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Estética

Se denomina estética a la reflexión filosófica orientada a la percepción de lo bello en general y en el arte en particular. El término deriva de las palabras griegas “aisthesis” (sensación) e “ica” (relativo a). A lo largo del tiempo, las posturas tomadas para evaluar la belleza de los objetos han sufrido notorias variaciones hasta el punto de relativizarse en extremo. No obstante, muchos de aquellos que se afanan en el oficio del arte siempre han tenido que lidiar con el problema de producir una obra que sea de buen gusto, circunstancia que es difícil de satisfacer desde una postura relativista en extremo. El debate sobre este tópico se remonta a la Grecia clásica, en el contexto del nacimiento del discurso filosófico. Es célebre la postura platónica en la que la belleza suprema reside en las ideas, siendo el mundo sensible un reflejo devaluado de estas. Aristóteles, por su parte, se orientó a una reflexión más orientada al arte y al lenguaje poético en particular. Sería extenso profundizar en detalle sobre cada planteo; bástenos señalar que se impuso una idea de lo bello asociada al orden y a la armonía y que esa evaluación tuvo una enorme repercusión en la historia del arte. El Hombre de Vitruvio es un famoso dibujo acompañado de notas anatómicas de Leonardo da Vinci realizado alrededor del año 1487 en uno de sus diarios. Representa una figura masculina desnuda en dos posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e inscrita en un círculo y un cuadrado. Se trata de un estudio de las proporciones del cuerpo humano, realizado a partir de los textos de arquitectura de Vitruvio, arquitecto de la antigua Roma, del cual el dibujo toma su nombre. También se conoce como el Canon de las proporciones humanas. De acuerdo con las notas del propio Leonardo en el Hombre de Vitruvio se dan otras relaciones:
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Una palma equivale al ancho de cuatro dedos. Un pie equivale al ancho de cuatro palmas (30,48 cm). Un antebrazo equivale al ancho de seis palmas. La altura de un hombre son cuatro antebrazos (24 palmas). Un paso es igual a un antebrazo. La longitud de los brazos extendidos (envergadura) de un hombre es igual a su altura. La distancia entre el nacimiento del pelo y la barbilla es un décimo de la altura de un hombre. La altura de la cabeza hasta la barbilla es un octavo de la altura de un hombre. La distancia entre el nacimiento del pelo a la parte superior del pecho es un séptimo de la altura de un hombre. La altura de la cabeza hasta el final de las costillas es un cuarto de la altura de un hombre. La anchura máxima de los hombros es un cuarto de la altura de un hombre. La distancia del codo al extremo de la mano es un quinto de la altura de un hombre. La distancia del codo a la axila es un octavo de la altura de un hombre. La longitud de la mano es un décimo de la altura de un hombre. La distancia de la barbilla a la nariz es un tercio de la longitud de la cara. La distancia entre el nacimiento del pelo y las cejas es un tercio de la longitud de la cara.

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La altura de la oreja es un tercio de la longitud de la cara. La distancia desde la planta del pie hasta debajo de la rodilla es la cuarta parte del hombre. La distancia desde debajo de la rodilla hasta el inicio de los genitales es la cuarta parte del hombre. El inicio de los genitales marca la mitad de la altura del hombre.

El redescubrimiento de las proporciones matemáticas del cuerpo humano en el siglo XV por Leonardo y otros autores, está considerado como uno de los grandes logros del Renacimiento. El dibujo también es a menudo considerado como un símbolo de la simetría básica del cuerpo humano y, por extensión, del universo en su conjunto. Examinando el dibujo puede notarse que la combinación de las posiciones de los brazos y piernas crea realmente dieciséis (16) posiciones distintas. La posición con los brazos en cruz y los pies juntos se ve inscrita en el cuadrado sobreimpreso. Por otra parte, la posición superior de los brazos y las dos de las piernas se ve inscrita en el círculo sobreimpreso. Esto ilustra el principio de que en el cambio entre las dos posiciones, el centro aparente de la figura parece moverse, pero en realidad el ombligo de la figura, que es el centro de masas verdadero, permanece inmóvil.

Cuando el cristianismo se extendió por toda Europa la idea de la belleza se ligó a la de Dios; en efecto, Dios supone la verdad, el bien y la belleza en grado sumo, teniendo todos los seres algún grado de belleza en la medida en que llevan la impronta divina. Como ya hemos adelantado, con el paso del tiempo, estas posiciones fueron dejando

lugar a cosmovisiones más relativistas. Así, en los albores del siglo XX las vanguardias cuestionaron las representaciones históricas referentes a lo bello, intentando mostrar nuevas alternativas para reflejar un nuevo mundo cambiante; fracasaron en su cometido, pero dejaron su estela de influencia relativista en lo que restaba del siglo.

Las Categorías estéticas Belleza: Es la primera categoría que se encuentra en los pueblos antiguos. Los griegos la relacionaban con el concepto de “bueno”, designando lo “bien fabricado” o lo “bien hecho”.Desde entonces a la fecha no han cesado los intentos por esclarecer ¿Qué es lo bello? Sin encontrarse una única definición. Los griegos la caracterizaban a la belleza con el orden, la proporción y la armonía. Platón y Plotino coinciden en que la categoría de lo bello es un principio supremo, como lo son la idea, Dios , ser. Fundamentando su definición estética con una metafísica. Estos mismos rasgos prevalecen en la Estética Cristiana y Medieval. En el Renacimiento se deja de pensar que la belleza de los objetos viene de Dios, y se piensa que los objetos son bellos en sí mismos. Belleza como “concordancia de las partes de un conjunto” , proporción, simetría, mismos rasgos que en el arte Clásico.. En el Barroco y el Manierismo los artistas se revelan contra lo Bello clásico, y crean bajo otras categorías. No se intenta representar la realidad de manera naturalista, sino que se hace extraña, un poco deformada, como un capricho. Los cuadros ya no transmiten el sereno orden y equilibrio del Alto Renacimiento sino que se inclinan por representaciones anticlásicas, intrincadas y complicadas en cuanto a su sentido. Los modelos adoptan posturas complicadas. Se las representa de manera desproporcionada, elásticas, alargadas. La perspectiva es infinita. El manierismo resulta refinado y de difícil interpretación, debido tanto a su sofisticación intelectual como a las cualidades artificiales de la representación. La luz no es natural sino fría y coloreada de manera antinatural, lo mismo que los colores: son extraños, fríos, artificiales, violentamente enfrentados entre sí, en vez de apoyarse en gamas. De esta manera lo bello como categoría estética tiene un carácter variable y diverso, que esta en constante cambio atendiendo a la historia del ser humano.

Fealdad: Hay cosas por las que uno se siente desagrado, repulsión, que se rechazan en la vida diaria (un cuerpo mutilado, una pelea, un asesinato , la guerra) porque producen

. Ante la fealdad de un objeto estético. Lo sublime puede encontrarse en ciertos fenómenos naturales como un arco iris. etc. La obra que expresa fealdad como valor contrario a la belleza puede provocar una emoción intensa. Sin embargo el artista acepta esa realidad. y la convierte en motivo inspirador. Lo sublime se aplica a todo lo que esta dotado de un gran poder y grandiosidad y que opaca nuestra limitación como humanos.sensaciones desagradables. Equivale a una Belleza de tal magnitud que no se halla manera adecuada de expresarse. el sujeto se siente molesto o asqueado. nos estremecen. Lo sublime es un grado más alto de la belleza. un cielo estrellado. engendra sentimiento de asombro. Algunos objetos creados por el hombre también producen sublimidad. lejos de sentirse atraído como le sucede con la belleza. Ej: la Cúpula de San Pedro en Roma. Lo sublime: Esta palabra viene del latín “sublimis”= elevado. aunque no placentera precisamente. nos arrebatan por su grandiosidad e infinitud. El sentimiento que brota ante lo sublime es el de admiración. Algunas obras de arte nos elevan sobre nuestros propios límites. Por lo que la fealdad es una categoría estética ya que ese sentimiento que es experimentado cuando la obra al estar bien hecha logra el efecto de fealdad en el espectador. las Pirámides de Egipto. etc. que se levanta o alza del suelo. provocar esa emoción es la intención de la obra.

un conflicto. que afectan terriblemente la vida del hombre. Lo cómico: La risa es el producto de lo que se ha llamado Cómico. Lo que parecía profundo se muestra superficial. . sumamente sangrientos y terribles. burlesco. la muerte pero no de manera natural sino como un desenlace terrible. así el espectador se libera de la carga pasional que se va acumulando. un sismo.Lo Trágico: La vida cotidiana es trágica. en la antigüedad romana como un ”don” de Dios o una fuerza creadora. esto se asemeja a lo trágico.pobre . en el cristianismo primitivo como una emanación del diablo o fuerza destructora. La risa se ha entendido de diversas maneras a través de la historia. La vida cotidiana esta llena de situaciones chistosas. Las obras de arte cómicas están hechas para provocar en el espectador la risa. festivo. Por eso se ha dicho que la tragicidad es propia de la existencia humana. un huracán. cómicas que generan risa.Entonces lo que sucede en la vida real no puede producir de ninguna manera placer . Tal situación afecta al espectador produciendo un efecto de “Katharsis” (término griego=purificación. la sátira y la ironía. lo noble vulgar. Por ej: una tormenta. La risa sin duda es una reacción placentera que caracteriza la condición humana . lo rico. el ser humano se ve afectado por acontecimientos funestos. que se usa cuando algo es chistoso.Lo que caracteriza a las obras trágicas es la imposibilidad de salir de esa situación funesta. En lo cómico hay una contradicción. es un conflicto sin solución. Lo cómico desvaloriza algo que es.etc. En las situaciones trágicas esta presente la derrrota. aunque es una contradicción diferente. ya que se da entre lo que presenta como valioso y su carencia de valor. Existen tres categorías de lo cómico: el humor.

son lo fantástico. perdiendo su consistencia y volviéndose inconsistente o ridículo. animales y humanas que se combinaban fantásticamente. Lo grotesco desvaloriza lo real desde un mundo irreal y fantástico. que consistía en un conjunto de formas vegetales. lo irreal. extraño.Lo grotesco: Lo grotesco aparece en la pintura ornamental romana descubierta a fines del siglo XV. Gárgola medieval de la Catedral de Sevilla Imagen de un grabado de Goya Definición de Arte . Bajo el esquema clásico esas figuras solo podían calificarse de monstruosas. Los elementos de lo grotesco. lo extraño. En lo grotesco hay entonces cierta transformación de lo real.

pero esa función cambió con la evolución del ser humano. «el arte es el estilo» (Max Dvořák). una visión del mundo. la acción. Su función puede variar desde la más práctica hasta la ornamental. a través del cual manifiesta sus ideas y sentimientos. etc. es decir. A lo largo del tiempo se han dado numerosas definiciones de arte. «el arte es la idea» (Marcel Duchamp). puede ser duradero o efímero. El arte es un componente de la cultura. mediante diversos recursos. El ideal de belleza se modifica en las diversas épocas y culturas. en general. reflejando en su concepción los sustratos económicos y sociales. las nuevas tecnologías hacen que el arte cambie de función. Pero a diferencia de otros lenguajes. destacando el aspecto vital. y la transmisión de ideas y valores. Se suele considerar que con la aparición del Homo sapiens el arte tuvo en principio una función ritual. pedagógica. subjetiva. Todos estos factores producen la génesis del arte abstracto. El concepto de realidad fue cuestionado por las nuevas teorías científicas: la subjetividad del tiempo de Bergson. En el siglo XX se pierde incluso el sustrato material: decía Beuys que la vida es un medio de expresión artística. la forma como se relaciona con el mundo. a través del cual se expresan ideas. por el deseo de alcanzar la belleza. «el arte es la libertad del genio» (Adolf Loos). En la actualidad se considera que el arte es un lenguaje. «el arte es la novedad» (Jean Dubuffet). sonoros o mixtos. «el arte es aquello que establece su propia regla» (Schiller). La definición de arte es abierta. adquiriendo un componente estético y una función social. mágica o religiosa. económicos y sociales-según el lugar y la cultura en que se desarrollan. El siglo XX ha supuesto una radical transformación del concepto de arte caracterizado por una ruptura con la tradición y un rechazo de la belleza clásica. la teoría del psicoanálisis de Freud.El arte es entendido generalmente como cualquier actividad o producto realizado por el ser humano con una finalidad estética o comunicativa. No existe un acuerdo unánime entre historiadores. mercantil o simplemente ornamental. entre ellas: «el arte es el recto ordenamiento de la razón» (Tomás de Aquino). como los plásticos. el arte esta condicionado por el deseo estético. emociones o. el artista ya no intenta reflejar la realidad. discutible.de acuerdo con el acontecer de hechos políticos. todo el mundo es capaz de ser artista. «arte es todo aquello que los hombres llaman arte» (Dino Formaggio) El arte ha sido desde siempre uno de los principales medios de expresión del ser humano. la mecánica cuántica. inherentes a cualquier cultura humana a lo largo del espacio y el tiempo. filósofos o artistas. «el arte es la acción. lingüísticos. un sistema de comunicación elaborado por seres humanos con el objeto de transmitir ideas y sentimientos. la vida» (Joseph Beuys). expresar sus sentimientos. la Teoría de la relatividad de Einstein. debido a que la fotografía y el cine ya se encargan de plasmar la realidad. Así. Por otro lado. puede tener un contenido religioso o simplemente estético. . «el arte es expresión de la sociedad» (John Ruskin). Por este motivo las artes cambian con el tiempo. sino su mundo interior.

Se puede decir que existen dos etapas claves en la elaboración de una obra: La ejecución y la percepción por parte del público. “Toda obra de arte es hija de su tiempo. En primer lugar “el Artista”. de ahí que el siga produciendo a lo largo de su vida. en segundo lugar “la Obra “ en sí misma que es el producto. quien se expresa mediante su obra. lo emocional. Separada del artista la obra adquiere vida propia.. La percepción de la obra de arte seria un encuentro del espectador consigo mismo. Kandinsky . es madre de nuestros sentimientos. De la misma forma. y la comprensión e interpretación que se le otorgan están influidas por las ideas en una sociedad. El artista procede según una necesidad interior. social y político determinado que influye tanto en el creador como en el público. el pensamiento y la acción corporal. que no se agota en una sola creación. Este circuito se produce en un contexto geográfico. casi mística. ya que en todo quehacer artístico. lo afectivo y lo intelectual. se desarrolla un proceso en el que participan lo sensorial. se comprometen la percepción. que se libera del creador que la produjo y va a ser completada por el espectador. Entre todos estos factores. La forma que contiene es la idea. y por último la “Audiencia” que es quien completa la obra en el momento de apreciarla e interpretarla. cada período de la cultura produce un arte propio que no puede repetirse” “…comprender es formar y atraer al espectador al punto de vista del artista” W. en un tiempo determinado. una independencia con respecto al ser que le había dado esa vida. desempeña un papel muy importante la imaginación creadora. y también por las propias creencias de quien percibe esa obra. intervienen varios elementos. Artista y Espectador Para el artista ruso Wassily Kandinsky la verdadera obra de arte nace del artista de manera misteriosa.Circuito de Producción En el proceso de producción de una obra artística. de sus experiencias. En el arte. Las posibilidades de lectura de una obra son muchas. muchas veces.

El circuito de comunicación que se establece entre el autor y el público que recibe la obra es modificado a partir de la selección que el autor hace del medio tecnológico que utilizará para transmitir su mensaje.no esta al margen de los cambios producidos en la sociedad por los medios de comunicación.Arte y medios de comunicación El arte entendido como sistema comunicativo en un contexto sociocultural determinado. con un lenguaje propio. La fotografía. Aspecto tecnológico. estas propuestas rompieron con la idea de obra única propia de la pintura o la escultura tradicional. A su vez. Los medios de comunicación permiten extender el arte hacia a las masas y hacia las capas sociales a las que le eran inaccesibles ciertas producciones artísticas. 2. también su lenguaje. ya que modifica el modo de transmitir el mensaje artístico y. El empleo por parte de los artistas dee nuevos soportes técnicos permitió la producción de objetos multiplicados e idénticos entre sí. Tradición y Vanguardia . el video. Aspecto democrático y de consumo. e intercambiables como toda producción en serie. es decir se constituye la noción de un arte para todos. la informática como medios de comunicación y como expresión creativa propusieron un nuevo lenguaje artístico con códigos propios.la posibilidad de utilizar los medios de comunicación impulsa al artista a replantearse una nueva relación entre el objeto de arte y su recepción por parte del público. No obstante . La democratización de los medios tecnológicos supone una socialización del arte. El arte emplea la revolución tecnológica del siglo XX según dos aspectos: 1.

y rayos X) Cambios Modifican la “percepción de la Realidad” Testimonio de ello lo constituyen los movimientos de Vanguardia Vanguardia: el término procede del francés “Avant.Garde”. primeras experiencias cinematográficas. por el intento de plasmar la luz (la «impresión» visual) y el instante. los impresionistas pintarán el momento de luz. Su afán por captar lo . La fotografía tuvo una influencia fundamental en el interés de los impresionistas. *La burguesía afianzó su poder político y económico. científico. *Crecimiento desmesurado de las urbes por la expansión del Ferrocarril. *Notables avances en lo “científico” y lo “tecnológico”(lámpara de filamento. para dar cuenta a las luchas “antiacademiscistas y de voluntad de transformación en la “creación artística”. primeras grabaciones. si sus antecesores pintaban formas con identidad. audacia y libertad de la forma. y era usado en el ámbito militar para referirse a los soldados que luchaban en la primera línea de combate. sin reparar en la identidad de aquello que la proyectaba. El movimiento plástico impresionista se desarrolló a partir de la segunda mitad del siglo XIX en Europa —principalmente en Francia— caracterizado. que se vieron representados por las Vanguardias en el campo del Arte. más allá de las formas que subyacen bajo éste. Por lo que los “artistas Impresionistas” actúan como verdaderos lentes que captan los efectos de la Luz sobre la Naturaleza y los trasladan a la tela. El movimiento fue bautizado por la crítica como Impresionismo con ironía y escepticismo respecto al cuadro de Monet Impresión: sol naciente. Las propuestas se suceden con gran rapidez y carácter experimental unas tras otras. y los pobladores que emigran de sus tierras a las grandes ciudades en busca de trabajo. en “las sombras coloreadas” y en la “eliminación del negro y del blanco”en la paleta del Pintor. social y cultural . La palabra también aludia os movimientos políticos que querían cambiar la sociedad. descubrimiento de la radio)( invención del aeroplano. invención de la fotografía.Siglo XX. automóvil. Impresionismo Surge a finales del siglo XIX producto de la Revolución Industrial se vive un clima positivo de Fé en el progreso y en la Ciencia. Dicho significado se traslada al campo del “arte”. numerosos cambios en el aspecto ideológico.telégrafo. a grandes rasgos. por captar en la tela los efectos de la Luz Natural ambien la Óptica con sus leyes de “contrastes simultáneos del color” que influyen en las impresionistas luces. procurando el ejercicio de la libertad individual y la innovación. Es decir.

sino que le interesaba la “incidencia de la luz” sobre los objetos. . Por lo que los impresionistas sólo usaran : *Colores primarios yuxtapuestos con los complementarios para pintar las sombras. por lo que el cuadro tiende a ser “bidimensional”. *Descartan el negro de su paleta. *El impresionista no atendía al color local. *Líneas que se diluyen y pierden profundidad. o sea la “impresión” que cada imagen del natural provocaba en la retina del pintor. Impresión Sol Naciente (Monet) *Tratan de representar el “aspecto cambiante” de las cosas.efímero. *Utilizaron pinceladas cortas y yuxtapuestas. con las diferencias de iluminación según las diferentes horas del día. *Pintan al Aire libre lo que aparecía ante sus ojos en un determinado momento. eliminaba toda posibilidad de expresar el mundo “interior”.

pero bajo ningún concepto admiten una mezcla en la paleta. en cierto sentido. sino mediante la correlación de líneas. matizados entre sí. el pintor debería determinar ante todo cuáles son los efectos de líneas y superficies que la cruzan. El arte de los coloristas está evidentemente asociado. Neoimpresionismo significa descomposición prismática de los colores y su mezcla a través del ojo del espectador. del sentimiento o de la imitación de la forma de un objeto. Se da importancia nuevamente a la “estructura del cuadro”. Sensaciones tristes o jubilosas. los colores se mezclan en el ojo de Los neoimpresionistas no atribuyen importancia a la forma de la pincelada. puesto que no les sirve como medio expresivo del modelado. un elemento que desempeña el mismo papel que la nota en una sinfonía. Para ellos. . en conjunto. engendra la multiplicidad de los colores del prisma y todas sus graduaciones. Se aplica el pincel en forma de puntos sobre la tela. tanto con la matemática como con la música. estados de ánimo apacibles o agitados no se expresan ya a través del virtuosismo de la pincelada. componen el cuadro.Reacción contra el “retinismo impresionista” *Neoimpresionismo: (o impresionismo científico)quiso darle al impresionismo un apoyo científico más sólido todavía. salvo la mezcla de colores vecinos en el círculo. Frente a una tela todavía intacta. es más una estética que una técnica. se lleva al extremo la “coma Impresionista”. cuáles los colores y tonos que deberían cubrirla. estos. trabajando rigurosamente con las pautas científicas del contraste simultáneo del color. comienza el “despegue entre la “reproducción” de lo observado y el cuadro como una “creación del artista” Tal como los impresionistas usan en su paleta colores puros. Merced al empleo de trazos aislados de pincel -cuyo tamaño mantiene una correcta proporción con el tamaño de todo el cuadro-. y aclarados con el blanco. La descomposición de los colores es un sistema que busca armonía. colores y tonos. la pincelada no es más que una de las innumerables partes que.

Tarde de Domingo en la isla de la Grnde Jatte (Georges Seurat) La Parade (Seurat) . Sus máximos exponentes serán Georges Seurat y Paul Signac. si éste se coloca a la debida distancia.El espectador.

dando lugar a diferentes poéticas artísticas que influirán poderosamente en las vanguardias del siglo XX Paul Cezanne: Interés en hacer del Impresionismo algo duradero. “Bodegón” (Cezanne) . de esta manera se combinan varios puntos de vista dentro de la composición. Son artistas diferentes tanto en sus ideales como en sus resultados pictóricos. Tienen en común interés por ir más allá de captar lo efímero. utilizando planos de color amplios. Enorme influencia en el Cubismo. pero cuyas búsquedas artísticas intentan “superar” al impresionismo. buscó formas geométricas puras como carácter necesario para otorgar eternidad a la imagen que la naturaleza nos ofrece. Sus cuadros son construidos con gran fluidez. Introduce un elemento revolucionario “la visión simultánea” en una misma imagen. De afán racional y constructivo.El Postimpresionismo Con este nombre se designa al grupo de artistas que son contemporáneos a los impresionistas.

Él adapta el cromatismo libre y la pincelada texturada de los impresionistas y los utiliza para expresar en la tela todo el dramatismo y violencia de sus sentimientos interiores. preocupados solo por cuestiones estéticas y científicas. pero sin embargo le disgustaba la actitud de estos artistas. El contacto con el impresionismo evolucionó su paleta de color. mientras el trataba de hacer del arte un “instrumento de denuncia Social”. “Autoretrato” (Van Gogh) “Noche estrellada”(Van Gogh) .Vincent Van Gogh: De intensa personalidad . Clara actitud expresionista. realiza su obra en los diez últimos años de su vida.

su primera influencia fue la pintura impresionista y. apenas le interesó el género del paisaje. le atraían la gestualidad de los cantantes y comediantes. siendo el suyo un estilo muy característico. sobre todo. La obra de Toulouse-Lautrec se caracteriza por su estilo fotográfico. la figura de Degas. Poseía una memoria fotográfica y pintaba de forma muy rápida. de quien siguió la temática urbana alejándose de los paisajes que interpretaban Monet o Renoir. Muy observador. que se manifiesta en las líneas compositivas diagonales y el corte repentino de las figuras por los bordes. que rechazaban en voz alta los mismos vicios y ambientes que degustaban en privado. Sin embargo. iluminados con luz artificial. que le permitían jugar con los colores y encuadres de forma subjetiva. . al que corresponden la espontaneidad y la capacidad de captar el movimiento en sus escenas y sus personajes. y le gustaba ridiculizar la hipocresía de los poderosos. y prefirió ambientes cerrados. A esto hay que añadir la originalidad de sus encuadres influencia del arte japonés.Toulouse Lautrec: Al contrario que los artistas impresionistas.

Es así que Martín Malharro recibe influencia impresionista durante su estadía en París. para el apoyo de los artistas.Importante crecimiento en la producción de carnes y cereales.Pero tambien trajo cambios negativos como el Hacinamiento. la exclusión. hospitales. En lo cultural surgen asociaciones e instituciones.Paul Gauguin y el Simbolismo: fin de siglo. El prefiere lo exótico y lo primitivo. Surgen las asociaciones sindicales y comités políticos para defender los derechos de los trabajadores. por lo que la población del país creció cuatro veces más. Gauguin en su búsqueda independiza el color de la forma “El Cristo amarillo” Impresionismo en Argentina Nuevo siglo encuentra a la Argentina en una etapa de modernización.En su obra se observa el abandono de la imagen como hecho narrativo.etc. . al igual que otros artistas Paul Gauguin busca evadirse de una sociedad burguesa finisecular que le disgustaba.El Premio “Europa” permite a los pintores completar sus estudios en el viejo continente. como consecuencia del cambio demogr´fico. etc. Entre 1870 y 1914 se produjo una gran inmigración europea.Los jóvenes iniciaban su formación en el Museo de Bellas Artes y en la Academia de Asociación Estímulo de Bellas Artes. y su interés por el motivo pictórico.aumentó la construcción de viviendas. adelantos técnicos.con la incorporación de nuevos métodos científicos. escuelas. donde se conectan con movimientos más modernos. explotación laboral.

Este planteamiento. artistas fauves van a trabajar con la teoría del color interpretando qué colores son primarios. Los músicos más destacados fueron Claude Debussy y Maurice Ravel. conocido como modelo RYB.Las Parvas (Martín Malharro) El Impresionismo en la Música • Las ideas de los músicos impresionistas son muy parecidas a las de los pintores: o El timbre (el color) –los instrumentos– predomina sobre la melodía (el dibujo) y aún sobre la estructura global del sonido (la armonía). • • Usa colores vivos. • El Fouvismo 1905 en el Salón de Otoño de París se realiza una impactante exposición. desde la propia subjetividad. el claroscuro y la perspectiva. saturados. donde un grupo de pintores a la manera de Gauguin componían sus cuadros resaltando el color. tiende a suscitar con su música una imagen visual tan fuerte como pueda. Para los fouvistas a la realidad había que verla desde el interior. a veces combinadas con texturas visuales. lo que contribuye a crear una atmósfera sonora. lo que producía un mayor contraste visual y una mayor fuerza cromática. *El artista deja de lado el papel imitativo de la pintura. no locales. o La melodía se convierte en algo fragmentado. o El compositor. Su nombre fue un calificativo despectivo de la Crítica. de alli quedó el nombre . Mediante este planteamiento consiguieron una complementariedad entre colores. clasifica los colores en: • . simplificando el dibujo y negando el modelado. imprecisa. algo que evoca lo esencial. cuáles son secundarios y cuáles son complementarios. colocado por Louis Vauxcelles cuando vió el conjunto dijo que se había agrupado una “jaula de fieras”. tan imprecisa como la línea en la pintura. colocados en amplias superficies a veces planas.ya que fouves significa “fieras “ en francés.

amarillo. • En esta búsqueda tan dirigida hacia el color se olvidan otros aspectos como el modelado. otros mostraban la importancia de sentir la alegría de vivir. sin embargo Matisse no se olvidó de su importancia. mientras otros preferían la pintura al aire libre influidos por las costumbres del impresionismo. • • • Principal exponente fue Henri Matisse . amarillo + azul (verde). el claroscuro o la perspectiva. Complementarios: se entiende por color complementario de otro. el color que se sitúa en la parte opuesta: para el verde es el rojo. El dibujo será un aspecto secundario para estos artistas. • Otra característica de esta pintura es su intención de expresar sentimiento Esto hace que percibieran la naturaleza y lo que les rodea en función de sus sentimientos. trazos toscos y discontinuos.o o o Colores Primarios: rojo. algo diferente. También se destacaba la función decorativa y se empleaban las líneas onduladas. Algunos realizaron desnudos e interiores. rojo + amarillo (naranja). aunque se cree distorsión en las figuras: se persigue dar una sensación de espontaneidad. para el azul es el naranja y para el amarillo es el violeta. Defendían una actitud rebelde. un intento de transgresión de las normas con respecto a la pintura. Buscaban en definitiva. Con respecto a los temas que pintaban existía gran variedad: algunos pintarón el mundo rural y otros el ámbito urbano. azul Colores Secundarios: se obtienen mezclando colores primarios: rojo + azul (violeta). La técnica pictórica fovista emplea toques rápidos y vigorosos. que les hiciese avanzar en el ámbito artístico.

luego de haber estudiado en la Academia Nacional de Bellas Artes. con mucha expresividad y delicadeza. alrededor de 10 años antes de la aparición de esta obra. Una característica de este pintor es que no marca con líneas puras. En la mayoría de sus cuadros representa a bailarinas. sin embargo. artistas circenses y escenas de bares. tuvo su paso por las grandes ciudades del arte europeas en su juventud. en especial en “La Presentación”. se observa a una bailarina de finos rasgos y a una señora de edad avanzada. en Francia. en 1889. demuestran una luminosidad importante.Fovismo en Argentina La presentación” es un cuadro que llama la atención desde lejos. Sus colores extremadamente saturados demuestran la admiración de Valentín Thibon de Libian por el fauvismo. esto se puede percibir . No pretende caer en la geometrización de las figuras. se puede observar que sucede eso en los ambientes en donde se encuentran los personajes. En “La Presentación”. Fue en esos viajes donde se empapó de todas las nuevos movimientos derivados del impresionismo. que la incita a mostrarse frente a un hombre del cual solo se puede observar que esta sentado en un rincón del cuadro. Sus personajes. que tuvo su punto de esplendor. tal vez una monja. sino que esfuma con delicadeza y precisión los límites entre una figura y otra. Provincia de Tucumán. Este pintor nacido en Carcarañá.

Creían en la formación de una hermandad humana que sólo a través del esfuerzo colectivo podría superar las turbulencias de la época. desconfianza ante los adelantos científicos que prometían resolver los problemas de la sociedad. EL expresionismo se conmoverá con los acontecimientos sociales y las injusticias. El Expresionismo reacciona al Impresionismo. su producción estará al servicio de la denuncia. La chica demuestra timidez. pero con un mismo objetivo: convertir la obra de arte en un medio de expresión y de comunicación . se disolvió. Finalmente. si embargo. hay que destacar que Valentín Thibón de Libian es uno de los pocos pintores que se dedicó al fauvismo en la Argentina. Es una época en la cual el hombre se encuentra angustiado. El Expresionismo Alemán tuvo 2 vertientes. la señora tiene una mirada cómplice con el hombre sentado. se encuentra amenazado por la Primera Guerra Mundial. intentando penetrar en la “esencia de las cosas”.Scmitdt-Rottluff. Otto.Mueller.En 1911 se trasladaron a Berlín pero en 1913. Expresionismo En el mismo año del surgimiento del Movimiento Fovista surge en Alemania el “Expresionismo”. Su sentimiento ante la realidad es de sufrimiento. pero no podemos saber la relación del hombre y la muchacha. no alcanza con reflejar la apariencia real. cada una con características distintas. . debido a diferencias en el grupo. ni que papel juega realmente en la escena.Heckel. en un enrarecido clima social y político de la Alemania de Guillermo II. buscando el sentido de su existencia. El Puente Grupo fundado en 1905 en la ciudad de Dresde por los estudiantes Kirchner.solamente porque aparecen sus piernas. trabajando para la realización de un mundo nuevo y mejor.

razón por la cual los artistas abandonaron la representación de imágenes del mundo exterior para concentrarse en aquellas que había en su mundo interior. utilización dramática del blanco y del negro. se usaba el color violento. por lo que muchos artistas derivaron a la plena abstracción. En esta segunda etapa los artistas no se proponian cambiar el mundo como en el Puente. .Franz Marc y Augusto Macke.Se destacaron por ser eximios grabadores en madera. sino que su objetivo era “encontrar la espiritualidad en el arte”. como tambien del gusto de ambos por el color azul. Su nombre se debió al gusto de Marc por loscaballos y el gusto de Kandinsky por la imagen de los jinetes. Franzi ante una silla tallada (Kirchner) El Jinete Azul Vertiente del expresionismo formada en 1911 en la ciudad de Berlín por Wassily Kandinsky .

que recorría las ferias de las ciudades alemanas exhibiendo a su sonámbulo. donde el arte adquirió lenguaje propio y se independizó del motivo.[7] El expresionismo supuso un nuevo concepto del arte. a la evocación.A partir de los expresionistas alemanes. el expresionismo fue el punto de partida de un proceso de transmutación de la realidad que cristalizó en el expresionismo abstracto y el informalismo. que cambiarán todo el sentido de la historia. su estado anímico. el arte era una experiencia catárquica. la angustia vital del artista. os expresionistas emplearon la línea y el color de un modo temperamental y emotivo. añadirá dos nuevas escenas al guion. Alemania. de reflejar lo inmutable y eterno del ser humano y la naturaleza. convirtiendo al expresionismo en un sinónimo del arte moderno durante los primeros años del siglo XX. Kandinsky se dispersó por Europa. a un decadentismo de corte neorromántico. de forma tardía. los artistas iniciaron su camino de búsqueda. La idea de los guionistas era la de denunciar la actuación del Estado alemán durante la guerra. pues se convierte en el relato imaginario de un loco que cree ver en el director del hospital psiquiátrico en el que se halla al terrible doctor Caligari . de fuerte contenido simbólico. donde se purificaban los desahogos espirituales. película inspirada en una serie de crímenes sexuales que tuvieron lugar en Hamburgo.Marc y Macke murieron en el conflicto. entendido como una forma de captar la existencia. Así. con El gabinete del doctor Caligari. Esta reacción frente al impresionismo supuso una fuerte ruptura con el arte elaborado por la generación precedente. propenso por lo general a la melancolía. Así. Cine Expresionista Al cine llega. Legado expresionista El pintor dejó de reproducir los objetos y se ocupó de recrealos de acuerdo con las expresiones emotivas de su propio ser.Franz Marc-Tirol Primera Guerra Mundial. Los expresionistas utilizaban el arte como una forma de reflejar sus sentimientos. el movimiento se disuelve. Pero Robert Wiene. que será quien la dirija. Narraba los estremecedores crímenes que cometía Cesare. de traslucir en imágenes el sustrato que subyace bajo la realidad aparente. bajo las órdenes hipnóticas del doctor Caligari. una al principio y otra al final.

y no como algo decorativo. utilizar los colores de manera planimétrica y a crear una nueva realidad. se decidió pintar los decorados con luces y sombras. Cada plano representa una visión desde un punto de vista diferente. en 1908 para calificar los cuadros de dos pintores jóvenes: Pablo picasso y Georges Braque. Queda eliminada la perspectiva. sino un arte de ideas. Otra característica a destacar será el maquillaje de los actores. Cubismo Características: *Análisis de las formas de los objetos. Es cierto que el azar va a contribuir a realzar ese dramatismo. creando un dinamismo envolvente. fuertemente desaturada. *Paleta monocromática o dicromática. para ello comenzaron a geometrizar las formas.El principal atractivo de la película reside en su anormalidad escenográfica. para exaltar el análisis de las formas. *Descomposición del espacio tridimensional en una multitud de planos que se superponen y se interpretan. Procuraban llegar a la esencia formal de las cosas. ya que. Cubismo La palabra “Cubismo” fue utilzada por primera vez por el crítico Louis Vauxelles. El gabinete del doctor Caligari obtendrá un gran éxito. cuando Braque fue a ver su cuadro “Las Señoritas de Avignon”.No se buscaba un arte imitativo. todo ello con una función meramente dramática y psicológica. reminiscencias cubistas y ventanas con forma de flecha. y su interpretación. Ruptura con antiguas concepciones del arte . debido a la limitación de la iluminación en el estudio donde se rodó. que se descomponen en una multitud de planos. El cubismo analiza la realidad utilizando el concepto de “simultaneismo en la visión”. sino como se piensa. Ambos artistas se encontraron en el taller de Picasso en 1907. con chimeneas oblicuas. no como se ve .

El cubismo pasó por diferentes etapas: Cezanniano: se caracteriza por sus formas identificables. que son reducidas a formas geométricas puras. El cubismo sintético se caracteriza por potenciar las partes más significativas de la figura. examinarlas y ordenarlas por separado. Mujer con mandolina (Picasso) El cubismo analítico se caracteriza por la descomposición de la forma y de las figuras en múltiples partes.*Por primera vez la imagen que resulta es no. todas ellas geométricas. Es la auténtica la estética cubista. Su objeto es conocerlas. o que se quiere resaltar. . cuesta reconocerla (cubismo hermético) por eso Picasso creó los atributos que son elementos que identifican un objeto-como las cuerdas de un violín o guitarra-y permiten al observador reconstruir la imagen y reconocer lo que se ha pintado en ella. Se trata más de un protocubismo que una nueva estética. Es el cubismo más puro y el de más difícil comprensión. reduciéndola a sus formas geométricas más puras. pero sí de más fácil lectura. la creadora del nuevo lenguaje.figurativa. No es un cubismo simplificador. Está altamente estructurado y se potencian las partes más significativas.

Esta estética de la Tradición. pretendía recuperar las raíces autóctonas. .Georges Braque “Aria de Bach” ”Bodegón de la silla de mimbre” (Picasso) “Guernica” (Picasso) Influencias del Cubismo en Argentina Hacia 1920 ya habían finalizado en Europa el ciclo de las Primeras Vanguardias. que se traducía en paisajes y personajes típicos. En Argentina se toma una postura en cuanto al arte “defensora de un nacionalismo tradicionalista.

Emilio Petorutti En su estadía en Europa tuvo contacto con el Futurismo de quien tomó la idea de representación abstracta. .Retrato de Rosario (Gómez Cornet) Gómez Cornet presentó en 1921 una serie de retratos de personajes del Norte Argentino. soles. permiten ver con mayor claridad los colores y organización de cada una de sus pinturas. desde su Santiago del Estero natal. junto con la reducción de los medios expresivos empleados. En la misma época comenzaron a regresar al papis artistas que se habían ido a formar a Europa como Xul Solar. Emilio Petorutti. Horacio Butler y Aquiles Abadi fueron quienes sentaron las bases de la “transformación”. con el objetivo de crear una nueva realidad a partir de la construcción del color. Pierrot (Juan Gris) A través de su obra Pettoruti logró darle un valor propio al cuadro. y entabló amistad con Juan Gris. quien le abrió las puertas al “Cubismo”. al que independizó del motivo representado. copas. Sus formas puras y planimétricas. y a partir de la década del 50’ entraron en sus telas pájaros y mariposas. arlequines. Pintó naturalezas muertas. Juan del Prete.

a veces transparentes y sirve como una forma que penetra desde el exterior. “Farfalla” (Pettoruti) “El Improvisador” (Pettoruti) “Sol argentino” (Pettoruti) “Sandías” (Pettoruti) Xul Solar Alejandro Shulz Solari . Estilización de todos los elementos utilizados y exageración en la economía de medios. idiomas y juegos. con el agregado de algunas palabras en inglés y en alemán. y crea de esta maner una ambiente lleno de misterio. propuso un lenguaje propio. por ejemplo a inventar religiones. fueron los recursos que finalmente llevaron a Pettoruti a la “Abstracción”. que denominó “creol” o neocriollo ern formas modificadas del español y del portugués. En el áre del lenguaje. .Luz= papel protagónico en sus obras: ocupa grandes planos. sus investigaciones y búsquedas espirituales lo llevaron.

y combinable a voluntad. Finalidad= promover la comunicación en los hombres. Creó el “panajedrez” o “panjuego”. creó doce religiones basadas en las ya existentes. Xul Solar fundía lo real y lo imaginario no solo en su obra. un entretenimiento basado en la astrología.Lo onírico traspasaba el mundo de los sueños para instalarse en el mundo de lo real. Comunicación de las dos realidades: el natural y el sobrenatural.Modificó el piano tradiucional. sin gramática de base numérica y astrológica. que permite formar palabras. . Pintaba sus “visiones”. o lengua universal. sino tambien en la vida diaria.Además planteó una forma lingüística que denominó “panlengua”. era una lengua monosilábica. pintando las teclas para relacionar el color con el sonido. Xul Solar ideó además un teatro de títeres y un sistema matemático astrológico. acordes musicaleso temas pictóricos y plantear problemas matemáticos.

submarinos. los profesores. También se ataca a los Museos. las bellas ideas que matan y el desprecio a la mujer”. Umberto Boccioni . incluir el dinamismo de la vida de las modernas urbes industriales.Los Colores circulan ampliamente por la imagen. La Belleza del fenómeno del Maquinismo en todas sus manifestaciones. Características: • • • • • Amplia Libertad en el uso del color. el ademán destructor de los anarquistas. “Queremos glorificar la Guerra-única higiene del mundo-el militarismo. es más bello que la Victoria de Samotracia”.Futurismo Movimiento artístico que surge en Italia ( Milán)en 1909.Gino Severini. Es el primer Movimiento artístico que arrancó con un “Manifiesto” que fue escrito por Marinetti. Temática: Trenes. Contribuyendo así a crear y acentuar el dinamismo buscado. es una reacción en contra del Cubismo. Los objetos presentaban volúmenes que se compenetran con el ambiente circundante. en el que exponían todas las ideas sociales y artísticas. O sea: Este movimiento propuso como contenido de la obra. los arqueólogos y se proclama el reinado del Maquinismo. vapores. el patrioterismo. Máximos exponentes: Giacomo Balla.aviones. Cuyos puntos más importantes son: “Declaramos que el esplendor del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva: la Belleza de la Velocidad…un automóvil rugidor. que parece correr sobre la metralla. Se elimina la noción de color-objeto. El efecto dinámico en toda la imagen.etc.

se sumarán luego a la alianza contra Alemania. declaró que sólo firmaría la paz con gobiernos democráticos. El emperador alemán debió abdicar y se proclamó un nuevo gobierno republicano. que envió rapidamente una comisión a negociar la paz con los aliados. Rusia se alió a Serbia. En la aviación se realizaron notables avances. *La guerra afectó fuertemente la economía. *Paises vencedores y vencidos se sumieron en una gran crisis económica. ya que todos los esfuerzos y gastos estaban puestos en su objetivo bélico.Sin embargo las negociaciones quedaron bloqueadas porque el presidente de los Estados Unidos. y por su lado Alemania a Austria-Hungría. *Estados Unidos se convierte en el centro financiero internacional (todos los países se habían endeudado en sus bancos) gracias a su postura proaliada.dando nuevos créditos y promoviendo diversos planes de ayuda. La industrias fueron “reorientadas”para la creación de material bélico. Se limitaron a apoyar económicamente a algunos países. no sufrieron gastos de reconstrucción. y sus aliados realizaron una contra-ofensiva . . se desarrolló la industria automotriz.1914-Primera Guerra Mundial 28 de junio de 1914 el heredero de la Corona austríaca Francisco Fernando fue asesinado junto a su esposa en Sarajevo. Francia e Inglaterra firmaron el pacto de Londres. *Mercado consumidor en expansión. refinanciando sus deudas. los ferrocarriles dieron más y mejores servicios. *Nueva revolución transportes.se logró controlar el frente turco.Otros países como Japón. Francia también decidió tomar parte. Escasez de alimentos y provisiones. a través del cual sellaron su unidad y se convirtieron en “aliados”. 11 de noviembre de 1918 se firmó el armisticio entre Alemania y sus aliados. etapa de crecimiento y desarrollo una vez superada la crisis de la posguerra. Septiembre de 1914 Rusia. La Guerra dura hasta el año 1918cuando finalmente las tropas francesas y norteamericanas detuvieron el avance de los alemanes. Italia y los Estados Unidos. Se inician entonces “conversaciones” de Armisticio. Consecuencias de la Guerra *Las monedas de los países en guerra sufrieron una gran devaluación. por lo que debieron retirarse. además como la guerra no se desarrollo en sus territorios. capital de Bosnia por Gavrilo Prinzip nacionalista serbio Un mes después Austria-Hungría declara la guerra a Serbia.

sino el gesto. El dadaismo plantea un profundo escepticismo en cuanto a toda ideología y sentimiento. integrada por artistas y público. Zurich era una ciudad neutral que sirvió de refugio de desrtores. *Empleo de nuevas técnicas como el “assemblage”y el “frottage”. y de artistas y poetas. lo que creará una nueva dimensión para las artes plásticas:la integración de los objetos artísticos en una situación colectiva. porque no hay creación. ya no les importaba la obra de arte. El término “dadá” no significa nada Tristan Tzara (su fundador)encontró por casualidad la palabra en un diccionario Larousse. Las expresiones tienen en general una burla hacia todo lo que pueda ser considerado “estético”. *Empleo de objetos cotidianos y de materiales de toda clase. *El “azar” ees más importante que la regla académica o anti-académica.Dadaismo El movimiento Dadaísta nació en 1916 en el Café Voltaire en Zurich (Suiza) en plena Guerra Mundial. la actitud destructiva que alcanzaba todas las esferas de la actividad humana.Constante provocación contra las “reglas” y las “buenas Costumbres”. Características de la producción Dadaísta: *No hay “obra”.incluso negándose a sí mismo . Dicho nombre se usó más que nada para designar un estilo de vida. la ley. La guerra había puesto en crisis todos los valores de la cultura. en la producción de objeto “anti-artístico”. Duchamp . *El azar esta unido a la “arbitrariedad y descontextualización de los objetos.A los dadaístas. hay “objeto” *El “objeto” interesa menos que el “procedimiento” de su fabricación. por eso el escándalo es el elemento preferido por el Dadá. agentes secretos. entre ellos el arte. actitud fundamentalmente burlona y lúdica. emigrados políticos. exiliados. El Dadaismo puede ser interpretado como el “arte no arte” o “el arte que se expresa contra el arte”. en combinaciones fortuitas y arbitrarias.Ej: el urinario de Duchamp.

. En este contexto surge el Surrealismo = sur (por encima) realisme ( de la realidad) en París 1924. Ready-made rectificados: existía una mínima intervención del artista en imágenes pictóricas ya aceptadas y conocidas(por ej un cuadro de Leonardo Da Vinci). quiso en la Posguerra encontrar una salida al Dadá y sus postulados negativos. que adquirían una nueva estética a partir de la intervención del autor. quien los define como “objetos usuales ascendidos a la dignidad del objeto artístico por simple decisión del artista”. determinado por un acto mnetal.Man Ray Duchamp Los Ready-made: son los productos más notables del arte Dadá. influenciado por los Postulados Freudianos de la existencia del “Inconciente”y una nueva significación de los sueños . por una actitud distinta respecto a la realidad. su creador fue Marcel Duchamp. Surrealismo El arte cuyo valor se había cuestionado ante la angustia provocada por el estallido de la Primera Guerra mundial. El artista elegía un objeto. que sacaba de su contexto habitual(en el que cumplían una función práctica) y lo convertía en un hecho estético.

A pesar de las grandes diferenciasen cuanto a los tipos de imágenes. Miró y André Masson quienes utilizaron diversas técnicas como el “frottage”. para dejar que el inconsciente fluya. De esta manera causan sorpresa en el espectador por lo ambiguo del conjunto.el inconciente y el azar. Debido a la libertad que dfendía el Surrealismo presentó un lenguaje heterogéneo que se manifestó en dos vertientes: Automatismo Psiquico: de Ernst. Magritte. el funcionamiento real del pensamiento” Los artistas surrealistas entonces van a poner el acento en los sueños . los surrealistas estaban unidos por la idea de reivindicar la autonomía de la imaginación y la creencia en la capacidad expresiva del subconsciente. sino el contenido de lo que expresa. Ives Tanguy. por escrito o de cualquier otro modo.El Primer Manifiesto Surrealista surgido en 1924 dice lo siguiente: “ Surrealismo es automatismo psíquico puro. . por cuyo medio se intenta expresar. el “grattage” o la calcomanía. Tienen en común la idea de “reivindicar” la autonomía de la imaginación y la creencia en la capacidad expresiva del subconsciente. y a las técnicas empleadas. no cambia el lenguaje pictórico. Pintura de hechura académica . verbalmente. Miró Surrealismo Realista:Utiliza el realismo fotográfico que contrasta con lo fantástico del resultado compositivo. Dalí decía que sus cuadros eran fotografías de sueños pintadas a mano. Sus artistas Salvador Dalí.

”Galatea” (Dalí) “El gran masturbador” (Dali) “Los amantes”(Magritte) Magritte “esto no es una pipa”(Magritte) .

Segunda Guerra Mundial Atan sólo 20 años de la Primera guerra se desncadenó otra de mayor magnitud y poder destructivo.Luego de la quiebra de la Bolsa de Nueva york • Surgimiento de gobiernos opuestos a los valores democráticos. de trama inconvexa. 1928 proyección en París de la película de Luis Buñuel y Salvador Dalí “El perro andaluz”. • Crisis del Sistema Capitalista.El Cine Surrealista El cine también le ofreció al Surrealismo la posibilidad de transmitir sus visiones fantásticas al público. Motivos: • consecuencia de la Primera Guerra y la posterior toma de posición de las principales potencias vencedoras. parece un sueño. • Ambiciones expansionistas .