCIÓN
La cercana amenaza es la amenaza de lo que no se ve, de lo que viene de fuera y se desconoce.
FICHA TÉCNICA
Técnica: Mixta (guache y papel)
Soporte: Lienzo
Precio: 70€
38
COMETA DE CHIRICO
39
DESCRIPCIÓN
Inspirado en las figuras y los paisajes de Giorgio de Chirico. En ésta obra Las figuras "a lo De Chirico" son seres solitarios que no se comunican entre ellos.
Frente a dichos personajes el cometa, en la parte central y pintado de azul, representa a un alma libre que desea escapar de un mundo encorsetado,
individualista y superficial. Por eso se dirige hacia la ventana de la torre, ya que lo que se oculta tras ella es el mundo libre, lo que escapa del cuadro ya que
no está representado en él.
FICHA TÉCNICA
Técnica: Mixta (pintura acrílica y óleo)
Soporte: Lienzo
Precio: 100€
40
COMO NAVEGAR ENTRE LAS TRES PIEDRAS
41
DESCRIPCIÓN
Recuerdos de la infancia son los que hacen de este un cuadro muy sentimental donde el recuerdo del mar y la playa crean una imagen de fuerte carga
sentimental.
FICHA TÉCNICA
Soporte: Lienzo
Dimensiones (en cms.): 54,5x46
Precio: Colección privada
42
FRAGMENTO DE PAIS”AGE” DE LA HUMANIDAD EN LA TIERRA
43
DESCRIPCIÓN
Ésta obra, de apariencia abstracta puede resultar difícil de leer, de ahí que haya creado para ella un título tan complejo y, la verdad, extraño. El título
(fragmento de pais"age" de la humanidad en la tierra) hace referencia al origen del cuadro, es un fragmento de paisaje humano, que a la vez representa el
cambio de las edades del hombre, una humanidad con ya miles de años de antigüedad, así, mediante un gesto moderno como es la creación de un cuadro
abstracto enlazo con la materialidad de la naturaleza y con nuestro pasado, aquel momento en el cual nos encontrábamos unidos aún a ella y éramos
capaces de establecer un contacto místico con todas sus vertientes.
FICHA TÉCNICA
Soporte: Lienzo
Precio: 200€
44
HOMENAJE DEL SUBCONSCIENTE A LAS CASAS DE HUNDERTWASSER
45
DESCRIPCIÓN
Se trata esta obra de un ejemplo clásico de obra cuyo significado voy descubriendo a la vez que voy creando la propia obra. Sobre el lienzo original pegué
mediante la propia base de pintura plástica unos rectángulos de trozos de telas, posteriormente mi objetivo era crear formas de colores diferentes por todo
el cuadro, pero llegado a la mitad del cuadro, decidí cubrir la otra mitad totalmente de negro, ya que comenzaba a recordar a los edificios de
Hundertwasser, caracterizados por el colorismo de las fachadas.
FICHA TÉCNICA
Soporte: Lienzo
Precio: 350€
46
JULIO DE 2010: INVESTIGACIÓN PLÁSTICA
47
DESCRIPCIÓN
Se trata ésta de una obra completamente abstracta caracterizada por la búsqueda que últimamente estoy desarrollando en la búsqueda de
nuevos materiales y texturas, con el objetivo fundamental de eliminar la pincelada y convertir el cuadro en una obra material. Frente a la
destrucción de la naturaleza llevada a cabo, yo busco recrear una nueva naturaleza, totalmente humana, que nos ofrezca la posibilidad de
acercarnos de nuevo a ella.
FICHA TÉCNICA
Soporte: Lienzo
Precio: 120€
48
LASCAUX, CAS DU FELINS 1
49
DESCRIPCIÓN:
Un espectador casi invisible grabado en una pared pictórica observa los desconocidos símbolos que componen un cielo enigmático que nos
recuerda lo que un día fuimos.
FICHA TÉCNICA
Soporte: Lienzo
Precio: 100€
50
LAS LUNAS MONUMENTALES ARQUITECTÓNICAS
51
DESCRIPCIÓN
Cuadro reciclado sobre una obra anterior abandonada en la calle. Debido al formato, muy apaisado, lo más lógico habría sido realizar una obra apaisada,
como un paisaje o una obra abstracta. En vez de eso, pinté dos grandes edificios que caen hacia el centro, en el interior de los cuales pinté dos grandes
mujeres que debido al formato aparecen sobrecogedoras. No son seres agresivos, sino que se comportan como grandes diosas ante lo reducido de la escala
humana.
FICHA TÉCNICA
Técnica: Mixta (pintura acrílica, pintura plástica y óleo)
Soporte: Lámina de madera sobre bastidor
Precio: 170€
52
EL NACIMIENTO DE ATENEA
53
DESCRIPCIÓN
Obra inspirada en el mito que cuenta cómo atenea nace de la cabeza de Zeus. Es éste mito un tema recurrente en mi obra, ya que es una de las formas que
tengo de expresar artísticamente mi relación con los dolores de cabeza y migrañas con las que tengo que convivir cada cierto tiempo.
FICHA TÉCNICA
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Precio: 250€
54
PAISAJE PÍXEL
55
DESCRIPCIÓN
Obra inspirada en los píxeles de los videojuegos, así, únicamente mediante grandes rectángulos o píxeles de gran tamaño, separados en ocasiones por líneas
negras, recreo un paisaje de un mar y el cielo con el sol.
FICHA TÉCNICA
Técnica: Pintura acrílica
Soporte: Lienzo
Precio: 80€
56
PATATAS. APOLO Y LEDA
57
DESCRIPCIÓN
Patatas es la persistencia, de ahí el nombre del cuadro. Pues son infinitas las capas que dan a este cuadro una existencia, un vivir una historia que parece no
tener fin.
FICHA TÉCNICA
Técnica: Mixta (cuerda, masilla, pintura plástica, pintura acrílica, pintura sintética y óleo)
Soporte: Lienzo restaurado
Precio: 250€
58
REMEMORANDO A MARAT SUICIDADO
59
DESCRIPCIÓN
Como en una relación paranoico-crítica, mi mente crea mi imagen suicidado, relacionándola con la del cuadro de David "el asesinato de Marat". Pues para
mi mente el cuadro no representa a Marat asesinado, sino suicidado.
En éste cuadro, la curva forma espirales de apariencia "aurea", la espiral no es solo activación mental, sino exceso de fantasía, como si de un cuadro en
movimiento se tratara, provocando desorientación en un mundo de inspiración onírica. Las líneas de este cuadro pueden recordar a las de "el durmiente 2:
el sueño interrumpido".
FICHA TÉCNICA
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Precio: 500€
60
SIN TÍTULO
61
DESCRIPCIÓN
Sobre un paisaje de inspiración clásica y creado mediante veladuras se impone el mundo abstracto como el eterno debate entre modernidad y clasicismo
FICHA TÉCNICA
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
Dimensiones (en cms.): 40X50
Precio: 80€
62
SIN TÍTULO
63
DESCRIPCIÓN
Obra extraña, no sé muy bien qué es lo que expresa. Existen ocasiones en las que el arte habla con el artista sin que éste le responda, simplemente se
convierte en su marioneta.
FICHA TÉCNICA
Técnica: Mixta (Pintura plática, pintura sintética y óleo)
Soporte: Lienzo
Precio: 180€
64
SIN TÍTULO
65
DESCRIPCIÓN
Obra abstracta en la cual ensayé la técnica del “dripping” popularizada por Jackson Pollock.
FICHA TÉCNICA
Técnica: Pintura sintética
Soporte: Cartón pluma
Dimensiones (en cms.): 100x70 (aprox.)
Precio: Colección privada
66
LA TOALLA MOJADA
67
DESCRIPCIÓN
Una imagen bucólica con un toque humorístico, eso era la obra, actualmente perdida, que llevaba por título "la toalla mojada". Un lienzo que no era más
que eso, varias toallas en una playa, una de ellas mojada por la orilla del mar; una mujer acostada, un hombre sentado y un niño que juega con la arena.
FICHA TÉCNICA
Técnica: Mixta (pintura acrílica y pintura plástica)
Soporte: Lienzo
Precio: desaparecida
68
URBANIZACIÓN DE CASAS COMO EL MAR
69
DESCRIPCIÓN
Como en otros casos, en este lienzo abogo por la búsqueda de la curva en la arquitectura para activar el pensamiento, la "linealidad" de las propias curvas
que atraviesan el cuadro se rompen con la aparición de los numerosos círculos que conforman lo que sería el "marco" de las puertas.
FICHA TÉCNICA
Técnica: Mixta (pintura acrílica y óleo)
Soporte: Lienzo
Precio: colección privada
70
VIAJE A LA TIERRA
71
DESCRIPCIÓN
La tierra aparece en el centro del cuadro como un embrión, el embrión de la vida, rodeado por el espacio, las estrellas y otros planetas. Alrededor del
embrión, la capa más superficial (de color amarillo ocre) está quebrada como signo del peligro que corre nuestra vida en la tierra.
FICHA TÉCNICA
Técnica: Mixta (pintura acrílica, pintura plástica y pintura sintética)
Soporte: Lienzo
Precio: 150€
72
YERMA
73
DESCRIPCIÓN
Yerma es un cuadro andaluz, lo seco que representa mi tierra, porque en mi Andalucía todo está seco y cuarteado. Sobre éste desierto que es "Yerma" se
desplazan sombras que no son formas porque han perdido su razón.
FICHA TÉCNICA
Técnica: Mixta (barro, pintura plástica, barniz y óleo)
Soporte: Lámina de madera sobre bastidor y marco de madera
Precio: 300€
74
DATOS PERSONALES
Nombre: Alberto Espinal Rodríguez
Dirección de correo electrónico: liberaelarte@gmail.com
Número de teléfono: 692142860/954633131
EN INTERNET
Web personal: http://albertoespinal.es.tl/
Blogger: http://albertoespinal.blogspot.com/
En facebook: http://www.facebook.com/group.php?gid=359314747896 Buscar como Alberto Espinal (grupo)
75

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Alberto Espinal Rodríguez. liberaelarte@gmail.com Sevilla, Diciembre de 2010

Artículo I. INTRODUCCIÓN. Pág. 4

Artículo II. CUERPO TEÓRICO. Pág.5

Sección 2.01 TEORÍA ARTÍSTICA BÁSICA. Pág.6

Artículo III. IMÁGENES. Pág.24

Sección 3.01 INTRODUCCIÓN. Pág.25

Sección 3.02 OBRAS. Pág.26

(v) URBANIZACIÓN DE CASAS COMO EL MAR. Pág.69

TEORÍA ARTÍSTICA BÁSICA:

DERECHOS DE LA OBRA DE ARTE

TEORÍA BÁSICA SOBRE ARTE

“Frente a la línea recta, yo opongo curva, color y forma”

Altar de los astros: el Sol y la Luna.

“El espacio es el lugar desconocido, el lugar de los sueños”

El cometa esencial. Alberto Espinal, 2009

Altar de Gaya: la Tierra y la naturaleza.

“Gaya es el lugar del conocimiento”

Altar social: el altar del ser humano y la cultura

“La sociedad es nuestro lugar de desarrollo individual”

El altar social. Alberto Espinal, 2009

OTROS ENSAYOS SOBRE ARTE:

LA MUERTE DEL ARTISTA

EL ARTE COMO DROGA: LA EXPRESIÓN ARTÍSTICA EN EL SIGLO XXI

EL ARTE COMO NOVEDAD

EL ARTISTA QUE SE CREYÓ DIOS Y ACABÓ SIENDO BUFÓN

CARTAS A THÉO Y LA PÉRDIDA DE LA IDENTIDAD ARTÍSTICA

LA PÉRDIDA DE LA IDENTIDAD NACIONAL, EL KITSCH, LA LUNA

Nací en Sevilla el 21 de septiembre de 1984, ciudad donde actualmente resido.

Comencé a pintar hacia el año 2003, soy totalmente autodidacta.

Actualmente expongo los domingos en el mercado de bellas artes del museo.

LOS AMANTES DE ORIÓN

Dimensiones (en cms.): 80x40

ÁNGEL ENTRE LOS ÁRBOLES

Obra inspirada en el ángel de la estatua de Bécquer en el parque de Maria Luisa.

Soporte: Corcho y cartón sobre bastidor de madera

Dimensiones (en cms.): 60x40

Dimensiones (en cms.): 40x30

Dimensiones (en cms.): 30x20

Dimensiones (en cms.): 40x50

Dimensiones (en cms.): 30x40

Dimensiones (en cms.): 30x40

COMO NAVEGAR ENTRE LAS TRES PIEDRAS

Dimensiones (en cms.): 54,5x46

Precio: Colección privada

FRAGMENTO DE PAIS”AGE” DE LA HUMANIDAD EN LA TIERRA

Dimensiones (en cms.): 42x31

HOMENAJE DEL SUBCONSCIENTE A LAS CASAS DE HUNDERTWASSER

Dimensiones (en cms.): 54,5x46

JULIO DE 2010: INVESTIGACIÓN PLÁSTICA

Dimensiones (en cms.): 50x40

LASCAUX, CAS DU FELINS 1

Dimensiones (en cms.): 40x30

LAS LUNAS MONUMENTALES ARQUITECTÓNICAS

Soporte: Lámina de madera sobre bastidor

Dimensiones (en cms.): 159x57

Dimensiones (en cms.): 54,5x46

Dimensiones (en cms.): 30x40

PATATAS. APOLO Y LEDA

Soporte: Lienzo restaurado

Dimensiones (en cms.): 60,5x76

REMEMORANDO A MARAT SUICIDADO

Dimensiones (en cms.): 81x66

Dimensiones (en cms.): 40X50