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El Manierismo: El manierismo fue un movimiento de transición del Renacimiento al Barroco.

Debido a un momento de crisis con respecto al Renacimiento se produjo un agotamiento de los ideales y formas de este lo que llevo a un movimiento de cambio y convulsión que originaria mas adelante el Barroco. Las obras mas destacadas de este periodo son la Biblioteca Laurenciana, en especial sus escaleras, de Miguel Ángel y el Palacio del Te en Mantua, de Giulio Romano.

Biblioteca Laurenciana (escaleras)

Palacio del Te en Mantua

El Barroco: Tras el Renacimiento que se expande hasta finales del siglo XVI en Italia, surgió un nuevo movimiento denominado Barroco. Su nacimiento se vio vinculado a ciertos aspectos religiosos y políticos como la contrarreforma de la iglesia católica. La aparición de una nueva corriente protestante originada por las criticas de Lutero entre otros a la iglesia católica llevo a una reacción contundente por parte de esta que desemboco en el Concilio de Trento y mas tarde en la contrarreforma. Las criticas protestantes remarcaron entre otras cosas la construcción de la Basílica de San Pedro patrocinada mediante la venta de indulgencias y que mas que representar a la cristiandad eran un símbolo de el poder terrenal, estatal y casi monárquico del papado de Roma. La contrarreforma tuvo repercusiones arquitectónicas, con el establecimiento de unas normas que regulaban las nuevas construcciones. Los espacios debían ser sencillos, destinados a la reunión y que facilitaran la transmisión de la palabra. En las iglesias de a partir de 1550 la nave central se ensancha en detrimento de las laterales, la cubierta es una gran bóveda y se produce una clara focalización hacia el altar. Esto se puede observar en las iglesias de Andrea Palladio, San Giorgio Maggiore y Il Redentore:

San Giorgio Maggiore

Il Redentore

Otra iglesia modélica de esta reforma arquitectónica es la iglesia fundacional de la Compañía del Jesús o jesuitas, la Iglesia del Gesú (1586-1577) en Roma. En ella la nave central termina en un gran ábside y las naves laterales se sustituyen por espacios para capillas cuyos muros facilitan el contrarresto del empuje de la bóveda. El transepto es muy corto apenas sobresale del conjunto, lo justo para que sea reconocible la planta de cruz latina. La idea fundamental desarrollada en este tipo de iglesia es la de percibir la iglesia como una gran nave central. La fachada de esta fue diseñada por Giacomo della Porta y Vignola. En ella aparecen relieves ya adornos, así como dobles pilastras que se despegan dela fachada hacia el centro de esta, Además la fachada incorpora dos frontones. La fachada se encuentra decorada con dos escudos marcando el eje axial, y dos estatuas flanqueando el acceso principal. Esta obra será el prototipo usado durante el primer tercio del siglo XVII, en el uso de las pilastras y nichos. La fachada realizada es más vertical, con menos resalte de las pilastras y menos destacada la nave central. Ambas fachadas eran de dos pisos, coordinados mediante el uso de aletones. La fachada se encuentra decorada con dos escudos marcando el eje axial, y dos estatuas flanqueando el acceso principal. Esta obra será el prototipo usado durante el primer tercio del siglo XVII, en el uso de las pilastras y nichos. Esta fachada era de dos pisos, coordinados mediante el uso de aletones, similar al modelo establecido por Alberti en San Andrea de Mantua. Los aletones son un elemento de enmascaramiento, utilizado para articular el piso inferior con otro superior de menor anchura, ocultando los machones que llevan el empuje de las nuevas fachadas. Una obra típicamente barroca fue la Iglesia de los Santos Vicente y Anastasio diseñada por Martino Longhi. Durante el Barroco se desarrollaron especialmente los espacios cupulados, así como la teatralidad, ilusión y efectos llamativos en arquitectura. Creando así un equilibrio tenso de las formas, puesto que este movimiento se presentaba como opuesto al Renacimiento caracterizado por las formas estéticas y armoniosas. Pero el Barroco fue también una época de gran experimentación espacial.Los espacios cupulados típicos del Barroco se desarrollaron en varias modalidades: -Espacios monocupulares: Característicos de pequeñas iglesias de planta central, iniciadoras de este movimiento y generados sobretodo en Italia, donde se intento además jugar con las formas clásicas. -Abovedados complejos. -Cúpulas múltiples: Desarrollados en la ultima fase del Barroco en países centroeuropeos, en especial en Alemania.

Ejemplo de esta experimentación espacial son las obras como: -La Iglesia de San Andrea del Quirinale (1685-1670) de L. Bernini, cuya planta es de forma ovalada al igual que la base de la cúpula en la que se produce una deformación de la forma circular. En la iglesia parece desbordarse el interior hacia el exterior con un porche y una escalera circulares y salientes en la fachada que parece brotar del interior .La cúpula ovalada tiene 10 nervios cosas impensable en el Renacimiento, puesto que los nervios no partían de dos ejes ortogonales. -La Plaza de San Pedro fue diseñada por Bernini acorde a la fachada de la basílica. Formada por un ovalo mas tramos rectos, tiene en el centro del ovalo un obelisco y esta envuelta por una columnata abierta al resto de la ciudad. Para ser albergado en el interior de la basílica Bernini también diseño una especie de palio escultórico llamado baldaquino para favorecer la transmisión de la misa. De esta forma mediante una estructura síntesis entre arquitectura y escultura centra la atención visual en el oficiante de la misa.

Plaza de San Pedro

Baldaquino de la Basílica de San Pedro

Dentro de los arquitectos mas innovadores del Barroco se encuentra Borromini quien fue el creador de las cúpulas mas creativas de la época. Como se puede observar en la Iglesia de San Carlos de Borromeo (1634-1667) conocida también como Iglesia de las cuatro fuentes. El edificio es un pequeño convento cuya . La planta de la capilla esta formada por dos triángulos opuestos en los que se inscribe una cúpula oval. Se cierra ese espacio con una cúpula elíptica sobre pechinas. La superficie de esa cúpula está decorada con casetones octogonales y cruciformes que se van haciendo progresivamente más pequeños hacia la linterna.

La fachada consta de dos pisos y tres cuerpos verticales, y el muro, asimismo ondulante, se articula por medio de columnas salientes. Los ritmos son opuestos en ambos pisos, pues a los entrantes del piso bajo les corresponden salientes en el alto y viceversa. La plasticidad de la fachada viene reforzada por entablamentos que se ondulan y se quiebran en perfiles mixtilíneos a fin de conferir al conjunto una movimiento permanente. La sintaxis arquitectónica no puede ser más anticlásica y heterodoxa. Todo en la fachada es dúctil, maleable; es como si la piedra rígida y fría se hubiese convertido en un material plástico, moldeable . Otro obra de Borromini fue la Iglesia de San Ivo de la Sapienza. La planta se asemeja a una estrella de David. Los brazos están cubiertos con bóveda de horno y, en el centro de la estrella, se alza una cúpula , haciendo referencia a las cúpulas árabes que hay en la Mezquita de Córdoba. Sobre ella se alza un campanario en espiral, que destaca por su novedad. Los ritmos complejos del interior tienen en ellos una deslumbrante geometría. En planta se reduce al solapamiento de un círculo sobre dos triángulos equiláteros sobrepuestos que crean la base para una disposición hexagonal de capillas y altar en una iglesia centrada. Las ondulaciones, tanto cóncavas como convexas, del interior, crean una atractiva discordancia.

Otro arquitecto ha destacar es Guarino Guarini. Entre sus obra mas importantes se encuentra la Iglesia de Santa Sindone( 1667-1690) en Turín. Esta iglesia destinada a albergar la sábana santa. Otra obra destacada de este autor es la Iglesia de San Lorenzo en Turín. En esta se produce una transición ella forma cuadrada de la planta a la cruciforme de un nivel intermedio y finalmente a la circular de la cúpula. La cúpula se asemeja a las cúpulas califales ya que Guarini recibió la influencia de la arquitectura árabe mediante sus viaje y en especial de la Mezquita de Córdoba. En este tipo de construcciones se refleja como el Barroco se desvincula del clasicismo rompiendo la tradición vitruviana.

Iglesia de San Lorenzo

Mezquita de Córdoba

Por otro lado en el Barroco alemán y durante el Rococó se desarrollaron iglesias de peregrinación con grandes cubiertas,cúpulas pedaltadas y visibles, bóvedas ovales que se funden entre si, espacios cupulados apoyados en columnas, deambulatorios. Ejemplo de estas son la Iglesia de Wies de Dominikus Zimmerman y la Basílica de Vierzenheiligen (1743-1772) llamada de los catorce santos de Balthasar Neumann en la que hay 5 bóvedas ovales rebajadas.

Iglesia de Wies

Basílica de Vierzenheiligen

El Pintoresquismo: En el siglo XVIII se produjo un cambio de mentalidad que favoreció el nacimiento de una alternativa al clasicismo para el cual el mundo era ordenado y armónico y debía ser expresado de igual forma. Esta nueva corriente surgida en Inglaterra se denomino pintoresquismo y su inspiración tuvo como fuente la naturaleza. Este movimiento comenzó con la creación de jardines inspirados en la interpretación pictórica idealizada de la naturaleza. A comienzos del s. XVIII los pintores comienzan a tener inquietudes paisajísticas. Se inicia así el paisajismo, al principio de tipo ideal y ficticio generalmente inspirados en la época clásica. El jardín pintoresco en su primera etapa no fue mas que la copia de el jardín ideal de la pintura paisajística inicial, con composiciones que encarnaban la visión pictórica del jardín. En esta etapa destaca la figura de Henry Hoare con jardines como Stourhead.

A mediados de siglo comienza una segunda etapa del jardín pintoresco, este se transforma en una reproducción de un paisaje mas natural, sin arquitectura, puro salvaje. Comienza así el paisajismo como disciplina. Para la realización de estos ideales paisajísticos ficticios se requería una gran intervención humana a pesar de la apariencia de un entorno plenamente natural. Las modificaciones del paisaje original podían incluir transformaciones topografías ( suavizar pendientes, profundizar valles), desviación del curso del agua tala y/o plantación de arboles, cuidado del césped, retirada de materiales rocoso etc. Se evitaba que se percibiera el vallado que delimitaba el jardín por lo que se crearon unos muros escalonados denominados haha. El principal impulsor del jardín-paisaje fue Lancelot Brown.

El pintoresquismo en arquitectura: La arquitectura es la mas propicia a la experimentación por lo que fue la que primero acogió esta alternativa a l clasicismo, que presentaba un nuevo paradigma de lo irregular como vehículo de la creación innovadora en arquitectura. La primera casa claramente pintoresca y neo medieval fue la Strawberry Hill en Twickenham (1748- 1777), obra de Horace Walpole, aristócrata y escritor. Construida a las afueras de Londres , esta inspirada en el mundo reflejado en las novelas de Walpole como “El castillo de Otranto”, un mundo misterioso de leyenda y oscurantismo. La planta de la casa no sigue alineaciones , ejes ni simetrías. Este aparente desorden oculta una intención artística. La casa se realizo a lo largo del tiempo , con el añadido de variaciones que no seguían un proyecto único. La casa muestra además un deseo de individualidad de cada una de las dependencias, dando así personalidad a cada una de las partes en las que cada habitación tenia distinta alineación y altura. En el conjunto se distinguen dos etapas constructivas. En la primera etapa la construcción se dispone entorno a la escalera del hall y en la segunda etapa entorno a un eje ( el pasillo). Además las distintas habitaciones tienen ventanas , remates y dimensiones diferentes a los de las otras. Por ultimo la entrada se encuentra apartada.

Strawberry Hill

La individualización y radicalización de este movimiento se muestra en obras como Dowton Castle(1770) de Richard Payne Knyght. A principios de siglo se produjo un salto al continente del Pintoresquismo, con ciertos elementos rurales que recreaban aldeas artificiales. En las cercanías de Versalles, M. Antonieta creo su propia granja ornamentada con motivos rurales.

Dowton Castle

Granja de María Antonieta

En Alemania aparecieron obras como el Castillo Babel Sberg (1850) de K.F.Schinkel y Ludwig Persius situado a las afueras de Berlín o Charlottenhoff (1830) del mismo autor situado en Potsdam. Estas obras pertenecen al conocido como pintoresquismo romántico ya que utiliza elementos clásicos.

Castillo Babel Sberg

Charlottenhoff

La Ilustración: La Ilustración fue un movimiento cultural europeo que se desarrolló –especialmente en Francia e Inglaterra– desde principios del siglo XVIII hasta el inicio de la Revolución francesa, aunque en algunos países se prolongó durante los primeros años del siglo XIX. Fue denominado así por su declarada finalidad de disipar las tinieblas de la humanidad mediante las luces de la razón. El siglo XVIII es conocido, por este motivo, como el Siglo de las Luces. Los pensadores de la Ilustración sostenían que la razón humana podía combatir la ignorancia, la superstición y la tiranía, y construir un mundo mejor. La Ilustración tuvo una gran influencia en aspectos económicos, políticos y sociales de la época. La expresión estética de este movimiento intelectual se denominará Neoclasicismo. El edificio mas representativo de este periodo es las Salinas de Chaux (1774-1779), obra de J.Nicolas Louis Ledoux. Este proyecto fue un encargo del Estado. Este complejo tenia una finalidad industrial respondiendo al utilitarismo de la Ilustración. Este proyecto ideal estaba organizado entorno a la figura oval, rodeada por una anillo de edificaciones destinadas a las residencias de los obreros y en cuyo centro se encontraban en un eje lineal los edificios de administración y trabajo. Este proyecto no se llevo a cabo del todo, realizándose solo solo medio ovalo. La disposición de las casas remarca la jerarquía existente entre los obreros y el director de las salinas. De esta forma la casa del director esta colocada en posición vigilante como símbolo de autoridad y las de los obreros en un semi ovalo entorno a la primera.

Las salinas son de estilo neoclásico. La casa del director es una edificio precedido de un pórtico de seis columnas y el fuste alterna tambores de forma cilíndrica y forma cuadrada, rematada por un frontón con un óculo. Los muros con vanos poseen una luminosidad muy contrastada. La entrada al conjunto de las salinas imita una gruta artificial y en el además aparecen vasijas ornamentales que aluden al carácter industrial y de extracción de recursos naturales del recinto.

Casa del Director

Entrada de las Salinas de Chaux

La creación de nuevas instituciones bajo el dominio del despotismo ilustrado y la ilustración permitió a Ledoux idear diversos edificios que seguían su teoría de la arquitectura parlante, es decir, la forma del edificio debía sugerir su finalidad. Ledoux proyecto edificios destinados a la formación moral de los trabajadores, en concreto para la formación sexual de estos, en especial de los jóvenes. Bajo esta misma teoría Ledoux diseño una taller de leñadores y una caseta para los vigilantes del agua.

Taller de Leñadores

Caseta para los vigilantes del agua Edificio para la educación sexual de los jóvenes

Otro arquitecto ilustrado importante fue Etiénne Louis Boulée. Entre sus obras mas destacadas se encuentra la del Cenotafio de Newton. Este monumento conmemorativo dedicado al padre de la física consistía en una esfera hueca a la que se accedía mediante una galerías ocultas. Debido a la oscuridad del interior de esta esfera y gracias a unos orificios realizados en la parte superior de esta , durante el día se podía contemplar una reproducción del firmamento de noche. Mientras que durante la noche se representaba el sol mediante un gran fuego colgante.

Otras construcciones importantes de Boulée son el proyecto de museo de todas las artes y el de una biblioteca nacional para Francia en el que destaca el soporte del edificio mediante las estanterías integrando lo que debería ser un mueble en la estructura del edificio.

Proyecto de Biblioteca Nacional de Francia.

La Red House y los movimientos ingleses de reforma de la vivienda y la ciudad: Durante la segunda mitad del siglo XIX se produjo una serie de reacciones ante la revolución industrial. La revolución industrial que ya estaba en marcha desde principios de siglo, comenzó con la invención de la maquina de vapor y a través de este hallazgo se realizo la automatización de la industria textil así como de otros procesos de producción. La consolidación de estos cambios llevo a un modo de vida que seria duramente criticado. William Morris , autor de la Red House fue uno de los detractores del mundo industrializado y dedico su vida a criticar este modelo. Estas criticas se iniciaron con Augustus Pugin, arquitecto que desarrollo el estilo neogótico y autor del libro “Contrasts” (1836) en el que se defiende los valores de un mundo medieval idealizado como la vida en comunidad y la integración social, frente a un mundo industrial de escasos valores y cohesión social.
“Contrasts”:

Ciudad medieval

Ciudad industrial

Más adelante John Ruskin critico también en su obra “ The seven lamps of architecture” la alienación del arte como producto de la alienación del trabajo en especial de los artesanos. La degradación del obrero y la búsqueda incesante de la autenticidad llevaron según su opinión a la aparición de los sucedáneos: productos derivados sin valor, desvirtuados. Morris recogió tanto las ideas de Pugin como las de Ruskin y les dio mayor proyección a través de un ejemplar modo de vida y gracias al reconocimiento que recibió en su época mediante su principal labor: el diseño. El diseño realizado por Morris estaba dedicado especialmente a la ornamentación plana sobre superficies y a diferencia del diseño icónico no buscaba representar la realidad. Morris amplio su campo de trabajo gracias a la creación de una empresa denominada: Arts and Crafts. La Red House: El diseño de esta casa fue un manifiesto de la idea de Morris de arte nuevo. Este espíritu renovador de Morris se transmite a través de la casa. La arquitectura que caracteriza esta casa es sobria, contenida y sencilla. La planta tiene forma de L y las dependencias forma rectangular . La fachada favorece al interior y cada dependencia tiene su propia cubierta se forma que la cubrición es del todo irregular. La casa recrea en definitiva un ambiente totalmente hogareño y acogedor. Siguiendo las ideas de Ruskin Morris intenta revitalizar el trabajo del artesano por lo que en la Red House adquiere gran importancia la albañilería, carpintería etc. La cubierta realizada con porcelana roja y sus paredes hechas con ladrillos sin revestir caracterizan esta casa bautizada así por su tonalidad rojiza. La casa representa los valores domésticos que cobran gran importancia en esta época. Los autores evitaron seguir cualquier estilo y atendieron sobre todo a la utilidad práctica de la vivienda. El aspecto exterior del edificio surge directamente de la creación de los volúmenes necesarios para cumplir las funciones interiores. Se concibe como una obra abierta capaz de ser modificada si aparecen nuevas necesidades de los usuarios, como sucede en la arquitectura popular en la que se inspira. De hecho en la planta del segundo piso podemos ver el proyecto de ampliación del edificio hacia la izquierda, que no se llegó a realizar. El jardín también es importante, siendo un ejemplo de jardín integrado como una dependencia más de la casa. Incluso posee un magnífico pozo con sabor medieval cubierto por un tejado cónico. La idea era que la casa debía armonizar con el paisaje del entorno. La obra refleja la admiración por la autenticidad y humanidad de los métodos constructivos medievales. Sin embargo, no es la vuelta al pasado, sino la ruptura radical con la arquitectura de se época lo que hace de Arts & Crafts precursora de la arquitectura del siglo XX.

Mirador exterior

Mirador interior

En la Red House y según la filosofía creativa de Arts and Crafts el mobiliario fue diseñado como parte del conjunto de la casa como elemento integrado y determinador del espacio dentro de la casa. Esto se puede observar en la creación de rincones y lugares de gran comfortabilidad pensados para la vida cotidiana. The Domestic Revival: La Red House inicio un movimiento marcado por una tendencia hacia la construcción de casas de campo y que buscaba la casa ideal. Estas casas suburbanas inspiradas en temas rurales no buscaban la monumentalidad o la representación y recreación de estilos clásicos o historicista. El ideal de casa era entonces el de una lugar acogedor , domestico, práctico. Las casas del Domestic Revival como se bautizo ha este estilo desarrollado principalmente en Inglaterra, se caracterizaron por sus peculiares hastiales y el llamado jardín “arts and crafts”. Las casas del Old English Style, movimiento anterior al Domestic Revival

Leyes Wood

Siglo XIX: Historia, Estilos y programas: En el siglo XVIII se produjo un cambio de actitud frente a la historia. Esta nueva forma de ver la historia como una secuencia de hechos ligados entre si, impulsó el estudio de esta y el nacimiento de una nueva ciencia: la arqueología: el estudio de los vestigios del pasado. Con los primeras excavaciones y estudios aparecieron los primeros conocimientos sobre la cultura clásica, especialmente con los trabajos en la Acrópolis y el Partenón. La primera lamina que capturaba el resultado de dichas actividades arqueologías fue realizada por J. S Pon en 1676. Esto desencadeno una carrera del saber entre diferentes grupos de arqueólogos que recogían información gráfica mediante laminas sobre este monumento. El equipo francés – Le roy (1758)- venció en esta empresa a pesar del equipo inglés- Stuart y Revett (1788). El desarrollo de la arqueología trajo también consigo la división entre los amantes del mundo griego y los del mundo romano, puesto que gracias a los estudios realizados en esta época se supo que los ordenes griegos y romanos no eran iguales como se pensaba hasta entonces. Entre los entusiastas de la arquitectura griego destacó Winkelman quien gracias a su labor de investigación y su minucioso estudio del mundo griego es considerado el iniciador de la historia del arte e impulsor del neoclasicismo. Por otro lado estaban los admiradores de la arquitectura romana, entre los que destacó Piranesi. Este fue uno de los mejores ilustradores de su época y gran estudioso de la arquitectura y ruinas romanas. Esto le permitió romper el principio de fidelidad y realizar recreaciones y supuestos de como pudo ser la Roma clásica. De esta forma la historia pasó a ser un modo de inspiración para la creación arquitectónica. De esta nueva forma de mirar la historia nacieron dos movimientos el historicismo y el eclecticismo, ambos basados en los estilos arquitectónicos ya creados puesto que los arquitectos de la época tenían el convencimiento de que las grandes invenciones en arquitectura ya estaban hechas. Esta mirada nostálgica hacia el pasado de notada influencia romántica se expresa muy bien el cuadro de Thomas Cole titulado “El sueño del arquitecto”.

“El sueño del arquitecto” : Thomas Cole

La revolución burguesa que supuso el fin del Antiguo Régimen fue seguida por la revolución industrial esto supuso una serie de cambios en le campo de la arquitectura. El avance tecnológico y la preocupación por le progreso fomentaron la importancia de la ingeniería en el siglo XIX, esta representaba la técnica frente al carácter artístico que encarnaba la arquitectura. Esto se puede observar en el Compendio de Lecciones de Arquitectura de Durand. Este libro destinado para la enseñanza de los futuros ingenieros , recoge algunas de las nociones básicas de arquitecturas que estos debían tener.

Compendio de Lecciones de Arquitectura de Durand

Al mismo tiempo y se diversificaron los edificios ante la necesidad de que estos asumieran nuevas funciones. En este contexto llego a su máximo esplendor el desarrollo de un tipo de edificio que había surgido ya en el siglo XVIII: el museo. Ejemplo claro del desarrollo de este tipo de construcciones son las siguientes obras: La Gliptoteca de Munich (1816-1830): Este museo de escultura antigua es obra de Leo Von Klenze. La gliptoteca se estructura mediante unos nichos en los que se sitúan estatuas que hacen referencia ala función del edificio, encontrándose precedido por un pórtico jónico octástilo, reforzado por un patio y una escalinata de acceso. En este mismo recinto se encuentran los Propileos. Frente a la monumentalidad de las arquitecturas visionarias con las que está indirectamente emparentada esta construcción, en la idea de Klenze priman las dimensiones más serenas y accesibles y menos impositivas, aunque busque una plasticidad masiva de efecto mayestático. Las columnas con éntasis recuerdan su compromiso historicista.

Gliptoteca de Munich

Propileos(Munich)

Otro ejemplo de este desarrollo fue el Altes Museum (1822-1830) de KaR Friedrich Schinkel. Esta obra se sitúa en el clasicismo romántico.Concebido como una stoa con un frente de 18 columnas ofrecía al ciudadano una imagen de exigencia estética y de instancia a la formación. El museo tiene su espacio más representativo en la sala central cubierta con cúpula de casetones, y en la que se diferencia una rotonda inferior columnata de una galería superior que se asoma a ésta.

Altes Museum: Planta, escaleras y sala central (De izquierda a derecha y de arriba a bajo)

Otros edificios construidos bajo esta influencia historicista son: -The Brithish Museum (1830) en Londres, obra de Robert Smirke.

-La Segunda Opera de Dresde (1871-1878), obra de Gotried Semper

-Ópera de París (1860-1879), obra de Charles Garnier. Este edificio pertenece al estilo denominado segundo imperio.

-Palais de Justice (1861-183) de Bruselas, obra de Joseph Poelaert.

-Parlamento de Viena(1873), obra de Theophil Von Jansen.

-Parlamento de Budapest (1885-1902), obra de Impre Eteindl

- Parlamento de Londres, inspirado en la Abadía de Wensminster.

-Capitolio de Washington –

-Castillo Neves Chwasteir - Royal Pavilion (1818) en Brighton , obra de John Nach

La Arquitectura del Hierro – CoalBrookdale Conjunto de construcciones en los que los materiales derivados del hierro y el hierro mismo que dan lugar a una estructura más moderna y experimental, en la que surgen los principales avances dels.XIX. El hierro no se había utilizado hasta entonces, por lo que no hay ningún referente histórico que recargue o influya en este tipo de arquitectura. Los ingenieros son los que con su mayor formación técnica, encuentran usos adecuados a estos nuevos materiales férreo emergentes. Esto deriva de una serie de innovaciones técnicas en la industria siderúrgica, donde se mejora muchísimo la calidad del hierro gracias al desarrollo de los procedimientos de obtención y por la fiabilidad de las piezas de este material en todos los sentidos, así como por el tamaño. Anteriormente era algo tratado de forma artesanal, hasta que a finales del s. XVIII cuando debido a la revolución industrial se produjeron mejoras en la calidad del hierro ligadas al perfeccionamiento de la técnica . La construcción pionera, como campo de experimentación en la arquitectura del hierro, fue la construcción de puentes. Eran elementos necesarios para la mejora de las comunicaciones, caminos y carreteras. Los nuevos logros de la industria siderúrgica permitieron la utilización del hierro en construcciones con una total fiabilidad. El primer puente importante en hierro es construido en Inglaterra en CoalBrookdale, cruzando el Rio Severn. A lo largo del s. XVIII es en esta región inglesa donde se producen los mayores avances, pasando de la técnica de fundición con carbón vegetal, a la fundición con carbón mineral, que alcanzaba una mayor temperatura en los hornos. Para su construcción se pensó también en la economía, factor decisivo en la incorporación de los nuevos materiales. El hierro era más barato que materiales tradicionales como la piedra. Para su diseño se basaron en la idea del anterior puente de piedra, pero construyendo el esqueleto en hierro, de forma más ligera. Se formó de la conjunción de piezas más pequeñas. Los sistemas de unión aún sin precedentes, se basan en las utilizadas típicamente en la madera, como las de caja y espiga o cola de milano. Las piezas son del primer material ferroso, la llamada fundición: consistía en verter el líquido en rojo vivo en moldes de arena muy fina que mantenía la forma, con una exactitud sorprendente. Fue construido por un arquitecto y experto en metalurgia, Pritchard y Wilkinson, en 1779. El proceso de montaje tuvo que suponer un proceso difícil en esa época debido a la complejidad del entramado y el peso de las piezas. El ejército participó en el montaje del puente, elevando las piezas. Después de estas experiencias pioneras, el avance en la construcción es rápido. El padre de la ingeniería civil de la construcción de puentes es Thomas Telford. Basándose en Coalbrookdale, emprendió un proyecto para el Támesis que tendría 600 pies de longitud, multiplicando las dimensiones seis veces. El proyecto fue finalmente rechazado debido al gran presupuesto que requería su realización. Físicos y expertos verificaron en sus estudios que era un proyecto totalmente favorable, por lo que la técnica habría avanzado de forma real en esos 20 años. Telford es también el protagonista de los puentes colgantes que se desarrollan en esa época. La idea de puente colgante ya existía, pero a menor escala. Construye en la costa oeste con

Inglaterra, en el Estrecho de Menai, el puente colgante que une la carretera que conectaba Inglaterra con Irlanda.

Puente del Estrecho de Menai

Un segundo puente colgante, que supuso un avance sobre el anterior, sobretodo por su ligereza, es el puente sobre el río Avon en las proximidades de Bristol. Fue construido por Isambard Brunel.

Puente colgante de Clifton

Las técnicas de cableado en puentes fueron realizadas al principio por eslabones de cadenas. Otro sistema era el de bielas: piezas metálicas que se unen mediante bisagras que las dotarían de la suficiente flexibilidad para permitir el giro El puente de Brooklyn se realizó en Nueva York en 1883 por John Roebling. Se sustituyen por primera vez las vielas por cables de gran resistencia.

Cuando se plantea el hecho del trascurso de trenes por los puentes, los puentes colgantes son demasiado débiles o flexibles para sustentar tal peso. Surgen nuevas tecnologías, a mediados del s. XIX. Las vigas cajón son conjuntos de vigas cuadradas que hacían mediante roblonado mediante planchas metálicas. El puente Britania fue diseñado por William Fairbarn en colaboración por Stephenson, y se aplicaron estas nuevas tecnlogoías como nuevo elemento estructural: esta gran viga sostenida por pilonos, que formaba un puente en forma de túnel formado por cajones dentro de los cuales circulaban.

Posteriormente, las vigas cajón evolucionan hasta llegar a las uniones trenzadas. Gustave Eiffel fue el protagonista principal de este tipo de puentes, con este tipo de estructuras más ligeras formadas por vigas. El viaducto de Garabit (1879-1884) es la obra culmen de esta tecnología. Tuvo que construirse un arco intermedio de celosía ya que la luz era demasiado extensa.

Viaducto de Garabit

Hilandería en Salford, por Boulton y Watt en 1799-1801

La utilización del cristal en la construcción aparece como conjunción con el hierro, como primeras aplicaciones al público en las ciudades. Se aplica en las llamadas galerías cubiertas, callejones peatonales que empiezan a cubrirse y se abre al público. En París se desarrollan este tipo de galerías cubiertas, de gran extensión. En el Passage de Pommerage en Nantes nos muestra el contraste entre lo tradicional y lo técnico. La galería de Victor Manuel II en Milán es el ejemplo más destacado de calles cubiertas, con una bóveda acristalada en una rotonda central.

Galería de Víctor Manuel II en Milán

Passage de Pommerage en Nantes

La construcción de mercados centrales se desarrolla también en este siglo: reunión de mercados en cubierto. Les Halles de París se construyen en un gran solar formando casi una pequeña ciudad. El proyecto comienza en 1854 y finaliza en el 70, totalmente contemporáneo a la ópera de París. Hacia1960 el mercado se desmanteló, perdiendo una arquitectura de gran interés del s. XIX.

Les Halles de París

Las construcciones más radical de hierro y cristal fueron los invernaderos, típicos del s.XIX. Europa, como conjunto de países colonialistas, comienza a mostrar interés por las plantas exóticas que se van descubriendo en expediciones por las colonias. Inglaterra como país colonialista, desarrolla los invernaderos como solución para albergar estas plantas. Se le debe a Joseph Paxton el primer invernadero, construido en Chatsworth en 1837. Tiene una forma redondeada que se mostraba acorde a las copas de los árboles. El más destacado de los construidos en Europa es el del parque de Kew, a las afueras de Londres conocido como Palm House o la casa de las palmeras.

Invernadero de Chatsworth

Palm House

Las estaciones de ferrocarril también tienen su expansión, sobretodo en Inglaterra. En Charing Cross, en Londres, se utilizan bóvedas de cristal cubriendo el espacio por donde entraban los trenes. La nave más espectacular es la de la estación de Saint Pancras.

Estación de Saint Pancras Las exposiciones universales La nueva situación de Europa favorece la comunicación y la interacción entre países. Así surgen estos certámenes en los que cada país presente su mejor producción en los campos de la industria. En 1951 se decide llevar a cabo la primera exposición universal de Londres en la que se inauguraba el reinado de la reina Victoria. Lo que se va a necesitar es una construcción temporal de gran extensión, a contrarreloj. Se convoca un concurso, y tras muchas propuestas, el ganador es Joseph Paxton. Propone una construcción estandarizada, con elementos que se repiten en grandes extensiones que destaca por su rapidez y su simpleza en sus piezas de montaje. Un única pieza de soporte y un solo tipo de viga. Se fueron creando todos los espacios, destacando una gran bóveda central. El resto era una construcción ortogonal.

La galería de las máquinas era la destinada a las grandes construcciones mecánicas. A partir de la celebrada en Londres, se comienzan en 1867 a convocar en París.

Galería de las máquinas (Londres,1851)

En 1889, con el centenario de la revolución francesa, Francia crea los grandes records en esta exposición universal. Una conjunción de pabellones cubiertos, en el que el más destacado es la gran nave correspondiente con la galería de las máquinas. Se construye aquí la mayor estructura de hierro de todo el siglo XIX. No ha sido superada por ninguna estructura de hierro: más de 100 metros de ancho, 300 metros de largo, constituyendo el mayor espacio diáfano hasta la fecha. La forma es de arcos apuntados pero con la característica técnica de unirse en el centro por una articulación: arco triarticulado. Fue obra de Duterty Contamin. Fue desmantelada con el resto de exposiciones del siglo.

Galería de las maquinas (París,1889)

La torre Eiffel tenía la finalidad de entrada a la exposición. Era un desafío de construir una torre de 300 metros de altura. La solución fue crear cuatro soportes inclinados que se reunieran en el centro y que dieran lugar a esta forma para poder resistir las condiciones del viento

Torre Eiffel (París,1889)

Los primeros edificios en altura y la Escuela de Chicago: Creados en Chicago (Estados Unidos), y perfeccionados en Nueva York, los rascacielos fueron una creación estructural que revolucionó el panorama urbano de los últimos cien años, siendo hoy día un símbolo de modernidad en todo el mundo. El elemento principal que permitió el desarrollo de los rascacielos fue el ascensor, si bien otros avances técnicos posibilitaron el progresivo aumento de altura. Entre ellos destacan el acero, el hormigón armado, el vidrio, y la bomba hidráulica. Antes del siglo XIX los edificios de más de seis plantas eran raros, ya que su excesiva altura los hacía poco prácticos. Además, los materiales y técnicas necesarios para construir un rascacielos son notablemente diferentes de los empleados en edificios convencionales. La Escuela de Chicago surge en un contexto, en la que la ciudad es más próspera, aumenta considerablemente el nivel demográfico. Esto supuso que el urbanismo adquiriera una relevancia máxima. Sin embargo, en 1871 la ciudad de Chicago sufrió un incendio gravísimo que la destruirá casi por completo, lo que supuso la renovación de la ciudad. Esta necesidad de crear nuevos edificios, dará pie al desarrollo de la Escuela de Chicago. Junto a esta, aparecerá un nuevo concepto en la arquitectura de aquellos años; el rascacielos. Chicago era una ciudad floreciente, por ello se produjo una gran especulación sobre los terrenos y una gran demanda de construcción. La solución que se adoptó fue la construcción en vertical: muchos pisos elevados sobre una planta reducida. Como es lógico, se empezaron a construir edificios con un número de pisos que en aquellos tiempos eran todo un logro; se trataba de edificaciones que podían oscilar entre los 10 y los 16 pisos de altura. Paralelamente a los rascacielos, aparecieron los primeros ascensores eléctricos. La Escuela de Chicago estaba integrada por un conjunto de arquitectos que proponían soluciones similares entre ellos: estructuras metálicas revestidas según la función del edificio, ventanas que podían variar de tamaño cuando se deseara y la eliminación, en muchos casos, de los muros de carga. Progresivamente se dejaron atrás los edificios con muros de piedra y de gran grosor, y dominaron en el panorama las estructuras de hierro recubiertas. Otra innovación fueron las ventanas corridas que ocupaban la mayor parte de las fachadas de los edificios, esto daría lugar a lo que más adelante se llamaría ‘muro cortina’.

Autores de la Escuela de Chicago: -Henry Hobson Richardson (1838 - 1886); autor del Marshall Fields Store → no es un edificio que cuente con demasiados pisos pero ya empieza a despuntar entre los demás. El exterior del edificio es muy sencillo. Los muros son consistentes, de piedra no pulimentada (tradición constructiva de Massachusetts), pero los vanos (ventanales) están cumpliendo la función de captar la luz. Podemos destacar la utilización de diferentes formas y tamaños. La estructura rotunda, en su carácter sólido y unitario, le hace sobresalir y afirmar su individualidad en el caos urbano que lo acoge.

Marshall Fields Store

Henry Hobson Richardson

-William Le Baron Jenney (1832 - 1907); El padre de la Escuela de Chicago proyectó El Home Insurance Company Building en 1884, siendo considerado el primer edificio construido con esqueleto de hierro, a pesar de que algunas de sus paredes tenían función sustentante. Inaugura también las dudas estéticas para acomodar las plantas de oficinas en una tipología como ésta, que no tenía precedentes. Había la necesidad de concentrar a mas gente en menos espacio y así surgió este edificio, que se convirtió en el primero con 10 pisos. Con la técnica de engarces de hierro a base de pilares, vigas y entramados recubiertos de una sustancia protectora contra el fuego, se lograron edificios de muchos pisos sin necesidad de que los pilares fueran muy gruesos, permitiendo el sistema eliminar casi por completo el muro. Así se establecieron entre los pilares numerosos ventanales, las típicas "bow-windows" de tres cristales, permitiendo la ventilación de los amplios interiores y la iluminación necesaria. También surgen las llamadas ‘Chicago windows’, ventanas de dos partes divididas por una parte central fija.

Bow-windows Chicago windows Home Insurance Company Building

- Burnham & Root; Dos arquitectos muy importantes en la Escuela de Chicago. En el estudio de Le Baron Jenney se conocerán Daniel Burham y John Root, dos personajes que sintetizan las dos componentes de la realidad profesional americana. Burham era practico, emprendedor, con gran capacidad para las relaciones públicas, era el promotor, mientras que Root era más artístico, con un talento más cultivado. Juntos construyen edificios como el Rokery Buildind, el Reliance Building o el Monadnock Building entre otros.

Rokery Buildind

Reliance Building

Monadnock Building

- L. Henry Sullivan (1856 - 1924); Fue uno de los principales representantes. Su aporte más importante fue el diseño de diferentes tipos de rascacielos, con la estructura interior de hierro bajo una atractiva fachada de mampostería. El Wainwrigh Building, el Guaranty Building y el Carson Pirie Scott Department Store (Almacenes Carson) son edificios que llevan su firma.

Wainwrigh Building

Guaranty Building

Carson Pirie Scott Department Store (Almacenes Carson)

Art Nouvou: El Art Nouvou fue un movimiento artístico-ornamental desarrollado a principios del siglo XX, finales del XIX, inspirado en los motivos naturales e impulsado por el deseo de creación de un arte renovado que manejara un lenguaje ornamental nuevo. Este estilo decorativo persigue el progreso hasta entonces estancado del arte, a su entender. Este movimiento tenía el anhelo de creación de un nuevo universo de formas. El Art Nouvou tomaba temas naturales formalizados mediante lineas curvas. Los orígenes de esta rompedora creación fueron los trabajos de algunos diseñadores en Bruselas. Así comenzó a desarrollarse el movimiento mediante el diseño de objetos ornamentales. Este movimiento tomo muchos nombres distintos y al igual que una trayectoria particular según los distintos países en los que se desarrolló. Así en el mundo anglosajón se le denomino Liberty, en España Modernismo catalán, en Alemania Jugendstil y en Italia Floral. Entre los artistas mas importantes pertenecientes al Art Nouvou se encuentran Charles Rennie Mackintosh, Víctor Hortá,pionero de este movimiento,de nacionalidad belga,Joseph Holfman,Hector Dimmá,Gustav Klim (pintor),Joseph Olbrich. Entre estos autores surgió un grupo en Viena que cobró gran importancia fue el denominado, Olbrich. Con el cambio de siglo y el surgir de la arquitectura moderna , se produce un cambio de actitud frente al ornamento. A diferencia del Art Nouvou último movimiento del siglo XIX, el siglo XX ya no centra la atención sobre la decoración. El ideal durante el cambio de siglo fue la belleza. Esta belleza renovada para el Art Nouvou inspirada en lo vital, lo natural y con un sentido de renovación del arte similar al de la vida, de esta forma el arte estaría en continua renovación y renacer. La consideración tan excelsa de la belleza les llevo a a ideas sacralizadas del arte y del artista como productor de esta. En esta época se desarrolló fundamentalmente el tema de la casa, la cual representó la principal fuente de oportunidades de desarrollo de este nuevo movimiento. Bajo el ideal de la belleza , ornamentación e integración de las partes, crearon casas diseñadas pro completo como un conjunto totalmente integrado, que formaba una unidad indivisible. El movimiento Art Nouvou evolucionó con el tiempo desde la temática curva y natural hacia una mundo mas geométrico. En la primera etapa del movimiento destaca la Casa Tassel (1892) de Víctor Hortá. Esta casa destinada a unos empresarios belgas, respondía a su propósito con una ornamentación lujosa , sofisticada y exclusiva. El desarrollo económico belga promovió el nacimiento del Art Nouvou. Debido a la configuración urbanística de Bruselas las casas estaban adosadas unas a otras.

Casa Tassel

Sección longitudinal de la Casa Tassel

La Fachada de la casa tiene una forma ondulada en la que se unen un ventanal y un mirador. En esta se presentan elementos industriales como el hierro tratados de una forma especial y delicada que busca la belleza formal. De esta forma el hierro permite ciertas construcciones decoradas. Las columnas del primer mirador despliegan sus capiteles suavizando las formas.

Casa Tassel ( detalle de columnas)

Casa Tassel ( Fachada)

En el interior todas las formas son suaves y curvilíneas, aplicadas a materiales de tipo industrial como el hierro el cristal, transformando el interior en un espacio diáfano. También se usa el cristal, creando grandes ventanales, puertas y hasta techos traslucidos y coloridos aportando luz y belleza al interior.

Casa Tassel (Detalles del interior)

Otra casa importante de esta primera etapa fue la Casa Bloemenwerf (1885) de Henry Van de Velde. Situada en Bélgica, en ella las formas heredadas del Arts and Crafts se suavizan y se hacen mas orgánicas definiendo así el estilo Art Nouvou.

Casa Bloemenwerf

Casa Bloemenwerf (Planta)

La Casa Mayorelle (1898-1900) de Nancy y Henry Sauvage muestra hacia que derivaron las construcciones del Art Nouvou.

Casa Mayorelle

Pero sin duda la construcción de mayor importancia y mayores dimensiones del movimiento fue la Colonia Mathildenhohe en Darmentadt, ciudad cercana a Franfurkt. Esta fue obra casi en su totalidad de Joseph. M.Olbrich. Las colonias fueron pequeños grupos de casas separadas, situadas generalmente a las afueras de la ciudad. En la Europa continental las colonias se desarrollaron en espacios mucho mas reducidos que en Inglaterra por lo que tanto el terreno como las casas fueron mas pequeños. Esto impulso el desarrollo vertical de las viviendas. Las colonias de artistas, promovidas generalmente por magnates y habitadas por diversos artistas, eran centros de arte cuyos beneficios regresaban al magnate patrocinador. La Colonia Mathildenhohe fue diseñada casi por completo por Olbrich. Los edificios comunes creaban una especie de santuario de las artes formado por salas de exposiciones, talleres etc. Entre los espacios comunes destacan también los jardines, estructurados con pérgolas. Otro elemento destacable de este conjunto fue la llamada torre de bodas ya que esta conmemoraba el matrimonio del magnate patrocinador de la colonia. La torre estaba ornamentada de forma original, el frontón se elevaba en forma de mano, esta peculiar cubrición se pudo realizar gracias a la utilización de ladrillos refractarios.
Torre de Bodas

Otra construcción de la colonia fue la denominada Ernest.Ludwing Haus (1901) cuya función era la de taller. En ella Olbrich plantea una especie de fondo escénico que oculta un gran acristalamiento que permite el trabajo en el interior. En la entrada se sitúan dos entradas alegóricas al mundo de la creación artística.

Ernest.Ludwing Haus: sección y entrada

Olbrich también diseño su propia residencia. La Casa Olbrich destaca por su ornamento y color y el particular uso de la cerámica. Otra casa a destacar es la Klein Glücker Haus en la que aparece como elementos mas importante el hastial.

Klein Glücker Haus

La única obra dentro de la colonia que no fue diseñada por Olbrich fue la Casa de Peter Behrens quien diseño su propia casa. En ella la integración de las artes es consumada gracias al diseño total de la vivienda. En esta cada habitación es excepcional y recoge múltiples muebles y objetos decorativos diseñados para ser albergados en la casa. Len la puerta de entrada aparece una representación del ave fénix.

Casa de Peter Behrens: Exterior, planta, entrada, comedor y cocina (de izquierda a derecha y de arriba a bajo)

En su etapa final el Art Nouvou se decantó por formas más geométricas y simples un ornamento mas depurado y sobrio. Ejemplo de esta evolución es el Palacio Stoclet (1905-1910) obra de Joseph Hoffmann. Esta casa- museo se sitúa en Bruselas. En ella cada habitación es una obra de arte y se encuentra diseñada en su totalidad. Los diseños de Hoffmann se fabricaron en los talleres ,propiedad de los señores Stoclet. En el exterior las paredes lisas se muestran enmarcadas por un

borde negro. En el interior destacan el hall , la sala de musica y el comedor, decorado con murales de Klim sobre el fluir constante entre la muerte y la vida.

Palacio Stoclet: Exterior y planta

Palacio Stoclet: Hall y sala de música

Palacio Stoclet: Mural de Klim (comedor) y comedor

Experiencias arquitectónicas del periodo (1900-1914): Los precursores de la arquitectura moderna: Con el siglo XX aparece una nueva manera de entender la arquitectura, se desmitifica el historicismo y los estilos del pasado caracterizados por una marcada ornamentación. La nueva generación de arquitectos cree en la necesidad de una arquitectura acorde a los tiempos, Estos arquitectos serán los maestros de los arquitectos ya propiamente modernos como Le Corbusier o Mies Van der Rohe.

Afolf Loos fue uno de estos precursores de la arquitectura moderna. En la Viena contemporánea a Loos había una gran densidad de eventos artísticos y culturales de gran importancia. Viena era entonces la ciudad en la que florecían las artes y el pensamiento. Viena albergo el descubrimiento de la teoría freudiana del inconsciente, la musica de Somber, la pintura de Klim y el desarrollo de figuras importantes del modernismo o Art Nouvou tardío como Olbrich o Van de Velde. Viena se consideraba por lo tanto una ciudad auto satisfecha y un referente cultural. Pero para Loos esta Viena de esplendor y avance no era mas que el reflejo de una sociedad en decadencia. Estas criticas iban enfocadas directamente a la sociedad y cultura vienes de la época. Loos en su faceta de escritor criticó el estado y el estatus quo de la Viena de entre siglos. En su gaceta dedicada al análisis de la indumentaria, criticaba las costumbres al vestir de los vienes y resaltaba positivamente el estilo ingles llamado de sport. Además Loos criticaba la creación y preocupación por la ornamentación que buscaba la máxima creatividad y exclusividad. Para Loos el diseño de las edificaciones modernas debía ser algo impersonal,creando un modelo standard . Esta imagen anónima del diseño debí aplicarse también ala arquitectura. Sin embargo en el interior se podía desarrollar un espacio mas individual y personalizado. Muestra de esto es la Casa Steiner, diseñada por Loos. En ella el exterior es simple , sencillo sin apenas decoración y con un aparente descuido por la integración de la formas. La casa presenta una media bóveda necesaria para cumplir las normas del ayuntamiento de 3 alturas de un lado y 1 y media por el otro.

Casa Steiner

El primer edificio no domestico concedido a Loos fue la Adolf Hous, el proyecto destinado para una gran sastrería. Este edificio albergaría los talleres de la empresa. El proyecto se erigió en una plaza muy céntrica de Viena, la Michaeler Plaz. La fachada es como una rejilla, formada por la particular distribución de la ventanas en la parte superior. Sin embargo en la parte inferior la fachada toma unos tonos mas representativos con un centro apilastrado, ya que esta era la zona de contacto con la calle. En el zócalo se aprecia un tratamiento destacado en los materiales con las columnas dóricas de mármol y el dintel metálico. De esta forma crea un gran porche detrás de las columnas que albergaría lo escaparates . En él destaca la trama del techo , realizada con bombillas. En el conjunto resalta también los miradores situados en el segundo piso. El ayuntamiento vetó el proyecto de Loos y sugirió una serie de modificaciones para la aprobación de este, que Loos en un principio aceptó pero que luego no cumplió. Esto desencadeno en una gran polémica que acabó con la probación del ayuntamiento de la Adolf Hous.

Adolf Hous: Fachada y pórtico

Adolf Hous: Trama del techo y mirador

Loos apenas evolucionó en le diseño del exterior de sus casas mientras que desarrolló ampliamente el interior de estas. Las casa llegaron a ser como puzles mediante un método denominado Raumplan. Las distintas dependencias tenían diferentes alturas y dimensiones, creando ,muchos rincones y escaleras que transformaba en estancias y recodos funcionales. Como se puede apreciar en el interior de la Casa Muller

Casa Muller: interior y sección

Uno de los precursores de la arquitectura de Loos fue Otto Vahner. Vahner fue de cierto modo el arquitecto oficial de Viena, y tuvo por lo tanto mayor importancia y reconocimiento. Fue también el director de la Escuela de Arquitectura de Viena, en la que ejerció como maestro de Hoffmann. Pese a su puesto fue un arquitecto innovador. Su obra mas importante es la Caja Postal de Ahorros de Viena (1904-1906). El edificio ocupa toda una manzana. La entrada principal se sitúa en el lado mas largo de la plaza. En la parte central de la fachada se produce énfasis en ciertas formas

clásicas. La aportación principal de Vahner fue en los aspectos constructivos. La fachada esta revestida por una serie de losetas sujetas a esta mediante uniones metálicas. Esta decoración mediante placas se convierte en el tema de la fachada, revistiendo esta de piedra pero mediante un método propio de la época industrial.

Caja Postal de Ahorros de Viena: fachada y detalle del revestimiento

En el interior también se desatollan los aspectos técnicos , e especial en la sala de operaciones, cubierta totalmente de cristal. La cubierta esta sostenida por vigas y pilares de un metal hasta entonces muy poco usado: el aluminio. El suelo esta hecho también de cristal. Así Vahner utiliza la técnica como forma de embellecimiento, mediante nuevas técnicas , materiales etc. Bajo esta idea Vahner acuñó un termino que definiera su arquitectura: el estilo útil.

Interior de la Caja Postal de Ahorros de Viena

Existe un gran paralelismo entre esta construcción y la Bolsa de Amsterdam (1903), obra de Hendrik Petrus (Berlage), ya que ambas son construcciones contundentes, sobrias e institucionales. A finales del siglo XIX se construye un nuevo edificio para la Bolsa de Amsterdam. En este se sitúa una torre para lograr un efecto visual de atención. La bolsa esta desnuda a diferencia de la Caja Postal, en esta época eran inusuales los edificios institucionales sin revestimiento. La conservación de la pared de ladrillo sin revestir es una reivindicación del autor quien busca la dignificación de este material. La fachada es totalmente plana, de tal forma que los relieves y esculturas se encuentran dentro de la figura que forma el edificio.

Bolsa de Amsterdam: exterior y escultura( teoría del muro)

Lo mas destacado de la bolsa es el interior. La gran nave central totalmente diáfana presenta una estructura y materiales típicos de las construcciones industriales pero muy cuidados.

Otra obra importante de este periodo es la Escuela de Artes de Glasgow (1896-1909), obra de Charles Rennie Mackintosh. En ella destaca especialmente la biblioteca. Esta está concebida como un espacio a doble altura, con una mezanine que balconea hacia el piso principal. Se trata de una trama de columnas y vigas trabajadas con madera oscura que organizan el espacio en diversas subáreas, al estilo japonés. El techo, sin embargo, no es soportado por las columnas, sino que es suspendido por tirantes externos de hierro y decorado con vidrio multicolor. Este recurso se debe a que debajo de la biblioteca se halla el auditorio, el cual obviamente debía hallarse exento de columnas.

Escuela de Artes de Glasgow: Biblioteca, entrada y escalera

Las ventanas de la fachada norte, enmarcadas en una cuadrícula de acero que contrasta con la enmohecida textura de piedra de la pared, se decoran con unos originales puntales metálicos con motivos celtas, que sobresalen rítmicamente en la fachada.

Fábrica Turbinas Aeg. Berlín, 1908-9 – Deutscher Werkbund y Peter Behrens Nave industrial muy particular, en la que se manufacturan turbinas de vapor, las máquinas más avanzadas de la época. La fábrica se convierte en el nuevo edificio representativo de una sociedad. Refleja la posición de Alemania, que destaca como gran potencia industrial sobre Inglaterra, Francia y sobre Estados Unidos, que ya empieza a despuntar. El sector de la electricidad despega a comienzos de siglo, lo que supone la llamada segunda revolución industrial. El impacto de la industrialización es global en toda la sociedad, teniendo repercusiones incluso en el arte, el diseño y en la arquitectura.

En Alemania surge una asociación de debate que discute los cambios y las repercusiones de los cambios que se producen, en representación de la nueva Alemania: reúne a arquitectos, artistas, políticos y economistas en una asociación privada llamada Werkbund (traducida como asociación del trabajo). Produce e iguala la idea de industrialización a la de las manifestaciones artísticas, procurando ser refinada y elegante, a imagen de Alemania. Las fábricas comienzan a tener un cuidado interés arquitectónico porque van a representar a la nación. En este contexto, se desarrolla la AEG, empresa líder en el sector de la electricidad. Esta empresa, tiene la necesidad de construir una nueva nave que albergara las turbinas de motor: una nueva máquina innovadora. Esta nave, debe ser representativa y singular de la producción que se va a realizar. Le encargan el diseño a Peter Behrens: pretende ser una arquitectura monumental a la industria. Casi a modo de templo, aparece un frontón marcado que destaca, y una hilera de columnas con ritmo, esta vez de hierro.Este edificio tuvo una repercusión muy grande, debida en parte al cuidado en los detalles: En primer lugar, los soportes de la estructura. Son metálicos y de una sola pieza, diseñados de una forma contundente, asimilados como columnas clásicas. Sujetan además un fino entablamento: el órden clásico se traduce a lo metálico. Los soportes sobresalen, y tienen un sistema articulado de apoyo. Aunque es técnicamente necesario, se cuida de tal manera que es casi un elemento ornamental.

Fábrica Turbinas Aeg: Detalle columnas y fachada lateral

El cristal, supone un paño único que va de columna a columna y ocupa todo el espacio entre ellas. Se crea una superficie acristalada continua, arremetido sutilmente hacia el interior por la parte superior. El roblonado (sistema antiguo de unión de piezas metálicas mediante taladros y grandes remaches llamados roblones) marca una trama en la cara exterior del soporte. Las esquinas de la nave se forma por una superficie opaca: una fina lámina de hormigón, en un sistema de bandas soportadas por un entramado metálico detrás, que tenía una lámina de separación creando un sistema de juntas. Se aprecia una sutileza que hasta entonces era impropio de lo industrial. Zócalos que sujetaban a los ventanales del frente de la nave con acabados curvos muy cuidados. Este gran ventanal que dotaba de monumentalidad al edificio, tiene en su parte superior un frontón de hormigón de poco espesor. En el frontón se lee en letras clásicas el nombre de la fábrica junto con el anagrama de la empresa.

El anagrama era una conjunción de hexágonos. Hexágonos que simbolizan la importancia del trabajo, como un panal de abejas. Peter Behrens es también el diseñador de carteles, carcasas de los productos de la empresa. Es un consultor de la imagen de la marca de la empresa. En esta época surge la preocupación por una imagen gráfica de una empresa, a modo de unidad de representación. Es el inicio del diseño industrial. Se asocia entonces por primera vez lo artístico con lo industrial.

Exposición Werkbund, en Colonia 1914. Pabellón de Cristal,obra de Bruno Taut. El pabellón de cristal pretendía ser el emblema de las fábricas de vidrio, en una exposición efímera del Werkbund como asociación. Pretendía ser una pequeña catedral como envoltorio resplandeciente de todas las variedades de vidrios fabricadas.

Pabellón de Cristal

Fábrica Química Luban, obra de Hans Poelzig. Poelzing solía utilizar materiales y formas constructivas tradicionales para solucionar edificios que cumplirían funciones modernas. La monumentalidad y la utilización de los volúmenes en sus obras recuerda a obras de la arquitectura antigua, especialmente por sus edificios poderosamente constructivos y expresivos.

Fábrica Química Luban

Hans Poelzig

Fábrica Fagus(1911-1913 ), obra de Walter Gropius. Construida por Gropius, uno de los arquitectos jóvenes de la época como primer encargo que recibe en soliario. Es además discípulo de Behrens. Diseña el revestimiento, y tiene una familiaridad muy clara con la fábrica de turbinas de la AEG. Es muy influyente posteriormente ya que marca la imagen del edificio moderno. La fábrica Fagus se dedicaba a la fabricación de las hormas de los zapatos. Las semejanzas con la fábrica de Behrens son muchas: la presencia de los acristalamientos y los elementos metálicos; las cornisas y la idea de los entablamentos. Sin embargo, hace cosas nuevas, e invierte algunos elementos de volumen: los soportes van remetidos y desplomados hacia dentro sin verticalidad, y los acristalamientos sobresalen hacia fuera. Los soportes son de ladrillo, más convencional y refinada. La resolución de la esquina del edificio es fundamental: marca un hito en la historia de la arquitectura, formando la primera esquina abierta sin soporte. Las escaleras fueron colocadas en esta esquina, a modo de mirador, un elemento nunca visto hasta entonces. Es el edificio más moderno de este periodo, y su repercusión se hará visible en el periodo entreguerras, después de la Primera Guerra Mundial. Es el ejemplo excepcional alemán, con su influencia e importancia en el posterior desarrollo de la arquitectura moderna. En Francia. Aguste Perret es el precursor del planteamiento moderno de hormigón armado: primeros edificios con vigas reticulares de hormigón armado. Será el maestro de Le Corbusier. Italia aporta un movimiento muy interesante también con mucha repercusión en la arquitectura: el futurismo, como una de las vanguardias artísticas y arquitectónicas. Futurismo El primer manifiesto futurista de Marinetti: 1.Queremos cantar el amor al peligro, el hábito de la energía y de la temeridad.

2.El coraje, la audacia, la rebelión, serán elementos esenciales de nuestra poesía. 3.La literatura exaltó, hasta hoy, la inmovilidad pensativa, el éxtasis y el sueño. Nosotros queremos exaltar el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso de corrida, el salto mortal, el cachetazo y el puñetazo. 4.Nosotros afirmamos que la magnificencia del mundo se ha enriquecido con una nueva belleza, la belleza de la velocidad. Un coche de carreras con su capó adornado con gruesos tubos parecidos a serpientes de aliento explosivo... un automóvil rugiente, que parece correr sobre la ráfaga, es más bello que la Victoria de Samotracia. 5.Queremos ensalzar al hombre que lleva el volante, cuya lanza ideal atraviesa la tierra, lanzada también ella a la carrera, sobre el circuito de su órbita. 6.Es necesario que el poeta se prodigue, con ardor, boato y liberalidad, para aumentar el fervor entusiasta de los elementos primordiales. 7.No existe belleza alguna si no es en la lucha. Ninguna obra que no tenga un carácter agresivo puede ser una obra maestra. La poesía debe ser concebida como un asalto violento contra las fuerzas desconocidas, para forzarlas a postrarse ante el hombre. 8.¡Nos encontramos sobre el promontorio más elevado de los siglos!... ¿Porqué deberíamos cuidarnos las espaldas, si queremos derribar las misteriosas puertas de lo imposible? El Tiempo y el Espacio murieron ayer. Nosotros vivimos ya en el absoluto, porque hemos creado ya la eterna velocidad omnipresente. 9.Queremos glorificar la guerra –única higiene del mundo– el militarismo, el patriotismo, el gesto destructor de los libertarios, las bellas ideas por las cuales se muere y el desprecio de la mujer. 10.Queremos destruir los museos, las bibliotecas, las academias de todo tipo, y combatir contra el moralismo, el feminismo y contra toda vileza oportunista y utilitaria. 11.Nosotros cantaremos a las grandes masas agitadas por el trabajo, por el placer o por la revuelta: cantaremos a las marchas multicolores y polifónicas de las revoluciones en las capitales modernas, cantaremos al vibrante fervor nocturno de las minas y de las canteras, incendiados por violentas lunas eléctricas; a las estaciones ávidas, devoradoras de serpientes que humean; a las fábricas suspendidas de las nubes por los retorcidos hilos de sus humos; a los puentes semejantes a gimnastas gigantes que husmean el horizonte, y a las locomotoras de pecho amplio, que patalean sobre los rieles, como enormes caballos de acero embridados con tubos, y al vuelo resbaloso de los aeroplanos, cuya hélice flamea al viento como una bandera y parece aplaudir sobre una masa entusiasta. Es desde Italia que lanzamos al mundo este nuestro manifiesto de violencia arrolladora e incendiaria con el cual fundamos hoy el FUTURISMO porque queremos liberar a este país de su fétida gangrena de profesores, de arqueólogos, de cicerones y de anticuarios. Ya por demasiado tiempo Italia ha sido un mercado de ropavejeros. Nosotros queremos liberarla de los innumerables museos que la cubren por completo de cementerios. Pintura futurista: La pintura futurista, siguiendo la idea de Marinetti de que un automóvil es más hermoso que la Victoria de Samotracia, pone el énfasis en la representación de la velocidad como elemento más característico del mundo moderno. Evidentemente, para representar la velocidad en un cuadro hay que tratar de aprehender el movimiento de las figuras y ésta fue la mayor aportación del futurismo: la superposicíón de planos, de manera que las formas adquieren dinamismo. Por lo demás, los distintos autores poseen un estilo personal, que no los identifica como corriente, más allá de su afán común por el movimiento, la velocidad y las escenas fugaces. Si acaso comparten el gusto por la pincelada suelta y los colores vivos y ciertas referencias al estilo cubista.

Pintura futurista

Arquitectura futurista: Manifiesto de la Arquitectura Futurista:Antonio Sant Elia: ́ Dirección del Movimiento Futurista, Milán, 11de julio de 1914. Después del siglo XVIII la arquitectura dejó de existir. A la mezcla destartalada de los más variados estilos que se utiliza para disfrazar el esqueleto de la casa moderna se le llama arquitectura moderna. La belleza novedosa del cemento y del hierro es profanada con la superposición de carnavalescas incrustaciones decorativas que ni las necesidades constructivas ni nuestro gusto justifican, y que se originan en la antigüedad egipcia, india o bizantina o en aquel alucinante auge de idiotez e impotencia que llamamos neo-clasicismo. En Italia se aceptan estas rufianerías arquitectónicas y se hace pasar la rapaz incompetencia extranjera por genial invención, por arquitectura novísima. Los jóvenes arquitectos italianos (los que aprenden originalidad escudriñando clandestinamente publicaciones de arte) hacen gala de su talento en los nuevos barrios de nuestras ciudades, donde una alegre ensalada de columnitas ojivales, grandes hojas barrocas, arcos góticos apuntados, pilares egipcios, volutas rococó, amorcillos renacentistas, rechonchas cariátides presume de estilo seriamente y hace ostentación de sus aires monumentales. El caleidoscópico aparecer y desaparecer de las formas, el multiplicarse de las máquinas y las crecientes necesidades impuestas por la rapidez de las comunicaciones, por la aglomeración de la gente, por la higiene y por otros cientos de fenómenos de la vida moderna no dan ningún quebradero de cabeza a estos autollamados renovadores de la arquitectura. Con los precepto de Vitrubio, de Vignola y de Sansovino en la mano, más algún que otro librillo de arquitectura alemana, insisten tozudos en reproducir la imagen de la imbecilidad secular en nuestras ciudades, que deberían, por el contrario, ser la proyección fiel e inmediata de nosotros mismos. De esa manera, este arte expresivo y sintético se ha convertido, en sus manos, en un ejercicio estilístico vacío, en un revoltijo de fórmulas malamente amontonadas para camuflar de edificio moderno al mismo contenedor de piedra y ladrillo inspirado en el pasado. Como si nosotros, acumuladores y generadores de movimiento, con nuestras prolongaciones mecánicas, con el ruido y la velocidad de nuestra vida, pudiéramos vivir en las mismas casas, en las mismas calles construidas para las necesidades de los hombres de hace cuatro, cinco o seis siglos.

Ésta es la suprema idiotez de la arquitectura moderna, que se repite por la complicidad mercantil de las academias, domicilios forzados de la inteligencia, en las que se obliga a los jóven esa copiar onanísticamente los modelos clásicos, en lugar de abrir del todo su mente a la búsqueda de los límites y la solución del nuevo y acuciante problema: la casa y la ciudad futuristas. La casa y la ciudad espiritual y materialmente nuestras, en las cuales nuestra agitación pueda desarrollarse sin parecer un grotesco anacronismo. El problema de la arquitectura futurista no es un problema de readaptación lineal. No se trata de encontrar nuevas formas, nuevos perfiles de puertas y ventanas, ni de sustituir columnas,pilares, ménsulas con cariátides, moscones y ranas. Es decir, no se trata de dejar la fachada de ladrillo visto, de revocarla o de forrarla de piedra, ni de marcar diferencias formales entre el edificio nuevo y el antiguo, sino de crear ex-novo la casa futurista, de construirla con todos los recursos de la ciencia y de la técnica, satisfaciendo noblemente cualquier necesidad de nuestras costumbres y de nuestro espíritu, pisoteando todo lo que es grotesco, pesado y antitético a nosotros (tradición, estilo, estética, proporción), creando nuevas formas, nuevas líneas, una nueva armonía de contornos y de volúmenes, una arquitectura que encuentre su justificación sólo en las condiciones especiales de la vida moderna y que encuentre correspondencia como valor estético en nuestra sensibilidad. Esta arquitectura no puede someterse a ninguna ley de continuidad histórica. Debe ser nueva, como nuevo es nuestro estado de ánimo. El arte de construir ha podido evolucionar en el tiempo, y pasar de un estilo a otro manteniendo inalterados los atributos generales de la arquitectura, porque en la historia son frecuentes los cambios de la moda y los que produce la sucesión de religiones y regímenes políticos. Pero son rarísimas las causas de cambios profundos en el entorno, las causas que rompen y renuevan, como el descubrimiento de ciertas leyes naturales, el perfeccionamiento de los medios mecánicos y el uso racional y científico del material. El proceso consecuente de desarrollo estilístico de la arquitectura se detiene en la vida moderna. La arquitectura se separa de la tradición. Se comienza necesariamente de cero. El cálculo de la resistencia de los materiales, el uso del hormigón armado y del hierro excluyen la ”arquitectura” entendida en el sentido clásico y tradicional. Los modernos materiales de construcción y nuestros conocimientos científicos no se prestan en absoluto a la disciplina de los estilos históricos y son la causa principal del aspecto grotesco de las construcciones “a la moda” en las que se pretende conseguir de la ligereza, de la soberbia agilidad de la viga y de la fragilidad del cemento armado la pesada curva de un arco y el aspecto macizo de un mármol. La formidable antítesis entre el mundo moderno y el antiguo está determinada por todo lo que antes no existía. Han entrado en nuestras vidas elementos que los hombres antiguos ni siquiera podían imaginar. Se han producido situaciones materiales y han aparecido actitudes del espíritu que repercuten con mil efectos distintos, el primero de todo la formación de un nuevo ideal de belleza todavía oscuro y embrionario, pero que ya ejerce su atracción en la multitud. Hemos perdido el sentido de lo monumental, de lo pesado, de lo estático, y hemos enriquecido nuestra sensibilidad con el gusto por lo ligero, lo práctico, lo efímero y lo veloz. Percibimos que ya no somos los hombres de las catedrales, de los palacios y de los edificios públicos, sino de los grandes hoteles, de las estaciones de ferrocarril, de las carreteras inmensas, de los puertos colosales, de los mercados cubiertos, de las galerías luminosas, de las líneas rectas, de los saludables vaciados. Nosotros debemos inventar y volver a fabricar la ciudad futurista como una inmensa obra tumultuosa, ágil, móvil, dinámica en cada una de sus partes, y la casa futurista será similar a una gigantesca máquina. Los ascensores no estarán escondidos como tenias en los huecos de escalera, sino que éstas, ya inútiles, serán eliminadas y los ascensores treparán por las fachadas como serpientes de hierro y cristal. La casa de cemento, cristal y hierro, sin pintura ni escultura, bella sólo por la belleza natural de sus líneas y de sus relieves, extraordinariamente fea en su mecánica sencillez, tan alta y ancha como es necesario y no como prescriben las ordenanzas municipales, debe erigirse en el borde de un abismo tumultuoso, la calle, que ya no correrá como un felpudo delante de las porterías, sino que se construirá bajo tierra en varios niveles, recibiendo el tráfico metropolitano y comunicándose a través de pasarelas metálicas y rapidísimas cintas transportadoras.

Hay que eliminar lo decorativo. El problema de la arquitectura futurista no debe solucionarse hurtando fotografías de la China, de Persia y de Japón, o embobándose con las reglas de Vitrubio, sino a base de intuiciones geniales acompañadas de la experiencia científica y técnica. Todo debe ser revolucionado. Deben aprovecharse las cubiertas y los sótanos, hay que reducir la importancia de las fachadas, trasladar los problemas del buen gusto del ámbito de la formita, el capitelito, el portalito, al campo más amplio de las grandes agrupaciones de masas, de la amplia distribución de las plantas del edificio. Basta ya de arquitectura monumental fúnebre y conmemorativa. Deshagámonos de monumentos, aceras, soportales y escalinatas; soterremos las calles y las plazas; elevemos el nivel de las ciudades. Yo combato y desprecio: 1.- Toda la pseudo-arquitectura de vanguardia,austríaca, húngara, alemana y norteamericana; 2.-Toda la arquitectura clásica, solemne,hierática, escenográfica, decorativa, monumental,agraciada y agradable; 3.- El embalsamamiento, la reconstrucción, la reproducción de los monumentos y los palacios antiguos; 4.-Las líneas perpendiculares y horizontales, las formas cúbicas y piramidales, que son estáticas ,pesadas, oprimentes y absolutamente ajenas a nuestra novísima sensibilidad; 5.- El uso de materiales macizos, voluminosos, duraderos, anticuados y costosos. Y proclamo: 1.- Que la arquitectura futurista es la arquitectura del cálculo, de la audacia temeraria y de la sencillez; la arquitectura del hormigón armado, del hierro, del cristal, del cartón, de la fibra textil y de todos los sustitutos de la madera, de la piedra y del ladrillo, que permiten obtener la máxima elasticidad y ligereza; 2.- Que la arquitectura futurista, sin embargo, no es una árida combinación de practicidad y utilidad, sino que sigue siendo arte, es decir, síntesis y expresión; 3.- Que las líneas oblicuas y las líneas elípticas son dinámicas, que por su propia naturaleza poseen un poder expresivo mil veces superior al de las líneas horizontales y perpendiculares, y que sin ellas no puede existir una arquitectura dinámicamente integradora; 4.- Que la decoración, como algo superpuesto a la arquitectura, es un absurdo, y que sólo del uso y de la disposición original del material bruto o visto o violentamente coloreado depende el valor decorativo de la arquitectura futurista; 5.- Que, al igual que los hombres antiguos se inspiraron, para su arte, en los elementos de la naturaleza, nosotros – material y espiritualmente artificiales – debemos encontrar esa inspiración en los elementos del novísimo mundo mecánico que hemos creado y del que la arquitectura debe ser la expresión más hermosa, la síntesis más completa, la integración artística más eficaz; 6.- Que la arquitectura como arte de distribuir las formas de los edificios según criterios preestablecidos está acabada; 7.- Que por arquitectura debe entenderse el esfuerzo por armonizar con libertad y gran audacia el entorno y el hombre, es decir, por convertir el mundo de las cosas en una proyección directa del mundo del espíritu; 8.- De una arquitectura así concebida no puede nacer ningún habito plástico y lineal, porque los caracteres fundamentales de la arquitectura futurista serán la caducidad y la transitoriedad. Las casas durarán menos que nosotros. Cada generación deberá fabricarse su ciudad. Esta constante renovación del entorno arquitectónico contribuirá a la victoria del Futurismo que ya se impone con las Palabras en libertad, el Dinamismo plástico, la Música sin cuadratura y el Arte de los ruidos, y por el que luchamos sin tregua contra la cobarde prolongación del pasado.

Proyectos de Sant Elia

Arquitectura doméstica en Estados Unidos de América: En los principios de la arquitectura domestica en Estados Unidos, el país se fue nutriendo de las influencia europeas como el neopalladianismo inglés y sobretodo del pintoresquismo. Debido a las condiciones de un país en formación la arquitectura resultante fue mas contenida y sobria. A mediados de siglo se desarrolló en EE.UU la difusión de modelos de proyectos ya hechos que se compraban para la construcción de una casa particular, llamada cottage. Dado las condiciones de una industria en proceso de formación, surgieron nuevos métodos de construcción como el conocido como balloon frame formado por un entramado de madera unido por clavos. También apareció un nuevo sistema de recubrimiento conocido como shingle styles que consistía en revestir la fachada con lajas de madera.

Balloon Frame

Shingle styles

Respecto a la utilización de materiales como la piedra , fueron un tanto inventivos, movidos por arquitectos como H.H. Richardson que utilizaba tonos rústicos como se puede apreciar en Ames Gate Lodge situada en Massachusetts. El resultado fue una imagen mas naturalista.

Ames Gate Lodge, Massachusetts

En lasa casas de la segunda mitad del siglo XIX cobran gran imporatancia el porche que toma mayores dimensiones y protagonismo como se puede apreciar en la obra de Arthur Rich, The Mallory House (1885) situada en Nueva York. Este elemento le da una gran apertura a la casa como se puede observar en la obra de Lamb & Rich, Sunset Hall (1883) situada en Long Island.

Sunset Hall

Frank Lloyd Wright (1869- 1959): En su primera época Wright se dedicó al tema de la casa la cual reforma y transformo en lo que entendemos hoy en día como una casa moderna. Durante sus inicios Wright paso una fase trabajando en le estudio de Luis Sullivan, quien por aquel entonces era el arquitecto mas afamado de todo Chicago. Wright que venia de una pequeña ciudad se marcha a Chicago que es en es e momento la ciudad vanguardia de la arquitectura. Wright empieza como dibujante y termina diseñando en la sección domestica del estudio. Tras esta fase comienza su carrera en solitario . Wright quiso acercarse a sus posibles clientes instalándose en una zona residencial de Chicago.

La casa Gale fue su primera obra como arquitecto independiente. Esta casa fue construida en Oak Park en 1893. También situada en Oak Park esta la que fuera residencia y estudio de Wright. Esta casa forma parte de su primera etapa constructiva acorde con la tradición americana. En esta obra ya intenta mostrar algunos rasgos de innovación , aunque eso si sin mucho existo.

Casa Gale ,Oak Park

Casa- estudio de Frank Lloyd Wright

En Winslow House (1893-1894) otra obra situada en Oak Park Wright maraca la pendiente de la cubierta y enfatiza la horizontalidad como contraste a la búsqueda incesante de verticalidad de la época. De esta forma la fachada acompaña este propósito. La planta es asimétrica, ya que pese a tener cierta inspiraron clásica la casa sigue unas lineas de desarrollo que rompen la caja imaginaria que normalmente cerraba las casas. Por otro lado aparece la chimenea como lugar principal de la casa. Para Wright la geometría era muy importante en su obra. Esta preocupación por lo geométrico fue resultado de sus juegos de infancia que se basaban en la geometría.

Winslow House

Esta importancia de la geometría en la obra de Wright vino fomentada por la influencia de el primer templo japones construido en EE. UU el cual impresiono y marco a Wright. El templo al igual que toda la arquitectura japonesa tenia una fuerte base geométrica y para su diseño se había utilizado el modulo del tatami.

Mas adelante Wright presentó en un revista titulada Ladies' home journal un modelo en el que la idea de la ruptura de la caja estaba mas conseguida. El contorno de la casa no era un rectángulo sino una forma mas variada. A la vez que las expansiones entorno a los ejes cobraban mayor importancia. En este modelo Wright enfatizaba la horizontalidad y unificaba los espacios comunes eliminado la separación entre las distintas estancias.

Articulo publicado en Ladies'home journal sobre el modelo diseñado por Wright

Este modelo habrio una linea de diseño en la obra de Wright que se desarrollaría en obras como la Casa Thomas (1901) o la Casa Willits (1902) Casa Thomas: La casa Dana-Thomas contiene muchos de los conceptos de diseño del Prairie Style, convirtiéndose en una vitrina donde se exponen las características del mismo, los bajos techos horizontales y suavemente inclinados, bandas continuas de ventanas, anchos aleros, una gran chimenea central y una gran planta despejada. Los conceptos de “ampliar el espacio” con la planta libre, sin encajonamientos, la unidad “dentro-fuera” o “la forma sigue a la función” se aplicaron en toda la casa. Esta casa es probablemente la mejor conservada de las casas de la Escuela de la Pradera del arquitecto y ejemplifica muchas de las innovaciones en el diseño que Wright estaba desarrollando en su búsqueda para redefinir el estilo de casa para la familia americana. Exterior: Exteriormente se aprecian muchos cambios de forma que reflejan los dieciséis niveles que existen en su interior. Para los numerosos techos horizontales Frank Lloyd Wright diseñó complejos canales de cobre cuyas esquinas se alzan en una imitación de la arquitectura asiática, concretamente japonesa, por la cual tanto Wright como Susan Dana sentían una gran admiración. La entrada de la casa está diseñada en forma de gran arco románico, de medio punto, alrededor de la puerta con una banda rectangular de ventanas en la parte superior que acompañan la forma del arco y cuyos cristales están trabajados artesanalmente.
Susan Lawrence Dana en la puerta de su casa 1920

Interior: Observando los planos se ve que las plantas no contienen corredores, las habitaciones están dispuestas de tal modo que es necesario atravesar otras salas para alcanzar la deseada, creando una experiencia compartida de los espacios de la casa y contrariando la tendencia en arquitectura de los últimos doscientos años anteriores al 1900 en los cuales los arquitectos diseñaban muchos corredores y puertas enfatizando la separación funcional de los ambientes y la privacidad individual.

Patio interior, comedor y vitral Sumac

Casa Willits:

En esta casa de planta cruciforme, los ambientes están separados más por elementos arquitectónicos que por paredes o puertas. Al igual que en la Casa Thomas, la chimenea, rodeada de asientos fijos, ocupa el centro. Primera planta: En una de sus alas se ubica la cochera, la entrada y el salón de recepción. El salón principal se encuentra en otra ala de la casa, rodeado de grandes ventanales artesanales que abren el salón hacia el patio, más allá de una terraza vallada. El comedor prorrogado por un gran porche se ubica en una tercer ala y la cuarta es ocupada por la cocina y cuartos de servicio. Segunda planta: El segundo piso de la casa originalmente contenía 5 dormitorios y una biblioteca sobre la entrada sur. En el ala oeste en lugar de continuar el dormitorio directamente sobre la sala de estar, ocupando toda la superficie de ésta, Wright dejó espacio para amplias terrazas bajo techo. Dependencias: Originalmente también se había construido una casa para el jardinero con establos, diseñados por Wright en el mismo estilo que la residencia principal. Posteriormente estas dependencias fueron convertidas en una residencia separada.

Planta primera y segunda plantas Detalle cristalera y comedor

Las casas de Wright se agrupan en dos tipos: casa de madera y casas de ladrillo. Ejemplo de esto son la Casa Martín en Buffalo de ladrillo y la Casa Conley (1907-1908) de madera. La primera inspirada en la arquietctura japonesa y ambas pertenecientes a la corriente organicista creada por Wright.

Casa Robie: Esta casa se construyo en 1908 en Chicago. Esta casa tuvo mayor influencia e Europa donde generó una autentica revolución arquitectónica. La casa se dispone en dos cuerpo : estancias principales y demás dependencias. En ella Wright juega con el desplazamiento de las formas y crean un gran espacio único destinado para las zonas comunes. Exteriores: No tiene fachadas, no cuenta con muros exteriores o ventanas "normales", ni tampoco con entrada principal. Ocupa prácticamente toda la parcela, el poco espacio que queda libre se incorpora a la composición estratificada global mediante muretes y jardineras de obra. La horizontalidad se ve reforzada por los alféizares, los dinteles de las ventanas y los remates de piedra, así como también por la fábrica de delgados ladrillos con juntas de mortero rehundidas.

Método compositivo: El método compositivo de Wright en aquella época consistía en organizar formas simétricas agrupadas asimétricamente. La base de la composición es un largo bloque de dos plantas, aparentemente simétrico, con una cubierta de poca pendiente y unos voladizos en ambos extremos. En la planta primera de la fachada sur, la que da a la calle, hay una serie continua de balconeras de una hoja que abren a un balcón en voladizo, como la cubierta de un buque. El balcón arroja una profunda sombra sobre una serie similar de ventanas de la planta baja. La simetría es una ilusión, ya que la terraza elevada del extremo occidental de la casa, situada sobre un semisótano, está equilibrada por el muro del patio de servicio abierto en el extremo oriental. Pero es sólo un factor en una ecuación más compleja.

Encima del bloque principal, una segunda planta de dormitorios, también con ventanas, balcones y cubierta inclinada, crea el eje transversal excéntrico que pone en movimiento toda la composición. A un lado emerge una gran chimenea que ancla todos los planos horizontales por debajo de ella. Más allá, en el extremo oriental del edificio, otra cubierta inclinada cubre el ala dedicada a un garaje y al personal de servicio.

Wright no solo diseño obras de tipo domesticas sino que también ideo edificios como el edifico Larkin (1904) en Buffalo. La importancia del edificio, el "primero en su género", reside en sus numerosos detalles innovadores: muebles de oficina de acero, aire acondicionado, servicios con recipientes fijados en las paredes y mamparas (para facilitar la limpieza del suelo), puertas de cristal con marcos metálicos con goznes (en la parte superior e inferior). La disposición general de los planos, con sus galerías abiertas, que se abren a un patio pleno de luz, daba a los empleados una sensación "familiar". Todos trabajaban juntos, sin despachos privados ni espacios separados. Sólo esto era ya una revolución en el mundo laboral de entonces, donde el patrono habitualmente permanecía aislado de sus empleados.

Otra de las obras de tipo no domestico de Wright fue The Unity Temple (1906) en Chicago Diseñado para hacer resaltar el espacio interior frente a la forma externa, el sólido exterior cúbico del Templo Unitario contrasta con la cálida luz que baña su acogedor interior. Los balcones dispuestos en tres partes del auditorio —muy próximos al púlpito— crean una sensación de comunidad, permitiendo a los asistentes mirarse entre sí durante el oficio. A diferencia de la arquitectura eclesiástica tradicional, los feligreses acceden al espacio de culto por unas estrechas escaleras traseras y lo abandonan por las dos puertas situadas a ambos lados del púlpito. El edificio, que contaba con un presupuesto muy limitado, resultó ser el primero de Estados Unidos en ser totalmente construido con hormigón a cara vista, un material asequible que en esa época se usaba principalmente en la construcción de edificios industriales.

Detalles del interior

Vanguardias y arquitectura: A principios del siglo XX surgieron diversos movimientos artísticos denominados vanguardias ya que representaban la innovación y renovación del arte. Sus orígenes se encuentran en el impresionismo, el puntillismo o el fauvismo. El movimiento impresionista daba gran importancia al carácter temporal e instantáneo de la representación de la realidad. Mientras que el puntillismo marcado por los juegos visuales y efectos ópticos, intentaba emulara los efectos físicos mediante sus obras gracias a una especial utilización del color. El fauvimos por otro lado cambio la utilización del color y formas de representación de tal forma que era completamente diferentes e incoherentes con la realidad.

Pintura impresionista

Pintura puntillista

Pintura fauvista

Vanguardias Cubismo Futurismo Cubo-futurismo Purismo Expresionismo Dadaísmo Surrealismo Constructivismo Suprematismo Neoplasticismo

Artistas representativos Picasso, Braque Marinetti, Boccioni Larinov,Goncharora Ozenfant, Jeanneret (Le Corbusier) Kandinsky,Taut,Scharoon Tzara, Schiwitters Aragón, Breton Naum, Gabo, Tattlin Malevich Mondrian, Van Doesburg

Entre las vanguardias destacan el futurismo y el cubismo. Esta ultima se considera desencadenó las demás. Ambas surgieron antes de la Primera Guerra Mundial. Al finalizar la guerra se desarrollaron el resto de vanguardias.Estas vanguardias en arquitectura cobran gran importancia ya que fueron el detonante de la arquitectura moderna. Cubismo: El cubismo fue una manera completamente distinta de abordar la realidad. Los pintores cubistas como Picasso rompieron algunas normas de la pintura tradicional como la simultaneidad, es decir, representaba distintas vistas de la realidad a la vez. El cubismo en su evolución tiene dos fases: el cubismo analítico en el que la realidad aparece fragmentada en tantas partes que parece una imagen distorsionada, pero aun era reconocible la realidad representada por lo que no llegaba a la abstracción y el cubismo sintético en el que los fragmentos de la realidad fraccionada se recomponen para crear una composición única, para cuya realización se utilizaba habitualmente la técnica del collage. En esta segunda etapa destaca Juan Grich.

Cubismo analítico y sintético

Obra de Juan Grich

Futurismo: Filipo Tomaso Marinetti inició el futurismo con su manifiesto y la adaptación pictórica de este fue conformando un grupo de artistas futuristas. El desarrollo del futurismo se puede apreciar en obras como “Los que se van” de la serie Estados de animo de H. Boccioni, “Formas únicas de continuidad”(1913) de Humberto Boccioni o “Desarrollo de una botella en el espacio”(19121913) del mismo autor.

Neoplasticismo: El neoplasticismo se inicia al final de la guerra y se desarrolla en los años posteriores. Este movimiento tuvo grandes repercusiones en arquitectura. La neutralidad d Holanda en la guerra favoreció la aparición de dicho movimiento. Sus creadores fueron Piet Mondrian y Theo Van Doesburg. El desarrollo del movimiento estuvo ligado a la revista De Stijl (El estilo) (1918-1931). Este movimiento inspirado en sus principios por el cubismo buscaba la armonía mediante elementos simples, geométricos y abstractos. Esto radicalizo el movimiento ya que redujeron drásticamente los elementos plásticos. Sus cuadros únicamente se componían de líneas verticales y horizontales y de planos de colores primarios, blanco negro y algunos tonos de grises. Para Mondrian este movimiento llegaba ala esencia de la pintura ya que sus elementos eran indivisibles e irreducibles. Este movimiento contaba con algunos arquitectos entre sus miembros. El reto que representaba la pintura neoplasticista, impulso a la búsqueda de la elementalidad también en arquitectura. La obra de Wright la cual era muy conocida en Holanda resultó inspiradora en esta búsqueda. Por ello la primera fase de la arquitectura del neoplasticismo estuvo enormemente influida por la obra de Wright. -Casa Henny ( Robert Van Thoff): Esta casa perteneciente a la primera etapa del neoplasticismo guarda muchas similitudes con la obra de Wright.

-Casa Gale ( Wright)

El arquietco J.J.Oud ( Oud Mathenesse) experimentó con los colores y la simplificación de formas. Las obras como esta fueron intentos de trasladar lo alcanzado en pintura a la arquietcura.

La fachada del café “La Unión”: Trata la fachada como si fuera un cuadro o un cartel. La disposición de las formas aporta dinamismo a la fachada mediante un movimiento de molinete.

La culminación de este movimiento fue una exposición del grupo en París (1923) a raíz de la cual se escribió el manifiesto de la arquitectura neoplasticista para la cual se planteo un proyecto de vivienda. El interés que suscitaba la propuesta desembocó en tres proyectos diseñados conjuntamente entre Van Doesburg y Van Ecster: Hotel Particular: La maqueta realizada para la exposición estaba hecha de tablas finas de madera ( técnica novedosa) que ayudaba a crear sensación de una arquitectura que daba importancia a las superficies sobre los volúmenes.

Maison Particulière: Los dibujos y representaciones de la casa introdujeron la axonometría e el dibujo arquitectónico. Doesburg creó varios cuadros inspirados en esta casa.

Casa Schöder (1924), Utrecht: Esta casa considerada como la casa ideal neoplasticista fue un encargo de la señora Schöder a Gerit Rietveld quien con esta obra materializaría su primera obra como arquitecto. Rietveld se había dedicado anteriormente al diseño de mobiliario e interiorismo –silla roja ya azul. Rietveld fue el primero en crear construcciones espaciales neoplásticas. Debido a la situación especial del solar fue posible el diseño de tres fachadas y la colocación de la entrada en un lado.

En la planta baja de la casa que era un tanto mas convencional se situaba la entrada , el hall y un estudio conjunto con un dormitorio, pensado para su posible alquiler, entre otras cosas. En la entrada se sitúa una columna de cristal que a la vez que hace de elemento estructural es un armario en el interior. De esta forma los objetos colocados en el armario se ven desde fuera de la casa, creando así un bonito efecto visual. En le interior algunos tabiques no llegan hasta el techo de la casa, esto unido al techo pintado de negro en algunas habitaciones crean una sensación de incertidumbre acerca de la altura de la habitaciones. Rietveld también diseño el mobiliario de la casa, para la que creo muebles como la silla zig-zag que se encuentra en la cocina de la vivienda. También es de destacar la creación de ambientes únicos como el espacio intermedio en la subida hacia el segundo piso, pensado para hablar por teléfono.

Silla Zig-zag

Escalera

Silla Roja y Azul

La segunda planta era mas abierta ya que Rietveld creo un espacio regulable mediante paneles y puertas correderas. La ligereza de las paredes permitió la instalación de ventanales entre los que hay que destacar el ventanal que hace esquina gracias al cual Rietveld creo una esquina acristalada y libre de soportes.

Aunque la casa tiene el aspecto de un edificio moderno de hormigón armado, de hecho se construyó utilizando una combinación de materiales modernos y otros relativamente tradicionales. Los cimientos están formados por bloques de hormigón, con vigas de hormigón armado apoyados sobre ellas. Siete pilares de hormigón armado soportan las cargas del forjado superior. Se añadieron vigas de acero en I para soportar la cubierta y los balcones. Las losas del balcón y sus antepechos son de hormigón armado, pero no así las paredes. La estructura de hormigón y acero se rellenó con fábrica de ladrillo. Las paredes interiores también son de ladrillo, toda la fábrica de ladrillo, tanto en el exterior como en el interior, se revistió con mortero de cemento portland. La puerta y los marcos de las ventanas son de madera. El proyecto de la casa Rietveld desafía prácticamente cualquier tradición. Las tres fachadas visibles tienen igual importancia y recibieron la misma atención en su diseño. Cada una de ellas tiene una distribución

asimétrica, tanto aisladamente como en relación a las demás, las fachadas presentan una alternancia armoniosa y rítmica de superficies abiertas y siegas. No da la impresión de que sean paredes macizas que se han perforado para permitir la entrada de luz y la ventilación, si lo que se muestra como composiciones de elementos planos que, alternativamente, son permeables o impermeables a la luz y al aire. En lugar de ajustarse a un único plano, los elementos rectangulares que conforman cada fachada se retranquean o sobresalen del plano implícito y sobrepasan también sus límites. Los espacios interiores y exteriores fluyen suavemente entre si. La impresión general es que se trata de un objeto con gran plasticidad donde las líneas y los planos se superponen y deslizan unos sobre otros. La forma dislocada que Rietveld confirió a la casa fue un intento de expresar aquello que el consideraba como la esencia de la arquitectura, es decir, el espacio. En lugar de tratar el edificio como una caja cerrada que separa el exterior del interior, lo considero con relación a y como parte del espacio en su conjunto. En la Rietveld-Schroeder, el arquitecto consiguió llevar acabo su idea tanto desde el punto de vista materia como visual, y de una manera muy detallada. Se aprovecho cada posibilidad de crear una arquitectura abierta y extrovertida, el emplazamiento de la casa fue un aspecto importante del proyecto. La casa Rietveld Schroeder, ocupa el último solar del límite de la ciudad por el este. El terreno estaba un poco mas elevado que el polder del entorno, de modo que desde la cocina y la sala de estar se podía disfrutar de vistas sobre todos los prados y los árboles. El entorno se ha transformado desde entonces; la ciudad he crecido y en lugar de encontrarse ligeramente elevada actualmente la casa ha quedado hundida tras la pendiente del muro de contención de una autopista. Los colores que se utilizaron en el interior y el exterior de la casa son uno de los elementos más sorprendentes. Ni la madera, ni la fábrica de ladrillos, ni al acero se dejaron sin pintar, y sólo se ven líneas y planos rojos, amarillos, azules, blancos, negros y grises. En el exterior, los elementos rectangulares de la fachada tienen un acabado blanco o de distintos tonos de gris, y tanto las puertas con sus marcos y los marcos de las ventanas, así como los elementos vistos de acero. Se pintaron de negro. El rojo, el amarillo y el azul se utilizan para resaltar ciertos elementos lineales, como las vigas en I y algunos marcos de puertas y ventanas. Como en el caso del mobiliario diseñado por Rietveld, donde la superficie natural de la madera se ocultaba totalmente, y los elementos estructurales se pintaban con un código de color de acuerdo a su función, en esta ocasión los elementos de límites se establecen mediante el color. En el interior los colores primarios también aparecen, en las superficies rectangulares. Rietveld varió los colores dependiendo del tamaño de la habitación, y del nivel de iluminación natural, y también para resaltar la imagen global. La transparencia y la naturaleza expansiva de todos los elementos característicos de la arquitectura de Rietveld en general, y de esta casa en particular.

Mies Van der Rohe: E su primera etapa Mies estuve ligado a las vanguardias como movimientos culturales de gran relevancia antes y después de la Primera Guerra Mundial. Gracias al desarrollo de las vanguardias comenzaron a crearse los principios que regirían la arquitectura moderna . Esta transformación de la arquitectura estuvo influida por distintas vanguardias , especialmente por el neoplasticismo y su idea de elementalidad. La trayectoria de Van der Rohe tuvo cierto paralelismo con la de Walter Gropius, en especial en su primera etapa. La elementalidad de la que hablaban los neoplasticistas fue captada y ampliada por Van der Rohe quien además se preocupó por los materiales. Este estudio de los materiales fue la principal aportación de Mies a la arquitectura, analizando su uso hasta alcanzar la esencia de estos. Así realizo un trabajo sobre los materiales comparable al realizado sobre la forma por los neoplasticistas. Durante la década de los veinte Mies tuvo la oportunidad de diseñar varios proyectos, que aunque no fueron construidos, se publicaron en distintas revistas como la revista G. La difícil situación de Alemania tras la Primera Guerra Mundial llevo a que los proyectos de mayor relevancia de Van der Rohe nunca se materializaran. Proyecto de oficinas de hormigón: En este proyecto las ventanas recorrían cada piso con una estructura que recuerda una bandeja de metal.

Edificio en altura (Proyecto de rascacielos de cristal): En este proyecto Van der Rohe reflexiona sobre un edificio cuya fachada fuera enteramente de cristal. Tras la realización de diversas maquetas y dibujos llega a la conclusión de que lo importante era los efectos de reflejo y la superposición de los distintos pisos.

Proyecto de casa de ladrillo: Mies considera que el ladrillo ha de ser utilizado , como es propio a su naturaleza, es decir formando muros que cerraría mediante paños de cristal. A partir de este proyecto y gracias a la peculiar configuración del especio interior de la casa se empieza a hablar de espacio fluido. Este proyecto guarda además semejanza con la pintura de vanguardia de Fan der Dursbuck.

Proyecto de casa de hormigón: La casa tiene una configuración dinámica que se observa en la planta. La construcción se realizaría mediante una especie de cajas de hormigón. Hasta finales de los años 20 Mies no pudo llevar a cabo sus proyectos e experimentos arquitectónicos. Pabellón alemán (Exposición 1929 en Barcelona): su función era representar a Alemania en la exposición . Este pabellón estaba destinado a actos protocolarios. El Pabellón alemán, diseñado por Ludwig Mies van der Rohe, era el pabellón de representación de Alemania para la Exposición internacional celebrada en Barcelona el año 1929. El pabellón quería simbolizar el carácter progresista y democrático de la nueva República de Weimar y su recuperación tras la Primera Guerra Mundial. El pabellón esta formado por una lamina de apoyo varios elementos techados y dos láminas de agua. La entrada al pabellón se produce de forma tangencial. El pabellón tiene bastantes semejanzas con la casa de ladrillo, ya que tiene habitaciones poco definidas y paredes que casi no se cortan. Mies utiliza diversos materiales como mármoles y cristales. Entre los distintos materiales destacan el mármol travertino del zócalo el mármol verde de hinoc de las Paredes y el ónice dorado del muro interior. Casa Tufendhat, Bruno 1930

Esta casa fue un encargo de un matrimonio joven. La mujer era hija de un magnate y recibió como regalo de bodas de su padre su propia casa. La hija eligió a Mies a pesar de la oposición de su padre. Debido a las condiciones del solar la entrada se sitúa en la planta lata y desde esta se desciende. Debido a que la planta alta estaba a la altura de la calle, ya que el solara caía en pendiente. La escalera esta recubierta por cristal traslucido creando así en el interior un espacio único gracias ala luz filtrada. El salón de la casa es un espacio abierto y fluido donde se aprecian os elementos sueltos el comedor y la zona alrededor de la antigua chimenea delimitados por un muro de ónice dorado y un semicírculo de ébano de Madagascar. El salón esta libre de carga estructural gracias a las columnas cruciformes revestidas con acero inoxidable, colocadas según una retícula. Esto permitió recubrir las paredes de paños de cristal creando así un espacio con vistas al jardín. Mies diseño también los muebles del interior como una mesita con el tablero de cristal o las sillas Barcelona utilizadas ya en el pabellón alemán.

bal. La transparencia y la naturaleza expansiva de todos los elementos característicos de la arquitectura de Rietveld en general, y de esta casa en particular.

Mies Van der Rohe: E su primera etapa Mies estuve ligado a las vanguardias como movimientos culturales de gran relevancia antes y después de la Primera Guerra Mundial. Gracias al desarrollo de las vanguardias comenzó a crearse los principios que regirían la arquitectura moderna . Esta transformación de la arquitectura estuvo influida por distintas vanguardias , especialmente por el neoplasticismo y su idea de elementalidad. La trayectoria de Van der Rohe tuvo cierto paralelismo con la de Walter

Gropius, en especial en su primera etapa. La elementalidad de la que hablaban los neoplasticistas fue captada y ampliada por van der Rohe quien además se preocupó por los materiales. Este estudio de los materiales fue la principal aportación de Mies a la arquitectura, analizando su uso hasta alcanzar la esencia de estos. Así realizo un trabajo sobre los materiales comparable al realizado sobre la forma por los neoplasticistas. Durante la década de los 20 Mies tuvo la oportunidad de diseñar varios proyectos, que aunque no fueron construidos, se publicaron en distintas revistas como la revista G. La difícil situación de Alemania tras la Primera Guerra Mundial llevo a que los proyectos de mayor relevancia de Van der Rohe nunca se materializaran. Embajada Alemana en San Petersburgo (Leningrado). Proyecto de oficinas de hormigón: En este proyecto las ventanas recorrían cada piso con una estructura que recuerda una bandeja de metal. Edificio en altura (Proyecto de rascacielos de cristal): En este proyecto Van der Rohe reflexiona sobre un edificio cuya fachada fuera enteramente de cristal. Tras la realización de diversas maquetas y dibujos llega a la conclusión de que lo importante era los efectos de reflejo y la superposición de los distintos pisos. Proyecto de casa de ladrillo: Mies considera que el ladrillo ha de ser utilizado , como es propio a su naturaleza, es decir formando muros que cerraría mediante paños de cristal. A partir de este proyecto y gracias a la peculiar configuración del especio interior de la casa se empieza a hablar de espacio fluido. Este proyecto guarda además semejanza con la pintura de vanguardia de Fan der Dursbuck. Proyecto de casa de hormigón: La casa tiene una configuración dinámica que se observa en la planta. La construcción se realizaría mediante una especie de cajas de hormigón. Hasta finales de los años 0 Mies no pudo llevar a cabo sus proyectos e experimentos arquitectónicos. Pabellón alemán (Exposición 1929 en Barcelona): su función era representar a Alemania en la exposición . Este pabellón estaba destinado a actos protocolarios. El Pabellón alemán, diseñado por Ludwig Mies van der Rohe, era el pabellón de representación de Alemania para la Exposición internacional celebrada en Barcelona el año 1929. El pabellón quería simbolizar el carácter progresista y democrático de la nueva República de Weimar y su recuperación tras la Primera Guerra Mundial. El pabellón esta formado por una lamina de apoyo varios elementos techados y dos láminas de agua. La entrada al pabellón se produce de forma tangencial. El pabellón tiene bastantes semejanzas con la casa de ladrillo, ya que tiene habitaciones poco

definidas y paredes que casi no se cortan. Mies utiliza diversos materiales como mármoles y cristales. Entre los distintos materiales destacan el mármol travertino del zócalo el mármol verde de hinoc de las Paredes y el ónice dorado del muro interior. Casa Tufendhat, Bruno 1930 Esta casa fue un encargo de un matrimonio joven. La mujer era hija de un magnate y recibió como regalo de bodas de su padre su propia casa. La hija eligió a Mies a pesar de la oposición de su padre. Debido a las condiciones del solar la entrada se sitúa en la planta lata y desde esta se desciende. Debido a que la planta alta estaba a la altura de la calle, ya que el solara caía en pendiente. La escalera esta recubierta por cristal traslucido creando así en el interior un espacio único gracias ala luz filtrada. El salón de la casa es un espacio abierto y fluido donde se aprecian os elementos sueltos el comedor y la zona alrededor de la antigua chimenea delimitados por un muro de ónice dorado y un semicírculo de ébano de Madagascar. El salón esta libre de carga estructural gracias a las columnas cruciformes revestidas con acero inoxidable, colocadas según una retícula. Esto permitió recubrir las paredes de paños de cristal creando así un espacio con vistas al jardín. Mies diseño también los muebles del interior como una mesita con el tablero de cristal o las sillas Barcelona utilizadas ya en el pabellón alemán.