CAPACITACION REGION XXII CURSO: “LOS PROYECTOS DE ARTE EN LA ESCUELA SECUNDARIA”

¿A quién le importa el arte?
Ana María Battistozzi

Cada día más gente en la Argentina recorre los circuitos de las artes plásticas. La masividad sorprende, si se tiene en cuenta que en las últimas décadas el arte renueva permanentemente su definición. ¿Cuánta información debe manejar el espectador contemporáneo para no quedar atrapado en una maraña de interrogantes sin respuestas?

¿A quién le importa el arte? ¿A los artistas, a los galeristas, a los coleccionistas o a esas muchedumbres variopintas que colman museos y bienales?
Nunca como en las dos últimas décadas han abierto tantos museos, tantos centros culturales, tantas ferias de arte y bienales. ¿Con todo, podríamos decir que esta expansión del consumo traduce una experiencia del arte a gran escala? ¿Podríamos deducir de ello que el arte es una actividad esencial para el hombre contemporáneo? ¿Que sirve para cambiar su modo de ver las cosas, para entender las cambiantes relaciones del mundo que le toca vivir? ¿O solo es expresión de la lógica de consumo propia del sistema, en la que por fuerza se debe insertar la producción de arte?

Está comprobado que en un setenta por ciento los visitantes de museos no se detienen más de dos minutos ante una obra y pasan casi más tiempo en la tienda de regalos hojeando los catálogos que reproducen las mismas obras que acaban de ver en las salas. No es difícil de entender que a alguien educado en la cultura visual de la televisión, la reproducción e Internet le resulte problemático enfrentarse a la complejidad material que anida en una pintura de Velázquez, Goya o incluso de Picasso.

Así las cosas, ¿cuál es la disponibilidad temporal y la información previa que demanda una obra de arte para ser comprendida? ¿Será lo mismo una obra de Velázquez o los hilos que cruzan el

en la publicidad y en la gráfica. Y como si esto fuera poco. Un dato en apariencia tan secundario. En la lógica de cada objeto se trata de definir. Hoy una composición de Mondrian. lo ponen en situación de decidir : ¿es arte o no? El problema que enfrenta el espectador de hoy es explicarse por qué ciertos objetos son considerados obras de arte y la pregunta reviste carácter filosófico. Allí se le reclaman otras cosas al visitante. esta comodidad brindada al visitante. En muchos de ellos. o a ponerse auriculares para escuchar el latido del corazón y los sonidos de la respiración en un videorretrato de Bill Viola. De allí que buena parte de las obras de arte actual no necesariamente sean estéticamente placenteras y dejen de lado cuestiones que en otro momento fueron fundamentales. atravesarla como los penetrables de Jesús Soto y Helio Oiticica. Por caso. revela que la experiencia del arte actual no gira alrededor del tiempo demorado de la contemplación. como el del asiento. como la armonía del color y la forma. vemos que lo estético se encuentra disperso por todos lados en la vida cotidiana. En cambio. que le siguió en 1936. el famoso urinario de Duchamp que irrumpió con el nombre de "Fuente" en la escena temprana de 1917 o la taza peluda de la alemana Meret Oppenheim. nada más ni nada menos. el qué y el para qué del arte. Antes que nada. que esté dispuesto a meterse dentro de una obra. . en el diseño.CAPACITACION REGION XXII CURSO: “LOS PROYECTOS DE ARTE EN LA ESCUELA SECUNDARIA” espacio en una instalación del argentino Enio Iommi o el brasileño Waltercio Caldas? En los museos de los siglos XIX y XX siempre había en las salas un banco o un confortable sillón para sentarse a contemplar una pintura o una escultura por cierto tiempo. Tal el caso del inquietante tramo de pierna con media y zapato que asoma de una pared en una obra del estadounidense Robert Gober. a recorrerlas activando sensores como en las videoinstalaciones de Gary Hill. especialmente en los de Bellas Artes. las obras que se ofrecen al espectador le retacean todo tipo de certeza. Esto significa que desde hace tiempo el ámbito del arte dejó de ser el lugar privilegiado de la experiencia estética. todavía existe pero ha desaparecido en los museos de arte contemporáneo.

muchas obras del presente se corren de ese lugar y se dirigen a la reflexión con la intención de alentar un pensamiento crítico. . Continuaba así: "Nada es evidente. en el arte mismo.CAPACITACION REGION XXII CURSO: “LOS PROYECTOS DE ARTE EN LA ESCUELA SECUNDARIA” originalmente inspirada en la teosofía y el pensamiento místico. La pregunta sería: ¿esto es bueno o malo? ¿No era una ambición de la vanguardia que el arte se fundiera con la vida? La cuestión gira en torno de la pérdida de significado de una obra cuando entra en el circuito de la reproducción y el diseño masivo. sobre telas o tablas. Y sólo aquéllas que lo lograban a partir de una especial aptitud manual y perceptiva llegaban a conmover al espectador. bares. publicada en 1970. El filósofo Gianni Vattimo ha llamado "estetización difusa" a esta ambientación que nos ofrece la vida contemporánea. Entonces era la imitación lo que definía a una obra de arte. Por eso. "Ha llegado a ser evidente que nada referente al arte es evidente". escribió Theodor Adorno. Hubo un tiempo en que. los otros podían hacerlo en las definiciones de la línea— pero a pesar de esas diferencias todo en ellas. Podían diferir los códigos y maneras de esa representación —ciertamente los de la pintura barroca no eran los mismos que los del Renacimiento o el clasicismo y mientras unos se apoyaban en los contrastes de masas pictóricas subrayadas por el uso del color. en lugar de apelar a los sentidos. tenía que imitar con fidelidad la realidad. piedra o bronce que representaban algo del mundo exterior que por fuerza debía ser reconocible. Durante un largo período histórico —el que va de 1300 a 1900— se supuso que para ser una obra de arte. en las primeras líneas de su Teoría Estética. termos. tanto por su factura como por los materiales utilizados. desde los materiales a las estrategias de crear esa ilusión de lo real. Hoy nada es tan claro. ni en su relación con la totalidad ni siquiera en su derecho a la existencia". o esculturas realizadas en mármol. aparece como motivo de cafeteras. Se trataba de pinturas al óleo. funcionaba como manifestación del ser del arte. los objetos de arte se mostraban claramente como pertenecientes al universo del arte. y en especial una obra de arte visual. debidamente enmarcadas. corbatas o camisas.

escribió en referencia al proceso que acabó por devorarse las mismas categorías en cuyo nombre avanzó. la crítica y el mercado. galerías. En el arte todo se ha hecho posible. Robert Rauschemberg o Edward Keinholz. coleccionismo. Hoy pareciera que todo es posible y no sólo en el campo de las libertades que se dieron a sí mismos los artistas. Y si todo es posible. combinar tubos de luz fluorescente de fabricación industrial de diferente tamaño. escribía Malevitch en el Manifiesto Suprematista de 1915. lo es en gran medida también porque nada es definido de antemano como ocurría en los gloriosos tiempos de los manifiestos de vanguardia que definían qué era arte y qué no. debe renacer a una vida nueva en el arte puro. El oficio manual puede coexistir con objetos de fabricación industrial o sencillamente estar ausente y todo eso a su vez convive en el ámbito de un museo. sino en la estructura más generalizada del campo del arte. o directamente un tiburón en formol. pintura o escultura. que abarca museos. "El arte del pasado. sometido al servicio de la religión y del Estado. se ha franqueado la puerta a la infinitud y la reflexión tiene que enfrentarse con ello". una feria o una bienal de arte contemporáneo con otros ejemplos de dibujo. el mundo de la sensibilidad". como podemos . nos encontramos con que una obra puede utilizar el cuerpo del propio artista.CAPACITACION REGION XXII CURSO: “LOS PROYECTOS DE ARTE EN LA ESCUELA SECUNDARIA” Así. luz como material escultórico. pareciera que el arte ha llegado a un punto en que no tiene ningún a priori y permanentemente renueva su definición. Así. estamentos académicos. Pero hoy. como los artistas del arte povera. como el inglés Damian Hirst. no aplicado. ¿Qué ocurrió para que todo esto llegara a ser aceptado y oportunamente legitimado? Adorno lo explica en el sentido de la tarea que cumplieron las vanguardias: "los movimientos de vanguardia que se adentraron en el mar de lo insospechado no obtuvieron la felicidad prometida. usar fieltro. rezagos o desperdicios con pintura. como las de Antonio Berni. como las del norteamericano Dan Flavin. como las de la francesa Orlan. del suprematismo y debe construir un mundo nuevo. como las de Robert Morris.

palabras menos. Hoy no hay nada que reemplazar en el horizonte. Más bien los cambios. se asumió como representante de la máxima verdad del arte aspirando a barrer del mapa a todo lo precedente. Ninguna definición del arte se impone sobre otra postulándose como algo definitivo y superador. . Pero la cabalgata de las vanguardias llegó a su fin. ya no aplicado a la religión sino al diseño industrial que vemos en todos lados. Por cierto nadie hubiera imaginado esta convivencia en aquel momento de efervescencias y pasiones encontradas que la modernidad implantó como sistema de confrontación y superación de estilos. Una cosa puede ser tan buena como otra y ninguna forma de arte se enfrenta históricamente con otra. decía sin pestañear. el constructivismo o la abstracción— se alzó contra la tradición y se proyectó al futuro como el último y más definitivo estadio del arte. Pareciera que tanto la estructura productiva como de circulación del arte ya no apuntaran a un arte capaz de expandir o continuar la historia del arte sino más bien a crear arte para desmenuzar el propio ser del arte y las instituciones que definen el arte. ajena a cualquier apasionamiento romántico: "Uno debería ser capaz de ser un expresionista abstracto. el futurismo. Baudelaire advertía como peligrosa de aplicar en al terreno del arte. sin sentir que ha concedido algo. la próxima semana un artista pop o un realista. Andy Warhol ya adelantaba el actual panorama con su proverbial indiferencia.CAPACITACION REGION XXII CURSO: “LOS PROYECTOS DE ARTE EN LA ESCUELA SECUNDARIA” advertir. todos los manifiestos coincidieron en aspirar a un mundo nuevo que habría de franquear todas las puertas de la libertad creativa o perceptual. por otra parte. En el fondo era la ideología del progreso que ya en el siglo XIX. Desde comienzos y hasta promediar el siglo XX cada manifiesto de vanguardia —el cubismo. La verdad profunda del presente histórico es ésta en la que todo se ha hecho posible. el arte del futuro renació en arte impuro. Cada movimiento. desplazamientos y emergencias de nuevos grupos responden a la cada vez más fuerte acción del mercado y el coleccionismo inversor. ni razones para descalificar el pasado que. Palabras más. Hoy no hay novedad semejante que aspire a proyectar mundos nuevos. el arte concreto. cada poética que surgió en la escena vanguardista. Ni el arte ni los artistas del presente sienten que haya que liberarse del pasado. Todos los estilos tienen igual mérito". se ha vuelto una cantera invalorable para el arte actual. En una entrevista de hace cuarenta años.

un artista parodiaba esta situación de incertidumbre y hacía que los controles de sala invitaran al espectador a recorrer la obra con un festivo ¡Esto es tan contemporáneo. que a pesar de las diferencias que mantienen entre sí. en muchos casos. tan contemporáneo! Las dificultades que plantean las poéticas del arte contemporáneo son muchas y la falta de diferenciación de los objetos de arte con los objetos del mundo cotidiano son sólo un aspecto de ellas. el arte ya no puede encarnar la voluntad de defenderse contra la banalidad y no sirve como espacio privilegiado en el que uno puede ser fiel a sí mismo en una sociedad que alienta la falsedad? Graciela Speranza Para LA NACION . como en la obra de Joseph Kosuth. una innovación que introdujo el arte conceptual al poner el acento en la reflexión. Luego está la propia desaparición del objeto como tal. fue reemplazado por proposiciones filosóficas desplegadas en las paredes. y dada la complejidad de este objetivo puede sorprender la cantidad de gente que acude a las actividades programadas del arte. coinciden en que al promediar el siglo XX se produjo un quiebre radical en la historia del arte y los relatos que habían legitimado su recorrido. En ese sentido.Buenos Aires. ¿Debemos entusiasmarnos porque el arte llegue a más gente a través de las nuevas tecnologías de reproducción y los hoy cada vez más frecuentados circuitos del arte? ¿O debemos temer las consecuencias que se derivan de la industria cultural en cuanto a la distorsión del sentido del arte y su capacidad crítica? ¿Será que el arte y sus provocaciones rápidamente digeridas han perdido el efecto desordenador que hace pensar sobre nosotros mismos y el mundo que habitamos? ¿O que en la nueva cultura espectáculo. ¿Cuánta información debe manejar el espectador contemporáneo para no quedar atrapado en una maraña de interrogantes sin respuesta? En el Pabellón alemán de la última Bienal de Venecia. 2009 .CAPACITACION REGION XXII CURSO: “LOS PROYECTOS DE ARTE EN LA ESCUELA SECUNDARIA” Por eso. La cuestión ahora pasa por un debate que ya había ocupado a Benjamin y Adorno. como sostiene el crítico estadounidense Donald Kuspit. en sus cada vez más diversificados circuitos. tal vez por eso no debiera sorprender que la idea del fin del arte sobrevuele con tanta frecuencia reflexiones teóricas como las de Arthur Danto o más recientemente las de Donald Kuspit. desdeñando hasta la presencia del objeto que.

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