HISTORIA DEL CINE ESPAÑOL Existe una imagen negativa de los españoles hacia el propio cine español.

Además se conservan pocas películas españolas. La primera filmoteca del mundo de fundó en Suecia en 1933. En el resto de Europa y Estados Unidos aparecen a lo largo de los años 30. En España la filmoteca se creó en 1953, 20 años después de la primera. En Valencia se crea en los años 80. Las filmotecas se encargan de conservar el patrimonio cinematográfico, de restaurar y divulgar las películas. El material de la película es muy inestable y perecedero, por eso debe de tener una buena conservación. El 80% de las películas que se realizaron entre 1894 y 1914 a nivel mundial se han perdido. En España se ha perdido el 90% de las películas en ese mismo periodo. 1. ¿QUÉ ES EL CINE ESPAÑOL? Depende del criterio que se utilice consideraremos a una película cine español: • Geográfico: española es aquella película que ha sido filmada en territorio español. Este criterio no es correcto y no nos sirve. • Lingüístico: película española es aquella filmada en lengua española. Este criterio tampoco es correcto, porque las películas rodadas en Latinoamérica se hacen en español y eso no significa que sean españolas. Por lo que este tampoco sirve. • Personal o biográfico: una película es española si su autor es español. A veces este criterio sirve y otras no. Es el ejemplo de Buñuel, que aunque trabajó parte de su vida en Francia y México, consideramos españolas sus películas. • Social: mucha gente ve el cine español como un género cinematográfico. • Político: vinculado al espíritu y nacionalismo. • Económico: es el criterio oficial. La nacionalidad de una película depende de la productora que la ha financiado. Las coproducciones hacen que una película sea de dos o más nacionalidades. En la asignatura utilizaremos varios de estos criterios, según nos convenga. 2. EL PROTOCINE ESPAÑOL 3. 1. EL SIGLO XIX: LA LLEGADA DEL CINE A ESPAÑA El término protocine hace alusión al cine de los primeros tiempos. El protocine español es el cine que se realiza desde que llega a España hasta que se consolida en 1914 − 15. En España no había una tradición importante de elementos pre − cinematográficos. El cine llega a España en Mayo de 1896, con el cinematógrafo de los Lumiere. Lo traen los cámaras y operadores de los Lumiere, con la intención de venderlo. El cinematógrafo era una cámara tomavistas, una moviola y un proyector. Como demostración proyectaban cortos de los Lumiere. Antes de la llegada del cinematógrafo en España ya estaba funcionando el kinetoscopio de Edison. Se pensaba que la primera película rodada en España por un español era Salida de misa de doce del Pilar de Zaragoza de Eduardo Jiménez, rodada en 1896. Pero no es posible que se rodara en 1896, ya que el cinematógrafo no se comercializó en España hasta Mayo de 1897, y se sabe que fue rodada con un cinematógrafo porque tiene un orificio en cada fotograma (característico del cinematógrafo). Así que como mínimo la película fue rodada en Mayo de 1897. Se barajan varios nombres sobre cuál fue la primera película del cine español, es reivindicado por varias ciudades, pero hoy todavía no se sabe quién ni dónde fue rodada la primera película. 1

El cine español en sus orígenes tuvo muchos cineastas pero de una sola película, porque no funcionaba económicamente. Muchos fotógrafos se hacen cineastas, algunos artesanos intentan realizar sus propias cámaras, también los pintores (sobre todo los retratistas) se pasan primero a la fotografía y luego al cine. Solo una mínima parte de estos cineastas consiguió tener una continuidad en el cine. España en esta época era un país tercermundista: el 50% de la población era analfabeta y el 60% trabajaba en el sector primario. Cuando empieza a surgir la incipiente industria cinematográfica en España, surge dependiente de Francia: se comparaba el material en Francia e imitaban las películas realizadas en Francia, a los Lumiere. Las películas de la primera época del cine no tienen como objetivo la narratividad sino impactar al espectador a través de imágenes: el cine de atracciones. Este tipo de cine será el predominante hasta 1907 − 08 aproximadamente cuando lo más importante pasará a ser la narratividad y las acrobacias y los efectos especiales pasarán a un segundo plano. En 1914 se reafirma el relato clásico con Griffith. Había dos capitales cinematográficas en España: Barcelona y Valencia. Barcelona es el foco principal durante varios años de la cinematografía española y Valencia fue hasta 1914 la segunda capital más importante del cine, gracias a la productora Casa Cuesta, cuyo dueño era Antonio Cuesta, propietario de una droguería. Las droguerías eran en ocasiones laboratorios de revelado y muchos de sus dueños eran también fotógrafos. Es el caso de Cuesta, que además vendía fonógrafos. Cuesta establece un laboratorio de revelado de películas a cuyo frente coloca a uno de los cineastas más importantes en esta época en Valencia, Ángel García Cardona, que anteriormente había sido fotógrafo. Cuesta se especializó en documentales, casi todos de tauromaquia (60%). Para la casa Cuesta trabajan muchos cineastas. ÁNGEL GARCÍA CARDONA Ángel era un fotógrafo de los más reputadas de Valencia que montó su propio cinematógrafo llamado Cinematógrafo del fotógrafo Ángel. Es el primero en revelar películas y exhibir las películas como complemento de espectáculos. Al principio eran documentales: vistas panorámicas, escenas naturales y reportajes de actualidad. EL CIEGO DE LA ALDEA, Ángel García Cardona, 1906 Una niña y su abuelo ciego pasean por la aldea y van pidiendo limosna. Una pareja de ricos les da una moneda, hecho que es observado por un grupo de hombres que decide secuestrar a la mujer y hacerle chantaje al marido a cambio de que les firme un cheque. Finalmente la niña y el anciano ciego consiguen liberar a la mujer y los secuestradores son detenidos por la policía que ha sido alertada por el marido. Es una película protoclásica, que combina el melodrama policíaco y de aventuras costumbrista. Existe una voluntad de inaugurar caminos genéricos en el todavía primerizo cine español. El ciego de la aldea se inspira en las narraciones populares de la época, que dotan a la película de un ingenuo realismo. Mantiene algo de cine de atracciones. Los exteriores son naturales y los interiores fueron rodados en un plató con decorados. Sucesión de planos − secuencia. El primer plano de la película: primer plano de la niña y su abuelo: plano emblemático toda la película es en plano general. El primer plano es como una presentación de los protagonistas. El montaje es clásico. Hay un contraste entre los exteriores naturales (Godella) con la artificialidad interior (pinturas) y la niña que es exagerada en su interpretación. Los gestos de los personajes evocan el teatro popular practicado en Valencia. Copia a Méliès (decoración artificial) y está ya un poco desfasado. En el sentido narrativo es clásico. El plano en que la guardia civil coge a los malos se caracteriza porque se quedan quietos para enfatizar el clímax de la película. La película muestra a un país aquejado por un atraso industrial y un llamativo subdesarrollo económico y político. La película conectó con el público y disfrutó de una gran acogida, llegando incluso a Francia.

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Además de la productora Casa Cuesta, en Valencia, destacan las productoras catalanas Hispano Films, Barcinógrafo y Studio Films. Hispano Films fue fundada por Ricardo Baños y Albert Marro, el productor español más importante debido a sus conocimientos y dominio de los idiomas. Barcinógrafo fue fundada entre otros por Adrià Gual, pintor, ilustrador y poeta del s. XIX. Gual pretendía adaptar al cine las grandes obras literarias y teatrales, a imagen y semejanza de la productora francesa Film Art, para que fueran interpretadas y dirigidas por gente del teatro y que así la gente, sobretodo las clases altas, apreciaran el cine y lo valoraran, dándole prestigio. Adrià Gual abandonó la productora porque no se sentí identificado con lo que se estaba realizando. 3. 2. ENTRE DOS SIGLOS: LOS PIONEROS DEL CINE ESPAÑOL Entre los cineastas que lograron tener continuidad en el mundo del cine destacan: Segundo de Chamón, Eduardo Cano y Fructuós Gelabert, junto con los hermanos Baños. FRUCTUÓS GELABERT Cineasta catalán, nacido en Barcelona. Era ebanista. Él mismo se construyó su propia cámara tomavistas y proyector. Fue uno de los primeros cineastas en intentar el cine de color y el cine en relieve. Con el tiempo acabó olvidado, fracasado y ciego. Destacan películas suyas como Riña en un café (1897) primera película con argumento del cine español, Salida del público de la Iglesia Parroquial de Santa María de Sants (1897), Terra Baixa (1907), Amor que mata (1909) o Guzmán el bueno (1909). AMOR QUE MATA, Flructuós Gelabert, 1909 Una pareja no puede casarse debido a que el pasado de la madre de la mujer se lo impide, porque es una deshonra, y una mujer les hace chantaje. La muchacha muere de amor, porque el pasado de su madre le impide casarse con su prometido. La película tiene un carácter romántico. La película destaca por su dinamismo, madurez y calidad. El título de crédito únicamente tiene el nombre de la película, ni de los actores y del director. Tanto los interiores como los exteriores son reales. El mobiliario es real. La iluminación es solar, y el contraluz es natural gracias a la iluminación externa. Planos americanos. Se observa un plano en el que el personaje masculino se dirige hacia el coche de caballos, a través de una puerta decorada al estilo modernista. Cuando el coche de caballos va por la calle, la cámara no está fija, lo sigue hacia atrás, es un travelling. Además el coche se ve de arriba abajo, es un contrapicado. Se acaba el plano y volvemos a la cámara fija cuando baja del carruaje para pasar a un plano general. Después hay un primer plano con valor informativo porque enfoca un cartel. El color cambia dependiendo de si está en el interior de la casa o en el exterior, y no está aplicado a mano, son tintes de celuloide. Cuando cambia la secuencia donde vemos a la mujer que manda los anónimos observamos que también cambia a un color rosado y en el de la enamorada a un color verde. Juega con la iluminación interior y el exterior natural. La película tiene una concepción muy moderna por los planos. Fructuós habla en sus memorias de la película una comedia dramática. SEGUNDO DE CHOMÓN Nació en Aragón en 1871 en el seno de una familia culta y con suficiente dinero. En la España tercermundista de la época, Chomón consigue estudios de secundaria, es criado en una cultura intelectual y se gradúa en Ingeniería. En 1895 viaja a París, año en el que se presenta en cinematógrafo de los Lumière. En París se enamora de una actriz francesa de segunda fila llamada Julienne Mathieu, con la que se casa al dejarla embarazada. Debido a la falta de dinero y a la imposibilidad de Chomón de encontrar un trabajo en Francia por no saber bien francés, regresa a España donde se alista en el ejército voluntario para viajar a Cuba. Al ser inteligente y 3

saber escribir, lo hacen escribiente y no tiene que entrar en combate. En 1899 se licencia y regresa a Francia, donde su esposa en su ausencia, había estado trabajando en el taller de pintura de fotogramas de Georgés Méliès. Su esposa le consigue trabajo en el taller y en él comenzará su carrera en el cine. ETAPAS DE CHOMÓN EN EL CINE • ETAPA DE APRENDIZAJE: 1899 − 1902. La realiza en Francia. Chomón trabaja en el taller de Méliès junto a su mujer, y en él aplica sus conocimientos a la creatividad. Inventa una nueva forma de colorear las películas mucho más rápida y eficaz utilizando plantillas. En un segundo de proyección hay unos 12 fotogramas. Se dedicó también a los intertítulos en el departamento de diseño, intertítulos que realizaba muy elaborados. Durante esta etapa Chomón aprendió todo lo que pudo sobre el funcionamiento de la industria cinematográfica francesa: los Lumiere, Méliès y las compañías Gaumont y Pathé. • ETAPA EN ESPAÑA: 1902 − 1905. Chomón regresa a España, concretamente a Barcelona, donde ejerce de representante comercial de la casa Pathé y se encarga de la traducción de los rótulos franceses al castellano y del coloreado de películas, que luego devolvía a Francia. Chomón le propone a Alberto Marro formar una asociación, en la que Marro pondría en capital y él la creatividad y la cámara que compró en Francia. Está asociación funcionó al principio muy bien debido a todas las cosas que tenían en común los dos. Primero imitaban a los Lumiere y a Méliès. Luego realizaban documentales y temas populares o históricos. Chomón realiza películas utilizando por primera vez maquetas, como en el caso de Choque de trenes. Rueda varios cuentos fantásticos inspirados en los cuentos de la editorial Caleja, donde explora la doble exposición y las sobreimpresiones para conseguir en el mismo plano efectos de gigantismo en películas como Pulgarcito y Gulliver en el país de los Gigantes, ambas de 1903. También en esta época perfecciona la técnica del paso de manivela, que consiste en obtener tomas fotograma a fotograma. EL HOTEL ELÉCTRICO, Segundo de Chomón, 1905 Un matrimonio llega a un revolucionario hotel en el cual todo se realiza de forma automática: las maletas van por sí solas hasta el ascensor y del ascensor hasta la habitación: pañuelos, camisas y pantalones se van colocando ordenadamente dentro del armario, los zapatos del hombre se deshacen solos y son limpiados por un cepillo dotado de vida propia; un peine peina por sí solo el cabello de la mujer (papel interpretado por la mujer de Chomón, Julienne). Las cosas empiezan a ir mal, no obstante, cuando el operario del hotel encargado de la animación de los objetos comienza a manipular los controles bajo el efecto del alcohol y el hotel se convierte en una casa de locos en el cual todos los objetos se mueven solos. El final es humorístico, catastrófico y pesimista. En 1905 realiza esta película que supone su carta de presentación como cineasta de peso en otros países. El Hotel eléctrico es la primera película de animación de la historia del cine. El cine de animación reproduce el movimiento virtual de los objetos y los seres inanimados. Chomón se convierte en el pionero del cine de animación cinematográfico. El hotel eléctrico es la película más conocida de Chomón, y recoge buena parte de su repertorio de trucos. Es una película de ciencia −ficción, la ciencia es la coartada de los elementos sobrenaturales. En este caso, la electricidad es la coartada de esta película. Tiene un tono de denuncia, la aplicación mal utilizada de la electricidad provoca el caos. Chomón emplea la técnica del stop motion: técnica de movimiento virtual conseguida con ligeras variaciones de fotograma a fotograma. Este efecto simula movimiento mediante la proyección sucesiva de fotografías fijas tomadas de elementos estáticos fotografiados en diferentes fases de descomposición de un movimiento. Las películas de este tipo no fueron muy rentables porque su grabación se prolongaba muchos días. Tiene animación hecha a mano, como unos rayos que se producen cuando el empleado del hotel toca los mandos de la electricidad. En una secuencia la pareja envía una carta a sus padres escrita en francés, lo que demuestra que está película iba dirigida a los productores franceses.

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• ETAPA EN FRANCIA: 1905 − 1909. Chomón envía El hotel Eléctrico a la casa Pathé, que le ofrece un contrato tentador para hacer la competencia a Méliès. Chomón regresa a Francia con su familia, donde comienza su nueva etapa. En su retorno a París Chomón encontrará en la Pathé todo lo necesario para investigar y poner en práctica sus innovaciones técnicas y su pasión por la experimentación, que irán desde la filmación fotograma a fotograma, los planos zenitales y los movimientos invertidos hasta los encadenados, la utilización de los caches, las tomas de diferentes proporciones y las sobreimpresiones. La libertad que tenía Chomón en la Pathé y las excepcionales condiciones de trabajo de la compañía explican en buena parte la frenética actividad del cineasta español en diversos campos, no sólo en dos de los géneros de más éxito en la época, como son los filmes fantasmagóricos y las escenas de transformaciones, sino también en el terreno de la animación. Durante esta etapa realiza 90 cortometrajes en la línea de Méliès, a veces plagiándolo como en El Viaje a Júpiter, copia de Viaje a la Luna, y a veces superándolo. Realiza cine de atracciones, donde lo importante es impactar al espectador con efectos especiales. Durante esta etapa también realiza adaptaciones de cuentos infantiles como La gallina de los huevos de oro. EL TEATRO ELÉCTRICO DE BOB, Segundo de Chomón, 1908 Unos niños montan un teatro con muñecos animados. Los muñecos realizan varios deportes. Integración de elementos animados con personas reales. La película está pintada. La electricidad justifica que los muñecos se muevan solos. El gallo es el logotipo de Pathé. METELPSICOSIS, Segundo de Chomón, 1909 Aparecen una serie de personajes que van desapareciendo mediante el truco de sustitución: que consiste en aprovecha la detención momentánea de la filmación para modificar algún elemento del campo visual encuadrado por la cámara antes de continuar dicha filmación, de modo que el cambio entre la toma previa a la parada y la toma siguiente se produzca de forma brusca y sin solución de continuidad. Tanto Méliès como Chomón afirman haber inventado el truco de sustitución o de parada. Aparece la mujer mariposa y la asociación de la mujer con la flor, en marco de arquitectura típicamente modernista. • 2ª ETAPA EN ESPAÑA: 1910 −12. A partir de 1907 las productoras apuestan de manera decidida por acercar el nuevo arte a las clases más acomodadas y a los intelectuales de la época con adaptaciones literarias y teatrales de obras clásicas, y Pathé le rescinde el contrato a Chomón, que vuelve a España. En España, Chomón se convierte en productor y adapta zarzuelas al cine, realiza documentales y películas de asunto popular, cómicas, históricas, melodramas y fantásticas. Las limitaciones económicas, técnicas y comerciales del cine español, a años luz de las posibilidades y de la libertad creativa que había conocido en la Pathé, llevarán finalmente a Chomón a abandonar Barcelona. • ETAPA EN ITALIA: 1912 − 23. La productora Italo Films, en Turín, lo contrata. Chomón no sólo vuelve a contar con absoluta libertad, sino que es el director de su propio equipo técnico, formado por cuatro personas, y centrado de manera específica en el trabajo de fotografía, iluminación y trucajes de las producciones de los directores de la compañía, entre los que destaca por encima de todos Pastrone, máximo responsable de una de las mayores superproducciones del cine mudo italiano, Cabiria. En Cabiria Chomón se encarga no sólo de la realización y filmación de maquetas, de los efectos de iluminación más complicados, de los efectos especiales y de las principales tareas de revelado y positivado, sino también de los movimientos de cámara. Chomón era el técnico mejor pagado y el más valorado. Entre otras películas es el director de Cabiria de Pastrone. El inicio de la Primera Guerra Mundial afectará decisivamente el desarrollo de la industria cinematográfica italiana, y supondrá, en un período de tiempo relativamente corto, la hegemonía a escala mundial de la producción, la distribución y la exhibición norteamericana. • ETAPA INTERNACIONAL: 1923 − 27. Trabaja en Francia y en España. En Francia entre otras películas es el director de fotografía de Napoleón de Abel Gance, y en España de El Negro que tenía el alma blanca. Chomón caerá gravemente enfermo y morirá en París poco tiempo después, el 2 de mayo de 5

Se decía que el cine pecaba de teatralidad. De forma clandestina realizaron películas eróticas encargadas por el Conde de Romanotes para Alfonso XIII. También contribuyó a la creación de una industria nacional. Segundo de Chomón fue un técnico minucioso y perfeccionista. Influencia teatral. y fue contratado por las más importantes empresas cinematográficas de la época. Pedro era el rey de Castilla y lucha contra su hermano. Destacan películas como Don Juan Tenorio de la cual realizan 3 versiones (1902. También flash − back o anañepsis y montajes de acciones paralelas. hasta tal punto que los protagonistas saludan como si estuvieran en el teatro. En esta época había problemas por la censura que se inicia en España en 1912 para controlar el contenido de las películas. Al finalizar la primera secuencia se le da más dinamismo. Fue uno de los más importantes pioneros del cine de fantasmagorías de la época. desde el coloreado de películas. vemos que el espía se ha enterado de la conspiración. lo cual le sirvió de aprendizaje. que trabajó para los más importantes directores y productores de aquella época en Francia. Se cambia el plano general por el plano americano. Sangre y arena (1916. A partir de ese momento Ricardo se convierte en el director de Hispano Films y su hermano el operador de cámara. Sus películas son bastantes buenas. experimentaría con sistemas de cine en color. Están en un ambiente campestre con árboles reales. Con 13 años el rey Alfonso XIII comienza a reinar. Sucesos de Barcelona (1909). cuyo repertorio incluye la utilización de maquetas. doble exposición. se deja de lado la teatralidad y salen al exterior. En estos momentos el cine es dominado por Francia. Ricardo se inicia en el cine trabajando para Gaumont en París como un simple asalariado. Habla de la guerra civil contra los Trastámara. de Blasco Ibáñez). que invertía meses en conseguir los efectos deseados. El inicio del cine es teatral. escamoteos y el uso de la velocidad de paso de manivela. Los hermanos realizan cine histórico. Es un poco larga y aburrida. Más adelante se llega al primer plano.1929. Su gran calidad técnica y creatividad le hicieron ser considerado como uno de los grandes cineastas del momento. shustain. Fue un genio de los trucajes. sobreimpresiones. Después vuelve a Cataluña y se asocia con Albert Marro. y su talento en estas películas llenas de fantasía solo es comparable al de Méliès. En resumen. dramas históricos y comedias. Primera secuencia el anónimo se descorre el telón y aparece un decorado muy bien realizado porque parece que sea real. En 1906 Marro funda junto a Baños la productora Hispano Films. a los 57 años de edad. DON PEDRO EL CRUEL. melodramático e incluso realizan versiones de Blasco Ibáñez. Sus películas prevén una amplia escala de planos y estudiados efectos de raccord o continuidad. Italia y España. Los amantes de Teruel (1912). se trata de uno de los más importantes cineastas internacionales por su contribución al desarrollo del arte cinematográfico en la etapa muda. de gran calidad. Toda esta secuencia se realiza con un plano general. Se realizan planos breves que aceleran el ritmo de la película. Al final de su carrera. Existen dos periodos: 6 . pasando por todo tipo de efectos de la época. Hermanos Baños. Don Pedro el Cruel (1911). EL ANACROCINE ESPAÑOL Y EL MODELO CLÁSICO Durante los años 20 en España se da el liberalismo de Sagasta y Cánovas de Castillos durante la Regencia de Mª Cristina. aunque duraran en pantalla pocos segundos. pirotecnia. 1911 Es una película histórica. LOS HERMANOS RICARDO Y RAMÓN BAÑOS Ricardo es director y Ramón el operador. estático sin mover la cámara. que tiene un carácter informativo. Esta película es un caso interesante. La guerra del Pitt. En 1907 se aplica en Estados Unidos la censura. con sus etapas barcelonesas y sus películas de alcance popular: melodramas. 1910 y 1922 que es la más conocida y de más calidad). pero hay películas de transición. En este momento el cine de atracciones está pasando de moda y se está imponiendo el relato clásico. zarzuelas. 3.

etc. Entre sus películas destaca Malvaloca (1927). Surgen numerosos directores. Se sublevan con las tropas españolas. la aristocracia y ejército. sin escatimar en medios: actores. epidemias. ALEJANDRO PÉREZ LUJIN Era escritor y se metió a cineasta. escritor. junto a Florián Rey. La Dolores (1924). Destacan sus adaptaciones de zarzuelas realizadas en la PACE La fiesta de las muñecas (1916). Entre 1923 y 1926 se centra en realizar cortos documentales. que además son de peor calidad que las que se realizaban en Barcelona. Durante esta época se produce la I Guerra Mundial en la que España es neutral y no sabe aprovecharse de esta situación. un asturiano periodista. vestuario. Luego se pasará a la dirección. En 1923 funda la PACE: Producciones Artísticas Cinematográficas Españolas. etc. Periodo parlamento. Nit d'albaes (1925) y Moros y Cristianos (1926). recuperó el dinero invertido y tuvo ganancias. Como actor crea un personaje llamado Peladilla. 7 . donde empieza haciendo adaptaciones de zarzuelas tanto ajenas como propias. En los años 20 la capitalidad del cine español cambia. Adaptó su novela La casa de la Troya (1924) y se planteó la primera superproducción del cine español. convirtiéndose en uno de los directores más importantes de los años 20 y 30. La bruja (1923). La Monarquía entra en una crisis enorme y Primo de Rivera da un golpe de estado apoyado por el propio rey. pasa de Barcelona a Madrid. documentales que ensalzan las instituciones valencianas y sus labores. El negro que tenía el alma blanca (1927) de la que hace otra versión en 1934. Estudia en Inglaterra ingeniería eléctrica y vuelve a España donde se inicia como actor cómico al estilo de Mack Sennet. con el que trabaja en el extranjero. El milagro de las flores (1918). Primo de Rivera dimite y se inicia la Segunda República. Muchas productoras invierten grandes cantidades de dinero en sus películas y luego no tienen éxito. gracias a Maximiliano Thous. En 1921 se inicia la quinta de la guerra con Marruecos. Económicamente España es un país tercermundista. La película tuvo un gran éxito. personaje cómico al estilo de Charlot que le otorgó gran fama y con el cual interpretó y dirigió varios cortometrajes. Estados Unidos o Argentina. Francia. como es el caso de la actriz Anita Giner. Las productoras más importantes de los años 20 en España serán Atlántida y Films. decorados. operadores. • 1923 1930. Realizó una película planteada con gran presupuesto. etc. Madrid hasta los años 20 había hecho poco caso al cine como espectáculo. Durante estos años se producen plagas. En cine español depende del extranjero desde el punto de vista técnico: maquinaria. A partir de los años 20 asume la capitalidad pero invierte menos en producción de películas. localizaciones. Suspiros de España (1938) y Marianela (1940) premio en el Festival de Venecia. La alegría del batallón (1924). primera mujer cineasta del cine español.• 1905 − 1923. cólera. y traen sus técnicas. dirigida y protagonizada por ella. entre ellos destaca Helena Cortesana. EL CASO VALENCIANO: MAXIMILIANO THOUS El segundo puesto en importancia sigue siendo para Valencia. A nivel general la industria del cine español es raquítica. Benito Perojo nace en el seno de una familia culta y adinerada. dramaturgo y político nacionalista valenciano bastante radical. Thous se convirtió en toda una figura pública de la sociedad valenciana. junto a sus dos hermanas. El hombre que se reía del amor (1927). Sus películas de ficción tienen éxito porque intenta crear un star system valenciano copiando el cine clásico americano. algo muy positivo para ellos porque conocen como funciona la industria cinematográfica en países como Alemania. que hace Flor de España o la leyenda de un torero (1921). Periodo dictatorial. BENITO PEROJO Es unos de los cineastas más importantes de los años 20 y de la República. escrita. Sus películas son muy caras y no resultan rentables pese a su éxito. La verbena de la Paloma (1935).

emplea una imagen relantizada. pues se le puede hallar en los créditos desempeñando funciones de actor. La chica lo conseguirá gracias a un famoso bailarín negro de origen esclavo. etc. que nos permite ver la calidad de los movimientos. un alma limpia bajo una piel negra. su cuerpo o su alma?. Destaca una escena nocturna en la que la chica y su padre salen del teatro. desdoblamientos. aunque el bailarín siente algo más por ella y se lo hace saber a su padre. que decide viajar a París donde es descubierto por una bailarina famosa y donde triunfa. a la que doblan en las escenas de baile. En la playa aparece un número musical de bailarinas que será muy típico en los musicales de Hollywood. No tiene un final feliz porque se muere él. El cabaret es de estilo art déco. La película es un melodrama musical. Perojo cultivó todas las ramas del arte cinematográfico. Benito Perojo. Se dice que Ginette tiene muestras evidentes de haber tomado droga. Está protagonizada por Concha Piqué. con toda la simbología que la palabra entraña: no sólo heredero de toda la tradición cultural del hombre blanco. como en el teatro. quien a su vez se lo dice a su hija. director y productor. El director de fotografía y el responsable de los efectos especiales es Segundo de Chomón. guionista y además director. El negro está asociado a lo salvaje y a la bestialidad del gorila. El tema del negrismo cobra una dimensión trascendental. desilusión. llegue a ser famosa. EL HOMBRE QUE TENÍA EL ALMA BLANCA. La pesadilla es una escena de contenido erótico. En las escenas de baile se emplea un plano general fijo. La chica con prejuicios raciales en principio no quiere bailar con él. la chica se da cuenta de que pese al color de su compañero es una buena persona. Realiza un gran despliegue de medios. pero al darse cuenta de que es lo que se desea su padre lo hace. Mientras bailan hay una imagen relantizada. La chica en un principio acepta casarse con él. Emplea el montaje alternado. educado en el seno de una familia blanca acomodada de Cuba. la cuestión que subyace es la pregunta existencial: ¿qué es un hombre. En el baile hace una descripción con alusiones sexuales. Se habla también de que su mayordoma estudia libros para blanquear la piel y refinar los contornos de la nariz y reducir sus labios. sino poseedor de un corazón noble. desengaño. que contrasta las dos clases sociales. El tema es el conflicto de un hombre negro con un alma blanca. El argumento está inspirado en la novela homónima de Alberto Insúa (1922). inventor aficionado. pero sigue teniendo prejuicios raciales y finalmente lo rechaza. en una sociedad llena de prejuicios. El negro que tenía el alma blanca es una historia de pasión. En la novela se habla de drogas y sexo. a cámara lenta. Hay un flashback en el que el actor negro vuelve a su infancia y juventud. Tras pasar tiempo juntos bailando como compañeros. NEMESIO SOBREVILA Considerado uno de los mejores cineastas españoles por la crítica pero sus películas nunca llegaron a estrenarse. La fobia de la protagonista por la raza y el color tiene una raíz sexual. poder. entre las que destacan el gusto por las adaptaciones literarias y el frecuente uso de temas relacionados con el folclore patrio. Fue arquitecto. sobreimpresiones.Benito Perojo puede ser considerado como uno de los padres del cine español. La película destaca por su calidad. responsable de varias de las características fundacionales de éste. y lo quiere como un amigo o hermano. La pesadilla de la chica es un despliegue de imaginación de Segundo de Chomón: emplea una lente deformante de la cara del actor para dar continuidad al cartel. La música es Charleston. Realizó Al Hollywood 8 . La novela tuvo tanto éxito que escribió otra llamada La secuela del Peter Wall. Aparece un efecto especial de una botella de champagne en cuyo fondo se refleja el pasado de la chica y su padre. porque parece sacada del cine expresionista alemán de entre guerras. Destaca un truco en el que se ve el reflejo del baile de los protagonistas en unos anteojos. 1927 Un pobre y viejo actor tiene como único deseo en la vida que su joven hija (Concha Piqué) con gran talento en el baile. Tanto la novela como el libro estaban planteados para luchar contra el racismo.

Al poco tiempo. huye con la vecina Magdalena. y le conduce a la casa donde vivía en Luján. FLORIAN REY Nació en Aragón. su hijo Juan Castilla (labrador) y su esposa Acacia. 1929 − 30 La pequeña aldea de Luján. Un día descubre a su esposa en el reservado de una taberna y la obliga a volver a casa para salvar las apariencias hasta que muera su padre. Tiene un 10% de cine de vanguardia y un 90% de cine. Realmente se ve como el montaje cinematográfico puede manipular la realidad. Fue uno de los directores más representativos del cine realizado durante la Segunda República. y el hijo de ambos. donde encuentra a Acacia meciéndose en 9 . Juntos ven las imágenes. Esta película tampoco se estrenó. que finalmente se eliminaría y se utilizaría el del principio. llamada por la prensa la aldea maldita ha vuelto a perder por tercer año consecutivo las cosechas. Encima Carmen llega tarde a los ensayos y el director de la compañía intenta aprovecharse de ella y al negarse. El doctor Kamus. el doctor Kamus le muestra su último invento al que denomina el sexto sentido. Carmen (1938). por su parte. fue un fracaso. La canción de Aixa (1938) o Nobleza Baturra (1935). quien luego será su pareja sentimental. Tres años después. preocupado por el estado de ánimo de su amigo. Se dedicó a escribir y luego fue actor de teatro. Se convirtió en un actor muy famoso y después se pasó a la dirección. Ante la desgracia de perder las cosechas. pero le prohíbe tocar a su hijo. 1929 La joven bailarina Carmen está enamorada de Carlos. que se encuentra en un estado físico deplorable debido a la paliza que le ha dado su mujer. y éste va contárselo enseguida. Juan es reclamado por Lucas. Entonces ambos van a visitar otra vez al doctor Kamus. es despedida. remontajes de lo rodado. y ésta enferma física y mentalmente. LA ALDEA MALDITA. un ojo extrahumano que resulta ser un cinematógrafo. Su esposa. La película fue exhibida en privado en 1927. De entre su filmografía de los años 20 destaca El Lazarillo de Tormes (1925). Ambos trabajaron juntos en 14 películas. y ya en Segovia. La película habla de las propiedades terapéuticas del cine. Tras una tarde de Picnic. pero al estar mal montadas. después quedó varada durante algunos años entre pases restringidos. en 1927. la gente actúa de un modo extraño: el usurero. Uso musicológico del montaje y tratamiento pictórico del encuadre.madrileño. pero éste se niega hasta que no muera su padre. Realiza una crítica al monopolio de Hollywood. A Nemesio Sobrevila le acompañaría siempre el calificativo de cineasta maldito EL SEXTO SENTIDO. pese a sus innegables virtudes. Carlos le regala a Carmen un anillo que ésta tiene que empeñar para satisfacer el deseo de su padre de ir a los toros. pero tampoco se estrenó. película que nunca llegó a estrenarse. y ha logrado una posición desahogada trabajando de capataz en una finca. tiene la despensa llena y provoca la envidia de Juan. sin embargo el amigo de Carlos y su novia son muy pesimistas. Florián Rey. para posteriormente pasarse al cine. incluida la familia que se presenta al principio: el abuelo Martín. el cine dentro del cine. Juan vive con su padre Martín y con su hijo. Finalmente en el año 1929 se cambia el título por Lo más español. debido al desinterés de los distribuidores. Una vez allí. etc. En cuanto el abuelo Martín muere. La Revoltosa (1925) o La Aldea Maldita (1929 − 30). y todo se arregla al darse cuenta que el presunto amante es en realidad el padre de la chica. el tío Lucas. Carlos. Acacia. y sus habitantes tienen que marchar a otras regiones para poder sobrevivir. Juan echa a Acacia. en Castilla. Comenzó la carrera de derecho pero no la terminó. En ella realiza una parodia de todos los géneros clásicos del cine americano. y ambos forman una bonita pareja llena de optimismo. pese a las inclemencias del tiempo. La película fue rodada con un bajísimo presupuesto. le recomienda que visite la consulta del pintoresco doctor Kamus. le muestra al amigo de Carlos unas imágenes de Carmen. Tiene una función metalingüística. las interpreta como una traición hacia su amigo. De su filmografía de los años 30 destacan películas como La morena clara (1936). Trabajó con la actriz Imperio Argentina. Nemesio Sobrevila. Cuando el dueño de la finca se entera de Juan vive con una mujer la obliga a echarla.

porque tras ser rechazado por diversas productoras.una mecedora y cantando una nana a un niño imaginario. para así poder trabajar con mayor libertad. como una Parca. y los planos suelen adjetivarse por contigüidad. También se distorsiona la imagen y se juega con la luz para exteriorizar los sentimientos humanos. Tiene una relación con la cultura de fin de siglo y sobre todo con la vertiente plástica y la evolución y cambios que a partir de ella se producen. de que la gente se identifique más con la película. La interpretación no es nada enfática ni teatral. La aldea del pecado. Luego este tema se convierte en secundario. • En uno de los carromatos que se marchan del pueblo. Posteriormente esta versión se sonorizó. queriéndole dar un aire siniestro. la sombra. Una escritora húngara hizo una novela utilizando las fotografías de la película. casi tosca. Se cree en la paganidad de los elementos. La versión sonorizada no se ha conservado. La película es una denuncia de la situación económica y social del campesino español. la estrenada en marzo de 1930. y que sirve para subraya la violencia de algunas reacciones o para visualizar la ruptura de los convencionalismos sociales por parte del personaje implicado. En 1927. que le hizo replantearse el proyecto. 22. En el montaje los planos aparentemente se encadenan de forma simple y lineal. La temática está influenciada por el cine soviético. y Lucas reconoce en Juan la capacidad de perdonar a su esposa. El director de fotografía fue Alberto Arroyo. evocando a los espíritus. salió del director y del actor principal. sobre todo la influencia de Murnau y su Nosferatu. estando un año en cartelera. Entonces decide irse a Francia. al deseo de Florián. En los estudios Tobis realizaron escenas nuevas con diálogos. Juan le dice a su hijo que vaya a besar a su madre. pero no con la música original sino con la banda sonora de José Nieto. Después la concepción del personaje del abuelo con una capa como si se tratara de un vampiro. como cuando. • En la secuencia del éxodo de las carretas. que mejora al ver a su hijo y esposo. La Aldea maldita parte de un proyecto de 1925. así todos se podían identificar. de la mano del abuelo sobre el niño en el momento que lo va a coger o. En la época fue considerada cine independiente. un anciano campesino que se sujeta a las 10 . En diciembre de 1930 se estrenó en España. Se trata la religión de un modo que quiere demostrar el paganismo de la cristiandad. la de Juan. Aparecen una serie de elementos iconográficos que pueden ser reconocidos de forma consciente o inconsciente. una mujer recoge un hilo e una rueca. Uno de los recursos que maneja el director con mayor habilidad es la transgresión de las salidas y entradas de campo más convencionales. donde el éxito fue muy moderado. por los bruscos cambios de luz entre unos planos y otros. En 1930 se realiza un pase privado. Por otra parte se hace muy patente en algunas secuencias el buen conocimiento del cine alemán. La villa se llama Luján y no existe. deduciéndose de ellos una presentación de los problemas desde varios puntos de vista. con sonido y música. haciendo que los personajes se encaminen directamente a la cámara. aunque es este caso no se pretende cambiar nada. se proyecta en la pared. Tal vez responda esto. escueta. pero si conservó la primera versión. donde se encontraban los mejores laboratorios. El pueblo es un símbolo de España. Pedro Larrañaga. porque se reza a los santos. En las primeras escenas hay mucha influencia del expresionismo alemán. es muy moderna. La película se estrenó en París con un éxito sin precedentes. La película esta llena de referencias pictóricas e históricas. para pedir ayuda frente al granizo. aludiendo al destino del pueblo. El pueblo de la película es inventado pero se sabe que se filma en Segovia. que son vistos como el ser supremo.000 pesetas. Queda patente el dominio de montaje como elemento de narración. al no situarla en un lugar concreto. cuando se cierne sobre Acacia. Por eso piensan que han hecho algún mal y han sido castigados por los elementos temporales. Florián Rey vio una película soviética. De esta forma generaliza la situación española. La película conquistó pronto el elogio que muchos críticos. es como una imagen alegórica. Las elipsis se utilizan con una gran pertinencia. Sin duda es la mejor película de Florián Rey. y un amigo de Pedro Larrañaga recién llegado de Cuba le ofreció a Florián Rey correr con todos los gastos para convertirla en una película sonora y parlante. el dinero.

• Gracias al montaje. Interpretaban música para acompañar las imágenes: que produzca una emoción o subraye unos momentos determinados. la línea de las carretas que serpentea como un gusano entra en colisión conceptual con el plano siguiente. El director acentúa la ceguera de la sociedad. En la segunda parte de la película se emplea un tono diferente porque se centra más en el drama personal de los protagonistas. ya que el abuelo es un hombre ciego. será quien le proponga (al final de la película) a Juan. Es el sonido del momento de la grabación. que haga lo mismo con su mujer. que explicaba la película. charlatán. El sonido puede ser discográfico u óptico: ♦ El sonido discográfico: en 1926. leía los títulos para la gente analfabeta y ponía diferentes voces a los personajes de las películas. En conclusión. de vestidos regionales. la película de aventuras Don Juan. un piano o una orquesta. Hay varios tipos de sonido: ♦ El sonido directo: es el primer sistema de sonido que se comercializó en el cine. que le advierte que se lleva con ella un peso muy grande. LA TRANCISION DEL CINE MUDO AL CINE SONORO El cine siempre ha sido sonoro. que está a punto de ser lapidada como la adúltera bíblica. También está la figura del comentador. que nos muestra al tío Lucas. ponía la voz narradora. El sonido al principio podía ser con sonido no sincronizado o con sonido sincronizado. cuando se marcha Acacia. La férrea defensa del honor es la que trae desgracias en la vida de los protagonistas sobretodo para Acacia que termina loca y obsesionada por los niños al ser privada de su hijo. de Alan Crosland. Tenía un sonido musical analógico. recalcado. como por ejemplo. la productora Warner aplica el sonido discográfico mediante el sistema llamado Vitaphone. Este mismo personaje. había intertítulos. y la muda. Esto también esta relacionado con la modernidad. ya no solo porque se le añade el sonido sino porque el realismo de la primera versión contrasta con la artificialidad de la segunda. El sonido se graba en discos de cera y luego se sincroniza con la imagen. por los juguetes del niño. calificándole visualmente de gusano o serpiente inmediatamente antes de que su mala conciencia le lleve a perdonar a Juan. Lucas. no tenía grabado ningún diálogo. ♦ El sonido grabado: Edison inventó el cronófono en 1902. Ese mismo año se filma y se comercializa el primer largometraje con este sistema. de los ideales antiguos. Ambas partes se asientan sobre un trabajo fílmico que las hace homogéneas. Y como solución de este honor tan exagerado propone el perdón. El perdón ya aparece en la primera parte de la película. un aparato que permitía ponerle voz a las películas de manera sincronizada. Los años finales de la década de los 20 son un puente hacia el cine con sonido de los años 30. todo esto relacionado con el contexto histórico. y el consecuente despojo. etc. por haber faltado al honor de la familia. La otra diferencia es la situación social. Hay muchas diferencias entre esta. cuando Lucas perdona a Juan y lo deja salir de la cárcel para que vuelva con su familia. producida por la 11 . Eran discos de vinilo o grabaciones. Este honor lo corrobora el abuelo. y después está su hijo Juan. Podemos pensar que la segunda película refleja más una visión folclórica que una denuncia social. por defender el honor. La segunda versión de La Aldea maldita es la del año 1940. como el avión (marca las diferencias generacionales). el director nos quiere dar su visión peyorativa del honor tan arraigado en la España de aquella época. realizada por el mismo director. En la última película se ve más arraigado el catolicismo que en la primera y a la cuestión del honor se le añade el orgullo. de Alan Crosland. utilizando una metáfora. En 1927 se estrena El Cantor de Jazz. • El contexto evangélico que sugiere el nombre de Magdalena se ve reforzado por el auténtico vía crucis que ha de pasar Acacia. Comienzan realizando cortos.varas con los brazos abiertos aparece como crucificado. muy bien plasmada en la primera. Donde ya la misma ropa deja mucho que pensar porque se tratan. que considera el honor por encima del amor y de la vida. Es en este momento en el que aparece un segundo tema o subtema: la cuestión del honor castellano. a diferencia de la segunda. El abuelo es el máximo defensor del honor. El problema aparecía cuando el disco se rayaba o atascaba. depende del presupuesto.

De repente el asesino se despierta. La misma película se realiza en Inglés o Italiano. EL MISTERIO DE LA PUERTA DEL SOL. El problema es que había que solventar la sincronización. A los actores principales se les cambiaba por otros que conocían el idioma. ⋅ Intentar sincronizar el sonido en estudios extranjeros tras grabar la imagen previamente. El sonido va incluido dentro de la misma cinta de la película. Entonces deciden hacer algo que los convierta en famosos. Ambos acuerdan que el asesinado viaje una temporada para que sea más creíble y cuando las cosas se pongan feas para el acusado. Pero había opciones para grabar el sonido de manera sincronizada: ⋅ Los cineastas se marchaban a estudios extranjeros para grabar de forma simultánea la imagen y el sonido. Esto lo hacían directores autóctonos. y tras perder la guerra emigra a México donde realiza cine comercial y de poca calidad producido por compañías cinematográficas mexicanas. El misterio de la Puerta del sol. lo lleva a cabo la Fox. Elías vuelve a España donde intenta rodar una película. vuelva para aclararlo todo. que al final deciden echarle una mano y contar toda la verdad de lo sucedido. por ejemplo. Impactó debido a los diálogos (sonoros) que contenía. llamado Movietone. El asesino va a ser condenado a morir en el garrote vil. A partir de 1927. Este sistema. FRANCISCO ELÍAS Francisco Elías comenzó trabajando en el cine en París. En España se realizaba cine con sonido en directo en las salas. fingir la muerte de uno de ellos de manos del otro. Con la I Guerra Mundial España pierde la ocasión de incorporarse al mundo del cine y haber llenado el hueco del cine francés y el resto de Europa. Entonces regresa a París. Resultaba caro producir películas con sonido óptico porque se tenían que adaptar los cines a este tipo de películas. ambos están sincronizados. pero lo asesinan en un cabaret cuando se reencuentra con su antigua novia que ya está con otro. Francisco Elías.Warner. se encontraba aún en el casting. Esta película tuvo mucho éxito. no había la suficiente confianza para invertir en el cine. pero no tenía atisbo de industria. ⋅ Se marchan a Estados Unidos y hacen dobles versiones. además de que no se producía cinta virgen. Al resto de actores secundarios se les obligaba a memorizar los diálogos. Al estallar la Guerra Civil. tuvo un gran apoyo mediático. la cual se viene abajo con la llegada del cine sonoro. rotulando películas mudas. ♦ El sonido óptico: el problema de la sincronización se soluciona gracias al sonido óptico. Es la primera película hablada en español realizada en el mundo. y no hay nadie que pueda salvarlo. Esta película es una 12 . Francisco Elías marcha a Estados Unidos donde funda una empresa de intertítulos. excepto la ex novia de su amigo y su asesino. Fue interpretada por un famoso cantante de la época. 1929 Dos amigos deciden ser actores y acudir a una audición para una película. En los años 50 vuelve a España pero no tiene éxito como cineasta y se dedica a la producción. había sido todo un sueño. todos dejan el sonido directo para pasarse al grabado. Elías es director de las obras cinematográficas realizadas en la Generalidad Catalana. Elías realiza 8 películas. La película fue restaurada en el año 1996. El asesinado vuelve pasado un tiempo. Si el sonido se enganchaba se enganchaba también la imagen. pero en el casting los rechazan por no ser caras conocidas. Pero llegarán tarde. que fue un fracaso. Emplea el vitaphone.

En Estados Unidos apenas hay un movimiento de las cámaras debido a su peso. porque tiene sonido. híbrida. nos hace hablar ya de la existencia de una banda sonora. se centra en la clase donde se encuentra el profesor con sus alumnos. Elías funda los estudios Orphed. Ernesto Jiménez Caballero. Es más perfecta que la anterior. A los niños y niñas que se encuentran en el patio se les oye cantar cuando la ventana de la clase está abierta. pero no es una película muda. que todo se detiene. El ruido molesta a la hora de escuchar los diálogos. referencias a la actualidad cinematográfica y social. Es en el momento en el que Chaplin está con la muchacha de las flores. Emplea un montaje vanguardista. Hay un uso inteligente del sonido. dándonos a entender que la música no−solo acompaña a la película. etc. protagonizada por Marlen Dietrich. Empieza la película sin diálogos. el sonido que oímos procede de algo que se encuentra fuera de la escena o campo visual. La escena más importante. captar el interés de los espectadores y cosechar un importante éxito económico que nunca llegó. si tienen voz. En Alemania. episodios cómicos. pero se justifica por el hecho de que la película comienza con la imagen de unos estudios donde aparece el cartel de silencio. Aparecen gags audiovisuales. novedosas imágenes aéreas de Madrid. El ángel azul. Utilizaban dos cámaras. es decir ruidos. como los políticos que están inaugurando el monumento. el personaje no habla. La mayoría de estos cineastas. película dirigida por José Buchs en 1930. estudios que permiten la filmación de películas con sonido óptico. eran europeos. Hay un uso político del cine. En buena parte de la película no se oye nada. es una película filmada con sonido discográfico. aparece en 1930 la primera película con sonido sincronizado. La película destaca por la fusión de canciones. ruidos. Prim. 4. En 1932 F. por ello puede ser que Phonofilm (sonido óptico patentado por Lee Forest en 1923) no llegara triunfar. en ese instante se oye la canción de La violetera. con escenas con sonido y escenas mudas acompañadas de intertítulos. otros personajes. La música participa de la acción. es decir. pero hay cineastas que tienen otro propósito. EL CINE DE LA SEGUNDA REPÚBLICA 13 . En las Luces de la ciudad de Charles Chaplin. Aparecen sonidos analógicos. 1929 Ramón Gómez de la Serua es el narrador y autor del texto. Había doce fotogramas antes de la imagen correspondiente. establece un paralelismo entre las diferentes figuras históricas. El Orador no está perfectamente sincronizado. Esto es sonido acusmático. dando importancia a la cuestión sonora. Aparecen sincronizados sonidos de escenas de la vida cotidiana y se hacen referencias a algunos temas candentes de la actualidad de la época. Las películas están repletas de canciones y ruidos. con todo esto se intenta camuflar las deficiencias técnicas y expresivas derivadas del raquítico presupuesto. y saben usar el sonido con fines científicos. y se escuchan una serie de pausas y ritmos distintos. por ello fue rechazado. le acompaña en el momento en que está frente al escaparate. En otra escena. por ejemplo cuando suena el himno. ESENCIA DE VERBENA. Sin embargo. En ella empezamos a escuchar sonido analógico. pero esta distorsionada.comedia mediocre. sino que marca la acción del personaje e incluso el estado anímico. con un silencio que se ve interrumpido por el silbido del profesor. Tenía el error de que leía el sonido. se crea una atmósfera sonora que nos ayuda a localizarnos mejor.

que es la adaptación de una opereta y Molinos de viento (1937). Además de directora fue productora. hay una coalición. Entre 1912 − 13 la censura ya funcionaba. etc. y FILMOFONO. lo que repercute en su tiempo de ocio. Los historiadores del cine idealizan el cine republicano. Se producen una serie de enfrentamientos en el año 1933. ◊ El Bienio Restaurador es un gobierno de derechas. Durante este bienio se intentan deshacer muchos de los proyectos realizados durante el Bienio Liberal. Se prohibieron películas como Las Hurdes de Buñuel (1932) o El diablo es mujer protagonizada por Marlen Dietrich. hay un levantamiento de las tropas en el norte de África y comienza la Guerra Civil. con una educación innovadora y muy libre. la censura es arbitraria. si no se hubiera producido la Guerra Civil que el cine español estaría más o menos al mismo nivel que el resto de cinematografías. Rosario Pi. Se producen una serie de conflictos: persecución de los miembros de la iglesia. lo cual le influyó mucho posteriormente. También aparece la figura de Luis Buñuel y de Edgar Neville. Como productoras destacan CIFESA. No existen unas leyes concretas. Hay una búsqueda del proteccionismo por parte del Estado. Dicen que seguramente. La censura es un control institucional que sufren todas las películas antes de estrenarse. que tienen que huir a Italia. que llegara a codirigir Buñuel. una coalición entre el CEDA. ◊ El Frente Popular. dura unos pocos meses). En 1931 se celebra el I Congreso hispanoamericano de Cinematografía. En 1934 se fundan la FALANGE y las JONS. Durante la Segunda República mejora el estado social de los trabajadores. cuando los de derechas están en el poder. se incrementa la censura. que surge en los años 30 y que se hace poderosa en los años 40. Los primeros bienios son opuestos totalmente: ◊ El Bienio Liberal es un gobierno de izquierdas. La Segunda República está dividida entre el Bienio Liberal (1931 − 33). hay una lucha contra el caciquismo. atentados. Aparece la segunda directora del cine español. la Iglesia pierde mucho poder. asesinatos. Una serie de inspectores controlan el contenido moral e ideológico de todas las películas. A los 17 años se marcha a Madrid a estudiar Ingeniería agraria y entra en una famosa residencia de estudiantes. Estudió en un colegio de jesuitas. Aumenta el nivel social y económico de los trabajadores. una especie de colegio a la inglesa. LA CENSURA La censura ha existido siempre. pero no se consigue. Florián Rey y Benito Perojo seguirán siendo los grandes directores en esta época. La gente tiene más dinero y pueden ir más al cine. gracias entre otras cosas al star system o sistema de estrellas. donde ganan otra vez los de izquierdas. adaptación de una zarzuela. la FALANGE y las JONS. A partir de 1933. el Bienio Restaurador (1934 − 36 y el Frente Popular (1936. LUIS BUÑUEL Nació en Calanda y era hijo de unos indianos.En 1931 Primo de Rivera dimite y caen los Borbones. se realizan unas elecciones y ganan los de derechas. pero gobiernan durante un periodo muy corto. y surge la Segunda República. depende del censor y su mentalidad. Realiza varias reformas agrarias. Se intenta llegar a una serie de soluciones para mejorar la calidad y fortalecer el cine hispanoamericano. En esta residencia conoce a Dalí y a muchos de los 14 . vuelve a ser de izquierdas. que dirigió dos películas El Gato Montés (1935). Se producen varios levantamientos y en 1936 se vuelven a hacer elecciones.

Esta película fue un escándalo porque durante su estreno un grupo de fascistas irrumpió en la sala de cine y la boicoteó. En 1925 realiza su primer viaje a Francia. el ojo de la muchacha es seccionado. En 1948 adopta la nacionalidad mexicana. En 1936 al ganar de nuevo partido de izquierdas se permitió su visualización. 1935 15 . En 1932 realiza Las Hurdes. Este film no tiene nada de surrealismo. Tras la experiencia en Francia se plantea la idea de hacer una película con Dalí. tierra sin pan que será estrenada en el 1933. porque con este sentido se ve el cine. se proclama el segundo manifiesto surrealista del 1930. Esta película fue acogida por los surrealistas. Hace cine durante el periodo republicano. Por otra parte plantea detalles científicos como la explicación del mosquito (en un riguroso análisis) causante de la enfermedad muy peligrosa que azota al pueblo. LAS HURDES. realizada 1928. Pero por culpa de lo sucedido la película quedó censurada y se prohibió su visión en Francia. FLORIAN REY NOBLEZA BATURRA. porque mientras la nube corta la luna. En esta escena. La Metro Goldwen Meyer le ofrece un contrato de seis meses como director. Así pues. así que deja de ser un cineasta español. Era muy buen estudiante pero empezó a darse cuenta de que su carrera no le gustaba. ya que sale humo de un extremo de la imagen. El director está atentando de manera directa contra el espectador. Por eso tal vez cabe plantearse si es una película española o francesa. La intención de la película es la denuncia de la pobreza y no hay en ella objetividad. La película fue considerada agresiva y provocadora. Tal vez por eso. donde empieza escribiendo artículos de crítica de cine. En consecuencia y como protesta de estos actos. Después Buñuel regresa a España y entre 1931 − 1936 viaja de España a Francia en varias ocasiones. Luis Buñuel. Su obra la desarrolla sobretodo en Francia y en México. lo tenemos en una de sus escenas. Está basada en la novela de Maurice Legendre titulada Las Hurdes. Pronto hace migas con John Epstein y termina trabajando para él como extra e incluso repartiendo café. en 1933 cuando se estreno la película. que fue considerada. ya que se trata de un documental antropológico. La producción de esta película es española (la subvencionó su madre) aunque los actores y actrices son franceses. En una de las escenas se ve como se ha manipulado la realidad. la mas impactante del cine español. se cambia y comienza a estudiar letras. 1932 Es un retrato muy crudo de la España de aquel tiempo. el partido de derechas que estaba en el poder en ese momento la prohibió. Un perro andaluz. se secciona el ojo a una muchacha y utiliza el montaje alternado. que fue sufragada por capital francés (un noble y su esposa). Existe una neutralidad de los personajes y de las escenas. Está relacionado con la pasión que Buñuel siente por los insectos. Esta película es un documental que da testimonio de la vida de los habitantes de las Hurdes. TIERRA SIN PAN. algo necesario para ceñirse a la explicación de la escena. Para luego durante el franquismo volverse a prohibir.escritores de la Generación del 27 como a Lorca. En 1930 realizó otra película surrealista titulada La Edad de oro. que acogieron a Buñuel y Dalí en su grupo. Se trata del disparo que Buñuel le propicio a una cabra para que dicha cabra se despeñara. Ese mismo año produce otra titulada La sangre del poeta. El ejemplo de esto. liderado por André Bretón.

un instrumento político. Einrich Gaertner el fotógrafo de esta película. debido a la falta de presupuesto. Suspiros de Espala y Mariquilla Terremoto (1938). Pese a que el cine suele ser una actividad de ocio. y con los republicanos participaron los rusos. tiene menos presupuesto lo que se refleja en un peor equipo y una peor calidad. Es muy poco objetivo. protagonizadas por Estrellita Castro. Los pocos que se quedan en España continúan realizando cine. en el fondo pasan imágenes de archivo de España y los protagonistas pasean por delante. tanto directores y técnicos como actores. franceses. Si no fuera porque es una película rodada en España. ya que la mayoría de dinero se destinaba a armamento y víveres. Poco a poco se produce el desmantelamiento de la industria cinematográfica española. etc. SUSPIROS DE ESPAÑA. no tratan el tema bélico directamente. o de Benito Perojo como El barbero de Sevilla. En ella participan los mismos bandos que en la II Guerra Mundial. por eso muchas de las películas de Florián Rey fueron protagonizadas por ella. como arma propagandística muy directa. Benito Perojo. Ambas juntan sus medios para crear HISPANO FILM PRODUCTION BERLÍN. porque se distingue perfectamente a qué bando pertenece o a favor de que bando está el director. Durante la Guerra Civil se realizan pocas películas. Se produce un convenio entre CIFESA y UFA. fue la antesala de la II Guerra Mundial. cuyo argumento trata de un enfrentamiento entre dos agricultores y ganaderos por los límites de las tierras. Muchas películas de ficción son de evasión. con los fascistas participaron los alemanes e italianos. podría tratarse perfectamente de un Western. Cuando estas películas de ficción son de tema bélico. o se exilian.Película interpretada por Imperio Argentina. 16 . una productora alemana. es uno de los mejores en esta época. formando lo que se llamaron las Brigadas Internacionales. donde se experimentó con el armamento. Imperio Argentina. El documental es muy retórico y adquiere elementos de las películas de ficción. son asesinados o apresados. concretamente en Aragón. Destacan películas de Florián Rey como Carmen de Triana y La canción de Aixa (1938) protagonizadas por Imperio Argentina. El equipo español viajaba a Berlín donde la UFA tenía sus estudios. pero muy diferente al realizado hasta entonces. era entonces la mujer de Florián Rey. Las películas son más baratas y se ofrece una sensación de pobreza. Los interiores son realizados en estudios y los exteriores se realizan por medio de retroproyecciones. LA PRODUCCIÓN DURANTE LA GUERRA CIVIL ESPAÑOLA Y EL CINE ESPAÑOL EN EL EXILIO La Guerra Civil española. Aparecen otros importantes actores como Manuel Luna (el pretendiente) o Juan de Orduña (el enamorado de Pilar). y el director y los actores eran españoles. en esta época se convierte en un arma. El cine de ficción sufre una carestía de medios. Se potencia el documental. Es una comedia casi musical. 1938 Película rodada en Berlín. Hay una dispersión o desaparición de los profesionales del cine. Fue una especie de campo de laboratorio previo. en muchas ocasiones se emplean imágenes reales de archivo. 5. que o bien participan activamente en la guerra luchando en alguno de los bandos. El equipo técnico y los medios eran alemanes. pero si indirectamente.

no hay fisuras como aparentemente ocurre en el bando republicano. Hay una heterogeneidad. La productora más importante en estos momentos es LAYA. Intentan difundir la idea de a revolución social. España heroica es una coproducción hispano − alemana. ceden sus estudios y equipo técnico para la realización de películas. ya que las tres capitales cinematográficas españolas. Los franquistas roban una serie de películas republicanas que salían del país hacia Rusia. Realizan un cine compacto y homogéneo. comunistas y anarquistas. el gobierno republicano. Es una película de propaganda del bando republicano. El bando nacional acaba tomando las capitales del cine: Madrid.CINE REALIZADO DURANTE LA GUERRA CIVIL: BANDO REPUBLICANO Las películas que han sido consideradas más importantes de este bando son España 1936 o España en armas de Jean Paul Le Chanois. 1939 Realizada por el grupo gubernamental. que participó activamente en la Guerra Civil. Madrid. ◊ Grupo gubernamental: es el gobierno central y autonómico. que está dividido en grupos: socialistas. y fue en dos ocasiones ministro de cultura francés. Está basada en un capítulo de la novela de Malraux La Esperanza. Hay una importancia documental sobre las películas de ficción. se encontraban en territorio republicano. Barcelona y Valencia. Malraux era antifascista. y cambian la narración y su sentido. Al igual que los otros tratan el tema de la lucha antifascista. André Malraux participó era un intelectual. CINE REALIZADO DURANTE LA GUERRA CIVIL: BANDO NACIONAL El bando rebelde o nacional tenía carencia de infraestructuras cinematográficas. de HISPANO FILM PRODUCTION BERLÍN. de Joaquín Reig. Hay una ayuda industrial extranjera. realizada en 1937. SIERRA DE TERUEL. Destaca una película documental. ◊ Marxista: son los comunistas y socialistas. España heroica. André Malraux. o Sierra de Teruel/L' espoir/Man's hope de André Malraux de 1939. The Spanish Earth realizada por John Ivens en 1937. Buscan el tema de la lucha antifascista. y tienen en común con los marxistas presentar a los enemigos como un invasor extranjero. El bando republicano conservaba la infraestructura de la industria cinematográfica. Italia y Portugal. Valencia y Barcelona. lo cual le imposibilita la tarea de realizar cine. Lo países de ideología afín a la fascista: Alemania. se convirtió en una especie de embajador. Hay tres tipos de producción dentro del cine republicano: ◊ Anarquista: depende de las gestiones y la dirección de la CNT. Le encarga películas que patrocinen al bando republicano. igual que el bando republicano. Todas ellas fueron filmadas por directores extranjeros durante el conflicto bélico. Justifica el alzamiento contra la República. 17 . En su segundo mandato (1959 − 69) realiza una práctica proteccionista del cine francés. realizada en 1937 y en la que Buñuel participa de montador. Se emplea material de archivo. Esta película se convirtió en la película más cara del bando republicano. Supone el mayor esfuerzo de este bando. realizada en 1937. El tema principal es la lucha antifascista e intentan potenciar el film popular. es una película de gran calidad. Desde 1936 el gobierno republicano impone una censura que vigila la ideología política de las películas realizadas en su territorio. Al ser derribado en varias ocasiones. cineasta y escritor. le otorgó un puesto administrativo. práctica que servirá de modelo para España. El director y parte del equipo técnico es extranjero. incluso imágenes tomadas del bando republicano. Es una obra de gran calidad artística.

DISTINTOS NO − DO'S DE 1943 Se realiza una presentación del NO −DO. El franquismo dura casi 4 décadas (1939 − 75). Todos los aniversarios de Primo de Rivera. se tenía que ver antes el NO − DO. No puede depender de ningún país extranjero y no recibe ayudas de USA tras la II Guerra Mundial para ser reconstruida. material y un grupo de voluntarios. pero participó de forma indirecta por medio de propaganda. ya que a Franco le gustó el resultado. ◊ Dicción sobreactuada. Hasta 1975 si se quería ver una película en el cine. España se proclamó neutral en la II Guerra Mundial. durante el Franquismo. España está dividida. Buñuel y él eran muy amigos aunque tenían ideologías distintas. en los años 30. que colaboró con los alemanes e italianos. ◊ Uso de un castellano estándar. Tras concluir la guerra. pero la película es el máximo 18 . La imagen de Franco cambia hacia los años 60. El NO − DO legitimiza el franquismo y exalta la figura de Franco. Fuerza propagandística. noticiarios y documentales españoles. primero de abril. Tras la Guerra Civil se inicia la Posguerra. JOSÉ LUIS SAENZ DE HEREDIA Saénz de Heredia era primo de Primo de Rivera y era de la Falange. Es una etapa muy dura que no se refleja para nada en el cine. En 1946 la ONU condena el régimen franquista y todos los embajadores se retiran de España. Se había iniciado en el cine bajo las órdenes de Buñuel. José Luis Saenz de Heredia No es una obra maestra desde el punto de vista artístico. En la Posguerra hay una especie de espíritu de cruzada anticomunista. dando una imagen más tierna y humana de cara a Europa y el resto del mundo. la División Azul. Hasta que dirige Raza no era un director destacado. No solo ofrece una visión idealizada. de la función que va a tener y luego aparecen varios reportajes que hablan sobre la vida durante el Franquismo. Los republicanos están en campos de concentración. quedándose España aislada. pasa a ser de una República a ser la dictadura del Generalísimo Franco. La prehistoria del NO − DO se inicia en la Guerra Civil. RAZA. En 1938 el Noticiario Español es creado por el Departamento Nacional de Cinematografía del Bando rebelde. Los cambios de gobierno hacen que Franco se mantenga tanto tiempo en el poder. teniendo un monopolio en la educación. España quedó al margen de Europa. ◊ El Escorial: la Visión perenne de una España eterna. Se combinan noticias anecdóticas con propaganda directa para ensalzar el movimiento. En 1942. A partir de Raza se convertirá en el director del régimen. noticiario que monopolizó las noticias audiovisuales en España desde 1943 hasta 1975. ◊ Lenguaje grandilocuente muy propio de la época. Se impone la cartilla de racionamiento. Desde el punto de vista ideológico inciden sobre la valoración del No−Do: ◊ Mitogenético: quería crear mitos. imperial que no cambia. y durante el franquismo cobra mucha importancia. Hay unas fechas que aparecen. Durante esta época se crea el NO − DO. se crea el NO − DO.EL FRANQUISMO Concluye la Guerra Civil y cambia el régimen. Era de carácter más sutil y menos agresivo que el Noticiario Español. 18 de julio (alzamiento)se hacían especiales. al caudillo. La Iglesia se pone del lado del bando rebelde.

El bueno es Alfredo Mayo. porque nos ayuda a explicar mejor su posicionamiento. ◊ Vida y desarrollo de los hermanos. Si no se monta bien puede liar al espectador. La película se puede dividir en: ◊ Historia: infancia y muerte del padre en la armada. ◊ El montaje es bastante hábil. ◊ Se producen también cambios para hacer la película más comercial: doblaron la voz del actor principal (Alfredo Mayo). se alude indirectamente a EEUU (Cuba y Filipinas) porque España está aislada y quiere abrirse al exterior y ser aceptada. Nos bombardea con información: aceleración del montaje. Ha pasado de ser una película emblemática a una película maldita por los temas y la forma de tratarlos. sonidos Se nos resume el final muy rápido. De esta película salen parte del Star System español. El director de fotografía es Heinrich Ghertner. el reflejo del agua. Ideología: maniqueísmo de los personajes: Fachas y rojos. Además vemos flashbacks y vemos como Pedro se redime. Introducción de imágenes del desfile donde vemos incluso a Franco. Se eliminan alusiones a los masones al inicio de la guerra. ◊ Vida de los hermanos adultos: Pedro y José. pero en la primera parte los 19 . Sigue la estructura clásica (presentación−nudo−desenlace). etc. La película refleja el pensamiento de Franco. lo cual le da interés a la película. 1950. Se convirtió en el prototipo de militar valiente. como Alfredo Mayo que se especializa en los papeles militares. No es una película que pueda destacar por los decorados. Objetivo político: legitimar el alzamiento contra la República y el Rey y el bando vencedor. Se filma la noche de verdad y los planos son muy bonitos. la que vimos y la de Espíritu de una raza. Se precipita por la secuencia de montaje. con un metraje clásico hubiese durado más. que firma bajo su pseudónimo Jaime de Andrade. cortes muy interesantes. Franco escribió la novela. ya que está basada en una novela de Franco. atractivo Interesa resaltar el patriotismo sublime del personaje español a través de este hombre. Existen dos versiones de Raza. sobretodo José y el hermano. Desfile apoteósico: José con su Dios (Franco). Es una síntesis sobre la visión de la Guerra Civil del bando franquista. Cuestiones interesantes: ◊ Aspecto técnico: lo más interesante es la fotografía. Tiene datos biográficos de Franco y su familia. Diferencias: ◊ La versión original es más larga porque en la segunda faltan escenas. La secuencia más hermosa es la del fusilamiento de los monjes (desde que inician la salida de noche hasta el fusilamiento). dinero. ◊ Conclusión de la película. Raza es la única película en el mundo propuesta por un dictador. Desde el punto de vista formal siguen los parámetros clásicos: el malo es moreno y con bigote con los rasgos muy afilados (Pedro). morir con honor). José Nieto que se convirtió en uno de los mejores secundarios del cine español y trabajó en producciones extranjeras al saber hablar inglés o Ana Mariscal (tercera cineasta española). y por la ideología de sus creadores.exponente de lo que Franco quería que fuera el cine español después de la Guerra Civil. Desde pequeños ya se sabe quine será el facha y quien el rojo (pajarillo. Es muy interesante por muchos aspectos. que se convirtió en modelo para la retratística de militares.

CIFESA fue la única productora que consiguió abrir un mercado extranjero. La película gustó a Franco y se propuso como película modélica. Porque en el fondo los 3 legitimarán o justificarán el nuevo régimen. Ideológicamente tampoco eran afines. se observa es su logotipo. A José en el fusilamiento le dan por muerto y sobrevive. Es una película bélica. Manuel Aznar (asesor): continuidad histórica del pueblo español (familia y referencia a la batalla de Trafalgar). España ha existido siempre. (CIFESA) y al principio era una compañía humilde. Alemania. se lo llevaba un motorista al Pardo para que Franco lo revisase. en países como Francia. Físicamente no tienen nada que ver. En la década de los años 30 su producción se centra en películas de carácter regionalista como La verbena de la Paloma o Nobleza Baturra. Es una productora valenciana. Pedro sería Ramón Franco. La familia Casanova toma el control de la productora al año siguiente de su creación. A Franco en África también le dieron por muerto y luego estaba vivo. 6. La idea era defender la lengua española sobre cualquier otra. En los años 40 se centra en otros géneros. El religioso porque la Iglesia consideró la Guerra Civil como una cruzada contra los comunistas. El padre de Franco no fue así. Antes de ser cineasta fue 20 . Era hermano de Franco y eso le dolía al General. Heredia decía que el material que rodaba en un día. Fue una idea desastrosa desde el punto de vista industrial. pero era masón. Histórico y Religioso. Pedro se reúne con su familia y se redime de todo. Madrileño nacido en 1913. Entonces el control fue total. Integra tres géneros distintos que tendrán éxito en los años 40: Bélico. El que se encarga de los decorados es Siegfred Burmann (hace Locura de amor). CIFESA ha sido la productora más importante del Cine español. La idea del Gobierno Franquista era evitar la españolada. Muestra ideológicamente como le gustaría que su padre fuese. LA EDAD DE ORO DE CIFESA En 1941 se impone como obligatoriedad el doblaje de todas las películas extranjeras al español. se convertirá en uno de los mejores directores del cine español. Aspectos autobiográficos: Heredia se centrea en un tema racial. José es Franco. Holanda o el Marruecos Francés. La empresa fue creada en 1932. España unida al destino en lo Universal (Franco). El padre aparece como un héroe (afán por la gloria casi obsesiva). el Micalet de Valencia. por Trenor y el Conde de Moralera. Franco se idealiza a sí mismo proyectando su ego sublimado. RAFAEL GIL Es el director más destacado que trabaja para CIFESA. Va creciendo poco a poco desde su creación hasta finales de los años 30. XIX. Consigue que la industria cinematográfica española adquiera estabilidad. Uno de los mejores pilotos españoles. en Sudamérica y Europa. con el nombre de Compañía Industrial Film Española S. héroe de la película. La raza española distinta al resto del mundo.A. En la película es un oficial de la marina y en realidad era naviego pero civil y tenía fama de borracho.decorados intentan simular el fin del s. El padre de José es el padre de Franco pero con imagen idealizada. LA DÉCADA DE LOS 40. pero las películas se filmaban en Madrid. tiene un trasfondo melodramático. José es un nombre español por excelencia.

Responde a un modelo de Cine Clásico.crítico cinematográfico. EL CLAVO. No es un final feliz al 100%. libro ensayo que contiene el manifiesto del GECI. En 1936 Rafael Gil publica Luz del Cinema. y trabajó para revistas y periódicos como el ABC. ya que la censura demanda que un culpable debe pagar su delito. que promocionaban más que opinar sobre la película. La fotografía es de Alfredo Fraile. Las leyes vigentes de la España franquista no hubieran permitido indultar a una asesina. Se puede vincular con referentes americanos y británicos del cine clásico: recuerda a Rebeca de Hitchcok por el tipo de atmósfera y a Luz de gas de 1941. XIX pero nada más. y donde le influye mucho la comedia americana realizada por gente como Frank Capra o King Vidor. Durante la Guerra Civil se cambia de bando. que en la década siguiente se convertirá en uno de los referentes del cine español como director. Eduardo Marquina y Rafael Gil escribieron el guión de El Clavo. Aunque hay varios cambios: ◊ El texto se ambienta en Andalucía y la película en Castilla. La fotografía deriva del cine alemán de entreguerras. pero en la película no. está bien ambientada. La película elimina la carga revolucionaria que la chica tiene en la novela. realizando documentales para los rebeldes o bando nacionalista. El chico es el modelo ideal del hombre de la época. La luz materializa el estado de ánimo de los personajes. Se sabe que se ambienta en el s. ◊ En la novela hay una presencia de datos concretos históricos. Importancia de las sombras y los contrastes de claroscuro. Verosimilitud. ◊ En la novela la chica es ejecutada pero en la película se la condena a cadena perpetua. lo que se refleja de forma positiva en su obra. Dentro del cine español El Clavo resulta una película un poco insólita. La chica se salva porque la productora pensaba que si moría la película no funcionaría. discípulo del austriaco Enrique Gerner. ◊ Pedro Antonio de Alarcón era un escritor romántico de ideal liberal. Es una película clásica donde el final tiene que ser feliz. La trama está basada en hechos reales. Rafael Gil tiene varias etapas cinematográficas. El problema es que la chica es una asesina y tampoco se le puede dejar escapar. 1944 Se intentó hacer de ella una especie de película programática. que crea esa atmósfera expresionista de la película. Se realiza un final compensatorio. Destacará por realizar una de las mejores versiones del Quijote y hacer películas religiosas como La fe. En los años 40 realiza cine de ficción. por parte de CIFESA y de Rafael Gil. el cine expresionista. de gran variedad. como muchos otros. En 1933 forma parte de la creación de la asociación GECI (Grupo de Escritores Cinematográficos independientes). adaptando el relato corto de Pedro Antonio de Alarcón. Durante la República realiza documentales para la República como Soldados campesinos o Resistencia en Levante. Rafael Gil. El ayudante de dirección fue José Antonio Nieves Conde. Algunas de las pocas críticas de la película en la época. La película se acomoda a la realidad vigente en 1944 en España. Poseía una idea clara de lo que era el cine y su historia. como Flechas o La corrida de la victoria. una especie de cineclub formado por escritores que fueran todo lo contrario a la mayoría de los críticos de la época que eran una especie de agentes publicitarios. acusan a la película de ser demasiado dependiente de la novela. Hay una dualidad constante: ◊ Comienza siendo un melodrama romántico y justo a mitad de la película pasa a ser 21 . El guión destaca por la calidad de los diálogos. característicos del cine policíaco. La guerra de Dios o La duda. un modelo para el cine español. el happy end.

El cambio de focalización está hecho con el propósito de que no se sepa la verdad hasta el final. Hizo una segunda versión en 1971. EL HOMBRE QUE SE QUISO MATAR. La película fue un éxito. y los nacionales que se dejan influenciar por ellos. España está aislada en esos momentos y se quiere dar una versión del exterior negativa. al enterase de que su amada es la asesina. lo cual fue un modo de promocionar la película. para con ellos realizar 15 películas en España gratis. Aurora Bautista realiza una interpretación exagerada. La sensación general al ver la película es de homogeneidad. los personajes secundarios tienen en común que son todos cómicos frente a la seriedad de los protagonistas. como los de la Catedral de Burgos. Consiguió 15 licencias de importación: con una licencia se podía distribuir una película extranjera en España y conseguir todos los beneficios. por la exaltación de los principios morales y políticos y los valores nacionales de la España franquista. Castilla destaca por su sobriedad. Rafael Gil. La película descubre a dos grandes actrices: Aurora Bautista. Fue declarada Película de interés nacional por el Gobierno. Es una superproducción que costó 4 millones de pesetas. el consejero. los malos son los extranjeros: Felipe el Hermoso. Los decorados ayudan a definir y diferenciar a los personajes y el lugar: Flandes. JUAN DE ORDUÑA LOCURA DE AMOR. En su primera versión la protagonizó Antonio Casal. que se estrena como actriz de cine y Sara Montiel. Aplica la misma técnica de interpretación en el cine que en el teatro. La película destaca por la focalización (perspectiva desde donde se narra la historia): la primera parte de la película está focalizada hacia el juez. Aparecen los grandes secundarios del momento. 1941 Está basada en las películas de Frank Capra y Harold Lloyd. Los musulmanes reciben mejor respeto 22 . sólo sabemos lo que ha vivido el juez. La segunda parte emplea una focalización 0. que hace de Felipe el Hermoso. Fernando Rey. Es un híbrido de géneros. Juana la Loca. una perspectiva neutra. porque es el juez pero también la víctima. El flashback es fundamental para que los espectadores se pongan del lado de la asesina. Castilla.un género policíaco. ya que es Blanca y a media película nos enteramos de que es Grabriela. Es una película xenófoba. Son unos decorados muy bien hechos. que en ocasiones parecen reales. La atmósfera de misterio creada por la fotografía a lo largo de toda la película. etc. Destacan los decorados realizados por Sigfrido. salvo el momento del juicio en el que se inicia un flashback relatado por Blanca. Fue el primer éxito de Rafael Gil. El guión está muy bien concebido. La continuidad da la homogeneidad. general. se está haciendo famoso en estos momentos. 1948 Es el modelo de cine histórico dentro de la dictadura franquista. ◊ En el juez también hay una dualidad. ◊ El personaje de Blanca también es doble. los gags están protagonizados por los personajes secundarios. Juan de Orduña. ya que El vals de las flores aparece 3 veces a lo largo de toda la película: el vals es una metáfora sonora de la pasión que siente el juez por Blanca. la Banda Sonora también es un elemento de continuidad. Jorge Mistral ya es un gran actor. pero se convertirá en una gran estrella del cine franquista a partir de esta película.

ya que una obra de arte tiene un mayor prestigio. XIX. La intención es dar verosimilitud a la película.Es interesante su argumento. Hace una revisión de Señorita Trévelez (1936). y destacan El malvado carabel (1935). la historia se repite. Hizo tres carreras (derecho. El último plano de la película reproduce al detalle el cuadro del pintor del s. En su día no tuvo apoyo académico. Se intentan legitimar las decisiones de la España franquista comparándolas con las acciones del pasado d grandes personajes. diplomacia y Filosofía y letras). económico.en las películas históricas que los judíos. La vida en un hilo (1945) o Duende y misterio del flamenco (1952). Trabajó la mayor parte de su vida como diplomático. Hizo de todo: fue guionista. Alfredo Mayo y Luis Peña son los protagonistas. Desde hace 20 años se está revalorizando su carrera. A partir de ahí se desvincula de la política. Edgar era Conde de Berlanga del Duero. gubernamental. Fue diplomado en África. El impacto de La codorniz vino por el contexto. como una metáfora. Francisco Pradilla. Frente de Madrid (1940). Sus películas tratan temas distintos. Cuando Mauro abandona la legión para aceptar el trono de su país para Grajo deja de tener sentido todo y solo es feliz cuando está con él. Se falsea la historia. 1942 Es una película conectada con el tipo de política del presente histórico. es lo que se llama Tableau vivant. En Locura de amor hay una equivalencia entre la España imperial y la España franquista. Juan de Orduña. ¡A MI LA LEGIÓN!. Juan de Orduña sistematiza el género histórico gracias a esta película. etc. es un humor surrealista. humanista. uno de los documentales más respetuosos de flamenco que ganó un premio en Cannes. Era políglota y un genio polifacético. La concepción de la historia es cíclica. El propio Juan de Orduña habla de hacer una película histórica con un 70 % de apuntamiento de fantasía y el resto realidad histórica. Al final consigue que abdique del trono y se lo trae a España. espía. periodista. igual que lo que ocurre en el franquismo. Al acabar la guerra empieza a sentirse desencantado por el giro que toma la nación. Pensó que se instauraría otro régimen. En los años 30 surgió un problema importante. Trabaja en La codorniz. Esto se utiliza mucho en el cine y sobre todo en el género histórico. El Grajo tiene novia. La Torre de los siete jorobados (1944). Se refleja una aversión hacia los políticos de la película: los políticos son los que conspiran en contra de Juana la Loca. para que la película sea soportable. ◊ Lo que en su momento se interpreta como una película bélica ahora se interpreta como una apología a la homosexualidad (Grajo y Mauro). EDGAR NEVILLE (1899−1967) Se sale de lo ordinario. El cine norteamericano está ganando 23 . Un año antes es cuando Franco manda a militares voluntarios de la División azul para ayudar a los nazis contra el frente ruso. La acción se desarrolla en Marruecos. En Locura de amor hay una visión romántica e idealizada del pasado histórico. Desde hace unos años está recibiendo una nueva interpretación. etc. Puede que sea el cineasta más culto. Se tiende a ofrecer una visión idealizada e ideológicamente interesada en el cine histórico de todo el mundo. Aspectos curiosos: ◊ Visión romántica de la guerra: militares españoles en suelo extranjero: Marruecos. estaba muy vinculado con la Generación del 97.

Neville trabajó en EEUU para hacer traducciones de los diálogos. El castillo de Trento. La película. El referente cinematográfico es el cine expresionista alemán a través del cine norteamericano de la Universal (productora que se especializa en el cine de terror). que en la película hace de sobrina. Es otro de los legados que ha tenido la película. de Orase Wincpole (1764). Podemos ver en la novela gótica. algo realmente meritorio. todo un tratado de ocultismo. es una obra maestra del género fantástico en la que vemos similitudes. Con el sonido sincronizado no se les había ocurrido la idea de doblar y filmaban la película varias veces.importancia. que consigue de nuevo integrarse y retirar sus sanciones. Es un caso insólito. La novela habla de astrología (de ciencias esotéricas). 1944 Tiene unos referentes muy curiosos. en el sentido del humor y casi se olvida del ocultismo de la historia. Fue amigo de Charles Chaplin. Entre 1940−75 los personajes más conocidos en los cómics españoles son Roberto Alcázar y Pedrín y el Guerrero del antifaz. sectas. LA TORRE DE LOS SIETE JOROBADOS. Duglas Ferbanks. El panorama internacional cambia: estamos en plena Guerra Fría. Sale también Félix de Pomes y su hija Isabel de Pomes. hasta los 60−70 cuando surgen directores y actores que se convierten en grandes estrellas y hacen películas de culto. con una vida totalmente extravagante. La parada de los monstruos. no se tenía tradición del género de ficción ni de terror (que ahora está de moda). El comunismo era el enemigo. Alex de la Iglesia dice que sus películas son hijas directas de La torre de los siete jorobados. satanismos. magia. viajes astrales. con 24 . etc. Jesús Palacios. Una de sus aventuras se titula El torreón de los jorobados con elementos de la novela y de la película. Es deudora del cine de la Universal. No es solo cine fantástico. periodo bastante largo y penoso del que se han hecho bastantes películas. Es una adaptación de la novela de Emilio Carrere. hipnotismo. Podemos hablar de mixtura y también tenemos comedia. simplifica la novela pero se centra en la comicidad. LOS AÑOS 50 La década de los 50 supuso un cambio a nivel sociopolítico y también económico en España. etc. Edgar Neville. Nunca entregaba a tiempo los encargos. etc. Jesús Palacios consigue distinguir los textos de cada uno. aunque son malas. El editor contrata a un 2º escritor: Capital Sirius o Jesús de Bragón para finalizar la novela inconclusa. Emilio fue un novelista totalmente bohemio. Influye notablemente en Alex de la Iglesia. El prólogo está escrito por uno de los mejores especialistas del género. El actor principal es Antonio Casal. Destaca la fotografía de Enrique Barreyre que crea grandes contrastes de luces y sombras para crear la atmósfera fantástica. Emilio hace una última revisión y unifica el estilo literario. 7. La novela sobre la que se adapta la película es una reconstrucción de otra de sus novelas. La película prescinde de la base filosófica de la novela. EE UU se acerca a España. el sentido del humor y el cine fantástico. espiritismo. Fue censurada por una referencia a los masones y porque los censores no querían que fuese de género fantástico. Porque en la obra de Edgar Neville prima la integridad de lo fantástico con la comicidad con una descripción costumbrista. una referencia literaria para la película. sobre todo en lo que respecta a la crítica social. Edgar Neville convence a los censores y al final no se da una explicación racional de los hechos.

aunque ya existen películas con características modernas antes de la II Guerra Mundial. falangistas desencantados. en Francia con la Nouvelle Vague o en Inglaterra con el Free Cinema hacia los años 50. y trabajó en publicaciones como el diario Pueblo. JOSE ANTONIO NIEVES CONDE José Antonio Nieves Conde nació en Segovia y era de la Falange. Es la primera película española de cine negro: crítica social y política unida. Al gobierno franquista le interesa dar una imagen abierta y más tolerante. En 1946 despega como cineasta realizando películas como Senda ignorada (1947). porque fue la primera vez que se trataron. que dura hasta finales de los años 50. Desde finales de la II Guerra Mundial se empieza a imponer el cine moderno frente al cine clásico. etc. habla de la prostitución. y el gobierno le obligó a dimitir en su cargo. Los guionistas son Natividad Zaro. Supone una revisión histórica del cine. el más castizo de todos. acto de toma de conciencia del cine español. gángsteres. En principio fue crítico de cine. El nuevo modelo de cine se inicia en Italia con el Neorrealismo. Gonzalo Torrente Ballester y José Antonio Nieves Conde. A partir de 1942 empieza a escribir guiones. El género negro 25 . Surcos competía con Alba de América. Fue muy censurado debido al contenido social de sus películas. José Antonio Nieves Conde. e intentó premiar a Surcos como película de Interés Nacional. Esta película es la primera película moderna de la historia del cine español. la emigración. Su intención es despertar la conciencia de los espectadores. pero controlando la censura. Se comienza a hablar de cine moderno. A José María García Escudero le interesaba renovar el cine español. tecnócrata. Balarasa (1950) protagonizada por Fernando Fernán Gómez. Esta experiencia es su mejor escuela. pues muchos españoles emigraban a Francia y Alemania a trabajar. dirigido por Arias Navarro (1951 − 62). Los peces rojos (1955) o El inquilino (1957). En 1951 se crea el Ministerio de Información y Turismo del que depende el cine. Murió en 2004. Aún así. mafia. consigue ayudas internacionales norteamericanas y divisas. el paro. en películas como El Clavo. además de su bagaje cultural. etc. la búsqueda de trabajo. Los personajes hablan las jergas del Madrid de la época. La película tiene influencias neorrealistas. Es inspiradora de las Conversaciones de Salamanca. 1951 La película supone el punto de inflexión del cine franquista. El ministro nombra a José María García Escudero director de cinematografía. El turismo es una segunda entrada de divisas. lo cual hace que tenga una conciencia histórica del cine. pero hubo represalias y enfrentamientos entre los miembros del gobierno. Estos temas trajeron consecuencias. SURCOS. el gangsterismo. Progresivamente se fue desligando del régimen. Surcos (1951). película de género histórico que hablaba sobre Cristóbal Colón y el descubrimiento de América y los Reyes Católicos. personajes con personalidad ambigua y ambigüedad moral.consecuencias económicas positivas. A partir de esta película se originan varios caminos. una película que sigue el modelo clásico e idealiza el periodo histórico en que se basa. García Escudero se negó a dárselo a Alba de América. en especial del Barrio de Lavapiés. Es una película muy crítica. Surcos fue nombrada película de Interés Nacional. Entre 1942 − 45 fue ayudante de dirección de Rafael Gil. El gobierno de Franco sigue sufriendo crisis y empieza el gobierno del Opus Dei.

mareo). sólo sonido analógico. Esto ocurre por primera vez en la Nouvelle Vague francesa. no son una piña. En esta fecha se realizó la I Semana de Cine Neorrealista Italiano y en 1953 la II Semana de Cine Neorrealista Italiano. el sonido y la música exteriorizan un sentimiento interno del personaje. La temática de la película es variada: trata éxodo rural que está sufriendo la España franquista en esos años con la esperanza de mejorar su nivel de vida y enviar dinero a sus familiares. Suenan los ruidos naturales y al final la música se potencia. etc. Hay gente que la remite a La aldea maldita. El hijo mayor acaba muy mal. fascismo. presencia nazi. En España llega un poco tarde. También hay vinculaciones con el cine soviético desde el punto de vista técnico. Surcos intenta seguir el mismo camino y ofrecer problemas que se están viviendo en España. con una sucesión de planos que se van acelerando al ritmo de los golpes. En el cine clásico italiano se hacen películas históricas y Mussolini buscaba idealizarse comparándose con los héroes del pasado. Se inspira en el cine negro francés y americano. En ella se ha utilizado el montaje soviético desprovisto de la ideología soviética. el estraperlo. El cine clásico italiano era el de Mussolini y el neorrealismo se opone a este cine. justo cuando se hace esta película. la hija no se iba con los padres se quedaba en Madrid. Destaca la influencia Neorrealista de la película. La ciudad es mala y el campo es bueno. La música potencia esa angustia del momento. Ese efecto realista es moderno.deriva de la novela negra. Intentos por hacer 26 . Todos los sonidos tienen la misma importancia. En final fue modificado por la censura. Existe un egoísmo personal de todos.). el gangsterismo. El Neorrealismo se cita en la película. Intenta dar la sensación de mareo y angustia que está padeciendo el personaje por medio del montaje de choque. No fue bien visto al principio por su crítica e ideología. el contrabando. Esta secuencia pretende mostrar la angustia del trabajo en la fábrica. sobretodo gente joven. La mejor secuencia es cuando el padre encuentra trabajo en una fábrica. concentrado en escenas concretas e importantes. como prostituta. José Antonio Nieves Conde había visto suficiente cine neorrealista para hacer la película. La secuencia en la que el padre está trabajando en la fábrica no tiene diálogos. además están inclinados (tensión. En España no se pueden ver películas neorrealistas hasta 1951. A partir de este problema surgen el desempleo. Hay diálogos que no se entienden porque a los cineastas no les interesa. que se trata de una forma delicada. Hay un ataque al vococentrismo (bajar el sonido o música para que se escuche la voz humana). en la literatura hispana y en la pintura crítica como Goya. La imagen. Con el neorrealismo quieren poner los puntos sobre las íes y mostrar los problemas que están sufriendo en Italia (desempleo. Los soviéticos aplicaban el montaje de forma científica para poner al espectador a favor de la revolución. En muchas escenas de la película no se escuchan bien los diálogos debido al sonido de fondo. La unión del principio desaparece cuando llegan a la ciudad. Es un género muy realista. Las dos únicas personas que se salvan son el padre y el hijo pequeño que huye porque se ve avergonzado. saca todo aquello que los españoles no querían reconocer. la violencia y la prostitución. Esto va unido a la incapacidad de las ciudades para acoger a esta población inmigrante. Modernidad en el tratamiento de la estética sonora. Surcos emplea el montaje soviético desde un punto de vista expresionista. sobre todo en la concepción del montaje.

◊ Tarde de Toros. Fue un cineasta muy cosmopolita. Francia. se les daba un bocadillo. y la opinión de la crítica y el público es 27 . CINE ESPAÑOL DE LOS AÑOS 50 En 1952 se sustituye la Junta Superior de Orientación Cinematográfica por la Junta de Calificación y Censura como organismo censor. Es una de las mejores películas del cine religioso que intentó hacer el Franquismo. El gobierno franquista sigue controlando la producción. países latinoamericanos. ◊ Marcelino Pan y Vino. Francia. Sirvió de inspiración a cineastas del nuevo cine español. fue el niño más famoso del cine español. Mi tío Jacinto o Un ángel pasó por Brooklyn. con actores como Joselito o Marisol. Desarrolló su carrera en Hungría. etc. que tendrá importancia en los 60 y 70. y en los últimos años ha sido atacada y tiene mala fama. En España gozó de un gran éxito comercial y crítico. Se hacen coproducciones con países extranjeros como Italia. A los extras no se les pagaba sueldo. Laszlo Vajda. Reino Unido y España. Bélgica. Se quedó descontento con los resultados. 1954. de Luis César Amadori y protagonizada por Sara Montiel. Los géneros de moda en los 40. Camas de orcas. protagonizada por Sara Montiel. es más barato rodar en España por el bajo nivel de vida de esta época. LASZLO VAJDA (1906 − 1965) Nació en Hungría. de Laszlo Vajda. género que repite con otras películas. Tardes de toros. Todo comienza con Marcelino Pan y Vino. Destacan géneros como el musical folklórico o la comedia. Pablito Calvo trabaja con Vadja en Doña Francisquita. Las 5 películas más taquilleras de los años 50 son: ◊ El último cuplé. Y otro género importante será el cine con niño. de Luis César Amadori. Marcelino Pan y Vino. donde llega en 1954. 1954 Fue una de las películas más populares de su época. estuvo 365 días en cartel. Se convirtió un director tan importante que recibió la orden de Isabel la Católica. como el histórico desaparecen. Alemania. ◊ ¿Dónde vas Alfonso XII?. de Laszlo Vajda. Hollywood tiene el mismo clima) y la economía. ◊ La violetera. La ventaja de las coproducciones es que España es un lugar ideal para la filmación de películas por el sol (en Estados Unidos. director de fotografía. Asume una posición autocrítica. El halo del Nacional − Catolicismo en principio benefició a la película pero a partir de la democracia ha perjudicado a la película. MARCELINO PAN Y VINO. 1956. El género policiaco empieza a hacerse de forma asidua. y empiezan a tener importancia el fútbol y los toros. Convierte a Pablito Calvo en una estrella y en uno de sus colaboradores más asiduos junto con Heinrich Gaertner. de Juan de Orduña. es una de las películas emblemáticas de lo que se llamó el Nacional − Catolicismo.un cine social y pudo realizar pocos proyectos. Fue pionero del cine con niño en Marcelino Pan y Vino. Pablito Calvo.

Es la frustración de Marcelino. En la mitología germánica el herrero realiza las armas. Inaugura un nuevo género del cine español: el cine con niño. herederos del modelo que impone esta película pero ninguna de sus películas ofrece tanta calidad como Marcelino Pan y Vino. En lo personajes secundarios vemos a actores ya consolidados y que hemos visto en otras películas: Isabel Pomés (madre de Manuel). etc.000 pesetas). luego hay un flashback (historia de Marcelino) y vuelve al presente. Crea su doble psicológico inventándose su amigo imaginario. porque el niño tenía 4 años. Antonio Ferrandis (monje que apenas sale). La película tiene un planteamiento curioso. el padre de Surcos (molinero). Consiguió el primer premio del Sindicato Nacional del Espectáculo (2. gran maestro de los directores de fotografía españoles. Fernando Rey (fraile que cuenta la historia). Ganó varios premios y menciones en festivales tan prestigiosos como el de Berlín o Cannes.400. Es una obra maestra del cine español. Los frailes no pueden ser padres. Consiguió un enorme éxito crítico y comercial fuera de España. sino no. Es un reparto de lujo. La estructura de la película es complicada: comienza en el presente. Rafael Ribelles (padre superior de la orden). La adopción de Marcelino elimina la frustración de no poder ser padres. el problema es que cuando los niños crecieron el género se agotó. que continuará con películas protagonizadas por Joselito. pero no pueden ser madre. al final incluso el Padre Superior. Destaca la fotografía. Los guionistas son Lazlo Vajda y José Mª Sánchez Silva. El estado lo representan los alcaldes: el alcalde bueno ayuda a los monjes y el malo intenta expulsarlos. El protagonismo absoluto recae sobre un personaje infantil. Destaca una escena en la que una mujer busca a su hijo (Manuel) que no aparece. realizan una adaptación de un cuento de José Mª Sánchez Silva. que es una de las mejores fotografiadas en blanco y negro del cine español. pero todos asumen la función paterna de Marcelino. Marcelino ha sido abandonado y es huérfano. Marisol. Se intenta ofrecer la mejor imagen de la Iglesia cristiana. Recaudó bastante dinero y fue declarada Película de Interés Nacional. A Marcelino le gustaría ser su hijo y tener una madre como ella. ♦ La mitología: el alcalde malo antes era un herrero. Cuando la iglesia no ha podido asimilar una divinidad pagana lo ha 28 . Todos se encariñan con el niño. Rocío Durcal. ◊ Búsqueda de una madre por parte de Marcelino. La voz de Marcelino la dobla una mujer. La gente le respeta y le teme.peyorativa. El niño se ve arropado por los monjes que hacen la función de padre. El director de fotografía fue Heinrich Gaertner. ♦ Relaciones Iglesia− Estado: La Iglesia está representada por la orden de los franciscanos. Con esto sacamos en claro que si el Estado actúa con la Iglesia obrará bien. Los temas que trata la película son: ◊ La asunción de la paternidad: constante temática en toda la obra de Laszlo Vajda. conoce los metales (alquimia) y conoce el fuego (magia). La película tiene una gran calidad. Se bifurca en dos variantes: ◊ La búsqueda de la paternidad de los frailes. cada fraile asume una función. el hijo de Surcos (padre de la niña que se está muriendo).

es como la escalera de Jacob. No es una película para llorar. No le vemos el rostro por señal de respeto. El niño ha conseguido el objetivo que tienen todos los místicos: conseguir una experiencia directa con Dios. un relato breve de tradición oral dirigida a los niños. al final se transforma en una hierogamia. EL CEBO. es una visión dulcificada de la muerte de Marcelino. Cuando los monjes descubren a Marcelino muerto el espacio desaparece. Es un tema muy duro tratado con mucha delicadeza. y la niña la caperucita). The pledge. es sólo un ídolo. el bien). Ofrece una visión metonímica. En El Cebo lo vemos claro en el dibujo de la niña asesinada. creado por Disney. un juego de raccords. como la muerte de niños. que subraya los movimientos de los personajes.demonizado. presencia de lo sagrado. Cuando Cristo está crucificado vemos su rostro. que aparece sentado en una silla como dormido. muy bien fotografiada. En Marcelino Pan y Vino un fraile le cuenta a una niña enferma un cuento. en una visión de gloria. Recientemente en EEUU se ha realizado un remake. sino que se entienda. Se utiliza la fantasía de los niños para interpretar realidades. Él le dice que es muy bueno y que le concede un deseo. elegante y comedida. Destaca el fragmento en el que Marcelino desobedece a los frailes y sube al desván. la mirada del niño está en contrapicado (de abajo a arriba) y la de Cristo en picado (de arriba abajo). Después. al cielo. Pretende ayudarles a aceptar la muerte. es delicada. que convierte a la película en cine fantástico. La hierofanta viene marcada por la puesta en escena: cambia totalmente la iluminación (la luz es la divinidad. El cuento es narrado por el fraile a una niña que se está muriendo y a sus padres. del cuento. La Koimeisis es la dormición (como la Virgen). Laszlo Vajda. y El Cebo nos deja evidente en el argumento una versión de la caperucita roja (el lobo sería el asesino de las niñas. Se ve representada una hierofanta. La mejor forma de vivir la espiritualidad es la sencillez. Lo importante no es que sea verdad o no. Dios se tiene que manifestar con luz y por eso cambia la iluminación. Dios lo ve. el policía el cazador. Es una muerte bonita. La música acompaña los movimientos de los personajes. Vemos a Marcelino en picado visto desde el punto de vista de Dios encarnado. Las escaleras simbolizan la subida a otra dimensión. con imágenes simbólicas que ayudan al niño de forma inconsciente a madurar. Él le contesta que quiere ir con su madre. Las guadañas que se guardan en el desván son una prefiguración de la muerte de Marcelino. es blanco (precursor de Matrix). que lleva al policía a seguir el rastro del asesino. habla con Dios. Los niños pequeños son inocentes y puros. (referencia iconográfica de Cristo abrazando a san Francisco). sobria. ◊ El protagonismo infantil. Es una mano muy bien elegida. ◊ Presencia del universo legendario. ♦ Aceptación de la muerte: la película es un cuento. ◊ Tratamiento elegante de uno o varios temas crudos. ◊ Presencia diegética a través de un cuento. El desván está iluminado con luz expresionista. Se emplea un recurso utilizado por los dibujos animados. ◊ Búsqueda de la paternidad por parte de los niños. una visión dulcificada para que la niña del presente pierda el miedo a la muerte. 1958 El cebo es una película muy importante e interesante. hay una continuidad del montaje. 29 . por la posibilidad del milagro. Es esto lo que le permite la conexión con Dios. dirigida por Sean Penn. Tiene varios puntos en común con Marcelino Pan y vino. Es una secuencia clave. con claroscuros. y cuando se encarna sólo vemos su mano. Destaca el momento en que Marcelino le entrega al Cristo crucificado el pan.

Sorprende que una película de terror.◊ La utilización de la violencia en la película pero de forma muy reprimida. Nunca pasa nada (1963). Su obra fue uno de los estímulos más poderosos para los cineastas que constituyeron el llamado Nuevo cine español. Al morir Franco. luego los niños dibujan la cabra de la matricula del coche. El asesino de niños se nos muestra como una sombra y las manos crespadas por el nerviosismo. no se muestra ni sangre ni heridas. Bardem es uno de los directores que en su día gozaron de mayor prestigio en el extranjero. en lugar de utilizar la fotografía expresionista. Muerte de un ciclista (1955). A partir de aquí se separan y cada uno hace sus películas. que pertenece al cine negro y con la que se llevó el premio de la crítica en le festival de Cannes. Bardem empezó a tomarse en serio el cine cuando le llegó a sus manos una traducción en inglés del libro Técnica cinematográfica del cineasta y teórico Pudovkin. Es más naturalista. pero ahora sobretodo crítica política abierta con películas como El puente (1976). con la que vuelve a conseguir el premio de la crítica en el festival de Cannes. utilice la High Key (clave alta). La película era una co−prudcción con Francia y el equipo francés movió hilos para que le sacasen y poder acabar la película. que escriben y dirigen juntos. es hermano de Pilar Bardem y tío de Javier Bardem. adaptación de la obra de Valle−Inclán. Sus inicios como artista los realiza en el teatro. su obra es muy crítica. la obra de Bardem continúa teniendo crítica social. la niña asesinada dibuja al asesino. así pues. Bardem y Berlanga fueron los primeros de la promoción del IIEC. Estuvo encarcelado dos veces: durante el rodaje de Calle Mayor (1956). que se llevó el gran Premio del Festival de Moscú o Siete días de enero 30 . Estudió ingeniería agrónoma y sus primeras películas son técnicas. encargadas por Ministerio de Agricultura. Suelen utilizar esta iluminación las comedias románticas. tras la muerte de Franco. así aparece el suspense. Bienvenido Mr Marshall (1952) dirigida por Berlanga y escrita entre otros por Bardem. Se nos dosifica la aparición del asesino. (1955). tipo de iluminación opuesta a la expresionista. Bardem es un precursor de ese nuevo cine español. lo metieron un mes en Carabanchel con los miembros más importantes del comunismo. La venganza (1958). Constantemente fue invitado para hacer de juez en grandes festivales de cine. Su afición por el cine empezó cuando vio la película El delator (The Informer) de John Ford. sobretodo teatral y posteriormente cinematográfica. Durante el rodaje de esta película lo meten en la cárcel por ser comunista. por ser comunista y en 1975. fue la película guía para Bardem. pero también onírico. 1935. Destaca la fotografía del bosque que crea un espacio de terror. por prevención. Destacan películas de Bardem. Sonatas (1959). Sus películas fueron distribuidas en EEUU por la Warner (la productora más poderosa). En 1947 decide matricularse para estudiar cine en el Instituto de Investigaciones y Experiencias cinematográficas. Sus inicios en el cine de ficción son colaboraciones con Berlanga como Esa pareja feliz. JUAN ANTONIO BARDEM Nació en 1922 en Madrid dentro de una familia de tradición artística. donde los contrastes apenas existen y predomina la luz sobre las partes oscuras. como lo hacen directores como Hitchcock o Griffith. como Cómicos (1953). y los niños que pescan le dan la idea al policía de utilizar a la niña como cebo para atrapar al asesino. Ha sido uno de los cineastas de mayor compromiso político y social. ◊ Los niños solucionan el caso: en El Cebo. Ha sido uno de los directores más reconocidos por la crítica. Calle Mayor (1956). Es un rasgo de originalidad de la película.

donde intentan introducir elementos alternativos. Poco a poco se va desvinculando del cine y se adapta a la TV participando en series como La huella del crimen. Influencias de Bardem: ◊ Técnica: montaje soviético. 1953 Tiene un prólogo previo a la aparición de títulos de crédito. El papel de Miguel (marido) lo iba a hacer Fernando Rey. que preside Bardem hasta 1975. MUERTE DE UN CICLISTA. 1998 que tenía como protagonista a Mar Flores. es decir. La película está protagonizada por Lucía Bosé y Alberto Closas. Tiene una carga crítica muy fuerte pero a veces funciona con elipsis. Juan Antonio Bardem. hacer versiones distintas para estrenarlas en cada país. Creían que al ser una coproducción no la censurarían. en la que realiza el capítulo Jarabe interpretado por Sancho Gracia (1984). ya que estaban prohibidas en España. 31 . En 1943 se afilió al partido comunista. La última película que hizo fue un desastre. L. UNINCI. Bardem murió el 30 de octubre de 2002. fue prohibida por el régimen. Parte del reparto fue español y el resto italiano. Dejó gran número de proyectos por realizar debido a problemas políticos. miniserie dedicada a la juventud de Picasso. Está producida por productoras españolas e italianas (Suecia Films recoge el testigo de CIFESA). No es narradora pero funciona como maestra de ceremonia.(1978). de Buñuel. No fue así. Juan Antonio Bardem. Es un homenaje a los actores y actrices de teatro que en estos momentos se llaman cómicos. En 1960 empieza a formar parte de otra productora. Se llevó el premio de la critica internacional en le Festival de Cannes. Ese año representa a España Marcelino pan y vino. Además la estrenaron primero en el extranjero (Francia) porque si triunfaba allí en España se cortarían un poco y no la censurarían. intentó promocionar a una joven que quería ser actriz pero no valía para ello: Resultado final. El 30% del dinero lo aporta la productora italiana. Este inicio ha condensado el mensaje de toda la película. pero al final no se hizo. El 70% lo aporta la productora española. pero al final no. 1955 Es una película muy importante en el cine español. miniserie de tres episodios. A partir de ahí el punto de vista es neutro. Es una película que no envejece. Nos va diciendo lo que cobra cada uno. Lorca. Hay cosas que se critican pero debemos interpretarlas. En 1960 se crea la Asociación de Sindicatos de Directores Españoles de Cinematografía (ASDREC). Y es una crítica. En 1951 funda su productora de cine: Altamira S. En 1953 funda la revista Objetivo junto a Ricardo Muñoz Suay (primer director de la Filmoteca Valencia). La fotografía es de Alfredo Fraile. Eliminaron una escena de cama en el hotel y al final se queda Juan sin chaqueta y corbata y Mª José sentada en el suelo. CÓMICOS. que intenta plantear otro tipo de cine. El joven Picasso (1991). Intentaron evitar la censura implicando a un país extranjero. una con actores italianos y otra con actores españoles. Simboliza el cine disidente español de los años 50. muerte de un poeta. En esta fecha preside y produce Viridiana. Además escuchamos un sonido subjetivo: pensamiento de la protagonista. Le concedieron una mención porque no podía representar a España ya que Bardem estaba de jurado y no se podía votar a sí mismo. ◊ Estética: Neorrealismo italiano. Se pretendía realizar el régimen de gemelación. cada capitulo lo dirigía un director diferente y representaba un crimen real ocurrido en España. Bardem estudió el montaje soviético sin poder ver ninguna película soviética. lo cual es una innovación.

El final previsto era que ella se salvaba. Los personajes que se salvan son: ◊ Clase social más desfavorecida: a la que pertenece el ciclista. La composición del plano es impresionante (muerte de Mª José). lleva a la perdición a su amante pero le falta la independencia (dependencia de su marido por su egoísmo: riqueza) y le falta la inteligencia. Alfredo Fraile fue el director de fotografía. La fotografía es expresionista. La moral en le cine clásico exige un final compensatorio. Personajes: ◊ La madre representa la España tradicional traumatizada por la guerra y en el pecho lleva las condecoraciones de su hijo muerto. Llegó a diseñar 11 finales distintos para llegar a un acuerdo. La censura eliminó la entrada de los grises contra los estudiantes y cuando les persiguen. El personaje inteligente es Miguel. 1ª SECUENCIA: del inicio de la película destaca la primera secuencia. ◊ Mª José parece ser la mujer fatal. Se pensó que esto daría una imagen negativa. que recoge el relevo de CIFESA en esta época. llegaba a tiempo y cogía el avión. No muere en la guerra y se siente culpable por ello. pero tienen su ética. La censura además se impone en el final de la película. El final es impactante. Juan tiene una crisis de conciencia al final de la película. alta burguesía pero ninguno es feliz (Juan). con dos o tres 32 . No son ricos. no Mª José. El tema de la guerra está omnipresente aunque sólo se habla dos veces de ella. Gente bien situada. muy adecuados para el tipo de trama de la película. Temas: ◊ Retrato de la generación de la Guerra Civil vacía de contenido (Juan) y familiarización con la hipocresía social. Acaba con que el ciclista es el culpable de que la asesina muera. ◊ Juan es la oveja negra de la familia. pero ve la casa y se dirige hacia ella. Normalmente de esta película se valora el contenido crítico y social. Primero sospecha y luego sabe lo de su mujer. que es el género negro. Sabe lo que hay que hacer en cada momento. pero nunca se habla del género al que pertenece. El tema secundario es el nepotismo: el cuñado político enchufa a su familia y la denuncia política. Las mujeres fatales son inteligentes y dominan a los hombres. la necesidad de una regeneración social y política en España. ◊ Revueltas estudiantiles. Temática: todos los temas defienden una tesis determinada. Ética del ciclista: iba a irse. la manera de tratar al chantajista y a su mujer. ◊ Consecuencias de la guerra. seductora. sobretodo psicológicas. La mejor forma de ello era matar al personaje protagonista. La película fue producida Suevia Films. es atractiva. Utiliza contrastes fuertes de claros y oscuros. Los temas apoyan una tesis concreta. ◊ Estudiantes: Matilde que ha suspendido. Se queda sin novia ya que esta se casa con un rico y se convierte en el amante (clandestinidad). Por eso no es la mujer fatal. Bardem (socialista) presenta imágenes de represión del Estado: matrimonio. Hay muchos planos parecidos. políticaDel ejército se habla de pasada. Pero esa regeneración solo puede llegar de manos de los más jóvenes (estudiantes) porque ellos no son los responsables de la Guerra Civil ni han participado en ella.La película prefiguró cosas que iban a ocurrir ese año como la revuelta estudiantil. El listo es él.

La rueda de la bicicleta sigue girando. La relación entre los amantes es explicada por el director a través del montaje. es un punto culminante en la historia. Destaca también el momento en el que el amante. Hay una continuidad sonora y visual. Concede al espectador libertad para centrar la atención donde quiera. Hay una violencia latente a punto de explotar. porque es el chantajista. Existe una continuidad de dirección: el amante se dirige a la cama de izquierda a derecha y la mujer dice ven con los brazos extendidos de derecha a izquierda (da la impresión de que el amante se dirija hacia la mujer).escenas. Las miradas entre la mujer. etc. Finalmente la pareja huye. sin ningún tipo de introducción. Hay un plano de continuidad o raccord. que es muy importante. es el nudo de la historia. porque mientras su dueño está perdiendo la vida. parece que la rueda tenga vida. SECUENCIA DE LA FIESTA FLAMENCA: es un momento tenso debido al montaje. es un montaje de choque. que siempre dejan a un personaje en primer plano tocando el piano. es una profundidad nítida. Es el cine dentro del cine. La música ayuda a la acción. pero la mujer le convence para huir. Luego hay una violencia por medio del montaje y los planos. marcando una perspectiva oblicua. Esta primera secuencia comienza con un plano general fijo. desde el mismo punto de vista pero enmarcado en una pantalla de cine que está viendo el amante en una sala de cine. el coche. Hay ligeros picados y contrapicados del pianista y la mujer mientras hablan. Aparecen una serie de cambios de plano. El guión y el director han querido plasmar en la acción la personalidad de los personajes sin que hablen y sin conocerlos a penas: la mujer quiere huir y el ahombre desea auxiliar al herido. aparecen sonidos de fondo como el ruido del parabrisas. lo más impactante. el amante y el chantajista se cruzan por medio de planos rápidos. se menciona al amante que de repente aparece en la siguiente secuencia. está fumando y la mujer aparta el humo (como si estuvieran frente a frente) que le tira su marido. que estalla con un guantazo de Juan al chantajista. La fotografía mantiene una profundidad de campo para que aparezcan los dos personajes: el hombre sale a auxiliar al ciclista. Margarita Ochoa es la responsable del montaje de la película. Un ciclista entra en el plano y poco a poco se aleja hasta salir del plano. es un rasgo de virtuosismo. La fiesta flamenca da una fuerza dramática que se compara con la tensión dramática de los personajes. Destaca la profundidad de campo porque nos muestra en distintos planos personajes que van a ser importantes en la película. El ciclista se mantiene fuera del campo visual para que los espectadores no vean las heridas del accidente. es una escena de climax. un coche atropella a un ciclista y se da a la fuga. Lo difícil para el director es mantener el ritmo y el interés de la película tras ver lo más destacado al principio de la película. Para enfatizar el silencio. pero de repente aparece un coche haciendo eses al fondo y un primer plano de una pareja. Otro raccord es en el que aparece un hombre hablando en la fiesta y luego vuelve a salir el mismo hombre en la misma posición. el que sabe la relación entre los amantes y el accidente. En un principio parece algo poco trascendente. es algo curioso. La música acentúa este 33 . A través del montaje alternado se pasa del dormitorio de la mujer al de su amante. Comienza con el llamado inicio in media res. El montaje hace que nos sorprendamos porque en la primera secuencia vemos a un hombre y a una mujer que pensamos que son pareja. Se aplica el montaje soviético. Los silencios de los personajes son tan significativos como las palabras. este será importante en el desarrollo de la historia. Son dos acciones que están ocurriendo simultáneamente en espacios distintos. su marido. Juan. pero al pasar a la segunda secuencia vemos que la mujer se está besando con otro hombre e inmediatamente sabemos que ese hombre es su marido y el anterior es su amante. 2ª SECUENCIA: se desarrolla en una fiesta. lo cual suaviza una transición entre secuencias muy brusca. sonoro y visual. que son los responsables de haber atropellado al ciclista que se veía anteriormente.

era socialmente falso (salvo excepciones como Surcos). una mejor crítica que se dedique a hablar de las películas y no sea una simple publicista. Existen manifestaciones muy variadas. pero también directores como Sáez de Heredia. estéticamente nulo (afirmación que no resulta muy correcta ya que se habían realizado películas muy buenas. Es una película en color (experimental). Se emplea el Star System. que habla sobre Eugenia de Montijo y su relación con el emperador Napoleón III. restricciones en el doblaje. Muchas de estas películas son coproducciones con otros países. productores. e industrialmente raquítico. pero hubo una conciencia por parte de los cineastas. aunque la afirmación no es del todo cierta. actores y todo tipo de ideologías. era intelectualmente ínfimo. VIOLETAS IMPERIALES. EL CINE MUSICAL ESPAÑOL No tiene nada que ver con la comedia musical americana. Estas jornadas fueron dirigidas por Basilio Martín Patiño. También participaron críticos de cine. Además de un musical es una película histórica. LAS CONVERSACIONES DE SALAMANCA Dentro de la industria cinematográfica española surge una intención disidente en contra del cine realizado por Franco. Piden una censura más permisiva y menos arbitraria. A estas sesiones acudieron directores como Berlanga. ya que para el Franquismo el cine español si era políticamente eficaz). Se realizaron una serie de ponencias donde hubo una revisión de lo que había sido el cine español desde sus orígenes hasta ese momento y cómo era el cine español de la época. guionistas. 34 . Estas jornadas intentaron ofrecer soluciones y alternativas para mejorar el cine español: realizan una demanda de mayor realismo. que es un cambio en el cine realizado a partir de entonces.choque dramático de planos realizado por medio del montaje. que tenía una voluntad clara para que la situación del cine español cambiara. entonces estudiante. Bardem dijo que el cine español era políticamente ineficaz (no era un cine que plantase cara al Franquismo. Hasta hoy el cine español no ha mejorado y sigue teniendo estas características. Tiene un directo francés y uno español. y en ambos casos el resultado fue una visión negativa. Richard Portier y Fortunato Bernal. Demandan una reestructuración industrial. cuyas películas eran afines al régimen. una personalidad nacional. Bardem o José Antonio Nieves Conde que políticamente estaban en contra del régimen. Solicitaron también el final del NODO y su monopolio informativo y la creación de un documental que acompañara a las películas para mostrar al público la actualidad del cine. 1952 Es una coproducción hispano − francesa. un amparo administrativo. y una protección y fomento de los cineclubs. Se incrementa la tensión hasta que explote nuevamente con violencia física. que crearon el llamado espíritu de Salamanca. Mixtura genérica. Piden un mayor apoyo a la formación profesional y fondos para el Instituto de Investigación y Experiencias Cinematográficas para mejorar el material y equipamiento. Entre los días 14 y 19 de Mayo de 1955 se realiza una especie de seminario organizado por el Sindicato Español Universitario de la Universidad de Salamanca. pero comparándolas con el resto de Europa si que resulta cierta). La administración hizo caso omiso a estas peticiones.

Se alistó como voluntario en la División azul para evitar represalias contra su padre y su familia. Antonio Delamo fue el descubridor de Joselito. Otro ejemplo que denuncia las conversaciones de Salamanca fue la evolución del cine−niño porque los niños crecen y les cambia la voz y éstos fueron sobreexplotados. el actor Luis Mariano dice que va a cantar una canción para entretener a la gente: durante el camino hacia Granada y en el momento en el que están confeccionando el vestido para Eugenia. en estrellas de la adolescencia deseadas por adultos. Marisol y Rocío Durcal. no aparecen los instrumentos en el campo visual. que destacó en películas de Joselito como El pequeño ruiseñor o Saeta de un ruiseñor. Joselito es un niño travieso. TENGO 17 AÑOS. volviendo totalmente desencantado con el falangismo. Es más justificado el número musical porque los protagonistas son niños pero no el acompañamiento. 1964 Interpretada por Rocío Dúrcal. Pero en ambos casos la música es extradiegética. con su padre y su abuelo. Berlanga se hizo falangista por llevar la contraria a su padre. 1957 Dentro del género musical aparece un derivado. que fue una estrella tanto en Francia como en España. Se emplea el Star System: Carmen Sevilla y Luis Mariano. rojo y verde como destacados. pues. en dos de los casos. A Pablito Calvo y Joselito se le acabó la carrera pero a las chicas no se les acabó porque la voz aguda se puede disimular y conforme ves a la niña la ves mujer (cuidan su imagen) se convierten. al que pondrá tres pruebas para conseguir su amor. con gitanos cantando. pero también Antonio Molina o Ana Belén. aunque en España muchos le llamaban maricón cada vez que salía cantando en la pantalla. Los franceses querían ver una visión de España folklórica. y los españoles querían ver esa corte imperial y la nobleza francesa. que comenzó en la radio y fue apadrinado por Luis Mariano. Su padre fue diputado durante la República y la Guerra Civil española. Se convierte 35 . SAETA DE UN RUISEÑOR. sepia. todos hombres. hijo del herrero de un pueblo de Sevilla.pero con el paso del tiempo se ha ido perdiendo. Luchó en el frente ruso y sobrevivió. El joven tiene una hermana llamada Carmela a la que corteja El Quico. Antonio Delamo fue un director muy interesante con una ideología de izquierdas. El director es José María Forqué. En su escapada llega a una modesta casa en la que viven cinco alfareros. es decir. Rocío aprende a vivir con sencillez y se enamora de David. En el fragmento que hemos visto. que canta de forma prodigiosa. el cine con niño. actor vasco−francés. La letra de la canción es el objetivo de los alquimistas Bermellón. Tómbola (1962) o Rocío de la Mancha. Actualización de Blancanieves y los 7 enanitos. cuyos protagonistas indiscutibles en el cine español son Joselito. Rocío es una chica fantasiosa que decide escaparse de casa porque su madrastra no la quiere. Rocío Durcal y Marisol hicieron una película juntas de la proyección del libido masculino (la película es más o menos erótica). Los números musicales están justificados en la mayoría de casos en esta película. La película es una visión de España y de Francia. BERLANGA Berlanga nace en Valencia en 1921. Su deseo es casarse y la solución que encuentra para conseguir el dinero necesario es presentar en la capital a Joselito. El director Luis García descubrió a Marisol y a Rocío Durcal y realizó películas como Un Rayo de luz (1960). por eso se elige como escenario el Sacro Monte de Granada. es un añadido no natural. quedando el blanco y negro. En la escena en la que Carmen Sevilla se pone a cantar y bailar los instrumentos si están justificados diegéticamente porque es un tablao flamenco.

Bienvenido Mr. incluso a la gente del cine. ◊ Influencia del Neorrealismo italiano y el realismo poético francés de René Clair en su época de comedias. aunque se tuvo que cambiar el título. guionista e incluso actor eventual. que empieza a trabajar con Berlanga a partir de Plácido. los cuales pasan de largo. así que se inscribió en el Instituto de investigaciones y experiencias cinematográficas (el primer año). Los jueves milagro y El Verdugo fueron sus películas más censuradas. Berlanga fue uno de los directores más censurados. Tras llegar la Democracia empiezan a surgir películas con mayor libertad de expresión. Intentó hacerse pintor. Marshall. Fue inspirador del Nuevo Cine español junto a Bardem. que restan en sugerencia y originalidad. pero su obra era de muy mala calidad. incluso 2 o 3 secuencias sin cortes. desplazando a los personajes y la cámara de habitación en habitación. sobre todo su carácter jocoso y popular. Hay una crítica a todo el mundo. Representó a España en Cannes y en los Oscar. porque pensamos que es un periodo de paz y sin diferencias sociales. Berlanga es un gran maestro de los planos secuencia. y series televisivas como Blasco Ibáñez. Plácido (1961). ◊ Influencia de Rafael Azcona. y la astracanada. Todos a la cárcel. Sus películas son muy críticas pero a través del sentido del humor. que intenta lavar su conciencia por medio de la caridad. Tiene una buena posición económica y sus películas unagran éxito. Hay una crítica a la visión idealizada de la Navidad. Calabuig. con el que realiza sus primeras películas. pero con desagrado. con elementos surrealistas y absurdos pero muy cotidianos. sus mejores películas son las realizadas durante el Franquismo. y en la película es todo lo contrario. Fue director de la Filmoteca Nacional (1978 − 82). La vaquilla (85). Destacan películas como Esa pareja feliz. Se reparte el protagonismo de los personajes. Un pueblo prepara el recibimiento de los americanos que traerán las ayudas tras la II Guerra Mundial. en las que se enfrenta a la censura por medio de la sugerencia. lo hacen por quedar bien. Los jueves milagro (1957). Realiza varios planos secuencia: son realizados en una sola toma. Tiene un sentido de humor muy negro que habla de la lucha de clases. pero las películas de Berlanga van cayendo en calidad. La imposibilidad de poder expresarse libremente fomenta la creatividad. hay una crítica a ambas clases. es un rasgo de modernidad cinematográfica. Hay una lucha por el ascenso social. Berlanga (Fragmento) Es una de las películas más famosas del cine español. El verdugo (63). Fue también profesor del IEC y de la Escuela Oficial Cinematográfica. PLÁCIDO. etc. es una trilogía). sin cortes. a veces. siendo compañero de Juan Antonio Bardem. INFLUENCIAS DE BERLANGA ◊ El sainete influye mucho en las películas de Berlanga. Tamaño natural (coproducción francesa). 1961 La película no tuvo demasiados problemas con la censura. sobre todo a la hipocresía moral de la clase adinerada. pero pese a ello. Berlanga ha sido director. que contienen una fuerte crítica social hacia el Franquismo. Las mejores películas de Berlanga son la que tienen como coguionista a Rafael Azcona.en anarquista. La escopeta nacional (gran éxito de la Democracia. MARSHALL. BIENVENIDO MR. París Tombuctú. opción muy poco utilizada en el cine clásico donde se utiliza el 36 . Berlanga.

Tiene influencia del neorrealismo: ◊ Lo vemos en el tema: retrata con humor negro la situación precaria de la juventud tras la guerra. El neorrealismo saca los temas que tanto molestaban: paro. Actualmente ha vuelto a desaparecer el plano−secuencia y se fragmentan mucho los planos y son más rápidos. no decorativo. El único aspecto italiano que tienen sus películas españolas es su director. colaboró en La Codorniz. EL PISITO. A partir de 1951−53 se proyectan películas neorrealistas en España. ◊ Problema: se va a tener que casar con su vecina. Es una forma para que entendamos mejor a los personajes. Nace en Milán en 1928 e intenta dedicarse a ser publicista y director pero fracasó y vino a España en 1955 donde trabó amistad con Rafael Azcona. ORSON WELLES 37 . Se respeta el tiempo real de la acción. donde no se trata así hasta los 60. antes no se podían proyectar y las que se veían era clandestinamente. los problemas para encontrar un piso por su precio. escribió guiones para Belle époque. etc. Ese tema está tratado con sentido del humor.plano contra plano. no sintética (selección de momentos importantes). situación problemática de los más desfavorecidos. Frente a esta trampa el veía la solución para dar realismo en un plano−secuencia. Filma: El pisito (1928). Los protagonistas son la anciana. sin decorados. Antropomorfismo: se centra el interés en el ser humano. El gran defensor del plano secuencia es el crítico francés André Bazin. Decía que el cine clásico cuando nos muestra una acción la fragmenta y por tanto no cuenta la realidad. ¡Ay Carmela!. empezó siendo novelista. Estos momentos intrascendentes dan mucha información sobre la vida de los protagonistas. Cada acción nos describe la situación de los personajes. Las tres tienen elementos comunes: director. la pareja de novios eternos. Los chicos (1959) y El cochecito (1960). ◊ También vemos neorrealismo en la narración que es analítica. El resto son acciones que van ocurriendo que interrumpen el relato. pobreza. uno de los mejores guionistas de la historia del cine español. ◊ Desde el punto de vista narrativo el protagonista es coral. Tiene un humor negro (un cojo que está contento por estar cojo). Esto es propio del cine moderno. El maquillaje es muy funcional. 1958 Es una película basada en hechos reales. Incluye momentos que un director clásico hubiese excluido. siempre son temas contemporáneos. Berlanga o Carlos Saura tienen guión de Azcona (nacido en 1926. DIRECTORES EXTRANJEROS QUE DESARROLLAN ALGUNA ETAPA DE SU CARRERA EN ESPAÑA MARCO FERRERI Lo mejor de Marco Ferreri son las películas que realiza en España. Las mejores películas de Ferreri. guionista y la influencia innegable del neorrealismo italiano. realismo. La película nos muestra una situación que sigue vigente hoy en día. Marco Ferreri. etc. el médico. El vococentrismo va pasando de un personaje a otro. Para él era una muestra de respeto de la integridad espacio−temporal de la acción. ◊ Otra conexión con el neorrealismo es el rodaje en interiores y exteriores reales. Los neorrealistas plantearon una alternativa al cine clásico. En 1955 Ferreri conoce y empieza a colaborar con Azcona. lo que le diferencia con el neorrealismo italiano. Llega un momento que no sabemos cuales son los personajes principales y los secundarios.

planos separados. Trata la amistad traicionada (Falstaff traicionado por su amigo debido al poder). De carácter polifacético. fiesta (Goya). Sus películas son precursoras del cine postmoderno. Muchos de esos planos están en constante movimiento (movimiento cámara en mano). pero hacía versiones especiales y libres (Otello ambientado en Jamaica introduciendo el budismo). Sus cenizas están en España. Triunfó con un programa radiofónico: La guerra de los mundos. sin exagerar. Tiene que ver con el Welles expresionista de Ciudadano Kane. escritor. La película está filmada en España y utiliza un reparto internacional impresionante: Falstaff es Orson Welles (con una nariz y una barriga falsa). Los resultados fueron de una calidad extraordinaria. Además utiliza un libro titulado Crónicas de Inglaterra. En su etapa española hizo 3 películas: Mr Arkadin (1955). Las dos películas empiezan con la muerte del protagonista. productor. Campanadas a medianoche (1965) y Don Quijote (1957−1975). 38 . 1965 Película coproducida entre Suiza y España. Fue productor. Tenía un prestidigitador. La escena de batalla ha servido de referente de batallas posteriores. Margaret Rudherford. MR. En el cine clásico esto se plantea de otra manera. Fusionaba obras de Shakespeare. etc. Jean Moreau. director y actor cinematográfico y radiofónico. Se hizo una gemelación de esta película.Se merece el calificativo de genio. guionista. Salen actores extranjeros pero también españoles como Amparo Ribelles. Las alegres comadres de Windsord y Ricardo III. Fernando Rey (sin barba) y José Nieto (hermano malo de Raza). Apenas disponía de presupuesto y tenía a los mínimos extras. 1955 Es una coproducción entre Suiza (70%) y España (30%). Existen tres versiones. Detalles que dejan en ridícula la cultura americana: procesión. escrito por Rafael Holinshep. atrezzo. una idea romántica. Orson Wells. el reparto es español y algunos técnicos también. Sus enemigos potenciaban su imagen negativa. Las películas de hoy son sucesoras de las películas de Welles. se cambia la nacionalidad para proyectarse en otros sitios. Se produce una búsqueda de una identidad igual que en Ciudadano Kane. diálogos rápidos. El paso del tiempo es la obsesión de Welles. Enrique V. Falstaff representa el espíritu ya caduco de lo que era la caballería inglesa. Welles es uno de los mejores adaptadores de Shakespeare. Escocia e Irlanda. todo son picados. Orson Welles. Típico estilo expresionista. Trabajó como pintor aficionado. John Gielgus. El rey es responsable a diferencia de Fasltaff. versátil. con planos muy cercanos y apenas vemos planos de conjunto. ARKADIN. Las tres están filmadas en España. La batalla se presenta muy fragmentada. En Ciudadano Kane se cuenta la historia desde diferentes puntos de vista y vemos como envejece y como cambia su personalidad con el tiempo. En 1941 llega Welles y presenta una alternativa al cine clásico con un cine moderno: Ciudadano Kane o el Cuarto mandamiento. También lo vemos en Sed de mal donde el poder les corrompe. contrapicados. que no terminó. En esta película fusiona argumentos de varias obras: Enrique IV. Luego destacó en su labor teatral: adaptó obras teatrales de Shakespeare. La película que veremos es la versión original subtitulada. pero en color. montaje fragmentado. Veremos la versión española. Juega a crear un espacio irreal. Posteriormente hemos visto muchas batallas como esta. Orson cuida hasta el mínimo detalle de la película. Orson fue un cineasta maldito. decían que era un perezoso incapaz de terminar las obras que había empezado. En esta película lo vemos en como cambia el príncipe que se convierte en rey y Falstaff se muere de pena. CAMPANADAS A MEDIA NOCHE. actor y director de teatro. Destacó en todas las disciplinas artísticas.

Ya no se puede captar una identidad nacional a partir de la TV. Manuel Fraga Iribarne es nombrado ministro de Información y Turismo en 1962. En 1966 se funda el 2º canal de TVE. TV2. Fraga volvió a nombrar director de cinematografía a García escudero. El turismo como industria se potencia en los 60 y las películas utilizan el turismo en las películas. Permitía la recepción de la imagen y el sonido simultáneos a través de ondas hercianas. El hecho de que alguien como Fraga fuese uno de los más liberales contribuye a una relación cine−estado. Fue un boom económico y la renta per capita de los españoles aumentó. porque las televisiones de todos los países se copian los programas las unas a las otras. Ibáñez Serrador adapta obras de la literatura fantástica. 1967 Era un programa creado por Narciso Ibáñez Serrador. Narciso Ibáñez Menta. la calidad ha empeorado desde la aparición de los canales autonómicos y privados. Afortunadamente el vídeo llega a España prácticamente a la vez que la televisión. La primera emisión oficial de TV fue en 1925 y el responsable fue John L.TELEVISIÓN Es un sistema radioeléctrico de telecomunicación a distancia. (cantera de grandes actrices españolas). Años 60 Década muy particular. En el nuevo gobierno franquista muchos de sus miembros pertenecen al Opus Dei. En el 62 Franco renueva su gobierno por 6º vez. El Asfalto consiguió el gran premio de Montecarlo. En él sale el padre de Narciso. Ibáñez Serrador fue también guionista con el pseudónimo Luis Peñafiel y realizador de gran éxito. tanto en España como en Argentina. y hasta que no se inventa el vídeo no se pueden pasar los programas por diferido. Un hombre que pasea por la calle con una pierna escayolada en un día de verano muy caluroso se hunde poco a poco en el asfalto derretido debido al calor. La era comercial de la TV comienza en USA en 1946 y llega a España en 1956.500. aunque solo 600 hogares tenían televisor. Actualmente la programación de TV es cada vez peor. Desarrollo económico. La era dorada de la televisión en España son los años 60 y 70. Baird. Ha recibido un gran número de premios para la TV. y en 1967 se trasladan desde el paseo de la Habana al Prado del Rey. como protagonista. 39 . En 1937 se comienza a emitir de forma regular desde la antena que se encontraba en la Torre Eiffewl en París. EL ASFALTO.00 españoles emigrados mandando dinero a sus familias. Al principio la TV era en directo. Los extranjeros que venían ganaban mucho más dinero y venían aquí de vacaciones con todos los lujos.3.2. En esos años había 1. creador de un gran número de programas concurso como 1.

Los principales representantes son la Escuela de Madrid y la Escuela de Barcelona. Son llamados por la Escuela de Barcelona Mesetanos y Centibéricos. Escudera intentó hacer de mediador entre los dos frentes. crítico. Se critica pero de forma velada. EL NUEVO CINE ESPAÑOL El Nuevo Cine Español llega a España en los años 60 y supone una renovación dirigida desde el poder. 1970− reflexiona sobre el cine en general y dedica un capítulo al cine español. los nuevos cineastas podían hacer un cine nuevo. Jose Mª García Escudero. El gobierno permitía cierta renovación pero con un control. que salen de las últimas promociones del IEC y de las primeras de a Escuela de Cinematografía. Ahora puede aplicar lo que había intentado anteriormente. Se aplican medidas reformistas en relación con la censura. Esta escuela no tuvo mucho éxito comercial. Escudero introduce una nueva categoría: Categoría de Interés Especial: que mostrase la innovación (temática) que plantea un tipo de ayuda que en esos momentos se están aplicando a Francia. pero tenía unas ideas muy modernas. El cine estaba protegido por el gobierno. ESCUELA DE MADRID Es un grupo de cineastas con intereses comunes. intentan hacerla menos arbitraria. Francia muestra el modelo que aquí se ha seguido. Escudero al final hizo lo que le dejaron hacer. Unos creían que era demasiado liberal y otros que no. Proteccionismo económico: en los años 40−50 son premios que le da la Categoría de interés nacional. pero no tienen rasgos comunes entre ellas. Se crea la escuela oficial de cinematografía (1969). España estaba cambiando y se estaba modernizando. Jose Mª García Escudero intentó promocionar en su 1º mandato una alternativa cinematográfica distinta al cine español. 8. con una renovación estética. En 1967 se crean las salas de Arte y ensayo donde se proyectaron películas no comerciales que generalmente son de vanguardia. Se crea la CEO? Los años 60 son la época de llegada de una nueva generación de cineastas: 48 cineastas nuevos que se incorporan al cine: mentalidad distinta. Se potencian los cineclubes: seguir el modelo de Francia. director de cinematografía. LOS AÑOS 60. Al mejorar la economía la gente se gasta el dinero en el ocio: cine. Con Fraga como ministro vuelve Escudero y es director general de cinematografía hasta 1967. no 40 . Hablemos de cine. Gracias al apoyo estatal. hacer un cine más moderno. Se potencia y modifica el cine español. Escudero es un coronel. con lo que podríamos calificar como del gobierno franquista. concretamente por José María García Escudero.3º factor que influye: Planes de Desarrollo (1962) gracias al ministro López Rodó. Con lo que estaba en medio de los dos bandos. y así el gobierno español ganaba una nueva imagen.

descubriendo a Carlos Saura. el productor es Elías Querejeta y el director de fotografía es Luis Cuadrado. La película es una alegoría de la Guerra Civil española. realizando una gran carrera. El director aprovecha la personalidad fílmica de estos actores consolidados del cine español. Entre sus largometrajes realiza películas como Los golfos (1959. Importa mucho la presencia física del actor. Tango (1999). consiguiendo una sensación como de agobio en un espacio abierto. Estos detalles contribuyen a dar tensión a la película. porque cuando la cámara se mueve la perspectiva se distorsiona creando angustia y desasosiego. perteneciente a la Escuela de Madrid. y fue un gran cazatalentos. nominada al Oscar y con la que recupera el favor del público. Invade el espacio privado de los personajes haciendo sentirnos molestos. CARLOS SAURA Nació en el año 1932 en Aragón. LA CAZA. Amor brujo (1986). que son inusuales en el cine clásico. consiguió ayudas estatales para realizar un cine moderno y disidente. Víctor Erice. El productor Elías Querejeta. gana 3 goyas).gustaba al público. Mamá cumple 100 años (1979.). El mimbro más importante de esta escuela es Carlos Saura. planteada como una gran superproducción y que fue un fracaso comercial y crítico. es una película con influencias del Neorrealismo italiano. Goya en Burdeos (2000). con actores no profesionales y decorados naturales). Carlos Saura. Su equipo técnico trabaja con él durante toda su carrera: el guionista es Rafael Azcona. Es una escuela a la que más le influye la Nouvelle Vague. sobre todo en Francia. 19 Es una película dirigida por Carlos Saura. No gustaba porque las películas no se entendían. La caza (1965. Carmen (1983. que se convirtió en un director de culto en Francia. que explota al final de la película con el asesinato. de influencia goyesca). que forma parte del Nuevo Cine Español junto con la Escuela de Barcelona. Cría cuervos (75). También le permite realizar primeros planos. La fotografía es especial porque utiliza varios tipos de película y la textura de la imagen cambia: utiliza una más granulada y otra más nítida. Deprisa deprisa (1981. Es una película con una tensión y violencia latente en toda la película. El dorado. y mueren todos los personajes que tienen la edad de haber participado en la guerra. Comienza realizando cortometrajes documentales entre los que destaca Cuenca (1958). Los actores son maduros: Ismael Merlo (actor muy querido por el teatro y la Televisión) y Alfredo Mayo. Ricardo Franco o Jordi Grau. planos de detalle. de bajo presupuesto. ganadora de un Oso de Plata). Se diploma en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas y da clases en el IEC y en la Escuela Oficial de Cinematografía. Comienza a estudiar Ingeniería Agrónoma. película que se convirtió en la más cara del cine español. las dos últimas películas fueron protagonizadas por el bailarín Antonio Gades. etc. Los personajes se matan los unos a los otros. recibió críticas favorables en el Festival de Cannes. al ser más accesible). película con la que comienza su etapa simbolista y el público le empieza a dar la espalda). pero lo tiene que dejar debido a la política. pero si tuvo éxito crítico. Hay que hablar de forma 41 . Ana y los lobos (72). salvándose únicamente el joven. porque los espectadores al verlo en la pantalla se acuerdan de todos los papeles que han tenido en su carrera. en el seno de una familia dedicada a diferentes disciplinas artísticas (música. con la que gana el Oso de Plata del festival de Berlín. nominada al Oscar). Llanto por un bandido (1963. La cámara desvela lo que el ojo humano a simple vista no ve. También emplea la película ultrarrápida TRIX y una cámara especial llamada Macrokilar. pero lo deja y se hace fotógrafo. pintura. dentro y fuera de España. Saura es uno de los cineastas más respetados en el extranjero. ¡Ay Carmela! (1991.

A partir de ahí trabajó en la TV y como realizador en producciones ajenas e hizo una película donde salía su hijo. Dos períodos: Cine de mejor calidad: Nuevo cine español: del rosa al amarillo (1963).) Otro tema es la crítica a la sociedad franquista. Esto está prohibido en el cine clásico. el bando donde han combatido: el franquista. Los actores miran a la cámara. Poca presencia musical porque se permite escuchar el sonido natural que crea más tensión cuando se escucha la música es marcial. Esa violencia innata es la causante de las guerras. Cineasta. una de sus mejore películas. 18−4−07 Manuel Summers Es un caso curioso de hacer cine bueno pasó a hacer un cine más comercial. Con esto se evita la subjetividad porque no sabemos que está la cámara. uno ha formado parte de la División Azul. Este momento sirve de declaración de intenciones que definen el carácter del personaje. 42 . Segunda etapa: El sexo ataca (1968). Forma de denunciar la presencia de la cámara. Las películas están protagonizadas por personajes clásicos: niños y ancianos. toreros que estaban olvidados. es un documental. tipo twist. Fue muy barata (pocos protagonistas). Esto suponía un espejo demasiado duro para ser aceptado por el público. carcaturista Empezó a estudiar la carrera de BBAA y la de derecho y luego se metió en cinematografía y fue la única que terminó. el control de las vidas ajenas. Otro tipo de música es la diegética. Summers tuvo la idea de entrevistar a grandes deportistas.velada porque es una crítica a la Guerra Civil. Tuvo tanto éxito que aprovechó y generó secuelas con To er mundo ¡e mejor¡ (1983) y To er mundo e demasiao (1985). La clase dominante utiliza la violencia como fuente de poder. La niña de luto. Como este camino no compensaba cambia su forma de hacer cine. En 1960 se diploma. filmada en 4 semanas. Aparecen alusiones a lo largo de toda la película (el refugio. etc. Juguetes rotos (1965). David Summers: Sufre mamón (1985?). Veremos la 1º parte de Del rosa al amarillo Se divide en 2 partes con un tema en común: amor romántico (acaba mal). Toe r mundo e güeno (1982): inicia una serie de películas basadas en el candid camera (cámara oculta) sucesión de bromas filmadas en cámara oculta.

Las películas plantean directamente esa crítica. Características: ◊ Heterogeneidad en el tipo de productos. Sirve de contraste y de denuncia social y moral. aunque algunas sí se vieron en el extranjero. Plantean un cine de vanguardia radical. Hª narrada con el neorrealismo italiano (se hacen las acciones en tiempo real). 20−4−07 Escuela de Barcelona Se les llamaba mediterráneos. Poca gente pudo ver estas películas. Esto es propio del cine moderno. ◊ Cineastas: Jordi Grau. Técnica: lenguaje popular porque le interesa la comunicación. Umbracle. Summers critica rasgos manieristas y experimenta con el cine moderno del momento. Novedad: protagonismo infantil en le drama: ya se hace en Francia con Mi tío. Renegaban del cine que se hacía en Madrid e incluso les molestaba ser incluidos en el llamado Nuevo Cine Español. Se les atacaba porque sus películas no eran en catalán: se lo reprochan los nacionalistas catalanes y no se lo perdonaron. 1971 43 . Eran películas hechas en la clandestinidad y por lo tanto no se censuraron. 1º películas de Gonzalo Suarez. El cine de Barcelona oficialmente no existía porque se hacía de forma oculta y no podían estrenar públicamente las películas ni beneficiarse de las ayudas. Ricardo Bofill (padre). La izquierda les echaba en cara que hacían películas para una élite intelectual.Estos temas son tabú. Tati Técnica muy sobria y funcional. Son películas difíciles de entender: cine underground. mucho más que el de Madrid.

Veremos entrevistas a gente importante (Román Gubern). Dinamitar el canon aristotélico: cine clásico. Es una especie de puzzle. Produjo además El cochecito. Desechar el argumento e ir directamente a la temática. Película conceptual. Zumbido de la mosca persistente. Al principio oímos la mosca pero no la vemos y al final Christopher Lee la mata. 44 . fragmentos de películas clásicas. Compás: masonería: pesadilla del franquismo. Es uno de los ejemplos más interesantes de la escuela de Barcelona. Película críptica. Viridiana. Films 59 es la productora. Muestra un mensaje político claro y directo. Mosca: Franco. Contrapunto irónico con los sonidos. de collage. Pere Portabella es el director más comprometido desde el punto de vista político en el cine español. Sale una estrella de cine: Christopher Lee. El cine que hay que combatir es el cine clásico.Pere Portabella. Los golfos.

para producir grandes películas dirigidas por grandes directores pero en un momento de decadencia. Iluminación muy contrastada: blancos o negros. La Caída del Imperio romano o El fabuloso mundo del circo. el ritmo pausado. La película denuncia el franquismo como algo que oculta la realidad. No relato: película no narrativa. Joan Enric Lahosa y Miguel Bilbatua: explican la razón de ser del cine. con su trilogía Por un puñado de dólares (1965). desmitificadora. SI es retórica: necesidad de acabar con el franquismo. realizar un cine universal a través del cine de género. ◊ A partir de 1964 surge otro tipo de coproducción. la mitificación del duelo. LA ÉPOCA DORADA DE LAS COPRODUCCIONES En los años 60 el cine español fomenta las coproducciones con otros países. denominación empleada para designar a la coproducción hispano − italiana de westerns. En 1965 se realizaron en España 98 coproducciones frente a las 53 financiadas únicamente por capital español. El Cid. vinculada al Spaghetti western. etc. La visión estética de la violencia. El cine clásico busca facilitar la percepción visual del espectador. Por primera vez en España se plantea realizar un cine para satisfacer también a los espectadores de otros países. donde además de Westerns se rodaron películas como Cleopatra. Se trata de una variante post − clásica. Mirada emotiva hacia el slapstick americano. de Edgar Allan Poe. Est película hace todo lo contrario.Las entrevistas se las hacen a Román Gubern. no fue digna de la obra de su 45 . cuyos mejores ejemplos han sido creados por Sergio Leone. asociativa (se utilizan acciones e imágnes que nos remiten a otras). Juega con el campo contra campo con Christopher Lee como si compartiese el mismo espacio que Chaplin. Son películas realizadas con menos dinero y tienen una calidad media. Las coproducciones tienen 2 fases o etapas: ◊ Una primera etapa en la que el americano Samuel Bronsto llega a España y crea una productora. Aparecen dos centros que crean productoras y estudios: Splugues de Llobregat (Barcelona) cuyo periodo de auge son los años de 1964 a 1967 (después se dedicará a hacer películas eróticas) y Almería con un periodo de auge que va del año 1967 a 1972. En 1964 la productora tiene que cerrar por falta de pagos. De entre todas las coproducciones realizadas en España destacarán las del Spaghetti western. La colina. Christopher Lee recita El cuervo. En el año 1969 se declara a Almeríazona preferente de localización cinematográfica. 55 días en Pekín. Destacan películas como Rey de Reyes. el uso del cinemascope y la banda sonora musical de su asiduo colaborador Ennio Morricone determinaron la naturaleza de un subgénero cuya continuidad. Lawrence de Arabia. semiparódica y visualmente naturalista. La muerte tenía un precio (1965) y El bueno. Franco es la mosca. el feo y el malo (1966).

películas peplum o de batallas navales. da más espectáculo. Dos años más tarde sustituiría. espiritual y cultural. conocido por sus spaghetti western. Las primeras películas en las que participó fueron grandes producciones estadounidenses rodadas en Europa. Sergio tuvo siempre a su lado a un amigo de la infancia. pero en EEUU fue masacrada. Hasta que llegó su hora. Comienza con una trilogía de western en coproducción con varios países europeos y rodada en Almería. frente al modelo. Los Euro westerns o spaghetti westerns. 46 . LA MUERTE TENÍA UN PRECIO. de nuevo. Ben−Hur (1959). SERGIO LEONE Sergio Leone fue un director de cine italiano. Tuvo un éxito internacional. aunque no pudo firmar la película. bastante progresista. cuya música da vida a las escenas más rígidas. película peplum. Tuvo algunos problemas para estrenar Por un puñado de dólares porque se inspiró en Yojimbo (1961) de kira Kurosawa. Trabajó en Cinecittà donde se familiarizó con los oficios más importantes del cine. Firmaría El Coloso de Rodas. La muerte tenía un precio (1965) y El bueno. sitúan la historia en un territorio abstracto. Tras esta trilogía no deja la temática del western y firma una de sus obras maestras. como un cuadro parlante. a un director. en Sodoma y Gomorra.pionero. películas de producción media. Fue inesperado el gran éxito que tuvo la trilogía. cuando ya se produce un ocaso del cine clásico. En Italia fue la segunda más taquillera de su historia. un "western moderno" basada en la época de los gángsters. de un territorio donde hay que tender una red de legalidad y justicia. frontal). Sergio Leone. Ennio Morricone. Luego llegarían las películas más suyas. fue otra de sus obras maestras. Son westerns desolados y amorales. recortándola en casi dos horas y variando su montaje (la historia fue contada linealmente y no como en la original en que se utilizan flashback). a un director durante el rodaje de Los últimos días de Pompeya. Su padre fue director de cine. En ella emplea recursos de la Nouvelle Vague y el cine contemporáneo. por enfermedad. con 5 millones de pesetas recaudados. que hizo más grande aún sus películas. Es una coproducción española − italiana − alemana. Sergio contrató como figura principal. lo contrario que en el cine clásico. Sergio Leone. llevada al cine años después. El Western cuenta la historia del Oeste. etc. donde la forma de decir las cosas es de un modo retórico y teatral. la conquista física. Sergio Leone es interesante por sus características. En Europa tuvo gran éxito a pesar de las cuatro horas de duración. Un western crepuscular rodado en los escenarios estadounidenses. muy comerciales y con mucho rendimiento. entre ellas Quo Vadis (1951). Érase una vez en América (1983). a un actor casi desconocido llamado Clint Eastwood. que no tiene que ver con América. Sergio fue un hombre de cine desde su juventud. Las películas eran Por un puñado de dólares (1965). junto a otros directores. toda una serie de productores y directores se ha intentado reaprovechar ese tirón comercial. los spaghetti western. En 1959 le dieron la oportunidad de sustituir. sentaron este género con obras de calidad y a partir de ellos. 1965 Es la película más taquillera de la historia del cine español. En 1964 comienza una línea propia. película peplum. Helena de Troya (1955). Era una película peplum (cámara fija. Sergio Leone fallece en 1989 cuando estaba preparando la película Stalingrado. el feo y el malo (1966).

Ennio Morricone contradice a muchos compositores que dicen que una buena Banda Sonora tiene que pasar desapercibida. pero también mitificar la violencia. Hay dos carillones: uno es del coronel. sin afeitar. Destaca la relación entre la música y la imagen. Ralentizar la imagen da un aspecto lírico. el silbido humano. La estrella es Clint Eastwood. El feísmo se observa en la configuración estética de los personajes. cruel y duro. el coro femenino. junto con Lee Van Cleeft. Se debe a Carlo Simi: forma de vestir a cada personaje: ropa. ◊ Es un recurso para crear suspense. Importancia fetiche: vestuario de Leone. fuma canabis. la estética es más juguetona. Morricone impone la música sobre la imagen. Hasta ahora los personajes iban bien vestidos. pero después se añade una orquestación que no está justificada por la acción. se recuerdan gracias a la BSO. por ejemplo en Quentin Tarantino o Alex de la Iglesia. Es una construcción o género que se basa en el western para ir más allá. es una visión crítica del modelo clásico. con casuchas. Un duelo como del final sin música se haría muy largo y aburrido. Destaca la escena en la que el Manco se enfrenta cara a cara a tres hombres en el pueblo de Aguascalientes y dispara a un árbol para bajar unos frutos a un niño. y muchas de sus películas como compositor. En los westerns clásicos los planos son largos y potencian el paisaje sobre la figura. El compositor. el otro lo roba el Indio y en los dos está la foto de la chica: tema del doble. El resultado es desmitificador respecto al cine clásico. sirve para identificar a un personaje. los paisajes son amplios. pero son áridos. que se convierte en el leimotiz de un personaje. La orquestación amplifica l tema para acentuar el dramatismo de la escena. Ubica a personajes picarescos en situaciones épicas según decía Leone. al hacerse más fuerte. en cambio. A veces de carácter paródico a través de los personajes. ◊ Simbólica: paso del tiempo (reloj). en los westerns europeos resalta mucho más el primer plano. y los instrumentos étnicos. lleva el arma cruzada en el pecho. y ahora el aspecto es muy realista. Destaca el tema − llamada. La música no solo sirve para acompañar escenas o crear atmósfera. peinados y afeitados.sino con el género. vaciarlo de sentido. que consiste en 4 o 5 acordes. la legalidad y moralidad. Es un cine moderno. el del Coronel y el del Indio. La puesta en escena es distinta en los western clásicos y los spaghetti. Ennio Morricone. El carillón tiene varias funciones: ◊ Musical. Indio: vestido de mexicano. Símbolo de la muerte. La música del carillón es dietética. La cámara se centra en los personajes de la banda del Indio. En la escena aparecen tres temas − llamadas: el del Manco. El coronel quiere venganza por su hija. El Spaghetti western no es paisajista. Son objetos que son el único vínculo de unión de dos personajes antagónicos y que lo único que comparten es el carillón. etc. Muchas veces. Sergio Leone filmaba en función de la música creada por Morricone. van sucios. Es el primero en introducir la guitarra eléctrica y la española. etc. secos. porque están quietos sin moverse y sin hablar hasta que se acaba la música. El Spaghetti tiene más personajes que el cine clásico. No tiene nada que ver con la orquestación clásica. jugado de un modo más frívolo. está muy vinculado al director. impasible. El uso de la Banda sonora es muy original. Este feísmo es también un rasgo crítico hacia el cine clásico. El reloj es de la hija del coronel. forma de llevar la pistola y de consumir la droga. que se queda con aspectos de lo bueno y lo malo. pero esto no se da en la película. Esta película ha generado escuela tanto en los Spaghetti western como en otras películas. 47 . Finalmente se superpone la música extradiegética. Es como una firma. El comienzo de sus películas tiene menos solemnidad. la flauta de pan.

EL ESPÍRITU DE LA COLMENA. mastica puros. En 1973 se produce el atentado de Carrero Blanco. Los protagonistas. Son personajes elaborados basándose en la profundidad psicológica y a veces se explica el pasado. porque es excesivamente lenta. lleva el arma en el lado derecho. lleva el arma cruzada en la cintura. se utiliza como pretexto de una acción (Mcguffin) 9. Aparecen varios subtemas: ◊ La amistad viril. se produce una crisis económica mundial. También entre el Niño y el Indio. Es el mejor cineasta vivo de todo el cine español. Por lo que la década de los 70 se divide en dos. Este formato resulta muy adecuado para lucirse en los planos generales. otras veces no. casi paternofilial por la diferencia de edad entre el Coronel y el Manco. alguna parte del rostro como la barbilla quedan fuera del encuadre. Sus películas tienen poco diálogo. exageración). pero Leone las combina. algo habitual en los años 60. En los primeros cinco años de los 70. años de la Dictadura. El joven aprende del mayor. Manco: vestido de gringo. es una adaptación de su película Yojimbo. lo que provoca un recrudecimiento del gobierno en sus elementos represivos y un refortalecimiento de los partidos políticos clandestinos. el Manco y el Coronel son comedidos. y es de influencia oriental. 48 . ◊ La violencia como algo cotidiano. porque había una sensación de vacío. Los ladrones necesitan utilizar la violencia para robar. A Sergio Leone le encanta el director japonés Akira Kourosawa y su primera película. El problema es utilizarlo a la hora de filmar los primeros planos. Esta influencia oriental se nota en la narración. y cubren con las alas los espacios vacíos. La narración es ascética. Sólo ha hecho tres películas: El espíritu de la colmena. LOS AÑOS 70 Y EL CINE DE TRANSICIÓN El 20 de Noviembre de 1975 muere Franco. Esta se desarrolla en dos vertientes: la venganza (el Coronel venga a su hija) y la forma de ganarse la vida como cazarrecompensas. donde aparecen un gran número de extras. Víctor Erice. El formato de la película es panorámico. Es importante para los personajes de la película. al plantear las superproducciones. Por un puñado de dólares. fuma pipa. Película de Víctor Erice. presidente del gobierno. El sur y El sol del membrillo. Los directores tienden hacia una de las dos tendencias. el silencio de la voz humana en muy importante. en la que Leone combina dos tendencias: el Underplaying (forma de actuar comedida) y el Overplaying (sobreactuación. Destaca la influencia oriental en la película. se recrea en los planos. Leone lo soluciona porque al rodar western. pero el Indio y el anciano de la cama son muy exagerados. Destaca la interpretación.Coronel: vestido de caballero. los personajes llevan siempre sombreros. ◊ El dinero. por eso sus películas duran tanto. En ocasiones. los primeros cinco años de Franquismo y los otros cinco años de Transición.

Forma polémica. Temas que trata: guerra civil y posguerra española. Mirada reflexiva sobre el cine y sobre su obra. Tiene una calidad muy superior a la media de sus compañeros. Está producida por Elías Querejeta. Cátedra. Títulos de crédito: Dibujados a mano: dibujos hechos por las dos niñas protagonistas: nos remite a los cuentos de hadas y tiene mucho que ver con ellos. No hay nada gratuito en su obra. Nació en Vizcaya en 1940 y estudió derecho y ciencias políticas y económicas. Sol del membrillo: Hugo de oro en Chicago. Sobrevive haciendo publicidad en vídeo. Se diploma en dirección en 1963. además recibieron premios. Premios: Espíritu: concha de oro de san Sebastián (1973). Es capaz de reflexionar sobre el cine. Nº 9: Trama y fondo. palma de oro y crítica de Cannes. El montador. Prefiguran acciones que saldrán (Prolepsis o flashforward): adelanta acontecimientos futuros. El sur: especial calidad. el director de fotografía y de música son los mismos que en la Caza. premio de cinematografía. No encuentra quien le financie películas porque ninguna de sus tres películas fueron fracasos. Filmoteca. Análisis de la película. Carmen Arocena: Víctor Erice. Cuando termina entra en la escuela de cinematografía española. Fuentes: Nº 9−10: revista Banda aparte− filmoteca. El espíritu de la colmena 31 años después. 49 . ¿Por qué? Porque vive una situación vergonzosa. pero lo trata como tema secundario.Es curioso que solo tenga tres películas y entre película y película pasan 10 años. Es un cineasta intelectual y antes de cineasta fue crítico. Hay algo particular en los dibujos: nos presentan a todos los personajes y objetos importantes.

desde la misma perspectiva. Detalle anecdótico que cobrará importancia: el reloj. de la miel (amarillentos−verdes). Referencias pictóricas: Caspar David Friedrich: paisajes de personajes pequeños ante un paisaje que no cabe en el plano. Función metalingüística: hablan del cine: aparece en un cine ambulante. Vemos al padre con las abejas y se empieza a escuchar una música y voz en off. Sobre los diálogos dominan los sonidos. porque el personaje no habla: se desacusmatiza. Casi todas las transiciones entre planos se hacen a través de fundidos encadenados (plano que desaparece poco a poco y sobre este se superpone otro). Otro vínculo formal entre la secuencia anterior: panel de abejas relacionado con la ventana celdas de abejas. Emplea continuidad entre dos secuencias a través del sonido: encabalgamiento sonoro. La carta va dirigida a un hombre y da a pensar que se la dirige al apicultor. los ruidos. acusmática. Montaje alternado: Víctor Erice nos muestra escenas y planos referentes al cine con otro plano de un apicultor (padre de las niñas). Homenaje: llegada del tren de los Lumiére: todo calculado. 50 . Empieza como un cuento: Un lugar de la meseta Castellana hacia 1940. La quería hacer en blanco y negro y Luís Cuadrado le convenció para hacer la en color. Del cine ambulante se pasa a la concepción clásica del cine. Montaje: plano contra plano. Película en color. La casa donde vive la familia era un palacete del marqués de Lozola. La madre mira al soldado: ¿a quién ha escrito? Se ha escrito mucho sobre esto. Plano subjetivo donde vemos lo que ellos están viendo. El hecho de vincular con el sonido nos indica el vínculo entre los personajes. Ven una película de Frankenstein (la de Boris Karlov). Vemos a las dos niñas que tendrán protagonismo. pero que luego se convertirá en acúsmetro integral (se desacusmatiza). En esta destacan los tonos azules que recuerdan al expresionismo. A esto se opone el resto de la película donde domina el color ámbar. Se opone la fotografía nocturna con la diurna.Esto es un rasgo propio del cine moderno. Es una voz mental.

Juegos con el sonido: se escucha la película que ven los niños. y también Mantenga. La vida de las abejas: texto que recita el padre. Que no sobre nada. Ella ya está en la cama. Secuencia más famosa del cine que en su momento fue censurada: cuando Frankenstein ahoga a la niña. Ese predominante de planos estáticos. Es imposible que escuche los diálogos desde su casa. De dos personajes vemos a uno (sonido acusmático) se hace la dormida para no ver ni hablar con el marido. Ausencia total de retórica. La cámara no se mueve. Fundido encadenado de elipsis: cuando entran las niñas al colegio. sobre todo las de Ana. Iluminación interior: recuerda a Veermer. Escuchamos las voces de las niñas que rezan pero vemos el exterior de la casa y luego no las encuadra.Perspectiva sonora (crear espacio a través de los sonidos). Fundidos encadenados + encuadre insistente: escena del campo de las niñas. En una película clásica cambiaríamos el plano o seguiríamos a las niñas. Mirada: uno de los temas de la película. Momento clave de la vida de Ana: ¿Por qué muere la niña? Fundido encadenado para una elipsis temporal. ¿Por qué escucha la película? Porque se trata de un encabalgamiento sonoro: raccord de sonido para vincular las dos secuencias. Algunas son muy significativas en el momento en que aparecen. serán los referentes en que se basará. pero la cámara no se mueve del sitio. Son expresivas y misteriosas. El padre es un personaje peculiar. 51 . Ahora no. Música: Luís de Pablo. Friedrich: paisaje inmenso y figuras pequeñas. encuadra la vela. Este junto a Friedrich y Zurbarán. Narración analítica: mostrarlo todo. campos simétricos. Tiene un interés especial la música porque combina partituras originales con versiones que hace de canciones infantiles. sonidos encabalgados le da un carácter de espiritualidad oriental. Encuadre insistente: se mantiene aunque los personajes se hayan ido. Muestra los tiempos muertos con el mínimo nº de elementos. Hace que nos preguntemos ¿era importante la presencia de las niñas o lo es más el paisaje? Volvemos a verlo cuando entran en su casa.

pero sí de la posguerra. Viaje iniciático: la niña se vuelve más madura e incluso más que su hermana mayor. Apoyó la rebelión de los nacionales. Muerte real del fugitivo que no se especifica quien es pero queda claro es un maqui que ana cree que es Frankenstein. Al final de la película es feliz porque acepta la muerte como algo natural. Personajes fundidos: Ana que tiene dudas y se las remite a su hermana que no se las responde. pero a medida que se desarrolla la guerra cambia de bando. Visión del matrimonio y de la familia: al principio no se comunican entre ellos pero sí tienen una vinculación con las niñas. Fragmento película documental: posible pregunta de examen: el documental en España. Interpretación de la hoguera como venganza de Ana.Temática: Tema del silencio Consecuencias de la guerra civil Ausencia Política Tema fundamental: MITO: Víctor Erice quería hacer una película de terror. que no fueron conscientes del ambiente bélico. Muchos críticos piensan que la escena de Frankenstein (aparición) sobraba. Experimenta 4 muertes: Niña a manos de Frankenstein /muerte de Frankenstein. 52 . El final es bueno por la reconciliación del matrimonio. Transcurre cuando escapa de casa y se come las setas alucinógenas que es cuando ve a Frankenstein. El importa porque se siente identificada con la niña que muere. El director se identifica con la niña. El silencio en la película tiene un sentido claro. Cuando termina la película ya no es una niña inocente: queda marcada por la muerte del maqui. La persona que atraviesa la prueba tiene que morir. Marido: personaje vinculado a Unamuno. La muerte es un tema que preocupa a la niña. pero esta es fantástica. Muerte fingida de la hermana. El viaje se inicia en la sala de cine. iniciática de Ana. Muerte simbólica. La muerte de l hermana la enfada.

etc. Los guionistas españoles tenían que firmar los guiones con pseudónimos extranjeros para que los productores los leyeran. EL CINE FANTÁSTICO El cine de género sigue funcionando en los años 60 y 70. La calidad del producto resultante nunca ha estado a la altura del esfuerzo realizado por productores. 1973. No se estrena hasta 1977. Director: Basilio Martín Patino. En el cine de terror español hay que destacar a Paul Naschy (nombre artístico de Jacinto Molina). directores. pese a que hay una tradición literaria.Caudillo Realizada clandestinamente en 1974. Organiza las conversaciones de Salamanca. aunque es de una mediocre calidad. Queridísimos verdugos. Les mataban a garrote vil. como ocurría en la literatura. Nace en 1930. era muy comercial. que fue actor. 1971. Documental sobre la posguerra española que recoge imágenes de archivo y opone las imágenes a las canciones que estaban de moda. En España no hay una tradición de cine fantástico. Se entrevista a los 3 últimos verdugos que quedaban en activo en España. Otros 53 . Caudillo. Intención crítica. No se estrenó hasta 1977 cuando muere Franco. Canciones por el despertar de una guerra. Este ha servido de precursor a todos los documentales modernos y postmodernos. Da una imagen diferente y opuesta a la que daba el No−Do. en Salamanca. 1974. director. productor y guionista. uno de su vida y otro de la guerra? Estudió en la universidad de Filosofía y letras. y que se convirtió en un actor de culto del género fantástico. El cine de terror tuvo mucho éxito. Estrenada en el 77. como es el caso de las leyendas de Gustavo Adolfo Bécquer. Su idea era hacer dos documentales. 1965: 9 cartas Se especializó en el documental. En 1955 acaba sus estudios y estudia cinematografía.

León Krimosky. 1968 Escrita y protagonizada por Paul Naschy o Jacinto Molina. Paul Naschy copia cine de la Universal de los años 40. Se utilizó el aspecto más subversivo del género. ◊ El thriller italiano (Giallo). 1972) pastiche protagonizado por Paul Naschy. etc. Intenta imitar las películas de la Hammer. hay algunas películas que tienen características loables. Destacan películas como La marca del hombre lobo (Enrique Eguiluz. 1969) película en color. LA MARCA DEL HOMBRE LOBO. la momia. protagonizada y escrita por Paul Naschy. destaca Narciso Ibáñez Serrador. ◊ El cine de terror de los años 60 que realiza la Hammer en Inglaterra. 1972) adaptación de la historia de una condesa húngara que mató a 600 mujeres para poder bañarse en su sangre y rejuvenecer. NARCISO IBÁÑEZ SERRADOR Entre los directores españoles que realizan películas de terror. Los papales femeninos se dan preferiblemente a chicas rubias y con el canon de belleza de la época. finalmente fue emparedada y está protagonizada por Lucía Bosé. que realiza dos películas pertenecientes al cine fantástico (las únicas que hace en el 54 . 1968). La campana del infierno (Guerin. Ceremonia Sangrienta (Jordi Grau. pastiche de las películas de Hitchcok. El referente del cine fantástico español es: ◊ El cine de terror clásico de los años 30 y 40 de la Universal de Estados Unidos. 1972) coproducción hispano − británica. El resultado fue un refrito que deja bastante que desear. Cufford Brown o Jess Frank. Las mismas películas se rodaban dos veces: una versión censurada para España y otra sin censura para el resto de Europa. muy bien realizada. Javier Aguirre. algunos de los cuales son pseudónimos de una misma persona. 1970 Aparece primero la escena mostrada en España y después la que se mostró en el extranjero. Por ejemplo. En lugar de copiar lo mejor. sobre todo desde el punto de vista temático. películas con un gran éxito. cuando es de peor calidad. Batty Carter. llegado el fin de semana o las vacaciones viajara masivamente a Francia. con un reparto internacional bastante importante. El jorobado de la morgue (Javier Aguirre. Es en color. LA NOCHE DE WALPURGIS. copian lo peor. sobre todo basándose en directores como Darío Argento o Mario Bava. ya que para ganar audiencia mezclan en sus películas diferentes monstruos como Drácula. para poder ver las películas sin censura. el hombre lobo. 1970) coproducción hispano− alemana.nombres destacados son John Klimowsky.). Chuck Evans. La residencia (Narciso Ibáñez Serrador. que en un país reprimido como España se decanta por el erotismo a partir de los 70 (una mujer desnuda. Todas estas películas eran muy baratas y resultaba fácil que fueran rentables. Esto provoca que mucha gente. Pero pese a todo esto. Enrique Eguiluz. Lulú Laverre. Pánico en el Transiberiano (Eugenio Martín. un hombre lobo despedazando a una mujer. 1972) o La Cruz del diablo (John Gilling) película basada en tres leyendas de Bécquer. etc. parece una película de la Hammer. La noche de Walpurgis (León Krimosky.

donde superó en taquilla a Tiburón de Spielberg. Destacan los títulos de crédito. sin darse cuenta de que en la tienda hay un cadáver. Narciso Ibáñez Serrador. emocional. En la primera versión. que ya plantea la figura del niño como malvado y los adultos son víctimas. en parte por el planteamiento de represión sexual y lesbianismo. sobre todo en Italia. un periódico nos muestra posteriormente que se han encontrado dos cadáveres en la playa. Italia o Inglaterra. excepto los niños del puerto y una niña que se le aparece a la mujer cuando está sola en el bar. la pareja de ingleses habla inglés entre ellos y español con la gente del pueblo. pero luego les obligaron a doblarla enteramente en español. La calidad de sus películas no tiene nada que envidiar al cine de la época realizado en USA. sobre todo la mujer. consiguiendo un gran éxito con la serie televisiva Historias para no dormir. Tras dar un paseo por el pueblo se dan cuenta de que no han ningún habitante. que está embarazada. mucho más tranquila. y comienzan a sospechar tras recibir varias llamadas extrañas de una voz que habla un idioma que no entienden. La película se rodó en principio en dos idiomas. y resulta un poco raro el resultado de la segunda versión. Narciso Ibáñez Serrador copia a escritores como Edgar Alan Poe o a cineastas como Hitchcook. Jack Cleyton (1960) y El pueblo de los malditos. Mientras están en la playa los bañistas comienzan a agolparse en la orilla. Es la segunda película de Ibáñez Serrador. enfermedades. La acción de terror se desarrolla a plena luz del día: atípico. incendios. acompañadas de voces acusmáticas que nos hablan de la muerte de niños como víctimas de la vida cotidiana: guerras. asesinados durante las guerras.cine): La residencia y ¿Quién puede matar a un niño?. mientras su marido acude a la tienda de ultramarinos para comprar comida. etc. ¿QUIÉN PUEDE MATAR A UN NIÑO?. etc. Sus películas son de una gran calidad gracias en parte a los estupendos profesionales que trabajan con él. donde se muestran imágenes de archivo que muestran a niños en campos de concentración. Cuando llegan a la isla son recibidos por unos niños que pescan y juegan en el puerto. pero no es así. 1960 de Wolf Rilla). para poder descansar. La intención de la pareja es ir a una isla cercana a este pueblecito. Tras comer marchan a la pensión esperando poder encontrar a alguien. muriéndose de hambre. pero a partir de ahí Narciso aplica la subversión: los verdugos son los niños (no es original porque ya hay antecedentes: The innocents. Recuerda mucho a Hitchcook (sobre todo a Psicosis) y al cine realizado por la Hammer. 1976 Una pareja de ingleses llega a una localidad turística española para veranear. La residencia tuvo un enorme éxito de taquilla. El prólogo y título establecen un punto de vista de parte ideológica. Ibáñez Serrador tenía experiencia en el teatro y en la televisión. Ambas son pastiches pero con calidad. y el día de su llegada pasean y se divierten por las calles de la localidad. Narciso Ibáñez Serrador plantea una explicación racional: Venganza de los niños contra su principal enemigo: adultos. No tienen originalidad argumental. La pareja piensa que todo el mundo ha marchado a una procesión y que están en fiestas. y aunque no se ve. Fotografía: José Luís Alcaine (uno de los mejores desde los años 70). Se planteó como una gran superproducción. suele ser de noche. sobre todo el en género fantástico. 55 . No tuvo tanto éxito en España como La residencia pero en el extranjero tuvo gran reconocimiento y éxito. el inglés y el español. En el pueblo están en fiestas. prejuicios emocionales en la idealización que hacemos de la infancia y también las guerras.

debe abandonar el convento para visitar a su tío don Jaime. La decisión de rodar Viridiana en España provocó que Buñuel. Hay un predominio de escenas 56 . 1961 Viridiana es una película protagonizada por la actriz mexicana Silvia Pinal y los actores españoles Francisco Rabal y Frenando Rey. Es una película muy inteligente. con un resultado más bien mediocre. Buñuel propuso un final diferente que terminó siendo más pernicioso que el primero. cambiará definitivamente el destino de la joven. fue aceptado por los censores sin reparos. Sin embargo. irónicamente. un artículo muy hostil publicado en el periódico oficial del Vaticano. Buñuel. Obediente. donde pasara prácticamente el resto de su vida. cerrando la puerta detrás de ella. a Viridiana y a la otra película. VIRIDIANA. cuado ya se había decidido el ganador. pese a viajar a España para realizar varias películas. fuese duramente criticado por los republicanos españoles en el exilio. Victoria Eugenia. Actualmente los cineastas españoles intentan imitar las películas de terror norteamericanas. hace que su sobrina se ponga su vestido de novia. también por el sentido de culpa y se queda en la mansión a practicar la caridad cristiana.Es una película angustiosa. producida por la productora de Buñuel y por el mexicano Gustavo Alatriste. ◊ La primera parte: protagonizada por Fernando Rey. acogiendo a un grupo de vagabundos a quienes brinda refugio y alimento pero que son. máximo galardón del festival. El enlace de las dos partes es Viridiana. y está relacionada con el cine fantástico y de terror. don Jaime. Pero fue tal la ovación de público y jurado. son películas baratas de mala calidad pero que tienen bastante éxito sobre todo entre los jóvenes. en el que Viridiana llamaba a la puerta de su primo. La historia cuenta el cambio de personalidad o evolución psicológica de Viridiana. quien le ha pagado los estudios. hijo natural de don Jaime. La novicia Viridiana. La película es una coproducción hispano − mexicana. él abría y ella entraba. L'Observatore Romano. que se decidió otorgar la Palma de Oro. Buñuel volvió a España con garantías de que no iba a sufrir represalias. provocó su inmediata prohibición en España hasta 1978. El guión fue escrito por Buñuel y Julio Alejandro. La llegada de Jorge. exiliado en México tras el fin de la Guerra Civil española. basándose en El pozo. pero no se atreve y debido al sentido de culpabilidad se suicida. impresionado por el parecido entre Viridiana con su difunta esposa. Esta parte es más metafísica. En la película se dan dos partes que se diferencian por los protagonistas y la fotografía. en el que hay una especie de menage a trois y que. La censura franquista objetó el final original de la cinta. Durante su visita. LUIS BUÑUEL Buñuel trabaja un año en Nueva York en el MOMA y después un productor mexicano le ofrece trabajo en México. la adormece e intenta poseerla. sobretodo los últimos 20 minutos. quienes la atacaran y robaran. a punto de tomar los hábitos. Viridiana renuncia a ser monja. y abusar de ella. marido de la actriz Silvia Pinal. y en un deseo o ensoñación de Buñuel cuando era joven de drogar a la reina de España. El incidente reivindicó la figura de Buñuel ante sus críticos y convirtió a Viridiana en una más de las películas prohibidas de este polémico cineasta. a fin de cuentas. La película fue presentada fuera de concurso en el Festival de Cannes.

de la época en la que veraneaba en Calanda. En Lorca el toro negro es un símbolo de la muerte: prefiguración 57 . Escena de la vaca: ¿porque Viridiana no toca las tetillas? Porque Viridiana las asocia inconscientemente al pene (surrealismo). Tras la frustrada posesión por parte del tío la niña le dice a su madre que ha visto un toro negro entrar por la ventana. Hay una represión sexual vinculada a la política en Buñuel. Lo que más molestó al Vaticano fue la alusión a la Última Cena de Leonardo da Vinci. y a otro. Lo mismo pasa con los pobre y con estos a demás dice otra cosa y es que aunque los pongas de comer y les des cobijo luego te dan una patada y te traicionan. Esta parte acaba con el suicidio de don Jaime. clavos. Aparecen otras escenas fetichistas. un recuerdo de su esposa. Buñuel pone en marcha una sátira en la que el realismo de la tradición hispánica se une a una perversión humorística de las claves de la liturgia cristiana. pero no puedes recoger a todos los perros. como cuando Fernando Rey se pone el zapato de tacón de su esposa fallecida. La música también cambia: del réquiem se pasa al twist. ◊ La segunda parte: protagonizada por Paco Raval. pasa otro carro con otro perro. al pedir a su sobrina. Símbolos surrealistas: Cuerda de la comba: la niña la utiliza para saltar pero después el tío la utiliza para suicidarse y al final la coge uno de los violadores (José). Cuando llega el hijo empieza a hacer cambios (luz. El vestido de novia es un objeto sagrado para Don Jaime. Con esto Buñuel quiere decir que tú puedes recoger a un perro. y tiene una connotación sexual ya que su esposa murió la noche de bodas y no pudo consumar el matrimonio. con grandes contrastes de luces y sombras. justificados por las velas. Uno de los más destacados es cuando un gato atrapa a un ratón que simboliza el momento en que Jorge seduce a la sirvienta en el desván. debido a la fuerte presencia del recuerdo de su esposa. Ceniza sobre la cama: penitencia y muerte. con un fuerte parecido a su difunta esposa. y la quema de las Arma Christi (martillo. El rodaje transcurrió sin problemas ya que Buñuel contaba con suficiente presupuesto y con un equipo técnico y artístico de gran calidad.nocturnas. En la película aparecen diversos elementos simbólicos. de carácter expresionista. El tío crea un fantasma psicológico. ya que no tienen luz eléctrica. corona de espinas) por la niña. El uso de los mangos de la comba como símbolo fálico. cultivar el campo). Un momento bastante sacrílego es cuando el mendigo sale con el vestido de novia de la esposa de Don Jaime y lanza las plumas de la paloma que ha atrapado anteriormente. La iluminación es tonal y muy acorde con las circunstancias de la película. protagonizada por los mendigos en el banquete. que le hace materializarlo. Destaca la secuencia en la que Jorge compra el perro a un campesino y un instante después de que Jorge compre el perro. Viridiana fue filmada en Madrid en los estudios de Bardem y en una hermosa finca de las afueras. se ponga su vestido de novia. y a otro. También alude a un recuerdo de Buñuel. El hijo es opuesto al padre: se oponen las dos Españas: monarquía t modernidad. Hay un fetichismo y un objeto de deseo.

Todos los nombres tienen un significado concreto. 1977 Los personajes hacen referencia a ese tiempo pasado y perdido. Crueldad con la que se trata a determinadas personas como los mendigos. Buñuel ya nos avisa. Constante temática: inutilidad de la bondad humano: Jorge y Viridiana. sexual Interesa porque trata temas polémicos. Garci llena la película de pequeños detalles que nos dan información histórica: muerte de Franco por la radio. Adulterio. Ninguno de estos temas habían sido tratados así. Esto se repite en muchas películas de Buñuel (invitación a la reflexión moral). 25−5−07 Asignatura pendiente Jose Luís Garci. ◊ Lucha por el desarrollo personal (educación y profesores: mujeres). Documentación histórica: tiempo próximo al tiempo en que se filma la película. hipócrita y cruel. Esto pasa también pasa en Nazarín. ◊ Lucha por el desarrollo emocional. Asignatura pendiente: ◊ Lucha pro las libertades políticas. periódicos Junto a los datos importantes vemos datos que sirven para contextualizar el pasado de los personajes (canciones). Político: muere Franco y parece que las cosas no cambian. HISTORIA DEL CINE ESPAÑOL 50 58 .de la muerte. La madre superiora también es una falsa.

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