EDITORIAL

Octubre de 2011/ Nº2

“Permanece fiel a tu propia verdad, y el trabajo bueno vendra a ti”, se le oyó repetir a Rachael Adler con insistencia y convicción durante las clase magistrales que ofreció recientemente en Barcelona a los actores del Programa de Técnica Meisner de Javier Galitó-Cava. Es importante recordar por qué y para qué hacemos lo que hacemos. Qué nos mueve a ser creadores y artistas, por qué necesitamos ser actrices y actores. Las circunstancias dadas actuales, a nivel socio-económico, ponen a prueba no solo nuestra vocación sino nuestra identidad artística. Con ello se nos presenta una gran oportunidad para afianzarnos, para hacernos nuevas preguntas y para escoger caminos. Así como existe el camino de la queja, existe el camino de la acción, el camino de participar activamente a todos los niveles. Este es el momento propicio para reinventaros como creadores en un sentido amplio, descubrir capacidades que desconocíamos en nosotros mismos y atrevernos a explorar habilidades y facetas nuevas. Los creadores, creadoras, colaboradores y colaboradoras de “Momento a Momento” apostamos por hacer, por seguir construyendo con ilusión, llevando adelante proyectos, orgullosos de cada intento y de cada logro. Siguiendo “fieles a nuestra propia verdad”, a lo que somos y a lo que nos impulsa. Más que nunca, creemos en encontrar las preguntas y los caminos individuales a través de una unión genuina y enriquecedora de los artistas creadores. Indagando en el interior, desde una necesidad y una identidad no externas sino íntimas, tanto a nivel personal como colectivo y comunitario. Y por eso estamos aquí para ofrecer un espacio de expresión y difusión, para participar activamente en la transformación social y profesional de la que somos parte.

ENTREVISTA A DORA DORIZZI “Cuanto más te rindes a los personajes, más puedes eliminar el juicio que tienes sobre ti mismo”

por Carlotta Ros

"… y la Comuna resiste manteniendo con admirable lucidez la consciencia de que el arte sin la política, en todas sus facetas, no es vida por lo tanto es engaño, y que la política sin arte está condenada a un hundimiento sin fin, en la tristeza del ser sin sentido". (Julian Beck, Judith Malina – marzo 1981)

Es una actriz italiana que formó parte de Comuna Baires, compañía de teatro que nació en Argentina en 1969. Con la irrupción de la dictadura de 1976, el grupo decidió emigrar a Europa y se instaló en Milán. Allí es cuando ella se incorporó como actriz para “superar la timidez”. Comenzó entonces un camino en el que el principal desafío fue la búsqueda de la libertad absoluta. Milán, Teatro de la Comuna Baires, un lugar que los milaneses estiman por su vivo pensamiento político independiente y por su pasión por lo posible. Esta compañía fue fundada en 1969 por Renzo Casali, Liliana Duca y Antonio Llopis, en Buenos Aires. Con la llegada de la dictadura en Argentina, decidieron trasladarse a Europa. Desde 1983 Dora Dorizzi trabaja como actriz y “militante del imaginario” en esta compañía. (Para entender más el lenguaje y la filosofía se puede consultar en www.comunabaires.it). En el largo camino junto a ellos, protagonizó obras como “Lo strano pomeriggio del dottor Burque”, “Haci Giugo”, “Pitt e Sball” dirigida por Renzo Casali, que fue llevada de gira por Argentina y Perú entre el 2007 y el 2009. En esta cálida tarde de verano en Milán, Dora nos invita a comer en su casa y frente a un plato de pescaditos fritos comienza la charla.
-¿Cómo empezaste a dedicarte al teatro? -(Dora ríe) ¡Como espectador! En 1979 vine a ver un espectáculo de la Comuna Baires acompañada por un amigo que trabajaba allí como actor. El espectáculo se llamaba “Wisconsin”. Seguí durante años todos los espectáculos de la compañía. Y cuando empecé a seguir el trabajo del actor como espectador entendí que probablemente el teatro me podría ayudar a superar mi timidez y mi dificultad de relacionarme. Yo era muy tímida… Mi timidez era más bien patológica. Incluso en la escuela cuando me preguntaban algo tenía que colocarme frente a la pared para no ver a nadie. -Y entonces ¿cómo ha sido tu primer espectáculo? - Mi primer espectáculo fue recién diez años después, en 1995, cuando volvimos de Argentina, en donde vivimos en comunidad durante 11 años. En 1984, con un grupo de actores nos fuimos para allí con el proyecto Villaldea.

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ENTREVISTA/DORA DORIZZI

“He crecido con mis personajes, me han enseñado a rendirme a ellos, a dejarme en paz, a confiar en su presencia y su fuerza”.

Construimos una aldea auto-sostenible en la Pampa. Las relaciones culturales las teníamos con el teatro que alquilábamos en Buenos Aires y ahí en la Pampa alojábamos a los actores. Pero he de decir que todo aquello finalmente fue una experiencia más antropológica que teatral. -Dora, tengo artículos de prensa del festival de Edimburgo que hablan de “gorgeous performance” (una bellísima actuación) en el papel que hiciste en “Haci Giugo” y aún recuerdo la piel de gallina que tuve cuando me levanté de la butaca luego de ver “Pitt e Sball”. ¿Cuál es tu forma de prepararte para un personaje? -Pues… empiezo por lo que tengo. Por ejemplo, por culpa de mi timidez, jamás lograba salir al escenario con mis propios pies. Entonces, ya que no soy valiente, pensé utilizar un skateboard, pero no era fácil controlarlo, así que elegí una carretilla. De ese modo no era yo quien voluntariamente entraba, me lanzaban adentro. Pero siempre es diferente, por ejemplo la idea escénica de “Haci Giugo” era de un tren que siempre estaba presente. Mirando la película “Orient Express” vi una escena donde un personaje subía al tren con un perro. Pero ya que en teatro es mejor no llevar perros porque cabe la posibilidad que resulten mejores que los actores, decidí entrar en el escenario con una bola con un pez de colores. Este acompañante me daba también confianza y seguridad, mi miedo lo transformé en otra cosa. -Hablas de transformación, ¿qué has aprendido de tus personajes? -He crecido con mis personajes, me han enseñado a rendirme a ellos, a dejarme en paz, a confiar en su presencia y su fuerza. Cuanto más te rindes a ellos, más puedes eliminar el juicio que tienes sobre ti mismo… El “hacerlo bien”, el “ser buena”… Si logras superar todo esto, entonces vives… Es una montaña rusa que te atrapa, que se convierte en la vida que tú mismo vives en aquel momento… En este sentido es una transformación continua. -Se dice que el problema del actor es que no se cree que “si uno cae se muere”. ¿Tienes algún modo para llegar a este nivel de entrega, para encontrar la verdad profunda de lo que haces? -Muchas veces nosotros nos creemos eternos, pero no lo somos. Siempre es la última vez. También cuando tienes una o dos representaciones al día durante un mes. Cada noche podría ser la última. Yo esto siempre lo he tenido en cuenta, jamás un momento se repite igual a otro, ya que estamos a merced de una continua transformación. Por ejemplo, cada noche antes de salir al escenario me pregunto “por qué y para quién lo estoy haciendo” y la respuesta es siempre diferente. Hay también una última vez en la que que vives aquel mismo personaje y que lo eres, entonces lo eres en todo lo que eres, en el alma. Pero tienes que entrar en ese lugar y no quedarte en la superficie y pensar que te quedan diez representaciones. Con esta honestidad contigo mismo es inevitable sentir tu fragilidad, y de verdad pueden ser las últimas palabras y las últimas cosas que haces. Para el personaje es lo mismo, es su vida y no es eterna, vive en aquellos instantes que necesariamente tienen un fin. Por ejemplo el personaje de Tilde… Tilde ahora es eterna pero yo no soy más aquel personaje. Por lo tanto, ha habido una “última vez” de Tilde…

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ENTREVISTA/DORA DORIZZI

“Me gusta mucho mirar al espectador a los ojos después de la obra”.

-¿Qué opinas de la frase de Duchamp: “es el espectador quien hace el espectáculo”? -Está claro que es importante la relación actor/ espectador. En la preparación de la cita hay un intercambio de energía de los dos, un intercambio de amor, el espectador se prepara trasladándose al teatro, comprando el ticket. Después depende de cada espectáculo. Por ejemplo en “Haci Giugo” que estábamos en una estación de trenes, el público era la misma gente que había en la estación, eran personajes que estaban ahí conmigo, no estaban fuera. Me gusta mucho mirar al espectador a los ojos después de la obra. En otros casos como “Wisconsin”, todo el espectáculo se desarrollaba entre el público y sus respuestas por estar en un aprieto, nos daban mucho como actores, creaban el espectáculo. -Nos has hablado de personaje y de público y ¿cuál es tú relación con el espacio escénico? -¿Qué te tengo que contar? Es precioso, ¡lo quiero! el espacio se hace uno contigo. Ningún objeto es casual. Para el escenario es lo mismo, el espacio está vacío y tú levantas el pie y lo pisas. Aquel espacio es sagrado, porque estás tú con tú verdad. Había una actriz japonesa, Shinobu, quien después de la entrada en calor, antes de subir al escenario, se lavaba los pies. Dejaba afuera todo lo que era, incluso el polvo bajo los pies, para entrar diferente, limpia. Era un ritual y yo sigo haciéndolo. Hay que respetar enormemente el espacio para darte aquella oportunidad y después agradecerlo. -¿Tienes algo que contarnos sobre la relación con los demás actores? -Es un profundo acto de creación, a través de la improvisación entras en una relación, es inocente. No es una relación predeterminada. -Dora, ya que estamos un poco adentrándonos en tonos más pedagógicos, hablemos de la herramienta actoral de la “actividad” ¿tienes algún secreto a la hora de crear una? -Es la motivación que crea la actividad, un por qué real. Crear cosas complejas a veces es un límite o una defensa. He llegado a pensar que es mejor una actividad sencilla en la cual crees mucho. Lo importante es que te domine, que haga que te abandones. -Me parece interesante poder hacerte un par de preguntas que te describan un poco como persona: ¿Qué es lo que te enciende? -Cuando encuentro en las palabras de los demás o en una frase o en una poesía lo que yo no soy capaz de expresar en palabras. -¿Qué es lo que te apaga? -El trabajo mecánico, ejecutado sin encontrarle una motivación. Sin un por qué, sin un retorno de la misma acción.
“Días Estupendos”

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ENTREVISTA/DORA DORIZZI

-¿Si pudieras trabajar uno de los 7 pecados capitales, cuál elegirías? -Sin duda la envidia. -¿Tienes alguna última cosa que quieras dejar a los lectores de M@M? -Tan sólo que yo también sigo siendo una estudiante. Nos levantamos de nuestras silla pero a Dora se la ve aún pensativa y algunos momentos después me dice: “¡Quizás trabajaría la soberbia porqué ha llegado el momento!“

por Carlotta Ros

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SER O NO SER ACTOR. Dilemas de nuestra profesión en la actualidad.

La necesidad como camino hacia la creación.
por Joaquín Daniel
“No escribirás nada que despierte a nadie si puedes dormir sin contarlo” -Richard Price

“Cuenta la leyenda, que la sopa de caracol, hoy en día delicatesen de la gastronomía francesa, nació durante uno de los tantos sitios a París, cuando el hambre arreciaba y ya no había que comer... “
Los actores somos seres necesitados. Necesitamos que nos llame nuestro agente y nos informe de castings; necesitamos rodar; necesitamos que nos digan que “lo hemos hecho bien”; necesitamos trabajo, si no estable -palabra de otro siglo- al menos fluido. La no saciedad de esas necesidades es el caldo de cultivo ideal para dejarnos avasallar por la ansiedad -palabra más de este siglo imposible-. Ahora: ¿si en esa necesidad estuviera escondida la oportunidad? ¿Si pudiéramos quitar el polvo de tanto residuo mental, que tesoro podríamos hallar? Tal vez sea una buena oportunidad para dejar de llamarnos “actores o actrices” para empezar a llamarnos ARTISTAS. Reivindicar ese rol activo y protagónico en la generación de proyectos. Estamos en un momento en que la actualidad de España no invita especialmente a grandes expectativas de “que nos llamen”. La realidad de la ficción televisiva, por ejemplo, está siendo árida y compleja. Los proyectos son pocos y los presupuestos cortos. Las opciones de castings atractivos son esporádicas. Respecto al mundo del teatro… ¿Cuándo no ha estado en crisis el teatro?. Pero además, ahora, los grandes recortes en las subvenciones provocarán un cambio de paradigma. La lógica del negocio ha cambiado, al menos por los cuantos años que promete durar esta “crisis”. ¿Y entonces? Tal vez es la hora de dar la bienvenida a esa necesidad cada vez más grande, nuestra y del entorno que nos rodea, de empezar a creer que otra realidad es posible. Y, sobre todo, de comenzar a crearla. ¿Cuál es nuestro rol, nuestra misión, como ARTISTAS en un momento como este? ¿Qué actitud vamos a tomar: la queja o la acción? ¿Qué rol: dependencia o auto-gestión?

Apuntes sobre la creatividad
Hace poco leí una entrevista a Richard Price, guionista de la serie de culto “The Wire” (que aprovechamos para recomendar fervientemente) en la cual daba unas cuantas pistas claves a la hora de decidirse a escribir. Price es profesor de guión y en la entrevista explicaba que muchas veces sus alumnos, contaminados por la “voracidad de las grandes historias”, se ponían a escribir sobre cosas que les quedaban a unos cuantos años luz de su esencia creadora. Un alumno suyo, de raza negra, apareció un día con un guión sobre traficantes del Bronx. Price lo leyó y le preguntó: “¿Tú no eres del Bronx, verdad?”. El alumno le respondió que no, que era de una respetable familia de Long Island. “¿Y entonces por qué te empecinas en contar historias que no vibran en tu interior? No escribirás nada que despierte a nadie si puedes dormir sin contarlo. Y lo único que logra quitarte el sueño es lo que has vivido realmente: eso de lo que no te puedes librar hasta que lo escribes”. En síntesis: “Crear es descubrir lo urgente en tu interior para contarlo”. El chico apareció a los pocos días con una maravillosa historia de grafiteros de su barrio que se desafiaban pintando trenes a huídas de la policía. Leer esa entrevista fue una como una inyección de ganas. La palmada en la espalda para decidirse a avanzar. Una clave para reafirmar el por qué uno está en “este momento y en este lugar”. Es cierto que el presente de España, de Cataluña, de Barcelona, es de una complejidad vibrante. Tensiones superpuestas, reivindicaciones múltiples, de nacionalidades, de minorías, de gremios, con una clase dirigente que parece seguir actuando como si nada ocurriese, o peor aún, absolutamente de espaldas a esta olla a presión a punto de estallar. La fiesta del estado de bienestar se ha acabado y ahora es momento de la resaca. Pero… ¿cuán rico puede ser creativamente este momento? ¿Cuántas historias de vida para contar y transmitir están desfilando ante nuestras narices? ¿Qué hay de la capacidad de fomentar redes sociales (y no me refiero al mundo on line, aunque es una herramienta fantástica) para generar proyectos alternativos, creando puentes directos al público, el gran receptor de nuestro trabajo? Para cerrar, una nueva cita de Price, refiriéndose al concepto de éxito de nuestra creación: “Lo que pase después con tu obra -que ganes un Pulitzer o que no te lea ni tu madre- es sólo cuestión de ego y puedes vivir perfectamente sin ello; pero sin escribir, sin crear: pintar, esculpir, cocinar: sin explicar eso tan urgente que no te deja dormir, nadie puede vivir plenamente”.

SER O NO SER/ LA NECESIDAD COMO CAMINO HACIA LA CREACION

DRAMATURGOS DE HOY

CATHERINE ANNE
De los legados familiares a las relaciones con la vida por Adeline Flaun
"El teatro escrito puede proveer armas y placer." "Sin letras, los amores se mueren deshechos." "Abrir el teatro a un público no habituado."

En este segundo número de "Momento a Momento", queremos destacar la tremenda labor de Catherine Anne (1960, Francia), actriz, directora de escena, dramaturga y directora artística del Théâtre de l'Est Parisien (2002-2011), uno de los referentes en creación teatral en París, en el cual ella promovía la creación, la autoría de dramaturgos contemporáneos vivos, el despertar del público infantil y una accesibilidad universal al hecho teatral. Le conocemos la publicación de 24 obras de teatro, en gran parte marcadas por el peso de los vínculos familiares (amor, dependencias, rechazo, reconocimiento...), el legado emocional, la muerte, el nacimiento. “Creo en la fuerza de la escritura dramática para agarrar en presente lo que nos desconcierta y desconcierta nuestra sociedad.”
Catherine Anne crea para todos los públicos, "preocupada por abrir su teatro a un público no habituado y propiciar primeras veces"; y sobre todo, no escribe "sobre" sino "para" el adulto que intenta brotar de su niño interior herido, asustado, en búsqueda del apoyo de sus antepasados. En sus obras, entendemos el origen de la confusión de sus personajes; ella lo enseña y -si puede- lo repara. La familia está omnipresente, es la fuente de lo que ocurre.

“Pièce Africaine” (2007)

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"La poesía es el contrapeso absoluto de nuestro mundo presente."

DRAMATURGOS DE HOY/ CATHERINE ANNE

“Cuando escribo, tengo en la imaginación situaciones de la vida, decorados de la vida, paisajes, nada de teatral. Y existen las palabras, la fuerza, la musicalidad, el sentido, el sabor de las palabras. Imágenes y palabras forman los dos ejes fundamentales de mi relación con la escritura. Luego, la escritura teatral es una escritura con brechas, con espacios vírgenes para que los actores (y los escenógrafos) puedan sumergirse y traer algo necesario”.
Sobre el papel, Catherine Anne mezcla prosa narrativa y prosa poética; economiza la puntuación; pone pocas acotaciones, las justas como para crear imágenes simbólicas y así permitir que surjan desequilibrios emocionales detrás de las caricias de las palabras, o actos y peticiones de amor detrás de la expresión de sentimientos heridos. A menudo, sus textos se basan en los recuerdos de los personajes y en el hecho de que cada acontecimiento de su historia tiene un eco en otro posterior; efecto que ella consigue reproducir en su escritura, por ejemplo, uniendo dos escenas inconexas con una misma frase repetida; o permitiendo que hable el inconsciente del personaje, poniendo en su boca lo que todavía él no "sabe" que ocurrirá.

“veinte años. niñez acabada. he de partir, verdad.” (“Un año sin verano” - 1987)

Con "Un año sin verano" (1987) - cuando veinte años es el final, es el principio, es miles de posibilidades-, Catherine Anne inició su trayectoria de dramaturga y directora de escena. La obra fue representada en el Théâtre de la Bastille y recibió el premio Arletty en 1991. A partir de entonces, salieron de su pluma obras para todos los públicos, todas publicadas y montadas en Francia y en el extranjero. "Tita-Lou" (1991) retrata el viaje iniciático de dos hermanas inseparables, Tita y Lou (ciega) -hijas de un agricultor viudo- hacia Sicilia, hacia nuevas sensaciones, sentimientos, deseos... y hacia un destino, el enamoramiento de Lou, la separación de Tita-Lou. Un amor que cede paso a otro. "Agnès" (1994) nos narra la vivencia y redención de una hija abusada durante 4 años por su padre. La historia está contada a tres voces (Agnès de 12 años, Agnès adolescente, Agnès mujer) que son fantasmas del silencio, de la traición y de la vergüenza de los cuales Agnès se tiene que despojar para poder volver a amar, sentir que merece ser amada.

"La felicidad del viento" (2003) se basa en la correspondencia histórica escrita por Calamity Jane (la famosa cow-boy del siglo XIX), desde el momento en que abandona a su hija Irene, hasta el momento en que decide recuperarla después de la muerte de Helen, la madre adoptiva de Irene. Es una obra que oscila entre el deseo de libertad y los remordimientos, permitiendo vivir los puntos de vista de los cuatro personajes, testigos y actores de este abandono, de esta adopción, de esta recapacitación.

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DRAMATURGOS DE HOY/ CATHERINE ANNE

"Vivir es muy difícil. Atrévete. Atrévete con todas tus fuerzas. La muerte se llevará a tu padre. No permitas que lo perecedero envenene tu vida. No perpetúes la maldición. [...] Tienes en tus manos todas las llaves del mundo". “Sin letras, los amores se mueren deshechos”. (“Agnès” - 1994)

"¡Ah la la! ¡Qué historia!" (2005 - dirigida a un público familiar) se lleva a los descendientes de los personajes de Charles Perrault de travesía por el oscuro Bosque Prohibido; en este viaje iniciático, los personajes se pierden, se confunden, se encuentran, se aconsejan mutuamente y aprenden que avanzar hacia la luz es superar con valentía sus miedos (o los que les inculcaron) y la oscuridad.

"Mientras soñemos con ser amados, seguiremos desgraciados". “Están hechos para esto nuestros cuerpos humanos. Para la dulzura, para la consolación, para el amor”. “No pases tu vida queriendo retener lo que se escapa”. “Siempre hay en nosotros una ausencia que grita”

(“De la misma barriga” - 2006)

“De la misma barriga" (2006) es el relato hacia atrás de la degradación de las relaciones entre los tres hermanos Claudel -Camille (célebre escultora y amante de Auguste Rodin), Paul (genial poeta miembro de la Académie Française) y Louise-, desde el último encuentro hasta los primeros desencuentros, nacidos de la falta de gestos amorosos por parte de sus padres y del secretismo impuesto al abordar temas tabú en aquella época; tabúes cuyas víctimas silenciosas siempre son los niños.

“-Tenemos un cineasta que acaba de morirse, ¿no? [...] Su responsabilidad es difundir, mañana mismo, una película importante de este cineasta importante. ¿No? -En el horario del documental. -No se entendería que usted no aproveche esta muerte providencial. ¡Nadie se atrevería a hablarnos de censura! ¡Un homenaje a un gran cineasta! El ministro se retira detrás de los artistas.” (“Comedias trágicas” - 2011)

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DRAMATURGOS DE HOY/ CATHERINE ANNE

En junio pasado, de forma imprevista, el Théâtre de l'Est Parisien fue cerrado por decisión del Ministerio de Cultura francés: "hay demasiados teatros nacionales". Catherine Anne, indignada, sí, y creadora, ante todo, concluyó la última temporada del TEP con “Comedias trágicas”, un espectáculo que hace eco al “Terror y miseria del Tercer Reich” de B.Brecht y compuesto por secuencias humorísticas, poemas, más de 30 personajes y un decorado que reproduce las famosas columnas de Buren, instaladas en el patio del Palacio Real, sede del Ministerio de la Cultura francés, y escenificando el ajedrez de un sistema absurdo y deshumanizado, cuyo último propósito es el crecimiento de los que dependen de él.

por Adeline Flaun

OPINIÓN

TEATRO
por Roser De Castro

“EXITUS” de Titzina Teatro
“Hacer que parezca muy fácil lo que es en realidad muy difícil.”

Autores, directores e intérpretes: Diego Lorca y Pako Merino. Teatro: La Villarroel. Del 5 al 18 de septiembre del 2011.

Dos actores. Una puerta corredera. Una mesa. Una iluminación inteligente. Es todo lo que hace falta para montar un espectáculo teatral. Eso, y muchísimo talento. Titzina Teatro, una compañía barcelonesa que ha hecho del minimalismo su máxima virtud, y que viene precedida por el éxito rotundo de sus dos anteriores espectáculos (“Folie a Deux” y “Entrañas”) nos presenta “Exitus”, una obra de teatro sobre la muerte, ni más ni menos. A través de diferentes historias que se dan paso las unas a las otras con sorprendente fluidez, y de multitud de personajes que interpretan los dos actores multiplicándose como por arte de magia, la obra es un canto a la vida pero también una aproximación a nuestro exitus vital que no rehúye lo escabroso. Se atreven con todo: una enfermedad terminal, una cremación, la muerte de un ser querido. El sentido del humor de Titzina es una pátina que envuelve el espectáculo y que se aleja de lo vulgar y lo superficial. Consiguen así un discurso que se aleja de lo moralista o grandilocuente: humano, como la vida misma. Como cualquier espectáculo que está compuesto por diferentes historias, hay escenas más conseguidas que otras. Pero el espectáculo fluye. Es extremadamente limpio en sus transiciones y los dos intérpretes consiguen que ni el tono ni el ritmo de la obra baje en ningún momento. De hecho, son ellos los que merecen todos los elogios del mundo. Formados ambos en técnica Lecoq, ponen su instrumento al servicio de la historia – de las historias – que ellos mismos han escrito y dirigido. Si el dominio de la técnica corporal es el sello de esta escuela, en ningún momento hay ningún alarde de ello que no venga dado por la necesidad de contar la historia. Ausencia total de ego actoral, y honestidad a raudales. He aquí pues, la mayor virtud de Titzina Teatro: hacer que parezca muy fácil lo que es en realidad muy difícil. Se agradece, y mucho, que su “menos es más” nos haga partícipes del juego teatral en su suposición de que el público es inteligente: aquí no se subraya nada, ni se telegrafian los gags, ni se edulcora el drama. También se agradece la duración muy ajustada del espectáculo: una hora y veinte minutos que pasan volando. Quizás Exitus no es un espectáculo de esos que le cambian la vida a uno, ni que queda en la memoria permanente del espectador, pero dan ganas de repetir. Y en su humanidad, su sencillez, te enamora.

OPINIÓN

TEATRO
por Carlotta Ros

"NIT DE RADIO DOS PUNT ZERO" de Cristina Clemente
"Un texto sumamente rico en cuestionamientos e ironía. Una actuación tan natural que borra la distancia entre actor y personaje."
Dramaturgia y Dirección: Cristina Clemente Intérpretes: Clara Cols, Pablo Lammers, Sergio Matamala, Alicia Puertas, Blanca Caminal. Sala Flyhard / Flyhard Produccions En un bajo escondido en el barrio de Sants, pero que no pasa desapercibido, se encuentra la sala Flyhard, una productora de teatro catalán contemporáneo dirigida por el joven director y dramaturgo Jordi Casanovas. Allí, “Nit de radio dos punt zero”, ofrece una hora y media en la cual el espectador queda totalmente raptado por el aquí y ahora de la historia. La acción transcurre en un estudio radiofónico donde Candela, Llorenç, Pedro y Anna están a punto para su programa de la noche: Ho busco però no ho trobo (Lo busco pero no lo encuentro). Una cómica disputa “on air” entre dos de los locutores desencadena una avalancha de llamadas por parte de oyentes que buscan respuesta a cuestiones existenciales. Los actores no pierden oportunidades, la verdad contagia y la empatía es la consecuencia. El público se vuelve un espía de las dinámicas laborales y de los vicios del mundo audiovisual. El texto no tiene una cándida moraleja ni la busca, aunque -como se repite en la obra-, “debes averiguarlo por ti mismo”: " esbrina-ho tu mateix! ", ofreciendo así un final abierto en la línea del surrealismo. Además, explora dualismos como estupidez/ inteligencia, buscar/encontrar, sentir/hablar de sentimientos, tratándolos con la ligereza y fluidez que caracterizan a este autor contemporáneo. En este aire de radio quedan flotando muchas preguntas. El espectáculo es muy recomendable, divertido, y deja un muy buen sabor de boca. La sala que le sirve de hogar es muy acogedora, y el precio de la entrada más que asequible: de 5 o 10 euros, a elección. Al entrar al pequeño "hall", te dan la bienvenida un refresco y un ambiente informal y distendido donde puedes hablar con los actores y autores. En resumidas cuentas, “Nit de Radio dos punt zero” es una joya en formato de teatro "off". Es aconsejable reservar poniéndose en contacto con: sala@flyhard.org

CINE DE AYER Y HOY

“ALL THAT JAZZ”
“All that jazz”
(Empieza el espectáculo)

por Mercè Espelleta

"Interesantísimo musical dramático, totalmente imprescindible"

DIRECTOR: Bob Fosse GUIÓN: Robert Alan Aurthur & Bob Fosse MÚSICA: Ralph Burns FOTOGRAFÍA: Giuseppe Rotunno REPARTO: Roy Scheider, Jessica Lange, Leland Palmer, Ann Reinking, Ben Vereen, Cliff Gorman, John Lithgow, Wallace Shawn . Ahora que están tan de moda los musicales en nuestros teatros, creo que es un buen momento para hablaros de un musical que me entusiasmó cuando lo vi poco después de su estreno. Es un musical al servicio de una historia, la de Bob Fosse, cuando editaba su película “Lenny” y simultáneamente preparaba el musical “Chicago”, para Broadway en 1975. Es un musical nada convencional que, a través de la historia de un implacable coreógrafo, retrata la dureza, el esplendor y la decadencia de las personas del mundo del espectáculo, para quienes el triunfo implica a veces resignar los afectos. Una película que muestra la otra cara del show, lo que ocurre entre bastidores. Aquí descubrimos a Jessica Lange al principio de su carrera, en el personaje de la muerte, y a Roy Scheider estupendo como el alter ego de Bob Fosse. El trabajo del resto del reparto -actores, actrices, bailarines y cantantes- es también brillante.

PREMIOS 1979: Festival de Cannes Palma de Oro (ex aequo) 4 Oscars: B.S.O. adaptada, vestuario, dirección artística, montaje. 9 nominaciones.

Trailer: www.youtube.com/watch?v=C74Pae3PpMo

QUIÉN ES QUIÉN/ ACTORES Y ACTRICES
por Manoli Nieto
Isabelle Bres es una actriz de origen francés afincada en Cataluña hace más de veinte años. Empezó su carrera artística como bailarina en danza contemporánea y teatro-danza. Destaca su fecunda colaboración con la Compañía “Plan 27” y la Compañía “Becky Siegel”. En los años 90, y después de estudiar el Método “Lecoq” de la mano de Berty Tobias, su carrera da un giro y empieza a trabajar exclusivamente como actriz. Amplía su formación con diferentes profesores como Lilo Baur y Stefan Metz (“Théâtre de la Complicité”), Ernie Martin y Javier Daulte. En 2010 se diploma en Técnica Meisner con Javier Galitó-Cava. La hemos podido ver en los escenarios del estado español, sobre todo en los catalanes, con directores como Joan Ollé, Ester Nadal, Beth Escudé, Thomas Sauerteig, Ricard Gazquez, Gloria Balaña, Judith Pujol y Rafel Duran. La hemos visto en los espectáculos “Hamlet és mort”, “Salvatges”, “El Angel Exterminador”, “Soldados de Salamina”, “L’Illa del Tresor”, “Sweet Dreams”, “Boris I”, “El desencant”, “L'hora en què res sabíem els uns dels altres”, “Sis personatges en busca d’autor”, “Cabaret Diabòlic”y “El joc de l'impudor” entre muchos otros. En la pequeña pantalla ha participado en “Infidels”, “Hospital Central”, “Ventdelpla”, “Andorra”, “L'Illa del tresor” y “El cor de la ciutat” entre otras series. Pronto la podremos ver en “L'anell” d'IB3.

ISABELLE BRES

www.isabellebres.com

PAU VINYALS

Pau Vinyals es un joven actor catalán nacido en Ravós del Terri, Girona. En teatro ha trabajado bajo la dirección de Llàtzer García, Bárbara Bécker, Víctor Muñoz, Martí Torres, Jorje Gallardo, Abel Coll, Alicia Gorina, Toni Cassares, Victor Muñoz, Luca Ronconi, Jordi Faura, Marta Tirado, Albert Massanas, Carme Portacheli, Aleix V., Carles Fernández, Cristina Clemente, Jordi Prat i Coll, Joan Solana, Aleix Aguilar y Ferran Joan Miquel. Licenciado en interpretación por el Institut del Teatre de Barcelona ha realizado cursos con Javier Daulte y Anatoli Vasiliev. En teatro le hemos podido ver en “Dinou”, “Lulú On The Rocks”, “Ens hauriem d'haver quedat a casa”, “La Intrusa”, “El Senyor De Les Mosques”, “Puputyto”, “ Aquí s´apren Poca Cosa”, “El Cor d’un Boxejador”, “Sogno Di Una Notte Di Mezza Estate”, “LaPirámide”, “Germà Petit De Alexi Eguilar”, “Hikikomori”, “En La Solitud Dels Camps De Cotó”, “Mil Cotxes Plens De Sang", “Puputyto”, “Timbals a La Nit”, “UnaMesa Con Vistas”, “Esvoranc”, “Consell Familiar” y “In Arkadia Visixty”. En televisión y cine ha actuado en “Floquet De Neu”, “No Me La Puc Treure Del Cap”, ”W.C”, “Ojo Por Ojo”, “Una Historia Universal”, “El Cor De La Ciutat” y “Sudoku” (Màster de Tv3).

http://www.entreacte.cat/?p=2372 http://representanteslacentral.com/ficha/i/30

IVAN LABANDA
QUIÉN ES QUIÉN/ ACTORES Y ACTRICES
Ivan Labanda es actor, cantante, doblador, guionista y director en el medio audiovisual y escénico desde hace más de 15 años. Nacido en Barcelona. Ha sido premiado con el “Premio Butaca de Cine y Teatro” de Barcelona en 2004 por su papel protagonista en el musical de pequeño formato “No són maneres de matar una dona” y nominado en 2005 al mismo premio. Ha recibido formación de Juan Carlos Corazza, Javier Daulte, Rafael Spregelburd, Txiki Berraondo, Manuel Lillo, Josep Costa, James De Paul i Montse Esteve, entre otros. En teatro ha trabajado bajo la dirección de Tamzin Towsend, Sergi Belbel, Xavier Albertí, Josep Costa, Paco Mir (Tricicle) , Víctor Álvaro, Víctor Conde, Mikel Fernández, David Pintó, Glenn Casale, Jordi Prat i Coll, Àngel Llàcer, Abel Folk, Joan Font, Josep Vila, Ignasi Tomàs, Gustavo Tambascchio, Joan Lluís Bozzo (Dagoll Dagom) y Lurdes Barba. En teatro le hemos podido ver en “40, el Musical”, “Flor, de Nit en concert”, “Fashion Feeling Music” (como director), “La Bella y la Bestia”, “La Festa”, “Què, el Nou Musical”, “Pels Pèls”, “Allegro Vivace”, “El Bestiolari”, “Cantània”, “Hangman/The Town of Greed”, “El Mikado”, “Manhatan Medea”, “Jo Sóc Un Altre”, “Les Falses Confidències” “L'Home de Teatre/ El Hombre de Teatro”, “Forasters”, “Él Vino en Un Barco”, “Flor De Otoño”, “D'Òpera”, “Follies, Una revista Musical”, “La Generala”, “Gaudí, el musical de Barcelona”, “Adéu a Berlín”, “El Público”, “Kiss Me Kate” y “Casta Diva”, entre otros. En Televisión ha participado en "Porca Misèria", “Laberint d'Ombres”, “Jet Lag”, “Pets and Pets”, “Psico-Express” y “Leonart” (programa con el que ganó el premio Zapping). En cine ha participado en “Psicomagia”, “Las Manos del Pianista” (junto al equipo de "El Orfanato", “Lo Mejor Que le Puede Pasar a un Cruasán”, “The Tulse Luper Suitecases”, trabajando a las órdenes de directores como Alejandro Jodorowsky, Isabel Coixet, Paco Mir y Peter Greenaway. Como doblador tanto en catalán como en castellano ha puesto voz a personajes protagonistas de numerosas películas. Entre las más recientes: “Las Aventuras de Tintín”, “Thor" y “La Red Social”, entre muchas otras.

www.ivanlabanda.com

EN PROCESO
DUO FLORET estrena “PINCHA PERO NO MATA” en el SAT!

La catarsis como motor creativo. por Emilia Ruiz
De una amistad lúdica, nacieron canciones. De esas canciones un repertorio. Luego se sumaron diálogos, relatos, y momentos inclasificables. El resultado: “Pincha pero no mata”, un espectáculo que se nutre del teatro, la música, el humor y la poesía para transformarse en un auténtico viaje sensorial.
Salimos de un ensayo previo del DUO FLORET (Joaquín Daniel y Daniel Pellegrinet), que presentará su próximo espectáculo “Pincha pero no mata” en SAT! TEATRE todos los jueves durante octubre, noviembre y diciembre de 2011. La reacción de los privilegiados asistentes es la de una expresión equívoca, paralizante, sin palabras, sin saber que expresar, intentando digerir los efectos que esta montaña rusa nos ha provocado. Inmersos en un cúmulo de sensaciones que nos han dejado sin aliento. Efectivamente, el público no puede quedar indiferente tras el viaje o asistir desde una actitud pasiva. El espectador es invitado a viajar y a vivir junto con los artistas. Comenzamos el viaje con un aterrizaje en Barcelona, para ir transitando por la capital catalana desde las vivencias de sus protagonistas recién llegados, en este caso, desde Buenos Aires. Un viaje desde la visión de dos viajeros contemporáneos que nos muestra a los autóctonos las realidades y vicisitudes de nuestra ciudad cosmopolita: las diferentes razas y personas que transitan por ella, sus problemas, sus preguntas existenciales: ¿Cómo ubicarse en un lugar nuevo, encontrarse allí y que ese lugar se convierta en su nuevo hogar?. “Las sensaciones que estas experiencias producen son atemporales”, manifiestan sus intérpretes, porque todas tienen como medida existencial el desarraigo y la integración, el referente de buscar una cultura nueva. Tras este viaje individualizado la pieza nos hace reflexionar sobre los flujos contemporáneos del ir y venir de las personas y sus bagajes, haciendo paralelismos con otros flujos migratorios como el de los gauchos que dejaban la Pampa para ir a la gran ciudad hace ya 200 años. Una cosa evidente en el intercambio territorial, es que siempre florece la maldita pregunta existencial de si es mejor quedarse en casa o irse. Pero este gran dilema: “de haber hecho bien o mal”, es un trampolín para pasar a la respuesta a esa inquietud: la creación y la amistad, los grandes temas del espectáculo. En medio del ensayo, el dúo y su directora hacen una pausa para conversar con M@M. “Podríamos estar hablando de “un falso cabaret”, menciona Cecilia Ligorio, quien tiene una gran experiencia en montajes operísticos y musicales. Pero tras mi experiencia como espectadora, la propuesta es inclasificable, y no por su rareza sino por su destreza. Requiere una precisión y maestría absolutas, ya que todo esta compuesto como una única pieza musical. El espectáculo se abre majestuosamente como las grandes piezas orquestales: una sola pieza, una sola partitura musical, sin interrupciones, ni descansos. Rítmicamente la narrativa va ondeando al compás requerido y la historia va transitando por diferentes lugares recreando una atmósfera que nos envuelve y que nos invita a viajar por ella. Pero no solo el espectador desde su lugar privilegiado va transitando y viviendo junto a los artistas: los demás elementos técnicos y artísticos se unen también a este carrusel. Sonido, música, canciones, monólogos, recitales, expresiones, sentimientos, todos van convergiendo a compás, y en la nota y tesitura que les corresponde, para que todo sea finalmente lo que ha de ser: una sola pieza, un viaje único. Hay que ser muy valiente para integrar un espectáculo de estas características. Los virtuosos intérpretes no temen lanzarse a la piscina; de hecho nos le queda otra alternativa que rendirse y dar espacio. El riesgo es tan fino como un elástico, cualquier descompensación, desentonación, cualquier silencio fuera de lugar puede obstaculizar el ritmo que la pieza requiere. Las bases rítmicas se suceden, los monólogos se abordan, se acompasan y los sentimientos van fluctuando desde las diferentes polaridades. El espectador no tiene más opción que unirse al viaje para vivir esa atmósfera creada por estos dos grandes artistas.

Por eso cuando aterrizamos de nuevo al final del espectáculo, nuestra mente, o nuestro “yo”, está en la tarea de clasificar aquello de lo que ha sido testigo: ¿Canciones? ¿Monólogos? Y esa perplejidad que sentimos viene dada porque realmente no hemos sido testigos pasivos. Nosotros también nos hemos montado en el carrusel y hemos sido partícipes de las emociones, porque “Pincha pero no mata”, es un espectáculo para ser, para viajar, y vivenciar. Y en eso la clasificación mental no tiene la habilidad para responder de inmediato. Para esta creación, no solo se ha necesitado de dos artistas y músicos de la talla de Joaquín Daniel y Daniel Pellegrinet, sino de un ojo externo que ha sido crucial: Cecilia Ligorio. “Ha sido como estimular una flor para que abriera sus pétalos, porque la semilla ya estaba ahí en ellos” – manifiesta la directora. El material es en un 90% autobiográfico, todos los textos son de creación propia, y la música, compuesta y ejecutada en directo. Daniel Pellegrinet se vale de una guitarra y una loop station para recrear una orquesta sonora. “Es casi como pensar en voz alta. Una expresión de nuestras experiencias” – agrega el músico y actor. “Sensaciones que tienen su fruto en las canciones, cada una individualizada por una semilla diferente, por sensaciones diferentes adquiridas en nuestras experiencias en Barcelona como viajeros contemporáneos”– añade Joaquín Daniel La escucha con el público es total, y aunque los intérpretes son los pilotos que dirigen este viaje, Cecilia Ligorio nos cuenta: “más que un dominio o control por parte de los intérpretes es una cuestión de consciencia. Ser consciente de en qué momento y registro están con respecto al momento. Y es muy importante tener en claro la actitud de base desde donde se disparan las cosas para poder retomar el viaje, para que no se rompa la burbuja”. “Lo que sí rompemos casi desde el principio es la cuarta pared” añade Joaquín. Para este montaje, una simbiosis entre intérpretes y dirección ha sido necesaria para crear este ambiente y transitar juntos los 90 minutos que dura el espectáculo, con una incursión en 14 temas propios del DUO FLORET, e inserciones de dramaturgia que se permite combinar momentos dramáticos, con otros más cómicos donde respira el clown que estos artistas llevan dentro. Para la puesta en marcha de este montaje escénico, con las dificultades económico-sociales actuales, la autogestión ha sido absolutamente necesaria, paso a paso, con personas que se han ido sumando generosamente al proyecto para que la producción pudiera tener la capacidad de hacerlo realidad. Hacemos aquí un hueco para destacar el trabajo de producción de Erika Laguillo y, en sonido y luces, el de Patricio Rother.

Más información: www.bcn.cat/santaandreuteatre www.duofloret.com

LO QUE HAY QUE VER

CINE
por Adeline Flaun

“Somewhere” de Sofía Coppola

Un parón iniciático hacia la identidad
Un ferrari gira en bucle y a gran velocidad en una carretera circular. Se para. Jonnhy Marco sale. Fuera de su coche, solo descubre ante sus ojos un paisaje desértico. Johnny Marco es actor; su carrera internacional no tiene fallos y su vida personal se resume en su incontestable sex appeal. En segundo plano, la película subraya los fastidios de la cotidianeidad de los actores mediáticos, su pertenencia al público, las relaciones superficiales que no perduran en el tiempo, su impuesta disponibilidad para con los equipos creativos, su deber ante las ocurrencias de la prensa, etc. "¿Quién es Johnny Marco?" ¿Qué haría falta para que se detenga a mirar lo que cuenta en su vida? Romperse un brazo; que se le averíe el coche; que su ex-mujer desaparezca y tener que hacerse cargo de su hija. Acostrumbramos a hablar de viajes iniciáticos. En mi opinión, con "Somewhere" Sofia Coppola explora el "parón iniciático", aquel momento en el que lo establecido se va al desagüe, justo antes de que la vida de uno coja un nuevo rumbo. La actuación de los actores es sutil e impecable. Y es de destacar la naturalidad y la ternura de la joven (trece años) y ya tan experimentada Elle Fanning, cuyas intervenciones a corazón abierto son de una elegancia envidiable. En esta película, Sofia Coppola vuelve con su álbum de fotos; sucesivas impresiones presentes a lo largo de la película. A ellas, se suma un manejo sabio del tiempo, estirado o dilatado cuando el protagonista deja de apresurarse y enfoca su atención en el bienestar de su hija, el único ser capaz de hacerle estar en el momento. En fin, halagar la discreción de la banda sonora que reúne temas de los menos discretos Phoenix, The Police, Gwen Stefani, The Strokes, Bryan Ferry, etc. En resumen, "Somewhere" es una película bella y sensible, parecida a una pregunta de una hora y 38 minutos cuya repuesta llega en el minuto noventa y ocho. Sofia Coppola nos recuerda aquí que la identidad nace también de los vínculos que tejimos con los seres queridos. Y que nunca es tarde.

LO QUE HAY QUE VER

TEATRO
por Roser De Castro

“Burundanga”
de Jordi Galcerán.

Dirección: Jordi Casanovas. Intérpretes: Roser Blanch, Carles Canut, Clara Cols, Pablo Lammers, Sergio Matamala. Después de ver 40 minutos de un ensayo abierto, y a un mes de estrenar, puedo decir que “Burundanga” huele a éxito seguro. Otro más de la factoría Flyhard y del autor Jordi Galcerán. En Madrid ya está arrasando. Habrá que estar atentos, porque seguramente las entradas volarán.

Estreno: Noviembre en la Sala Flyhard.

LIBRO RECOMENDADO

“Coraje”, de OSHO
por Roser De Castro

Editorial De Bolsillo. Precio aproximado: 7.95 euros.

“Un libro que estimula nuestra resiliencia, fe y valentía.”
El coraje es uno de los valores inherentes a nuestra profesión de actores y actrices. Hace falta ser muy valiente para afrontar lo inesperado en cada función, los nervios de un estreno, la presión de un casting e incluso esos momentos de incertidumbre entre trabajo y trabajo. Ser artista significa renunciar en buena parte a la seguridad en todos los sentidos posibles: salir de nuestra concha emocional, arriesgarse físicamente y asumir una vida laborar llena de altibajos e inseguridad económica. Osho, uno de los pensadores más significativos del siglo XX, tiene infinidad de libros publicados. Son, de hecho, recopilaciones de sus conferencias. En “Coraje” se recogen todas aquellas que tratan algún aspecto relacionado con el miedo. En el libro el autor nos invita a salir de nuestra cáscara de comodidad para adentrarnos en lo desconocido. Para ello nos da palabras de aliento: “Escoge siempre lo desconocido y tírate de cabeza. Aunque sufras, vale la pena, siempre te compensa. Sales más maduro, más formado, más inteligente”. O nos anima a vivir en el momento: “Vivir peligrosamente significa vivir la vida como si cada momento fuese un fin en sí mismo. Cada momento tiene un valor intrínseco, y no tienes miedo”. Y termina dando su propia receta: “ama más”. Al final del libro se reúnen algunas de sus meditaciones activas pensadas principalmente para superar aquellos momentos en el que el miedo nos paraliza. Con un lenguaje cercano y asequible, “Coraje” es un libro que estimula nuestra resiliencia, fe y valentía. Absolutamente recomendable para tiempos tan inciertos como los que estamos viviendo.

CURSOS Alejandro Catalán: EL IMAGINARIO ACTORAL “El actor no entra en el escenario sino que “es” el escenario” por Emilia Ruiz
Cuándo: del 7 al 11 de Noviembre Dónde: Espai Món.

Alejandro Catalán es maestro de actores y creador teatral. Su obra y práctica docente se funda y despliega con el teatro porteño de los noventa, que renovó los procedimientos dramatúrgicos y permitió que el hecho escénico se estructurara a partir del trabajo actoral, desestimando las reglas que tradicionalmente organizaban la labor del campo. Alejandro centró su interés en el cuerpo del actor, con la convicción de que este no entra al escenario sino que “es” el escenario. En y desde el escenario de su cuerpo, el actor logra producir el acontecer que constituye la ficción escénica. El objetivo es profundizar en la lógica del trabajo. El imaginario actoral es el nombre de la capacidad con la que se dota a la actuación. El taller de Alejandro Catalán es uno de los espacios de enseñanza de teatro que más crecieron en los últimos años. Desde su laboratorio actoral, donde se trabaja mano a mano con los detalles más íntimos de la actuación, nacieron los SOLOS una práctica radical cuya única raíz es un actor que se sienta, se para, proyecta la mirada y despliega un relato ficcional desde su cuerpo. En un tiempo donde la realidad virtual y el bombardeo audiovisual captan la percepción sensorial, los solos son el regreso al más puro teatro: alguien que toma una decisión, se planta frente a público y narra una ficción, sin más elementos que su sola presencia. ¿Por qué le llaman solo y no monólogo? ¿Qué tipo de teatralidad se proyecta? Un solo es un tejido de operaciones expresivas, que el actor va haciendo ver y escuchar, en donde lo que se ve y lo que se escucha se teje de manera conjunta. No es que se va escribiendo y se va actuando, sino que se inventa lo que se ve y lo que se dice a la vez. Es como una escultura en movimiento. Como resultado: una partitura de gestos, palabras y movimientos, con una organización dinámica y afectiva. No hay un texto previo. El texto escénico es una sucesión de acontecimientos que son tal gesto, tal frase, tal inflexión, tal movimiento, un conjunto de operaciones que no están contenidos solamente en las palabras. Si se lee el texto de cada solo no podrías comprender ni remotamente qué es lo que vas a vivir en términos escénicos. Este dispositivo no es interpretativo, en el sentido de que no es un efecto de la lectura y de la relación de causalidad con ese texto. Los solos van mutando en sus palabras y en sus operaciones, no son fijos, se modifican función a función, en otras palabras momento a momento. Alejandro Catalán nació en Buenos Aires en 1971. Es director, actor, profesor y teórico. Estos diferentes roles se avocan a una misma problemática artística: la creación actoral. El Taller que coordina Alejandro Catalán desde 1999 es un referente ineludible del ámbito formativo de Buenos Aires, Argentina. Su prestigio se asienta en la particular manera de abordar el trabajo actoral. En sus clases o en sus obras, la actuación es asumida y afirmada con un nivel de protagonismo y despliegue infrecuente. Como actor fue dirigido por Ricardo Bartís y Daniel Veronese. En 2003 se lanzó a la dirección, su primera obra, “Foz”, recibió reconocimientos e invitaciones para participar en festivales nacionales e internacionales. En la actualidad, Alejandro Catalán se encuentra de gira por Latinoamérica con su última obra “Amar”, Premio Florencio Sánchez a la Mejor Dirección.

Blogspot Alejandro Catalán: www.alecatalan.blogspot.com Info visual de “los solos” unipersonales de Alejandro Catalán. En youtube encontraras gran variedad: http://www.youtube.com/watch?v=At13QUTQEDE

DATOS TÉCNICOS DEL CURSO: A quién va dirigido: Actores, actrices y directores de escena. Cuándo y dónde Del lunes 7 al viernes 11 de noviembre. De 16 a 20 hs. Duración 15 horas más muestra final. Espai Món. C/ Nou de Sant Francesc 20, bajos. Metro L3 Drassanes / L4 Jaume I

Promoción Inscripción hasta el 15 de Octubre. Precio promocional curso: 120 euros
Plazas limitadas. Inscripción curso hasta el 18 de Octubre: 150 euros Coordinación: Asociación Cultural Ulls Art formacion@ulls.org / www.@ulls.org T. 931 651 409 / M. 675 864 506

CUIDAR EL INSTRUMENTO: TÉCNICAS DE MOVIMIENTO Y VOZ

Stretching Global Activo
por Ricard Salom

Philippe Souchard tratando a una paciente.

Stretching Global Activo

Estiramientos para no envejecer
El Stretching Global Activo (S.G.A.) es la aplicación de un método terapéutico llamado R.P.G. (Reeducación Postural Global) en el campo de la gimnasia y del deporte, tanto de ocio como de alta competición. Está basado en el desarrollo de una serie de “auto-posturas” y es una herramienta muy eficaz para mejorar el rendimiento muscular, así como para prevenir las lesiones.
Además, este método de auto-estiramiento es el más efectivo tras finalizar un tratamiento de fisioterapia y como gimnasia de mantenimiento. A diferencia de los estiramientos tradicionales, el S.G.A. se basa en posturas prolongadas, progresivas, suaves y sobre todo globales, acompañadas constantemente de la respiración. ¿Por qué pueden ayudarnos los estiramientos globales? Porque nuestros músculos estáticos, en su  permanente lucha contra la gravedad, sufren un proceso de rigidez, acortamiento e hipertonía (exceso de tono) a la que nadie puede escapar.  El bebé es muy elástico mientras permanece acostado, pero a partir del momento en que intenta levantar la cabeza, sentarse o estar de pie, tiene que solicitar la acción de los músculos estáticos (anti-gravitatorios), que constituyen el 80% de la musculatura esquelética.  Y, a partir de este momento, nunca más podrán relajarse, porque caeríamos al suelo.  Por eso nunca estarán débiles, sino demasiado rígidos.  Esa rigidez, con el paso de los años, produce multitud de problemas del aparato locomotor: dolor, contracturas, tendinitis, hernias de disco, artrosis, insuficiencia respiratoria, vértigos, cefaleas, así como todo tipo de deformaciones posturales: escoliosis, cifosis, hiperlordosis, desviaciones de los miembros, etc. De ahí la necesidad de estiramientos. Pero existe un grupo más reducido de músculos que no tienen una misión estática, sino que se ocupan del movimiento: son los músculos dinámicos.  Cuando han terminado su acción, se relajan. Otra particularidad de estos músculos es que, para ejecutar un movimiento, no pueden actuar aisladamente, sino que se organizan en cadenas musculares funcionales, de manera que cuando se lesiona un músculo repercute en toda la cadena muscular a la que pertenece.

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CUIDAR EL INSTRUMENTO/ STRETCHING GLOBAL ACTIVO

De ahí la necesidad de estiramientos globales. Un estiramiento local es ineficaz. ¿Cómo se estira globalmente? Las auto-posturas que ofrece el S.G.A., están diseñadas específicamente para estirar varios músculos a la vez (cadenas musculares) y así obtener un estiramiento de calidad, duradero y terapéutico. Estas posturas se ejecutan en el suelo, en una pared o de pie, y normalmente se realizan en sesiones dirigidas por un instructor formado en la técnica. La duración de las sesiones suele ser de una hora, una vez por semana, para una persona que no tenga mucho desgaste físico. Una vez se conocen bien las auto-posturas se pueden realizar de manera autónoma, ya que no comportan ningún riesgo y son relativamente fáciles de hacer si se han aprendido anteriormente las bases (respiración, progresión, aplicación de resistencia). ¿Qué nos puede ofrecer la práctica del S.G.A.?

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Comprender la necesidad de limitar la musculación concéntrica (en acortamiento). Ejercitarse en la musculación excéntrica (en alargamiento). Mejorar la postura y suprimir el dolor (si es preciso, recurriendo a sesiones individuales de R.P.G.).

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Diferencia entre S.G.A y R.P.G El R.P.G es un método terapéutico y correctivo que únicamente pueden aplicar fisioterapeutas y algunos médicos formados oficialmente en R.P.G. Actualmente, este método es el tratamiento más eficaz y con mejores resultados en cualquier patología muscular más o menos grave. El S.G.A es una derivación de la R.P.G, que se utiliza como mantenimiento entre sesiones de R.P.G. o como eficaz arma para contrarrestar los efectos negativos del deporte, el sedentarismo, la vida cotidiana, etc. en personas sanas. En el caso de personas con alguna patología, lo mejor es que se visite a un profesional de la R.P.G. y que éste dictamine un tratamiento.

Autoposturas de S.G.A

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Disminuir nuestro bloqueo inspiratorio y oxigenarnos mejor. Tomar consciencia de la rigidez muscular y saber cómo corregirla. Aprender a cortar el círculo vicioso: rigidez, mayor esfuerzo, mayor rigidez. Sentirnos más ágiles, frenar el envejecimiento de nuestras cadenas musculares.
Autopostura de la “Bailarina”

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Para más información: www.stretching.com.ar/main.htm (Descripción y gráficos del S.G.A. y las auto-posturas). www.rpg.org.es (Asociación española de R.P.G.) www.itgbilbao.org/stretching-global-activo/ (Información útil)

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EDUCACIÓN FINANCIERA

por Ángel Maestre

“De aquel que opina que el dinero puede hacerlo todo, cabe sospechar con fundamento que será capaz de hacer cualquier cosa por dinero.”

En este segundo artículo, y antes de seguir adelante comentado aquellas premisas básicas que se deben tener en cuenta en cuanto a cómo nos debemos relacionar con el dinero, quiero definir desde mi punto de vista, dos conceptos necesarios que son: Finanzas personales y riqueza. Finanzas Personales- Este concepto se define por el conjunto de actividades que incluye  procesos, técnicas y criterios a ser utilizados por las personas para optimizar tanto la forma de obtener recursos financieros (que a partir de ahora llamaremos “dinero”) como el uso de los mismos en su economía particular. Riqueza- Es el tiempo que podemos vivir de forma cómoda sin tener que trabajar”. Seremos más ricos entonces si disponemos de más tiempo y además, vivimos de una manera cómoda. Disponer de tiempo es uno de los mayores privilegios de los que se puede disfrutar en la vida. El tiempo es la mercancía más preciada que se nos brinda y, dado que es limitado y tiene final, debemos realmente tener conciencia de cómo lo empleamos. Si tomamos conciencia de que la riqueza es disponibilidad de tiempo, entonces podremos entender que tenemos la necesidad de aplicarnos en optimizar las finanzas personales. La mayoría de las personas tienen un precio, y lo tienen debido a las emociones humanas de las que ya hablamos en el primer artículo; miedo y codicia. El miedo a no tener dinero lleva a mucha gente a trabajar con el único objetivo de ganar dinero, y una vez que se recibe éste, la codicia entra en juego y hace pensar en todo lo que el dinero puede comprar. Así se llega a un circulo vicioso, se trabaja para ganar dinero y este se gasta, y se sigue trabajando porque hay que ganar más y se sigue gastando y así sucesivamente. Esta rutina está guiada por el miedo a no tener y el deseo de tener, de comprar. Si el dinero que se percibe es relevante, normalmente más relevantes serán también los gastos porque más alto será el nivel de vida impuesto, así que tan atrapado en el círculo vicioso está aquel que trabaja por una cantidad de dinero pequeña, como aquel que trabaja por una cantidad de dinero importante. ¿Hay otra manera de hacer las cosas?. Sí, la hay. Pero, antes de ver y de explicar las herramientas que se deben utilizar, cada uno tiene que hacer un pequeño examen de conciencia, y a este pequeño examen hay que contestar con la verdad, concepto que en nuestra profesión de actores, deberíamos dominar magistralmente. Esa verdad tiene que decir cómo cada uno se siente respecto al dinero. La gente habitualmente no se para a analizar como se siente, nadie se mira al espejo y se pregunta: ¿Cómo debo reaccionar al miedo? ¿Cómo debo reaccionar a la codicia?. No, simplemente reaccionan sin pensar. Esto supone que sus emociones son sus pensamientos. Si esto es así, el dinero dirige sus vidas y si la gente se niega a decirse la verdad, el dinero controlará sus emociones. Viven, mejor dicho, sobreviven al servicio del dinero; sometidos es la palabra más adecuada. Esto es válido para todo el mundo en general: pobres, menos pobres, ricos y muy ricos, en este caso cuando digo “ricos” me refiero a esas personas que poseen mucho dinero y bienes. Hay mucha gente que tiene mucho dinero, son muy ricos, pero no es debido a la codicia, sino al miedo, creen que el tener mucho dinero puede eliminar el miedo a no tener dinero y por eso amasan grandes fortunas y entonces, pasan a sentir pánico a perderlo todo, y sienten terror por el que dirán de ellos si pierden sus riquezas. Entonces, ¿es mejor ser pobre?. No, tan malo es evitar el dinero como sentirse atraído por él. Os espero en el próximo artículo. Empezaré a mostrar las herramientas para aprender que el dinero debe estar a nuestro servicio, no nosotros al suyo. Hasta entonces.

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LO QUE HE APRENDIDO

“¡El momento oportuno!”

por Blanca Martínez

Hace ya más de veinte años, yo estaba empezando a hacer mis pinitos en el mundo del cine. Acababa de rodar mi primera película como co-protagonista y decidí ir a Madrid a probar suerte. Antes de irme pedí al director, con el cual acababa de trabajar, que me facilitase algún buen contacto que tuviera en alguna productora para tener algún sitio por donde empezar a moverme. Al día siguiente de mi llegada llamé al número de teléfono que me había dado. Pido por la persona que me había indicado, le explico mi situación y ante mi asombro me pregunta: ”¿Cómo eres?” , le doy mi descripción y entonces me dice “¿Te podrías pasar por aquí mañana para que te viéramos? precisamente estamos con el rodaje de un película de “tal director”, protagonizada por “tales actores” y estamos buscando una mujer de tus características. Es un personaje pequeño con sólo dos secuencias pero harías de novia de “E” (un actor muy conocido) y una de las secuencias es crucial en la historia de la película.” Me presento con mi CV y mis fotos, tengo la entrevista y me dicen que si, que OK, que tal día ruedo. Yo estaba que no me lo podía creer ¡acababa de llegar y ya tenía una pequeña colaboración en una película dirigida por uno de los grandes directores del momento y trabajando cara a cara con cuatro de los actores más famosos de esa época! Llegó el día del rodaje, me presenté en la localización donde me encontré con un despliegue increíble de medios, un numeroso equipo técnico y más de 100 figurantes además de los cuatro actores que ya he mencionado antes. Después de una larga sesión de maquillaje y vestuario, ya que la película estaba ambientada en los años 40, pasamos al set de rodaje. La acción transcurría en la celebración de una fiesta de la alta sociedad donde, en medio de una multitud de invitados, mi novio y yo íbamos cruzando una gran sala hacia la otra punta de la estancia mientras charlábamos, coqueteando y bebiendo cava. Al mismo tiempo A (otro de los personajes protagonistas) entraba en la sala por una puerta lateral, de manera que teníamos que coincidir los tres en un punto concreto donde se desarrollaba un pequeño diálogo. Era un plano secuencia con una grúa, lo que requería que todos los movimientos de los actores y figuración estuvieran perfectamente sincronizados hasta llegar al punto indicado. Después de unas 5 ó 6 tomas en las que no había manera de que todo confluyera, se le da un descanso a la figuración y la plana mayor del equipo técnico (Director, Ayudante de Dirección, Script, Jefe producción y Operador de cámara) se reúne en gabinete de crisis. Luego vienen hacia nosotros tres y nos exponen que no saben cómo hacer para resolver la situación de manera que todo cuadre. Todos, el equipo técnico y los otros dos actores, comenzaron a hacer sus elucubraciones y aportaciones sin dar con una solución que pareciera resolutiva.

...

Y yo allí escuchando, en medio de todos aquellos “monstruos”, todas sus proposiciones... al cabo de unos minutos me viene una idea a la cabeza e ingenuamente voy y lo suelto... “¿Por qué no, yo, como voy un poco por delante de E y por el rabillo del ojo puedo ver cuando entra A, cuando estemos a punto de llegar a la marca me giro para decirle algo al oído a E y así damos tiempo a que llegue A hasta la marca?… Se produjo un silencio sepulcral, todas las miradas de la plana mayor y de los dos actores se clavaron en mí como si hubiera cometido un crimen... y acto seguido todos miraron al Director, que seguía con su mirada lapidaria puesta sobre mí, con una expresión como si me estuviera crucificando. Al cabo de unos segundos, que me parecieron una eternidad, el Director se giró para alejarse, al tiempo que le decía al Ayudante de dirección: “Vamos a rodar esta, pero la siguiente queda anulada”. Todos los demás me lanzaron una última mirada y se fueron detrás del Director dejándome a mí sola en medio del espacio, haciéndome sentir el ser más minúsculo del mundo. Y efectivamente se reunió a la figuración, hicimos lo que yo había propuesto y la toma fue buena, hicimos un par de tomas más por seguridad y ahí acabó mi día de rodaje. Nadie se volvió a dirigir a mí para decirme una sola palabra que no tuviera que ver con la escena que estábamos rodando. Una vez rodada, el Ayudante de dirección se me acercó y simplemente me dijo: “Ya te puedes marchar, la otra secuencia que tenías ha sido anulada” y volvió a su trabajo. Todos los demás me ignoraron. Ese día aprendí que siempre que me surgiera la necesidad de hacer alguna propuesta al director... -y no me refiero a algo de índole técnica, aunque él haya pedido abiertamente colaboración, sino también a cualquier aportación o sugerencia sobre la acción o mi personaje- debía hacerla buscando un momento en el que no haya nadie del equipo a su alrededor que pueda escucharlo…. y con mucho tacto y delicadeza ofrecérsela.

INFORMACIÓN ÚTIL
por Rosa Andreu Firma del Contrato Tipo: Ámbito Teatro

El pasado día 18 de julio se acordó la redacción definitiva del contrato tipo, un documento que regula por escrito las condiciones laborables mínimas de contratación entre empresas y artistas y que, tal como establece el Convenio Colectivo, será de obligado cumplimiento a partir de su redacción y aprobación. Las partes también han acordado que las empresas contratantes podrán añadir, a través de un Anexo al Contrato Tipo, cláusulas adicionales que recojan sus características especiales, siempre y cuando respeten lo que dispone el vigente II Convenio Colectivo. Así pues, una vez firmado el acuerdo, las partes se comprometen a difundirlo al máximo para que el sector lo utilice como herramienta de seguridad jurídica a favor especialmente de los trabajadores y trabajadoras, pero también de las empresas que deben aplicarlo.

La AADPC representa la parte social de la Comisión Mixta Paritaria, constituida al amparo del vigente Convenio Colectivo de Trabajo del sector de Actores y Actrices de Teatro de Catalunya, en base a su cláusula 3.2.

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SUBVENCIONES Y AYUDAS

Premio literario: Se podrán presentar obras teatrales de tema libre dirigidas al público infantil o juvenil y cuya duración sea la normal de una representación. Las obras tienen que ser originales, inéditas y escritas en catalán.

Dotación: Se otorgará un único premio de 1.500 euros, un trofeo conmemorativo y la publicación de la obra. Fin de presentación de trabajos: 1 de diciembre de 2011 +info: Centre Parroquial de Sant Pere de Ribes. Pl. Marcer, 9. 08810 Sant Pere de Ribes.

Premi de Teatre Juvenil Ciutat Torrent 2011. Ajuntament de Torrent.

Destinatarios: Pueden optar a este premio obras dramáticas originales, no publicadas ni estrenadas en el momento de reunirse el jurado, que no hayan ganado ningún premio anterior ni estén en proceso de edición o con derechos de edición comprometidos. Las obras tienen que ser de tema libre y estar escritas en valenciano. Dotación: 4.500 euros y publicación de la obra por la editorial “Tabarca”. Término de presentación: 17 de Octubre de 2011. + info: Ajuntament de Torrent / C. de Ramon y Cajal, 1. Torrent de l'Horta (País Valencià) / Tel.: 961 111 111

Inscripción de obras para Los premios Max. Últimos días…
http://www.premiosmax.com/dyn/edicion_actual/inscripciones/ index.php?id_seccion=18&id_madre=2

La Nau Ivanow y aPortada organitzen la segona edició de la beca Desperta, amb l’objectiu de donar suport a la creació teatral més jove i fresca, en el marc de l’Àrea de Suport a Creadors de la Nau Ivanow.   Beca: La beca Desperta consisteix a la cessió durant 6 setmanes d’una sala d’assaig, dotada de l’equipament tècnic necessari, i d’un espai de creació d’escenografia, a mitja jornada. Així mateix, la beca inclou 8 dies de presentació de l’obra al públic distribuïts en dues setmanes de la temporada d’hivern de la Nau Ivanow. La Nau donarà també suport a la companyia beneficiària en el contacte amb programadors que puguin acollir l’espectacle a les seves sales. Destinataris: joves creadors i col·lectius professionals o en vies d’inserir-se en la professionalització, de fins a 35 anys. En el cas dels col·lectius i companyies, s’haurà d’establir un responsable del projecte. La beca es dirigeix a artistes amb projectes originals i inèdits. Termini de presentació: del 19 de setembre al 16 d’octubre de 2011.  + info: <http://desperta.aportada.com/ca/bases> / desperta@nauivanow.com 

LʼEspecífica, que hoy en día integra más de 80 actores y actrices, se creó en Barcelona en el año 2008. Ofrece pequeños préstamos para “Nuevos Proyectos” y “Noches Temáticas” generados dentro del marco de la misma Plataforma. Esta ayuda financiera proviene del aporte de sus socios, cuyo lazo común es haber estudiado dentro del Programa de Técnica Meisner de Javier Galitó-Cava* que se inició en España en 2007. El propósito de esta Plataforma es crear espectáculos escénicos y audiovisuales bajo una misma filosofía de trabajo: • • El intérprete ha de implicarse en su trabajo con responsabilidad, generosidad, coraje y humildad. Actuar se basa en escuchar atentamente, en la realidad del hacer y en vivir verdaderamente bajo circunstancias imaginarias, teniendo los actores y actrices la responsabilidad de dotar a sus personajes de verdad y humanidad sea cual sea la puesta en escena. El texto es sagrado. El peso del comportamiento está por encima del peso de la palabra y ha de surgir de la verdad emocional y del instinto.

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L’ESPECÍFICA Plataforma de Actores y Actrices

El mayor y tan necesario soporte que brinda esta Plataforma a los proyectos de sus socios es el de ayudar y colaborar en lo que se necesite a nivel de recursos humanos, estando presente a través de sus miembros en las muestras del trabajo, durante todo el proceso y tomando parte activa en la promoción del espectáculo.

*Para más información sobre el Programa de Técnica Meisner: www.meisner.es

EQUIPO

Joaquín Daniel

Javier Galitó-Cava

Adeline Flaun Romina Cocca Emilia Ruiz Angel Maestre

Carlos Diaz Rosa Andreu Roser De Castro Paola Gadea

Maribel Ibarz Susanna Caralt Claudia Cañas Ricard Salom

Mercè Espelleta Carlotta Ros

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