LA MÚSICA EN EL CINE

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En la actualidad, el sonido en el cine es un hecho consumado y asimilado, de tal modo que 
lo  entendemos  como  indispensable  y  ligado  a  la  expresión  cinematográfica.  Hoy  la 
sonorización de una película no se considera una opción del director, y no es una novedad 
que  sorprenda  al  público;  incluso  podría  decirse  que  no  demasiadas  personas  lo  notan 
especialmente, excepto cuando se trata de la originalidad musical de una película. En los 
certámenes  cinematográficos  se  premia  el  mérito  técnico  en  la  sonorización  de  las 
películas pero no se repara especialmente en el uso creativo del sonido; a diferencia de la 
musicalización,  que  sí  se  reconoce  ampliamente:  incluso  la  música  original  de  muchas 
películas se comercializa con enorme éxito.  
 
El sonido en el cine resulta tan “normal” que no advertimos su valor estético o narrativo... 
hasta que vemos una película muda.  
 
 
 

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EL SONIDO ANTES DEL CINE SONORO

 

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Anteriormente  al  cine  sonoro  ya  existía  el  sonido  en  el  cine,  y  rara  vez  se  exhibían  las 
películas en silencio. 
 
Los  hermanos  Lumiére,  en  1897,  contrataron  un  cuarteto  de  saxofones  para  que 
acompañaran  sus  sesiones  de  cinematógrafo  en  su  local  de  París  y  hubo  compositores 
importantes,  como  Saint‐Saëns,  que  compusieron  partituras  para  acompañar  la 
proyección  de  una  película.  Las  primeras  películas  mudas  fueron  musicalizadas  por  una 
orquesta  de  vodevil  o  un  pianista  poco  experimentado,  pero  pronto  los  exhibidores 
notaron que su negocio tendría más éxito si contrataban intérpretes musicales de calidad. 
Muchos  músicos  y  compositores  tenían  su  fuente  de  ingresos  en  el  negocio  del  cine 
mudo. Los cines de ciudades pequeñas normalmente tenían un pianista para acompañar 
la  proyección;  los  de  ciudades  grandes  podían  tener  organistas  o  incluso  orquestas 
completas, que podían añadir efectos de sonido.  
No  sólo  la  música,  también  los  ruidos  (sonido  incidental)  y  acompañamiento  se  usaban 
para  “sonorizar”  al  cine  mudo,  por  lo  que  algunos  exhibidores  disponían  de  máquinas 
especiales  para  producir  sonidos  especiales  (por  ejemplo  tempestades  o  trinar  de 
pájaros). Claro que este sistema solamente era posible en grandes salas y en las ciudades, 
y generalmente no se usaba en pueblos o lugares alejados. Todos los instrumentos eran 
válidos  para  hacer  música  en  el  espacio  cinematógrafo,  aunque  el  piano,  la  pianola  y  el 
violín eran los más usados.  
 
Con  respecto  a  los  diálogos,  desde  1908  hasta  mediados  de  la  siguiente  década,  era 
común  que  la  voz  humana  acompañara  las  proyecciones  cinematográficas.  En  algunos 
lugares se contrataban actores que leían parlamentos en sincronía con la imagen. Según 

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pudiera  costearlo el empresario de  la  sala  cinematográfica,  había  un  solo  narrador  o  un 
grupo completo de actores.  
También  se  fabricaron  gran  variedad  de  instrumentos  especiales  para  efectos  sonoros 
que  ambientaban  el  cine  mudo,  hubo  innumerables  experimentos  con  máquinas 
reproductoras de sonido que siguieran la imagen. Los más exitosos fueron los aparatos 
que servían para sincronizar un disco con la imagen. Los altavoces de estos aparatos se 
ubicaban  cerca  del  proyector  o  a  un  lado  o  atrás  de  la  pantalla,  donde  el  sonido  se 
asimilaba mejor con la imagen proyectada. Sin embargo, un desfase entre el sonido y la 
imagen,  por  mínimo  que  fuera,  resultaba  desastroso  para  la  proyección,  con  la 
consiguiente protesta del público.  
 
Cuando  se  logró  grabar  en  el  celuloide  de  las  películas  una  pista  sonora,  fue  posible 
sincronizar el sonido con la imagen y, por lo tanto, hacer sonoro el cine. Una vez que el 
cine sonoro demostró su rentabilidad, las películas mudas quedaron relegadas a pasar a la 
historia, después de 35 años de fascinar a las audiencias.  
 

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LOS PROBLEMAS QUE TRAJO EL SONIDO

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1. Diálogos interminables: 

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Los problemas que provocó el sonido en la industria cinematográfica fueron muchos. La 
grabación de sonido era difícil, las cámaras tenían que grabar desde dentro de cabinas de 
vidrio;  los  estudios  debían  construir  escenarios  especiales  a  prueba  de  sonido;  las  salas 
requerían de un equipo nuevo y costoso; era necesario contratar escritores que tuvieran 
buen  oído  para  el  diálogo;  y  se  debía  encontrar  actores  cuyas  voces  pudieran 
reproducirse.  

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La primera tentación ante la aparición del sonido en el cine fue hacer hablar a los actores 
que  hasta  entonces  habían  permanecido  mudos  y  el  primer  error  fue  hacerlos  hablar 
demasiado. Los planos tuvieron que alargarse innecesariamente para darle tiempo a los 
actores para decir su parlamento, el cine de esta etapa de transición se convirtió en una 
especie de teatro filmado. Los equipos de sonido de la época exigían que la persona que 
hablaba se dirigiese al micrófono y a corta distancia. Los micrófonos se escondían en los 
floreros,  tras  las  cortinas  o  en  la  peluca  de  los  actores.  En  muchos  filmes  de  aquellos 
tiempos se puede apreciar el envaramiento de los actores y su extraña cercanía hablando 
con los objetos más diversos.  
 
 

2. ¡Mucho ruido!  
 
Por  otro  lado,  las  cámaras  hacían  mucho  ruido  y  las  filmaciones  debían  hacerse  en 
riguroso  silencio.  Los  micrófonos  lo  captaban  todo  y  al  mismo  tiempo  no  se  entendían 

correctamente  las  voces  de  los  actores.  El  operador,  encerrado  en  una  cabina 
insonorizada  no  se  enteraba  de  nada  que  no  veía,  lo  que  hacía  perder  agilidad  a  los 
movimientos narrativos.  
 

3. Pánico entre los actores  

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Asimismo, en el mundo de los actores se produjo el pánico, ya que temieron, y con razón, 
que sus voces no fueran adecuadas a los cambios, y todos fueron obligados a “pruebas 
de voz”. A pesar de que la mayoría de los actores superaban las pruebas, algunos actores 
famosos perdieron su atractivo por causa de su mala dicción, su acento muy pronunciado 
o porque su voz era aguda o muy débil. Charles Chaplin evitó hablar en dos películas ya 
sonoras:  Luces  de  la  ciudad  (1931)  y  Tiempos  modernos  (1936),  que  en  realidad  eran 
películas  mudas  con  músicas  y  efectos  ingeniosamente  sincronizados.  Chaplin  no  habló 
en la pantalla sino hasta  El gran dictador (1941).  

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ETAPA DEL CINE MUDO (1895-1927)

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Los hermanos Lumière  crearon el cinematógrafo en 1895. El considerado el primer film 
proyectado en una sala, fue  Llegada de un tren a la ciudad, estrenado en una sala de París 
en  1896.  El  público  asistente  llegó  a  caerse  de  sus  asientos,  pensando  que  realmente 
estaba entraba un tren en la sala.   
 

 
Cinematógrafo de los Lumière 

      

 

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En  la  misma  década,  en  EEUU,  el  conocido  inventor  Thomas  Alva  Edison  (inventor  del 
fonógrafo  o  la  bombilla,  entre  otros),  creó  el  Kinetoscopio  en  la  década  de  1890.  En 
realidad,  el  kinetoscopio  ponía  en  movimiento  imágenes  creando  películas  breves,  de 
pocos segundos, pero que en principio fueron pensadas para un visionado particular con 
monedas.   
 

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Improvisada. 
O arreglos de repertorio clásico. 

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Al  comienzo  no  existían  salas  especialmente  diseñadas  para  la  proyección,  por  lo  que 
estas se hacían realmente en los teatros. Las proyecciones eran acompañadas de música, 
generalmente un piano o una pequeña orquesta, que daba vida a las imágenes y tapaba el 
ruido de los proyectores. Esta música que interpretaban podía ser: 

Tiempos modernos – Charles Chaplin (1936) 

 

 
También  durante  el  rodaje,  dado  que  los  actores  debían  expresarse  durante  toda  la 
película  únicamente  con  gestos,  se  solían  contratar  pianistas  que  tocaban  mientras  se 
rodaban    las  escenas,  ayudando  a  los  actores  a  entrar  en  situación  y  conseguir  mayor 
expresividad. 

INICIO DE LA ERA DEL CINE SONORO

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En 1926 se estrenó en Nueva York la película Don Juan, en la que se sincronizaba la imagen 
con  un  disco  fonográfico  separado  donde  se  incluían  efectos  sonoros  y  una  partitura 
musical. Pero la era del cine hablado se declara inaugurada hasta finales de 1927 con The 
Jazz  Singer  (El  cantante  de  Jazz),  producida  por  la  empresa  cinematográfica  Warner 
Brothers.  A  esta  película  muda  se  añadieron  cuatro  secuencias  musicales  sincronizadas, 
en las que el actor Al Jonson cantaba y luego decía varias líneas de diálogo. Esta película 
tuvo un enorme éxito.  
La primera película totalmente sonora, Lights of New York (Luces de New York), se estrenó 
un año después. 
 
La  transición  del  cine  mudo  al  sonoro  fue  tan  rápida  que  muchas  películas  distribuidas 
entre 1928 y 1929, que habían comenzado su proceso de producción como mudas, fueron 
sonorizadas después para adecuarse a una demanda apremiante. Pronto se descubrieron 
las ventajas de la postsincronización (el doblaje, los efectos sonoros y la sonorización en 
general que sigue al montaje), que permitía la manipulación del sonido y de la música una 
vez  rodada  y  montada  la  película.  Es  a  comienzos  de  la  década  de  los  30  cuando  en 
Hollywood se experimentó por primera vez con el rodaje de largas secuencias sin sonido, 
añadiéndolo posteriormente para resaltar la acción.  
 
El primer ejemplo de música incidental, lo logró Max Steiner en 1933, con la música para 
King  Kong,  cambiando  para  siempre  la  historia  del  cine.  Esta  música  que  no  venía  de 
ningún lugar en pantalla, le proporcionó a la película una gama de temas que representan 
a los personajes y que el espectador puede seguir para ir entendiendo la trama. 
 
 

 
King Kong (1933) – Película con música de Max Steiner 

 

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      Ginger Rogers y Fred Astaire 

   
 
          Gene Kelly – Cantando bajo la lluvia 

 

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Las productoras de cine encontraron en el teatro musical la fuente de sus nuevos filmes, 
contratando actores que, además de saber expresarse combinando el lenguaje oral con el 
gestual, contribuyeron a conseguir que la adaptación cinematográfica de los espectáculos 
de  Broadway  fuera  todo  un  éxito.  Estas  películas  musicales  contaban  con  un  gran 
presupuesto, coreografías espectaculares y una calidad musical excepcional. 
 
Destacan  en  este  apartado  actores  y  actrices  como  Fred  Astaire,  Ginger  Rogers  o  Gene 
Kelly. 
 

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Películas destacadas del género musical son, entre otras, West Side Store, My Fair Lady, The sound 
music, Cabaret, Grease, Fama…  
 
También  las  películas  de  animación,  especialmente  las  producciones  de  Walt  Disney,  convierten 
sus películas casi en musicales. 

LOS PRIMEROS MAESTROS:

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LA DÉCADA DE LOS 30 Y LOS 40

Hollywood  se  convirtió  en  el  lugar  de  triunfo  para  muchos  músicos  americanos,  pero 
también  para  los  europeos,  formados  en  academias  y  herederos  del  movimiento 
impresionista, como el ya citado compositor austriaco Max Steiner, autor de melodías tan 
conocidas como las de Lo que el viento se llevó (1939), del western Murieron con las botas 
puestas, (1941) o Casablanca (1943). 
 

Otro compositor austriaco, Erich W. Korngold, fue premiado con un Óscar por Robin de 
los bosques (1938), cuya música subraya casi todos los pasajes de la acción, mezclándose 
con los diálogos y creando una especie de ‘ópera cinematográfica’. 

Destacan  también:  el  ruso  Dimitri  Tiomkin,  compositor,  entre  otras,  de  la  música  de 
películas como Duelo al sol (1946);  Alfred Newman 1 , con  Cumbres borrascosas (1940); y el 
compositor de música culta  Sergei Prokofiev, quien colaboró con el séptimo arte en la 
obra  Alexandr Nevsky (1939) o en  Iván el terrible (1944). 
 
Bernard Herrmann, considerado uno de los mejores compositores de bandas sonoras de 
la historia, comenzó su carrera con la BSO de Ciudadano Kane (1941). Colaboró con Alfred 
Hitchcock en varias películas:  El hombre que sabía demasiado (1956), Vértigo (1958),  Con 
la  muerte  en  los  talones  (1959),  Psicosis  (1960),  Los  pájaros  (1963)...  Es  destacable  su 
manera de subrayar con la música las escenas de terror y suspense.  
 

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MÚSICOS DE LOS AÑOS 50 Y 60:
 

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Durante estas dos décadas, la música de cine se renueva e incorpora estilos no sinfónicos. 
Sobre  todo  durante  los  años  60,  temas  procedentes  del  Jazz  y  el  Rock  comienzan  a 
utilizarse como música instrumental para crear la BSO de muchas películas. Tras los éxitos 
de grupos como The Beatles en el panorama musical, a finales de los años 60 comenzaría 
un  boom  de  películas  cuyas  canciones  tenían  fines  exclusivamente  comerciales,  creadas 
para obtener beneficios con su posterior venta en discos.  
 
 Algunos  músicos  norteamericanos  lograron crear  melodías  que  pasaron  a  la  historia  de 
manera  independiente,  y  que  se  convirtieron  en  éxitos  de  ventas  en  el    mercado 
discográfico. Uno de estos autores es Elmer Bernstein, autor de Los diez mandamientos 
(1956),  Los siete magníficos (1960) o La edad de la inocencia (1992). 
 
También  Jerry  Goldsmith,  de  la  escuela  de  Bernstein,  destacó  por  sus  melodías  para  El 
planeta de los simios (1968), Patton (1970), La profecía (1976) o Alien el 8º pasajero. 
 
El  británico  Malcolm  Arnold  compuso  la  melodía  más  silbada  de  la  historia  del  cine  en 
1958, para  El puente sobre el río Kwai. 
 
 

‐ Músicos italianos: 

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A la orquesta convencional se le unieron instrumentos como el bajo, la guitarra eléctrica y 
la  percusión.  Henry  Mancini  escribe  a  música  para  Desayuno  con  diamantes  (1961)  y 
muestra un claro estilo jazzístico en La pantera rosa (1964). 
 
Otro  italiano  destacado,  Nino  Rota,  colaboró  con  Fellini  y  Visconti,  integrando 
magistralmente  la  música  popular  italiana  en  sus  obras.  Son  muy  importantes  sus 

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Alfred Newman compuso la fanfarria que sirve de sintonía para la productora Fox. Obtuvo 9 Óscars y estuvo 
nominado otras 36 veces.

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El gran Ennio Morricone 

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composiciones  para  La  dolce  vita  (1959),  Amarcord  (1973)  y  Casanova  (1976),  con  Fellini, 
aunque es reconocido por la música de la trilogía de  El padrino  y Romeo y Julieta (1968). 
 
El autor más conocido para el gran público es Ennio Morricone  2 , cuya carrera comienza 
con  la  colaboración  con  Sergio  Leone  en  numerosos  spaghetti‐western  y  remata  en 
Hollywood, donde sigue trabajando. Cabe citar La muerte tenía un precio (1965),  El bueno, 
el  feo  y  el  malo  (1966),  Novecento  (1976),  La  misión  (1986),  Los  intocables  de  Elliot  Ness 
(1987) o Cinema Paradiso (1988). 
 
 

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LA DECADENCIA DEL GÉNERO:

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DESDE LOS AÑOS 70 A LA ACTUALIDAD

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A  partir  de  la  década  de  los  setenta,  existen  muchos  músicos  profesionales  que  se 
dedican  casi  exclusivamente  al  mundo  del  cine,  incorporándose  a  este  negocio  que 
proliferó con la edición de las músicas de películas en discos.  
 
Un ejemplo es el británico John Barry, con notables éxitos de ventas, como Desde Rusia 
con amor (1963), Cowboy de medianoche (1969), Memorias de África (1985) o Bailando con 
lobos (1990). 
 
Pero sin duda un maestro muy prolífico desde los años 70 y que destaca por su capacidad 
para  vender  sus  productos  es  John  Williams.  En  1975,  el  director  Spielberg  confió  en 
Williams en su film Tiburón. Esta exitosa película y su memorable banda sonora le valieron 
a Williams su segundo Óscar. En la misma época período, Spielberg le recomendó a John 
Williams  a  su  amigo  y  colega  George  Lucas,  que  necesitaba  un  compositor  para  su 
2

 Morricone ha sido nominado en 5 ocasiones a los premios Óscars, pero sólo ganó uno honorífico, recibido en 
2006. Ha compuesto cerca de 500 trabajos para el cine y continúa trabajando en la actualidad. 
 

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ambiciosa  película  épica  espacial,  Star  Wars  (1977).  Williams  utilizó  una  gran  orquesta 
sinfónica (la O.S. de Londres), a la manera de Richard Strauss y compositores de la edad 
de oro de Hollywood, como Erich Wolfgang Korngold y Max Steiner. El tema principal  de  
La guerra de las galaxias  3 , se convirtió en uno de los más popularmente conocidos en la 
historia de las películas de cine, y temas como el de la princesa Leia y el de la Fuerza son 
claros  ejemplos  del  uso  de  leitmotiv.  Con  esta  composición,  Williams  ganó  su  tercer 
Óscar.  Es  autor  también  de  obras  como  Superman  (1978),  Indiana  Jones  (1981),  E.  T.  el 
extraterrestre (1982), La lista de Schindler (1993) o las películas de  Harry Potter. 
 
 

 
John Williams y Steven Spielberg 

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Muy  compenetrado  con  los  estilos  de  estos  dos  compositores  está  James  Horner, 
responsable  de  las  músicas  de  El  nombre  de  la  rosa  (1986),  Braveheart  (1995)  o  Titanic 
(1997). 
 
En las últimas décadas, surge en el cine otra corriente de música minimalista que reúne a 
autores como Michael Nyman, autor de la música de El marido de la peluquera (1990) o    
El  piano  (1993),  o  Philip  Glass  compositor  da  música  de  Las  horas  (2002)  y  El  ilusionista 
(2006). 
 
 
 
 
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‐ Músicos franceses: 

Destaca Georges Auric, compositor clásico y autor, entre outras, de La bella y la bestia 
de J. Cocteau (1946) e Moulin Rouge (1953).  
Maurice Jarre, conocido por las bandas sonoras de Lawrence de Arabia (1962), Doctor 
Zhivago (1965), Único testigo (1985) o Ghost (1990). 

La banda sonora de Star Wars vendió más de 4 millones de copias, haciéndolo uno de los álbumes no‐pop más 
exitosos en la historia de la música grabada, y la banda sonora sinfónica más vendida de la historia

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George  Delerue  es  autor  de  melodías  tranquilas  que  llegan  de  forma  muy  directa  al 
espectador,  como  en  Paseo  por  el  amor  y  la  muerte  (1961).  Es  autor  también  de  la 
música de  Platoon (1986). 
Ya  en  el  año  2004  tuvo  mucho  éxito  la  música  de  Bruno  Coulais  para  Los  chicos  del 
coro. 

LA MÚSICA EN EL CINE EN ESPAÑA

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La  música  de  cine  en  España  se  nutrió  durante  un  tiempo  de  los  compositores 
procedentes del ámbito clásico, que también trabajaron en el mundo de la televisión y la 
radio.  Sobresalen los compositores:   

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Antón García Abril, autor de música para comedias como Sor Citroen (1967), o Los 
santos  inocentes  (1984).  También  produjo  numerosas  sintonías  para  series  de  la 
TVE, como  El hombre y la Tierra. 

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Carmelo Bernaola, más conocido por ser el autor de la sintonía de La Clave  y de 
Verano Azul. 

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Roque  Baños,  a  quien  debemos  títulos  como  Torrente  (1998),  el  musical    El  otro 
lado  de  la  cama  (2002),  El  maquinista  (2004),  Alatriste  (2007),  Los  crímenes  de 
Oxford (2008) o  Celda 211 (2009) 

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Alberto  Iglesias,  colaborador  habitual  de  Julio  Médem  y  Pedro  Almodóvar. 
Algunos de sus trabajos son:  Los amantes del círculo polar (1998), Lucía y el sexo 
(2001),  Hable con ella (2002), El jardinero fiel (2005) y  Volver (2006). 

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José Nieto, autor de Carmen (2003) o Los girasoles ciegos (2008). 

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En la actualidad destacan tres nombres en el panorama de la música para cine, ganadores 
todos ellos de premios Goya  a la mejor música original: 

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Gracias  a  los  avances  informáticos,  también  algunos  directores,  como  Alejandro 
Amenábar, componen la música para sus propias películas. 
 
 
 

 
En esta web puedes consultar y escuchar todas las BSO premiadas con 
un Óscar  durante la historia de estos galardones. 
 
 
 
 

TIPOS DE SONIDOS UTILIZADOS EN EL CINE

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Música  no  diegética  o  incidental:    es  aquella  complementaria,  que  adorna  todo 
aquello  que  los  espectadores  pueden  ver  en  la  pantalla,  pero  desde  una  fuente 
ajena, externa, nunca localizable en la realidad vivida por los personajes. 

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Música diegética o accidental: es la que forma parte de la acción de la película y se 
escucha  dentro  de  la  escena.  Por  ejemplo,  la  melodía  que  los  personajes  oyen  a 
través  de  una  radio,  la  música  de  una  orquesta  que  toca  en  la  película  o  una 
canción cantada como parte del film. 

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Para definir todos los sonidos que complementan las imágenes de las películas, podemos 
utilizar el término acusmática; el origen de esta palabra  se remonta a los discípulos de 
Pitágoras, quienes escuchaban sus lecciones sin verlo: la idea era que se concentraran en 
su voz y no en su imagen. Esta situación dio lugar a la utilización de la palabra acusmática 
como  aquella  q  ue  define  una  situación  en  la  quese  escucha  un  sonido  sin  ver,  sin 
reconocer, su fuente.  
 
Esto  implica  un  cambio  radical  en  la  forma  de  escuchar.  Sin  darnos  cuenta,  solemos 
escuchar  un  sonido  e  inmediatamente  pensamos  en  qué  o  quién  lo  está  generando.  Es 
muy difícil tratar de explicar como es un sonido sin asemejarlo a alguna fuente sonora, a 
un instrumento, sea de los tradicionales o no. 
La  acusmática  sólo  fue  posible  desde  que  comenzaron  a  grabarse  los  sonidos,  y  es  un 
recurso imprescindible en la historia de la música en el cine. 
 
 
 
La música incorporada en la banda sonora cinematográfica es un elemento narrativo más, 
que  da  coherencia  al  desarrollo  de  la  acción,  ambienta  geográfica  o  históricamente  el 
relato, matiza las emociones mostradas, marca el ritmo, presta coherencia a los diálogos 
y sonidos, fija el sentido de continuidad y remarca el género del argumento, sea éste un 
divertimento de acción, un asunto terrorífico, una comedia o un melodrama romántico. 
 
 
Hay dos tipos de música presentes en un film: 

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La música del cine terminó denominándose ‘banda sonora’, cuando en realidad la banda 
de sonido, además de la música, incluye los diálogos, los ruidos y los efectos sonoros. A 
pesar  de  su  incorrección,  el  término  banda  sonora  se  ha  ido  imponiendo  en  la  industria 
discográfica para definir las grabaciones que incluyen los temas principales de la música 
de  un  film.    Los  sonidos  utilizados  para  los  efectos  especiales  solían  ser  realizados  por 
otro profesional, y no por el compositor de la música del film.  Hoy en día se localizan en 
bancos o bibliotecas de sonidos. 
 
La música no diegética (incidental) puede usarse con diversas finalidades: 
 

a. Ambientar las épocas y los lugares en los que transcurre la acción. 
b. Establecer el ritmo en una secuencia de imágenes. 
c. Definir  las  características  de  los  personajes:  la  música  puede  ayudar  a 
acentuar o explicar las emociones o estados de ánimo de cada personaje. 
d. Implicar emocionalmente al espectador, influyendo  sobre los sentimientos 
que despierta una secuencia de imágenes concreta. 
e. Subrayar el sentido de las imágenes que aparecen en la pantalla. 

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Además,  el  compositor  puede  emplear  técnicas  especiales,  como,  por  ejemplo,  el 
leitmotiv,  recurso  musical  ya  utilizado  en  las  óperas    wagnerianas,  que  consiste  en  un 
motivo melódico, tímbrico, etc., que se identifica con un personaje o con una situación. 
Cada  vez  que  el  personaje  aparece  en  la  pantalla  o  que  se  hace  alusión  al  mismo,  se 
escucha su correspondiente leitmotiv, con o sin pequeñas variaciones. 

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COMPONENTES DE UNA BANDA DE SONIDO
 

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La  banda  de  sonido  se  realiza  durante  la  posproducción,  y  consta  de  3  componentes 
básicos: 
• Los  diálogos:  que  se  pueden  grabar  mediante  la  toma  de  sonido  directo,  o,  más 
frecuentemente,  en  el  estudio.  Este  último  caso  se  da  sobre  todo  en  las  tomas 
exteriores, y los intérpretes tienen que grabar de nuevo sus voces en el interior del 
estudio de doblaje. 
• Los efectos de sala:  una vez tomadas las imágenes, se procede a la sonorización en 
el estudio, grabando todos de la película. Algunos efectos sonoros se obtienen a 
partir  de  grabaciones  almacenadas  en  ‘bibliotecas  de  onidos’,  pero  otros  son 
realizados por especialistas (conocido como  effect man) . 
• La música de ambientación:  es aquella que refuerza las características expresivas 
o dramáticas de la imagen. Algunos directores deciden sobre las bandas sonoras 
para  su  película  desde  el  inicio.  Otros,  encargan  la  música  una  vez  terminado  el 
rodaje, mientras se montan las imágenes.  

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La música se incorpora a la banda de sonido de la película, junto con los diálogos de los 
actores y los efectos de sala. La mezcla final, realizada por el editor de doblaje en estudio, 
destacará  unos  planos  sonoros  sobre  otros  de  acuerdo  a  las  necesidades  expresivas  de 
cada escena. 
 

OTROS RECURSOS EXPRESIVOS

 



Música empática: la música concuerda con las imágenes, participa en la escena. 
Música anempática: La música no participa en la escena y sigue su curso de manera 
independiente.  Por  ejemplo,  se  produce  mientras  Hannibal  Lecter  asesina  a  un 
policía con música de Bach, o en Extraños en un tren. 
El llamado Decorado sonoro, muy utilizado en el cine, son todos aquellos sonidos 
que contribuyen a crear el ambiente necesario para una secuencia. 

Manipulación dEl tiempo:

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Otros procedimientos que sirven para afectar al transcurso del tiempo en una película 
son: 
• Suspensión: el sonido se suspende bruscamente, creando una sensación de vacío y 
misterio. 
• Extensión:    ambiente  sonoro  que  rodea  al  personaje;  el  espectador  escucha  los 
sonidos del ambienta que rodea al protagonista de la escena, o incluso más allá del 
lugar de la escena. 
• Deslizador: la  música cubre y enlaza grandes periodos de tiempo. 
• Congelación:  contrario al deslizador, este recurso hace que el tiempo se dilate de 
manera no creíble, mientras que la música se escucha a tiempo real. 
 

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El cliché

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El cliché es una composición que responde y está construida en base a unos patrones y 
códigos  que  generan  en  nosotros  una  respuesta  inmediata.  El  usar,  por  ejemplo,  los 
violines sobreagudos en la escena de la ducha de Psicosis, o las dos notas graves repetidas 
en accelarando y crescendo en Tiburón, generan en el público, inevitablemente, temor en 
la 1ª película y sensación de acecho en la 2ª.  
 
También se usa la instrumentación como cliché, como, por ejemplo, utilizando trompetas 
y trompas para películas romanas, o la caja para películas de guerra.  
 
El uso desmedido y excesivo de los clichés pueden provocar la reacción contraria, y que el 
resultado sea increíble o demasiado previsible. 
 
Con respecto a los instrumentos, este cuadro muestra las características asociadas a los 
mismos para acompañar escenas de cine: 
 
 

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