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Introducción a la Arquitectura

Parte 2:

Amanda Valdés Sánchez

Vanguardias Rusas:
Estas vanguardias surgen al final de la PGM. Algunas de las formas, experiencias y conceptos que aparecieron con estos movimientos resultaron un tanto inusuales. Esto se debió a la particular situación de Rusia tras la guerra. Las vanguardias surgen simultáneamente a los movimientos revolucionarios comunistas en Rusia. Con el estallido de la revolución en octubre del 17 Rusia se retira de la PGM. La revolución acaba radicalmente con el régimen anterior de los zares y comienza una aventura de búsqueda. Esta búsqueda se caracterizo por un ambiente cargado de esperanza y trabajo en el que se rompieron los viejos esquemas, en un intento por alcanzar el paraíso comunista. Muchos artistas vanguardistas simpatizaron con estas ideas ya que la convulsión provocada por la guerra creó un ambiente ansioso de cambio, representado por la renovación que implicaba el arte de vanguardia. Este mundo efervescente estuvo poblado de artistas que buscaban un arte radicalmente opuesto al arte burgués que había caracterizado las épocas pasadas. Entre las vanguardias rusas destacaron más algunas corrientes como el suprematismo. Esta corriente liderada por el pintor Kasimir Malevich era una corriente de abstracción geométrica que intentaba apelar mediante las formas y los colores a las sensaciones y sensibilidades del espectador. El lenguaje suprematista se caracterizó por una gramática cargada de color y formas que recordaban a la obra de Kandisky o a las obras neoplasticistas. Esta tendencia tuvo también una serie de discípulos entre los que se encuentra un artista que mas tarde cobraría gran importancia en el mundo de las vanguardias, Eli Lissitzky. Eli desarrollo una variante del suprematismo la cual denomino Proun, la cual proclamaba la defensa del arte nuevo. A diferencia del suprematismo original el Proun dio corporeidad a la pintura y dio profundidad a sus obras utilizando la diagonal. Debido a esto las obras de Lissitzky se acercaban más a un sentido arquitectónico de la pintura.

Pintura Suprematista

Pintura Proun

Otra tendencia que destacó fue el constructivismo que se desarrollo principalmente en el terreno de la escultura. Este movimiento liderado por Robert Tatlín creaba estructuras muy poco convencionales ya que utilizaba materiales inusuales como cables, telas etc. Esto hacia que sus obras parecieran obras cubistas materializadas tridimensionalmente.

Escultura de Robert Tatlín

Estas vanguardias se desarrollaron en una etapa basada en la experimentación y que no buscaba alcanzar ningún objetivo concreto. Tras esta etapa inicial comenzó una búsqueda de una serie de aplicaciones del arte, sobretodo en la arquitectura. A principios de los años 20 comienza una experiencia de desarrollo de estas vanguardias en arquitectura. Las aplicaciones, cargadas de simbolismo, estuvieron dirigidas normalmente a fines políticos. Entre estos proyectos se encuentra el de un monumento a la Tercera Internacional diseñado por Tatlín. Este consistía en una torre de metal en espiral soportada por una viga. Esta estructura no solo seria de carácter monumental sino que también cumpliría una serie de funciones políticas. Esta edificación fue proyectada como dos helicoides triangulares y entrelazados dentro de los cuales debían ir suspendidos cuatro grandes volúmenes transparentes, cada uno de los cuales giraría a una velocidad progresivamente mayor: una vez al año, una vez al mes, una vez al día y , presumiblemente una vez cada hora. Tales volúmenes que consistían en dos cilindros un cono y una semiesfera, estaban dedicados a la legislación, administración, la información y la proyección cinematográfica. Este proyecto no se llego a materializar pero se expuso la maqueta del proyecto como símbolo de innovación.

Proyecto:monumento a la Tercera Internacional de Robert Tatlín

Otro de los proyectos resultantes de esta experiencia fue el Tribuna Lenin (1920) destinado para los discursos de los lideres del partido en la plaza y en homenaje a Lenin recibió su nombre. La estructura aludía al mundo industrial y obrero al igual que el proyecto del monumento a la tercera internacional. Además esta estructura era móvil y se movía para cumplir las distintas funciones requeridas. Otro proyecto de Lissitzky fue el de un rascacielos “arañanuebes” (1924-1925). El proyecto tenía unas torres destinadas a las comunicaciones que sostenían una forma en horizontal que albergaría funciones sociales. De esta forma este sería el primer rascacielos no especulativo. El proyecto tenía una fuerte asimetría y un diseño peculiar. El proyecto estaba pensado para realizar una serie de varios rascacielos que ocuparían el lugar de las antiguas aduanas, tomando así la función de puertas de la ciudad. El conjunto de los edificios formarían un anillo.

Rascacielos “arañanubes” (1924-1925)

Alrededor de estas vanguardias surgieron varias escuelas y grupos que aglutinaban estos avances artísticos. Entre las asociaciones de arquitectos destacan OSA y ASNOVA. También aparecieron nuevas escuelas, generalmente reunificación de las antiguas escuelas, que estimularon el desarrollo de este nuevo arte. Entre estas escuelas destaca la escuela Vhutemas la cual es comparable a la Bau Haus aunque el problema de las comunicaciones y las restricciones de la etapa estalinista dificultaron su promoción. Esta escuela estructuralista intentaba desarrollar una sintaxis totalmente nueva de la forma plástica, basada aparentemente en las leyes de la percepción humana. Una de las tendencias que fomentaba la escuela se centraba en el análisis y estudio de la forma. Siguiendo esta tendencia se encontraban los trabajos realizados por los alumnos sobre el estudio de la masa. Pero la línea más dominante en la escuela fue una

continuación del movimiento constructivita que siguió explorando este juego de elementos en tensión y la desnudes de los elementos estructurales. En 1921, Ladóvsky insistió en que se estableciera en la escuela un instituto de investigación para el estudio sistemático de la percepción de la forma. Los diseños básicos llevados a cabo bajo su supervisión presentaban siempre cierta delineación rítmica de las superficies de formas puras o, alternativamente estudios sobre el crecimiento y la disminución de la forma dinámica según las leyes de la progresión matemática. En ocasiones estos estudios se proponían como ideas para edificios reales como fue el caso del restaurante al borde de un acantilado. Las construcciones ideadas por los alumnos superaban la capacidad de la ingeniería soviética de la época, mientras que sus numerosos cambios de nivel seguramente habrían limitado su uso como restaurante.

-Proyecto de estadio olímpico de Moscú, el Estadio Rojo de Moscú: Las tribunas destinadas a la prensa estaban colocadas en cabinas. La tribuna estaba pensada como una estructura mixta de metal y hormigón cuya complejidad representaba un desafío de la técnica. -Proyecto de Instituto Lenin de Ciencias Sociales: Se trato de un trabajo de un alumno especialmente destacado: Ivan Leonidov quien posteriormente sería un importante diseñador caracterizado por la ideación de formas muy elegantes. El instituto albergaría una gran biblioteca. En el conjunto destacaba la sala de reuniones cuya forma estaba inspirada en la de un globo aerostatito. El diseño recogía una serie de formas abstractas.

Tras la PGM se desencadenó un conflicto interno que junto al bloqueo económico de la potencias occidentales dificulto la rehabilitación del país y la implantación de la economía socialista. Entre las acciones de esta nueva economía estructurada mediante planes quinquenales hay que destacar la electrificación del país, la cual era una autentica hazaña dado las grandes dimensiones de la Unión Soviética. Relacionada con esta estuvo la construcción de la presa hidroeléctrica de Dnieper. La reforma del país necesitaba una serie de construcciones de carácter industrial. Entre estas obras destacan las fábricas de tractores destinados para la mecanización de la agricultura. Estas primeras fábricas debido a la falta de medios de los rusos fueron construidas por Henry Ford. La construcción de viviendas, las cuales eran de primera necesidad, fue dirigida hacia la optimización del espacio. Dentro de estas investigaciones casi científicas apareció la célula F. Las viviendas tenían dimensiones muy reducidas ya que muchas de las actividades se realizarían en espacios comunes como guarderías o comedores comunes que buscaban la incorporación de la mujer al mundo laboral liberándola de la carga que suponía el trabajo doméstico. La célula F se estructuraba en dos pisos, en forma de L, de modo que había otra célula complementaria con una distribución inversa a la anterior.

De esta forma solo era necesario colocar un corredor cada dos pisos y las viviendas aunque de pequeñas dimensiones poseían la espacialidad de la doble altura. En la Bauhaus se realizaron estudios del color sobre estas células F para dar mayor espacialidad a las viviendas. Se realizo un edificio experimental constituido por células F en el que se desarrollo la idea de edificio comuna, en el cual se reducía la parte privada para destinar más espacio a las zonas comunes. Edificaciones públicas e institucionales: Muchos de los edificios que caracterizarían la arquitectura moderna fueron realizados en Rusia durante la década de los veinte. Entre estas construcciones destaca la Casa de la Industria (1925-1928) obra de Serafimov y otros. Su estructura libre de ornamento, el uso del concreto en su construcción y el sistema de calzadas de arriba y de las torres ligadas individuales lo hizo extremadamente innovador. - Ministerio de Agricultura, en Moscú (1928-1033), obra de Aleksey Shchusev: Fruto de la experimentación formal característica del constructivismo. Algunas de las características mas innovadoras son la torre cilíndrica que hace esquina, la asimetría general, las ventanas en cinta(principalmente en el piso superior), los detalles de las esquinas y el acristalamiento que es continuo en las esquinas , interior y exteriormente.

-Periódico Izvestia: La fachada del edificio esta densamente acristalada y es asimétrica siguiendo el modelo constructivita. Esta basada en una estructura prismática de hormigón armado. Las ventanas circulares de la última planta corresponden a las oficinas de la editorial del periódico. El edificio fue ampliado hacia Tverskaya Ulitsa en los 70 , pero el edificio original y sus detalles permanecen relativamente intactos.

En esta época aparecieron también los clubs de trabajadores, espacios de reunión, educación y esparcimiento ligado a cada uno de las asociaciones de trabajadores o distintos gremios. Entre estas construcciones se encuentran las obras más originales, innovadoras debido a la libertad creativa que se les dios a los arquitectos.

-Club Zuev de Moscú (1928), obra de Ila Golosov . Golosov era un entusiasta de las formas expresivas y dinámicas en lugar de la lógica de los métodos de diseño constructivitas. La fachada del edificio se compone de un escalera cilíndricas envuelta en un cilindro de cristal interactuando con plantas rectangulares para crear una composición dramática. Una secuencia de salas pertenecientes al club y vestíbulos abiertos conducen a un gran auditorio. -

Club Rusakov (1927-29). K.Melnikov.: Diseño original de un sistema de un auditorio con tres ámbitos de forma que el edifico se podría fragmentar según las necesidades. Esto se refleja en el exterior mediante tres cuerpos salientes muy llamativos .El acceso hacia el teatro era triple y formaba otro espectáculo visual previo a la representación del día.

-Pabellón de la URSS para la Exposicion Universal de Paris de 1925, obra de K.Melnikov.: Junto al pabellón de Le Corbusier este pabellón constituía la representación de las vanguardias. El pabellón hecho de madera estaba definido por unas líneas depuradas y simples. La base estaba cortada por una escalera en diagonal. La estructura recuerda a la obra suprematista en pintura debido a su lenguaje basado en la abstracción y en la sencillez, renunciando así a cualquier tipo de ornamento para representar a la nueva nación de la U.R.S.S. La imagen ligera y transparente del exterior del pabellón quería corroborar el momento de vanguardia y modernidad por el que atravesaba el país.

Expresionismo y Bahaus:
El expresionismo es una nueva vanguardia y la Bauhaus una escuela de arte y de diseño con un fuerte carácter innovador que marcó la pautas del diseño moderno. Estos dos fenómenos son coetáneos y ambos tienen lugar después de la primera guerra mundial en Alemania. El expresionismo como vanguardia fue un movimiento de ruptura y de cambio, que anhelaba la reinvención del arte. Las vanguardias se clasifican en vanguardias iniciales que lideraron la renovación, las universales que tenían pretensiones de universalidad, vanguardias lideradas por una persona como el purismo por Le Corbusier etc. El expresionismo a diferencia de las demás vanguardias no surgió de un manifiesto y fue un movimiento más difuso. El expresionismo no fue reconocido como vanguardia hasta que paso el tiempo y se agruparon una serie de obras bajo este calificativo. El expresionismo en arquitectura fue un movimiento breve que se desarrollo en la posguerra de la primera guerra mundial. El expresionismo pictórico fue un movimiento anterior y un tanto distinto al arquitectónico. El expresionismo en arquitectura surge como reacción a los acontecimientos de la PGM. La paz que había reinado en Europa durante 45 años y la consolidación de las vías diplomáticas entre los distintos países llevo a que el impacto provocado por la catástrofe bélica en la que el hombre muere en masa en una guerra industrial, fuera mayor. Esto unido a la difícil situación que vivió Alemania tras la guerra impulso la aparición de un movimiento muy humano con fuertes deseos de expresión. El expresionismo tiene distintas etapas y encarnaciones en diferentes artistas. La primera etapa que transcurrió tras el fin de la guerra se denomino expresionismo utópico cuya principal producción fueron bocetos y esbozos de obras arquitectónicas en cuyo diseño participaron tanto arquitectos como artistas plásticos. Esta etapa fue muy rica formalmente y desbordaba creatividad y sugestividad. Uno de los temas más recurrentes fue el cristal y el diamante. Otro tema fue el color como explosiones cromáticas y formando espectros casi oníricos. Mediante estos esbozos se trabajo sobre ideas transformadoras de la naturaleza creando arquitectura en medio de la naturaleza. Inspirado en los Alpes Bruno Taut creó una serie de diseños que desarrollaban esta idea. Otros arquitectos del movimiento fueron Max Taut, Walter Gropius, Hans Scharoun, Wassily Hans Luckhard entre otros. Posteriormente el expresionismo se desarrollo en distintas ramas.

Torre de Einstein, Potsdam (1921), Eric Mendelson

Eric Mendelson influenciado por esta tendencia a realizar bocetos desarrollo una técnica particular de esbozo que es en la actualidad muy reconocida. Los proyectos estaban contagiados de un espíritu muy plástico. La torre de Einstein era un observatorio. Este observatorio fue construido para realizar las primeras comprobaciones de la Teoría de la relatividad. El exterior fue originalmente diseñado en hormigón. Sin embargo, debido a la escasez de cemento de la posguerra, solo la estructura fue realizada en hormigón y el resto del edificio fue finalmente construido con ladrillo, y recubierto con estuco. En la cúpula giratoria de la parte superior había un sistema de lentes y espejos que reflejaban la luz de la estrellas sobre otro espejo situado en la base de la torre, el cual, a su vez, la reflejaba hacia los diversos instrumentos. Mendelson continuó con otros proyectos en los que enfatizaba la horizontalidad como en los Almacenes Schocken . En ellos los volúmenes de la fachada marcan aun más este énfasis. Mendelson descubre los recursos de una arquitectura para la noche, mediante la utilización de la luz eléctrica para crear un efecto novedoso para la época.

Bahaus: (1919-1933) El fundador de la Bahaus fue Walter Gropius quien creó una escuela de diseño a finales de la guerra. La escuela fue el resultado de unir dos escuelas una de bellas artes y otra de artes y oficios. La escuela fue fundada en Weimar en 1919. El programa innovador creado por Gropius impulsó la consolidación de una escuela que estaría en la vanguardia del arte y el diseño. El programa fue editado como un manifiesto. La escuela se dedicó al diseño y a las artes, tan solo en su etapa final se impartían clase de arquitectura. El programa de Gropius expresaba el deseo de integración de todas las artes y artesanías. La estructura de los estudios cursados era muy innovadora, ya que se creó un curso de iniciación orientado a la liberación de la sensibilidad artística y a la toma de contacto del alumno con las artes plásticas. El gran valor de este curso fue que los profesores eran artistas ya consolidados del mundo de las vanguardias como Kandisky quien se encontraba en plena experimentación de las formas

sobre lo que ya había escrito dos libros (“Punto y línea sobre el plano” y “ De lo espiritual en el arte”). Otro de los profesores fue Paul Klee, pintor muy colorista intermedio entre la figuración y la abstracción. El curso pasó por distintas etapas unas más polémicas que otras. La más debatida fue la etapa de Johannesitten quien tenía ciertas consideraciones místicas del arte y del acto de la creación. Muchos de los alumnos estaban ya formados artísticamente hablando pero habían recibido una educción más tradicional que no les satisfacía. Tras este primer curso se desarrollaban los distintos talleres como pintura mural, cerámica, diseño textil, diseño gráfico, trabajo con metal etc. La escuela pasó por distintas etapas donde predominaron distintas influencias artísticas como el expresionismo, el constructivismo o el neoplasticismo. La definición de las formas y la búsqueda de un mayor rigor en la escuela llevo a la posibilidad de materialización de estos diseños.
Fritz Schleifer (1923) Marianne Brandt (1924)

Josef Albers (1923)

En búsqueda de un lugar que representara el espíritu de diseño de la escuela Gropius redecoró su despacho de director. En el despacho se aprecian marcadas influencias neoplasticistas y del constructivismo ruso.

La segunda etapa se inicia con el cambio de situación a Weimar. En esta etapa los diseños fueron incluso adoptados por distintas empresas. Se crean muebles de un carácter geométrico e innovador. Aparecen así por ejemplo los primeros muebles de tubo (metal), diseñados por uno de los alumnos más destacados Marcel Breuer quien luego paso a ser profesor y más tarde desarrollaría una afamada carrera como arquitecto, sobre todo en América.

En esta etapa la escuela desarrolló el diseño grafico sobre todo de la caligrafía con creaciones como el alfabeto Bahaus.

Herbet Bayer (1924) (publicidad y alfabeto bauhaus)

Arquitectura en la Bahaus. Hasta 1927 no aparecieron las primeras clases relacionadas con la arquitectura. Gropius que mantenía su estudio de arquitectura introdujo a los alumnos en la arquitectura mediante pequeñas colaboraciones con este. Estas primeras creaciones estaban impregnadas de expresionismo.

La Bahaus era una escuela pública que dependía de Weimar cuyo administración que dudaba del rigor de la escuela presionó para la realización de una exposición que demostrara la valides de la escuela. A raíz de esta exposición se realizaron nuevos proyectos arquitectónicos basados en la idea de arquitectura estandarizable. Uno de los proyectos se llegó realizar.

Casa experimental diseñada para la exposición de Weimar

Pero la confrontación con el ayuntamiento de Weimar llevo al traslado a Dessau. La nueva ciudad les ofreció el diseño y construcción no solo de la nueva escuela sino también de las residencias de los principales profesores. Las residencias del profesorado incluían la casa de Gropius entre ellas. La casa muestra ya formas similares a la arquitectura de Le Corbusier.

La escuela:

Bahaus Dessau (1926): El conjunto presenta una estructura abierta y dinámica que parece girar en forma de molinete. El edificio constaba de una biblioteca y una escuela técnica en un bloque, los talleres en otro bloque de gran tamaño, tal vez el mas representativo del conjunto con sus espectaculares ventanales; ambos edificios estaban unidos por un puente sobre el que se ubicaban las oficinas de la dirección, a manera de enlace simbólico entre el mundo de la ciencia y el de los oficios; otro cuerpo bajo con grandes espacios para al vida comunitaria y, finalmente, una ala de cinco pisos para las habitaciones de los estudiantes. Las fachadas eran de estuco blanco y liso o vidrio, excepto en el ala de los talleres donde estaban totalmente acristaladas (sin paneles opacos que interrumpiesen la continuidad del vidrio), en forma de muro cortina colgado de la estructura, por delante del forjado de hormigón. El edificio se concibió como el modelo de lo que debía ser la nueva arquitectura.

En el pabellón puente es la única parte en la que se deja ver la estructura de hormigón del edificio.

Tras la dimisión de Gropius en 1928, Adolf Meyer pasó a la dirección de la escuela. Ampliamente liberado de la inhibidora influencia del equipo docente estelar de Gropius, Meyer fue capaz de orientar el trabajo de la Bauhaus hacia un programa de diseño más “responsable en lo social”. El mobiliario sencillo, desmontable y barato de madera contrachapada pasó a tener un lugar preeminente, y se produjo toda una gama de papeles pintados. Se fabricaban mas diseños Bauhaus que nunca, si bien ahora se hacia mas hincapié en los aspectos sociales que en las consideraciones estéticas. A pesar del interés de Meyer por evitar que la Bauhaus se convirtiese en un instrumento de la política de los partidos de izquierda, una desapiadada campaña en su contra obligo finalmente al alcalde a exigir su dimisión. Pero resultó que la política municipal y la reacción de la derecha alemana pedían mucho más. Exigieron que la Bauhaus cerrase y que su fachada sachlich fuera rematada con una cubierta inclinada “aria”.Exigieron que los marxistas fuesen encausados y los liberales extranjeros desterrados junto con sus “oscuras” obras de arte, que mas adelante se calificarían de decadentes. El desesperado intento por parte del alcalde de Dessau de apuntalar la Bauhaus, en nombre de la democracia liberal, mediante la dirección de Mies Van der Rohe, estaba condenado al fracaso. La Bauhaus permaneció en Dessau dos años más. En octubre de 1932, lo que quedaba de ella se trasladó a un viejo almacén de las afueras de Berlín, pero por entonces las compuertas de la reaccion ya estaban abiertas, y nueve meses después la Bauhaus fue cerrada definitivamente.

Arquitectura moderna tras la Segunda Guerra Mundial:
Esta etapa constituye la última fase hacia la modernidad y alcanza hasta la arquitectura contemporánea. Este periodo desde el punto de vista de la arquitectura moderna supuso una profundización y desarrollo de esta, además de una gran diversificación con la aparición de nuevos movimientos y tendencias. Esta fase recoge también las últimas etapas de trabajo de los grandes maestros de arquitectura los cuales desarrollaron e innovaron en sus últimas obras, cargadas de creatividad y fuerza. Entre ellos destacan Frank Lloyd Wright, Le Corbusier y Alvar Aalto. Wright:

A pesar de su avanzada edad en esta etapa Wright puso un broche final a su carrera con una obra muy creativa y sugestiva, el Museo Guggenheim de Nueva York. Esta obra estaba patrocinada por un adinerado coleccionista de arte moderno. En el Guggenheim aparece una nueva versión del ya característico organicismo de Wright, que esta vez se centra en las formas y en la geometría. En la planta se aprecia la utilización del círculo como forma principal. El elemento mas importante del museo es la rampa que lo comunica verticalmente. De esta forma el museo se recorre mediante una suave espiral ascendente en cuyas paredes se instalan las obras de arte. Gracias a este elemento Wright no solo crea un espacio único sino que hace un alarde de técnica. Este gran espacio cúpulado recuerda de cierta forma al Panteón Romano. La cúpula se apoya mediante unos nervios de hormigón que crean una forma orgánica. El resultado exterior refleja con claridad los volúmenes interiores y la composición de este. Los dos cuerpos que forman el museo se unen en el

exterior mediante una especie de cinta que los envuelve. Los primeros esbozos del proyecto se iniciaron en los años 40, pero la construcción del edificio se dilató y se dio por finalizada poco después de la muerte de Wright en 1959.

Mies Van der Rohe:

La trayectoria de Mies se desarrolló fundamentalmente en EE.UU, donde emprendió una segunda fase de su carrera. A finales de los años 30 hubo cierta incertidumbre para

Mies como ultimo director de la Bauhaus ya que intentó defender frente a las nuevas autoridades NAZI la neutralidad política de la escuela. En este proceso Mies se implicó en concursos y proyectos en este nuevo ambiente. Simultáneamente Mies mantenía relaciones con empresas y estudios en EE.UU como la IIT, la cual le ofreció un atractivo proyecto de futuro. Esto junto a la amenaza que representaba el conocimiento de la Gestapo de sus actividades fuera de Alemania, impulso a Mies a abandonar el país vía Holanda. La marcha a EE.UU representó para Mies un nuevo comienzo, esta etapa estuvo marcada por la reflexión y el replanteamiento de sus obra. El principal cambio fue el abandono total de su arquitectura abierta y expandida característica de sus etapas pasadas. Pierden así su protagonismo los soportes y la estructura de planta libre. Mies idea ahora una arquitectura introvertida, cerrada en una caja. Crean así estructuras de grandes sólidos herméticos con grandes ventanales. El proyecto que mejor ejemplifica este cambio fue el Campus del IIT. El Campus recoge diferentes pabellones en cuyo diseño predomina la idea de cajones acristalados. El estudio se centra básicamente en las uniones entre los materiales. Esta etapa se caracteriza también por los dibujos muy livianos. Crown Hall: Este edificio dedicado al estudio de la arquitectura es otra vez un gran cajón acristalado. Para liberar el espacio interior utiliza unas vigas de arma llena, las cuales constituían una exhibición de la gran industria americana del acero. La idea de Mies era la de un lugar en el que los alumnos de distintos cursos tuvieran sus estancias y disfrutaran del paisaje y del espacio en el lugar de trabajo y de estudio.

Esto planteo la cuestión de si este sistema podía aplicarse a la arquitectura moderna domestica. La Casa Farnsworth recoge este experimento, ya que es básicamente una caja de cristal. La casa es muy sencilla. La entrada se realiza por una primera plataforma desde la que mediante una escalera se accede tangencialmente a la casa. En el interior solo aparecen unos tabiques que sirven de apoyo para el salón la cocina y que en su interior recogen dos servicios de baño y otra estancia. En el resto de la casa se colocan

las restantes estancias. La casa resultó ser poco habitable debido a la mala climatización de esta, lo cual conllevó un proceso judicial ya que la dueña de la casa demando a Mies.

Philip Jonhson tomando como modelo la Casa Farnsworth diseñó la Glass House. La casa lleva la propuesta del prisma rodeado totalmente de vidrio a su síntesis extrema resolviendo los distintos ambientes y funciones de la vivienda como distintos sectores de equipamiento dentro de un único espacio, solo ritmado por la presencia del volumen del hogar y el cubículo en forma de medialuna del baño.

Pese a la polémica generada por el proceso judicial contra Mies y la dudosa habitabilidad de este tipo de casas este sistema de construcción se estandarizo y se convirtió en el sistema por excelencia en EE.UU durante los siguientes 15 años. Mies no solo desarrolló en EE.UU su faceta de arquitectura domestica sino que también tuvo la ocasión de crear proyectos de edifico en altura. Estos rascacielos tenían la estructura al desnudo. Los apartamentos Lake Shore Drive situados cerca del lago Michigan son los primeros rascacielos enteramente de cristal. Mies plasma en estos edificios la idea de sencillez que había caracterizado la Casa Farnsworth. Se trata de dos torres gemelas, ya que poseen la misma altura (82,3 metros) y poseen el mismo número de pisos (26) estando además dstinadas al mismo uso: residencias particulares. No obstante, el arquitecto distribuyó los espacios interiores de distinta manera, de forma que el número de apartamentos resultantes fuese distinto en cada torre, conocidas en las ciudad como "glass houses". Además, en un ejercicio de puro estilismo (recordemos el retranqueo del Seagram Building respecto a los demás edificios de su avenida) Mies dispuso las torres de manera perpendicular una respecto a la otra y creó junto a ambas un espacio, a modo de plaza, pavimentado originariamente con travertino. Pero lo que hace verdaderamente interesantes a estas torres gemelas es su propia estructura, establecida a base de una retícula de sustentación levantada en acero de color negro, según un módulo constante de 6,4 metros (21 pies). El cierre exterior se realiza empleando exclusivamente cristal, de forma que tenemos aquí la plasmación del muro cortina

Su última obra supuso un reconocimiento a toda su trayectoria por parte de su país de origen. Este proyecto se trataba de un encargo de la Republica Federal de Alemania de una galería denominada Galería Nacional. En este proyecto Mies desarrolla su nueva forma de hacer arquitectura. Exteriormente el edificio se constituye como un gran zócalo de piedra sobre el que se eleva una enorme cubierta metálica cuadrada sustentada por ocho pilares perimetrales. Retranqueado de la cubierta, se dispone un cerramiento enteramente de vidrio, por lo que visualmente, el espacio del museo es prácticamente un trozo de explanada cubierto, sólo interrumpido por dos pastillas de comunicación vertical y aseos. Sin embargo, en condiciones normales, el espacio de museo contiene elementos de tabiquería que varían con las distintas exposiciones y que limitan esa continuidad visual. Este edificio es una de las muestras más representativas y refinadas de la búsqueda de la elegancia mediante la simplicidad conceptual y constructiva: un reflejo de la famosa frase "menos es más" que popularizara este mismo arquitecto. Este espacio a nivel de superficie es sólo una parte del museo, que hace las veces de atrio, mientras que las salas de exposición principales se sitúan bajo tierra.

Le Corbusier: En esta última etapa de su carrera Le Corbusier desarrolló principalmente la idea de la Unité d’habitation. Esto consistía en un gran edificio que ocupaba el espacio aproximado que ocuparía un barrio. En esta gran edificación había comercios y todo tipo de establecimiento que habituales en un barrio convencional. Se construyeron cuatro unites d’habitacion una en Berlin y tres en Francia entre las que destaca la de Marsella. El conjunto se asienta en un único bloque levantado sobre pilares exentos, lo que permite liberar todo el suelo para jardines y espacios de ocio, siendo su estructura de hormigón armado y semejante a una estantería. Sobre estos pilotes, el edificio fue concebido de manera que permita una gran permeabilidad a nivel del suelo, con el nivel

de la tierra funcionando como espacio de comunicación entre el exterior y el interior, con acceso a las comunicaciones verticales. La sección transversal muestra como dos apartamentos con galerías están entrelazados de tal forma que hay un pasillo central de acceso cada tres niveles, optimizando el espacio de circulación. Cada vivienda tenia dos niveles. En un piso se situaban las zonas comunes de la casa y en la otra las habitaciones de los padres y los hijos, con los aseos en el medio. Le Corbusier se convierte en esta época en un decidido enamorado del hormigón el cual utiliza para sus soportes.

Otro aspecto muy interesante de la unidad habitacional consiste en la utilización de la azotea como centro de funciones, siendo uno de los espacios de mayor vitalidad. Esta incluía una pista del atletismo, un gimnasio cubierto, enfermería, un club y una guardería. Estos servicios fueron dispuestos de modo que asimilaran las condiciones de visibilidad proporcionadas por la altura del edificio, entre las colinas y el mar, enriqueciendo así la experiencia de vida de los residentes. Mientras que al mismo tiempo el diseño de la terraza tenia ciertas aspiraciones paisajísticas.

En la fachada que Le Corbusier apenas trata aparecen cosas que le obsesionaban como es el caso del modulor, el sistema métrico creado por el y basado en las medidas humanas y el numero de oro o la escalera de emergencia en forma helicoidal.

El modulor y alusiones a este en la fachada de la Unité

Escalera helicoidal

Notre Dame Du Haut.,Ronchamp (1955) Esta pequeña capilla se encuentra próxima a Lyon. Pese al carácter agnóstico de Le Corbusier y su dedicación a la arquitectura racional, consiguió una magnifica construcción espiritual única hasta entonces. Esto se debió a una renovación y acercamiento al arte moderno por parte de la iglesia católica, que culmino con el concilio II de Juan 23. El cura Coutier fue el que le hizo el encargo de la reconstrucción de la capilla de Ronchamp. Lo que intento crear Le Corbusier en Ronchamp fue una respuesta escultórica al paisaje, una expresión de lo que se ha llamado el “misticismo atávico de la naturaleza”. La capilla de Ronchamp tiene de edificio sagrado algo mucho más profundo que la mera representación de una institución religiosa concreta: la comunión mística del hombre y el cosmos. Le Corbusier rompió con su obra anterior al idear la cubierta de Ronchamp que según palabras del mismo fue inspirada en un caparazón de almeja que había recogido en la playa. La estructura de la capilla se basa en columnas que están ocultas dentro de los macizos muros. Estos fueron construidos con las piedras de la antigua capilla como homenaje a esta. Prueba de la ausencia de carga de las paredes es la distribución de las ventanas, así como la leve separación entere la cubierta y las paredes que deja ver un aro de luz y ala vez, los verdaderos soportes, las columnas. En el interior, los espacios se forman entre las paredes y la azotea y está iluminada por medio de ventanas de tipo aspillera, así como la luz asimétrica de las aberturas de la pared, para reforzar la naturaleza sagrada del espacio y también la relación del edificio con sus alrededores. La

iluminación en el interior es suave e indirecta, que junto con las ventanas pequeñas y el reflejo de las paredes blancas de las capillas proyecta la luz sobre las torres. El altar interior está en el eje longitudinal, elevado sobre un podio de escasa altura, y es de piedra blanca. En el exterior hay también otra estancia destinada a ceremonias religiosas, ya que hay un balcón para el coro, una pila bautismal y un pulpito. E Corbusier crea así un lugar al aire libre para la vida religiosa.

Le Corbusier encontró en la arquitectura religiosa experimentación y valores simbólicos en arquitectura. Estas obras de Le Corbusier abrieron el paso a la arquitectura libre o informalismo. Esta tendencia iniciada con Ronchamp se caracterizaba por la libertad de formas y la fuerte expresión del arquitecto como artista. Ronchamp marco un hito en la arquitectura religiosa y fue claro modelo para obras posteriores.

La Tourette (1960) Le Corbusier tuvo una segunda oportunidad de construir una obra de carácter religioso. Esta se trato de un convento para la misma orden (la dominica) que había encargado la capilla de Ronchamp. El monasterio era además un centro de reflexión sobre la sociedad, un lugar de retiro espiritual y físico. El aspecto de esta edificación es brutal e impactante ya que Le Corbusier deja desnuda la fachada dejando al descubierto un material que simbolizaba la austeridad que debía caracterizar el monasterio. Como modelo Le Corbusier tomo un monasterio cisterciense, la Abadía de Fonteney. Usualmente los monasterios estaban formados por el receptorio y la sala capitular.

Le Corbusier modifica el modelo clásico con un claustro en forma en U y elevando sobre pilares el monasterio siguiendo así la inclinación natural del terreno. El resto de dependencias estarían como colgantes del cuerpo superior enfatizando así la idea de arquitectura suspendida.

En la parte superior se desarrolla la idea de lugar de estudio y está situada la entrada al monasterio. También están situado en esta planta unas pequeñas estancias destinadas para las visitas recibidas por los monjes y las habitaciones de los novicios. En la planta inferior esta la entrada a la iglesia que tiene forma de cajón alargado debido a que estaba pensada para dos usos distintos uno destinado a los monjes y otro a los feligreses de la zona, ambos separados por el altar. Adosados a la iglesia hay una serie de galerías que comunican la planta inferior y en las que están situadas las escaleras que comunican con la planta superior. Las capillas están marcadas por un intenso cromatismo que condiciona las variaciones tonales y cromáticas de la luz que ilumina cada uno de los pequeños altares pensados para el rezo. Además la luz entra desde el techo mediante unas aberturas de forma cónica de distintos colores.

Capillas y tridimensional monasterio

modelo del

En el patio interior rodeado por el claustro Le Corbusier juega con diferentes niveles de altura creando unas pequeñas terrazas que junto a las rampas dan dinamismo a la estancia. En el oratorio de los novicios coloca tres cuerpos geométricos: la cruz, el cubo y la pirámide, que dominan el protagonismo del claustro.

Los ventanales que dan al patio interior fueron estudiados conjuntamente con un músico de forma que las formas reproducían un ritmo musical.

La arquitectura que muestra el monasterio estaba pensada para no interferir con la vida natural y agrícola de la zona. El espacio destinado a las celdas de los monjes está sometido a una rigorosa modulación determinada por el modulor. Le Corbusier diseño dos módulos de celda unas más pequeñas (1,83 x5, 92) para los novicios y otras más holgadas para los monjes veteranos (2,26x5, 93). Las celdas de reducidas dimensiones tan solo albergan un escritorio destinado al estudio y una cama para el descanso sin embargo ofrece el privilegio de una pequeña terraza individual, para la contemplación del paisaje.

Alvar Aalto: La obra de Alvar Aalto tras la SGM guarda cierto paralelismo con la de Mies ya que su primera obra fue un encargo en EE.UU. Se trato de la Baker House, MIT, Cambridge (Boston) (1946-48). En homenaje también a su trayectoria creo un edificio con formas curvas más amables y poco ortodoxas. Estas curvas no solo perseguían un fin estético sino que se realizaron en un intento de situar el máximo número de habitaciones posibles con vistas al río. Aalto se esforzó en optimizar las condiciones haciendo que la fachada que se abría a la sur y daba al río adoptara una forma de curva. Todas las ventabas de las viviendas dan al sur, hacia la luz natural y al paisaje del río, así quedan todas las ventanas en diagonal hacia la calle, y se puede observar el trafico que circula de la manera mas agradable posible, de una manera oblicua y no perpendicular, tal y como se ve pasar el paisaje desde la ventana de un tren en marcha. Esto hace que los pasillos también sean poco convencionales, ya que en ellos surgen con facilidad zonas de reunión y encuentro, convirtiéndose así en una zona mas de estancia que de transito.

La fachada sur, la que da al río esta perforada por las ventanas de las habitaciones. La escalera en saledizo de un solo tramo forma una especie de cuña que domina la fachada norte. La combinación de suaves formas onduladas y salientes afilados da como resultado un llamativo contraste entre las dos partes del edifico.

Entre el edificio de la residencia y el rió hay un ala independiente que alberga la cantina y el café. A diferencia del volumen del edificio restante, en el ala del restaurante, más baja y cuadrada, se ha utilizado mármol gris para la fachada. Desde la Biblioteca de Vipuri Aalto había desarrollado un gran interés por la iluminación. El espacio de la cantina se ilumina mediante claraboyas redondas que a su vez son iluminadas por una lámparas colocadas directamente sobre estas en el exterior del edificio. Este peculiar sistema de iluminación permite que luz sea similar tanto de día como de noche.

Comedor común de la Baker House.

Alvar Aalto prosiguió su última etapa fundamentalmente en su país Finlandia donde destacó en le diseño de obras públicas sobre todo destinadas a temas sociales relacionados con esa sociedad del bienestar floreciente en Finlandia. Por un lado diseño edificios religiosos vinculados a nuevos asentamientos como la iglesia de Vuoksenniska (Imatra). Los edificios religiosos propusieron a Aalto dos temas principales la luz y la participación en la liturgia. Esto desencadenó la utilización de formas radiales atípicas en la construcción de este tipo de construcciones.

La iglesia Vuoksenniska tenía una doble función religiosa y de reunión del pueblo. Además esta exigía una capacidad (cantidad de gente) determinada para la reunión. Aalto solucionó el problema reuniendo las indispensables habitaciones para los clubs, las salas parroquiales y la iglesia en si en un espacio que se podía dividir dependiendo de las necesidades. Dicho espacio se componía de tres salas, situadas una detrás de la otra. La sala en el extremo noroeste, en la que se encuentra el altar, es la verdadero espacio sagrado. Las otras dos salas se pueden separar de ella en caso de necesidad mediante tabiques móviles. Estas paredes son movidas por motores eléctricos, tiene un espesor de 42 centímetros y están completamente insonorizadas. El hecho de que estas paredes móviles sean en parte rectas y en parte curvas se debía, según la idea de Aalto , a motivos acústicos. La misa luterana requiere en cada iglesia tres puntos centrales: el altar, el púlpito y la tribuna del órgano, en la que frecuentemente se sitúa también el coro. En la solución propuesta por Aalto, los tabiques divisorios, en diagonal al púlpito, tienen una forma curvada y separan la esquina de la sala mas alejada del púlpito, de tal manera que durante el sermón, todos están a la misma distancia del púlpito. El interior es continuamente blanco y esta iluminado mediante las vidrieras diseñadas por Aalto , cuyo tema es la corona de espinas.

Ayuntamientos:

El primero de este tipo de edificios es el Ayuntamiento de Säynätsalo(1949-1952). Este conjunto destinado en principio al ayuntamiento reunía diversas edificaciones de carácter público, marcando así un punto de referencia en la ciudad. De esta forma el conjunto incluía el ayuntamiento, la biblioteca y una serie de viviendas y comercios. El patio está concebido como un jardín silvestre o patio pradera y está al nivel de la primera planta. El edificio, que se eleva en una cuesta relativamente empinada, está construido en torno a un recinto central, el patio, tanto en sus partes de una planta, como en la de dos. El patio inferior forma una superficie en altura levantada con la tierra que quedó de las excavaciones para los cimientos. En la planta baja del edificio estaban previstos locales comerciales. Éstos están construidos en dos niveles, el de la calle y el del patio. Así el verdadero edificio administrativo cuyas salas se agrupan entorno al patio, se libera del efecto “vulgarizador de las tiendas”. Desde el patio elevado se accede a través de la escalera principal de granito a la parte este y a la zona oeste por una escalera cubierta de hierba.

El material dominante del ayuntamiento, tanto fuera como en los espacios públicos del interior, son ladrillos rojos. En las salas interiores y para el mobiliario diseñado por Aalto se utilizó mucha madera. En la sala del consejo se filtra la tenue luz desde el norte a través de una ventana tapada por una celosía. El tejado está dominado por dos estructuras de madera que forman” las alas de una mariposa”, permitiendo que corra el aire entre el techo interior y la cubierta exterior.

Bibliotecas:

Alvar Aalto se convirtió casi en experto en le diseño de bibliotecas entre las que destaca la Biblioteca de Mount Angel, en Oregón.(1976-71). El edificio que alberga la biblioteca refleja y materializa el espíritu y el propósito de los clientes: levantar una biblioteca donde el placer de la lectura se combinara con la eficiencia y la funcionalidad de un centro docente competente y especializado. Un gran sistema de estantes parece conformar la estructura y la organización del edificio que contiene, salas de estudio y mesas de lectura repartidas en sus tres plantas bañadas por la luz natural. El edificio esta organizado distendidamente en forma de abanico asimétrico, cuyos rayos parten del vestíbulo hacia la pared del fondo de la biblioteca y hacia abajo cuatro pisos siguiendo la inclinación natural del terreno.

En la parte posterior del abanico hay grandes ventanas termales y arriba en el espacio central esta rodeado por tragaluces anulares. Estos dejan entrar una suave y placentera luz que atraviesa la biblioteca. Dispersas por todo el edificio se aprecian aberturas en las paredes que enmarcan la vista del valle y las montañas.

Arquitectos americanos tras la SGM:
Eero Saarinen: Hijo de emigrantes finlandeses, se formo en EE.UU. Admirador de la obra de Mies. En su obra busca expresión en las formas alejándose de las formas frías de Mies. Esto ya se observa en sus primeros edificios como en una capilla pensada para todas las religiones ya que está situada en un campus multicultural (Campus MIT). La capilla, sin ventanas, más que una iglesia se trata de un espacio de retiro espiritual que recuerda a las antiguas iglesias románicas. Este cilindro de ladrillo está colocado sobre una serie de arcos de hormigón, de diferentes longitudes, que emergen de un estanque. Eero Sarinen diseñó una pared de ladrillo ondulada, que garantizaba una buena sonoridad en el templo, envolviendo el interior de la capilla. El escultor Harry Bertoia creó la pantalla metálica suspendida sobre el altar de mármol que está iluminada por la única abertura del edificio y cubierta por una reja en forma de panal. Saarinen quiso recrear un particular efecto de iluminación mediante la combinación de luz directa cenital e indirecta lateral. Lo logro gracias a una claraboya circular, suspendida directamente sobre el altar, y un doble vidrio ininterrumpido colocado a la altura de los arcos, en el que la luz natural incide sobre el agua se refleja en la parte superior del recinto centelleante. En el altar aparece un escultura a modo de cortina que envuelve el espacio y junto a la luz que una lugar para la oración. Sobre el techo hay un campanario realizado en aluminio diseñado por el escultor Theodore Roszak que remata la capilla.

Otra obra de Saarinen situada también en el campus del MIT es el Auditorio Kresge. El auditorio es definido por una elegante estructura de una fina cáscara de hormigón, un octavo de esfera levantándose a una altura de 50 pies, y unido a las paredes de cristal escarpadas de modo que apoya solamente en tres puntos. La tecnología de finas cáscaras de hormigón supuso un reto en la época de su construcción ya que se juega con los escasos apoyos y la delgadez de las paredes de la estructura. La bóveda pesa solamente 1200 toneladas y está revestida con cobre. Sentándose en una plataforma circular de ladrillo, la bóveda contiene una sala de conciertos, y en un nivel inferior se sitúa un teatro pequeño, dos salas de ensayo, vestuarios, oficinas, servicios, y salones.

-Aeropuerto Internacional de Dulles, Washinton (1958-1962): Una enorme plancha de hormigón cuelga entre dos filas asimétricas de ganchos de hormigón, creando una evocadora y dinámica curva. Oculto en el hormigón hay un punte colgante de cables de acero tendido entre los ganchos de un lado a otro que soportan la cubierta. Saarinen describe esta estructura como una enorme y continua hamaca suspendida entre árboles de hormigón. Además es curiosa la unión entre los soportes y la cubierta que recuerda la de un ojal perforado por una aguja o similar. La simplicidad del diseño permitió elegantes expansiones del edificio en los 90, mediante la adición de mas “árboles de hormigón” al final de cada fila y colgando mas “hamacas” entre ellos. La inclinación de los ganchos de hormigón contrarresta la tensión de los cables de la cubierta. Según palabras de Saarinen, él “exageró y dramatizó la inclinación de los ganchos para darle la edificio una apariencia mas dinámica y conseguir la sensación de que el techo planeaba sobre la estructura”.

Interior del Aeropuerto Internacional de Dulles.

-Pabellón de Patinaje de New Haven: La estructura portante de esta estructura deportiva de forma oval está reducida sorprendentemente a un arco parabólico, puesto en correspondencia con el eje longitudinal del edificio y a bajas y onduladas mamposterías perimetrales, con un espesor de 30 centímetros e inclinadas 15 grados hacia el perímetro exterior del edificio. El arco parabólico forma una extensión de los arcos continua, sin apoyos intermedio, prosiguiendo en vuelo unos 12 metros más allá del perímetro del edificio ofreciendo abrigo a los accesos principales del complejo deportivo. La monumentalidad de esta gran estructura apodada como “la ballena de Yale” está contenida entre la genialidad del calculador de estructuras, el ingeniero noruego, Fred N. Severud, y la vocación plástica y escultórica de Saarinen.

-Terminal de la TWA: Las formas de la Terminal de la TWA representan un símbolo del vuelo. Abstracta e inintencionadamente evoca la figura de un águila aterrizando. Las expresivas curvas del diseño crean estancias atractivas y espaciosas y un extraño grado de regocijo para una Terminal de un aeropuerto. La moqueta naranja que solía cubrir el suelo de la Terminal ya no está en la actualidad y ahora la atmósfera es mas fría y recuerda a la arquitectura moderna. Además el efecto se intensifica gracias al acristalamiento teñido de violeta. Aunque el edificio parece estar hecho de hormigón moldeado, la estructura, una red de acero, esta escondida dentro de este, reforzando el edificio como en el Aeropuerto de Dulles.

Lois Kahn En el contexto de los años 70 Kahn fue uno de los pocos arquitectos que reivindico la historia y ciertos valores como la monumentalidad o la durabilidad de las obras. -Biblioteca de la ciudad Exeter (1967-1972): Desde el exterior tiene el aspecto de un cubo de ladrillo, al entrar, entre las placas que conforman ese cubo se descubre un acceso poco celebrado que casi a cualquier hora del día se encuentra bajo las sombras, evoca una cueva. Este acceso conduce a un espacio central de la altura del edificio definido por una serie de formas euclidianas (círculos, triángulos y cuadrados) y por la expresividad de sus materiales aparentes bañados por una luz indirecta, los cuales evocan la emoción de lo elemental. La gravedad de este interior cuyo misterio es acentuado por la transición de la oscuridad a la luz que propone su acceso, da vida al edificio y postula a su función, la búsqueda del conocimiento como un proyecto espiritual. Aunque en la planta y los planos de sección este espacio vacío ofrezca un aspecto cavernoso, en realidad la complejidad de este espacio interior, que abarca desde las aberturas circulares de las cuatro superficies de pared hasta el techo, que termina con grandes vigas transversales de hormigón dispuestas en diagonal, recuerda diseños anteriores de bibliotecas con amplios espacios centrales, como el proyecto de ÉtienneLouis Boullée para una biblioteca real en 1785, o la Biblioteca Pública de Eric Gunnar Asplund en Estocolmo 1927.