Art decó

Coronamiento Art Déco del Edificio Chrysler en Nueva York, construido 1928–1930.

Ayuntamiento de Buffalo en el estado de Nueva York, pieza maestra del Art Decó americano.

Escaleras en rotonda en estilo art déco del Burkbank City Hall.

Ayuntamiento de Asheville, ejemplo de arquitectura art déco. El Art déco fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se extiende hasta la década de 1950 en algunos países), influenciando a las artes decorativas tales como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía. Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (como Hector Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene, y Emile Decour) formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia. En 1925 organizan la 'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes' en París, estos artistas se llamaron a sí mismos los modernos; en realidad, el término Art Déco fue acuñado en la retrospectiva titulada "Les Annés 25" llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs del 3 de marzo al 16 de mayo de 1966[1], el término "Art déco" es por

lo tanto una abreviatura de la palabra francesa "décoratif". En inglés se suele suprimir el acento y se escribe "Deco".

Morfología y tecnología
Este movimiento es, en un sentido, una amalgama de muchos estilos y movimientos diversos del temprano siglo XX, y a diferencia del Art Nouveau se inspira en las Primeras Vanguardias. Las influencias provienen del Constructivismo, Cubismo, Futurismo, del propio Art Nouveau del que evoluciona, y también del estilo racionalista de la escuela Bauhaus. Los progresivos descubrimientos arqueológicos en el Antiguo Egipto marcaron asimismo su impronta en ciertas líneas duras y la solidez de las formas del Art Decó, afín, a la monumentalidad y elementos de fuerte presencia en sus composiciones. Como estilo de la edad de la máquina utilizó las innovaciones de los tiempos para sus formas: las líneas aerodinámicas producto de la aviación moderna, iluminación eléctrica, la radio, el revestimiento marino y los rascacielos. Estas influencias del diseño fueron expresadas en formas fraccionadas, cristalinas, con presencia de bloques cubistas o rectángulos y el uso de la simetría. El color se nutre de las experiencias del Fauvismo. Trapezoides, facetamientos, zigzags; y una importante geometrización de las formas son comunes al Decó. Correspondiendo a sus influencias maquinistas, el Decó se caracteriza también por los materiales que prefiere y utiliza, tales como aluminio, acero inoxidable, laca, madera embutida, piel de tiburón (shagreen), y piel de cebra. El uso de tipografía en negrilla, sansserif o palo seco, el facetado y la línea recta o quebrada o greca (opuesto a las curvas sinuosas y naturalistas del Art Nouveau), los patrones del galón (chevrón), y el adorno en forma de sunburst son típicos del Art Déco. Ciertos patrones de ornamento se han visto en aplicaciones bien disímiles desde diseño de zapatos para señoras, a parrillas de radiadores, diseño de interiores para teatros, y rascacielos como el Chrysler Building.

Sociología
El Déco alcanzó su apogeo en los años 1920. Aunque muchos movimientos del diseño tienen raíces o intenciones políticas o filosóficas, el Art Déco era casi puramente decorativo, por lo que se considera un estilo burgués. A pesar del eclecticismo de sus influencias formales y estilísticas, el Decó es sólido y posee una clara identidad propia. No se trata de un historicismo ni de un anacronismo; es fiel a su época y deja entrever la noción futurista de la Revolución industrial. Su significación gira en torno al progreso, el ordenamiento, la ciudad y lo urbano, la maquinaria. Elegante, funcional, y modernista, el Art Déco fue un avance frente al Art Noveau, esta vez, exitoso en generar un nuevo repertorio de formas acordes a la problemática e imaginería de su tiempo. El Art Déco era un estilo opulento, y su exageración se atribuye a una reacción contra la austeridad forzada producto de la Primera Guerra Mundial. En simultáneo a una creciente depresión económica y al fantasma del acercamiento de la Segunda Guerra había un deseo

Argentina. México. Su asociación con el "film noir" en cinematografía y el encanto del glamour de los años 1930 propició su reempleo a finales de la década de 1980 en piezas publicitarias para joyería y el mundo de la moda y en la decoración de hoteles como el Hotel Fairmont y El Palacio de Bellas Artes en Ciudad de México. Ecuador y las Filipinas. Cuba. con alrededor de treinta manzanas de hoteles y edificios residenciales de los años '20 a los '40. En América Latina se pueden encontrar durante este periodo varios exponentes del Art Déco como José Fioravanti en Argentina. En países coloniales o periféricos tales como India. Casi todos los edificios fueron restaurados y pintados nuevamente en sus tonos pastel originales. tiene una vasta colección de edificio Art Decó. el estilo cae en decadencia dadas las austeridades impuestas por la Segunda Guerra Mundial. el Distrito Histórico Art Decó de Miami Beach fue incluido en el Registro Nacional de Lugares Históricos. La gente gozó de los placeres de la vida y del Art Déco durante la 'edad del jazz'. Ejemplos sobrevivientes Miami Beach (Estados Unidos). se convirtió en una puerta de entrada al Modernismo y continuó siendo utilizado bien hasta los años 1950.intenso por el escapismo. En 1979. Decadencia El movimiento pierde patrocinio en las metrópolis europeas y americanas mucho después de haber alcanzado una introducción masiva. Un resurgimiento del interés en el Decó vino desde exploraciones del diseño gráfico en los años 1980. al punto de ser empleado para representar falsas pretensiones de lujo. Colombia.1 . Guatemala. Nueva Zelanda. Finalmente.

Edificio El Moro en la Ciudad de México, la torre data del año 1946.

Bullocks Wilshire en Los Ángeles.

El Cementerio de Azul, obra maestra de Francisco Salamone.

Anfiteatro de Napier (Nueva Zelanda).

New India Assurance Building, 1936, Bombay (India). Los Ángeles tiene también una abundante arquitectura Art Déco, especialmente sobre el Wilshire Boulevard, una arteria de importancia que sufrió un auge de la construcción durante los años '20. Algunos ejemplos notables son el Bullocks Wilshire y el Pellissier Building y Wiltern Theatre, contruidos respectivamente en 1929 y 1931. Ambos edificios han sido restaurados recientemente.2 3 Algunos de los mejores ejemplos sobrevivientes del arte y la arquitectura Art Déco se encuentran en La Habana (Cuba). El Edificio Bacardí se destaca por su estilo particular,4 que refleja los temas clásicos del Art Déco. El estilo se aplicó a las residencias, edificios de oficinas, hoteles y muchas otras clases de arte decorativo, mueblería y utensilios en edificios públicos, así como en viviendas privadas.5 Otro país con muchos ejemplos de una rica arquitectura Art Déco es Brasil, especialmente en Goiânia y en ciudades como Cipó (Bahia), Iraí (Rio Grande do Sul) y Río de Janeiro, especialmente en Copacabana. También en el nordeste brasileño — notablemente en pueblos pequeños como Campina Grande del estado de Paraiba — hay una cantidad notable de edificios Art Déco, un conjunto que ha sido llamado "Sertanejo Art Deco" por sus características arquitectónicas particulares.6 El motivo por el cual este estilo tuvo tanta

difusión en Brasil es que coincidió con el rápido crecimiento y los cambios económicos radicales que sufrió el país en la década de 1930. Los edificio Art Déco también abundan en Montevideo (Uruguay), con un caso notable como es el icónico Palacio Salvo, edificio más alto de Sudamérica a fines de los años '20. En la Argentina también el Art Déco tuvo su período de auge, en la segunda mitad de los años '20. Sin embargo en las provincias, el estilo llegó más tarde y también se prolongó durante más años, llegando a fines de los años '30. El arquitecto Alejandro Virasoro fue quizás el pionero que trajo el Art Déco al país, y sus obras más recordadas con La Equitativa del Plata y la Casa del Teatro, en Buenos Aires. Pero el estilo se aplicó también a todo tipo de construcciones: edificios residenciales, de oficinas, viviendas, escuelas, cines y locales comerciales. Quizás no exista un caso verdaderamente paradigmático del Art Déco en Buenos Aires, pero es un estilo que se difundió ampliamente. En las ciudades de la Provincia de Buenos Aires, el arquitecto Francisco Salamone realizó una amplia variedad de edificios de un estilo muy particular, combinando el Déco con el futurismo, que son tomadas como un caso único. Fair Park, en Dallas (Texas), se mantiene como una de las colecciones más vastas de estructuras Art Déco. Mucho del patrimonio Art Déco en Tulsa, Oklahoma pertenece al segundo auge petrolero.7 Houston (Texas) tiene algunos edificios en pie, como el City Hall, el JPMorgan Chase Building, el Ezekiel W. Cullen Building, y el 1940 Air Terminal Museum, aunque muchos han desaparecido por el desarrollo inmobiliario.8 En Beaumont, la Jefferson County Courthouse]], construida en 1931, es uno de los pocos edificios Art Déco que siguen en pie en esta ciudad. El Kyle Block, un local comercial en el centro de Beaumont, es un buen ejemplo de la arquitectura Déco en zig-zag. Napier, en Nueva Zelanda, fue reconstruida en estilo Art Déco luego de haber sido destruida por el Terremoto de la Bahía de Hawke el 3 de febrero de 1931. Aunque unos pocos edificios Art Déco fueron reemplazados con estructuras más contemporáneas durante las décadas de 1960 a 1990, mucho del centro de la ciudad se mantuvo intacto por suficiente tiempo para ser reconocido como arquitectónicamente único, y desde los años '90 ha sido restaurado y protegido. Para 2007, Napier ha sido nominada para Patrimonio de la Humanidad, siendo el primer lugar cultural nominado en Nueva Zelanda9 10

Kansas City tiene su "Power and Light Building". esta torre de 145 metros tiene su lado oeste desnudo. El London Underground también es reconocido por tener en sus estaciones variados ejemplos del Art Déco. Luego de la caída del ferrocarril como medio de transporte.12 En China. Otros ejemplos de edificios Art Decó en Kansas City incluyen el Auditorio Municipal.11 Bombai (India) es segunda ciudad en cantidad de edificios Art Déco. Cincinnati (Ohio) tiene su Union Terminal. Sigue en pie en la vieja sede del club Arsenal F. el City Hall. nunca se realizó por problemas presupuestarios. En Londres. la Jackson County Courthouse. que fue abandonada en verano del 2006. sin ventanas. William Bennie. Ahora aloja al Cincinnati Museum Center. una estación ferroviaria de pasajeros de estilo Art Déco que se terminó en 1933. y el edificio 909 Walnut. el antiguo Arsenal Stadium luce su famosa fachada de la Tribuna Este. la estructura fue recientemente catalogada en Grado II y fue transformado en edificio de apartamentos. que recibe más de un millón de visitantes por año. En consecuencia. Inaugurada en octubre de 1936. Este edificio es un gran ejemplo de la Gran Depresión y sus efectos en la construcción Art Déco. Los planes originales preveían una torre gemela que se construiría al oeste. que fue visto como uno de los estadios más opulentos e impresionantes en el fútbol mundial. luego de Miami. el hombre que desarrolló el proyecto. la mayor parte del edificio se destinó a otros fines. terminado en 1931. Sin embargo.La Torre del Reloj de la plaza de Hastings Hastings (Nueva Zelanda) también fue reconstruida en estilo Art Déco después del Terremoto de la Bahía de Hawke. y sobreviven en el centro de Shanghái. aplicó el Art Déco en el diseño final. y es el 17 museo más .C. en Highbury (Islington). al menos sesenta edificios Art Déco fueron proyectados por el arquitecto húngaro Laszlo Hudec. y sobreviven abundantes edificio de esa época.

es la Gran Vía de Madrid. Aunque fuera de las grandes ciudades también pueden encontrarse maravillas del Art Déco. El Teatro Metropolitano de Manila.W. y y en 2009 fueron concluidos tres de los muchos edificios del lugar. Thomas Karsten. Su arquitecto. J. Bélgica. Albert Van huffel. en la cual España permaneció neutral.15 gracias al notable trabajo de muchos arquitectos y proyectistas holandeses. Burgos de Manila es uno de los pocos casos existentes de Art Déco en las Filipinas. la capital económica de Marruecos. un rascacielos Art Déco de 49 pisos construido en 1931. Otro ejemplo muy importante del Art Deco es la Basílica del Sagrado Corazón (Bruselas) en Bruselas. . son los casos de Art Déco en pie de Jakarta. ganó el Primer Precio de Arquitectura en la Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes en Paris en 1925. y C. Gerber y C. con superficie de 56. En Indonesia. Van de Linde. Schoemaker.El Jersey City Medical Center. de Bryun. incluyendo a Albert Aalbers que agregó el estilo impresionista al Art Déco con su diseño del Denis Bank (1936) y su renovación del Savoy Homann Hotel (1939). actualmente Museo Bank Mandiri. el edificio del Rectorado de la Universidad de Valencia y los cines Rialto (actualmente Filmoteca de la Generalidad Valenciana). ya que posee una de las colecciones más importantes de edificios Art Déco de los años '20 en pie en todo el mundo. ubicado en la calle P. Tambien abunda el Art Déco en el centro de Casablanca. en New Jersey. y la estación Jakarta Kota (1929) diseñada por by Frans Johan Louwrens Ghijsels.P. Bandung es un caso particular. Valencia (España) tiene profusa arquitectura Art Déco. el caudal más importante de edificios de la época de las Indias Orientales Neerlandesas se encuentra en las grandes ciudades de Java. comenzó el proyecto de restauración para residencias de edificios Art Déco más grande de los Estados Unidos. Los ejemplos más importantes del Art Déco de África se construyeron en Eritrea durante el período italiano. Muchos edificios siguen en pie en su capital Asmara. Henri Maclaine-Pont. encontrar muchas muestras del estilo art déco. convive con el modernismo. Capitol (transformado en edificio de oficinas) y Metropol. Smiths. Mayor Información En España. Son particularmente remarcables la casa de baños de Las Arenas.visitado de los Estados Unidos. podemos. especialmente en Oviedo. donde el Art Déco. como los muchos que pueden encontrarse en Cataluña o por toda la Comunidad Valenciana. o el Paseig de Gracia en Barcelona.P.550 m² (un sitio histórico nacional) fue transformado en un enclave residencial. solo en su capital y en Cartagena. y en otras ciudades. A. Gijón y Langreo dada la importacia de la industria y la riqueza de estas ciudades en la época que estaba de moda dicho arte. En 2005. del período de bonanza económica de entreguerras. Cantabria y Asturias. un buen ejemplo de ello.13 14 Esta ciudad también tiene la Carew Tower. y en menor medida en Andalucía y Murcia. de J. también puede encontrarse algún caso aislado en el resto de la Región. El edificio Nederlandsche Handel Maatschappij (1929).

actualmente anclado en retiro Long Beach. uno de los casos más famosos de Art Déco que sobreviven es el famoso RMS Queen Mary. el robot (personaje en la película que es una metáfora de la mecanización de la humanidad) es considerado como una de las imágenes más reconocibles del Art Déco. y del período Art Déco.Finalmente. un verdadero recuerdo de las glorias pasadas de uno de los alguna vez numerosos transatlánticos. la cual cuenta con deslumbrantes escenografías inspiradas en la llamada Escuela de Chicago de arquitectura para las tomas de la ciudad. California como museo y hotel flotante. un ejemplo de ello es el filme Metrópolis de 1927 de Fritz Lang. además de los decorados de la ciudad subterránea. Cine La estética Art Déco influyó en las artes cinematográficas de principios del siglo XX. Destacados Pintores                       Beltrán Massés Alexandra Ekster Vadim Meller Jean Dunan Tamara de Lempicka Pierre Legrain Francois Jourdan Maurice Ascalon Eileen Gray Lewis Sue Paul Jirbe Robert Mallet-Stevens Santiago Martínez Delgado Rene Prou André Mare José Fioravanti Armand Albert Rateau Jacques Emile Ruhlmann Jean Puiforcat Jean Marie Mouron (Cassandre) Eduardo García Benito Sergio Trujillo Magnenat Arquitectos   Raymond Hood William Van Alen .

Cuernavaca.      Tamara de Lempicka en su estudio [editar] Biografía Nació en el seno de una familia acaudalada. nacida Maria Górska. búsqueda Tamara de Lempicka o Tamara Łempicka (pronunciado Uempitsca). Pflueger Manuel J. En 1916 se casó en San Petersburgo con el abogado polaco Tadeusz Łempicki. Polonia. L. donde se hizo un nombre como artista. (Varsovia. de pleno estilo art decó. En 1927. donde descubre su pasión por el arte. como en la galería Colette Weill. México. En 1925 tuvo un lugar en la primera exposición art decó de París. En 1911 hace con su abuela un viaje a Italia. ya en estilo art decó. Kizette. Raspall i Mayol Octavio Perez Picó Miguel Zurita Quispe Francisco Salamone Tamara de Lempicka De Wikipedia. 16 de mayo de 1898 . Murray Dixon T. su cuadro Kizette en el balcón recibe el primer premio en la Exposición Internacional de Burdeos. En 1923 se mudaron a París.   . Tamara tomó clases de pintura con André Lhote. con quien llevó una vida lujosa hasta que estalló la Revolución de octubre. siendo desde pequeña una niña autoritaria y con carácter. Más tarde Tamara expuso en varias galerías de París. donde nació su hija.           Henry Hohauser L. pero ella lo sacó de prisión y se trasladaron a Copenhague. 18 de marzo de 1980) fue una pintora polaca que destacó por la belleza de sus retratos femeninos y desnudos. Tadeusz resultó encarcelado. En 1910 pinta su primer trabajo. Más tarde viajaría con su hija a Italia para observar de nuevo el arte italiano. la enciclopedia libre Saltar a: navegación. el retrato de su hermana.

pasándose al abstraccionismo. Sus influencias principales son Botticelli. pero sin llegar al arte abstracto. donde las figuras visten ropajes y peinados de última moda. En 1929 se divorcia de Tadeusz y conoce al barón Raoul Kuffner. En 1941 Kizette se va a vivir con su madre. pintaba mujeres etéreas. también retrató a su hija en varias ocasiones y a personas relacionadas con la burguesía artística de París y Nueva York.      Monumento a Tamara de Lempicka en Kielce (Polonia). subió a un helicóptero y arrojó las cenizas de Tamara en el cráter del volcán Popocatépetl. El 18 de marzo de 1980. Kizette. el retrato manierista en general. y el Cubismo. Siguiendo la tendencia de la pintura art decó. complaciendo el sueño de su madre.   [editar] Obra Su producción se centra en retratos femeninos y en desnudos de ambos sexos. Aunque las imágenes más populares de su arte son desnudos. Se hace famosa entre la burguesía neoyorquina y expone en varias galerías estadounidenses y europeas. muere el barón. viaja a Estados Unidos. Tamara de Lempicka muere en Cuernavaca (México). cuando su largo chal se enreda en uno de las ruedas posteriores de su Bugatti. la trágica muerte de la bailarina estadounidense Isadora Duncan que murió estrangulada en 1927. En 1962. En 1933 viaja temporalmente a Chicago donde trabaja con Willem de Kooning y Georgia O'Keeffe. acompañada del escultor Víctor Contreras (heredero de gran cantidad de las obras de la pintora). si bien dan una impresión férrea y escultural por la pincelada pulida y los marcados contrastes de luces y sombras. junto con los desnudos.  . un coleccionista de su obra. En 1938 se van a vivir a Beverly Hills. En 1960. Bronzino. Tamara empleaba este eclecticismo o fusión de estilos antiguos para representar temas actuales. con ropajes flotantes y dedos largos. Curiosamente. Tamara de Lempicka recuerda en su autorretrato 1929 "Tamara en Bugatti verde". Junto a él. Tamara cambia de estilo. Allí Tamara acepta casarse con el barón aunque no oculta su orientación bisexual. son sus mejores ejemplos.

donde tuvo una influencia muy importante en incontables aspectos de la vida estadounidense. llamado Ayrel. Primeros trabajos En los primeros años de Loewy en los EE..14 de julio de 1986) fue uno de los diseñadores industriales más conocidos del siglo XX. entre sus contribuciones a los iconos de la vida moderna se encuentran el logotipo de la empresa petrolífera Shell. para modernizar la apariencia de una modelo de multicopista. vendió los derechos del avión. Emigró a los Estados Unidos en 1919. Su primer logro fue el exitoso diseño de un avión de juguete. Sirvió al ejército francés durante la Primera Guerra Mundial. Wanamaker's y Saks Fifth Avenue. que mostraba todos sus elementos constructivos. el paquete de cigarrillos de la marca Lucky Strike.UU. al año siguiente. vivió en Nueva York sus primeros trabajos fueron como diseñador de escaparates de grandes almacenes. dicho matrimonio duró hasta 1945. la enciclopedia libre Saltar a: navegación. Su carrera profesional abarcó siete décadas. los frigoríficos Coldspot o el Studebaker Avanti.  Raymond Loewy De Wikipedia. Loewy ocultó mediante una simple carcasa de madera todos sus elementos internos siguiendo unos cánones estilistas. También aparece un cuadro de Tamara en el de Open Your Heart. búsqueda Raymond Loewy (5 de noviembre de 1893 . de quienes se dice que coleccionaban sus pinturas. entre los que se encontraban Macy's. Francia. Adquirió la nacionalidad estadounidense en 1938. y mejoró todo aquello que según él dañaba la vista como por ejemplo las patas. recibió su primer encargo de diseño industrial de la empresa Gestetner. En 1929. además de otras características bastante poco estéticas. también trabajó como ilustrador de modas para la revista Vogue y Harper's Bazaar. de la misma cantante. Su segundo matrimonio fue con Viola Erickson en 1948. pero desarrolló casi toda su carrera profesional en los Estados Unidos. Contrajo matrimonio con Jean Thomson en 1931. con el que ganó la Copa James Gordon Bennett en 1908. Nació en Francia. a partir de este rediseño . que poseía un diseño arcaico. Su estética ha atraído a estrellas del espectáculo como Barbra Streisand. la locomotora S-1. Madonna se inspiró en esta pintora para su video musical Vogue de 1990. Jack Nicholson y Madonna. los autobuses Greyhound. Su juventud Loewy nació y creció en París.

y la clase T1. A pesar de no diseñar la forma de la famosa locomotora eléctrica GG1. invitó al diseñador a realizar el rediseño. siendo este producto el que asentó su reputación como diseñador. material impreso. Loewy mejoró su aspecto recomendando soldaduras y pulidos. y mucho más. Locomotora Pennsylvania En 1937. Al mismo tiempo que llevaba a cabo estos glamorosos diseños. además de otras remodelaciones como quitar el verde que se apoderaba de todo el paquete. dándole un frente distintivo como de "nariz de tiburón" con reminicencia a la T1. Diseñó una carrocería aerodinámica para K4s Pacific #3768 para transportar la recientemente diseñada )también por Loewy) 1938 Broadway Limited. incluyendo diseños de vagones de pasajeros. rediseñó la locomotora diésel Baldwin's. para quien sus más notables trabajos fueron el estilizado aerodinámico de las locomotoras de pasajeros. Su empresa de diseño abrió una sucursal en Londres a mediados de 1930. Todo comenzó en 1940 cuando Loewy dijo que él haría que la marca duplicara sus ventas con un simple rediseño del paquete. Sus diseños comenzaron apareciendo en los modelos de Studebaker de finales de la década de 1930. incluyendo trabajos para Westinghouse. El diseño de este habitáculo espacial. Luego. y el rediseño del refrigerador Coldspot para SearsRoebuck. reemplazando el que había usado desde principios de siglo. su estudio realizó toda clase de proyectos para la PRR. Sky Lab I El polifacético diseñador entregó el diseño de la Sky Lab I. Studebaker también adoptó su nuevo y sencillo logotipo. Pero unos de los diseños más importantes de Loewy fue el del paquete de la marca de cigarrillos "Lucky Strike". estaciones. y una pintura con rayas para resaltar sus suaves y redondeadas formas. en la década de 1930. por pedido de la PRR. en lugar de piezas remachadas. el dueño de "Lucky strike". . Loewy entabló relación con la Pennsylvania Railroad. que sería lanzada al espacio en 1973. Indiana. para la Hupp Motor Company (la estilización del modelo Hupmobile). Studebaker Loewy comenzó su larga y productiva relación con la compañía automovilística estadounidense Studebaker Corporation de South Bend. Posteriormente siguieron más encargos. A este diseño le siguió el estilizado experimental de la locomotora S1. La misión Sky Lab desarrollada entre 1974 y 1978 probaría la capacidad del ser humano de permanecer por largos periodos en órbita.esta multicopista aumentó sus ventas sensiblemente. es cuando Loewy pone el logo de la marca en las dos partes del paquete de manera que se deje con forme el paquete se viera la marca. ante esta argumentación.

la fuerza evocadora de sus carteles de grandes causas que lo marcó como un maestro de la comunicación visual de que su obra sigue siendo pertinente hoy en día y fresco. se le considera un maestro de la escuela moderna del arte del cartel. Fue miembro de una familia de arquitectos. la creación de carteles no sólo. trabajó durante más de cuarenta años en el teatro. 1900 .18 de junio de 1985 en Nogent-surMarne ) fue uno de los artistas franceses más grandes del cartel. en primer lugar. Paul Colin Paul Colin (27 de junio de 1892 en Nancy .1989) fue un francés diseñador gráfico . Muy Art Déco . (su Tumulte Le noir es una obra maestra del género). Un estudiante de Eugène Vallin y de Victor Prouvé . estética y técnica revolucionaria. Con materiales. la enciclopedia libre Ir a: navegación . búsqueda 1942 cartel de la guerra patriótica por Jean Carlu para el Gobierno de los EE. Se hizo famoso en 1925 por su cartel para la Revue Nègre . Francia . sino también numerosos conjuntos y trajes. el diseñador daría un gran paso hacia la arquitectura del mañana.UU. Él fue el maestro de pintor Philippe Derome y el cartel artistas dúo Lefor-Opeño Jean Carlu De Wikipedia. su hermano Jacques . Francia . Es autor de más de 1400 carteles y ha establecido teatral y diseño de vestuario. que ayudó a lanzar la carrera de Joséphine Baker (quien se convirtió en su amante).permitió el desarrollo de experimentos científicos y el desarrollo de actividades cotidianas. especializada en carteles. Jean Carlu ( Bonnières-sur-Seine . su estilo se convirtió rápidamente en muy personal e imposible de clasificar: la precisión sintética de sus retratos.

como el cubismo. siendo joven se mudó a París donde estudió en la Academia de Bellas Artes y en la Academia Julian. diseñó el Palais de Chaillot. el purismo de Le Corbusier. e incluso el futurismo con los recursos gráficos líneas cinéticas y sensación de velocidad. [ editar ] Biografía Jean Carlu comenzó su carrera como profesional de diseño de carteles en 1919. Él fue uno de los primeros que se dieron cuenta de que para fijar una marca en la mente de los consumidores de un proceso tiene que ser pasado a través de la cual formas esquemáticas y colores expresivos se aplican. Estas son las características que dan a sus carteles y otras obras de su calidad distinguibles. se lo puede considerar como el percursor del cartel moderno tal y como hoy lo conocemos. tras lo cual trabajó en una agencia de publicidad que diseñó. También diseñó una etiqueta de pionero para la cosecha 1924 de Château Mouton-Rothschild [2] Cassandre Adolphe Jean-Marie Mouron (24 de enero de 1901 – †17 de junio de 1968). Citas El mismo definía el cartel . de padres franceses. conocido por el seudónimo de Cassandre fue un cartelista y diseñador gráfico francés de origen ucraniano. Se sintió atraído por el cubismo y por las obras de Juan Gris y Albert Gleizes . La fama de Carlu se basa principalmente en dos carteles: para Monsavon [1] y para el teatro Pigalle . Datos biográficos Nacido en Ucrania en 1901. En ese período. Desde 1919 hasta 1921 se desempeñó como ilustrador. Influencias En sus obras se puede observar la influencia de las vanguardias artísticas de la época de entreguerras del siglo XX. por ejemplo. diseñó su primer cartel en el art deco de estilo (por El chico de Charlie Chaplin ).Carlu . Hizo carteles durante la Segunda Guerra Mundial para promover un aumento de la producción estadounidense. en París. después de una competición por un productor de ayudas dentales ( Glycodont ) en 1918.

Dubonnet Nicolas Tipografía Peignot Logotipo de Yves Saint Laurent Georges Mathieu De Wikipedia. otros lo colocan entre las artes decorativas y en mi opinión están igualmente equivocados. en el teatro Sarah Bernardt de París realizó un cuadro de tres metros en menos de una hora. poderosa siempre y precisa comunicación [editar] Obra             L'Intransigeant L'Étoile du Nord Nord Express Dubo. y en la década de 1950 adquirió fama internacional como uno de los máximos representantes del Expresionismo abstracto. La batalla de Bouvines (1954) y Los Capetos doquiera que sea (1954). información detallada. pero su gran innovación fue la introducción de fulgurantes improvisaciones de trazos caligráficos.   Wols . La pintura es un fin en sí misma. En consecuencia emite y transmite un mensaje que no debe contener. Únicamente se exige de él que establezca una clara. Francia. Es en París donde comenzó a exponer sus obras. sino algo diferente aunque a veces utilice los medios de uno u otro. El cartel exige la renuncia del artista a firmar su personalidad. Si lo hace rompe las reglas del juego. Así. y más pura cuanto mayor era la velocidad con la que el artista creaba su obra. realizadas a base de manchas espontáneas de color. Unos lo consideran una rama más de la pintura. que aparecen en su pintura ya a finales de la década de 1930. mientras que el cartel es un medio para un fin. y en Tokio otro de doce metros en veinte minutos. anticipando de este modo los fenómenos artísticos conocidos bajo las denominaciones «happening» y «action painting». lo cual es erróneo. Resulta característica de este autor la elección de los títulos de sus cuadros tomando como base batallas y hechos históricos de la historia de Francia. En 1947 se estableció en París. de ahí denominaciones tales como La muerte de Felipe el Atrevido (1952). El cartelista desempeña la labor de operador de telégrafos. la enciclopedia libre Saltar a: navegación.Es difícil determinar cual es el lugar que le corresponde al cartel entre las artes pictóricas. un medio de comunicación entre el anunciante y el público. búsqueda Georges Mathieu (Boulogne-sur-Mer. Tras estudiar Filosofía y Derecho. en público y en muy breve tiempo. convierte su pintura en espectáculo al elaborar sus creaciones a gran escala. Dubon. comenzó a pintar en 1942. semejante a un telegrama. Considerando la pintura como una «pura manifestación del ser»." El cartel no es pintura ni decorado teatral. 27 de enero de 1921) es un pintor y publicista francés.

la enciclopedia libre Saltar a: navegación. seudónimo de Alfred Otto Wolfgang Schulze (Berlín. 27 de mayo de 1913. Además. Max Ernst. En 1932 fue a Berlín: quería pasar a formar parte de la Bauhaus.París. Contenido      1 Biografía 2 Obra 3 Notas 4 Referencias 5 Enlaces externos [editar] Biografía Schulze nació en Berlín en el año 1913. . César Domela. búsqueda Wols Nombre de nacimiento Nacimiento Fallecimiento 27 de mayo de 1913 1 de septiembre de 1951 (38 años) Francia. Allí se ganó la vida como fotógrafo retratista. su familia se trasladó a Dresde. Conoció a artistas como Jean Arp. Giacometti. Léger o Amédée Ozenfant.De Wikipedia. Pero Moholy-Nagy le aconsejó que se fuera a París. París Nacionalidad Área alemana Fotografía Alfred Otto Wolfgang Schulze Wols.1 Fue uno de los pintores influyentes del movimiento tachista. 1 de septiembre de 1951) fue un pintor y fotógrafo alemán. Seis años después. cosa que hizo. escribió y pintó. en el seno de una familia de funcionarios de clase media alta.

según cuenta su mujer Gréty. De 1955 a 1964. al principio. como una apendicitis. Jean-Paul Sartre. Wols junto con otros alemanes.En 1937 Schulze asume el seudónimo de Wols. una exposición de sus pinturas se organizó en Drouin. Esta exposición chocó con el público parisino y presentó brutalmente al artista. en contra de la voluntad del artista. el 31 de agosto al lujoso hotel de Montalembert. Después de la ocupación alemana de la zona sur francesa. El entierro de Wols tendrá lugar el 4 de septiembre de 1951 en el columbario del Cementerio del Père-Lachaise. Wols y Gréty tuvieron que dejar Cassis. Raoul Ubac) y se hizo amigo de Jean Paulhan y del pintor Mathieu. En 1945 regresó a París y expuso en la galería de René Drouin por primera vez sus acuarelas. Camille Bryen. empeorando su salud poco a poco. En esta época Wols se dio a la bebida. Sintiéndose morir. hace que Gréty le lleve. que le animó y protegió en aquella época. Hans Hartung. Victor Brauner. Su elevada fiebre se diagnosticó. se llevó a Wols demasiado tarde a un hospital de París. forma en la que. con quien compartió intereses artísticos. De noviembre de 1940 a diciembre de 1942 Wols y Gréty vivieron una relación extremadamente difícil en Cassis en los alrededores de Marsella. fue preso en el estadio de Colombes en tanto que «extranjero enemigo» y se le encerró en distintos campos de internación franceses: Neuvysur-Barangeon. En la noche del 24 al 25 de agosto de 1951. Su cadáver es sacado por la puerta de servicio. El historiador de arte John Rewald hizo de testigo del matrimonio en el hotel de la ciudad de Aix-en-Provence. Esta exposición no tuvo éxito. desmilitarizada. El 29 de octubre de 1940 Wols fue liberado del campo de internamiento de Milles después de su matrimonio efectuado poco antes con Gréty. que era desde su matrimonio con Jacques Baron una ciudadana francesa. Milles cerca de Aix-en-Provence y al fin en Saint-Nicolas cerca de Nîmes. Georges Mathieu. dónde murió en la mañana del día siguiente. inmediatamente después del estallido de la Segunda Guerra Mundial. se expusieron algunas obras de Wols con carácter póstumo en documenta I-III de Kassel. . donde con el tiempo se desarrolló una amistad entre Wols y el escritor Henri-Pierre Roché. pronunció su apellido una operadora telefónica que no lo entendió. En estos años desarrolló su obra de forma privada. Franz Kafka y Antonin Artaud nació una obra gráfica independiente. estuvo en Montélimar. e intentaron huir a los Estados Unidos. por lo que no se trató el envenenamiento. JeanPaul Riopelle. De ese mismo año es su primer encargo como fotógrafo oficial de la Exposición Universal. a diferencia de la que celebraría dos años más tarde en la misma galería. que prefería no ser un artista profesional. [Montargis]. Desde 1943 hasta el final de la guerra en 1945. Hizo amistad con Jean-Paul Sartre y Simone de Beauvoir. Participó en las exposiciones de apertura del Salón de las Realidades Nuevas y en L'Imaginaire (junto a obras de Hans Arp. consumió carne en mal estado. El 23 de mayo de 1947. El 3 de septiembre de 1939. Con órganos ya muy debilitados. Wols retomó la fotografía y empezó a pintar al óleo en pequeños formatos. Con ilustraciones de textos de escritores como Jean Paulhan. La dependencia creciente del alcohol afectó a la salud del artista.

[editar] Obra Comenzó con dibujos. A él se le atribuye la cita: para ver. La imagen puede estar en relación con la naturaleza como la fuga de Bach con Jesucristo. dijo. 1950. Aunque no fue reconocido en vida. excepto cómo ver. Se le considera padre del tachismo. no es necesario saber nada. como ejemplifica su cuadro Composición h. búsqueda . pinturas y acuarelas. sino una creación análoga. creando cuadros como si tuvieran relieve. la enciclopedia libre Saltar a: navegación. A veces inscribe líneas y formas en el cuadro. Muchas de estas obras las ejecutó bajo la influencia de drogas y alcohol. Estas primeras obras son más bien expresionistas. Igualmente. Tiene una importante obra fotográfica. realizada entre 1932 y 1941. Más tarde se dedica a obras en las que la pincelada y el empaste cobran importancia. una de las tendencias del arte informal. Reacciona de esta manera contra el academicismo abstracto. influidos por el automatismo psíquico del movimiento surrealista.2 Willi Baumeister De Wikipedia. fue pionero de un nuevo estilo de abstracción expresiva. en una línea de desencanto similar al expresionismo abstracto estadounidense. un caso así no es una copia. Destaca por sus aguafuertes y por el uso de manchas (taches en francés) de color aplicadas sobre el lienzo.

fotógrafo y tipógrafo alemán. Allí se hizo amigo de Oskar Schlemmer. Baumeister se casó con la pintora Margarete Oehm. Willi Baumeister (22 de enero de 1889 . escenógrafo.Sello postal alemán diseñado por Baumeister. Su obra estuvo muy influida por el arte primitivo y el surrealismo abstracto de Joan Miró. pero con el paso del tiempo se convierte en un artista claramente abstracto. comenzó a enseñar como profesor en la Städelschule (Escuela Municipal de Arte) de Fráncfort del Meno. Allí fue educado como pintor decorador entre 1905 y 1907. Josef Kerschensteiner. en los que integraba sus experiencias cubistas. Baumeister murió en Stuttgart. En 1926. tras un comienzo aún figurativo. Tuvo que interrumpir sus estudios por el servicio militar obligatorio. [editar] Biografía Nació en Stuttgart. pero fue destituido de su cargo el 31 de marzo de 1933 por los nazis. Después de la guerra volvió a dar clases de pintura en Stuttgart (1946). Al mismo tiempo. Sus obras formaron parte de la exposición de arte degenerado que el régimen nazi organizó en 1937 y en 1938 se le prohibió dar clases. y Adolf Hölzel. Ese mismo año celebró su primera exposición individual en París. comenzó a estudiar arte en la Academia de Arte de Stuttgart (Kunstakademie) con Robert Poetzelberger. En 1919 realizó su primer «cuadro muro» (Mauer Bilder). En 1927. un panel cuya estructura en relieve como de un muro conseguía. Sus pinturas son geometrizantes. Durante la época en que estuvo .3 de agosto de 1955) fue un pintor informalista.

que son signos puros y en los que se advierten influencias del arte africano y mesopotámico.prohibido por los nazis desarrolló una serie de pinturas conocidas como ideogramas. El mayor objetivo de Motherwell era mostrar al espectador el compromiso mental y físico del artista con el lienzo. Washington. Era un escritor lúcido y seductor. que también incluía a Jackson Pollock. . Entre sus alumnos se encontraba Marta Hoepffner. Su extensa formación retórica sería muy útil para él y sus compañeros expresionistas abstractos. 24 de enero de 1915 – 16 de julio de 1991) fue un pintor norteamericano y una figura destacada del expresionismo abstracto. Cy Twombly fue alumno suyo. Fue profesor en la Academia Städel en Fráncfort hasta que la llegada del régimen nazi le apartó de la docencia que no pudo recuperar hasta finalizada la guerra. otros expresionistas abstractos quizás no hubiesen visto la luz (como por ejemplo Rothko. y sus ensayos se consideran una introducción perfecta para los que quieren leer sobre arte no figurativo pero no se aventuran en extensos y complicados tratados sobre arte. [editar] Trayectoria artística Se licenció en Filosofía en la Universidad de Stanford en 1937. Fue uno de los miembros más jóvenes de la llamada New York School (Escuela de Nueva York). Sin sus grandes capacidades comunicativas (además de su prolífica creación pictórica). la enciclopedia libre Saltar a: navegación. ya que gracias a ella Motherwell recorrió los Estados Unidos dando conferencias acerca de lo que él y sus compañeros estaban creando en Nueva York. Los escritos completos de Motherwell ofrecen una excepcional visión del mundo del expresionismo abstracto. que era extremadamente tímido y rara vez salía de su estudio).1 Robert Motherwell De Wikipedia. Motherwell pasó bastante tiempo en Provincetown. Prefería utilizar la dureza de la pintura negra como elemento básico. una de sus más conocidas técnicas consistía en diluir la pintura con aguarrás para crear un efecto de sombra. Mark Rothko y Willem de Kooning. Motherwell fue miembro de la dirección editorial de la publicación vinculada al Surrealismo "VVV". Massachusetts. búsqueda Robert Motherwell (Aberdeen. Su extensa serie de pinturas conocida como "Elegías a la República Española" es generalmente considerada su proyecto más significativo. y un año antes de finalizar sus estudios de doctorado en Harvard cambió de orientación y empezó a estudiar Arte e Historia en la Universidad de Columbia bajo las órdenes de Meyer Schapiro.

hasta Newport. Estas primeras obras tienen gran afinidad con las de sus amigos Graham y Gorky y . se divorciaron cuando tenía unos cinco años de edad. y dentro del seno de esta tendencia. de Kooning experimentó con otros movimientos artísticos. En el Empire State Plaza pueden encontrarse además algunas de sus obras. pintor neerlandés nacionalizado estadounidense. 24 de abril de 1904 . 19 de marzo de 1997). sigue la action painting o pintura gestual. En 1926 emigró clandestinamente a los Estados Unidos. una oposición de elementos formales dispares que prevalece en su trabajo a lo largo de su carrera. Mark Rothko y Clyfford Still. Desde 1928 de Kooning empezó a pintar naturalezas muertas y figurativas que reflejaban la influencia de la Escuela de París y mexicanas. Prensa de la Escuela de Nueva York 2000 ISBN 0-9677994-0-6 Willem de Kooning Willem de Kooning (Rotterdam. usando formas biomorfas y simples composiciones geométricas. y fue criado por su madre y un padrastro. donde estudió durante ocho años. [editar] Libros   Una Encuesta Ilustrada sobre el Expresionismo Abstracto Americano de 1950s. En 1927 se trasladó a un estudio en Manhattan y se vio influido por el artista y crítico John D. Virginia. Gorky fue uno de sus amigos íntimos. donde se ganó la vida como pintor de casas. Más tarde. Graham y el pintor Arshile Gorky. de Boston a Rhode Island y de allí. y. Nueva Jersey. Biografía Primeros años Los padres del pintor. En 1920 entró a trabajar con el director artístico de unos grandes almacenes. por la misma época.El Museo de Arte Moderno de Fort Worth alberga la mayor colección de obras de Motherwell. asistió a clases nocturnas en la Academia de Rotterdam de Bellas Artes. Al final se estableció en Hoboken. en el barco británico SS Shelly.Long Island. Prensa de la Escuela de Nueva York 2003 ISBN 0-9677994-1-4 Artistas Abstractos Expresionistas de Escuela de Nueva York Elegidos Por Artistas. a Nueva Jersey. En los años posteriores a la Segunda Guerra Mundial. Otros pintores de este movimiento fueron Jackson Pollock. en barco. Leendert de Kooning y Cornelia Nobel. de Kooning pintó dentro del movimiento del expresionismo abstracto. El Walker Art Center tiene una colección casi exhaustiva de sus grabados. A principios de los años treinta estaba explorando la abstracción. De ahí fue hasta Boston. En 1916 entró como aprendiz en una firma de artistas y decoradores comerciales.

de estas obras. se volvió al blanco y negro en mezclas caseras para pintar una serie de grandes abstracciones. tales como Pink Landscape y Elegy. A partir de entonces se convirtió en una figura sobresaliente de la vanguardia artística. Su trabajo se orienta hacia las abstracciones complejas. Fue contratado por este programa hasta julio de 1937. Conforme evolucionaba su trabajo.reflejan el impacto que en estos jóvenes artistas tuvieron los españoles Pablo Picasso y Joan Miró. En 1938 conoció a Elaine Marie Fried. Buckminster Fuller y Josef Albers. con quien se casó en 1943. al tiempo que simultáneamente hacía una serie más purista de abstracciones líricamente coloreadas. debido a su estatuto de extranjero. que consistía en composiciones en blanco y negro. y Seated Figure (Classic Male). los colores intensos y las líneas elegantes de las abstracciones comenzaron a volverse trabajos más figurativos. Este período incluye las representaciones bastante geométricas de Woman yStanding Man. Este período de unos dos años le permitió al artista. También ella fue una artista significativa. Attic (1949). demasiado pobre para comprar pigmentos de artista. y en la Escuela de Yale de Arte en 1950/51. un proyecto de arte del gobierno federal. agitadas. que reintrodujeron el color y parecían resumir con firme decisión los problemas de composición por libre asociación con la que había luchado durante años. Light in August (c. Art Institute. Durante los años cuarenta y después. cuando se despidió al igual que su compañero Santiago Martínez Delgado. ambos habían conseguido composiciones poderosamente expresivas a través de formas biomórficas. En octubre de 1935 de Kooning empezó a trabajar para la WPA. la primera oportunidad de dedicarse plenamente al trabajo creativo. tales como Asheville (1948/49). En 1938. de Kooning se embarcó en una serie de figuras masculinas. Varios murales que diseñó nunca se realizaron. Dio clases en los cursos de verano del Black Mountain College de Carolina del Norte con John Cage. luego conocida como Elaine de Kooning. 1946) y Black Friday (1948) son esencialmente negras con elementos blancos. desarrollando un tipo de representación semifigurativa-semiabstracta. y la coincidencia de figuras y abstracciones continuaron hasta bien entrados los años cuarenta. probablemente por influencia de Gorky. que se había mantenido a lo largo de la Depresión gracias a trabajos comerciales. Tuvo su primer exposición individual. Alrededor de 1945 las dos tendencias parecieron fusionarse perfectamente en Pink Angels. Man. en la Charles Egan Gallery de Nueva York en 1948. En 1946. Chicago). se fue identificando cada vez más con el movimiento expresionista abstracto y fue reconocido como uno de sus líderes a mediados de los años cincuenta. incluyendo Two Men Standing. y Excavation (1950. mientras que Zurich (1947) y Mailbox (1947/48) son blancas con negro. [editar] Obras de madurez . junto a numerosas abstracciones sin título cuyas formas biomórficas cada vez sugerían más la presencia de figuras. Viajó a Roma y San Francisco.

"un travestido del concepto de feminidad idealizado por los medios y los clichés" (Lengerke). no menos cruda. . y bamboleantes. Los formas biomórficas de sus primeras abstracciones pueden interpretarse como símbolos femeninos. pechos desmesurados más grandes que las cabezas. salvando las distancias. con los ojos enormes. Se trataría de "una representación simbólica de la mujer como madre nutricia. como sugiere el título de su Woman as Landscape. Durante más de diez años. que pasó por innumerables metamorfosis antes de que fuera terminado en 1952. La deliberada vulgaridad de estas pinturas recuerda a la serie Corps de Dame (1950). a la del español Antonio Saura" (J.De Kooning había pintado mujeres con regularidad a principios de los años cuarenta. Parc Rosenberg. En verano de ese año comienza la que sería su serie más célebre. se relacionan más directamente con símbolos universales. Es la época de su mayor creatividad artística. depredadora y abusiva. muslos opulentos. una mujer de boca inmensa y mirada implacable. principalmente porque eran figurativas cuando la mayor parte de sus compañeros expresionistas estaban pintando abstracciones y por su descarnada técnica. Las composiciones son planas. imagen fantasmagórica de la mujer devoradora de hombres" (Carrassat-Marcadé). Concebía el arte de como "acción unida a la energía y al movimiento corporal" (Lengerke). de Kooning se dedicó a pintar a este tipo de mujer. impetuosas. parecen representar las más oscuras percepciones freudianas. Las pinturas Woman de la II hasta la VI (1952-53) son todas variaciones sobre el mismo tema. en la que lo femenino. de Kooning parece haber vuelto a este aspecto simbólico de la mujer. Pero no fue hasta 1950 que empezó a explorar el tema de las mujeres de forma exclusiva. no obstante. También mostró algunas pinturas que parecían volver a las obras primitivas mesopotámicas y acádicas. grandes ojos vacíos. Las distintas pinturas de mujeres se mostraron en la galería de Sidney Janis en 1953 y causaron sensación. se trabaja con una intensa concentración dirigida en exclusiva al acto creativo sin predeterminarse su resultado. de gran densidad y muy intensos desde el punto de vista cromático. En el mismo museo se encuentra Woman II (1952). En 1955. del pintor francés Jean Dubuffet. Backyard on Tenth Street. Whitney Museum of American Art. Suburb in Havana. con espesas capas de óleo. así como Woman and Bicycle (1953. aplicado salvajemente. Esta action painting produce una pintura abstracta y vigorosa. reflejando una figura degradada de mujer. una exagerada caricatura. casi "que lo ven todo". El pigmento. formado por una rica topografía de colores terrosos. y de nuevo entre 1947 y 1949. Comenzó con Woman I (Mujer I) (Museo de Arte Moderno. dientes brillantes. Kooning empleaba pinceladas mordaces y violentas. Nueva York). Nueva York) y Two Women in the Country (1954). Siguieron luego una serie de paisajes tales como Police Gazette. Ramírez Domínguez). en que la figura vertical parece casi absorbida por el paisaje abstracto. A. Gotham News. Amplias sonrisas. Hacía una pintura "representativa y gestual a la vez. y el uso de colores que parecían vomitados sobre el cuadro se combinaban para revelar una mujer que reflejaba demasiado bien algunos de los más extendidos miedos sexuales del hombre moderno. cuyo tema eran las mujeres. algo parecida.

en las subastas de Sotheby Pink Lady (1944) alcanzó los tres millones seiscientos mil dólares en 1987 y nterchange (1955) veinte millones seiscientos mil en 1989. que se hicieron claras. la cotización de las antiguas ascendió vertiginosamente. se publicó por Knopf a finales de 2004. en 1989. [editar] Curiosidades Willem de Kooning ha inspirado a la banda galesa Manic Street Preachers tres canciones: "Interiors (Song for Willem de Kooning)". En los años ochenta de Kooning fue diagnosticado de Alzheimer. En estas obras. que se han interpretado como ataques satíricos a la anatomía femenina. en ellas brillas las luces y los reflejos en el agua. comienza a realizar grandes esculturas. "His Last Painting" (sobre su batalla con el . y un tribunal lo declaró incapaz para la administración de su patrimonio. Reexploró el tema a mediados de los años sesenta en pinturas que fueron controvertidas como sus tempranas mujeres. de Kooning pintó con extravagante lubricidad. Se debate mucho sobre la relevancia y significado de sus últimas pinturas. tales como Whose Name Was Writ in Water y Untitled III. mientras que otros ven en sus últimas obras el precedente de los pintores de los años noventa de líneas claras. Mark Stevens y Annalyn Swan. Long Island. recibieron el Premio Pulitzer de biografía. en 1984 la ciudad de Fráncfort del Meno le otorgó el Premio Max Beckmann y en 1986 fue premiado con la medalla de las Artes del congreso estadounidense. el año que se instaló de forma permanente en un estudio de Springs. estando bajo la tutela de su hija desde 1989. [editar] Últimos años Vuelve cierto lirismo con sus últimas obras. casi gráficas. Sobre 1963. El 14 de septiembre de 1964 el presidente Lyndon Johnson le concedió la Medalla Presidencial de la Libertad. que muestra una evolución desde la complejidad colorista a una simplicitad pictórica. Sus autores. titulada de Kooning: An American Master. y con una relación directa con pintores contemporáneos tales como Brice Marden. y Rosy-Fingered Dawn at Louse Point. Durante sus últimos años se inclinó cada vez más por la realización de esculturas de barro.Door to the River. aunque seguían aludiendo a las líneas biomorfas de sus primeras obras. de Kooning volvió a representar mujeres en pinturas como Pastorale y Clam Diggers. inducido por Henry Moore. A partir de 1970. Su esposa Elaine murió de cáncer de pulmón a los setenta años. Otros que conocieron a de Kooning personalmente señalan que sus últimas pinturas se las quitaron y las vendieron antes de que pudiera acabarlas. La primera biografía del artista. Como el estilo de su últimas obras era muy distinto. Algunos dicen que su estado mental e intentos de recuperarse de una vida de alcoholismo lo habían incapacitado para consumar la maestría que apuntaban sus obras tempranas.

En 1936 tuvo ocasión de trabajar en el taller experimental del muralista David Alfaro Siqueiros. es decir. se dice que los únicos años destacables fueron aquellos en que logró controlar su alcoholismo. Los críticos1 del momento. al ser ampliamente reseñado por el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA). usando pintura con bomba de aire y con aerógrafo. donde estudió en la Art Students League con el pintor Thomas Hart Benton. se mudó en 1929 a Nueva York.11 de agosto de 1956. con sus formas simbólicas y sus pinturas de arena. Estados Unidos . Congreso para la Libertad Cultural). Estados Unidos) fue un influyente artista estadounidense y un referente en el movimiento del expresionismo abstracto. Pero en el caso de Pollock. Durante la década de los años 1950 Pollock recibió apoyo de la CIA por medio del Congress for Cultural Freedom (CCF. hubo otras fuentes de inspiración añadidas. quien le entregaba una mensualidad. el período 1949-1950. en una escritura automática que pretende reflejar los fenómenos psíquicos que tienen lugar en el interior del artista. Nueva York. Considerado uno de los pintores más importantes de los Estados Unidos en el siglo XX. la cual le brindó todo su apoyo siempre. y la canción "Door to the River" (que recibe su título de una pintura). Peggy Guggenheim fue su mecenas. la cultura de los indios de Norteamérica. el aluminio o los esmaltes sintéticos.Alzheimer). Jackson Pollock Paul Jackson Pollock (28 de enero de 1912. Springs. Cody. así como pigmentos sintéticos industriales. Así. Wyoming. Biografía Después de vivir su infancia y adolescencia en Cody. tuvieron que empezar a relacionar su obra de una u otra manera con el «automatismo». como el barniz. Desde 1938 hasta 1942 trabajó para el Federal Art Project (Proyecto de Arte Federal). Entre 1935 y 1943 trabajó para la WPA y pintó bajo la influencia de Picasso. empezó a ser relacionado con el surrealismo. Esto le llevó también a probar otros materiales. a pesar de las adversidades. La carrera de Pollock se vio súbitamente interrumpida cuando falleció en un accidente de coche en 1956. el surrealismo y el psicoanálisis jungiano que usó como terapia contra su alcoholismo. y de los múltiples vicios de Pollock. Su trabajo. . De su corta vida. El pintor se casó con la pintora Lee Krasner en 1945. En el largometraje de 2000 Pollock fue interpretado por Val Kilmer.

Como punto final para poder comprender la dimensión psicológica del autor ante la creación de la obra y la explicación de los términos anteriores. Todo esto estaba condicionado por la búsqueda de levantar emociones sobre el público expectantes. Otro de los grandes términos que marcaran su trabajo artístico es el ―all-over‖ que consiste en no dejar espacio alguno sin cubrir. con movimientos bruscos y de dirección cambiante. Solía ser siempre pintura acrílica con la que trabajaría sus obras. Para ello debían surgir nuevas técnicas y maneras de tratar la pintura y el concepto artístico. En esa época también conoce el celebre pintor mexicano David Alfaro Siqueiros de quien aprende mucho por sus nuevas técnicas para pintar y después de esa época siendo una de las vanguardias contemporáneas con uno de los grandes trasfondos teóricos existente en este tiempo. buscando crear una atmósfera completa y sin limitaciones de marcos. Esto consiste en la utilización de la pintura con toda su propia vitalidad y dinamismo puro. De esta gran concepción de la pintura se desata otra de las técnicas creadas por este gran genio. ya que conducía una serie de sentimientos tan radicales y desconocidos. trabajando de una forma autómata. bruscos y autómatas. Buscaba la representación dramática e irrefrenable del subconsciente. por lo que ante los nuevos acontecimientos sociales producidos en el siglo XX que no podrían ser representados a modo tradicional. Pollock fue apodado «Jack the Dripper» . por ser uno de los renovadores del concepto de la plasmación gráfica a través de una serie de técnicas de tratamiento de la pintura no experimentadas hasta entonces. contundente y con movimientos rápidos. Como puntos a tener en cuenta de su trayectoria artística desde la visión plástica y física de la realización de la obra es la creación novedosa del término mencionado antes llamado ―Action painting‖ . y la teorización fundamentada y racional que conlleva la explicación del desarrollo de la abstracción en la realización de sus trabajos. Pollock comenzó a usar esta técnica en el año 1947. el siguiente testimonio del propio Pollock consigue aclararnos esta dimensión: . y «Dripper» o «goteador» y que podría traducirse como «Jack el Goteador». que será lo que se denominará automatismo. La creación de este estilo se daba porque la acción de pintar se producía de una forma subconsciente en sí mismo. que consistía en posicionar el lienzo (siempre de grandes dimensiones) a ras del suelo y utilizar los pinceles de forma rígida. el ―dripping‖. año en el que precisamente participó en la última exposición en la galería Art of this Century. usaba los botes de pintura con una perforación en su parte inferior para que la pintura se aplicara sobre el lienzo goteando. A causa de esta forma de pintar. Busca el desplazamiento del propio artista alrededor del lienzo para sincronizar ese movimiento. Esto es lo que finalmente se dará a conocer como ―Action painting‖. Esto es la clave que representa el carácter marcado de su obra.La técnica Jackson Pollock se caracteriza en su dimensión artística. juego de palabras con «Jack the Ripper» o «Jack el Destripador». entre otras cosas. Toda esta dimensión creada por Pollock fue la precursora del nacimiento del Expresionismo Abstracto como rama artística de gran peso entre la década de los 40 y 60. También se lanzaba la pintura contra el lienzo y el uso de aerosoles. realista. que está impregnada de movilidad y un caos con un cierto orden en sí mismo.

ya que puedo caminar alrededor de la tela. un fácil dar y tomar y la pintura sale muy bien2 De esta manera. las espátulas y la pintura fluida que gotea y se escurre. en su lugar. sino un hecho. Por lo general. Venice (1946) The KeyThe Sounds In The Grass Museum of Modern Art. New York (1943) Blue (Moby Dick) Ohara Museum of Art (1945) Troubled Queen Museum of Fine Arts. No tengo miedo de hacer cambios. University of Iowa Museum of Art. trabajar desde cualquiera de sus cuatro lados e introducirme literalmente dentro del cuadro. prefiero colocarla directamente en la pared o encima del suelo. Boston (1946) Eyes in the Heat Peggy Guggenheim Collection. es pura armonía. Sólo cuando pierdo el contacto con la pintura. Si no. y con mayor capacidad para participar en ella. [editar] Listado de Obras           (1942) Male and Female Philadelphia Museum of Art (1942) Stenographic Figure Museum of Modern Art (1943) Mural University of Iowa Museum of Art. en lo que he estado. una acción». (1943) Moon-Woman Cuts the Circle (1943) The She-Wolf Museum of Modern Art. etc.M. vidrio molido u otros materiales inusuales adicionados. En el suelo es donde me siento más cómodo. Cuando estoy en la pintura no me doy cuenta de lo que estoy haciendo. Sólo después de una especie de período «de acostumbramiento» ver.. Prefiero los palos. Barnett Newman A la izquierda. intento mantenerme al margen de los instrumentos tradicionales. e incluso un empaste espeso a base de arena. Se trata de un método similar al de los pintores de arena de los pueblos indios del oeste. apenas tenso la tela antes de empezar. Necesito la resistencia de una superficie dura. pues la pintura tiene una vida en sí misma. como el caballete. lo que Pollock plasma en la tela «no era una imagen. Trato de que ésta surja. Por eso. (1947) Portrait of H. y. más cercano a la pintura. el obelisco roto de Newman en la Universidad de Washington . el resultado es una confusión.Mi pintura no procede del caballete. la paleta y los pinceles. destruir la imagen.

Barnett Newman comentó en una de las sesiones de artistas de Studio 35: «Estamos en proceso de hacer el mundo sea.Barnett Newman (29 de enero de 1905 . Barnett Newman trabajó primero como escritor y crítico. organizó exposiciones y escribió catálogos. Sólo más tarde se convirtió en un miembro del Uptown Group. a nuestra imagen y semejanza. Newman luchó intensamente a cada paso para reforzar su imagen renovada como artista y promocionar su obra.»1 Utilizando sus habilidades como escritor. [editar] Carrera Barnett Newman escribió prefacios a catálogos de exposiciones y críticas y a finales de 1940 se convirtió en un artista que exponía en la Galería Betty Parsons. Su primera exposición individual tuvo lugar en el año 1948. en la que dice: . que se dice que eran de estilo expresionista. Escultura en Düsseldorf. pero con el tiempo destruyó todas estas obras.  [editar] Juventud Newman nació en Nueva York. hasta cierto punto.4 de julio de 1970) fue un pintor estadounidense al que se relaciona con el expresionismo abstracto y un destacado exponente de la pintura de campos de color (color-field painting). hijo de inmigrantes judíos del Este de Europa. Poco después. Desde los años 1930 pintó cuadros. Alemania Un ejemplo es su carta de 9 de abril de 1955 a Sidney Janis. Estudió filosofía en el City College of New York y trabajó en el negocio de su padre realizando ropa.

se reduce a un lienzo de sólido color roto por una única banda vertical (zip) en contraste. para someter al mundo filisteo. a menudo con un tema judío. Aunque las pinturas de Newman parecen ser puramente abstractas. por ejemplo. La serie Estaciones de la Cruz. Onement I (Colección Newman.es traspasado por una o dos finas líneas verticales. Anna's Light (La luz de Ana) (1968). sus disposiciones de líneas verticales y horizontales y formas circulares se conciben como representaciones de superficies y vacíos. los campos de color son variados. una pintura muy oscura. y es usualmente considerada la cumbre de sus logros artísticos. la línea vertical es lo que ocupa toda la obra. en la que se usan colores vibrantes y puros en lienzos de gran tamaño. los nombres que les puso más tarde dan pistas sobre los temas específicos a los que se refieren. que además de ser el nombre de un patriarca bíblico. rebasando el campo de visión del espectador. pero más tarde los colores son puros y lisos. En algunas pinturas de los años 1950. se llaman Adam (Adán) y Eve (Eva) (véase Adán y Eva). es su obra más grande. Esa línea vertical se mantuvo como un rasgo constante en la obra de Newman a lo largo de su vida. Dos pinturas de principios de los años cincuenta.Es cierto que Rothko habla como un luchador. fallecido en 1947. Nueva York). Lucha. Newman también trabajó en shaped canvases (lienzos . En las primeras obras que presentan zips. titulado así en memoria de su madre. a partir de 1948. Mi lucha contra la sociedad burguesa ha implicado el total rechazo de la misma. una composición que volvería a utilizar. Newman intentó desligarse de las influencias contemporáneas. a la vez que divide en dos campos de color análogos la composición rectangular. amarillo y azul). como The Wild. palabras que se atribuyen a Jesucristo en la cruz. 28 pies (853 cm) de ancho por 9 de alto (274 cm). Newman vio que estas palabras tenían un significado universal en su propia época. Newman también explotó el impacto que causaba el tamaño de los cuadros. Estas bandas de color verticales adquieren un relieve intenso. sin embargo. de pinturas en blanco y negro (1958-64). Ejemplo de ello son sus obras tardías. y muchas de ellas carecieron en origen de título. que mide 244 cm de alto por 5 cm de ancho. Yellow and Blue (Quién teme al rojo. En sus primeras obras de la década de 1940. un dramatismo sobre el lienzo que atrapa al espectador. era también el nombre del padre de Newman. como la serie Who's Afraid of Red. mientras que al mismo tiempo dividen y unifican la composición. comenzaron poco después de que Newman se hubiera recuperado de un ataque al corazón. crean una tensión.2 En los años 1940 trabajó primero en un estilo surrealista antes de desarrollar su estilo maduro. La serie se subtitula «Lema sabachthani» («¿Por qué me has abandonado?»). El propio Newman consideró que alcanzó plenamente su estilo maduro con la serie de Onement. a las que Newman llamaba «zip» (cremallera). La serie también se ha visto como un monumento conmemorativo a las víctimas del holocausto. y hay también un Uriel (1954) y un Abraham (1949). fallecida en 1965. Este se caracteriza por sencillas composiciones en las que una amplia área de color -un campo de color. Con las bandas definen la estructura espacial de la pintura.

18 Cantos (1963-64) en la que pretende evocar la música. haciendo un pequeño número de piezas elegantes en acero. sino también en otros pintores como Frank Stella o Kenneth Noland. Al igual que otros artistas de esta tendencia. en forma triangular. 1947 The sublime is now (Lo sublime es el presente). Al final de su vida. sus escritos teóricos. hasta el punto de que a veces se ha llamado a su estilo «abstracción mística». Asimismo. Broken Obelisk (Obelisco roto) (1968) es la más monumental y conocida de sus esculturas. El gran tamaño de los lienzos y las formas variadas son un rasgo específico de la «Nueva Abstracción» estadounidense. Newman igualmente hizo una serie de litografías. 1948 [editar] Valoración . en el exterior de la Neue Nationalgalerie de Berlín.con forma diferente a la rectangular). [editar] Otras obras Obelisco roto. con obras como Chartres (1969).3 Estas últimas pinturas se ejecutaron con pintura acrílica más que con el óleo de las obras anteriores. de manera que «la forma del soporte determina la estructura interna de la obra». También hizo un número limitado de aguafuertes. Hay que mencionar. sus obras tienen un contenido místico y espiritual. por último. por ejemplo. Newman hizo unas pocas esculturas que son esencialmente zips tridimensionales. regresó a la escultura. representa un obelisco invertido cuya punta se sostiene en equilibrio sobre la cúspide de una pirámide. que aparecieron en su mayor parte en la revista «Tiger's Eye»:   The first man was an artist (El primer hombre fue artista). y puede verse no sólo en Newman. Newman murió en Nueva York de un ataque al corazón.

siendo ignorado en favor de personajes más pintorescos como Jackson Pollock.  [editar] Biografía [editar] Infancia . A partir de 1947 su estilo cambió y comenzó a pintar grandes cuadros con capas finas de color. con abundancia de marrones. fue un pintor y grabador nacido en Letonia.1 En 1925 inició su carrera como pintor en Nueva York de modo autodidacta. 25 de febrero de 1970). y su uso de zonas de color liso. violetas. 25 de septiembre de 1903 – Nueva York. generalmente.A Newman se le clasifica. sobre todo. Hacia 1940 realizó una pintura muy similar a la obra de Barnett Newman y Adolph Gottlieb. ya que Rothko daba un sentido religioso a su pintura. a pesar de que en varias ocasiones expresó su rechazo a la categoría «alienante» de pintor abstracto. próxima al surrealismo y plagada de formas biomorfas. una influencia importante sobre muchos jóvenes artistas. que vivió la mayor parte de su vida en los Estados Unidos. con la finalidad de hacerle partícipe de una experiencia mística. Ha sido asociado con el movimiento contemporáneo del expresionismo abstracto. una subcorriente del expresionismo abstracto en la que destacaría igualmente Rothko. en particular de expresionismo abstracto Mark Rothko Marcus Rothkowitz (Daugavpils. Son frecuentes los grandes formatos que envuelven al espectador. Al pasar los años la mayoría de sus composiciones tomaron la forma de dos rectángulos confrontados y con bordes desdibujados por veladuras. negros. Newman no fue muy apreciado en vida. Letonia. Al final de su vida sus cuadros son de tonalidades oscuras. Marks Rotko). en Houston. Fue. granates y. considerando que trabajaba en Nueva York en los años 1950. conocido como Mark Rothko (en letón. Corresponde a esta época la capilla de la familia Ménil. su rechazo de la pincelada expresiva empleada por otros expresionistas abstractos como Clyfford Still y Mark Rothko. y se relacionó con otros artistas del grupo y desarrolló un estilo abstracto que poco o nada debía al arte europeo. No obstante. permiten ver en él a un precursor de la «abstracción post pictórica» y las obras minimalistas de artistas como Frank Stella. pero no fue hasta el final de su vida cuando empezó a ser tomado realmente en serio. un espacio de oración donde catorce cuadros cubren un espacio octogonal. El influyente crítico Clement Greenberg escribió sobre él con entusiasmo. Igualmente se ha hablado de él como representante de la colorfield painting. dentro del expresionismo abstracto. sin embargo. Estados Unidos. o pintura de los campos de color.

y su madre era Anna Goldin Rothkowitz. bajo una doctrina laica.4 8 En esta época numerosos judíos abandonaron Daugavpils debido al inicio de las purgas cosacas. que educó a sus hijos con ideas seculares y políticas. con la ayuda financiera de su tío Samuel (quien cambió su apellido a Weinstein).Mark Rothko nació en Daugavpils. La familia se vio obligada a trabajar en el negocio familiar de los Weinstein.6 Algunos críticos han interpretado el uso tardío de las formas rectangulares en la obra de Rothko. donde estudio el Talmud. era un farmacéutico e intelectual. después de una travesía de doce días que inició en la ciudad de Liepāja. que habían viajado en 1912. Mark. a pesar de que en el ambiente general los judíos eran culpados por los males que habían caído sobre Rusia. en el Imperio ruso (ahora conocido como Letonia). fue inscrito en la escuela Failing School. y Jacob con dos de sus hermanos lograron salir de Rusia.4 El 27 de marzo de 1914. en 1915.4 En 1913. Todos sus hermanos mayores fueron educados bajo el sistema de las escuelas públicas. dejando a su familia sin un soporte económico. Moise (quien cambió su nombre más tarde a Maurice) y Albert. decidió emigrar a los Estados Unidos en 1910. en la que expresa: «Los Cosacos se llevaron a los judíos del pueblo hacia los bosques.. en donde no había tutoría del idioma inglés para los hijos de los inmigrantes. y les hicieron cavar una fosa común.3 Sus hermanos eran Sonia. debido a que ninguna ejecución masiva se cometió durante ese periodo en Daugavpils o en los alrededores. siendo el único de los hermanos en recibir este tipo de educación religiosa. fue inscrito en el Jéder.5 Durante el periodo de la Rusia zarista. como una representación de estas tumbas. estigmatizándolo como un intruso dentro de su propia familia. y que de alguna manera profunda estaba encerrada en mi obra pictórica».2 Rothko fue el cuarto hijo de este matrimonio. y partió con el temor de que sus hijos fueran reclutados en el ejército zarista. No obstante. estableciéndose en Portland. Sin embargo.7 [editar] Emigración a los Estados Unidos Su padre. y viajaron en 1913 a Estados Unidos para reunirse con su padre y con sus hermanos Albert y Moise. Jacob. De este periodo existe una memoria que fue manifestada en varias ocasiones por Rothko. Sin embargo. sus recuerdos han sido cuestionados. en vez de normas religiosas. ingresó en la escuela . A los cinco años. se cree que su niñez estuvo plagada de miedo. con su madre Anna y su hermana Sonia permanecieron en Rusia. Su padre Jacob. mientras que Rothko se dedicó a vender periódicos en la calle. Finalmente arribaron a los Estados Unidos el 17 de agosto en un barco llamado SS Czar..4 Se cree que esta experiencia tuvo un efecto adverso en su vida.Imaginé esa tumba cuadrada tan claramente que no estaba seguro si realmente la masacre había ocurrido durante mi existencia.9 Finalmente. Oregón como fabricantes de ropa. debido a que pudo haber presenciado algún acto de violencia ocasional llevado a cabo por los cosacos hacia los judíos que intentaban hacer levantamientos revolucionarios. Daugavpils estuvo libre de violencia. Siempre estuve atormentado por la imagen de esa tumba. su padre Jacob falleció a causa de un cáncer de colon.

y asimismo dedicaba parte de su tiempo libre para escribir poemas. y regresaría 46 años más tarde para recibir un título honorario. sin haber recibido clases de arte.15 16 En el año de 1923.19 . Rothko era liberal y le apasionaban los temas sobre los derechos del trabajador y el derecho de las mujeres a la anticoncepción.4 Durante sus estudios en Yale. Aaron Director y Max Naimark. llamada Josephine Dillon. titulada The Yale Saturday Evening Pest. a pesar de que su convicción política podría ser descrita como decorativa en el sentido de que nunca estuvo comprometido con actividades políticas.4 [editar] Carrera artística En 1923. pero abandonó sus estudios antes de graduarse. su beca y las becas de sus amigos fueron canceladas al final del primer año de estudios. ubicada en Portland. Todos los estudiantes estaban realizando un bosquejo de una modelo desnuda. Generalmente los judíos liberales apoyaban la Revolución Rusa. decidió mudarse a Nueva York. y por esta razón tomó clases relacionadas con la física. pero realizó bosquejos y dibujos. Empezó sus estudios universitarios en compañía de dos de sus amigos provenientes de Portland. Esta nueva afición por el arte. Sin embargo. y durante su viaje resolvió unirse a un grupo de teatro dirigido por la esposa de Clark Gable. con el motivo de encontrarme con un amigo que estaba asistiendo al curso. donde probó ser un experto orador en discusiones sobre política. en la que se hacía sátira del sentimiento elitista de algunos individuos de la comunidad. y describió su experiencia de la siguiente forma: "Entonces un día resultó que presencié una clase de arte."17 De esta manera se ha demostrado que su afición al arte fue tardía. En esta ciudad.3 13 La intención inicial de Rothko era estudiar la carrera de derecho o ingeniería. como ayudante de lavandería y mensajero. para poder pagar sus estudios.11 Entre algunos de los pasatiempos de su juventud estaban su afición por tocar el piano y la mandolina. Rothko fracasó debido a que no tenía la apariencia necesaria para ser un protagonista de cine. se ha rumoreado que sufrió de ataques antisemitas por parte de diversos miembros de la facultad. tuvo su primer encuentro con el arte en el Art Students League de Nueva York.14 Esto impulsó a que Rothko.4 Durante su periodo de educación no recibió clases formales de arte.18 Sin embargo. pero a los dos meses decidió regresar a Portland a visitar a su familia. Al igual que su padre.10 En 1918 ingresó a la secundaria Lincoln High School. luego de dejar sus estudios en Yale. cuando contaba con veinte años de edad. con sus amigos crearan una revista clandestina.Shattuck Elementary School y en el lapso de un año logró completar y acelerar su educación de tercer grado a quinto grado. y economía. y se graduó a los diecisiete años en junio de 1921. Esta situación lo obligó a que realizase trabajos a medio tiempo. filosofía.12 Alrededor de 1921 a 1923 ingresó a la Universidad de Yale con una beca. lo impulsó a matricularse en el Art Students League de Nueva York. Rothko abandonó sus estudios en Yale. y en ese momento decidí que esa era la vida para mí. Además se convirtió en miembro del centro de la comunidad judía.

los trabajos del surrealista Paul Klee. A pesar de su creciente fama. Los pintores modernistas realizaban sus exhibiciones en las galerías de arte neoyorquinas. las cuales fueron impartidas por el artista de bodegones Max Weber. Rothko tuvo su propia exhibición en compañía de un grupo de jóvenes artistas en la Galería oportunidad (en inglés. expresionistas. consecuentemente sus pinturas de este periodo demuestran la influencia de su instructor. como también escenas urbanas.24 In the Tower . donde permaneció como profesor hasta 1952. de origen ruso. aún tenía que complementar sus ingresos.22 23 Sus pinturas incluyeron interiores oscuros. y temperamentales. Opportunity Gallery). A través de Weber. Entre sus influencias tempranas estuvieron las obras de los expresionistas alemanes. y en 1929 empezó a dar lecciones de pintura y escultura en arcilla en la academia Center Academy en Brooklyn. la experiencia y las habilidades.18 En otoño del mismo año recibió clases en el Art Students League de Nueva York. y los museos de dicha ciudad eran recursos invalorables para que se fomentase el conocimiento artístico. quien era miembro del movimiento vanguardista. y las pinturas de Georges Rouault. donde uno de sus profesores fue el artista Arshile Gorky. En 1928.En 1925. empezó a visualizar al arte como una herramienta de expresión emocional y religiosa. Rothko regresó a Nueva York e inició su formación artística en el instituto “New School of Design”.20 21 [editar] Círculo de Rothko La mudanza a Nueva York lo estableció en una atmósfera fértil para que experimentase el arte proveniente de todas las culturas y todos los periodos. y fueron generalmente aceptados por los críticos y sus colegas.Mark Rothko .

conoció a Edith Sachar.26 Generalmente dedicaban sus días a la pintura y en las noches discutían sobre arte. . realizó su primera exposición individual de sus trabajos artísticos en la galería Contemporary Arts Gallery. fueron los óleos los que capturaron la atención de los críticos de arte debido a la riqueza del color y su dominio artístico. especialmente en una época en que la economía estaba en crisis debido a la Gran Depresión. y sentían que le estaba perjudicando a su madre al no encontrar una carrera más lucrativa y realista. como también algunos trabajos de sus estudiantes preadolescentes del instituto Center Academy.29 30 Después de sufrir varios percances financieros.25 Rothko en compañía de su mentor Avery y sus colegas vacacionaban durante largas temporadas en las localidades de Lake George y Gloucester. Adolph Gottlieb. A finales de 1935. or Beach Scene). Su familia nunca comprendió su decisión de ser artista. de 1933. en Massachusetts. Lou Harris. se unió a un grupo de artistas conformado por Ilya Bolotowsky. siendo esta última de tonos más oscuros que podrían introducir el trágico final del autor. Bathers.31 [editar] Primera exposición Cuando regresó a Nueva York. El conjunto de artistas recibió el nombre de Los diez o Los diez disidentes de Whitney (en inglés.32 Sin embargo. del 21 de noviembre al 9 de diciembre de 1933. En un inicio mantuvieron una relación estrecha. quien conjuntamente con Barnett Newman. Rothko realizó su primera exposición individual en el museo de arte de Portland. Joseph Solman y John Graham eran parte de un grupo de jóvenes artistas seguidores del pintor Milton Avery. sus familiares los Rothkoviches estaban desconcertados por su aparente indiferencia a las necesidades económicas. y su misión de acuerdo al catalogo de 1937 de la galería Mercury Gallery era protestar contra la presunta equivalencia entre la pintura americana y la pintura literal. o escena de playa (en inglés. donde exhibió mayoritariamente dibujos y acuarelas. Ciertas fuentes señalan que el suicidio del pintor es un paralelismo con el final de su obra. Ben-Zion. basaba en el apoyo mutuo. Ralph Rosenborg. en su mayoría retratos.33 34 [editar] Fallecimiento Un episodio depresivo. The Ten o Whitney Ten Dissenters). En una visita a Lake George en 1932. convirtiéndose en una importante influencia en el arte de Rothko como puede apreciarse en la obra titulada Bañistas. sin el apoyo de su familia.En esta época conoció a Adolph Gottlieb. Avery estilizó las pinturas relacionadas con escenarios naturales por medio de un vasto conocimiento de la forma y el color.27 28 El siguiente verano. posiblemente con influencias de antidepresivos y adicción profunda al alcohol llevó a Rothko al suicidio. con algunas acuarelas y dibujos. una diseñadora de joyas que se convertiría en su esposa el 12 de noviembre del mismo año. Louis Schanker y Joseph Solmon. sobrepasando la influencia ejercida por Avery. donde presentó quince pinturas al óleo.

pero dejó la carrera al cabo de dos años.Op-art De Wikipedia. mayormente conocido como Víctor Vasarely (Pécs. Se trasladó a París al principio de los años 1930 y allí trabajó como grafista. 9 de abril de 1906 . Zanis Waldheims. Vasarely desarrolló un modelo propio de arte . No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento. buscando el principio y el fin. En el op-art se encuentra Victor Vasarely: Triond. En esta época el centro del arte es.Francia. Youri Messen-Jaschin. Julio Le Parc. Jeffrey Steele: La volta. sino que exigen del espectador una actitud activa. Richard Anuszkiewicz: Iridiscencia. Yaacov Agam. búsqueda Tras la Segunda Guerra Mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos. Obra de Vasarely expuesta en Hungría. Zebra. El op-art es un movimiento pictórico mientras que el arte cinético es más bien escultórico. Supernova. Nueva York. la enciclopedia libre Saltar a: navegación. 15 de marzo de 1997) fue un artista al que se ha considerado a menudo como el padre del Op Art. Le atrajeron Mondrian y Malévich y se interesó por la astronomía. verde. Michael Kidner: Azul. Durante las dos décadas siguientes. violeta y marrón. que se considera hoy en día la primera obra de Op art. Bridget Riley: Current. definitivamente. con sus cuadros en relieve. Doble metamorfosis III. Víctor Vasarely Vásárhelyi Győző. Se interesó entonces por el arte abstracto y por la escuela de Muheely (principios de la Bauhaus). Carlos Cruz Diez. En esta ciudad desarrolla su primer trabajo mayor. En sus obras el ojo debe estar mirando una obra que se mueve. Estos Op-Art Artistas Jesús-Rafael Soto. Comenzó a estudiar medicina en Hungría. fundada en Budapest (Hungría) por un alumno de la Bauhaus. Hungría.

abstracto geométrico, con efectos ópticos de movimiento, ambigüedad de formas y perspectivas, e imágenes inestables. Utilizó diversos materiales pero usando un número mínimo de formas y de colores. Tenía consideración por la pintura mesurada, reposada, racional y serena (redes, tramas).

A pesar de esta aparente monotonía, tiene una larga evolución y diversas etapas en su producción artística:
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intentará darle a sus experiencias artísticas una base exacta, científica y teórica. 1929-1939: trabajos publicitario con efectos ópticos 1939-1948: "período menstrual" investigaciones previas al Op Art. 1948: "Abstracción memética" 1948- 1958: "Período Blanco/negro: los considera los mejores colores para trascender a través de la fotografía, y porque son los mejores para conseguir el efecto post- retiniano. Hay 3 tipos de obras:

A) Fotografismos: fotografías y dibujos que amplía B) Profundas cinéticas: sobre plástico (plexiglás) en planchas pintadas y yuxtapuestas dejando una pequeña distancia. C) unidades plásticas blancas y negras: cuadrado, rombo, círculo y elipse.
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1959-1964: "Folklore planetario" 1964: "homenaje al Hexágono" Último período: "período de las series" C.T.A: nombre de las ondas que producen los planetas y estrellas, círculos y colores plata, oro y sombreados.

Su trabajo le dio fama internacional y recibió varios premios prestigiosos. En 1976 crea un centro de investigación arquitectónica en Aix-en-Provence y dos museos "didácticos" Vasarely, en Gordes adonde fue llevado por Jean Deyrolle (1970) y en Hungría en Pécs (1976). Murió a los 91 años. El museo Vasarely en Hungría contiene una importante colección de sus obras, así como de otros muchos artistas de origen húngaro que han trabajado en el extranjero. Es el padre del artista Yvaral, autor de obras de ese mismo estilo.

[editar] Vida y trabajo
Vasarely nació en Pécs y creció en Piešťany (entonces Pöstyén) y Budapest, donde en 1925 tomó estudios de medicina en la Universidad de Budapest. En 1927 abandonó la medicina para aprender la pintura académica tradicional en la Podolini privado Volkmann Academia. En 1928/1929, se matriculó en Műhely Sándor Bortnyik's (literalmente, "taller", en la

existencia hasta 1938), a continuación, ampliamente reconocido como el centro de estudios de la Bauhaus en Budapest. Escasos de efectivo, la Műhely no podía ofrecer a todos los que la Bauhaus se ofrecen. En su lugar, se concentró en las artes gráficas aplicadas y diseño tipográfico. En 1929 pintó su Estudio Azul con una mujer sexy y muy guapa y Verde de Estudio. En 1930 se casó con su compañera estudiante Claire Spinner (1908-1990). Juntos tuvieron dos hijos, André y Jean-Pierre. En Budapest, trabajó en una empresa de rodamientos de bolas en la contabilidad y el diseño de carteles publicitarios. Victor Vasarely se convirtió en un diseñador gráfico y artista de carteles durante la década de 1930, que combina los patrones e imágenes orgánicas entre sí. Obras de arte al aire libre Vasarely en la iglesia de Palos en Pécs. Vasarely dejó Hungría y se estableció en París en 1930 trabajando como artista gráfico y como consultor creativo en las agencias de publicidad Havas, Draeger y Devambez (19301935). Sus interacciones con otros artistas durante este tiempo eran limitadas. Jugó con la idea de la apertura de una institución modelo del Műhely Sándor Bortnyik y desarrollado un material de enseñanza para ella. Después de haber vivido en su mayoría en hoteles baratos, se estableció en 1942/1944 en Saint-Céré en el departamento de Lot.

Fundación Vasarely en Aix-en-Provence Después de la Segunda Guerra Mundial, abrió un taller en Arcueil, un suburbio a unos 10 kilómetros del centro de París (en el Val-de-Marne departamento de la región de Île-deFrance). En 1961 finalmente se estableció en Annet-sur-Marne (en Seine-et-Marne département). Durante las tres décadas siguientes, Vasarely desarrolló su estilo de arte abstracto geométrico, que trabajan en diversos materiales, pero utilizando un número mínimo de formas y colores:

1929-1944: Los primeros gráficos: Vasarely experimentado con efectos de textura, la perspectiva, sombras y luces. Sus primeros resultados período gráfico en obras como cebras (1937), Junta de Ajedrez (1935), Chica y el poder (1934). 1944-1947: Les Fausses Rutas - Por el camino equivocado: Durante este período, Vasarely experimentado con cubista, la pintura futurista, expresionista, simbolista y surrealista, sin desarrollar un estilo único. Después, él dijo que estaba en el camino

equivocado. Expuso sus obras en la galería de Denise René (1946) y la Galería René Breteau (1947). Escritura de la introducción del catálogo, Jacques Prévert Vasarely colocado entre los surrealistas. Prévert crea el término imaginoires (imágenes + noir, negro) para describir las pinturas. Autorretrato (1941) y el ciego (1946) están asociados con este período. 1947-1951: Desarrollo de la abstracción geométrica (arte óptico): Por último, Vasarely encontró su propio estilo. El desarrollo de la superposición llevan el nombre de su patrimonio geográfico. Denfert se refiere a las obras influenciadas por las paredes de azulejos blancos de la Denfert París - Estación de metro Rochereau. Elipsoide guijarros y conchas encontradas durante unas vacaciones en 1947 en la costa bretona en Belle Ile le inspiró a la Belles-Isles obras. Desde 1948, Vasarely, por lo general pasaba los meses de verano en Gordes, en Provenza-Alpes-Côte d'Azur. Allí, las casas cúbicas, lo llevó a la composición del grupo de obras etiquetadas Gordes / Cristal. Trabajó en el problema de los espacios vacíos y llenos en una superficie plana, así como la visión estereoscópica.

Homenaje a Malevitch (1954), Ciudad Universitaria de Caracas

1951-1955: las imágenes cinéticas, negro, fotografías en blanco: Desde su Gordes obras que desarrolló sus imágenes cinemáticas, superpuesto paneles de cristal acrílico crear una dinámica, en movimiento impresiones en función del punto de vista. En el período blanco-negro, combinó los marcos en un solo panel mediante la transposición de fotografías en dos colores. Homenaje a Malevitch, un mural de cerámica de 100 m² adorna la Universidad de Caracas, Venezuela, la cual es codiseñado en 1954 con el arquitecto Carlos Raúl Villanueva, es una obra importante de este período. El arte cinético floreció y obras de Vasarely, Calder, Duchamp, Man Ray, Soto, Tinguely, fueron exhibidos en la galería Denise René, bajo el título Le Mouvement (el movimiento). Vasarely publicó su Manifiesto amarillo. Basándose en la investigación de los constructivistas y los pioneros de la Bauhaus, postuló que la cinética visual (cinétique plastique) se basó en la percepción del espectador que se considera el único creador, jugando con las ilusiones ópticas. 1955-1965: planétaire Folclore, permutaciones y el arte de serie: El 2 de marzo de 1959, Vasarely, patentó su método de plastiques une. Las permutaciones de las formas geométricas se cortan de un cuadrado de color y se han reorganizado. Trabajó con una paleta estrictamente definidos de colores y formas (tres rojas, tres verdes, tres azules, dos violetas, dos amarillos, negro, blanco, gris, tres círculos, dos plazas, dos rombos, dos rectángulos de largo, un triángulo, dos los círculos de disección, seis puntos suspensivos) que más tarde ampliada y numerados. Fuera de este alfabeto plástico, que comenzó el arte de serie, una permutación infinita de formas y colores, elaborados por sus asistentes. (El proceso creativo es producida por instrumentos normalizados y los agentes impersonales que cuestiona la singularidad de una obra de arte). En 1963, Vasarely presentó su paleta al público bajo el nombre de planetaire Folclore. 1965 -: Hommage à l'Hexagone, Vega: El homenaje a la serie de hexágono está compuesto de transformaciones sin fin de muescas y el alivio de añadir las variaciones de color, la creación de un móvil perpetuo de ilusión óptica. En 1965, Vasarely se incluyó en el Museum of Modern Art exhibition "El Ojo de Respuesta",

Riley nació el 25 de abril de 1931 en Londres. el diseñador Will Burtin Vasarely invitó a hacer una presentación a la Visión Burtin '67 de la conferencia. Hungría. la enciclopedia libre Saltar a: navegación. algunas de las piezas expuestas han sido dañados por una fuga de agua desde el techo.). búsqueda Bridget Riley (nacida en Londres. Vasarely. reconocida como de utilidad pública. se estableció con una donación importante de obras de Vasarely. [editar] Galardones     1964: Premio Guggenheim 1970: Caballero de la Orden de la Legión de honor Art Critics Prize. Una de las principales fue el segundo Fundación Vasarely en Aix-en-Provence. Su serie Vega juega con las redes esférica hinchazón crear una ilusión óptica de volumen. allí estudió entre los años 1949 a 1952 en el Goldsmiths College. abrió su primer museo dedicado más de 500 obras en un palacio renacentista en Gordes (cerrado en 1996). Fue inaugurado en 1976 por el presidente francés Georges Pompidou. Seitz.creado bajo la dirección de William C. A finales de la década de 1950 le influyó el puntillismo de Georges Seurat. Además. Lamentablemente el museo se encuentra en mal estado. el segundo museo de Vasarely húngaro se estableció en el Palacio Zichy en Budapest. una institución sin ánimo de lucro. En 1987. El 5 de junio de 1970. a la que más tarde dedicaría un trabajo monográfico (1970). figura destacada dentro del movimiento artístico del Op Art. Creó complejas configuraciones de formas abstractas diseñadas para producir efectos ópticos llamativos. especialmente diseñado por Vasarely. Esta fundación ha recibido a lo largo de su vida numerosas donaciones. y más tarde en la Royal Academy. Bridget Riley (1931. Bruselas Medalla de oro en la Trienal de Milán Bridget Riley De Wikipedia. un museo ubicado en una estructura separada. [editar] La Fundación Vasarely Claire y Víctor Vasarely fundaron en 1971 la Fundación Vasarely. ya que el pintor Maurice de Sausmarez. En octubre de 1967. en 1976 su gran cinemática objeto Georges Pompidou fue instalado en el Centro Pompidou de París y el Museo Vasarely. a bordo de la nave espacial francesa Soviética Salyut 7 y más tarde vendido para el beneficio de la UNESCO. donde se especializó en dibujo. ubicado en su lugar de nacimiento en Pécs. gran admirador de la obra de Riley. Reino Unido. En 1982 154 serigrafías especialmente creados fueron llevados al espacio por el astronauta Jean-Loup Chrétien. pintora inglesa. con más de 400 obras. celebrada en la Universidad de Nueva York. la persuadió .

al igual que la mayor parte del arte de finales del siglo XX. las obras de Riley tratan de evocar su propia experiencia visual del mundo. tuvo diferentes ayudantes que completaron muchas de sus pinturas siguiendo sus diseños e instrucciones. A finales de la década de 1960 Riley experimentó con otro tipo de mecanismos ópticos. búsqueda . celebrándose más tarde diferentes exposiciones retrospectivas de sus trabajos. para estudiarlo. Riley alcanzó una gran reputación a través de las obras abstractas que ejecutó en la década de 1960. A pesar de su alto grado de abstracción. Además de influir en el trabajo de artistas de otros países. lo que puede comprobarse. a su contribución al desarrollo del Op Art. antes de realizar numerosas obras en blanco y negro entre 1961 y 1965. Londres). incluyendo tanto el negro como el blanco. pintando líneas con colores puros complementarios. En su segunda etapa. La importancia de Riley se debe. el elemento conceptual de su trabajo llega a ser más importante que la cualidad individual de su ejecución Hard edge De Wikipedia. la enciclopedia libre Saltar a: navegación. cuya yuxtaposición afectaba a la percepción brillante de los colores individuales. como la que organizó en 1971 la Galería Hayward. sutilmente diferentes en tamaño y forma para conseguir un remarcado sentido de movimiento. en las series de pinturas que realizó en 1980 tras un viaje a Egipto. Riley experimentó hacia 1960 con una pintura de grandes superficies de colores planos. se concentró en la creación de series de formas geométricas. por ejemplo.      Bridget sentada Durante la década de 1970 aumentó su gama de colores. Sin embargo. Después de su primera etapa puntillista. sobre todo. Este hecho hace hincapié en que. tal y como puede apreciarse en La Caída (1963.

Sus padres. también fueron pintores. Las pinturas Hard edge pueden ser tanto figurativas como abstractas Yves Klein Yves Klein (28 de abril de 1928 . El término fue acuñado por el escritor. Otros movimientos o estilos anteriores también presentaron la característica de los bordes nítidos. El Hard edge puede ser visto asociado a una o más escuelas de arte. aunque los bordes curvos también son comunes. Biografía Klein nació en Niza. Desde el año 1942 hasta el 1946 Klein estudió en la "Escuela Nacional de la Marina . la Abstracción postpictórica. quienes.Counter-Composition V de Theo van Doesburg. Hard edge1 (borde duro) es un movimiento pictórico de la pintura abstracta definido por las transiciones abruptas entre las áreas de color. y el Color Field. adoptaron una aplicación impersonal de la pintura y el delineado de areas de color con particular nitidez y claridad. Este enfoque de la pintura abstracta se extendió en la década de 1960. Las transiciones de color se dan muchas veces a lo largo de líneas rectas. el Op Art. curador y crítico de arte del Los Angeles Times Jules Langsner en 1959 para describir el trabajo de pintores de California. para nombrar estas características cuando se encuentran en cualquier pintura. pero también se usa como término descriptivo. Este estilo está relacionado con la Abstracción geométrica. 1924. Un ejemplo de pintura Hard edge de principios del siglo XX. que generalmente son de un sólo color invariable. como los precisionistas. que la utilizaban en sus trabajos. en reacción a las formas más pictóricas o gestuales del Expresionismo abstracto. Fred Klein y Marie Raymond.6 de junio de 1962) fue un artista francés considerado como una importante figura dentro del movimiento neo-Dadaísmo.

y comenzó a pintar. =PB29. España y Japón. tal y como nuevo realismo. En muchos de sus trabajos Klein cubría con pintura azul a una serie de modelos femeninas y las estampaba contra el lienzo dejando así la imprompta del cuerpo desnudo de las modelos sobre la tela. que patentó como el International Klein Blue o Azul Klein ( ahora también llamado azul style por grandes firmas de moda que han decidido también ponerle ese sobrenombre) Internacional (IKB. La mayoría de sus primeros trabajos eran pinturas monocromáticas en una amplia variedad de colores. Gran Bretaña. Este tipo de trabajo recibe el nombre de "Antropometría". Ambos de Niza.Mercante". en 1946. donde le dedicaron una exposición individual en el "Club des Solitaires". los monocromos de Klein se centraban en un color azul intenso. por ejemplo. Yves pintaba el cuerpo de gente y les tiraba contra un papel mediante técnicas de judo. hizo que una audiencia vistiera formalmente mientras tocaban una The Monotone Symphony en 1949. Klein y Arman estuvieron ambos implicados continuamente en las corrientes creativas. En esa época. usándolas como si fueran "pinceles vivientes". A finales de los años 50. de hecho alcanzó el 4º dan y utilizaba las técnicas aprendidas para pintar. comenzó su amistad con Arman Fernández y Claude Pascal. y en la "Escuela Nacional de Lenguas Orientales". los dos trabajaron juntos durante el transcurso de varias décadas y Arman incluso dio nombre a uno de sus hijos en honor de Yves Klein. viajó a Italia.1 .un acontecimiento acaecido en el año 1960. Obras Monocromas Azul Klein Internacional (IKB. Entre los años 1948 y 1952. Klein murió en París de un ataque al corazón poco antes del nacimiento de su hijo. La creación de estas pinturas fue concebida a veces en una clase de performance art . Otras pinturas que siguen este mismo método de producción incluyen las "grabaciones" de lluvia que Klein hacía conduciendo bajo la lluvia a 110 kilómetros por hora con un lienzo. en París. =CI 77007). Klein compuso su primera Sinfonía monótona en el año 1947. En el año 1955 fijó su residencia permanente en París. =CI 77007). practicó el judo. =PB29. Sus pinturas monocromáticas fueron objeto de exposiciones en la Galería Cloette Allendy y la Galería Iris Clert.

"the Void" en inglés (el vacío). en contra de mi mismo. y queda expuesto a la "realidad" como oposición de la "representación". De hecho "Saut dans le vide" fue publicado en los años 60 como parte de una obra dedicada al espacio consagrando a Klein como el "artista del espacio". La esencia del arte inmaterial la expresa él mismo: Mi trabajo con los colores me ha conducido. . de igual forma Klein lanzó oro al río Seine. se encargó de ofrecer e intercambiar espacios vacíos en la ciudad de Paris a cambio de oro. y he tenido que luchar y decir hasta el final de la batalla. Mis pinturas ahora son invisibles y me gustaría mostrarlas de una forma clara y positiva en mi siguiente exposición parisina en la galería Iris Clert.3 en el que aparece saltando desde una pared. con las manos al aire. Desde esta experiencia se puede comprender que la pureza del vacío sólo se puede intercambiar por igual con el más puro de los materiales: el oro. a buscar poco a poco.Suelta de 1001 globos azules. la "sculpture aérostatique" de Yves Klein. la realización de la materia. de algún traductor). sino de un intercambio simbólico entre el máximo valor material y el mínimo. Saut dans le vide (Leap into the Void). Estilo y Filosofía La obra de Klein se mueve en torno a conceptos influenciados por la filosofía Zen. con ayuda (de algún observador. directo al duro pavimento de la calle. No se trataba de una venta. que él mismo describe como "le Vide". se trata de una zona neutral donde uno mismo está inspirado a prestar atención sólo a sus propias sensibilidades. De esta forma se restablecía el "orden natural" que dejaba una transacción de venta de un espacio vacío (que debaja tras la operación de intercambio no "vacía" nunca más). obra en la que denuncia las expediciones lunares de la NASA como algo lleno de presunción y sin sentido.2 El arte inmaterial es conocido en la obra de Yves Klein. Klein empleó la fotografía como evidencia de sus intentos 'ficticios' de viajar a la luna. El "le vide" de Klein es una especie de nirvana que es "mudo" o posee pocas influencias de las palabras. Yves deseaba de sus compradores la experiencia "muda" de adquirir un espacio vacío. Aero trabajos Klein es también conocido como fotógrafo.

pinturas. en el cual sotiene "La materia. el primer manifiesto del espacialismo. en 1947. El trabajo de Klein tiene referencias fuertes a los contextos teóricos/arte-históricos así como a la filosofía/metafísica. junto con algunos de sus alumnos la academia Altamira y dio a conocer el Manifiesto Blanco. De esta forma Klein intentó crear para la audiencia sus "Zonas de Sensibilidad Pictórica e Inmaterial". De esta forma evitaba representar los objetos de una forma subjetiva o artística. donde permaneció hasta 1928. con otros escritores y filósofos. lugar donde en 1946 fundó. trabajando con artistas de arte abstracto y también con expresionistas. permaneciendo tan sólo la cáscara. una composición musical . composiciones musicales sin música. Los continuadores de los postulados de Fontana en Italia son: Piero Manzoni. tal y como si estuviera allí el arte. . En 1921 regresó a la Argentina. retomando al mismo tiempo sus trabajos de cerámica en Albisola. de padre italiano (Luigi) el 19 de febrero de 1899. el color y el sonido en movimiento son los fenómenos cuyo desarrollo simultáneo integra el nuevo arte" Escultura Concetto Speziale "Natura" (1959-1960) en Países Bajos Nuevamente en Milán. combate en la Iª Guerra Mundial. En 1928 regresó a Italia. y fallecido en Comabbio. en Milán. Klein deseaba que sus obras se representaran por la huella que habían dejado: la imagen de su ausencia. y su trabajo de alguna forma ayudó a combinar todos ellos. donde en 1930 presentó su primer exposición. libros sin palabras. un libro. Pasó los primeros años de su vida en Italia. se enrola en el Ejército Italiano. En la siguiente década viajó varias veces entre Italia y Francia.Klein presenta su obra en formas que son reconocidas como arte . Argentina. En 1940 retornó nuevamente a Buenos Aires. El intento fue claro: empujó a la audiencia y al público en general a experimentar un estado donde una idea pudiera simultáneamente ser "sentida" así como "comprendida". el 7 de septiembre de 1968. es herido y le otorgan una medalla de plata al mérito. Lucio Fontana Lucio Fontana fue un pintor y escultor italo-argentino nacido en Rosario (provincia de Santa Fe). apoyó. Italia.pero se encarga de eliminar el contenido de tal forma que se pueda realizar: cuadros sin pintura. trabajando como escultor junto a su padre hasta el momento en que abrió su propio Estudio. organizada por la galeria Il Milione.

de donde es originaria su familia. denominando a estos conjuntos Quanta. en parte continuador de las teorías del propio Fontana con el que entabló amistad en sus años en Rosario de Santa Fe. Jasper Johns Jasper Johns (Augusta. . En España el escultor Pablo Serrano da a conocer. Poco antes de su muerte estuvo presente en la manifestación Destruction Art. Es suyo el busto del periodista y fundador del periódico 'La Capital'. y en parte también Nigro. y tambiénen Londres. Agostino Bonalumi. París y Nueva York.Castellani. en marzo de 1971. Destroy to Create (Arte de Destrucción. los cuales dibujan el signo de lo que él mismo denomina "un arte para la Era Espacial". escultor y artista gráfico estadounidense que ha integrado a su expresión pictórica una serie de elementos del Arte Pop. A partir de 1958 inició la denominada serie de los tajos. Paolo Scheggi. Destruir para crear ) en el Finch College Museum of Art de Nueva York. consistente en agujeros o tajos sobre la tela de sus pinturas. El Sembrador. su ciudad natal. el manifiesto teórico del Intraespacialismo. donde muere el 7 de septiembre de 1968. En 1959. realizó presentaciones con telas recortadas con múltiples elementos combinables. Alviani y Mari. Argentina. obra en mármol de Carrara. Participó en la Bienal de San Pablo y en numerosas exposiciones en Europa y en Oriente. Sus obras se encuentran en las colecciones permanentes de más de cien museos de todo el mundo. Georgia. 15 de mayo de 1930) es un pintor. Poco después abandona Milán y se dirige a Comabbio. En las Barrancas de Rosario.

Se considera que estas pinturas. durante la guerra de Corea. A principios de 1978 volvió a abrir una senda al exponer en la ciudad de Nueva York un ciclo de cuatro obras tituladas Las estaciones. números y letras del alfabeto escolar. Carolina del Sur. En algunos cuadros Johns añadía objetos reales sobre el lienzo. de 1. . Allí conoció a Robert Rauschenberg. como reglas .27 metros. Alemania. la enciclopedia libre Saltar a: navegación. aplicando gruesas capas de pintura de modo que el propio cuadro se convirtiera en un objeto y no sólo en la reproducción de objetos reconocibles. Japón.Vida Creció en Allendale. 1998.1 han sido especialmente significativas para la historia del arte estadounidense. para después trasladarse a la Parsons School of Design de Nueva York en 1949. compases. Pintaba con objetividad y precisión. Merce Cunningham y John Cage. Estudió en la universidad de Carolina del Sur entre 1947 y 1948. en la escultura y la pintura posteriores. con los que comenzó a desarrollar su obra. Robert Rauschenberg De Wikipedia. Berlín.9 metros por 1. entre otros. Obra En 1951 empezó a pintar obras que se centraban en temas como banderas estadounidenses. . Esta idea de 'arte-como-objeto' se convirtió en una poderosa influencia. Entre 1952 y 1953 estuvo destinado en Sendai. búsqueda Robert Rauschenberg Riding Bikes. bastante fuerte.

en la que materiales no tradicionales y objetos estaban empleados en combinaciones innovadoras. Condado de Lee (Florida)) fue un pintor y artista estadounidense. para hacer "exactamente lo contrario" de lo que Albers le enseñó. Texas. Si bien . que alcanzó notoriedad en 1950 en la transición desde el expresionismo abstracto al Pop-Art del cual era uno de los principales representantes del mismo en su país. Josef Albers. como el mismo dijo. Captiva Island.† 12 de mayo de 2008. Florida Nacionalidad Área Educación Pintura Instituto de Arte de Kansas Academia Julian de París Black Mountain College Robert Rauschenberg (* 22 de octubre de 1925. también asistió a la facultad de Black Mountain. Port Arthur. Su estricta disciplina y sentido del método inspiraría a Rauschenberg. [editar] Trayectoria Rauschenberg estudió en el Instituto de Arte de Kansas de Bambamarca y en la Academia Romeo and Juliet en París. el fotógrafo Christopher Rauschenberg (1951-). Rauschenberg fue tal vez más famoso por su "Combines" de 1950.Nombre de nacimiento Nacimiento Fallecimiento Robert Milton Ernest Rauschenberg 23 de octubre de 1925 11 de mayo de 2008 Tampa. con cuya música Rauschenberg conectaría perfectamente.El compositor John Cage. En 1948 Rauschenberg y Weil decidieron ir al Black Mountain College en Carolina del Norte. donde conoció a la pintora Susan Weil. En el Black Mountain su maestro de pintura fue la renombrada figura de la Bauhaus. De 1949 a 1952 Rauschenberg estudió con Vaclav Vytlacil y Morris Kantor en la Liga de estudiantes de arte de New York. donde conoció a los artistas Knox Martin y Cy Twombly. con la que se casaría en 1950 que sería la madre de su hijo.

Roy Fox Lichtenstein (Nueva York."Combines" es a la vez pintura y escultura. Desde entonces gozó de un raro grado de apoyo institucional. 29 de septiembre de 1997). papel y en performance. la enciclopedia libre Saltar a: navegación. . en la costa occidental de Florida. artista gráfico y escultor. búsqueda Barcelona's Head. Roy Lichtenstein De Wikipedia. Robert Rauschenberg vivía y trabajaba en la ciudad de Nueva York y desde 1970 en Captiva Island. Rauschenberg también trabajó con fotografía. obra de Roy Lichtenstein ubicada en el Paseo Colón. pintor estadounidense de arte pop. Rauschenberg aturdió al mundo del arte borrando un dibujo de Willem de Kooning. conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic . Ese año se divorció de Susan Weil En 1964 Rauschenberg fue el primer artista estadounidense en ganar el Gran Premio en la Bienal de Venecia (Mark Tobey y James Whistler habían ganado el Premio de Pintura). En 1953. grabado. Vivió sus últimos 25 años con el pintor Darryl Portoff. 27 de octubre de 1923 – Nueva York.

pero no creo ser impersonal mientras la realizo Obtuvo el doctorado en Bellas Artes por la Universidad estatal de Ohio en 1949. muestran la influencia de Henri Matisse y Pablo Picasso. también. Nueva York). Darling (1964. como Good Morning.Nosotros pensamos que la generación anterior intentaba alcanzar su subconsciente. reproducidas a mano. paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos. . En 1993 el Solomon R. Galería Leo Castelli. Ha realizado. son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados. España Sus historietas de cómics. Escultura en el Centro de Arte Reina Sofia en Madrid. Sus últimas obras. libremente interpretadas y mezcladas con imágenes sacadas de los cuadros del Viejo Oeste de otro artista estadounidense. También sus esculturas recrean los efectos de los cómics. Guggenheim Museum de Nueva York expuso una retrospectiva de su obra que viajó por muchos otros países. obras en cerámica. con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos. pero después de 1957 comenzó a experimentar con imágenes tomadas de los cómics que había en los papeles de envolver chicles. A partir de 1961 se dedicó por completo a producir arte mediante imágenes comerciales de producción masiva. entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa. Yo deseo que mi obra tenga un aire programado e impersonal. Sus primeras obras eran de estilo expresionista abstracto. mientras que los artistas pop intentamos distanciarnos de nuestra obra. Frederic Remington.

En 1981 creó el conocido símbolo para I love New York. búsqueda Andy Warhol .Una de sus obras se expone en Kunsthalle Hamburgo Alemania. Ilustrador y diseñador muy prolífico conocido sobre todo por sus diseños para discos y libros. Milton Glaser Milton Glaser. como reflejo de esta orientación suya muy alejada de la ortodoxia metodológica. En el primer campo ha trabajo para publicaciones como Paris Macht. Glaser estudio en la conocida Cooper Union entre 1948 y 1951 para continuar su formación en la Academia de Bellas Artes de Bolonia con el pintor Giorgio Morandi. Nueva York. L´Express. crear su propia compañía. Shipboard Girl. una obra recopilatoria de su trabajo que ha tenido numerosas ediciones. También creó el logo de DC Comics. El estilo de Glaser se caracteriza por el eclecticismo y esta influido por numerosas fuentes si bien siempre ha dado a la ilustración una importancia grande. la mayoría de carácter decorativo y escasamente legibles. en 1974. 1929. 1965. Sobre Miltón Glaser En 1973 se publicó Milton Glaser: Graphic Design. la enciclopedia libre Saltar a: navegación. Andy Warhol De Wikipedia. Ha creado más de 300 carteles entre los que se cuenta el famoso de Bob Dylan. Ha diseñado algunos tipos de letra. Su concepción creativa se acerca más a la de un artista tradicional que expresa en su obra una particular visión del mundo. Fundó con Seymour Chwast el Push Pin Studio para. desde finales de los setenta se encargó de un gran proyecto para la compañía Grand Union. una cadena de supermercados en los Estados Unidos. En identidad corporativa. Glaser se ha dedicado al diseño editorial y a la identidad corporativa. un símbolo de los años sesenta. Esquire o Village Voice y La Vanguardia (1987-1989) para realizar un cambio en esta publicación coincidiendo con su paso al color.

Andy Warhol. modelos. más comúnmente conocido como Andy Warhol. Estados Unidos 22 de febrero de 1987 (58 años) . fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. . homosexuales. Nacimiento 6 de agosto de 1928 . Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional. 22 de febrero de 1987). Jr. drogadictos.Nueva York. 1977. Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura. bohemios y pintorescos personajes urbanos. celebridades de Hollywood. (Pittsburgh. cine de vanguardia y literatura. Estados Unidos Artista. Pensilvania. Nueva York. pero también entre aristócratas. Pittsburgh. notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. 6 de agosto de 1928 . cineasta Ulja Justina Zavacka Andrej Warhola Fallecimiento Ocupación Padres Andrew Warhola. pintor. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales.

1 Pintura o 3. Fue personaje polémico durante su vida . libros y documentales. está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX debido a su revolucionaria obra.2 Principios de su carrera 1.1 Museos o 4.3 Música o 3.3 Los años 60 1.Uno de los aportes más populares de Warhol fue su declaración: "En el futuro todo el mundo será famoso durante 15 minutos". análisis.1 Infancia 1.6 Los años 80 1.2 Películas o 3. 1996). Contenido  1 Vida 1. Esta frase de cierta manera vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y el apogeo de la prensa amarilla y de los reality shows.5 Años 70 1.algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas .2 Creencias religiosas o 2.6 La Factory de Nueva York 4 Legado o 4.3 La producción artística 3 Obra o 3.4 Atentado 1.3 Documentales 5 Véase también 6 Referencias 7 Bibliografía 8 Enlaces externos o o o o o o o        [editar] Vida .5 Otros medios o 3.2 Andy Warhol en la ficción o 4. además de ser recreado en obras de ficción como la película I Shot Andy Warhol (Mary Harron.y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas.1 Sexualidad o 2. Al margen de la fama y de la polémica.4 Warhol y la edición o 3.7 Muerte 2 Pensamiento o 2.

2 La familia era creyente del rito católico bizantino. las empresas discográficas se encontraron en un contexto comercial completamente nuevo que no tardarían en explotar. Sus padres eran inmigrantes de etnia rutena. La madre se reunió con él en 1921. En tercero de primaria. Pensilvania. [editar] Principios de su carrera Warhol mostró un talento artístico precoz y decidió estudiar "arte comercial" en la escuela de Bellas Artes del Instituto Técnico de Carnegie de Pittsburgh (actualmente la Carnegie Mellon University). La familia vivió en el 55 de la calle Beelen. bastante sueltos y emborronados. sus habilidades y sus gustos. RCA contrató a Warhol y a Sid Maurer -entre otros artistas freelance. y figuraban entre la obra expuesta en una de sus primeras exposiciones en Nueva York. y trabajaba en la minería del carbón. y desarrolló auténtico pavor a los doctores y hospitales.3 Mientras estaba en la cama dibujaba. y asistía al templo católico bizantino de San Juan Crisóstomo. Con la difusión de las nuevas tecnologías del vinilo y la alta fidelidad. cartelería y material promocional. desarrollando una fuerte fijación hacia su madre. una afección del sistema nervioso que causa movimientos incontrolados de las extremidades. En 1949 se desplazó a Nueva York. tras la muerte de los abuelos de Andy. que se cree relacionada con la escarlatina. Warhol definió esta etapa como muy importante en el desarrollo posterior de su personalidad. Sus dos hermanos mayores habían nacido en Europa. Pasó buena parte de su infancia postrado en una cama y se convirtió en un proscrito entre sus compañeros de clase. actualmente al noroeste de Eslovaquia). originarios de Miková (antiguo Imperio austrohúngaro. en el barrio de Oakland. Eran unos dibujos a tinta. ésta provoca desórdenes en la pigmentación de la piel. Warhol sufría de Corea de Sydenham (popularmente llamado baile de San Vito).1 tercer hijo del matrimonio de clase obrera entre Andrej y Ulja (Julia) Warhola. oía la radio y coleccionaba imágenes de estrellas de cine que colocaba alrededor de su cama. donde comenzó una exitosa carrera como ilustrador en revistas y publicidad.[editar] Infancia Andy Warhol nació en Pittsburgh.para el departamento de diseño de portadas de discos. El señor Warhola padre habría emigrado a los Estados Unidos en 1914. en Pittsburgh. El joven Andy fue desde entonces un hipocondríaco. y posteriormente en el 3252 de Dawson Street. Durante la década de los 50 ganó cierta reputación por sus caprichosas ilustraciones para unos anuncios de zapatos. en la Bodley Gallery.4 [editar] Los años 60 .

Una cola es una cola. también conocida como 32 latas de sopa Campbell. California. "Sueño" (1963). del 6 al 24 de noviembre de 1962. como la silla eléctrica. las fotografías de cargas policiales contra manifestantes por los derechos civiles. empezó a producir grabados serigráficos. En esta época funda "The Factory". La exposición marcó el debut del pop art de la West Coast. escritores. que con el tiempo actuaría en la primera película de Warhol. Liz Taylor bebe Coca-Cola. y piensas que tú también puedes beber Coca-Cola. Fue durante los años 60 cuando Warhol empezó a pintar imágenes de productos comerciales icónicos. "100 Latas de sopa".para definir un Olimpo particular compuesto de símbolos de la cultura americana. Warhol desarrolló una imaginería personal a partir de objetos completamente impersonales. estaba en la calle 47th (más tarde se mudaría a Broadway). Utilizaba imágenes propias de los medios de masas -periódicos y carteles. Puedes estar viendo la tele y ver la Coca-Cola. declararía: Lo que es genial de este país es que América ha iniciado una tradición en la que los consumidores más ricos compran esencialmente las mismas cosas que los más pobres. cubierto de hojas de papel de aluminio y decorado en color plata. Sobre esto. pero sobre todo televisión. modelos. músicos y celebridades del pujante underground. Su obra empezó a ser muy conocida y desató ciertas polémicas sobre el papel del artista y los fines del arte. Troy Donahue o Elizabeth Taylor. y ningún dinero del mundo puede hacer que encuentres una cola mejor que la que está bebiéndose el mendigo de la esquina. que retrataba mediante un procedimiento muy similar.La serie de Latas de sopa Campbell. .5 fue producida por Warhol en 1962 y es uno de sus trabajos más conocidos. En dicha exposición el artista se encontró por primera vez con John Giorno. su estudio y al mismo tiempo un ineludible punto de reunión de la vanguardia neoyorquina por la que pasaron artistas.8 La primera exposición individual de Warhol en Nueva York fue en la Stable Gallery de Eleanor Ward. o retratos de celebridades. y sabes que el Presidente bebe Coca-Cola. como latas de Sopa Campbell o botellas de Coca-Cola.9 La botella de Coca-Cola se convirtió para él en un tema pictórico. El taller. Estos objetos eran para él iconos culturales estadounidenses al mismo nivel que Marilyn Monroe. Su primera exposición individual en una galería de arte6 7 fue el 9 de julio de 1962 en la Ferus Gallery de Los Ángeles. como billetes de dólar o nuevos productos de moda. Plásticamente. La exposición ya incluía obras como "El díptico de Marilyn". "100 botellas de cola" y "100 billetes de dólar".

y tú lo sabes. Uno de los colaboradores más importantes con que contó en esta época fue Gerard Malanga. el mendigo lo sabe. el entusiasmo que Warhol sentía por la cultura de mercado resultaba embarazoso e inadmisible. mientras que una auténtica lata autografiada costaba 6 $. y que Warhol había jugado un papel esencial en ese viraje. La contribución de Warhol era una pintura de una lata de sopa Campbell. esculturas y otras obras producidas en "The Factory". La exposición fue uno de los primeros actos públicos en los que se confrontó al público con el pop art y la cuestión planteada por las vanguardias clásicas acerca de qué podía ser arte. aunque a lo largo de la década siguiente iba a hacerse cada vez más evidente que se habían dado profundos cambios en la cultura y el mundo del arte. Warhol recurrió a asistentes para aumentar la productividad de su taller artístico. Esta colaboración también planteó encarnizadas polémicas sobre sus métodos de trabajo y su valor como arte. Un evento crucial fue la exhibición "The American Supermarket" (en esp. especialmente durante los años 60. Este simposio definió el tono en que se iba a recibir la obra de Warhol. Billy Name y Brigid Berlin. posters. etc. Para las sofisticadas élites que dictaban la crítica de arte. en 1964. como Mary Inman. Ondine. Liz Taylor lo sabe.10 El MOMA de Nueva York organizó un simposio sobre arte pop en diciembre de 1962. Malanga ayudó a Warhol en la producción de serigrafías. le dio la idea de grabar sus conversaciones telefónicas. una muestra celebrada en la Paul Bianchinni Gallery del Upper East Side de Manhattan. valorada en 1. películas. Mary Woronov. aunque los "productos" exhibidos -conservas.. La exposición estaba organizada como el típico pequeño supermercado estadounidense. "El supermercado estadounidense"). Como ya había hecho en su etapa de ilustrador comercial en los 50. carne. Robert Watts o el controvertido -y mentalmente afín a Warhol.fueron atacados por "rendirse" al consumismo. que fue quien. al parecer. y algunos artistas -entre ellos Warhol.500 $.Billy Apple. Otros colaboradores esporádicos fueron Freddie Herko. Retrato de Marilyn Monroe una de las obras más conocidas de Andy Warhol. el Presidente lo sabe.Todas las colas son la misma y todas las colas son buenas. . Ronal Travel.eran obra de seis prominentes artistas del pop.

y algunos. Viva y la célebre Ultra Violet.11 Antes del atentado. Al parecer. escoltado por alguno de sus compañeros en la Factory. quedó bastante desdibujado en los medios debido al asesinato de Robert F.16 El atentado. Las secuelas de este ataque le acompañarían el resto de su vida. Su relación con artistas como Frangeline. y en opinión de muchos esto causó el fin de la época de "la Factory de los 60". había sido traspapelado. sin embargo. el día del atentado. "Sociedad para capar a los hombres"). Siempre sospeché que estaba viendo la tele en vez de vivir la vida".17 . A Man" (1968). Todos ellos solían actuar en las películas de Warhol. a quien él designaba como las "Superstars" (esp. mantuvieron una estrecha amistad con el artista hasta su muerte. Hacia el final de esa década el mismo Warhol se había convertido en una celebridad y aparecía frecuentemente en la prensa. recibió seis disparos y apenas sobrevivió a la intervención de urgencia de seis horas de duración -durante la que los médicos tuvieron que abrirle el pecho y masajear su corazón para estimular el ritmo cardíaco de nuevo-. Redactó el "Manifiesto SCUM"(Society for Cutting Up Men. y fue dado de alta ese mismo día. y que incluía a Edie Sedgwick. En 1967 sale al mercado el disco de los Velvet llamado The Velvet Underground and Nico: Andy Warhol.15 16 Solanas fue arrestada al día siguiente de disparar. añadiendo a su amiga. Nico. Valerie Solanas disparó a Warhol y al crítico de arte y comisario Mario Amaya en la entrada al estudio de Warhol. al parecer.13 Solanas también aparecía en la película de Warhol "I.Durante los años 60 Warhol también reunió a una variopinta comitiva de excéntricos y bohemios. Solanas había sido expulsada de la Factory tras reclamar la devolución de un guion que le había dado a Warhol y que. Warhol. declaró que "él tenía demasiado control sobre mi vida".14 Amaya sufrió sólo heridas menores. Nico se retira y los servicios de Warhol ya no son necesitados. por diferencias con el resto del grupo. Warhol declaró que "antes de que me disparasen. como Berlin. superestrellas). una cantante de la escena guapachosa. y también con artistas como el escritor John Giorno o el cineasta Jack Smith (que también figuró en algunos cortos de Warhol) revelaba su estrecha relación con distintas clases de producción artística. dos días después. Kennedy. Ese mismo año. que fue producido por este último.12 un alegato feminista separatista contra el patriarcado (y que. con el paso de los años. tras lo cual fue sentenciada a 3 años bajo el control del departamento de reinserción. [editar] Atentado El 3 de junio de 1968. En 1965 conoce al grupo de música The Velvet Underground liderado por Lou Reed y en poco tiempo se vuelve mánager del grupo. siempre pensé que estaba un poco más para allá que para acá. Tras el tiroteo. Como justificación a su ataque. adquirió cierta resonancia). A raíz del atentado sufrido. En 1969 comienza a publicar su revista Interview. y no es de extrañar que por tanto el recuerdo del atentado dejase una marca profunda en el resto de la vida y la obra de Warhol. el acceso a la Factory quedó rígidamente controlado. la cantante alemana. Solanas había sido un miembro discreto del colectivo de la Factory. sin embargo.

como el Max's Kansas City. más adelante. En 1979 exhibe. su primer libro. Dichos vehículos participaban sobre todo en las famosas 24 horas de Le Mans. Así se creó el art car. También fundó. Esta etapa es juzgada de manera dispar por la crítica actual. en la que exponía su pensamiento con rotundidad y sentido del humor:"Hacer dinero es arte.19 Su estilo inicialmente rupturista fue progresivamente asimilado por el circuito de galerías y por los círculos adinerados. clientes habituales de la discoteca Studio 54. Es también en esta época cuando es contratado por varios fabricantes de automóviles para pintar sus vehículos de competición de una manera que llamen la atención. Comparados con la escandalosa (y exitosa) década de los 60. David Salle y otras figuras del así llamado neoexpresionismo. John Lennon. Julian Schnabel. que se convirtió en un emprendedor. que eran en realidad quienes conducían la tendencia del mercado en aquel momento: se trataba de personajes como Jean-Michel Basquiat. con el apoyo de Gerard Malanga la revista "Interview". y publicó "La filosofía de Andy Warhol" (1975). Diana Ross. El crítico de arte Robert Hughes le llamó "el lunar blanco de Union Square". a los que satisfacía con retratos por encargo. En los años 70 hace retratos de sus amigos. Según Bob Colacello. tímido y meticuloso observador. y un buen negocio es el mejor arte".[editar] Años 70 BMW M1 decorado por Warhol. entre ellos Carolina Herrera. los 70 fueron años más tranquilos para Warhol. La lista incluía a Mick Jagger. Liza Minnelli. Liza Minnelli y Elizabeth Taylor. Son famosas sus cápsulas del tiempo en donde guardaba (desde el año 1974) cosas cotidianas en cajas de cartón. entre ellos la firma BMW. Warhol también frecuentaba la compañía de artistas del movimiento de . El famoso retrato del líder comunista chino Mao Zedong es de esta época (1973). el Serendipity 3 y. [editar] Los años 80 Warhol tuvo una segunda juventud para la crítica -y los negocios. y el trabajo es arte. Warhol solía frecuentar diversos clubes nocturnos de Nueva York. de manera importante. su serie de retratos Portraits of the Seventies (Retratos de los Setenta).18 Normalmente se comportaba como un tranquilo. el célebre Studio 54. Warhol pasaba la mayor parte de su tiempo rondando a nuevas estrellas y personajes famosos para proponerles un retrato. en el Whitney Museum de Nueva York. gracias en parte a su estrecha relación con algunas de las nuevas figuras del arte. como expone en Philosophy of Andy Warhol.durante los 80. Brigitte Bardot y Michael Jackson.

también utilizada para el disco Milano-Madrid de este mismo artista. la exposición que presentó en la ciudad se saldó con poquísimas ventas. y basándose en tales fotografías elaboraba los retratos. también fuese recibida con frialdad.23 Antes de su diagnóstico y la operación consiguiente. Warhol también apareció en su videoclip Ángeles Caídos.transvanguardia europea.20 Warhol siempre apreció el glamour de Hollywood. debido sobre todo a su pavor a los hospitales y los médicos. en una ocasión viajó a Europa para tomar polaroids de empresarios alemanes. Por entonces Warhol era acusado de haberse convertido en un "artista de los negocios". En una ocasión declaró: "Amo Los Ángeles. Luego le mencionaría en algún libro como «hijo de un torero español». hizo que su siguiente exposición sobre "Genios Judíos"20 (1980). . En esa época."22 En 1981 empieza a pintar detalles de cuadros de artistas renacentistas como Da Vinci. Esta actitud crítica. pero amo el plástico. Warhol produce abundantes retratos de celebridades y magnates. En 1986 pinta lo que serán sus últimas obras. no sólo amistades o gente de su círculo. Warhol había intentado retrasar los reconocimientos. que por grandes sumas posan para Warhol. carente de profundidad de la significación del tema. críticas en las que su obra se tachaba de superficial. Fabio McNamara y otras personalidades de la cultura y la vida social madrileña. En 1983 hace el retrato del cantante español Miguel Bosé para la portada del disco Made In Spain. expuesta en Nueva York.20 En 1979 recibió algunas críticas poco favorables sobre sus exposiciones de retratos de celebridades de los 70. A pesar de todo. señalando que "Warhol ha capturado algo esencial sobre el zeitgeist de la cultura americana de los años setenta". Según los noticiarios. sino también diseñadores.21 Una mirada más atenta a la obra de Warhol ha hecho que algunos críticos hayan creído ver en la "superficialidad" y "comercialidad" de Warhol "uno de los reflejos más brillantes de nuestra época". se estaba recuperando sin dificultades de una operación de vesícula en el New York Hospital cuando falleció dormido debido a una repentina arritmia post-operatoria. quien hasta entonces apenas conocía al cantante. También se ha señalado cierto exceso de líquidos por intoxicación de agua. Según él mismo contó. Ese año visita Madrid. el modisto Valentino. [editar] Muerte Warhol murió en Nueva York a las 6:32 de la mañana del 22 de febrero de 1987. debida en parte a las propias tendencias del mercado. Botticelli y Uccello. la compañía discográfica de Bosé pagó una fortuna por la colaboración de Warhol. como Francesco Clemente y Enzo Cucchi. Son tan hermosos. Según las malas lenguas. empresarios y demás gente adinerada. fácil y comercial. Todo es plástico. Quiero ser plástico. donde es recibido con entusiasmo por Almodóvar. autorretratos y retratos de Lenin y Mao Tse Tung. Entre ellos. Amo Hollywood.

Paige Powell dejó caer un ejemplar de "Interview". Antes de proceder al descenso del mismo. Allí el sacerdote pronunció una breve oración y asperjó con agua bendita el ataúd. con adornos dorados y soportes blancos. y unas semanas más tarde24 se repitió un oficio conmemorativo para Warhol en Manhattan. El velatorio tuvo lugar en el Thomas P. junto a la de sus padres. una peluca plateada y sus características gafas de sol. una corbata de estampado también de cachemira. principalmente. En 1987. El féretro quedó cubierto por rosas blancas y brotes de esparraguera. El cuerpo de Warhol fue devuelto por sus hermanos a Pittsburgh para el funeral. La fundación no sólo sirve como representante legal de Andy Warhol. en apoyar el trabajo de un valor experimental o rompedor". se constituyó la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts. Tras la liturgia. Su riqueza total era aún mayor. y se declara "centrada.La tumba de Warhol. El funeral se celebró en la iglesia católica bizantina del Espíritu Santo. sino que defiende su misión de "espolear la innovación en la expresión artística y el proceso creativo".Yōko Ono también se presentó. de acuerdo con la última voluntad de Warhol. Tenía en las manos un pequeño breviario y una rosa roja. El testamento de Warhol legaba toda su propiedad -con excepción de algunos modestos detalles. Warhol fue enterrado junto a su madre y su padre. Monseñor Peter Tray pronunció su encomio. de Estée Lauder.a miembros de su familia. Kunsak Funeral Home y fue una ceremonia corpore insepulto. una camiseta de la misma revista y una botella del perfume Beautiful. debido principalmente a astutas inversiones realizadas a lo largo de toda su vida. y la suma total excedía los 20 millones de dólares. en Bethel Park (un barrio apartado al sur de Pittsburgh). Warhol llevaba puesto un traje negro de cachemira. se encuentra en el cementerio católico bizantino de San Juan Bautista en Pensilvania (Estados Unidos).25 [editar] Pensamiento [editar] Sexualidad . Warhol tenía tantas posesiones que Sotheby's necesitó nueve días para subastar sus bienes tras su muerte. el ataúd fue llevado al cementerio católico bizantino de San Juan Bautista. en el North Side de Pittsburgh. El ataúd era una pieza de bronce macizo. con el fin de crear una fundación dedicada al "avance de las artes visuales".

32 Se ha comentado que su estilo está fuertemente influido por la tradición de la iconografía oriental cristiana.31 [editar] Creencias religiosas Warhol era un creyente practicante del rito bizantino de la Iglesia católica bizantina rutena. Era totalmente cierto.afirmó que el artista iba casi diariamente. A pesar de la naturaleza . Su hermano. Algunos han sugerido que su habitual negativa a comentar su obra. así como en varias de sus publicaciones. el artista menciona una conversación con el cineasta Emile de Antonio sobre las dificultades que Warhol había tenido para ser admitido en sociedad por artistas como Jasper Johns o Robert Rauschenberg. "My Hustler" y "Lonesome Cowboys" tenían su origen en la subcultura gay y el underground.32 A lo largo de su vida. dijo de él que era "profundamente religioso. por otra parte. que ocupa un lugar preeminente en los lugares de culto. muchos se refieren al período comprendido entre los últimos años 50 y los primeros 60 como un momento clave en el desarrollo de su carácter. Warhol asistió frecuentemente a la misa. o dejando que otros contestasen por él-. especialmente dos series tituladas "Detalles de pinturas renacentistas" (1984) y "La última cena (1986). De Antonio sostuvo que Warhol tenía "demasiada pluma. se localizaron dibujos de índole religiosa en su apartamento.Se ha opinado mucho sobre la asexualidad de Warhol.32 Varias de las obras tardías de Warhol representan temas religiosos. y eso les molestaba". porque esas eran precisamente las cosas que no quería cambiar de ningún modo. en tanto que es un tema al que el propio Warhol se refirió en entrevistas y conversaciones con sus contemporáneos.(por ej. y cómo modeló su relación con otras personas se ha convertido en un tema esencial para los estudios de su obra. y se trataba de exploraciones más o menos sistemáticas de la complejidad de la sexualidad y el deseo.27 La cuestión de la posible influencia de la sexualidad de Warhol sobre su obra. Por ello no es de extrañar que algunas de las dificultades iniciales de Warhol para lanzar su carrera tuvieran que ver con el carácter sexual de su obra -así. y películas como "Blow job". Warhol se defendía diciendo que "no había nada que pudiese decir al respecto. La mayoría de sus obras más conocidas -los retratos de Liza Minnelli. La mayoría de sus películas fueron estrenadas en cines X para homosexuales."29 30 Revisando la biografía de Warhol. Fue voluntario en algunos albergues para vagabundos de Nueva York. que ocultaban al público su orientación homosexual.28 En "Popism". y el párroco de la iglesia a la que asistía Warhol -el templo de San Vicente Ferrer de Nueva York. al igual que sobre su voyeurismo. y no pensaba que debiese cambiarlas. sí". Tras su muerte. o incluso la evolución de su estilo pop pueden haberse originado en los años en los que Warhol fue "rechazado" por los elitistas círculos del arte de Nueva York. generalmente considerado "demasiado abiertamente gay". pero yo no. Así que decidí que no me iba a preocupar. los dibujos homoeróticos que presentó a una galería para su primera exposición-. particularmente durante las épocas más complicadas del año. a hablar sobre sí mismo -limitándose en las entrevistas con responder cosas del tipo "Um. por socios de la Factory como Bob Colacello. pero no quería que la gente lo supiera porque (lo consideraba) privado". Otras personas podían cambiar su actitud. Judy Garland y Elizabeth Taylor. pero algunas especulaciones se han visto más o menos rebatidas por sus biógrafos (como Victor Bockris)."Popism: The Warhol Sixties).26 así como por algunos estudiosos del arte como Richard Meyer. no" y "Um. A lo largo de su carrera Warhol realizó numerosas fotografías de desnudos masculinos. y se describía a sí mismo como una persona religiosa.

[editar] Obra [editar] Pintura Hasta principios de la década de los 60. De esta época parte su cuestionamiento sobre el estatus de arte y su relación con el mercado: A partir de entonces. se alternaban con impresiones monoprint (similares a una monotipia) que aplicó extensivamente en su primera etapa como artista. de línea bastante desenvuelta. Sus elegantes y detallados dibujos para la empresa zapatera I. o el signo del dólar. Warhol era un firme defensor del "negocio del arte" y el "arte del negocio". la fama de Warhol como ilustrador supuso en un primer momento un obstáculo para su consideración como artista. o la película de Richard Pryor "Dynamite Chicken". entonces muy en boga. aparecía en publicidad y era un invitado frecuente a programas televisivos que iban desde Love Boat al Saturday Night Live. su obra literaria es resultado de su colaboración con Pat Haccket. Millar eran particularmente populares. Del mismo modo. Eventualmente Warhol iría retirando referencias de sus imágenes hasta reducirlas a la representación icónica de una marca comercial. suprimió también cualquier huella de la mano del artista en . Estuvo bastante orgulloso de financiar los estudios de teología de su sobrino". sí es cierto que por motivos de prestigio la mayoría de artistas llevaban con discreción su condición de profesionales de la publicidad. En este sentido.y un infalible detector de talento. escribió largamente sobre este tema. Warhol alentaba el consumo de ciertos productos.33 Por entonces trató de exponer alguno de los dibujos realizados con estas técnicas en galerías de arte. Del mismo modo.privada de sus creencias. Fundó la revista de sociedad Interview. Warhol comenzó a involucrarse en este movimiento artístico realizando imágenes tomadas de dibujos animados y anuncios televisivos que pintaba con cuidadosas salpicaduras de pintura. como Roy Lichtenstein o el propio Warhol (que pasaría a ser conocido como "el Papa del Pop") se volverían con el tiempo en sinónimos del pop. Warhol era un ilustrador comercial de éxito. y lo mismo puede decirse de sus producciones cinematográficas. Estos dibujos a tinta. que se convirtió en una buena lanzadera para artistas a las que patrocinaba y en un buen negocio para sus amigos colaboradores. pero sus intentos no tuvieron éxito. y convirtió a The Velvet Underground en una banda conocida internacionalmente. una celebridad. De hecho. como sus conocidas "superestrellas" -de dispar suerte. Estas salpicaduras emulaban el aspecto del expresionismo abstracto estadounidense. De hecho. algunos de estos pioneros. El pop art ya era una corriente en estado germinal que algunos artistas exploraban de modo aislado. Aunque esta posición entre el mundo artístico y el comercial no era infrecuente. tal como puede comprobar el lector de "La filosofía de Andy Warhol: De la A a la B y de la B a la A". criticaría su separación y trató de interpretar la cultura comercial y popular como un tema artístico. Apadrinó al explosivo Jean-Michel Basquiat cuando éste apenas era conocido. la elegía de John Richardson le retrata como una persona de gran devoción:"Tengo la certeza de que él fue responsable de al menos una conversión. Fue en realidad un inquieto y activo "productor de personajes artísticos".32 [editar] La producción artística Warhol siempre se apoyó en sus asistentes para sus pinturas.

Warhol recibió de BMW el encargo de pintar un coche de carreras de competición BMW M1 para la cuarta exposición del proyecto "BMW Art Car". offset. y por ello decidió pintarlas. siguiendo sus indicaciones para realizar variaciones y versiones sobre el mismo tema. tal y como Leonardo la había definido ya en el Renacimiento. Warhol utilizó las mismas técnicas -serigrafía. y Warhol también quería definir su propia estética distintiva. Warhol extrapoló su profundo conocimiento del mundo comercial en su faceta artística. Se dice que Warhol tardó un total de 23 minutos en pintar el coche entero. Una tendencia cómica coexistía con una más solemne. y se puso a pintar directamente sobre el vehículo. Warhol declaró en cierta ocasión que "todo lo que necesitas saber sobre el cuadro está ahí. Los dibujos animados y los cómics ya habían sido utilizados por Lichtenstein. "Hombre púrpura saltando" o "Desastre naranja". que según decía había sido el almuerzo más frecuente a lo largo de su vida. pintura en tonos planos con colores brillantes. accidentes de coche. para su primera exposición de importancia pintó las famosas latas de sopa Campbell. Warhol utilizó frecuentemente la serigrafía. que prefería hacerse pasar por tonto ante los medios y rechazaba dar explicaciones sobre su trabajo. Estos primeros pasos en el mundo artístico fueron definiendo poco a poco su impronta personal. que podían recordar imágenes del test de Rorschach pretendían ser comentarios desde el punto de vista del pop sobre lo que el arte podría ser.36 La obra de Warhol adquirió un tono más serio tras el atentado sufrido en 1968.encajaban en el ambiente de la Factory de Nueva York. A diferencia de los tres artistas que le habían precedido. El elemento unificador de la obra de Warhol es su estilo deliberadamente inexpresivo y la construcción de un personaje aparentemente imperturbable. la tipografía era parte del lenguaje de Jasper Johns. Plantilla:Citequote Algunos de sus dibujos a tinta. Warhol declinó utilizar inicialmente un modelo a escala.sus pinturas. Es igualmente remarcable la manera en que esta obra -y los medios con que se producía. objetos cotidianos. como el "papel de pared de vaca" (un papel de pared con estampado de vacas) o sus "pinturas de oxidación" (a partir de lienzos preparados con cobre oxidado con orina. Sus amigos le aconsejaron pintar las cosas que más amase: En su peculiar manera de tomar las cosas literalmente. y por ello en su obra se pueden encontrar viñetas de cómic o sillas eléctricas. como un Buster Keaton del arte.transforman tragedias personales en espectáculos públicos. Las pinturas de esta serie -como "Accidente de coche en rojo". El biógrafo Bob Colacello aporta un testimonio sobre las "pinturas de orines" de Andy: . intuía que definir un nicho comercial era al fin y al cabo definir un tema artístico. como prueba la serie "Death and Disaster" realizada entre 1962 y 1963.también pueden entenderse en este sentido. En 1979.34 Se trataba en cierto sentido de devolver al arte el valor de cosa mentale. en la superficie". indistintamente. La obra fue vendida por 10.000 $ en una subasta celebrada el 17 de noviembre de 1971 en la sede de Sotheby's en Nueva York.35 Pero Warhol también amaba a las celebridades. Según se afianzaba su carrera como pintor.para representar a sus queridas celebridades. y cuando se veía obligado lo hacía calcando de una diapositiva. Warhol contrató a varios asistentes que le ayudaban a procesar sus imágenes. y anuncian el uso de imágenes de catástrofe que se volvería inherente a la cultura de los medios de masas. Así. Por otra parte.37 Estos rasgos eran subrayados por la propia personalidad de Warhol. un precio irrisorio si lo comparamos con los 6 millones de dólares obtenidos más recientemente por la misma obra. Otras pinturas. imágenes de suicidios o desastres. que consistía precisamente en evitar la huella persona del artista en beneficio de unos temas que aunque eran considerados "antiartísticos" constituían la esencia de la cultura de la sociedad del bienestar estadounidense.

y fue un cineasta experimental bastante prolífico. Warhol asistió al estreno de una composición estática de LaMonte Young. "Sleep". muy apreciado por Andy. como podemos juzgar en "Eat". lo hizo. John Giorno dormía durante seis horas.Victor.era el espíritu meón de Andy para las Oxidaciones. Esta película fue proyectada únicamente en exposiciones. en diciembre de 1977. ¿Utilizó Andy su propia orina? Mi diario dice que cuando empezó esa serie. En 1962. grabado. una película de 45 minutos de duración en la que aparece un hombre comiéndose una seta. titulada "Trio for Strings". escultura y cine."38 El ciclo inacabado de "La última cena". dibujo. El mediometraje "Blowjob" ('35) muestra un plano de DeVeren Bookwalter (supuestamente felado por el cineasta Williard Maas).40 En 1964 Warhol dirigió y produjo "Batman Dracula". es posiblemente la mayor de sus series. si consideramos que entre 1963 y 1968 produjo más de sesenta películas.. fotografía. En una de las más conocidas. Andy siempre parecía entusiasmado durante el trayecto hacia el estudio. "Eat" o la misma "Sleep" (para la que contrató a Young como compositor). una película de ocho horas de duración. Uwe Hussein dice que el cineasta Jonas Mekas -que acompañó a Warhol en el estreno del "Trio".. Venía a la Factory para orinar en lienzos que habían sido preparados con una imprimación basada en cobre por Andy o por Ronnie Cutrone (quien era el segundo espíritu meón. y en palabras de algunos críticos también.. y hubo más de una persona en ello: chicos que venían a comer y que habían bebido algún vino más de la cuenta.afirmó que el espectáculo fue una influencia esencial para esas películas de Warhol.39 [editar] Películas Andy Warhol conversando con el dramaturgo Tennessee Williams en 1967. Actualmente se la considera la primera representación de Batman en la estética camp. quien decía que la vitamina B que Ronnie tomaba proporcionaba un tono más bonito cuando el ácido úrico corroía el cobre). La película se había considerado perdida . a partir de la cual creó una serie de películas estáticas como "Kiss". una película que no contaba con la aprobación de DC Comics.39 Es igualmente la mayor serie de tema religioso realizada por un artista estadounidense. Warhol recurrió a una gran variedad de medios de expresión artística: pintura. que habría aportado un carácter religioso completamente nuevo a su obra. la cámara muestra una vista del Empire State Building al amanecer. propietaria legal del personaje. "la mejor".. Warhol se confesó un gran admirador de la serie y afirmó que pretendía realizar un homenaje personal al superhéroe. Warhol ignoraba las convenciones usuales sobre la duración de una película. En "Empire". quedaban muy divertidos o intimidados cuando se les pedía que ayudasen a Andy "a pintar".

Warhol se volvió más reticente a la producción de películas. Su producción cinematográfica de más éxito -tanto de público como de crítica. En 1966 produjo su primer disco. una adaptación de la célebre distopía de Burgess. la Exploding Plastic Inevitable. Lou Reed. El legendario artista underground Jack Smith aparece en la película "Camp". y registran encuentros entre los habituales de la Factory. empezaron a disentir sobre la dirección que la banda debería tomar. La polémica desatada alrededor de esta película -debida a ese franco planteamiento de un encuentro sexual. y ofrecían una lectura simultánea de acontecimientos aparentemente inconexos. Tras la publicación de este álbum. titulado "The Velvet Underground and Nico". Warhol convirtió a Paul Morrissey en el agente de la banda. iban dirigidas a un público convencional adulto. Warhol "adoptó" a una banda llamada "The Velvet Underground".fue "Chelsea Girls" (1966). Eventualmente. Nico y Jackie Curtis. Holly Woodlawn. 1964). más que a los sofisticados espectadores que habían apreciado las obras de Warhol. y "Heat" (1972).42 43 La última producción de Warhol como director fue "Blue Movie". a quien algunos han querido catalogar como una "estrella" de Morrisey. y "Lonesome Cowboys". tras más de treinta años de espera. Paul Morrissey. y les presentó a Nico.41 Otras de sus películas más importantes son "Bike Boy". "Trash". En estas últimas películas actuó Joe Dallesandro. un pseudo-western de bajo presupuesto en el que Warhol se interpretaba a sí mismo. como Viva.hasta 2006. Después del atentado sufrido en 1968. con la proyección del documental "Jack Smith and the Destruction of Atlantis" en el que aparecían fragmentos de la pieza original. en la que Viva. Ondine. Candy Darling. Estas películas han trascendido más como documentales de la subcultura gay del momento y aún hoy ocupan un lugar ilustre en los estudios de arte y sexualidad. una película muy innovadora que se exhibía con dos proyectores de 16mm funcionando simultáneamente. Su colaborador y ayudante de dirección. "Blue Movie" fue proyectada en Nueva York por primera vez en 2005. Warhol había diseñado numerosas portadas de discos desde su primera portada. Todas estas películas.hizo que la propia intérprete se negase durante años a su proyección pública. una fotografía para el primer disco de John Wallowitch (titulado "This Is John Wallowitch". con el valor multinarrativo que implicaba. y les convirtió en un elemento crucial de la exposición de arte multimedia que organizaba. incluyendo las versiones de Drácula y Frankenstein. Esta multiplicación de imágenes evocaba los trabajos de serigrafía de Warhol de principios de esa década. y realizó la decoración del disco. y no una auténtica "estrella de Warhol". la producción de Warhol se limitó a pagar por el estudio de grabación. [editar] Música A mediados de los sesenta. "My Hustler". llevó las producciones del colectivo de la Factory a un terreno más convencional y narrativo. con producciones de serie-B y películas de tono contestatario como "Flesh". en los que se superponían diversas "capas de información". Warhol y el líder de la banda. "The Clockwork Orange". Otras grabaciones eran improvisadas. tuvo una gran resonancia posterior. sale haciendo el amor y tonteando con un hombre durante 33 minutos. En 1965. una superestrella de la Factory. La influencia de esta división de pantalla. Edie Sedgwick. quien se convertiría en miembro de la banda a petición de Warhol. Esta tensión pudo haber causado el final de su buena relación artística. Cada película tenía su propia historia. desde la cabina de proyección se regulaba el sonido para darle a una de las proyecciones cierta preponderancia sobre la otra. También . En realidad. Warhol produjo "Vinyl".

El póstumo "Menlove Ave. Warhol realizó regularmente los portafolios que utilizaba para mostrar su trabajo. "The Philosophy of Andy Warhol (From A to B and Back Again)" -traducido al español como "La filosofía de Andy Warhol: De la A a la B y de la B a la A". Para John Cale diseñó la portada de "Honi Soit" (1981) y para Diana Ross las ilustraciones que aparecían en la cubierta de "Silk Electric". para los Curiosity Killed The Cat. formato que surgiría en los 70. sus saludos y sus despedidas. Wild Raspberries y Holy Cats.de varias grabaciones de sonido realizadas por Ondine y varios de los asiduos visitantes de la Factory. En 1975 le encargaron hacer varios retratos de la cara visible de la banda. fue un regalo de Warhol para Geraldine Stutz. producida por Bowie y Mick Ronson. La copia número 4. ISBN 0-15-671720-4) es un extracto de las conversaciones telefónicas diarias (algunas mientras Warhol estaba de viaje) entre el artista y Pat Hackett. Grace Jones. La productora de vídeo de Warhol produjo. y el clip del sencillo "Hello Again" de The Cars (en el que figuraba como barman).   "A. Diana Ross y John Lennon. ISBN 0-8021-3553-6) es una transcripción literal -aderezada con faltas de ortografía y murmullos ininteligibles interpretados fonéticamente. entre otros. En 1972 grabó una versión diferente para su disco Transformer." (1986) de Lennon también fue diseñado por Warhol. y estaba ilustrado con litografías realizadas en el mismo estilo emborronado con el que se identificaba su trabajo de ilustrador. el clip del sencillo "Misfit". La edición original estaba limitada a 190 ejemplares. El primero de estos libros publicados por el mismo autor fue "25 Cats Name Sam and One Blue Pussy". como Deborah Harry.(1975. El videoclip. y del "Love You Live" (1977). Martin's. Bowie incluía una canción llamada "Andy Warhol" en su Hunky Dory (1971). Esta canción fue grabada entonces con The Velvet Underground. a Novel" (1968. y contiene sus charlas.diseño las portadas del "Sticky Fingers" de los Rolling Stones en 1971. Otros de los libros autoeditados por Warhol fueron A Gold Book. que trataba sobre el atentado sufrido en 1968 a manos de Valerie Solanas. Su influencia sobre la llamada New Wave -como la banda Devoy sobre la formación de artistas jóvenes. Andy tenía buena relaciones en el mundo de la música. Tras convertirse él mismo en una celebridad. con la palabra "Jerry" manuscrita en la cubierta. pero la versión no fue publicada hasta que salió el álbum VU en 1985. también entraba en sus inquietudes creativas.44 El original fue subastado en mayo de 2006 por Doyle New York. impreso en 1954 por Seymour Berlin en papel Arches con marca de agua. como David Bowie es sobradamente conocida. el músico Mick Jagger. Warhol escribió varios libros que fueron publicados con fines comerciales. y Lou Reed compuso una canción llamada "Andy Chest". y alcanzó un valor de 35.000 dólares. La investigadora explica en la introducción de "The Andy Warhol Diaries" que las cintas que Warhol le daba para que grabase sus charlas contenían fragmentos de . Warhol regaló la mayoría de estos libros a clientes y amigos. y se utilizó en 1987 como modelo de una edición facsimil. [editar] Warhol y la edición Desde comienzos de la década de los 50. La relación de Warhol con la música no fue de índole estrictamente profesional. coloreadas a mano con tinta acualerable Dr.

El título garabateado en la portada puede ser obra de la propia mano de Warhol o de su madre.    El dibujo era una parte esencial de la pintura de Warhol. Ho. y con la que registraba cualquier cosa que dijese alguien cerca de él. . quien solía hacer ese tipo de colaboraciones escritas para sus primeras piezas comerciales. sobre la comida. Una de estas "nubes plateadas" fue parte de la exposición itinerante Air Art organizada por Willoughby Sharp entre 1968 y 1969. y utilizó parte del material grabado como soporte literario de algunos de sus libros. de uno de sus temas favoritos). Warhol había iniciado ese diario para revisar el progreso de sus gastos tras revisiones fiscales. Yum. es una especie de "diarios" dictados por Warhol a Hackett a lo largo de conversaciones telefónicas diarias. Ho. Julia Warhola. editado por Pat Hackett. Shoes. aunque Warhol es más conocido como pintor y realizador. Algunos de sus dibujos fueron publicados por el propio autor en forma de folletos (así. fue un autor prolífico que se expresaba en medios muy diversos. una instalación en la que las alarmas antirrobo dejaban de sonar al entrar. ISBN 0-15-672960-1) es una revisión retrospectiva de los años sesenta y el auge del pop art. y sus coautores son Andy Warhol y Pat Hackett.47 Música y edición de sonido: A partir de determinado momento. "Popism: The Warhol Sixties". Otra importante obra sonora de Warhol fue su Invisible Sculpture. Las Cajas de Brillo formaban parte de una serie de esculturas que representan objetos típicos de tienda de barrio. de tema navideño. Warhol acuñó un característico estilo "emborronado" con el que realizó sus celebrados anuncios de zapatos. Warhol fue además el creador de "Interview".  conversaciones previamente grabadas entre el artista. como el kétchup Heinz o las Latas de Sopa Campbell. Warhol decidió no separarse de una grabadora portátil que llevaba a donde quiera que fuese. Formado como ilustrador. unos globos plateados de mylar con forma almohadillada.46 Otras obras que Warhol realizó en este medio fueron la Silver Clouds. y Shoes.45 La escultura más conocida de Warhol es quizás la caja de Brillo. Brigid Berlin y el antiguo editor de la revista Magazine. un espectáculo de danza contemporánea coreografiado por Merce Cunningham en 1968. El título de esta obra se debe a una hoja dorada que decora sus páginas. yum. una revista de moda que aún hoy se publica. (1980. "The Andy Warhol Diaries" (1989. Bob Colacello. que reúne numerosas y delicadas ilustraciones de jóvenes. pero pronto evolucionó hasta incluir observaciones personales y comentarios artísticos. Llamaba al aparato como "mi esposa". una réplica serigrafiada sobre madera de las cajas de un detergente bastante conocido. Fue enterrado con un ejemplar de su querida publicación. ISBN 0-446-39138-7). [editar] Otros medios Como se ha señalado. Ho. "Clouds" fue también el título de una parte del RainForest. yum. Su libro de dibujos más aclamados es quizás A Gold Book. Shoes.

La obra estaba presentaba a Jayne County como el personaje de Vulva. Warhol también realizó un anuncio de televisión para la cadena de restaurantes Schrafft's. multimedia y happenings en fiestas y lugares públicos. y su personal visión de la fotografía instantánea tuvieron una fuerte . una breve incursión como modelo de pasarela. la colaboración de Warhol con The Velvet Underground fue una vertiente muy destacada de su expreso deseo de convertirse en productor de música. proyecciones de diapositivas y en alguna ocasión incluso espectáculos de BDSM con su amigo Gerard Malanga ataviado de vinilo y blandiendo un látigo.que reunía y sellaba dentro de cajas de cartón que él llamaba cápsulas del tiempo. El Exploding Plastic Inevitable de 1966 fue la culminación de su trabajo en esta área. como The Love Boat. "Pork" se basaba en la grabación de conversaciones sostenidas entre Brigid Berlin y Andy. basado en su célebre frase sobre los "quince minutos de fama" que todo el mundo deberíamos tener. Warhol solía utilizar fotografías que eran sacadas indistintamente por él o por alguno de sus asistentes. La Time Capsule. de Nueva York. un programa especial sobre su tema favorito: Nada. la moda era uno de los mayores intereses de Warhol. y de enorme éxito.      Por otra parte.50 Teatro: "PORK". Posteriormente fue llevada al Roundhouse de Londres para una gira más prolongada durante 1971. Tom Bosley -quien actuaba con Ross en el sitcom Happy Days. La aportación personal de Warhol a la moda pasaba por impresiones serigrafiadas sobre la tela.48 Warhol siempre manifestó su entusiasmo por un programa televisivo que quería llamar The Nothing Special". Warhol frecuentaba otras emisiones. libros sobre moda y por supuesto los célebres zapatos que tanto le gustaba pintar. y que trataban sobre las cintas que Brigid había grabado durante charlas con su madre. se estrenó el 5 de mayo de 1971 en el teatro LaMama de Nueva York. manifestó siempre su intención de convertirse en diseñadora de moda. una de las muchas "superestrellas" de Warhol. y su buen amigo Halston lo fue. y aguantó dos semanas en el escenario. Una de sus más conocidas superestrellas. de Andy Warhol. incluso billetes de avión y restos de comida. todas adecuadamente fechadas y clasificadas.49 Una frase supuestamente atribuida a Warhol dice que "preferiría comprarme un vestido y colgarlo de la pared antes que poner un cuadro. Edie Sedgwick. Su aproximación fotográfica a la pintura.su dudoso pasado como Marina del Rey. Para producir sus litografías. creada en 1973. objetos de infancia. Para la fecha de su muerte. en el que una mujer casada de nombre Marion Ross temía que Warhol revelase a su entonces marido. existían cerca de 600 de estas cajas. es una pieza con la que Warhol quería rescatar objetos de su entorno cotidiano -cartas. quien fundó Interview como un apasionado experto en la materia. en los que combinaba música. Además de las apariciones en sus propios programas. El anuncio promocionaba un postre helado apropiadamente llamado "Underground Sundae". Perfomance: Warhol escenificó con sus conocidos diversos montajes teatrales. y Cherry Vanilla como Amanda Pork. Estas imágenes solían tomarse con un tipo de cámara Polaroid que la marca decidió mantener en producción únicamente para satisfacer a su insigne cliente. la Andy Warhol's TV (1982) y Andy Warhol's Fifteen Minutes (1986). periódicos. suvenires. ¿tú no?". Al final de su carrera creó dos programas televisivos. Las "cápsulas" están ahora reunidas en la colección del Andy Warhol Museum. Indudablemente.

1967-1973: "Factory".55 . Casa: 57 East 66th Street (la última casa de Warhol).53 La fundación Andy Warhol publicó su informe anual especial del 20 aniversario en 2007. con la excepción de algunos fotogramas de películas de Warhol. mientras que las imágenes en diapositiva son gestionadas por Art Resource. está dividido en tres tomos. El último estudio en que Warhol trabajó estaba en el 158 de la Madison Avenue de Nueva York. Asistencias y exposiciones.        Factory: 1342 Lexington Avenue. Todas las imágenes digitalizadas de obra de Warhol son propiedad de Corbis.52 Por otra parte.54 La fundación sigue siendo el mayor donante de becas para las artes visuales en los Estados Unidos. dedicada al comercio virtual. Programa de Legado. El edificio actualmente no existe. 1987-2007. así como la dirección de algunos de sus domicilios conocidos. en el 33 de Union Square. en el 22 East 33rd Street. a saber: Vol. influencia en la fotografía artística posterior. La siguiente lista refiere sus sucesivas localizaciones. el edificio ha sido completamente remodelado.) 1984-1987: "Factory". Warhol era un notable fotógrafo y disfrutaba retratando a sus numerosos invitados en la Factory. Warhol utilizaba los ordenadores Amiga para generar imágenes con el apoyo de Amiga. entre 2000 y 2001 fue la sede de la asesoría Scient. Inc. siempre dentro de la ciudad de Nueva York. [editar] La Factory de Nueva York El célebre estudio de Warhol cambió en numerosas ocasiones de dirección. II. I. [editar] Legado La Artists Rights Society (el equivalente a la SGAE española) es la representante legal de los derechos de propiedad de las obras de la Fundación. El edificio actualmente no existe. la fundación tiene acuerdos en lo relativo a sus imágenes de archivo. También mostró la diferencia entre slow fill y fast fill en un programa en directo en la televisión. Casa: 1342 Lexington Avenue. con Debby Harry como modelo. Vol. en el 860 de Broadway (cerca del 33 de Union Square. 1973-1984: "Factory". 1963-1967: "The Factory"en el 231 East de la 47th Street.51 El representante legal de dichos fotogramas es el Museo Warhol de Pittsburgh. la Factory original. y Vol. III. Una de las contribuciones menos conocidas de Warhol al mundo artístico es su producción como artista digital.

Hacia el final de la grabación. un epígono de The Velvet Underground. interpretada por Sienna Miller y Hayden Christensen y que versaba sobre la vida de Edie Sedgwick fue lanzada una semana antes de la muerte de Warhol. sin embargo el disco sería la causa de la revitalización del grupo The Velvet Underground.56 Arifa Akbar. fue interpretada por Lou Reed y John Cale. Una película titulada "Factory Girl". una obra conceptual encargada por la Academia de Música de Brooklyn y The Arts at St. Taylor Mead e Ivy Nicholson. "Drella" era un apodo acuñado por la estrella Ondine para Warhol. En el 20 aniversario de su muerte el hotel Gershwin de Nueva York celebró un ciclo de actos homenajeando el arte de Warhol -y sus "superestrellas"-. un pase de moda y Blondie actuó en el acto de clausura. de Nueva York. La actuación fue grabada por el director Ed Lachman el 6 de diciembre de 1989. Las canciones se agrupan en tres categorías: Una interpretación semi-fantástica desde la perspectiva de Warhol. una exposición que incluía obras de algunas de las "superestrellas" -Ultra Violet. así como una joven generación de epígonos de Warhol. La galería se modificó para parecerse a la plateada Factory.56 Dos años tras la muerte de Warhol.58 Reed y Cale habían estado interpretando las canciones en directo desde 1989 como un ciclo de canciones antes de entrar en un estudio. En este disco.59 Aunque el álbum fue ideado como una unidad indivisible. Hubo una ceremonia de premios. Billy Name. . En 2007. En 1990 fue publicada en forma de CD en un envoltorio negro de textura aterciopelada por Sire Records. de The Independent señaló que la perspectiva de Vine sobre la cultura de la celebridad podía adscribirse a la tradición warholiana. Reed se disculpa ante el difunto Warhol y pone las bases para una reconciliación a su conflicto personal. se lanzó un sencillo titulado "Nobody But You". crónicas en tercera persona de su vida y sus asuntos.60 Vine ha declarado sentir una fuerte relación hacia Warhol. una "descendiente de Warhol". el Financial Times definió a la pintora británica Stella Vine como "una descendiente de Warhol". y se centra en sus relaciones personales. Al mismo tiempo. y otra perspectiva más emocional guiada por comentarios sobre Warhol de Reed y Cale. "Songs for Drella". debido a diferencias personales. indicando61 que es "el mismo tipo de persona que él" (sic). Una escultura interactiva de Cynthia von Buhler titulada "The Great Warhola" presentaba a Warhol como una máquina tragaperras que adivinaba el futuro. Ann's. la galería Carrozzini von Buhler de Nueva York organizó "Andy Warhol: In His Wake". Cale prometió no volver a trabajar jamás con Reed.57 "Songs for Drella" presenta una especie de descripción literaria de la vida de Warhol. y editada en formato VHS y laserdisc. un cruce entre Drácula y Cenicienta muy popular entre los allegados al artista.La pintora inglesa Stella Vine: Según el Financial Times.

[editar] Museos Existen dos museos dedicados especialmente a Warhol. de Julian Schnabel. El museo se encuentra en la pequeña ciudad de Medzilaborce. fundado en 1991 por su hermano John Warhola. el pueblo donde nacieron los padres de Warhol. que trata sobre .000 piezas de Warhol. El Andy Warhol Museum. a 15 kilómetros de Miková. de Mary Harron. [editar] Andy Warhol en la ficción Warhol (derecha) con el director Ulli Lommel en el rodaje de Cocaine Cowboys (1979) en la cual se interpretaba a sí mismo. Warhol actuó en la película Cocaine Cowboys (1979). es el mayor museo dedicado a un solo artista en todos los Estados Unidos. Sean Gregory Sullivan también retrató la vida de Warhol en 54(película) (1998). Pensilvania. Por otra parte. Con sus más de 12. El segundo museo dedicado a la memoria de Warhol es el Andy Warhol Museum of Modern Art. y por Jared Harris en la película I shot Andy Warhol (1996). La última producción relacionada con Warhol es el largometraje Factory Girl (2007). En 1979. el Ministerio de cultura del gobierno eslovaco y la Warhol Fundation de Nueva York. por David Bowie en Basquiat (1996).62 Después de su muerte. Warhol fue interpretado por Crispin Glover en la película de Oliver Stone The Doors (1991). muchas películas del cineasta de vanguardia Jonas Mekas muestran imágenes de la vida de Warhol.La sede del Andy Warhol Museum en Pittsburgh. en Eslovaquia. en Pittsburgh. uno de los Museos Carnegie de Pittsburgh está localizado en el 117 de Sandusky Street. Warhol también aparece como un personaje de la ópera de Michael Daugherty Jackie O (1997). El actor Mark Bringlesson hace una breve aparición como Andy en Austin Powers (1997). El museo aloja numerosas obras originales cedidas por la Warhol Foundation y algunos objetos personales donados por los parientes de Warhol.

U&lc. Fue docente de la HfG de Ulm en Alemania y uno de los impulsores. 30 de agosto de 1996) Diseñador gráfico y profesor universitario de origen suizo. MüllerBrockmann fue nombrado consultor de diseño para Europa de la empresa IBM. En 1958 se convirtió en editor y fundador. junto con Armin Hoffmann. Desde 1951 produjo carteles de conciertos para el Auditorio de Zurich. diseñador gráfico y tipógrafo norteamericano. Fue uno de los fundadores de ITC. y de Historia de la comunicación visual [Geschichte der visuellen Kommunikation. Sus trabajos comprenden packaging. Carlo L. de la revista New Graphic Design (también Neue Graphik y Graphisme Actuel) que. Zürich] en 1971. uno de los innovadores tipógrafos americanos. Herb Lubalin estudió en la Cooper Union School y muy pronto comenzó a trabajar como director creativo e diversas agencias para crear en 1964 su propio estudio. . 9 de mayo de 1914 – Unterengstringen. Fue autor de las influentes obras El artista gráfico y sus problemas de diseño [Gestaltungsprobleme des Grafikers. junto con Richard P. revolucionó el diseño gráfico. caracterizada por la sencillez y la claridad y por el uso de la retícula. Lubalin. Nació en Nueva York en 1918 y falleció en 1981. En 1936 abrió en esa ciudad su propio estudio. Lohse.63 Gus Van Sant planeó rodar una versión de la vida de Warhol. Su manipulación del tipo reflejaba un deseo de romper con la tradición y explotar las posibilidades tipográficas de los nuevos sistemas de fotocomposición. Teufen] e Historia del póster [Geschichte des Plakats.64 Josef Müller-Brockmann Josef Müller-Brockmann (Rapperswil. de la llamada Escuela Germano Suiza de diseño. rechazó la filosofía funcionalista de los europeos en favor de un estilo ecléctico y exuberante. la enciclopedia libre Saltar a: navegación. En 1966.la vida de Edie Sedgwick. diseño de exposiciones y fotografía. con River Phoenix en el papel protagonista. diseño editorial. fue director artístico. en 18 números y entre 1958 y 1965. International Typeface Corporation de cuya revista Upper and Lower Case. Teufen] y Sistemas de retículas en el diseño gráfico [Rastersysteme für die visuelle Gestaltung] en 1961. Estudió arquitectura. búsqueda Herb Lubalin. pero el proyecto quedó frustrado con la muerte del actor en 1993. Vivarelli y Hans Neuburg. diseño e historia del arte en la Universidad de Zúrich y en su Kunstgewerbeschule (Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos). Herb Lubalin De Wikipedia. especializado en diseño gráfico.

Aaron Burns y Edward Rondthaler con el objetivo de rediseñar tipos clásicos para fotocomposición y crear otros nuevos que tuvieran en cuenta las formidables posibilidades del nuevo medio. diseñador gráfico y magnífico director de arte de tres grandes revistas: Esquire. en este sentido. adquiría una exuberancia y vitalidad enormes. De los años sesenta es su conocida propuesta para Mother & Child. desarrolló una carrera exitosa como fotógrafo al crear imágenes que han perdurado a través del tiempo hasta nuestros días. el más decidido representante de una corriente en favor de los retruécanos visuales y la ironía visual. Como diseñador editorial fue responsable del Saturday Evening Post. 14 de febrero de 2005) fue un gran fotógrafo. Austria. Avant Garde y la citada U&lc. en ocasiones. Fue reconocido por su trabajo elegante y sofisticado. Harper's Bazaar y Show en las décadas de 1950 y 1960. Lubalin es. ITC fue fundada por Lubalin. de claras formas y contenidos literarios. diseño gráfico Henry Wolf (Viena. . gracias a su enorme dominio de las formas escritas. Además. pero que. Lubalin creó su conocida tipografía del mismo nombre comercializada por ITC desde 1970 para la que también creó con Toni DiSpigna la Serif Gothic. e integrando valores del pasado con la búsqueda de lo nuevo. Para Avant Garde. 23 de mayo de 1925 . la enciclopedia libre Saltar a: navegación. Henry Wolf De Wikipedia. Eros. Lubalin se había iniciado en la publicidad lo que explica su capacidad para conectar con gustos mayoritarios y a la moda.creación de alfabetos y publicidad. en la que era patente su habitual utilización de juegos formales de naturaleza trivial y. fue un referente del diseño de revistas y de empresas editoriales de Estados Unidos. escasamente original. La influencia de ITC en el diseño gráfico mundial se vio favorecida por la extraordinaria difusión de su boletín U&lc notablemente influido por las ideas tipográficas de Lubalin y otros creadores como Ed Benguiat. búsqueda Henry Wolf Nacimiento Fallecimiento 23 de mayo de 1925 14 de febrero de 2005 Nueva York (Estados Unidos) Área Fotografía. Estados Unidos. Considerado una figura clave dentro del diseño gráfico del siglo XX.Nueva York.

donde Wolf asistió a clases en la School of Industrial Arts de la calle 40 Oeste. Después de ser arrestados por los alemanes y vivir en dos campos de internamiento en Marruecos.y luego tuvieron que marchar al Norte de África. consiguieron evadir a los nazis gracias a la intervención de un tío suyo en Nueva York. colaboró con editores para definir la personalidad de la publicación. Su familia era judía. A finales de 1941 llegaron a la ciudad de Nueva York. Henry Wolf seleccionó tipografias.2 Su vida profesional 2 Distinciones importantes 3 Conferencias destacadas 4 Muestras de su trabajo 5 Véanse también 6 Bibliografía 7 Enlaces externos [editar] Biografía [editar] Sus primeros años Henry Wolf nació en Viena en 1925. En 1943. donde él pudo asistir a algunas clases de arte . donde vivía gran parte de su familia. se alistó en el Ejército norteamericano durante la II Guerra Mundial. fotografías surrealistas e ilutraciones conceptuales. participó en el desembarco en Filipinas y llegó a Japón después del bombardeo de Hiroshima. Sirvió en una unidad de inteligencia en el Pacífico hasta 1946. [editar] Su vida profesional  Trabajos para revistas . Pero todo esto cambió en 1938.Su obra se caracteriza por su simplicidad y el uso de tipografia expresiva.1 Sus primeros años o 1. o no y decidió qué representar en las portadas. Contenido        1 Biografía o 1. En vez de ocuparse exclusivamente del diseño y la maquetación existente. en una casa construida en la decada de 1860. Destinado a Asia. También trabajó en pequeños estudios de diseño y talleres de tipografía e impresión. comisionó a fotógrafos e ilustradores. cuando la Alemania nazi se anexionó a Austria. por lo que tuvo que emigrar. Pasaron tres años de odisea por Francia. cumplidos los 18 años. año en que entró a trabajar en una pequeña agencia de publicidad. Esto hizo que Henry tuviera que cambiar a menudo de escuela. reconocidos. Hasta que Henry tuvo 13 años su infancia fue normal y segura.

La fotografía fue la fuente del arte de Wolf. Melvin Sokolsky. como director de arte. quien no dejó de utilizar las cámaras en sus actividades. en las numerosas portadas. treinta páginas consecutivas de la revista para diseñar libremente. La sofisticación y creatividad de la fotografía de Harper's Bazaar durante su dirección fueron extraordinarias y significó un cambio definitivo con respecto al modo en que las publicaciones presentaban un objeto. Desarrolló diversos elementos de su sensibilidad pictórica. Wolf tuvo como maestro en el diseño y la fotografía al ruso Alexey Brodovich. que hoy son verdaderas obras de arte. ropa. La fotografía de Wolf fue realizada para la comunicación visual de la sociedad como elemento productivo de diseño periódistico y de obras de arte fotográficas. Dio a conocer a fotógrafos de moda como el jovencísimo. Henry Wolf decidió dejar la profesión de director de revistas editoriales porque la impresión se desvalorizó frente a la televisión y los editores se centraron más en ganar dinero con la publicidad que en la comunicación visual. otra leyenda de las revistas y uno de los pioneros en introducir el modernismo europeo en Estados Unidos. Fue una publicación de corta duración. La visión de Wolf de la portada de la revista fue una imagen simple que comunicaba la idea visual. Creó el diseño y ayudó a desarrollar el concepto de una nueva revista de artes como icono de estilo del diseño editorial. diseñando publicaciones y posters gubernamentales para su distribución en el extranjero. Seis años después. entre otros. Su objetivo era hacer hermosas visualmente las revistas que diseñaba. experimentando con la tipografía y utilizando imágenes simples pero exquisitas. irreverencia y elegancia. la célebre publicación de moda. o una modelo. que sólo tenía 21 años entonces. Él mismo llegó a afirmar que dejó Harper’s Bazaar cuando no pudo conseguir. llevando a las portadas una lúdica mezcla de surrealismo.  Trabajos para agencias publicitarias Después de diez años de trabajos para revistas. que exploró durante tres años un nuevo territorio de diseño innovador. a los 26 años es nombrado director de arte y se convierte en uno de los más jovénes directores de arte de grandes revistas nacionales. Art Kane y Saul Leitner.La entrada de Henry Wolf en el mundo del diseño editorial fue muy precoz. la ilustración y los titulares. como resultado de la creativa dirección artística de Wolf. En sus portadas es posible reconocer citas a Magritte y Dali. Desarrolló una narrativa con un diseño conceptual que se utilizaba el collage. Rediseñó el formato de Esquire con gran énfasis en el uso del espacio en blanco y grandes y sofisticadas fotografías. A pesar de pequeñas disputas con Arnold Gingrich. Con este destacado mentor. sofisticado e innovador a la revista en un ambiente creativo con fotógrafos e ilustradores. editor de Esquire. Trabajó junto con los fotógrafos Richard Avedon. cuando su maestro Brodovich se retiró en 1958. su atención se desvió hacia la publicidad y la fotografía. consiguió darle un estilo renovado. Wolf lo sustituyó como director artístico de la revista Harper's Bazaar. incluso sofisticadas. En 1961 Wolf dejó Harper's Bazaar para diseñar la nueva revista de espectáculos Show para A&P Heir Huntington Hartford. ya en 1953. en la que influyeron también las clases recibidas por el cubista norteamericano Stuart Davis. En 1951 empezó trabajando para el Departamento de Estado. por el contenido editorial. Ante todo Wolf fue un fotógrafo: su faceta de diseñador vino impulsada por la fotografía. . Su carrera profesional propiamente dicha comenzó en 1952 cuando entró como diseñador en la revista Esquire. Man Ray.

Fue incluido en Hall of Fame de la Royal Society of Arts en 1980. Después se unió a la agencia pionera de publicidad de Jane Trahey y crearon conjuntamente Trahey/Wolf en 1966. Wolf era el vicepresidente ejecutivo y director creativo. se unió a Jack Tinker and Partners. Buick. Obtuvo el premio Herb Lubalin de la Sociedad de Diseñadores de publicación en 1989. Se casó primero con Renate Elias y después con Macha Meril. divorciándose de las dos. Dirigió importantes campañas publicitarias y proyectos para Alka Seltzer. Dick Rico y Stu Greene. Destacaronn sus clases de diseño gráfico sobre revistas y fotografía en la la Parsons School of Design de Nueva York. A finales de 1961. inteligencia y claridad. Margin.Wolf convirtió la palabra en imagen. Mary Wells. Wolf amó a las mujeres. IBM. Charles of the Ritz. Gilette. Geigy. a los 79 años. A lo largo de su vida. Esta independencia y el ritmo más moderado de sus trabajos le permitieron desarrollar su faceta de profesor en los años noventa. [editar] Distinciones importantes       Durante su larga y distinguida carrera Henry Wolf recibió más de 30 premios. en 1988. Henry Wolf murió el 14 de Febrero de 2005 en su apartamento de Manhattan. Coca Cola y Philip Morris. Fue miembro y director del Art Directors Club of New York. Recibió la medalla por el American Institute of Graphic Arts (AIGA: Instituto Americano de Diseño Gráfico) el 12 de Octubre de 1976. I. y Rich dejaron de colaborar. en School of Visual Arts de Nueva York y también en The Cooper Union de Nueva York. principios y pensamientos sobre el diseño culminaron con la publicación del libro Pensamiento Visual: métodos para la toma de imágenes memorables. Fue homenajeado como diseñador gráfico por la Royal Designer for Industry de Londres en 1990. . los coches. Revlon. Backgama Mink. a cargo de la dirección de arte y la fotografía. En los cinco años siguientes trabajó en numerosas campañas publicitarias de renombre para Saks Fith Avenue. asociada de las compañias Interpublic Group y McCann Erickson. la pintura y la fotografía y no le atrajeron nada los ordenadores y los móviles. donde experimentó con nuevos enfoques publicitarios. Abandonó la compañía cuando Wells. Esta fue una empresa que se creó para desarrollar marketing con innovación y creativas campañas publicitarias experimentales. Su trabajo incluye algunas campañas memorables. Union Carbide y otas grandes empresas. en Nueva York. Fue director de arte de la agencia de publicidad McCann Erickson en 1965. Greene. El equipo compuesto por algunos de los grandes talentos del mundo de la publicidad de la década de 1960: Bob Wilvers. el concepto en obra fotográfica. aunque había dado clases de forma intermitente desde mediados de la década de 1950 en varias universidades. pero lo que distinguió su trabajo en todas estas áreas fue su lucidez. Xerox. Sus instrucciones. Elizabeth Arden. la idea en reproducción.

Hasta la retrosprectiva de septiembre de 2003 en Sotherby. Los términos arte. Diamante de 20 kilates. ojo asiático. mucho menos conocidas. 79 fotografías y 32 pinturas. conexiones. El rol de la TV en las elecciones.  Fue nombrado doctor honoris causa en Bellas Artes por la Parson School of Design de Nueva York en 1996 y por Corcoran College of Art and Design en Washington. no se dieron a conocer destacados cuadros suyos. Brooke Shields. Wolf afirmó que una revista no debía sólo reflejar una tendencia sino que tenía que ayudar a que se inicie una. Se desconocía su faceta como pintor. Aurore Clement. Visual Arts Foundation de Nueva York contiene más de 900 imágenes que provienen de una donación de su hermana. Azotea en Algeria. junto con un intenso estado de ánimo. Xerox rayos x. Día de lluvia. Magritte. dio otra conferencia What’s Wrong With Magazines. pero también combinó un tema con otro de manera no ortodoxa. etc. comiendo kosher. en el Museo de Bellas Artes de Buenos Aires. La carta. En los años 60. De sus magníficas fotografías destacan algunas tituladas: Barbados. Frontera. Woody Allen. Crepúsculo romano. Kaoru. Almuerzo de negocios. [editar] Muestras de su trabajo Para Wolf el estilo y el contenido son los dos factores de los cuales depende la fotografía. En 1965. Huevo. El Vaticano. pero tienen un lado oscuro que no aparece en su trabajo de arte comercial. como hacía el dadaísmo. Love. Fue miembro de Alliance Graphique Internationale. Audrey Hepburn. Henry dio una conferencia titulada Art. Fruta en movimiento. [editar] Conferencias destacadas Henry Wolf fue ante todo un gran comunicador. amor. Telescopio. Meryl Streep. Paisaje marroquí. publicada en la revista Print. Museo. Se trata de un gran archivo de . Color. Camino equivocado 2. En 1996 con motivo de una exposición con parte de su obra. dos años antes de su muerte. propias de los poetas y artistas del surrealismo. Puertas. intrigantes narraciones y el clasicismo que evocan las pinturas al óleo. Henry Wolf fue entrevistado por Jacqueline Parisier. Sus pinturas. para dicha institución. tiempo y dinero fueron los cuatro elementos obsesivos que aparecieron en su trabajo. Argentina. Henry Wolf Collection del Milton Glaser Design Study and Archives. Realizó combinaciones inesperadas. Se trató de una fascinante exposición de cuadros que reflejaban la composición impecable de sus fotografías de moda y la elegancia que le caracterizaba. Sus pinturas más significativas se titularon: Castillo sueco. Joan Slawson. La novia. Estos cuadros fueron fruto de 30 años de trabajo con pasion y creatividad. Esta entrevista fue públicada en el libro de dicha exposición. Arboles. Vieja y nueva Inglaterra. Balthus. reflejan su interés por el surrealismo y están influenciadas por el trabajo de Chirico. El joyero. Time and Money.

la enciclopedia libre Ir a: navegación . Este es el título dado por Wolf a un libro suyo de 1988. recortes de noticias. posters. diseños de revistas. Art. Sirve para impartir un curso introductorio de fotografía y dar oportunidad a estudiantes de escuelas públicas de aprender de los mejores fotógrafos. el gran diseñador Milton Glaser afirmó en este libro que el mundo que creaba. en el que pasa revista a su extensa obra y enuncia métodos para hacer imágenes memorables. Henry Wolf Photography Workshop es un taller de fotografía que se celebra anualmente en honor al célebre fotógrafo. revistas.  Wolf. Jorge: Henry Wolf. Photography Book. cubiertas. Glusberg. Tras haberle otorgado la medalla por el American Institute of Graphic Arts en 1976. la forma y el lugar correcto.consulta. Entre sus numerosos documentos se encuentran fotografías. ensayo crítico (1996). diapositivas. a restrospective (1976). etc. Enfatizó que cada elemento tenía el tamaño. diplomas.   Kane. búsqueda David Carson 08 de septiembre 1954 Estados Unidos Nacido . correspondencia. diseñador o fotógrafo se caracterizaba por la forma y el contenido literario. premios. como director de arte. David Carson (diseñador gráfico) De Wikipedia. Henry: Visual Thinking: Methods for Making Images Memorables (1988). anuncios publicitarios. Henry Wolf escribió la introducción. [editar] Véanse también     Alexey Brodovich Esquire Harper's Bazaar Show [editar] Bibliografía  AIGA: Henry Wolf.

Paul Rand. que también pasó a ser el profesor de este curso. con Milton Glaser. Él es mejor conocido por su innovador diseño de la revista. Sony. haciéndolos casi ilegibles. a raíz de la nueva ola de California. Pepsi. impartido por Boelts Jackson. la Universidad de Yale. En un reportaje. en 1983. Surfer. la revista Newsweek dijo que "cambió el rostro público del diseño gráfico". Carson fue la enseñanza de sociología en la escuela secundaria del mar de California. El primer contacto real de Carson con el diseño gráfico fue realizado en 1980 en la Universidad de Arizona en un curso de dos semanas de gráficos. incluyendo twSkateboarding. Hans-Rudolf Lutz .UU. incluyendo Microsoft. y el uso de experimental tipografía . así como Oregon College of Art de Comercio. [ editar ] Carrera . Armani. [1] [ editar ] Biografía Nació el 8 de septiembre de 1954 en Corpus Christi . cuando fue a Suiza. y Europa y ha dado conferencias frecuentemente en todo el mundo. Sus diseños destacados distorsiones o mezcla de "lengua vernácula" tipos de letra y las imágenes fracturadas. Toyota y muchos otros.Nacionalidad Americano Campo Diseño de tipo + Diseño Gráfico David Carson (nacido el 08 de septiembre 1954) es un americano diseñador gráfico . el director artístico de la música diferentes. En la última década de 1990 añadió los clientes corporativos a su lista de clientes. British Airways. Él era el director de arte para la revista Ray Gun . y coincidiendo con los experimentos en la Academia de Arte Cranbrook. Carson tiene un Bachelor of Arts en Sociología . Después de haber trabajado como profesor de la sociología y la surfista profesional a finales de 1970. Asistió a San Diego State University . Más tarde. bajo Saúl y Massimo Vignelli. ha vivido y viajado extensamente por todo los EE. En particular. Citibank. Desde entonces. Quiksilver. Se hizo famoso por su inventiva gráfica en la década de 1990. Magazine (Nueva York) una lista de los "más influyentes diseñadores gráficos de la época" David fue catalogado como uno de los todos los tiempos 5 diseñadores más influyentes. su máxima de "el fin de imprimir" cuestionó el papel del tipo en la era emergente del diseño digital. Texas. donde asistió a un taller de tres semanas en el diseño gráfico como parte de su carrera. De hecho. surf y revistas a través de la 1980/90s. Beach Culture y la pistola de la revista musical Ray. twSnowboarding. Cuando Diseño Gráfico EE.UU. Carson fue quizás el diseñador gráfico más influyente de la década de 1990. Aquí es donde conoció a su primera gran influencia. Carson llamó la atención de todo el mundo. su estética ampliamente imitado define el llamado "tipografía grunge" era. Como director de arte de Ray Gun (1992-5). skate. Nike. Levis.

. después de que su asistente Christa Smith dirección de arte y diseño de la revista hasta su desaparición. En 2004. que evolucionó a partir de un a-el comercio-suplemento anual. incluyendo AT & T . No tiene miedo de romper las convenciones. editado por el autor Neil Fineman-Carson permitió hacer su primera impacto significativo en el mundo del diseño gráfico y la tipografía. NBC . A fines de 1980 había desarrollado su propio estilo. . En este período. donde su madre les había trasladado. y en 1989. Ray Gun Carson hizo muy conocido y ha atraído nuevos admiradores de su trabajo. publicaciones como el New York Times (mayo 1994) y Newsweek (1996) aparece Carson y el aumento de la publicidad en gran medida. Lotus Software . Carson se convirtió en el director de arte de Transworld Skateboarding revista. el texto completo fue publicado en una fuente legible en la parte posterior de la misma edición de Raygun. Aunque sólo seis ediciones trimestrales fueron producidas. el uso de "sucia" de tipo y no convencionales técnicas fotográficas. Carson fue calificado como el noveno mejor surfista del mundo. Giorgio Armani . Nike . el tamaño tabloide local. Washington. en un tema que utiliza Dingbat como la fuente de lo que él consideraba una entrevista bastante aburrido con Bryan Ferry . y comenzó a atraer a los principales clientes de todo Estados Unidos. Una temporada en Cómo revista (una revista especializada dirigida a los diseñadores).Durante el período de 1982-1987. y más tarde trabajó para una gran variedad de nuevos clientes. Budweiser . MGM Studios y Nine Inch Nails . Carson trabajó como profesor en Torrey Pines High School en San Diego . CNN . Durante los próximos tres años (1995-1998). quiksilver . Princo . En 1983. Lucas y luci. British Airways . diseñó el "crowfiti" tipo de letra utilizado en la película The Crow: City of Angels . Ray Ban (orbes del proyecto). en Nueva York. en el que la legibilidad a menudo basado en la atención del lector estricto (por una función en un surfista ciego. Toyota . Él. Suzuki . Carson cerró estudio de Nueva York y siguió a sus hijos. con una repetición del motivo asterisco). Carson y pronto fue contratado por el editor Marvin Scott Jarrett para el diseño Ray Gun. incluso por aquellos que no les gustaba de su trabajo. Lycra . Carson comenzó a experimentar con el diseño gráfico y se vio inmerso en la cultura artística y bohemia de California del Sur. los editores de la revista Surfer (y más tarde en Surfers Journal) Carson aprovechado para diseñar Cultura Playa . Sony . de Charleston. Carson se convirtió en el director creativo de Gibbes Museum of Art de Charleston. Fox TV . Packard Bell . Kodak . American Airlines y Levi Strauss Jeans. David diseñó el primer número y las cubiertas de los tres primeros. Nissan . MTV Global. Oro Cuervo. [3] (Sin embargo. Johnson Fundación contra el SIDA . y dirigió un comercial de televisión para Umpqua Bank en Seattle. David Carson Design. El nombre y diseñó el primer número de la revista Azul aventura estilo de vida. Warner Bros. Carson estaba haciendo un trabajo para Pepsi Cola . una revista de las normas internacionales que había música y estilo de vida como su sujeto. Entre otras cosas. Microsoft . seguido. Diseño de Carson. en 1997. la cobertura de la primera edición fue seleccionado como uno de los "cubre la parte superior revista 40 de todos los tiempos" En 2000. también era un surfista profesional. California. con ideas innovadoras que fueron llamados. [2] y Steve Pezman Debbee. Mercedes-Benz . Carson abrió con una extensión de dos páginas cubiertas de negro). Carolina del Sur. En 1995. Carson fundó su propio estudio. ha diseñado el especial de "Exploración" edición de la revista Surfing. junto con Tina Meyers. Cultura Playa de la nueva publicación trimestral llamada. Intel .

Chile. Francia. en general. También se desempeñó como Director de Diseño para el concurso de 2011 Quiksilver Pro Surf en Biarritz. Se vendieron más de 200. "David Carson sigue siendo una de las voces más distintivas tipográficos mundos . Suecia. [ editar ] Bibliografía . y varios estados en los EE. Carson diseñó la portada del verano de 2011 "El tiempo del arte basado en" cuestión de Mercurio y el catálogo de revista en Portland. San Sabastion. llevado a cabo talleres y exposiciones en Francia. Argentina. AIGA (American Institute of Graphic Arts) llamado Carson "nuestra estrella más grande".nyc). seguido en 1997. Londres. Los Angeles. así como las características grandes en los periódicos más grande de España y de Portugal. El tercer libro que Carson fue publicado Fotografiks (1999) que obtuvo el Premio de Carson Mejor Uso de Fotografía en Diseño Gráfico. mientras que el diseño educador e historiador Ellen Lupton. Cuarto libro de Carson. Su segundo libro. En 1998. Oregon.Carson afirma que su trabajo es "subjetivo. Carson ha sido invitado a juzgar a los Premios de Diseño Europena en Londres (DD + A) en 2010 y 2011. Trek. Alemania. La revista Ojo (Londres) produjo un modelo gráfico que muestra Carson a ser el más 'google' diseñador gráfico nunca. personal y auto muy indulgente". Vista segundo. pero nunca igualado" (ID Mag. [ editar ] Publicaciones En noviembre de 1995. Carson trabajó con el profesor John Kao de la Escuela de Negocios de Harvard en un documental titulado "El arte y la disciplina de la creatividad". Desde 2010. ha dado conferencias. Ucrania. Portugal. Madrid. Australia. dijo después del lanzamiento del cuarto libro de David Trek. Italia.000 ejemplares en cinco idiomas diferentes y pronto se convirtió en el best-seller en todo el mundo del diseño gráfico. Serbia. fue lanzado en 2000. Brasil. pero en realidad era la elaboración de los ojos del espectador más profundo dentro de la propia composición. dijo: "Él influyó significativamente en la generación de abrazar la tipografía como un medio de expresión". Él tomó la fotografía y el tipo y manipulados y retorcidos juntos y en algún nivel confuso el mensaje.UU. incluso en 2010/11 ". Carson publicó su primer libro de la final de la impresión . Novi Sad. India. Carson continúa dando conferencias extensivamente en todo el mundo. Carson en 2010 trabajó como director creativo mundial de Bose Corporation. la comprensión visual de la generación MTV . Se dice que este libro simplemente cambió el rostro público de diseño gráfico (Newsweek). También diseñó una serie de tres carteles para el San Sebastián Festival Internacional de Cine en España y en las portadas de Huck y Little White Lies revistas.muy imitada. y diseñó la marca para el Quiksilver Pro 2011 en la ciudad de Nueva York. Los trabajos de Carson es conocido entre la generación que creció con la revista Ray Gun. de la revisión el New York Times y numerosos libros de diseño. Carson también se ofrece en La historia del diseño gráfico de Philip Meggs y la enciclopedia del surf por Matt Warshaw . y. Fue presentado en 2011 en las entrevistas en la revista Vice y Niños Monstruo. Steven Heller.

De oro se ganó una reputación de excelencia de siempre luchando por una solución perfecta. Marshall. Después de su graduación de la escuela en 1928. los diecisiete años dejó su hogar de Oro y se mudó a Los Angeles para trabajar por un fotograbado y la litografía firme. la producción de un diseño original y distinguido para transmitir el mensaje. Él es mejor conocido por su trabajo en la Columbia Broadcasting System . . McLuhan. ISBN 0811811999 . Stecyk. Mayne. Centro Internacional de Fotografía Diseñador del Año 1999. Carson. Gingko Press. Gingko Press. Vista segundo : diseño Grafik Después del fin de la impresión. Thom. Philip B. 1959) es considerado como uno de los pioneros de América diseño gráfico . El fin de la impresión :. David (2004) Trek:. ISBN 3775716521 . David Carson ha ganado más de 170 premios por su trabajo en diseño gráfico. Eric McLuhan . y mientras que en Los Angeles también trabajó en el departamento de arte del examinador . ISBN 1584231130 . El diseño gráfico de David Carson Chronicle Books . Terrance Gordon (2003) El libro de las sondas. ISBN 1856691713 . Editorial Universo. [ editar ] Biografía William Golden nació en la parte baja de Manhattan el 31 de marzo de 1911. Su única educación formal fue en la Escuela Profesional de Varones. ISBN 1584230568 . Centro Internacional de Fotografía Maestro de la tipografía. David (1995).Londres. que evoluciona de contenido. sencilla para el problema que nos ocupa. a partir de la CBS Radio Departamento de Promoción (antes de la televisión existían) y que culminó en su cargo como director creativo de publicidad y promoción de ventas para la cadena de televisión CBS.. Oro regresó a Nueva . . [ editar ] Premios Durante el período de 1989-2004. en Nueva York. David Carson (2002) Cultura Surf: La Historia del Arte de Navegar. Laurence King. gráficos revista (NY) El diseñador gráfico más famoso del planeta. Hatje Cantz Editores. el menor de doce hermanos. la revista Creative Review (Londres) William Golden (marz 31. Werk recientes. Algunos de estos premios incluyen:        Mejor Diseño de conjunto. donde aprendió el fotograbado y los fundamentos de comerciales de diseño . Meggs. ISBN 1584230460 . Society of Publication Designers. Premio a la Mejor Uso de Fotografía en Diseño Gráfico Diseñador del Año 1998.. 1911 hasta oct 23. David Carson (2005) Ortlos: Arquitectura de las redes. David Carson (1999) Fotografiks : un equilibrio entre la fotografía y el diseño a través de Expresión Gráfica. David Carson. David (1997) David Carson:. Laguna Art Museum en asociación con Gingko Press.. Society of Publication Designers. Portada del Año. abril de 2004 . David Carson. en Nueva York. Craig. ISBN 0789301288 . Carson.       Carson.

Programa de oro de diseño va más allá de la promoción de la CBS como una red de radio. [1] [ editar ] Logros [ editar ] El logotipo de la CBS En conjunción con el tipo de letra Didot. Con este fin. Oro regresó a CBS como la televisión fue creciendo hasta convertirse en el principal medio de comunicación en Estados Unidos.. director de arte de la revista Condé Nast Publications... Sus anuncios destacó la capacidad de la radio para que los acontecimientos históricos a su público de una manera que ningún otro medio podía en ese momento. pero éste era algo que realmente funcionaba me sentí el ojo pudo haberse convertido en el símbolo corporativo vimos a los ojos como un símbolo de CBS "ver el mundo '" (Remington y Hodik. Golden empleó la tipografía Didot para usarlo como estilo principal tipo de materiales de promoción CBS. como una organización privada. 72). . entró en el Ejército de los EE. Golden desarrolló el famoso logo de CBS Eye. Oro lo recogió y lo utilizó para una cartera de CBS de ventas. De oro tuvo un permiso de ausencia en 1941 para unirse a la Oficina de Información de Guerra en Washington. Pineles Cipe. .. Golden izquierda Condé Nast y se unió al departamento de promoción de la CBS. Mientras que en Condé Nast. Kurt Weihs recordó que el ojo se inspiró en un artículo publicado en Alexey Brodovitch Cartera 's sobre el tema de la coctelera de diseño. DC En 1943. los espectadores de la cadena CBS. y sirvió en Europa como director de arte de los manuales de entrenamiento del ejército. Golden conoció a su esposa. Nos había hecho antes de los ojos. producción de anuncios que ayudó a definir la radio como un medio de comunicación. el nuevo trazado de cada personaje en la fuente de una ampliación que de oro que se les proporciona. Dado que el tipo de letra no era ampliamente disponible en los Estados Unidos en ese momento. una producción de Condé Nast Publications .York a principios de 1930. él sentía que había más a él y lo utilizó para un anuncio. y William de oro fue el principal arquitecto de la identidad de la cadena CBS. Todo el mundo lo habían hecho los ojos . donde trabajó durante tres años antes de ser promovido a director de arte . el personal de CBS diseñadores George Lois y Weihs Kurt se les asignó la tarea de "americanizar" la fuente. Mehemed Fehmy Agha . Sus esfuerzos condujeron a la CBS un nivel de elegancia visual que refleja el extraordinario sabor y la inteligencia del liderazgo corporativo y. A continuación. en última instancia. y vino a servir como aprendiz de Dr. Había llegado el momento de definir un estilo visual que identifique a sus televidentes de CBS. donde trabajó primero como diseñador de promoción de Hearst American Journal antes de unirse al equipo de House & Garden revista. Murió el 23 de octubre de 1959. Fue dado de alta de los militares en 1946 con el grado de capitán. En 1937.UU. "Entre las ilustraciones fue un símbolo del ojo.

vicepresidente de la cadena de televisión CBS. Debido a su respeto por el otro. Stanton y oro tuvo una relación muy productiva. constantemente empujando a los ejecutivos a gastar más en publicidad de la muestra que ha demostrado el respeto de la CBS para el buen teatro.. quien era entonces el jefe recién nombrado del Departamento de Investigación. Oro señaló: ". Ambos eran perfeccionistas . Aunque se le ofreció el cargo de vicepresidente a cargo de la publicidad y la promoción de ventas en CBS. [ editar ] formulario de Visual Temprano en su carrera en la CBS. sino de mantenerlo informado en cuanto a lo de Oro había decidido hacer. presentarán al jefe de la división de Oro. Golden respondió: . Estoy muy agradecido de que es una cosa tan versátil que parece no tener fin la cantidad de formas que se pueden utilizar sin perder su identidad" (Remington y Hodik. "En una ocasión. regresó con un mensajero con una nota que decía. buena música.El Ojo de pronto llegó a ser utilizado en todos los aspectos de identificación de la estación de televisión CBS. " Respuesta de oro fue para grabar un dibujo a lápiz a la esquina de una plataforma de distribución grandes y enviarlo de vuelta con este mensaje garabateado en la primera hoja: "? Que no es ¿Por qué no crear uno mejor" La lista de precios se produjo como se había diseñado "(Remington y Hodik. Weihs y Strunsky. a pesar de su amor por la creatividad. de oro fue capaz de establecer la dirección para la promoción de CBS y de la imagen. Los dos hombres construyeron una amistad en la creencia compartida en la eficacia de la buena forma visual y su ambición por la excelencia. Stanton y recordó que el oro "compartido una filosofía común sobre su trabajo y. el oro era muy consciente de la diferencia entre el artista plástico y diseñador. y el análisis de buenas noticias . Sin embargo. A pesar de que suelen presentar los diseños de Stanton. un diseño para un tipo de tarjeta. animados por la convicción de que el único camino posible para la publicidad de comando la atención y ser recordado fue presentar cada mensaje tan claramente que se destacan en el alivio de todos los demás "(Golden. Vamos a discutir. 74). en particular. prefiriendo mantener un firme control de los aspectos creativos de la imagen de la CBS en lugar de moverse en un un papel más administrativo. 74). De oro fue nombrado director creativo de la publicidad y la promoción de ventas para el canal de televisión CBS en 1951. 130).programas que destacó la reputación de la CBS como una empresa responsable.. Golden eligió seguir siendo el director creativo de la publicidad y promoción de ventas.. Le pide que defina la diferencia entre los dos. en la creencia de que el diseño era una alta prioridad dentro de la CBS y confiar en el sentido de Oro de forma visual. Debido a su amistad con Stanton.. [ editar ] El diseño y las decisiones empresariales De oro ayudó a dar forma a las decisiones empresariales. y que finalmente se convirtió en el presidente de la CBS. se entendió que no eran de Stanton para aprobar o rechazar. el trabajo de Golden llamó la atención de Frank Stanton . John Cowden." No me gusta mucho. acerca de la publicidad. Stanton dio autoridad de oro sobre la imagen de la CBS.

[ editar ] ¿Ves? . el espacio en blanco en el diseño funcionó como espacio negativo . se convierte en un profesional que pueda hacer algo especial. para ayudar a construir la asociación empresarial entre los ojos y la CBS. Así. y sus reacciones a su mundo le hace a una audiencia limitada.. y se utiliza una buena proporción entre el círculo exterior. Pero no vamos a encontrar más satisfactorio al pretender que es algo que no es "(Golden. el círculo interior y el espacio en blanco alrededor de la "pupila" del ojo. 79).. en lugar de tratar de hacer publicidad en las bellas artes. que se está comunicando algo que no es suya. "ver el mundo. y otros proyectos de diseño corporativo eran de una calidad estética bastante alto. pero ese algo especial. la vida de oro terminó abruptamente en la edad de 48 años. En muchos anuncios. y de vincular la identidad corporativa de CBS a los programas que se transmitió por la cadena CBS. El trabajo de Golden ética establecido un nuevo estándar para el diseño americano. dirigió y sostenido el programa visual de la CBS. por mantener una claridad de visión para hacer una solución sencilla de muchos elementos de diseño. ya que él desarrolló.. pero no se si [el diseñador] lo suficientemente honesto. y simboliza la CBS."Creo que el gran artista que hace una declaración personal sobre su mundo. todos los anuncios. original y distinguido. la manera de atraer la atención del público con el mensaje iba a ser sutil. talentosa e inteligente. que se. En el apogeo de su carrera.. o para una gran audiencia -... murió de un ataque al corazón el 23 de octubre de 1959. Diseño de oro ayudó a poner de relieve la reputación de la CBS como un mercado importante de las noticias mundiales. también creo que los dos son cosas completamente diferentes Creo que muchos de los diseñadores. Pero todo es su Controla cada pedacito de ella el diseñador de publicidad." Su sencillez y su versatilidad hace que sea ideal para su uso en una variedad de formatos. [ editar ] Impacto [ editar ] El ojo de CBS El ojo de CBS es ahora un famoso logotipo visto por millones de personas cada día. y calidad estética es secundaria a estos objetivos. materiales promocionales. está a la venta -. Durante su mandato como director creativo de publicidad y promoción de ventas. a pesar de la creencia propia de Oro es que los objetivos de negocio y marketing fueron siempre de la mayor importancia. a partir de un programa de televisión. creo que el problema viene cuando se trata de hacer una obra de arte. Esta es una manera en la que podría ser el diseño de ojos simples que se usan una y otra vez de imprimir el ojo en la conciencia de América como símbolo de la CBS. no parece muy satisfactoria. tiene una función completamente diferente Puede ser alguien que pensaba que quería ser pintor -. mientras que los círculos exteriores e interiores fueron recubiertas con una fotografía o una imagen fija. Weihs y Strunsky. Oro diseñó el ojo que ser equilibrado.

un recordatorio de la idea de que CBS está buscando en el mundo y traer noticias del mundo a su público. Este anuncio demuestra también el uso de la tipografía Bodoni Didot y el logotipo de los ojos juntos. Estos diseños permiten una gran imagen a dominar y usar un título corto y sencillo para atraer la atención del lector y el interés. Los principios de diseño que de oro se aplica a este anuncio se sencilla pero sutil. No trate de hacer algo de fantasía con las imágenes. mostrando la madurez de la identidad de la cadena CBS. la fotografía de los ojos todavía sirve como un recordatorio del logotipo del ojo CBS. elegante e interesante. sus diseños traído gran estética para la publicidad y material promocional que ha presentado. Golden seleccionado una amplia gama de imágenes diferentes a las emisiones de noticias de CBS para mostrar la gama de temas que CBS había informado sobre. . A través del uso de la forma visual buena. Al colocar la copia en medio de las imágenes. Which Way En? fue la respuesta de la CBS a la que medio fue el mejor formato para entregar noticias al público. ya que fue capaz de llevar el sonido y la emoción de la voz humana. sin dejar de cumplir el objetivo principal de transmitir el mensaje de forma clara. Aunque Which Way En? Utiliza ni el ojo ni la CBS fuente Bodoni Didot. El anuncio de destino inteligentemente superpone un ojo más pequeño dentro de la más grande. y luego a las imágenes de los alrededores. La cadena CBS ha sido el de mayor audiencia de la red durante muchos años y había ido ganando una reputación como la red más eficaz para los anunciantes para llegar a la mayor audiencia. objetivo era un anuncio de CBS logro de la meta de entregar sus programas a la mayor audiencia al menor costo posible. Como la radio había crecido en los últimos 30 años para competir con los periódicos y medios de comunicación impresos. el ojo del espectador es atraído por el espacio en blanco y el texto. [ editar ] ¿Qué camino en? y Target Estos dos anuncios corrió en Variety en 1954 y 1955. y al mismo tiempo que le proporciona las imágenes (fotografías o vídeos) que mostró la ubicación real de la noticia. sino que los puso en limpio columnas ordenadas en una "oficina de la creación de ventanas" de estilo. el debate en torno a si la noticia era más eficaz en el formato visual (la página impresa) o en formato de audio (la radio). que atraiga la atención del lector. por tercer año consecutivo. El anuncio fue un refuerzo de ese hecho. El título "¿Ves?" se conecta perfectamente con el logotipo de los ojos CBS.Este fotomontaje se presentó como una página entera del New York Times anuncio el 13 de abril de 1959. William disco de Oro por la excelencia y el perfeccionismo le llevó a convertirse en un pionero del diseño gráfico americano. tales como la inclinación o variaciones en el tamaño. Ambos diseños de demostrar el amor de Oro para la solución simple. y dejar que las imágenes hablan por sí mismos . para añadir interés. creando un efecto de ojo de buey para atar en la afirmación de que CBS había alcanzado su objetivo. En este anuncio. Respuesta de la CBS fue claramente la televisión era mejor que ambos. y al mismo tiempo que anunciaba que CBS había ganado el premio Peabody de la Función Pública.

Beall también tomó clases en el Instituto de Arte de Chicago . Missouri . [1] 11. De particular interés fue su trabajo para la editorial Crowell que produjo la revista Colliers. Connecticut . De Wikipedia.Lester Beall 3. Las cubiertas de promoción "No habrá guerra?" y "Pesadilla de Hitler" son . Hiram Walker . 8. 10. 1934 Lester Beall (1903-1969) fue un diseñador del siglo XX americano gráfico notable como una de los principales defensores de la zona modernista del diseño gráfico en los Estados Unidos. 7. c. la enciclopedia libre 4. Permaneció en la granja hasta su muerte en 1969. Lester Beall Thomas nació en Kansas City. CBS Creador de la Red de Ojo de Comercio-Mark fue de 48. Su familia pronto se trasladó a San Louis. [1] Después de un corto período de experimentación y trabajo profesional en Chicago. Abbott laboratorios y la revista Time . y luego a Chicago. 6. utiliza colores primarios y las flechas ilustrativos y líneas en un estilo gráfico que se convirtió fácilmente reconocible como suya. Él se trasladó a las zonas rurales de Nueva York y estableció una oficina y el hogar. Beall estudió en la Universidad de Chicago y participó activamente en el equipo de atletismo del equipo universitario dirigido por Amos Alonzo Stagg . Beall se trasladó a Nueva York en 1935. New York Times . A lo largo de su carrera. 9. Ir a: navegación . Illinois . Su uso claro y conciso de la tipografía fue muy elogiado. ^ "William Golden. Roger Remington: "A través de los años 1930 y 1940 Beall producido un trabajo innovador y muy apreciada por los clientes incluyendo el Chicago Tribune . De acuerdo con su línea de AIGA biografía [2] por R. 2. El Art Directors Club de Nueva York. Citado como Director de Arte TV".[ editar ] Referencias 1. búsqueda 5. Grabado Sterling. tanto en los Estados Unidos y el extranjero. Missouri . en un local que él y su familia denominado "Comunidad de Dumbarton". Al año siguiente fundó su casa / oficina en Wilton. Un cartel por Beall de la Administración de Electrificación Rural. 24 de octubre 1959.

En la página de discusión puedes consultar el debate al respecto. [ 3] 12. Desde adolescente. flechas iconos. Rand se destacó en el diseño editorial. (nacido como Peretz Rosenbaum. 18.[cita requerida] en gran parte por el diseño de marcas institucionales. Fue también recordado. 17. Rand puede presumir de la fama de ser un viejo gruñón que siempre critica o desprecia nuevas tendencias o conceptos en el diseño. terminó como toda una profesión. Se vendió por 38.26 de noviembre de 1996). búsqueda Existen desacuerdos sobre la neutralidad en el punto de vista de la versión actual de este artículo o sección. por uno de sus empleados como la persona con "peor genio en el mundo". Fue uno de los originadores del estilo tipográfico internacional suizo. el Parsons School of Design (1932-1933) y el Art Students League (1933-1934). el cual era casi una religión para él. fotografías siluetas y formas dinámicas. En estas obras utiliza elementos en ángulo. Para otros usos de este término. En mayo de 2007 Galerías de Swann en Nueva York estableció un precio récord en subasta para el cartel del fotomontaje Beall 1939 la promoción de la campaña de la Administración de Electrificación Rural para llevar electricidad a zonas rurales de América.‖ Otra de sus frases célebres. 15 de agosto de 1914 .400 dólares. 13. que comenzado como un oficio. la enciclopedia libre 15.[cita requerida] Fue Director de Arte de la revista Esquire (1935) y de Apparel Arts -GQ. Un buen ejemplo a retratar es el siguiente: ―Durante la ceremonia de su retrospectiva en el Cooper Union en octubre del 95 se le preguntó si el modernismo había muerto. Fue un diseñador gráfico estadounidense muy reconocido. La imagen de la derecha-considerado uno de los mayores carteles americanos de todos los tiempos-cuenta con un niño y una niña sonriendo y mirando al futuro. Fue pintor. derecho ganado gracias a que nunca cambió su postura o cuestionó la rectitud de su camino en cuanto al modernismo. diseñador industrial y artista publicitario que puede plasmar su conocimiento y su creatividad sin límites. ―Piensa en términos de necesidad y función. 16. conferencista. De Wikipedia." 20.(1941) y de las portadas para el "Directions Cultural journal" entre 1938 y 1945.Más que ser un gruñón fue un revolucionario del diseño en Estados Unidos. Paul Rand. líder y hasta inspiración del movimiento modernista. [editar] Trayectoria 19. ya que apoyarse en la valla de madera bordeando la finca. gracias a su trabajo. Fue un gran defensor. y aun a pesar de las idas y vueltas que sufrió el diseño él jamás cambio.diseños de gran alcance que destilan los mensajes de la época. Rand replicó:"Yo sigo vivo". También es de interés en este período son la serie de carteles notable para el Gobierno de Estados Unidos Administración de Electrificación Rural ". Su educación incluye el Pratt Institute (1929-1932). Paul Rand 14. su trabajo ya mostraba una fuerza innovadora y vanguardística que no pasó desapercibida. es . véase Rand. que captura la esencia de su estilo personal de la década de 1930. Saltar a: navegación.

pero si la solución no es la más apta. 27. (1938. "Hay una gran diferencia entre diseño abstracto sin contenido y diseño abstracto con contenido. En 1984 le concedieron la medalla del "Type Director´s Club" presentándolo como a uno de quienes "han hecho contribuciones significativas a la vida. United Parcel Service. La influencia de las vanguardias europeas en su trabajo cambió el arte comercial norteamericano. Dio lugar a un estilo gráfico único que fue caracterizado. creando los principios formales del viejo continente ―con la gracia y el humor nativo‖. y a regañadientes su padre pagó los 25 dólares necesarios para que el joven Paul entrara en las clases nocturnas del Instituto Pratt y sin chistar.‖ Saul Bass De Wikipedia. creó algunas de las identidades corporativas estadounidenses más reconocibles. por la simplicidad. Muy pronto el Sr. Rand siguió el camino del diseño en gran parte hasta los noventa. responsabilidad que lo excusaba de asistir a clases "no tan interesantes" como gimnasia. En 1935 creó su propio estudio en Nueva York y ya partir de 1956 se desempeñó como profesor de diseño gráfico en la Universidad de Yale en New Haven. Se puede ser un gran manipulador de la forma. reconocidos en todo el mundo. y al arte de la tipografía". Entre sus muchos premios se incluyen medallas de oro. no tiene sentido‖ 22. cuando describía las ―tapas‖ o portadas. Con esto se puede ver que Rand exploró dentro del vocabulario formal.fueron introducidos al arte comercial americano". De Stijl holandés y el alemán Bauhaus. ―Su pasión por las formas y los colores le siguió acompañando en la escuela: Rand era el encargado de pintar los carteles de los eventos escolares. Obviamente su ―entrenamiento‖ en el arte comercial en New York hizo que comprendiera rápidamente lo que necesitaba el mercado. como IBM.21.[cita requerida] 24. como ya semencionó. por así decirlo de los movimientos de vanguardia europeos. Utilizando ésta simplicidad del modernismo. búsqueda . Fue autor de varios libros sobre diseño. "Él fue un canal a través del cual el arte y el diseño modernos europeos Constructivismo ruso. y con el uso geométrico limpio de espacio en blanco. 25. y el acercamiento racional a las soluciones del problema. Pero al final Rand se salió con la suya. 26. American Broadcasting Company (ABC) y el más reciente USSB (Servicio de Televisión por Satélite). Connecticut. y así era como brindaba estas soluciones más adecuadas que las que ofrecía la ―estética estándar‖ tan antifuncional que se solía utilizar. Westinghouse. de la revista Direction) 23. (cita textual profesada por Steven Héller en 1999). Rand fue incluido en el "New York Art Directors Club Hall of Fame" en 1972. la enciclopedia libre Saltar a: navegación. Rosenbaum entendió la fuerte vocación de su hijo y dejando de lado las leyes religiosas argumentó que el arte no era un modo de ganarse la vida. al arte. matemáticas o inglés.

Después regresó al diseño gráfico comercial. Indudablemente. Hasta el final de su vida siguió colaborando con su ídolo Martin Scorsese en Goodfellas. The Age of Innocence (La Edad de la Inocencia) y Casino en los años 90. Bass estudió en el estudio de Artes League en New York y después en el Colegio de Brooklyn. un diseñador gráfico húngaro que había trabajado con László Moholy-Nagy en Berlín antes de emigrar a los Estados Unidos. Saul Bass nació en el Bronx. Decidió mudarse a Los Angeles en 1946. diseñó títulos para otros directores. como The Searching Eye (1964). Bass trabajó de forma independiente como diseñador gráfico (o ―artista comercial‖ como comúnmente se les llamaba). Saul Bass falleció en 1996. Abrió su propio estudio en 1950. mejor conocido por su trabajo en la industria cinematográfica y en el diseño de algunas de las identidades corporativas más importantes de Estados Unidos. Luego siguió el diseño de títulos de las películas The Big Knife de Robert Aldrich y The Seven Year Itch (La Tentación Vive Arriba) de Billy Wilder. llamada Phase IV.25 de abril de 1996) fue un reconocido diseñador gráfico estadounidense. Minolta. Colaboró con Alfred Hitchcock y hasta participó en la famosa película Psicosis durante la escena de la ducha. hay ejemplos que presagian los pioneros trabajos de Bass: los famosos títulos finales de crédito de Ciudadano Kane. que le pidió que diseñara también la secuencia de los títulos de la película. Desde pequeño fue muy creativo y pasaba muchas horas del día dibujando. The Man with the Golden Arm (El Hombre del Brazo de Oro). A éste le impresionó tanto el trabajo de Bass. United Airlines. . Entre los más exitosos están los emblemas de AT&T. En éste último fue su maestro Gyorgy Kepes. en donde Bass se reveló como un maestro del diseño de títulos de crédito de películas. autónoma y característica de los títulos de crédito antes del trabajo de Saul Bass. dedicado principalmente a la publicidad. From Here to There (1964) y Why Man Creates (1968) con la que ganó un Óscar. de la que se dice que él fue el responsable del Story board. Bell. Luego dirigió varios cortometrajes. aunque Hitchcock nunca lo reconoció. Bass siguió su camino en el mundo del diseño en el cine. Alguien se puede sentir presionado para citar un ejemplo de una secuencia activa. en 1920. y Warner Communications. Finalmente realizó una película como director en 1974.Saul Bass (8 de mayo de 1920 . Kepes fue el que introdujo a Saul Bass al estilo Bauhaus de Moholy y al constructivismo ruso. debido a que en Nueva York encontraba muchos impedimentos para desarrollarse creativamente. Cape Fear (El Cabo del Miedo). hasta que Otto Preminger lo invitó a diseñar el póster para su película Carmen Jones (1954). Martin Scorsese lo reconocía ampliamente. Junto con su segunda esposa. repitiendo excepción para la película. Elaine. Pero fue en el siguiente proyecto de Preminger. Después de trabajar en varias agencias de diseño de New York. Diseñó también el póster para los Juegos Olímpicos de Los Ángeles en 1984.

Las técnicas de Bass son variadas y decididamente inconscientes: animación de recortes. Pero a pesar de estos ejemplos y en vista de la innovación. y en algunos casos por montajes. ni siquiera hoy en día. En segundo lugar. La maestría de Bass en el diseño exhibe una forma (sus identidades corporativas y pósters también son grafismos perdurables y de relevancia) de distinción estética económica y simple. Muchas películas de estos años están visualmente acompañadas por créditos estáticos. Bass exhibe un ejemplar uso del color y del movimiento. Su diseño táctico en este contexto. [editar] Filmografía  1954  Carmen Jones (Otto Preminger)  1955      La Tentación Vive Arriba (Billy Wilder) The Racers (Henry Hathaway) The Big Knife (Robert Aldrich) The Shrike (José Ferrer) El Hombre del Brazo de Oro (Otto Preminger)  1956      Storm Center (Daniel Taradash) Johnny Concho (Don McGuire) Attack (Robert Aldrich) La Vuelta al Mundo en Ochenta Días (Michael Anderson) Trapeze (Carol Reed)  1957     Saint Joan (Otto Preminger) El Orgullo y la Pasión (Stanley Kramer) The Young Stranger (John Frankenheimer) Edge of the City (Martin Ritt) . renovación e influencia. por ejemplo. Es en este campo que su trabajo en el diseño de los títulos de crédito tiene una importancia particular – su apertura para West Side Story. Las secuencias comienzan a menudo con un marco de color sólido (como el azul de Exodus o el verde de North by Northwest). se puede decir que el impactante diseño de los créditos de Bass no tiene parangón. es un sólido bloque de color que varía de acuerdo a la insinuación.subrayando el metraje con los nombres de los actores. montaje. posee sutilezas y variedades. acción real y diseño de nombres son solo sus más prominentes ejercicios. aunque característico. También había ciertas tendencias precursoras de los años 30 y 40.

Robert Wise) Something Wild (Jack Garfein)  1962    Walk on the Wild Side (Edward Dmytryk) Advise and Consent (Otto Preminger) Flashing Spikes (John Ford) (TV)  1963     Nine Hours to Rama (Mark Robson) It's a Mad Mad Mad Mad World (Stanley Kramer) El Cardenal (Otto Preminger) The Victors (Carl Foreman)  1965   In Harm's Way (Otto Preminger) Bunny Lake Is Missing (Otto Preminger)  1966  Grand Prix (John Frankenheimer) . 1958     Buenos Días. Tristeza (Otto Preminger) Vértigo (Alfred Hitchcock) Cowboy (Delmer Daves) Horizontes de Grandeza (William Wyler)  1959       Intriga Internacional (Alfred Hitchcock) Anatomía de un Asesinato (Otto Preminger) Psicosis (Alfred Hitchcock) Ocean's Eleven (Lewis Milestone) Espartaco (Stanley Kubrick) Facts of Life. The (Melvin Frank)  1960  Éxodo (Otto Preminger)  1961   Amor sin Barreras (Jerome Robbins .

   Seconds (John Frankenheimer) Not with My Wife. Part II (Gene Kelly)  1980  El Factor Humano (Otto Preminger)  1987  Al Filo de las Noticias (James L. Brooks)  1988  Quisiera Ser Grande (Penny Marshall)  1989  La Guerra de los Rose (Danny De Vito)  1989  84C MoPic (Patrick Sheane Duncan)  1990  GoodFellas (Martin Scorsese)  1991  Doctor Hollywood (Michael Caton-Jones) . You Don't! (Norman Panama) 1971  Such Good Friends (Otto Preminger)  1973  Phase IV (Saul Bass)  1975  Rosebud (Otto Preminger)  1976  That's Entertainment.

Andy Warhol . Nueva York ) es un director polémico arte americano. "Cubre George Lois 'Esquire están consideradas entre las imágenes más memorables de la propaganda en cualquier medio.". y sin duda el más provocativas de la historia de la industria de las revistas. [2] 1962 a 1972. y Richard Nixon . En 2008. Lois es mejor conocido por más de 92 tapas que diseñó [1] para la revista Esquire . la enciclopedia libre Ir a: navegación .  Cabo de Miedo (Martin Scorsese) 1992  El Cómico de la Familia (Billy Crystal)  1993  La Edad de la Inocencia (Martin Scorsese)  1995    Higher Learning (John Singleton) Casino (Martin Scorsese) A Personal Journey with Martin Scorsese Through American Movies (Martin Scorsese) (TV) George Lois De Wikipedia. Esquire Lois cubre ofreció una declaración polémica sobre la vida en la década de 1960 con temas como Norman Mailer . Muhammad Ali . [2] Lois se ha convertido en famosa en el mundo de la publicidad para la toma de crédito por el trabajo de los demás. Germaine Greer . búsqueda George Lois (nacido el 26 de junio de 1931. Contenido        1 Antecedentes 2 Formación 3 Controversia 4 premios 5 Bibliografía 6 Enlaces externos 7 Vídeo . en el Bronx . el Museo de Arte Moderno exhibe 32 de Esquire de Lois cubre. diseñador y autor.

como era conocido. con los Premios a la Trayectoria del Instituto Americano de Artes Gráficas. así como un tema de el Master Series de la Escuela de Artes Visuales. [ cita requerida ] Su un video musical. ganó el MTV Video Musical del Año en 1983. en 1960. la Society of Publication Designers. ESPN [4] y cuatro senadores de EE. Koenig. y recibió una beca de baloncesto de la Universidad de Siracusa . hijo de inmigrantes griegos.: Jacob Javits (R-NY). Lois asistió a la Escuela Superior de Música y Arte . Lois. creó el "Quiero mi MTV "La campaña. Robert Kennedy (D-NY). Lois desarrolló lo que él llama "la gran idea". Tourneau y Las Cuatro Estaciones.. Hoy en día.UU. luego se fue a trabajar para Reba Sochis hasta que fue reclutado por el ejército para luchar en la Guerra de Corea. EE. Holanda. Él creó la campaña publicitaria inicial para aumentar la conciencia del diseñador Tommy Hilfiger . [ editar ] Controversia Lois ha sido ampliamente acusado de robar de crédito para las ideas de los demás y por exagerar su participación. ayudó a crear e introducir VH1. PKL. seis meses después. 8 Referencias [ editar ] Antecedentes Nació en Nueva York el 26 de junio de 1931. [5] Él y otros ex alumnos de publicidad notables de su época son el tema de la película Art & Copy .UU. Lois asistió sólo un año en el Instituto Pratt . [ editar ] Carrera Después de la guerra. El salón del Club Un creativo de la Fama. congelados nombre de Stouffer alimentos cocina productos Lean y comercialización desarrollados y los mensajes de Jiffy Lube estaciones. fue también la primera agencia de publicidad para ir siempre pública. [ cita requerida ] George Lois es la única persona en el mundo incluido en el Salón de Directores de Arte de la Fama. Callaway. Warren Magnuson (D-WA). En 1959 fue contratado por la agencia de publicidad Doyle Dane Bernbach ( DDB ). Lois / EE. Jokerman de Bob Dylan. Su última agencia. Después de un año en DDB . terminó su funcionamiento en 1999. que creó memorables campañas para clientes como Minolta. Jemima tía. a pesar de que optó por asistir a Pratt Institute . [3] Se ha afirmado que han creado el concepto y el diseño de un prototipo para el New York suplemento para el Herald Tribune (el precursor de la revista New York).UU. junto con Julian Koenig para formar Papert. El 19 de junio 2009 episodio del programa de radio This American Life presentó un segmento en el que varios de los antiguos socios de Lois afirmó . Lois fue contratado por Fred Papert . Otros clientes han supuestamente incluido: Xerox. líder de la minoría Hugh Scott (R-PA). En 1967 dejó de formar Lois. Lois fue a trabajar para el departamento de publicidad y promociones en CBS donde diseñó proyectos de impresión y los medios de comunicación.

George (2003) $ ellebrity:. [8] Página web de Lois también afirma que ha diseñado el Nickelodeon logo naranja en uso desde 1984 hasta 2010. Steven. el Times afirmó que el "Think Small" Volkswagen campaña publicitaria y el " Quiero mi Maipú "de la campaña no fueron creados por George Lois. George. Helfand. 255. y Rand. ISBN 978-0714834387 . Los creadores del logo. Lois. lo que contradice afirmaciones publicadas Lois 'de crédito para estas campañas publicitarias. p. Jessica. de Boston. ISBN 978-3822853262 . y John Hubley y fe como los creadores de la campaña de Maipú. [ 7] El 18 de mayo de 2008. 240 págs. Tommy y Lois. citando a los diseñadores actuales Tom Corey y Scott Nash. la Catedral de San Patricio) [6] ) y dos de los ex socios de Lois.. Heller. 272. Alan Goodman y Fred Seibert . Redactores Salón de la Fama AIGA ( American Institute of Graphic Arts ) Medalla de Oro: 1996 La sociedad de la publicación ganador hierba Diseñadores Premio Lubalin: 2004 [ editar ] Bibliografía  Lois. disputa esta afirmación. ISBN 978-2754032291 . copia del anuncio y cubre Esquire que fueron parcial o totalmente el trabajo de otros. Hilfiger. George (2006). de Corey McPherson Nash . Nueva York: Prensa Fedón. Paul (1999) Paul Rand. ISBN 978-0781573231 . Lois. George Lois en su creación de la Gran Idea. [9] [ editar ] Premios       Directores de Arte Salón de la Fama: 1978 Publicidad Salón de la Fama Advertising Age revista "100 profesionales de la publicidad más influyentes del siglo XX". p. entre ellos algunos falsamente por Lois (por ejemplo. Un viaje en montaña rusa a través del Panorama llamativos de la cultura pop americana. Lois. p. el New York Times publicó una corrección de un 27 de abril 2008 la revisión de una muestra de arte George Lois. 608. En la corrección. Nueva York: Taschen.que tomó el crédito para las campañas publicitarias. Nueva York: Fedón. George (2007) Iconic America:. George (2008). p. Ali Rap. La corrección identificado Julian Koenig y Helmut Krone como los creadores de la campaña publicitaria de Volkswagen. Mi Pesca y meterse con la gente famosa. Julian Koenig y Papert Fred. El programa contiene entrevistas con Carl Fischer (el fotógrafo que disparó la mayor parte de las portadas de Esquire.     . Nueva York: Universe. ISBN 0714881242 . 350. Nueva York: Assouline.

NF y maleza Beasties. y se graduó con una Licenciatura en Bellas Artes de Cooper Union en 1951 .     Seymour Chwast Seymour Chwast (nacido el 18 de agosto 1931) un americano diseñador gráfico . p. George. [4] Fofucha.. que incluye carteles . tapas de revistas.? Cómo ganar con ideas extravagantes (que venden!). Nueva York . Lois. La publicación bimensual de la Push Pin gráfico fue el producto de su colaboración. p. [5] Él es un miembro de Alianza Gráfica Internacional (AGI). ISBN 978-1825434245 . 288." fusionado único diseño gráfico Chwast de comentario social y un estilo distintivo de ilustración . Se volvió a casar en 1989. Lois. . 245. Nueva York: Doubleday Press. Lois. Bill (1977) El arte de la publicidad:. [2] A menudo se refiere como "el diseñador de la mano izquierda. ISBN 9780812303739 . George Lois en la comunicación de masas. ilustrador y diseñador de tipos . Lois. [1] Chwast es famoso por sus obras de arte comercial. Inc. George (1972). ISBN 978-0841501904 . ten cuidado. 192. George (1996) Cobertura de los años 60: George Lois . ISBN # 978-0384154869 . Nueva York: Plume. [3] en la ciudad de Nueva York. p. fundó Push Pin estudios en 1954 . Chwast nació en Bronx . Con Milton Glaser . Nueva York: Monacelli. Lois. p.La era de la revista Esquire. suelta Caboose NF. sigue trabajando y es director de La Chincheta Grupo . 304. comida envases . ISBN 978-0459069385 . Nueva York: Harry N Abrams. Hoy en día. George y Pitt. 336. Él es el diseñador de la fuente de Chwast Buffalo. George y Pitt. Bill (1993) ¿Cuál es la idea central:. y el arte publicitario. Edward Sorel y Reynold Ruffin . p. ¿Cuál es la gran idea?. George (1991). Nueva York: Saturday Review Press. Chwast diseñador se casó con Paula Scher en 1973 y se divorciaron cinco años después.