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Antecedentes

El conceptualismo nació y se desarrolló en Nueva York, 1967, por uno


de sus principales precursores, Sol Lewitt (n. 1928), surgio como una
reacción en contra del formalismo que había sido articulado por el
influyente crítico Clement Greenberg. Sin embargo, desde las
décadas de 1910 y 1920 el trabajo del artista francés Marcel
Duchamp serviría como precursor, con sus trabajos llamados ready-
made daría a los artistas conceptuales las primeras ideas de obras
basadas en conceptos y realizadas con objetos de uso común.

El conceptualismo se basa en un dogma central; la obra de arte es


un concepto o idea antes de ser un objeto material. Si se entiende el
concepto que le da forma física a la pieza de arte entonces se
entiende y se justifican los materiales utilizados, así como la
intención misma. El arte conceptual ante todo busca comunicar algo.
Hay obras en donde la intención del artista y el discurso empleado,
crean un lenguaje y una respuesta del espectador, todo esto junto
puede ser la totalidad de la obra misma. El espectador y su
interactividad con la obra son parte fundamental.

El artista Sol LeWitt likzae describió así el arte conceptual:

En el arte conceptual la idea o el concepto es la parte más importante


del trabajo. Cuando un artista utiliza una forma conceptual de arte,
significa que todo el planteamiento y las decisiones están hechos de
antemano; la ejecución es un asunto superficial. La idea se convierte
en una máquina que hace el arte.

El arte conceptual emplea habitualmente materiales como la


fotografía, mapas y vídeos. En ocasiones se reduce a un conjunto de
instrucciones documentando cómo crear una obra, pero sin llegar a
crearla realmente; la idea tras el arte es más importante que el
artefacto en sí.

Otro elemento a resaltar de esta tendencia es que requiere una


mayor implicación del espectador no solo en la forma de percibirlo
sino con su acción y participación. En función de la insistencia en el
lenguaje, el comentario social o político, el cuerpo o la naturaleza
dentro de este arte encontramos líneas de trabajo muy diferentes:
body art, land art, process art, performance art, arte povera…

Este movimiento hace una crítica a la comercialización del arte, o a lo


que nombran arte para venderlo a un precio sobrevaluado. Por esto el
conceptualismo le da más valor a la idea que al objeto material con
la intención de atacar al mercado del arte, en el cual el individuo
con mayor poder adquisitivo, controla y califica las nuevas
manifestaciones artísticas. De este concepto han surgido formas
artísticas como fluxus y el mail art.

Jessica Diamond, Sol LeWitt


and Lawrence Weiner
Do-It-Yourself, 1993
Sol LeWitt
Cubos de color sobre color 2003

Joseph Beuys
Ja, Ja, Ja, Nee, Nee, Ne, 1970

Barbara Kruger
Jan Dibbets
Business of Punishment
Untitled, 2004 by Consolidated,
1994

Exponentes
Sol Lewitt

Artista estadounidense. Estudia en la Universidad de Syracuse de


1945 a 1949. De 1951 a 1952, se dedica al servicio de la armada
estadounidense, colaborando en campañas en Japón y Corea, donde
tiene la oportunidad de ver templos y jardines orientales. En 1953 se
traslada a Nueva York, trabajando como diseñador gráfico para el
arquitecto I. M. Pei (1955 - 56), a la vez que comienza a pintar.

LeWitt comenza su carrera a principios de los 60, cuando se buscaba


crear un "arte nuevo". En 1963 empieza a realizar estructuras
abstractas en blanco y negro que con el tiempo proyecta en el
espacio. Este dibujante y grabador se caracterizó por sus estrictas
formas geométricas de diversos colores y la creación de cubos de
acero o con barras o en forma de jaula. Este fue el tema central de
sus primeras exposiciones. Los críticos se burlaban a veces de que el
artista viajaba a ver sus exposiciones para enterarse él también de
cómo habían quedado sus obras. Lo que ocurría era que muchas
veces LeWitt sólo realizaba los bocetos, pero la pieza en sí la
elaboraba su equipo de ayudantes. De acuerdo a cómo lo hacían,
resultaba una obra distinta.

Sus obras comprenden trabajos en dos y tres dimensiones, desde


pinturas murales (más de 1200) a fotografías y centenares de dibujos
y estructuras en forma de torres, pirámides, formas geométricas, y
progresiones. De diferentes tamaños, desde maquetas a estructuras
monumentales. Su obra se caracteriza por tomar al cubo como unidad
fundamental de sus proyectos escultóricos: estructuras sistemáticas a
partir de elementos base que llegan a nosotros convertidos en
complicadas redes visuales donde incluye permutaciones de
elementos simples que tratan de proyectar, en un espacio dado, la
noción de organización, residiendo lo esencial de la obra en su idea o
concepto, alcanzando así, una descomposición perceptiva del orden
conceptual en caos visual. Sus estructuras multicompartimentadas,
abiertas, sin acristalar, le colocan junto a Donald Judd y Robert Morris
en la primera línea del minimalismo.

LeWitt desarrolló también una forma particular de murales, que llamó


'Wall Drawings'. El sistema de pintura se fundaba en los colores
básicos amarillo, rojo, azul y gris, que eran aplicados de forma directa
en la pared con movimientos circulares en capas transparentes. Los
dibujos debían ser interpretados no como un cuadro individual, sino
como parte de la arquitectura de la sala.

Junto con sus cuadros, LeWitt realizó muchas esculturas geométricas


de diferentes materiales, como madera, acero o plexiglás. Algunos
ejemplos son 'Structures' (1973), una especie de escalera formada
por una serie de cubos de madera huecos, hechos sólo de marcos
blancos, o '122 Variations of Incomplete Open Cubes' (1974), formada
por 122 esculturas de madera pintadas de blanco, combinada con
131 dibujos enmarcados colgados en las paredes.

Jan Dibbets

Nacido en 9 May 1941, Weert, es un artista conceptual alemán.


Dibbets fue instruido como pintor en la Escuela de Arte en Londres,
St. Martins y por Jan Gregoor en Holanda. Él esta asociado con los
movimientos land art y arte conceptual de los 60’s y 70’s y así obtuvo
reputación internacional. Su obra esta principalmente relacionada con
la luz, observación, perspectiva y espacio. Es conocido por su trabajo
en corrección de perspectiva a través del uso de la fotografía. Usando
cinta en una superficie plana, Dibbets forma un cuadro o rectángulo
para explotar la ilusión de perspectiva que es creada por una cámara.
Esto crea una segunda ilusión del cuadro, existente simultáneamente
fuera y dentro de la pintura plana.

En 1994, el fue comisionado por la asociación Arago para crear una


estatua del astronomo francés Francois Arago, conocido como
Homenaje a Arago. Dibbets puso 135 medallas de bronce en el suelo
alrededor del el meridiano de París entre los límites norte y sur de
París. Sus trabajos se encuentran en museos de todo el mundo,
incluyendo Stedelijk Museum, Amsterdam, Solomon R. Guggenheim
Museum, New York, De Pont Gallery en Tilburg, y el Van Abbemuseum
en Eindhoven.

Dan Flavin

Nacido el 1 de abril de 1933, Jamaica, fue un artista minimalista de


América, famoso por la creación de esculturas mediante tubos de
neón que generaban un ambiente determinado y propiciaban
cambios en la percepción visual.

Flavin estudió historia del arte por corto tiempo en la Nueva Escuela
para Investigación Social y después se cambió a la Columbia
University en donde estudió pintura y dibujo. Fue el primero en
concebir la utilización de luz eléctrica como una forma de arte en
1961, el mismo año se casó con su primera esposa Sonja Severdija.
Su primera exposición individual se celebró también en 1961, en
Nueva York la Galería Judson.

Sus primeros trabajos que incorporaban luz eléctrica eran sus series
de íconos: ocho cuadros coloridos en forma de caja, construidos por el
artista y su entonces esposa Sonja. Estos eran tubos con bombillas
incandescentes adheridas a sus lados y a veces con el borde biselado.
Uno de estos íconos fue dedicado al hermano gemelo de Flavin, quien
murió de poliomielitis en 1962.
El "Diagonal Personal de éxtasis (la Diagonal de 25 de mayo de
1963)," terminado en 1963, fue el primer trabajo maduro de Flavin, el
cual marca el inicio del uso exclusivo de la de luz fluorescente como
un medio de comunicación.

En las décadas que siguieron, siguió utilizando las estructuras


fluorescentes para explorar el color, la luz y el espacio escultórico, en
las obras que llenaban los interiores de las galerías. La mayoría de las
obras de Flavin no fueron tituladas, seguido de una dedicación en
paréntesis a sus amigos, artistas, críticos y otros: el más famoso de
estos incluye su "Monumentos a V. Tatlin", un homenaje al escultor
constructivista de la Federación de Rusa. Flavin se casó con su
segunda esposa, la artista Tracy Harris, en una ceremonia en el
Museo Guggenheim, en 1992.

Su última obra de arte es un sitio de trabajo específico en S. Maria


Annunciata en Chiesa Rossa, Milán, Italia. La iglesia de 1930 fue
diseñada por Giovanni Muzio. El diseño de la pieza se completó dos
días antes de la muerte de Flavin el 29 de noviembre de 1996. Su
instalación se completó un año más tarde con la asistencia del Dia
Center for the Arts y la Fundación Prada.

Flavin falleció en Riverhead, Nueva York.

On Kawara

Pintor japonés. De formación autodidacta, es artista destacado de la


Escuela de Arte Grotesco que se impone en Tokyo en los años
cincuenta; sus obras intentan expresar una visión sarcástica de la
realidad. Con sus series "Cuarto de baño", "Raza amarilla" y "Hechos
acumulados" (1952), se da a conocer internacionalmente,
caracterizándose por la representación de cuerpos fragmentados que
parecen flotar en el espacio, con un estilo violento y cruel.

A principios de los sesenta marcha a Estados Unidos, enfocando su


obra hacia el arte conceptual; a partir de entonces muestra una
constante obsesión por circunscribir la noción y las experiencias del
tiempo en su obra, subrayando así la duplicidad de lo temporal (la
plenitud del tiempo dado y su huida irremediable). On Kawara realiza
diariamente pinturas de fondos monocromos con la fecha en blanco
encima, todas los cuadros son realizados con la misma metodologia
que involucra multiples capas de pintura y un obsesivo cuidado del
detalle, la fecha se escribe a la manera del lugar donde sea pintada y
si no es culminada antes de la media noche es destruida. Ejemplo de
ello es Pinturas con fecha, realizada en 1966.

On Kawara se sitúa en un cruce entre la Cultura Oriental y el


Pensamiento Occidental; en su obra se reúnen, por un lado, el
discurso auto reflexivo del arte conceptual, mediante la unión del
signo lingüístico con el objeto estético. Por el otro, en su registro
meditativo del paso del tiempo, Kawara nos remite a la práctica
japonesa de observar los cambios temporales.

La filosofía es uno de los principales ejes de su obra; no existe


glamour qué leer. Para algunos ojos sus piezas podrían estar
aludiendo a la nada pero, contrariamente, este aparente vacío lo
contiene todo: ser y tiempo como unidad fundacional de la existencia.
En este sentido, no hay más significado que el tiempo mismo y la
memoria de su transcurso. La medición del tiempo es propia del ser
humano. No existe en ninguna otra estructura u organismo vivo de la
tierra este complejo sistema de meses, días, horas y segundos. Al
final, el artista escamotea algunos detalles y se nos presenta como un
ser humano inexistente, un fantasma que hace partícipe al mundo de
sus acciones en días específicos o momentos concretos, sin darnos
más referencias de su persona.

En el curso de las décadas no existe una amplia variedad de


soluciones en su producción dado que se ha mantenido en un
limitado número de series desde los años sesenta. Tampoco la obra
de On Kawara puede catalogarse como una amplia colección de
espectaculares o bulliciosas piezas, más bien es un conciso archivo
que documenta su vida y puede verse como el ejercicio de una
disciplina de acero.

Asimismo, su decidido aislamiento personal ha marcado su trabajo y


estilo de vida. Evita las obligaciones del circuito artístico: no da
entrevistas, jamás asiste a inauguraciones, no existen fotografías de
él, su biografía es muy escasa, simplemente marca el número de días
que ha vivido; es el gran desconocido o, como él lo menciona, “yo no
existo”.

La única biografía publicada del artista es la que se presenta en el


catálogo de la exposición Produktion eines Jahres en la Kunsthalle de
Bern, Suiza. Esta muestra fue un punto de referencia importante para
su cronología y para la introducción de su obra a la escena del arte
contemporáneo del siglo XX. El único dato que aparece en esta es: On
Kawara, artista japonés, 25,712 días (hasta 1974, fecha de la
exposición)

De los pocos detalles de la vida de On Kawara, uno de los que puede


ser más cercano a nuestra cultura es su visita a México. Gracias al
trabajo de su padre como director de una compañía de ingeniería
japonesa en nuestro país, On Kawara salió de Japón por primera vez
en 1959 y llego a la Ciudad de México. Inmediatamente después se
inscribió en la Academia de San Carlos y entre otras actividades
colaboró en la realización de un mural en las instalaciones de dicha
escuela. A su vez, durante su estancia de cuatro años en nuestro país
recorrió distintos puntos de territorio mexicano.

En Mayo de 1968, On Kawara viajó nuevamente a la Ciudad de


México e inició dos importantes series que continuaría por varios
años: I got up y I went. Este trabajo registraba, respectivamente, la
hora exacta en la que se había levantado y sus movimientos a lo
largo del día. Una meticulosa compilación de direcciones tomadas a
partir de una hora específica.

Antes de realizar estas series, Kawara ya había expuesto en México.


En 1961 tuvo una exhibición individual en el Salón de la Plástica
Mexicana titulada El extraño sueño de la señora Bibi y en 1962 8
Decoration-cakes sobre los muros blancos en la Galería Proteo. Ese
mismo año participó en la exhibición colectiva 5 nuevos pintores en la
Galería Jacobo Glantz.

Shusaku Arakawa

Pintor, artista de performances y cineasta japonés. Estudió medicina y


matemáticas en la universidad de Tokio (1954-8) y arte en la
universidad de Musashino, tras lo que desarrolla una pintura basada
en los problemas para definir el pensamiento flotante.

Es fundador, junto con otros, del grupo Neo–Dada Organizers en


Tokyo, realiza su primera exposición en solitario en el Museo Nacional
del Arte Moderno de Tokio en 1958. En 1960 participó en las
actividades del 'contra-arte' de los organizadores de neo-dadaismo-
dadaismo en Tokio y produjo sus primeros Happenings. Estos trabajos
causaron un gran escándalo en Tokio.

Si bien es cierto que su actividad queda centrada en Nueva York,


donde se traslada en 1961; aquí da a conocer su serie Diagramas,
realizada a partir de la colocación sobre el lienzo de objetos
corrientes que rocía de pintura con pistola, dejando sobre éste su
silueta. En los años setenta abandona la delineación, sustituyendo las
imágenes por palabras, tratando de estimular la imaginación pictórica
de espectador mediante lo que él mismo denomina “blank”: “un
estado en formación indeterminado”. Se trata de grandes lienzos en
los que las palabras se yuxtaponen, produciéndose constantes
transformaciones que fingen gran cantidad de significados, invitando
a un análisis especialmente agudo.

Bibliografía:

• http://www.masdearte.com/item_movimientos.cfm?noticiaid=74
• http://en.wikipedia.org/wiki/Jan_Dibbets
• http://www.elmundo.es
• ww.arteuniversal.com
• www.arteven.com