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ramona revista de artes visuales nº 90. mayo 2009 10 pesos Una iniciativa de la Fundación Start Editor fundador Gustavo Bruzzone Concepto Jacoby Grupo editor Roberto Amigo, José Fernández Vega, Graciela Hasper, Roberto Jacoby, Fernanda Laguna, Ana Longoni, Guadalupe Maradei, Judi Werthein Colaboradores permanentes Xil Buffone, Diana Aisenberg, Diego Melero, Mario Gradowczyk, Nicolás Guagnini, Lux Lindner, Alberto Passolini, Alfredo Prior, Daniel Link, Mariano Oropeza, M777, Melina Berkenwald Coordinación y edición Santiago Basso editorial@ramona.org.ar Secretaria de redacción Josefina Infante Rumbo de diseño Ros Diseño gráfico Silvia Canosa Suscripciones y ventas Josefina Infante Publicidad Paula Bugni Candelaria Muro Archivo y donaciones Guadalupe Marrero Gauna Los colaboradores figuran en el índice. Muchas gracias a todos ISSN 1666-1826 RNPI El material es responsabilidad de los autores y no puede ser reproducido sin su autorización ramonaweb www.ramona.org.ar ramona@ramona.org.ar Concepto Jacoby Coordinación Paula Bugni Agenda y secciones Lucía Arnaud Desarrollo web Leonardo Solaas Fundación START Bartolomé Mitre 1970 5ºB (C1039AAD) Ciudad Autónoma de Bs As info@fundacionstart.org.ar Coordinación general Paula Bugni Patricia Pedraza Administración Guadalupe Marrero Gauna Prensa Lara Daruiz

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índice
EDITORIAL 7 En red dando como 26 Dolores Esteve 44 Karina Peisajovich 45 Alina Perkins 27 Maximiliano Farber 8 Pregunta 9 Moira Aguirrezabal

Alejandro Fangi Débora Pierpaoli Sebastián Pinciroli
46 Leonel Pinola

el musguito en la piedra Marcos Figueroa
28 Patricio Forrester 29 Margarita García Faure 10 María Rosa Andreotti 11 Mercedes Azpilicueta 30 Geli González 12 Nicolás Bacal 31 Mariano Grassi 13 Analía Baños

Andrés Aizicovich Mauro Giaconi Gabriela Golder

Santiago Porter
47 Provisorio Permanente 48 Mercedes Pujana 49 Emilio Reato

Florencia Rodríguez Giles
50 Marisa Rubio

Vicente Grondona
32 Jorge Gutiérrez

Fabián Bercic
14 Gala Berger

Miguel Harte
33 María Julia Iglesias

51 Hernán Salamanco 52 Victoria Sayago

Viviana Blanco
15 Erica Bohm

Guillermo Iuso
34 Catalina León

Paula Senderowicz
53 Lila Siegrist 54 Laura Spivak

Violeta Bondarenco
16 Jane Brodie

Adriana Bustos
17 Isabel Caccia

35 Adriana Lestido

Mariana López
36 Tamara López 19 Anahí Cáceres

Alejandra Tavolini
55 Mariana Telleria

Julián Teubal
37 Gimena Macri

Claudio Caldini
20 Rodrigo Cañás

Luis Marte Mariana Cerviño
21 Rosa Chancho 38 Sebastiano Mauri

56 Jorge Tirner

Paula Toto Blake Gaby Messina Mónica Millán
39 Ariel Mora 57 Anabel Vanoni

Rob Verf
58 Constanza Vicco

Aili Chen
22 Ciro Del Barco

Tadeo Muleiro
40 Diego Mur

Juan Andrés Videla
59 Ana Lía Werthein

Alfio Demestre
23 Fabhio Di Camozzi 41 Sandra Mutal 24 Sebastián Díaz Morales

Margarita Wilson-Rae Daniel Ontiveros
42 Laura Ortego 60 Noelia Yagmourian

Fermín Eguía
25 Andrea Elías

Osias Yanov Lila Pagola
43 Andrés Pasinovich 61 Mariela Yeregui

Pablo Ziccarello Agustín Pecchia 5

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EDITORIAL

En red dando como el musguito en la piedra

Redondo, redondo, barril sin fondo” podría ser el acertijo que defina el proceso expansivo de www.boladenieve.org.ar, la red virtual autocuratorial de obra y pensamiento de artistas visuales argentinos que impulso desde hace más de diez años (desde hace cuatro, con el apoyo de Espacio Fundación Telefónica). Desde la última edición de Poéticas Contemporáneas –el número especial conformado por una selección de las reflexiones de los artistas de Bola de Nieve, que publico cada mes de mayo para celebrar mi aniversario–, el proyecto ha generado nuevas instancias de participación que ensancharon súbitamente sus alcances. El premio “10 años de Bola de Nieve” fue un enorme aprendizaje en términos de gestión y de producción. Pero, además, hubo un crecimiento descomunal de la cantidad de artistas integrantes del sitio y mencionados en la red (se agregaron online más de 500 artistas en pocos meses). Y, gracias a la posibilidad de votación abierta al público, se multiplicó la cantidad de visitas al sitio, provenientes de todos los puntos del planeta (sólo durante octubre, momento de la primera votación, 45.724 visitantes –provenientes de Argentina, España, México, Estados Unidos, Chile, Colombia y más– vieron 483.609 páginas). Al finalizar la votación abierta, se contabilizaron 5.672 votantes, que emitieron en total 7.777 votos. Hubo también algunas objeciones, sin duda válidas, en cuanto a que los artistas no deberían ser objeto de cuantificaciones y compulsas. De acuerdo a su voluntad estos artistas no participaron del premio. Otros artistas, por el contrario, solicitaron el favor popular a través de campañas no exentas de humor y desparpajo. Así, la experiencia revistió diversos matices, mostró distintos valores y actitudes que coexisten en el mundo del arte. Lejos de detenerse, este ovillo sigue en-red-dándose. Sus senderos se bifurcan ahora: pronto estará disponible Bola de Nieve en lengua inglesa. La traducción de la producción textual y biografía de los artistas de Bola de Nieve podrá consultarse desde el sitio actual. Esta nueva función contó con el apoyo del Prince Claus Fund y se propone franquear las fronteras lingüísticas entre el público internacional y la producción artística local. Los principios de diseminación de la información, ampliación de los límites y articulación de relaciones siempre fundaron los proyectos de ramona en la gran urdimbre del ciberespacio. Formación de vínculos, visibilización del talento, apropiación de tecnologías, interacción con las audiencias, elaboración reflexiva, calidad comunicativa... son muchos los hilos que hacen a esta querida madeja, cada vez más densa y más difícil de asir. Un enredo productivo inigualable que pronto recorrerá América Latina. Pero ahora, ya mismo, en las páginas siguientes, están invitados a ascender a los momentos cumbre de noventa artistas de acá.

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Elija una obra que lo/la represente, descríbala haciendo referencia a su formato y materialidad, su relación con el tiempo y el espacio, su estilo y su temática; detalle su proceso de producción.

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Hacer arte con la propia vida
Moira Aguirrezabal y todas me son necesarias. Es un impulso inevitable. Cuando me fascino con una obra, soy tan intensamente feliz que me gustaría compartir la experiencia con todos. Mis obras, en cambio, las disfruto más mientras las estoy realizando. Todas, igualmente, tienen mucha anécdota de mi historia personal y podrían alimentar la sección “ejemplos” de varios libros de psicología.

E

n este momento casi toda mi energía está puesta en la gestión de “Jardín Oculto” y su curaduría. Soy muy romántica, creo en hacer arte con la propia vida, un arte para vivir, no para exhibir exclusivamente. Por esto el proyecto “Jardín Oculto”, la obra que surge en el taller, la curaduría y mi trabajo docente son experiencias artísticas que atravieso en diferentes formatos,

Evitar que las ideas se quiebren por su propio peso
Andrés Aizicovich

M

ás que una obra puntual, quisiera hacer referencia al conjunto de pinturas que desarrollé en 2007. La serie se generó a partir de la ambición de sintetizar ciertas ideas en torno a la historia, la cultura y las relaciones humanas. Estas ideas primarias fueron la génesis de algunos elementos que empezaron a poblar insistentemente mis pinturas. En estas obras a menudo aparecen vehículos accidentados; sin embargo, el énfasis no está puesto en la tragedia o la ausencia de sobrevivientes, sino en la imposibilidad de conciliar la distancia entre dos elementos

destinados a la polaridad y el desencuentro. A menudo las imágenes que pinto son referencias culturales con leves distorsiones. En dichos casos, más que la anécdota de la cita, me interesa particularmente la capacidad de estas imágenes de generar lazos o cadenas de significado con otras. En este sentido, el orden o montaje de la secuencia cumple un rol casi tan importante como la imagen en sí. Formalmente, me interesa que las pinturas tengan un carácter pictórico preciso, en un lenguaje propio del mundo de la gráfica, y que las imágenes posean cierta ligereza o humor para evitar que las ideas se quiebren por su propio peso.

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en ese caso el proceso actuó de transformador (“La Corporación”. Esta obra tiene una materialidad y formato de video que no es el soporte que utilizo con más frecuencia. Una y otra vez. El video muestra en pantalla dividida dos formas de poner orden en el caos: a la izquierda Ramón ordenando su vida a la intemperie. del desgaste. el ensueño. 10 . un video. La casa y los lugares que resguardan la intimidad. Cuando una idea es el disparador. Siempre me sorprende descubrir que obras que tienen diferentes estéticas y son de distintas épocas puedan convivir con otras gracias a los vínculos que se entablan entre ellas. “Envoltorios”. paraguayo. a la derecha. ambos sufren cambios. el punto de llegada puede ser distinto del de partida. rincones. la idea está antes de ser obra. del trabajo. Pero es un trabajo colaborativo que se liga con la temática recurrente de mis obras que aluden al cuerpo individual y social. “Deslustre de la platería del casamiento”. la intimidad y formas del apego. Otras veces.). espacios que albergan la memoria. La obra resulta un modelo físico del proceso de pensamiento. porque es un desprendimiento de una obra en proceso de mayor alcance referida a la vida de Ramón Rojas. registran una memoria del tiempo. tiene un lenguaje (visual) y el título. la violencia y el valor de espacios diversos como la casa. la cama o la calle. vuelvo a trabajar con el textil porque remite al cuerpo. a la identidad. otro lenguaje (escritura). “Uno de treinta mil”.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 10 Formas de poner orden en el caos María Rosa Andreotti E lijo una obra del 2008. Me intere- san sus objetos.nueva_r90_mayo-ok. El proceso de producción es diverso porque se define en cada caso. El resultado es más conceptual. las rutinas de lo cotidiano han sido centrales en mis trabajos de los últimos años. Muchas veces las personas o los objetos se me aparecen con sus historias y en el contacto y la comunicación con ellos se va perfilando la herramienta y el formato. de manera que no lo sé de antemano. “La receta”). del uso. etc. Y muy especialmente los relativos a las personas que viven a la intemperie. (“Centenario”. a quien conocí cuando llevaba seis años viviendo en la calle desde la crisis del 2002. La dedicación y cuidado que Ramón ponía para proteger sus pertenencias de la intemperie dentro de su ‘casa’ rodante (carrito de supermercado) me llevó a proponerle en abril de 2008 el trabajo de ayudarme con el embalaje de mi instalación “Sociedad Anónima” para enviarla a una exposición. son receptivos y permeables. el sueño. los dos en mi taller embalando una obra de arte.

“los amantes” es un conjunto de dibujos y acuarelas sobre papel. curva. caracoles) son descontextualizadas y puestas en función de ciertos juegos formales (círculo. hojas. el grafito y la tiza (tierra). andar vagando de una parte a otra sin rumbo ni destino .qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 11 El contexto transforma el trabajo. un dibujo de un chingolito que había hecho nido en el jazmín de mi patio en suárez // una pareja de chingolitos que tenían un pichón aunque todo diciembre discutimos si eran uno o dos temiendo la posibilidad de que alguno se haya caído del cielo que estaba a baja altura había habido unas lluvias intensas en fin. árboles y se traducen formalmente a través de la acuarela (agua). 3. Errante Mercedes Azpilicueta los amantes” 2008 // verano y otoño trabajo la imagen que pone en juego la fantasía y la imaginación con elementos de la realidad. en especial escenarios o lugares de la naturaleza. tierra. las leyendas. el contexto fue transformando el trabajo.nueva_r90_mayo-ok. a la vera del río manso. la flora y fauna. su ritmo vital. bosques. un video que registra el recorrido errante que hace un río hacia su Desembocadura y una acción que consiste en la Escucha Del Sonido Del Agua Hasta Conciliar El Sueño. los elementos disparadores son tomados de la naturaleza: agua. siento el tiempo que transcurre allí. fallar. el moquehue fue el más azul de los azules el tromen el más intensamente misterioso el filo hua hum el incomprendido el curruhué grande el buscador como la carrera que ju11 “ errar es una palabra sugerente: no acertar. las piezas Recolectadas (piedras. me intereso por la geografía. después en la galería meridión todo el material dentro de una gran vitrina. su presencia mítica. zonas no visitadas y hitazos que uno quiere repetir // desplazamientos que se reiteran con cierta periodicidad cinco saltos con tito y marta el valle la chacra las manzanas las peras y las acequias y el lago moquehue y febe y gala eugenio que aparecía en las tardecitas así de golpe formulando algo ininteligible o simplemente esperando conversación la bella durmiente y el dibujo que hizo el nieto del dueño del camping que era de avellaneda Vamos La Acadé la quena: en ese lugar conocí una chica muy linda que tocaba la quena que era la locura y hacia la plancha mucho tiempo permanecía sobre el agua. viajo. que se construye y deconstruye de manera Laberíntica. conozco la gente del lugar. que según dónde se manifestaba iba construyéndose y deconstruyéndose de manera Laberíntica. la imaginación o la atención lo que sigue forma parte del momento post viaje en que dejé errar mi pensamiento y las palabras salieron a mi encuentro: yo quería hablar del Amor de hecho todo así comenzó con un dibujo una tarde de diciembre. el trabajo se mostró en la pueyrredón donde los papeles y fotos estaban pinchados sobre cartones y los objetos sobre una mesa. pirámide). por otro lado. distintos elementos de la naturaleza Recolectados en bosques patagónicos. y por último en el taller de bissolino en una habitación blanca e impoluta creando un ambiente de laboratorio. fotografías intervenidas con calcos. y el papel (madera). dejar vagar el pensamiento. equivocarse 2. el video me permite hablar de un tiempo transcurrido pero sin comienzo ni fin. Errante. un dibujo de un chingolito en una tarde de diciembre tarde cerca de fin de año y después vino el sur y errar objeto muerto estanco repetido sinsentido un recorrido x lagos.

Para sincronizarlo habría que ralentizarlo 20 pulsaciones. Trato de que el trabajo sea lo más sencillo (en su apariencia) y decodificable posible. pueda volver a su casa y reconstruirlas de manera casera. escuchándome el mío con un estetoscopio mientras miro mi despertador. Son dos cassettes de diferente marca entrelazados como si estuviesen abrazados. Estuve probando.nueva_r90_mayo-ok. luego de haberlas visto. 12 .qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 12 gamos nadando de orilla a orilla una parte era tan profunda que me dio vértigo ver tan abajo todo verde laguna y muchas plantas fluorescentes porque ahí el curruhué se achica y en ese codito es todo húmedo y verde y verte y fértil y ahí ese codito. Todavía no me sale. era como ahogar las penas y salir totalmente renovado del elixir del verde vigor no te bañarás dos veces en el mismo río dicen pero renacer no creo el río manso fue caballos en todas sus orillas y turquesa malicioso y aquel lugar donde el río manso se cruzaba con ese riacho de color agua blanca y x momentos estaban ambas aguas una al lado de la otra cómo podía eso suceder? había cascadas y cipreses y lengas y radales maitenes cohihues alerces ñires pehuenes arrayanes y líquenes y panes de indio río curruleufú y los zapallos rellenos con queso y huevos de esas Gallinas que diariamente se entendían con nosotros a la vera y el lago cholila y el fin de los fines y el río arrayanes y el reto y los amantes Que el trabajo sea lo más sencillo (en su apariencia) y decodificable posible Nicolás Bacal E lijo una obra que no tiene título. Me gustan las obras simples. El ritmo cardíaco promedio de las personas gira en torno a 80 pulsaciones por minuto. Me gusta sincronizar cosas con el segundero del reloj. Me gustan las obras que permiten que uno.

como proveedor de belleza y poder. Cada vez que reúne una buena cantidad de frasquitos sale a la calle y así obsequia sus dosis de brillo. su amabilidad y su gracia. Terminé la primera en 2006 y comencé la segunda un año después. Una noche GIVREANA se percata de que el exceso de brillo que su cuerpo generaba desbordaba por completo los límites de su piel. Esta es una obra que parte del relato de una historia: GIVREANA . Encarno el papel de GIVREANA y cuento esta historia con performances que realizo en la vía pública. y este en particular. a veces sola y en oportunidades con un equipo de GIVREANOS. con la disciplina y la concentración. no tengo ayudantes.. todas las noches. Un fotógrafo y cámara de video para registrar las acciones. la estaba tapando. la estaba haciendo irreconocible. o casi. A raíz de esto ella misma. sino “brillante” en realidad porque su cuerpo genera en exceso una sustancia mágica: BRILLO. no creo en los atajos técnicos y siento una profunda admiración por los oficios. recolecta en pequeños frasquitos su exceso brillante.. en fiestas.. evitando así que éste la tape. Puestas juntas parecen producidas en serie. tapar y volver a agitar.nueva_r90_mayo-ok. 13 . En cada una de ellas la figura del santo lucha contra el dragón. haciendo los moldes. Repartiendo en pequeños tubos de ensayo la sustancia mágica con una indicación: agitar el contenido brillante. el cuerpo del animal mitológico forma una letra “S” que se entrecruza con una “J” armando el anagrama del personaje. Dejarlo en sitios luminosos para que se cargue de energía.. No creo en los atajos técnicos Fabián Bercic Los San Jorges son dos piezas iguales. una nueva opción en soluciones mágicas…DOSIS DE BRILLO.. en ferias. Trabajo despacio y le presto mucha atención a los detalles. pero en realidad una es modelo de la otra. exposiciones.. La construcción de los objetos y todos los elementos que forman parte el BRILLANTE MUNDO DE GIVREANA. colocarle agua.. está relacionado con la experiencia física del hacer. no sólo por su belleza e inteligencia. modelando cada parte nuevamente. Los actores para las performances. El brillo ha sido descubierto en tiempos remotos como sustancia vital en el organismo.es una mujer sumamente brillante.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 13 Una nueva opción en soluciones mágicas: dosis de brillo Analía Baños La obra que elijo para que me represente es “PRESTIGIO GIVREANA”. Forman parte del proceso de producción el diseño y confección de vestuario. Mi trabajo en general. De esta manera surge PRESTIGIO GIVREANA con toda su magia y su seducción. desde cero.. colando la resina.

para sentirnos parte de eso. Somos una colectividad.. atravesados por una profusión incesante de imágenes y lenguajes. reflejo y encarnación. una transformación del mundo externo. lo suficiente como para sentirlos propios. y lo demás fue surgiendo en el momento de empezar la acción de dibujar. Partir de un sueño y dejar el trabajo siempre en proceso Viviana Blanco La experiencia fue maravillosa. un auto en el cual paseaba con amigos. en el espacio Baltar Contemporáneo. El interior que cuenta es un interior real. Usé carbonilla como primer intento de ubicarme en el espacio. los nutrimos con nuestra experiencia. o en algún sentido algo que nos estamos perdiendo. L a obra que me representa es la que estoy por hacer. Allí trabajé dibujando las paredes de la sala. Cuando crecemos en lo que es dado en llamar el interior. primero por trabajar directamente en las paredes (algo que no estaba haciendo) y porque los materiales utilizados me permitieron acceder al dibujo desde otro lugar. brotan a partir de nuestro quehacer. o una forma. provienen asimismo de nosotros. cuando en realidad sí podemos.nueva_r90_mayo-ok. 14 . los abro. una muestra que hice en Mar del Plata. El día de la inauguración el relato giraba en torno del sueño y de la experiencia con el dibujo. hacía y deshacía dibujos. Vienen del exterior. en un mismo individuo. pero son parte de nosotros. un día muy temprano. Ya no hay un adentro y un afuera: las dimensiones son múltiples y danzan como interfaces ante mi percepción. en primer lugar. y luego comencé a trabajar con el pincel y fue ahí que todo comenzó a unirse. Al principio el espacio parecía mi taller. El trabajo estaba en proceso. el interior impli- ca un exterior. y al mirar el mundo todas las facetas de mi ser están unificadas. un mundo interno ideal. de creadores y espectadores a la vez. año 2006. el mundo se transforma ante mí. Pero eso es sólo porque no podemos estar en ambos lugares.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 14 Ya no hay un adentro y un afuera: las dimensiones son múltiples Gala Berger D esde el interior al exterior es una multiplicidad de sentidos. La idea era comenzar con algunas imágenes que recordaba claramente: unos lobos blancos que me miraban perplejos y que brillaban en la oscuridad. se despliega con riqueza infinita: siendo el eje de las necesidades de comunicación y comunión.. una contención. En este caso hablaré de “Reconstrucción Material”. pinté con varios tonos grises y utilicé mucho negro. La formación vital se devela un día artística. Somos influenciados por corrientes innumerables. para construir las escenas. Y al mirar. Dejé dibujos en carbonilla. Cierro los ojos. Por lo tanto. Podría haber seguido todo el mes dibujando o podía dejarlo así como estaba. Los dibujos partieron de un sueño. se tienen perspectivas muy particulares. y sabemos que dura para siempre.

rosas. Me interesa poder generar una relación entre el color. Estas tomas están realizadas con mucho tiempo de exposición. Al igual que las imágenes que la sucedieron. el paso del tiempo y la ambigüedad con respecto a las técnicas fotográficas es algo que me interesa investigar. Estos negativos sobreexpuestos carecen de contraste y de detalle. La imprecisión en la memoria de la imagen registrada. la proximidad en el tiempo y el deseo de que ese vínculo con una imagen interna persista. mientras preparaba el montaje para otra foto. sólo lo extremadamente relevante se conserva en la imagen. dijo Luis Wells durante una clínica de F. Una ¿digresión? que buscaba unidad estética y conceptual por medio de fragmentos. La atmósfera y el color de las imágenes obtenidas en el revelado y el copiado en papel tienen a simple vista un clima sobrenatural e irreal propio del ensueño.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 15 Trabajar forzando el soporte. el negativo se quema por la excesiva exposición a la luz del material fotográfico. el paisaje y la intensidad de clima que tienen cada una de las fotos. En este caso se trata de cuestionar a la fotografía en su sentido de aparador de lo visible. E l trabajo que considero más representativo es el de la serie “Pantone”. alterna el soporte pared –donde es proyectada en medidas 130cm x 60cm aproximadamente– con el soporte papel fotográfico en formato más pequeño. en el límite de la desaparición de la imagen Erica Bohm permite este tipo de experiencia es la de poder trabajar forzando el soporte. Aunque para mí la cualidad más interesante que Una metáfora resucitada Violeta Bondarenco M uñequita. Me interesa la situación de contemplación del paisaje a través de la lente y de error de trabajo. cinta de raso negra. Algo de esto recordaba aquella siesta mientras subrayaba mi frase preferida de Foucault: “En última instancia. según su lugar de exhibición. La intensidad de la luz y el tiempo excesivo destruyen el registro exacto de la imagen para trabajar en el límite. “Entre mariposas” fue creada como un experimento fugaz. la vida es aquello que es capaz de error. de allí su carácter radical”. “Si no hay metáfora no es arte”. 15 . lo onírico. como una necesidad de prolongar el contacto. agua. palangana colorada.nueva_r90_mayo-ok. Se trata de fotografías de paisajes que están sacadas con cámaras analógicas en 35 y 120 mm. Mariposas = flores que vuelan fue el primer ejemplo de metáfora que me dieron en la escuela primaria. y observar la posible invisibilidad de la representación en el modo de trabajo. Antorchas. Los paisajes que elijo son una excusa para la invitación al viaje. casi en el límite de la desaparición de la imagen. La impresión de un recuerdo y la inquietud provocada por la imposibilidad de representación del mismo.

el pajonal y la desolación del páramo. “Ejemplares”. C reo que ahora la obra que más me representa es mi casa. (a la manera de un fotógrafo de plaza). el exilio de familiares y amigos por razones económicas. destruida. significó la aparición abrumadora de subempleos y trabajos precarios. proceso de producción: con artista invitados (Silvana Lacarra. “Empotrados” (crónica de un “accidente”-2005) y unas tomas instantáneas en la ciudad fueron parte del mismo proyecto. Me mudé hace un año. Julia Masvernat. 125 x 125 cm. El caballo. Toma directa. “Primavera” (video experimental2003). pensaba en términos como “una casa de campo en la ciudad”. “un desorden con sentido”. Egidio Cerrito. de cuya serie “Barón en un Cerrito” forma parte. era otro mito encargado a resistir la inminencia de un país de nueva configuración con acentuadas desigualdades e inmovilidad social. Proyecto 4 x 4. para traer a recuerdo que estos también son “caballos argentinos” y además nuevos “habitantes urbanos”.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 16 Un desorden con sentido Jane Brodie do de la obra) y Mauricio Corbalán (consultor de lujo). “dar forma a lo desmesurado”. Los “Retratos” (2004) de caballos simularon las “ fotografías destinadas a los documentos de identidad. “hippie elegante”. son caballos cartoneros que posan delante de un fondo que he pintado. como la recolección y venta de papeles y cartones. orgulloso emblema de la prosperidad del campo argentino. Materiales: mucha madera y superficies resbaladizas. Cambre). como en otras ciudades del país. En Córdoba. quien supo reflejar su medio respondiendo a la demanda de la pintura en las casas de familia e incluyó en su postalezca versión del paisaje el rancho. La compré. me hicieron pensar en estos animales como exiliados al “interior del país”. El Proyecto 4 x 4 surge en 2003 como resultado de una de las peores crisis económicas del país. viví mal con mi hijo en distintos lugares durante la refacción. Juntamente con esto. 16 . de fondo azul-celeste y copiaban la pose de algunas pinturas del siglo XVIII destinadas a caballos de pedigrí. Cuando estábamos trabajando en la casa con los arquitectos Ariel Jacubovich (encarga- El caballo. hace dos años. año 2006. realizada por “cartoneros” sobre carros tirados por caballos.nueva_r90_mayo-ok. exiliado al interior del país Adriana Bustos Barón en un Cerrito”. reproduciendo obras de un pintor cordobés popular del principios del XX.

de lo que hacían. El cancán es por esencia dicotómico. como cada mujer de mi familia. lo que comían. Para la obra que tenía programada el patio del CCEC comienzo a repartir mails y papelitos a mis amigas. pantis. por estar atravesado por diferentes conceptos. leotardo. es una danza que recicla un derivado del petróleo tejiéndolo a la naturaleza donde adquiere formas orgánicas. Estos objetos se instalaban en un espacio. medibacha. Lauri me los dio en una bolsita con un moño. de lo que les gustaba. El cancán de multifilamento me cautivó por sus cualidades sonoras. Comencé por adherirlo a las paredes. es el residuo de esas acciones que sólo podrán verse de nuevo en la memoria de una película. Es un artificio integrado a la vida cotidiana de manera natural. Hasta el momento estos eran los cancanes familiares. siendo así. En El Salvador. Luego de hablar un rato sí me dejaban aplicar la variedad cromática que me interesaba y que era diferente para cada persona. Otra chica visitó a sus vecinas y me trajo una gran bolsa con los cancanes de un barrio. porque me permite dialogar con otras realidades. hablamos de la ciudad. collants) es un derivado del petróleo que le otorga a las piernas una veladura estética. El cancán (pantymedia. Luego realicé objetos donde el cancán estaba tensado por perchas de alambre forradas con telas. lo grabé y lo trabajé de manera electroacústica. Es una intervención pictórica y filosófica en las personas que participan. medias pantalón. les conté de la mía. que usaban cremas para aclararse la piel. a expandirlo por la habitación a generar veladuras transitables. una estrategia de seducción femenina. Este laberinto se multiplicaba en el juego de luces y un aroma a miel estaba impregnado en cada hilo.nueva_r90_mayo-ok. Las mujeres no sólo venían a que les pintara las uñas. Se recolectan cancanes usados para unirlos a una trama base y formar un gran tejido que se integrará a la naturaleza.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 17 La propuesta de ser felices en lo simple y cotidiano Isabel Caccia que proyectaba mientras actuaba sobre el foco acorde a las formas azarosas y a la música. Puede dar abrigo al cuerpo y ocultar su piel a la vez que oprimir su carne. Comienzo Proyecto Cancán en una ciudad determinada con una convocatoria donde invito a la población a participar de un trueque. esto alrededor del año 1998/99. “Proyecto Cancán” es un acontecimiento producido de manera específica en un espacio verde urbano. una obra diferente e irrepetible. La gran mayoría no se animaba más que a un brillo o al rojo. la luz proyectaba sus formas que se modificaban con el propio movimiento. Yo también hice lo mismo. es la propuesta de ser felices en lo simple y cotidiano. Es una tela que toca la parte más íntima de la mujer a la vez que presenta su figura en la sociedad. a las amigas de mis amigas: “Compro tu cancán corrido pago pintándote las uñas.” La respuesta fue inmediata y comenzaron a llegar chicas con bolsas llenas de cancanes y me decían _ a estos los guardo desde los quince _ te los lavé antes de traer _ a mi hija le gustaría que le pintes las uñas. Hablamos de la vida. Las mujeres me llevaron sus colecciones privadas color canela y una señora me llevó más de 30 cancanes con una pierna cortada. estuve una semana pintando uñas mañana y tarde sobre una mesa con una jarra con agua y frasquitos multicolor. La pintura habitada por todos los sentidos. cada presentación. El proyecto consiste en unos elementos básicos que se reconstruyen de diversas maneras con nuevos ingredientes acorde al espacio donde se despliegan. Esta trama base es el producto de experiencias anteriores que incluye la colección particular de mi mamá que los guardaba desde los años setenta. La instancia del trueque se tornó lúdica y apta para el diálogo. Utilicé también el material para hacer diapositivas con fluidos . me pregunta17 E lijo “Proyecto Cancán” por su complejidad y constante evolución. Primero los utilicé para hacer pinturas: los estiraba sobre el hueco de cajas y sumaba capas de lycra + capas de pintura.

sin conocerse ni hablar más que con el cuerpo y las tensiones que la lycra permitía. le gustaba ponérselos aunque sufriera el calor. Luego desinstalo todo y viajo con la trama base hacia la próxima ciudad a dialogar. Eduardo Manrique. Azul de dos años por primera vez en su vida tuvo sus uñitas pintadas. que sólo las mujeres pueden hacerlo. concentración y algo más que aún sigo pensando qué era. Por momentos eran 20 mujeres destruyendo pantimedias con risas. Cuando la gente se acercaba a preguntarme qué hacía. reciclable. Federico Romano. flexible. A la misma hora cada día un señor se sentaba en el mismo lugar de un banco frente a la telaraña y fumaba su pipa. y me dijo que siempre se encontraba de esas en 18 los contenedores que revisaba. Lety Ollier. Carmen Cachín. Yo le pregunto por qué? Un alboroto de palabras en volumen ascendente seguía siendo su respuesta: loca. Grupo Cancán Córdoba estuvo integrado por: Soledad Sánchez. también la abuela Cristina. En Ushuaia pinté las uñas vistiéndome con un cono de peluche blanco en la casita del bosque y en un banco entre lengas. la última ona. Cristian. Es imposible olvidarse de esas uñas. aglutinante. Ella quería los cancanes que no estaban tan rotos. le explico que cualquier persona puede pintarse las uñas. Al museo asistían maestras para cursar seminarios y cuando me veían rompiendo los cancanes se acercaban y me preguntaban si podían ayudarme. me llevó sus cancanes. Nancy Palermo. Invité a 10 artistas para pintar uñas sobre los arcos dibujados del Cabildo y para tejer cancanes durante una semana en la Plaza San Martín.nueva_r90_mayo-ok. Un gordito se acerca y me pregunta si a él le podía pintar las uñas. Una chica de 19 años iba cada día y se quedaba en silencio a romper cancanes. Este año diseñé el proyecto para realizarlo en Córdoba. se ofende y me dice que no. pintura. Me contó que su novia lo había dejado por otro pero que él iba a esperarla hasta que el otro se muriera. Me explicó que él era bien macho pero que le gustaban las uñas pintadas y me pidió que le hiciera dibujos con todos los colores. elementos olvidados y gestos residuales de esta sociedad. Germán Díaz. Le pregunto por qué? Me dijo que yo estaba loca y que lo que hacía (señalándome los cancanes enganchados) era para un loquero. pero que eso no estaba bien. yo los invitaba a que hagan lo mismo. Yatana significa tejer en lengua Yagá de los aborígenes de Tierra del Fuego. que muchas mujeres tenían micosis por la humedad conservada en esa lycra. La red muta en un cuerpo múltiple y heterogéneo con memoria molecular adherida a su materia. performance y técnicos especialistas en sonido que capturaron las voces de cada mesa. Leni. Un jubilado se acerca y me dice que es una discriminación a los hombres. Andrés López. Inés Moyano y Rosendo Ruiz. El cancán deja de ser un fetiche para dar forma a una arquitextura colectiva. En el conjunto de esas fotos se puede observar una gran diversidad de rasgos muy distante del modelo de mujer que venden los kioscos. Formé un grupo con gente de cine. entonces el señor dijo que se retractaba de todo lo dicho y saludó a la cámara. una pareja de novios y otros más rompiendo y atando cancanes. o los maricas. Laura Colombo. Ma Ion-chi. En un momento hubo un señor de traje y corbata. Yo vestía la malla de danza rosa y cuidaba cada uno de los movimientos. Res. tonos autóctonos. Gina. Por las mañanas la mucama del hotel me veía rompiendo cancanes mientras me traía mangos jugosos. en los diálogos. La semana siguiente tejí el jardín interno del MARTE. le dije que tenía que pagarme con pantimedias rotas. Yamila Maionchi. también les hablé del cuarteto. teatro. El diálogo bastaba sólo con su mirada. Susana Pérez.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 18 ban del tango. Pilar Velasco. Alguien al paso le dijo que tenga cuidado porque lo estaban filmando para la televisión. A cada persona que participó se le hizo un retrato. Aún trabajo en la edición del material capturado. Ivana Altamirano. algunas los reciclaban para hacer plumeros que me regalaron y otras para cultivar orquídeas. Nicolás. En Murcia tenía una mesa en un camino del jardín Floridablanca. Alejandro Mandolini. Cada día durante dos semanas subía a meterme en el tiempo del bosque mientras desaparecía de la ciudad del fin del mundo. me contaron de sus trabajos donde les exigían usar pantimedias color natural. y evolutiva. Yamila Cardoso. Julia Tamagnini. Fue bueno haber modificado el transitar rutinario de los cordobeses. una nena de 5 años. . Ana Volonté. Paula Lussi. que luego me las traía. Alejandra Velasco.

por ser un llamado de atención hacia la globalización de las comunicaciones.600 fotogramas) la luz del sol al ocultarse da por resultado un lento y prolongado fade-out (fundido a negro). edición video: 1990). casi nocturna. la sorpresa: el cristal de un edificio vecino ha reflejado el último rayo del sol sobre nuestro campo de acción y de visión. Este objeto se llama YIWE y es un platillo que se usa para libaciones en el Nguillantún mapuche.y que forma parte de la biblioteca de la OEA). por el uso de la tecnología de punta. Corregir en cada plano la posición de la cámara. luego editada por Imagin Era –se presentó en el CAYC. mientras seguimos fotografiando a ritmo regular (son 3. y en la Web: por la necesidad del ritual comunitario de la comunicación. Alguna vez me preguntaron qué es lo indeterminado. con su multiplicación de formas simples. Esta obra es la continuidad de una investigación teórica que inicié en los ochenta en Chile (presentada en las jornadas por el 5º centenario en la Universidad de Córdoba. producen una ilusión coreográfica. NYC abril 2005. creo que es de gran importancia para mí: por el carácter técnico e ideológico en ese momento –5 meses antes de la caída de las torres gemelas–. la comunicación y el equilibrio mediante el ritual. De pronto. basada en el análisis semiótico de un objeto ceremonial de la cultura mapuche. “ Ofrenda” (film: 1978. la TV y la Web. todo se vuelve dorado. y desde allí éstos interactuaron por medio de un chat. con su multiplicación de formas simples.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 19 Entre el mapuche y la web Anahí Cáceres E l trabajo que elijo fue seleccionado para el proyecto “The Future of the Present” en la Fundación Franklin Fundace. en contraposición a los peligros del control global. lo fortuito en la captura de una secuencia de imágenes. a exponer sus razones Claudio Caldini dimensiones. Convocar al reino animal. Se manipuló una imagen virtual del objeto ritual (YIWE) simultáneamente y en tiempo real para los espectadores en el set. Fijado el diafragma. El juego de palabras alude a la necesidad de la comunicación comunitaria en la web. inédito en Argentina. a exponer sus razones. la relación de 19 . el encuadre. El tiempo parece suspendido. la distancia focal y el foco. Su nombre contiene conceptos del espacio. el tiempo. Aún sigue siendo uno de los fundamentos de mi obra actual. Este trabajo. Se fotografía cuadro a cuadro una sucesión de puntos de vista y detalles de un arbusto en plena floración: un ciclo culminante de margaritas. Los pétalos blancos persisten visibles en la película expuesta mucho más tiempo que el resto de la imagen: como en la retina. Se convoca al reino vegetal.nueva_r90_mayo-ok. La continuidad de forma y color. “YIWE-YIWEb” es una performance que hice en DCTV (Down Town Community Television Center en convenio con Franklin Fundace). En medio de esa intermitencia azulada.

Actualmente se trabaja con el material recolectado. y junto a esas plantas lo recuperaban un poco. Vendimos plantas y esas cosas. A fin de ese año. proyectada y pegada en diferentes dimensiones. Mezclar la vida misma con el lenguaje puro del arte Mariana Cerviño Quedó todo muy lindo. “Betül” se presentó en Estudio Abierto 2006 y en el proyecto Interfaces organizado por la Dirección de Artes Visuales de la Secretaría de Cultura de la Nación con el apoyo del Fondo Nacional de las Artes en Salta. Las fotografías registran los espacios en los “ cuales esta imagen fue transferida. ser en un espacio y un tiempo que.nueva_r90_mayo-ok. por sus creencias religiosas.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 20 Sólo en ausencia se recorre el espacio de lo prohibido Rodrigo Cañás Betül”. le está vedado. Me gustó ver esta relación entre mi mundo laboral. colgué en el patio unos dibujos geométricos que tenían un origen orgánico aunque perdido. la abstracción. ciudadana turca residente en Ankara). En el 2007 armamos con Fernanda Laguna un vivero en el patio. el archivo tuvo carácter colectivo y adquirió diferentes formatos. las plantas para vender. 20 . y antes justo de cerrar Belleza. “Líneas paralelas” aludía a dos universos que supuestamente son radicalmente distantes que se encontraban. El trabajo consistió en la fijación y posterior registro fotográfico de su imagen en lugares públicos. Desarrollé este proyecto a partir de una foto carnet que me regaló la modelo (Betül Ysik. El proyecto siguió la misma línea conceptual. bajo el cielo estrellado. como una manera de permitir a esa ausencia. E ligiría la muestra “Líneas paralelas se tocan”. Buenos Aires y Mendoza. y los cuadros colgando al lado. Y era como mezclar la vida misma con el lenguaje puro del arte.

una porción de vereda y parte de la calle. entonces. un documento material del proyecto y obra nueva.Luciana Lamothe . Las muestras se inauguraron en el exterior hasta la instancia de los Veedores. Materiales: paquetes vacíos de papel de calco (90 g. En el rol Parásito: Provisorio Permanente Leandro Tartaglia En el rol Veedores: Silvia Gurfein . Se inauguró vacía. Los Parásitos: Pueden involucrarse en el proceso en cualquier momento. donde el proyecto se trasladó a un cubo blanco suspendido del techo en el interior del local.30 x 6.Noelia Yagmourian . 21 . Descripción de la obra: un muro construido con los paquetes huecos de papel.Carlos Huffmann . en marzo de 2006. Cada artista desarrolla.Nancy Rojas. Sus trabajos se exhibieron a fin de año en el espacio interno del local. con el tiempo. Los Veedores: Producen obras que documentan subjetivamente el proceso global. fue en El Borde Arte Contemporáneo en 2003. Se produjo así un sistema de exhibición continuo. Este rol se cruza en un tiempo simultáneo con el sistema de exhibición continuo de Los Ventana. Los paquetes huecos de papel de calco se producen previamente para la construcción. se desenvuelve el paquete sacándole el ladrillo. donde las obras individuales formaron parte de una obra grupal. experimentando en esta instancia sobre la producción de registro. el papel de calco toma la forma del ladrillo y. Al finalizar este período no desmontó su obra. La Veeduría es un formato de exhibición que continúa trabajando en torno al cruce de obras. sobre un cubo blanco de 8 m3 suspendido del techo. en simultáneo.Miguel Mitlag . La construcción del muro se realizó con estos ladrillos que ya no están pero sí sus formas.Octavio Garabello Borus . con dimensión variable según el espacio a intervenir. En el cierre del proyecto la galería se transforma en un objeto concreto.Verónica Gómez .) con forma de ladrillo. Artistas que participaron de este proyecto: En el rol Ventana: Orilo Blandini . los Veedores y los Parásitos. sino que permaneció disponible para ser utilizada por el siguiente. la relación entre los Ventana y la intromisión de los Parásitos. Si lo consideran necesario pueden exigir un vernissage de emergencia. quedándose así la forma fiel al ladrillo aunque ya sin él adentro. Cada rol tuvo sus reglas. ya que cada paquete fue hecho envolviendo un ladrillo de verdad y.50m bloqueando un espacio de arte. sobre las obras o en torno a ellas. Una pared de formas puras Aili Chen Mis ladrillos” Técnica: instalación-intervención espacial. Todas las obras fueron proyectadas especialmente para este formato. y el proceso de la producción “ es manual y artesanal.Andrea Cavagnaro. que funciona como soporte para montar las obras.nueva_r90_mayo-ok. Alrededor de este espacio trabajaron doce artistas divididos en tres roles: los Ventana.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 21 La experiencia deformará las cosas para perder de vista los referentes Rosa Chancho R osa Chancho elige como obra “Proyecto Ventana”: Construimos una galería pintando con cal la ventana de la fachada. como primera intervención. Los Ventana: Cada artista intervino la galería durante un mes. y la construcción de un muro de 2.

no podía recordar cómo había llegado ahí. A través de la cámara sentí que surgía algo performático (susceptible de entrar entre comillas). están hechas con el interior de un teclado de computadora. y la cosa se fue armando has- Ser conscientes del potencial de lo que nos rodea Alfio Demestre U na pieza que grafica esta idea es una que realicé en el año 2000. vivimos en una ciudad muy sucia y poco educada y ciertas veces me preocupa poder sintetizar belleza de la basura y poder mostrar o demostrar que no somos demasiado conscientes del potencial de lo que nos rodea. una figura hecha en un material que se llama OLED (diodo electro lumínico orgánico). esta acción permite ver o traducir la energía del movimiento de una persona en luz. recurrente. cuando pude liberarme de esto y dedicarme al arte completamente tuve ganas de hacer un objeto que dejara ver la idea del desplazamiento temporal. el espectro que había quedado capturado en la cinta. Siempre. pero a su vez plenamente onírico y medio sagrado. Posteriormente surgió el trabajo de reensamblar lo ocurrido. Como en un sueño. una inconmensurabilidad desesperada. o casi siempre. mientras filmaba. fluyó un acto atípico. En algunos casos impera la necesidad de reciclar por una cuestión de concepto. algo como la insoportable inasibilidad y plena existencia de lo infinito siempre sucediendo-siempre por suceder. Otra cosa que he hecho y de alguna manera se acerca al mundo de las vestimentas o la moda son prendas de silicona. algo partícipe de lo real sin ficción. 22 el verde tiene un circuito integrado que se acciona con el movimiento y tiene una secuencia aleatoria. U na obra que tal vez represente algo de lo que me identifica conmigo mismo como posible artista sería “Lágrimas las del lente empañado”: inesperadamente. con un grupo de seres con forma de vaca que me interpelaban. trans-sustanciado en lo visto que nos mira. similar al de las pantallas de los teléfonos celulares. se llama reloj de marcación horaria fija y siempre marca más o menos la una. esta pequeña figura humana está conectada a un dinamo que al accionarse genera una corriente eléctrica que enciende el personaje en toda la superficie. una ficción de los tiempos de la vida en las ciudades.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 22 Aprehender al espectro capturado en la cinta Ciro del Barco ta que finalmente se disolvió nuevamente en la cotidianeidad. El propio yo irresoluto. Estas ideas u objetos están hechos con una cierta ironía ya que mucho tiempo trabajé de empleado atado al reloj y mis días eran bastante pesados. cargado de una inquietante extrañeza que me presentaba. Creo que mis trabajos siempre giran en torno a un sueño febril que tuve en la infancia. El otro reloj es fijo. Están hechos con unos antiguos indicadores del funcionamiento de una pc y cable plano. con una frecuencia siempre distinta y característica de cada individuo. .nueva_r90_mayo-ok. Una obsesión. Los relojes son una constante en mis objetos. un específico trastorno. también está hecho con descarte de unas computadoras. un encuentro sobrenatural. de alguna manera ostensiblemente visual.

aún hoy. el plan funcionó. los datos y las piezas que obtuve como resultado de esa primera etapa. Aún trabajo en ello. En una primera etapa. exposiciones colectivas. todas las características de obra que puedo referir como lo representativo de mis intereses y modos de accionar en el arte. En ese ámbito desarrollé. la gestión y la investigación Fabhio Di Camozzi nador externo para todo “HOTEL”. Belkys Scolamieri y Gustavo Blázquez). tres proyectos: una obra en formato videoperformance (con la coordinación interna de Soledad Sánchez Goldar). ponencias. la gestión y la investigación. Dentro de cada una de estas áreas hubo muestras parciales. En el 2007 recibí una beca del Fondo Nacional de las Artes para realizar un trabajo de posproducción de toda la información. En “HOTEL” la idea fue trabar una relación directa entre mi obra individual. una curaduría (con la asesoría en guión y montaje de Aníbal Buede) y una investigación de campo acerca del arte en Córdoba (con la coordinación general de Verónica Molas. de enero a diciembre del 2006. mesas redondas.nueva_r90_mayo-ok. conferencias. bajo el formato de una residencia que diseñé para alojarme durante doce meses en una Galería de Arte Contemporáneo en Córdoba. entonces. etc. Invité a Lucas Di Pascuale a ser mi coordi- 23 . charlas. Aunque estoy trabajando ahora en otro tipo de procesos. es este proyecto el que creo tiene. dentro de un único ámbito “de artista”.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 23 Entre la obra individual. S iento que la obra que más me representa en este momento es “HOTEL”.

el amor o lo que venga. un calidoscopio que muestra en su interior un video cuyas imágenes se multiplican infinitamente. Este personaje real esconde la esencia de los personajes de ficción de mis obras narrativas. Aquí figura la mano. lo que busco. como dice Horacio. o lo que sea. orden. Grabada en 1998 en video digital. una instalación de 3 proyecciones sobre poemas tallados en la pared que recorre la vida de un poeta argentino que vive por elección en la calle.nueva_r90_mayo-ok. Resume la poética y el sentido simbólico de mi obra. el ave. lleva implíci24 . es preciso que nuestra intención sea más o menos clara. porque acercamos mucho la sierpe al ave o el cordero al lobo. formando parte de una misma idea o visión. o las manos. Una poética. “Paralelo 46” es una de ellas. Trabajo y alivio la tensión acumulada. Se resuelve. Si es que sólo estamos frente a un espejo cuando pintamos. Película en video. Realizada conjuntamente con la agrupación Quilimbay en Comodoro Rivadavia. contraorden. Termina en París en donde siendo deportado muere trágicamente por abuso de fuerza de la policía fronteriza. y que de ningún modo está inerte. Con recursos básicos recupera el potencial ficcional del espacio urbano y del paisaje.30 m. Después. ficcionaliza dando sentido simbólico y metafórico a lo real (ficción documental). el cordero y el lobo Fermín Eguía ta la finalidad. y la técnica o modo la presenta. en los inicios de este formato. el trazo. potenciando y dando prioridad La sierpe. Póetica es muchas veces un propósito vago que debe atravesar los campos inertes que se le pegotean con la pereza. interrelacionándose. y convertida en entelequia. que éste refleje un mundo en el que todavía C reo que la poética es una cuestión intermedia entre la estricta praxis y la teoría.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 24 Recuperar el potencial ficcional de lo real Sebastián Díaz Morales a la idea más que a la forma ‘fílmica’. pero que logra plasmarse y concretar en figura. ni antes de que se opere sobre ella como tampoco después. pero es remozada por un nuevo hacer. “Escalera de huesos” es una escultura de 13 x 0. Al operar se piensa en la operación sobre lo que generalmente se llama materia inerte. No me importa aquí mencionarlo: es perfección a que nos guía la inteligencia. “Simulacrum”. se despliega con cadencia. de todos modos. contrarritmo. es un casorio entre la materia y el espíritu. ritmo. fantasma. casi largo con 56 minutos. como miembros que son míos desde hace hace tiempo y responden todavía a mi voluntad. la pincelada. Pero estos casamientos a veces son un bodrio. Trabajan. El rompecabezas casi imposible de rearmar conjuga el sentido de la realidad como un simulacro. inaugura una nueva forma de poder hacer narrativa dentro de la escasez de recursos. “NOWHERE”. Puedo pensar en varias obras que por su forma y estilo me representan y representan mejor esa idea. una reflexión sobre el hacer y que surge del hacer. En síntesis. Podría seguir… T odas las obras encuentran un punto de anclaje en las otras. el gusto.

elementos que exploro sistemáticamente en mi trabajo fotográfico. etc. Las cosas no son como las pinto. Finalmente vienen los secretos donde se guarda mucho de lo que desconocemos de nosotros mismos y configuran un estilo. El proceso de trabajo consiste en hacer tomas de una región geográfica en particular y luego re-construir ese paisaje. Bueno.nueva_r90_mayo-ok.23 m en la cual utilizo el recurso del fotomontaje digital para crear un paisaje que no existe en la realidad. debido a su formato extrapanorámico. Mi interés en el género del paisaje parte de la premisa que la naturaleza nos impone una constante elaboración de nuestra relación con el mundo y por lo tanto con nosotros mismos. puede ser pasajero. los componentes constitutivos del género paisaje como tal. El melancólico pesimismo que lamenta que no sean como se las pinta. más tarde o temprano se verá que no son como se las pinta. por las ramas del árbol de un delirio todavía no pintado y oigo que me dicen: “¡Te podés caer.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 25 estamos. códigos que se hacen visibles en las coordenadas de tiempo. habría que considerar si es benévola la intención de pintarlas. ¡Claro que puedo. y el paisaje en tanto construcción intelectual y sensible. si las cosas no fuesen como se las pinta. de reconstrucción visual de mi tránsito por la naturaleza. pero a la manera de un falso continuista. Pero dejo de disparatar sobre este tema y me encaramo más arriba. pero están pintadas. en contraposición a la ciudad) juegan un rol fundamental. Las fotografías de esta serie tienen. Después de todo. insensato!”. nos refleja entonces como individuo y como sociedad. donde la belleza y lo exótico (en el sentido de lejano. en el tiempo. tiempo que es recreado por el espectador al recorrerlas. que pertenece a la serie “Construcciones”. o como alguna vez fue- ron pintadas. Considerar que están pintadas como lucen en realidad es olvidar que existen porque están pintadas antes de que yo las pinte y para que las pinte. en una primera lectura. pero no sé cómo habría de caer de lo todavía no pintado! Reinventar el género del paisaje Andrea Elías Este tránsito se expresa también en cierto aspecto cinematográfico de estas fotografías que se despliegan. pavadas por el estilo. extraño. Sin embargo. 25 . E lijo “Construcción 11”. Es una fotografía de 2 x 0. espacio y movimiento. De este modo el paisaje es consecuencia de una percepción de la naturaleza que involucra códigos culturales específicos de nuestra contemporaneidad. cada fotografía ha sido compuesta con un trabajo de reestructuración.

Me acuerdo que sentía mucho odio (y lo sigo sintiendo) hacia los discursos marketine- Camuflaje: algo que siempre estuvo ahí Alejandro Fangi H oy diría que una obra que me representa es “Camuflaje” (Galería Appetite. sobre todo los sostenidos por las clases dirigentes de turno. Creo que ni siquiera la deben haber mirado con atención. Yo dije que sí. Me encanta pensar en mi caja de alfajores en el sótano del Palacio Ferreyra como un silencioso terrorista. M e gustó hacer la foto de la caja de alfajores vacía que representaba a Córdoba. en este caso dando idea de abandono. 26 . Las personas y los demás artistas que mostraron durante esos meses también modificaron esta obra. Después hice una toma de producto aburridísima (como debe ser) y la hice copiar a un tamaño considerable. El tiempo pasó a ser fundamental para esta obra. con fotos pixeladas de las gordas que se bañan en el Fantasio. La idea era saturar el espacio con este follaje para que el público se sintiera dentro del árbol o. atravesado por éste. obvio. octubre 2007 a febrero 2008). mejor dicho. ya que estuvo expuesta durante más de tres meses en los que la iluminación natural y artificial en este caso especial creaba modificaciones momentáneas relacionadas con las horas del día y sus estados climáticos. Con esta vista tuve en cuenta mis obras anteriores y decidí llenar ese espacio con hojas artificiales de tal forma que al entrar en ese lugar el espectador quedara rodeado o atravesado por el árbol o la naturaleza y así dar una sensación de invasión de la naturaleza que sugiriese descuido pero también resultara un cierto triunfo de la naturaleza sobre la creación del hombre. Lo gracioso es que presté la obra para la inauguración del Museo Caraffa (un acto improvisado y descaradamente propagandístico) y las autoridades me pidieron que la done a la colección. o algo que estuvo siempre ahí.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 26 Mi caja de alfajores como un silencioso terrorista Dolores Esteve ros pedorros que abundan en todos los ámbitos hoy en día. Fue divertido investigar el mercado de alfajores locales y elegir las cajas más berretas como modelo para construir la mía. Es una instalación-intervención en el patio trasero del lugar. desde donde se ve un árbol del vecino. ruinas.nueva_r90_mayo-ok. De ahí nació la idea de la obra.

La casa. con su puertita y su patiecito. rotos. Allí paso tiempo observando de qué manera la gente se abre camino atravesándolos. pasando por lo material Maximiliano Farber nalmente todo esto fue presentado en un show en vivo. como muchas.maxylowrey.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 27 De lo virtual a lo presencial. desdoblados. tan divorciada de toda funcionalidad pero casa al fin. Fi- Activar el riesgo desde el arte Marcos Figueroa E lijo una intervención que hice en 2007 en La Punta. y por alguna razón que luego entendí. ya que activaba en mí algunas ideas que habían permanecido guardadas y de alguna manera parecía ésta la oportunidad para realizarlas. La pieza fue escrita en colaboración por Maximiliano Farber y Lourdes Farall.com> (Maxylowrey – Dana Dolce). Para activar esos sentidos decidí atravesarla con ‘otra arquitectura’ de alambres de púas tensados y dispuestos en cuadrados regulares desconociendo sus límites de paredes y aberturas. En cuanto a su temática. “ La dieta de los Lowrey” (2007). la “historia oficial” de dos personajes creados en el blog <www. su cocinita y su bañito. Una serie de paisajes sonoros resonando desde una cinta magnética. retrata de algún modo el mundo que nos ha tocado vivir desde su lado más crudo y “under”. Su propuesta me pareció tan audaz como seductora. creció al margen de las ideas racionales de la modernidad pero que en definitiva fue moderna a pesar de. considerarla como objeto en sí y dejar que fuera ella misma la que se expresara desde su propia fisicalidad. Pensé entonces. a través de su presentación en vivo. Casa que a pesar de haber sido vaciada de muebles seguía contando sus historias. 27 . Todo empezó cuando Pablo Guiot me contó del lanzamiento de su proyecto. Elijo esta obra porque su proceso de producción me parece muy interesante. dentro de una provincia también pequeña. en el que ofrecían la casa –que alquilaban con Flavia y que hasta hace poco había sido su vivienda familiar– para la ejecución de trabajos que experimentaran con ella. “La dieta de los Lowrey” es principalmente un libro que desarrolla el género de autobiografía novelada. La obra realiza el siguiente recorrido: se origina en un espacio virtual (el blog).nueva_r90_mayo-ok. se transforma en algo material (un libro y un cd) y finalmente se vuelve presencial. afectados totalmente y se embarcan en una historia de consumo irrefrenable de cualquier tipo de sustancias y en algo que podríamos llamar una “historia de amor”. los alambrados forman parte de mi paisaje cotidiano. Casita que. ya que este trabajo está directamente relacionado con este espacio. tierras de cultivos donde vivo. El libro provocó la grabación de un soundtrack original que la acompañe. en vez de tratarla como conjunto de paredes donde exponer mis piezas. con sus historias de barrio periférico. Debo aclarar que en Los Nogales. Esa pequeña casita en esquina en forma de proa de barco. Meterme con su idea de arquitectura popular –que no reconoce ángulos rectos ni paredes planas– y con todo lo que ella implicaba. los dos personajes se encuentran totalmente fuera de sí.blogspot. a la que llamé “Topografías alteradas”. Pero antes debo hablar un poco de La Punta.

y un material lo suficientemente peligroso como para permanecer advertidos de su presencia. Es un mural digital donde le ofrecimos el espacio a la gente para que nos contara una historia. Conceptos que hoy se encuentran en plena re-significación. El arte debe hacernos pensar sin esfuerzo. política y socialmente. El arte debe hacernos reír y atrapar a la gente distraída. desnaturalizar el paso. mostrando cómo la vida es extremadamente interesante. nación. en un clima de tensión. límites.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 28 pensé en llevar esa realidad al espacio de La Punta. El punto de partida de esta obra fue pedirle a la gente del barrio donde iba a ser emplazada que nos mostrara su tela favorita (aquella que uno no pueda descartar por motivos afectivos) y nos contara la historia detrás del apego. El arte no debería ser la vanidad de nadie. dos lógicas diferentes que históricamente se encuentran mutuamente implicadas y que de alguna manera nos condicionan. El arte debe estar involucrado en causas valederas y ser un agente de cambio. El arte no debe ser instantáneamente reconocido como arte. Participaron 120 personas de todas las edades y muy variadas nacionalidades. El arte no debe subestimar a nadie. El arte debe hacernos olvidar lo que queremos y maravillarnos. El arte no debe hacer sentir a la gente que tiene que saber algo que no sabe para ser entendido. El arte debe estar cometido ideológica. El arte debe cuestionar su propia naturaleza. más que en museos o galerías. tensé una trama a una altura suficientemente incómoda como para interferir la circulación. 28 .nueva_r90_mayo-ok. En consecuencia. El arte no debe subestimar a nadie Patricio Forrester Fabric of Society (Trama Social)” es una obra participativa que llevó un año completar y fue terminada en septiembre de 2007. El arte nunca debería ser aburrido u oscurantista. Me interesaba poner a la gente en un lugar donde hay que re-pensar cada acción. casa. El arte debe formar parte del viaje al trabajo de todos. “ Mi visión del arte está descrita en este Man-if-est-O El arte debe estar en la calle sorprendiendo a la gente. El arte debe proveer nuevas conexiones y rutas de pensamiento. En “Topografías alteradas” de- cidí poner a dialogar. Fronteras. El arte debería andar por ahí. El arte debería ser siempre mejor que el artista que lo hizo. ciudad. pero también. El arte debe mostrar algo que entendamos todos. prestar atención a cada acto –aun los más cotidianos– y trabajar desde un concepto de arte que activara esa otra noción que es el riesgo. bordes. Nosotros fotografiamos las telas plegadas como si fueran cortinados y luego las ensamblamos digitalmente para producir una impresión en vinilo. Los límites suelen plantearnos diferentes reacciones. El arte debe ser valiente y ocasionalmente sutil.

y muchas preguntas relacionadas con la noción de “ tiempo. Porque es una obra silenciosa en el medio de muchas obras mías con muchas palabras. visualmente muy potentes. Rejas cargadas de una violencia calma Mauro Giaconi E lijo “Mural Alambrado”. la urgencia por asir imágenes de mi alrededor para comprender. Videoinstalación de dos canales. versión en instalación del video “VACÍO”. Posteriormente pegué las hojas desde el borde superior sobre la pared. llegó a formar un alambrado de casi 8 metros de longitud. Su presencia implica un límite. “INTEMPERIE” propone un tiempo diferente y cuestiona el concepto de vacío. fue una muestra de una sola obra y estuvo colgada en la pared que impide la vista al río. sin tener un límite preciso o pautado. 2005-2006. ¿Qué es lo que pasa cuando nada pasa? Gabriela Golder INTEMPERIE”. El enrejado que fue creciendo hacia los lados y. la canción de cuna que me cantaba cuando era bebé. todo pasa. sino el movimiento que éste pueda generar en quien la mira.nueva_r90_mayo-ok. Silenciosas. alguien encerrado.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 29 Más allá del cuadro Margarita García Faure Río pintura” es una de mis últimas pinturas. en ruso. caprichosos. dice Proudhon. translúcidas y cargadas de una violencia calma y paciente. superponiéndolas y haciéndolas coincidir. El desafío de pintar un gran cuadro donde la vibración de los colores esté en clave baja y donde no todo lo pintado sea visto de buenas a primeras es algo que busco desde hace muchos años. cantándome. la necesidad de tiempo. Acá hay silencio. La mostré en el Macro en 2008. una división. las rejas nos encierran cada vez más. “ Me interesa mucho la idea de hacer una pintura recorrible donde la composición interna del cuadro no sea tal vez lo más importante. sonidos. Es un mural de 500 hojas de libros viejos. algo está siendo protegido. “¡La propiedad es un robo!”. Nada pasa. Son 10 metros de óleo del color del río Paraná sobre los que punteé y punteé colores sumergidos en el río. casi imperceptible. al final. Las rejas son objetos ambiguos. en cada una realicé con grafito el mismo módulo: una imagen de una reja de alambrado. un volver a mí. Los animales 29 . ¿Qué es lo que pasa cuando nada pasa? La obra es larga. Porque se escucha a mi papá. las otras tres paredes estaban desnudas. separado de un mundo al cual se pertenece o no.

Las imágenes fueron producidas durante 4 días. Pero no derramar es imposible… y me derramo con el agua. La misma se llevó a cabo en el espacio público. la entrada y salida de los animales a escena (obviamente. el viento sopla.. Un diálogo entre movimiento y quietud. Se trata de una acción de la cual ha quedado registro fotográfico y videográfico. como elemento extraño.. el mundo no se detiene.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 30 se desplazan. que resolví estuviera contenida en una palangana (de aluminio). las vacas circulan. en espejos y vidrios empañados. La banda de audio está producida con toma directa de los sonidos del lugar. Mis manos sostienen firmemente una palangana llena de agua.nueva_r90_mayo-ok. por oposición a la actitud habitual del transeúnte. los pájaros cantan. Tucumán). Esa fue la imagen de partida. Pero. luego como soporte. en Ohio. intentando dibujar en el agua y posteriormente como material de dibujo sobre papel y sobre el piso (baldosas cerámicas). en el año 2002. específicamente para la construcción de la acción. decidida por ellos). como metáfora de mi vida cotidiana (como la de muchas personas). Creo que en primera instancia pensé en esa acción al imaginarla en la calle. 30 . El nombre de la pieza está vinculado a una situación de “autorretrato”: soy yo tratando de mantener el equilibrio. mirando al mundo. el líquido fue el agua. Luego fue emergiendo “el autorretrato”: yo corriendo. se sumó una imagen que se me presentó como si fuera una fotografía: unos pies que se mojaban por un líquido que caía. El piso es mudo testigo de lo inevitable: el líquido caído deja una huella tras de mí. La acción de “correr”. El mismo se dio como paso natural de una serie de piezas que formaban parte de una investigación. Los pies pasaron a ser “mis pies”. “Derramarme” fue presentada como proyecto a ser concretado en el marco de un taller para el que fui seleccionada (Producción artística y contextos de producción – Trama. Salvo en el último plano. de 5 a 8 de la mañana en un campo en Mercedes. yo siempre estuve detrás de la cámara. La obra fue presentada en la muestra Denegri/Golder/Rivas en Fundación Telefónica. La postproducción se realizó en el Wexner Center for the Arts. EEUU. La fotografía dio cuenta de todo este proceso. Mismo si estamos inmóviles. Lo dramático de cada gota derramada Geli González C reo que una de las obras que mejor me representa es “Derramarme”. Intento que ésta no caiga. En dicha acción corro. otro pájaro vuela. En cuanto al proceso de producción. La cámara siempre estuvo fija. Los animales entraban y salían de es- cena y el tiempo de cada toma estaba dado por esto. y al mismo tiempo esforzándome para que el agua no derrame. más amplia. En ese campo de trabajo el agua constituyó uno de los materiales “estudiados”: primero como vapor. La tensión ante tal esfuerzo torna dramática cada gota que desborda. en torno a los límites de lo visible. una vereda en la ciudad de San Miguel de Tucumán. del cual entiendo queda evidenciado el protagonismo de la acción.

Fundada en un tema. La etapa posterior sucede como si fuera un director de un set. Elijo dichos aspectos por considerarlos relevantes en términos de empatía. que la obra se maneje con reglas que le sean propias. En una primera instancia. Continuar una fábula Fusión de técnicas para la pura reflexión Vicente Grondona L a obra que elijo se llama “67 kilos de carbón de quebracho rojo y blanco”. madera. punto de cruce entre matriz autobiográfica (mi infancia y adolescencia transcurrieron dentro. otras aparece primero la forma y luego el color. en tanto que la brea líquida atempera mis actos y luego la pulimentación. La idea es expandir la ficción realizada “República de los Niños” hasta que sea otra ficción realizada. Es una estatua de una mujer. Y salir a caminar buscando levedad. Las especulaciones que este mito auspicia me dan vértigo. proyectarla fuera de sí por otros medios. La dimensión estética del lugar hoy en día. En cuanto al método de producción. lo que es importante. La considero relevante. obra. Mi experiencia en relación al lugar. memoria. Me interesa la naturaleza de la relación entre la realidad y lo representado. elijo el motivo. es como abrirse camino entre humo y sonidos. La conjunción de conceptos fundacionales –esparcimiento creativo en un mundo de sueños y cuentos ligados a la infancia y el aprender a ejercer los derechos y obligaciones que en todo país democrático poseen los ciudadanos– y la peculiar toma de partido al plasmarlos. sugiere relaciones. tanto en relación al método de producción como a la elección de un tema. que dirige actores mal pagos que deben posar para un cuadro mientras recuerdan algo importante o estúpido. posibilidades. una autopista y me dispongo a trabajar sobre la tela directamente. Las metáforas del proceso se presentan múltiples. la talla o la resta. identidad. E lijo “la balada de la autopista”. Algo indeterminado.. El tema es la República de los Niños.nueva_r90_mayo-ok..qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 31 Que la obra se maneje con reglas que le sean propias Mariano Grassi mediante otras. da igual. lo que no lo es. Como dentro de un tablero de juego que establece parámetros. Percepción del entorno inmediato. con algunos objetos de utilería y un fondo pintado. A veces cierto acorde cromático me sugiere una forma. a través y alrededor de este predio) y modelo público de construcción de una realidad. Reflexionar acerca de las posibilidades. fusión de técnicas: seca y húmeda. carbón y brea pulida espejada. 31 . falibilidad y alcances de la representación de una experiencia. Forma parte de la escultura “l’homme miroir”. o como raspar una tarjeta y descubrir una clave de números. lo que tiene sentido. todo estado de pura reflexión y claridad sobre los asuntos. intereses personales o importancia práctica. con otros fines. Hago hincapié en ciertos aspectos específicos: Disney toma la República de los Niños como referencia directa para la creación de Disneylandia. fomentan mi impulsión.

hasta hoy. y reviéndola ahora. más unas que otras. Iba a elegir el “Jardín filosófico”. el uso del material connotado. y con la sensación de que está por suceder algo un poco más acá o allá de la superficie. la acción adquiere su potencial artisticidad y se transforma en obra y el artista. como una obra bastante anterior y fundacional de mis intereses. De esta manera. de imagen pre-hecha. en su absoluta exposición. pero “Arrojado al vacío” es una obra que me representa bastante.nueva_r90_mayo-ok. Cuando llego a la calle Libertad pregunto si ésta es la libertad. La búsqueda está concentrada en provocar en la gente el gesto certero que señala la libertad de un alto valor utópico. lo vi y lo pensé como un autorretrato que graficaba mi sensación de mi vida en caída libre (tomé el rayado del dibujo de la madera como un efecto de movimiento o velocidad). y esto está acentuado con la idea que lo que sucede en uno repercute en el otro. a partir de entonces. y que en nuestro contexto geográfico e histórico genera tanta tensión. El nivel de importancia del registro del material y de la fantasía es similar y se terminan uniendo. unidos en la superficie Miguel Harte ción madera como fondo) es paralela a la de la narración del tema (la imagen congelada de un cuerpo cayendo en velocidad). en la superficie. desaparece en el mundo cotidiano. mi obra terminaría moviéndose con más comodidad. el collage. Para esta búsqueda. pregunto a la gente en la calle por la libertad y la gente me señala indicándome cómo llegar a la calle “ que lleva por nombre aquella palabra/concepto. planteé un interrogante equivocado que obtiene una respuesta también equivocada. En este cuadro se produce algo que me interesó más claramente a partir de entonces: el hecho de que la importancia del material por sí mismo (el papel contact imita32 . acrílico y papel adhesivo contact imitación madera sobre papel adhesivo contact. al principio inesperadamente humano y últimamente más bien extraño. cuando me dicen que sí. también imitación (otra) madera. El registro del material y el de la fantasía. reforzaron mi intención de capturar y guiar la mirada del es- P ensé en varias obras posibles que creo me representan por diferentes cosas. seguro que es también más abarcadora. el cuerpo del personaje que cae está agujereado y detrás de él lo mismo le sucede al fondo (con la idea que a través de éstos se termina encontrando la pared). En aquel momento. mide 105 x 65 cm y es del año 1988. mezclando. un objeto del año 1997.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 32 Lo utópico como ejercicio cotidiano Jorge Gutiérrez La búsqueda de la Libertad”. Por otro lado este tipo de operaciones visuales. Señalaba ahí a la superficie de esta manera como el lugar en el que. La búsqueda del gesto utópico como ejercicio cotidiano y las influencias del contexto o mejor aun de la calle como escenario de la acción cotidiana dieron como resultado “la búsqueda de la libertad”. que para mí es el más emblemático. Es una pintura. Materiales industriales señalados con un detalle emotivo. me quedo (con) una hora de libertad. montado en un hardboard. lo hice.

Tiré los papeles sobre las hojas. yo sólo pensaba en el contraste de ellas. la última no tiene nada escrito y es la que aglutina más protuberancias. era mediodía y de repente veo que viene el barrendero municipal juntando hojas. respetando y mezclando únicamente lo que escribí durante este período. materialismo y narrativa y el interés con lo que sucedía en la superficie de las cosas. 33 . cada bolso tenía muchísimas bolsas de supermercado donde había separado en cada una un color de papel diferente. las hojas secas amarillentas y mis papeles de colores. le pregunté si no le molestaba posar para mí. el texto de tres renglones con pintura relieve bien separada del fondo tiene letras color crema. es la primera vez que le pongo nombre a una obra. Siempre trabajé con el interior. Y dije: ¡ya está! Corrí hacia él. El soporte es una caja invertida donde hice y deshice montículos y construcciones de madera para luego taparlas y moldearlas con las franjas de vinilo que en definitiva son tres. El texto. Cinco semanas de observación y reflexión Guillermo Iuso T omo como ejemplo de mi trabajo una obra de este año (2008) que no lleva título. le encantó la idea. Como me sucede habitualmente. Adoro el proceso. El proceso. veo que la desintegración que yo sentía que vivía por entonces a la vez estaba siendo acompañada por la integración de estas partes en mi obra.nueva_r90_mayo-ok. Mide 39 x 53 x 12 cm. Sabía que quería mezclarlos con otros objetos pero no sabía con cuáles.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 33 pectador. En la franja carmín. nunca con el exterior. algo que a lo largo de los años me fue y sigue redefiniendo. Fue en el invierno de 2008. el contenido del relato me obligó a modificar varios aspectos formales de la obra. fondo con figura. y está compuesta por dos textos ubicados cada uno en una franja de vinilo horizontal. No pasaba nada. Después de tanto tiempo. me tiré en el pasto. Me impactaron sus botas oscuras. esta vez quise contar una historia y mostrar todo lo que queda afuera. me senté debajo de un árbol y me quedé esperando que pasara algo. era un día hermoso y la luz perfecta. salí con dos bolsos de viaje llenos de papeles de colores cortados en tiritas. Elegí algunos colores. o la decisión de qué relato le corresponde a esta estructura terminada. se llama “descarte”. una carmín lisa y otra plateada igual al fuselaje de los aviones de American Airlines. llegó después de cinco semanas de mirarla y pensarla a cada rato. mezclé todo. mientras que en la franja plateada las letras son rojas abrillantadas con un relieve aun mayor. el azar y lo inesperado María Julia Iglesias E lijo la última foto que hice. el azar y lo inesperado. Me crucé a la plaza enfrente de mi casa.

qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 34 Pintar (ser) de muchas maneras diferentes Catalina León esos escombros el terreno perfecto para metamorfosearme. L a obra que elijo es la instalación de escombros que mostré en Alberto Sendrós Galería de Arte en el 2004 y luego vendí en la verdulería La Granja de Almagro. Es para mí una obra matriz.nueva_r90_mayo-ok. Ser una y múltiple a la vez. para poder pintar (ser) de muchas maneras diferentes y poder a su vez hacerlas convivir como un todo. Y siento que de algún modo esa obra es una fuente a la que siempre vuelvo para encontrarme con algo nuevo. Era algo así como un río o manto de escombros de durlock pintados. Encontré en 34 .

trabajo con una variedad de fuentes y realidades y las relaciones entre ellas. con suerte. La necesidad es una urgencia. Es el único parámetro para mí. La Plata. las cosas de mi vida que se mueven a partir del trabajo. Si bien parto de una idea inicial. Mi trabajo siempre se inicia por impulso y por necesidad. sacarla. Durante un año visité semanalmente el lugar para fotografiar a las mujeres que están presas con sus hijos.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 35 Hay que trascender el yo.nueva_r90_mayo-ok. Hay que olvidarlo. de pronto. y de encontrarle su lugar a cada imagen. mis sueños. Más que componer. en 1992. esto se manifestaba de tres maneras: estrategias de instalación que suponían colgar muchas pinturas y la manera cómo interactuaban. reconstruirla. me vayan llevando. Pero es como si se desencadenara el proceso o la actitud. Hay que trascender el yo.. Leica M6. No creo en la página en blanco. cobra sentido al final. para fundirse con lo que se está viendo. como si el detonante estuviera adentro. Esta fotografía forma parte de la serie que realicé en la cárcel n° 8 de Los Hornos. de poder desprenderse de todo lo que no es esencial. como la sanación. Adriana Lestido atrapar una imagen interna.. A veces comparo la fotografía con la escultura: encontrar la forma dentro de un bloque de piedra. Es ahí donde surge el impulso o la necesidad. Cuando estoy fotografiando. Toma Directa. trato de estar abierta para que las situaciones por las que voy pasando. Creo en la necesidad y nada más. Fotografía realizada en la cárcel n° 8 de Los Hornos. En un principio. no soy consciente. entre 1991 y 1993. Todo es un gran trabajo de síntesis. un trabajo es una forma de conocimiento. Fotografiar es reconocer esa imagen interna que la originó. Es necesario perderse para ser lo que se está mirando. La Plata. la relación con los fotografiados. Por lo general. Y fotografío. un acercamiento a algo desconocido y. Pongo la atención en algo. El blanco está cargado de cosas. Que la creación baje como la enseñanza. 50 x 33 cm. El tema es cómo encontrarla. Para mí. cuando en un tema o situación siento con fuerza que se juega algo mío o que hay algo que necesito comprender o encontrar. Creo que el artista no es un verdadero creador cuando el yo está presente en la obra. me vayan revelando algo. Y en ese mirar. ordena un impulso que quiere Una explosión radical de cualquier totalidad posible Mariana López D esde el principio. No es que yo estoy ahí y digo acá hay algo. Siento que la imagen ya está armada de cierta manera en el interior. empiezan a venir otras imágenes. Hay que olvidarlo. trataba de fragmentar cada pin35 . Que aquello que haya visto vaya más allá de mí. Miro algo. limpiar me ayuda a entender hacia dónde voy. qué es lo que estoy tratando de ver. I magen de la serie “Mujeres presas” 1991/93 Gelatina de plata. lente Leite Summicron.

otras pinturas? De la misma forma yuxtapongo distintos momentos históricos para crear confusión sobre la naturaleza de la historia. Lo que más me interesa de ellas es que son irreproducibles.nueva_r90_mayo-ok. De hecho. es una explosión radical de cualquier totalidad posible. casi sola. “María Antonieta”. También me gustó mucho hacer y me identificó mucho. El bastidor ya tenía el chorreado de témpera verde flúo.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 36 tura por la proximidad con la otra. Toda la serie “costuras de estación” me representa también. a las cuales les coso stickers de personajes de cartoon que me regalan mis amigos. surgió de forma azarosa y despreocupada un día que ordenaba mi casa. Segundo. pongo piezas juntas en un bastidor. ¿Pertenecen a revistas. Y sobre mi escritorio siempre hay lápices negros porque con ellos escribo la mesa y las paredes intermitentemente con frases de los libros que leo y las canciones que escucho. Estoy interesada en colapsar distintos períodos históricos y medios. bastó con el impulso de escribir para que la obra se cuelgue. Tenía ese bastidor porque me había sobrado de una instalación que hice en el Hospital Tobar García. Armamos una instalación de conejos con hilos desplegados sobre pasto y rosales que simulaban un cementerio muy raro… 36 . fotogramas congelados de películas. espero. Por lo general es difícil notar de dónde provienen las imágenes elegidas. pero el objetivo. Consiste en fotos de estaciones de transportes públicos que tomo cuando viajo. la escena en sí misma parece generar la pregunta “¿Por qué decidió pintar esto?” Los momentos capturados pueden ser banales o dramáticos y la pintura no te deja ver de cuál se trata. Por ejemplo. en la puerta de mi casa. un elemento en la decoración que parece sospechoso. “cuidado con las espinas” junto al colectivo que formamos con Eugenia Linares. Figuras que no estarían posando. no puedo volver a repetir el patrón de las costuras que les realizo ni puedo saber cuál va a ser el protagonista de la siguiente imagen porque no sé con qué sobre de sticker me van a agasajar. Recientemente he hecho lo que llamo universos caóticos pero obsesivamente con- trolados. Irónicamente creo este efecto de explosión haciendo uso del modo tradicional del collage y la composición. Tres. yo ponía elementos que escondidamente interrogaban la integridad de la escena representada. Patrones irreproducibles Tamara López L a obra que más me representa es una pintura que hice hace dos o tres años que se llama “todavía no sé lo que pienso”. dentro de pinturas que describían una misma escena mimética.

donde decidí superponer diferentes recursos pictóricos. Me interesó trabajar esta expansión como una necesidad que venía genuinamente desde el dibujo y no como una imposición condicionada por parte del espacio para con la obra. lo más actual es lo que siento más cercano y significativo. resulta muy interesante el hecho de que por una cuestión de necesidad de llegar a todos los rincones del edificio con la prédica. Construí algo que yo decidí llamar un mural de papel. que por su particular arquitectura desarrollan ambientes acústicos muy particulares. La obra está trabajada con materiales varios que me permitieron alternar entre el dibujo y la pintura. Esta obra se encuentra enmarcada dentro de lo que llamamos Ruidismo. Las imágenes que aparecen en este mural tienen que ver con el paisaje como una escenografía mental. Fui trabajando dentro de pequeños sectores. Aunque siempre por un tema temporal. Construí imágenes que funcionaban en el conjunto como también en su individualidad. el dibujo y las imágenes se fueron expandiendo hacia algunas zonas de la pa- La iglesia como caja de resonancia Luis Marte Templos”. Las tomas son realizadas en el ambiente donde la estructura del lugar actúa como un instrumento en sí mismo. E n algún momento. En esta obra se plantea el relevamiento sonoro de iglesias construidas previamente al siglo XIX. una vez tomados y escu- “ chados. dado que se refiere a la visión sonora de los ambientes de iglesias. son procesados mediante procesos electrónicos. que se presentan desde diversos puntos de vista. “Templos” es una obra donde los espacios son muy importantes. Como si el lejos y el cerca compitieran en el mismo plano a pesar de constituirse como distancias opuestas. se convertían en un método de amplificación. cada obra que hice me representó de un modo u otro. Estos ambientes.nueva_r90_mayo-ok. Trabajé con varios fragmentos de papel. El último trabajo que hice para la muestra Viaje a través de un sombrío paisaje en las afueras de la ciudad es un buen ejemplo. hecho realidad. intenté apropiarme y adaptarme a un espacio que tenía una fisonomía bastante particular. A través del dibujo y de la pintura. que fui ensamblando y encastrando hasta formar una pieza de formato mayor. son representaciones simbólicas de algo así como la idea de un lugar en el mundo. Este juego entre lo particular y lo general también se puede leer en las imágenes. 37 .qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 37 Que la obra juegue entre lo particular y lo general Gimena Macri red. A su vez. una caja de resonancia y sus matices con texturas particulares más las irrupciones naturales de la actividad cotidiana. Algunos desniveles en la pared e imperfecciones me permitieron jugar un poco con la idea de que aquellos obstáculos se tornasen compatibles con la idea original de mi trabajo.

perdido. se escucha como un consejo. Trabajo en la oscuridad con la única luz . en un estado de atento equilibrio entre las yemas de los dedos.50m x 2m. “Bar” se trata de dos hombres solos con el torso desnudo en un bar muy colorido. la punta del lápiz y el papel. donde la intuición y la improvisación fueron los motores que terminaron definiendo la idea y la escena. Lo más interesante de esta imagen fue el disfrutar el proceso creativo. Después de años de tratar fotografía. Lambda Print sobre acrílico. en la que incluyo tanto el papel seleccionado como el lápiz (duro HB y B). Muy suavemente la lí38 nea comienza a recorrerlo. “Shadow of Doubt” es la fotografía digital de una proyección de video arriba de un óleo sobre tela. pintura y video como medios distintos he finalmente logrado vencer ese prejuicio literalmente fundiendo los tres en una sola imagen. Comienzo el trabajo con una planificación meticulosa. pensativo. 100”. El primero sentado. Este obra me interesa particularmente porque representa una etapa importante para el desarrollo de mi traba- “ jo. Sólo me detengo para afilar el lápiz. Km. un dibujo a lápiz sobre papel de 1. hasta el más mínimo detalle. Busco una línea precisa y fina que defina la imagen que se va resolviendo. Una imagen se dispara y a partir de allí exploro en el papel. lo abraza mientras algo le dice al oído. pero lo tienta permanentemente. 2006.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 38 Técnicas fundidas. Sentir sin pensar demasiado. Es casi como su inconsciente representado en la realidad. Una obra que pertenece a mi próxima serie “Lima. como una aguja. 100 x 100 cm. Todo lo que veo es verdad. “ Intento traer micromundos olvidados Mónica Millán Elijo la obra “Si gano mucho como mucho si gano poco como poco”. sólo hacerlo desde el estómago y disfrutar al máximo cada instante de producción. sin pensar demasiado Gaby Messina Bar”. prejuicios olvidados Sebastiano Mauri Shadow of Doubt”. todo lo contrario. no sabemos si será una influencia buena o mala. que presentaré en el 2009.nueva_r90_mayo-ok. inseguro. El segundo. Sentir desde el estómago.

Unos estampados descartables para ser usados sobre remeras y luego regalados. el erotismo y el ritual. En esta obra realicé una síntesis de lo que venía trabajando en materia pictórica pero trasladada al espacio real. una instalación que hice en Belleza y Felicidad en el año 2003.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 39 del proyector. entre otros: . mis máximas de trabajo eran: ¡¡¡La vanguardia consiste en hacer primero lo que ya se hizo!!! 2. Por ese entonces.Una pared corregida con Liquid Paper®. el nacimiento.Un autógrafo gigante de la cantante electroclash Peaches en chicle globo sobre pared. Medida: 390 x 360 cm.nueva_r90_mayo-ok. Desde una situación de profunda calma. Elijo. .Un TV sucio de polvo con el logo de MTV escrito a dedo sobre la pantalla. La mutación de las formas en la muerte. en base a una recolección de ilustraciones de naturalistas de siglos pasados. ¡Esto lo podría haber hecho mi hijo! Ariel Mora C reo que de una u otra manera todas mis obras me representan. en base a slides que tomo durante diferentes viajes y expediciones. . el erotismo y el ritual Tadeo Muleiro fluenciada por la morfología de la iconografía precolombina americana y con la mutación de la forma que se genera en instancias como la muerte.La palabra “punk” cortada en letras de telgopor y forradas con papel de los Teletubbies (Dios salve a Pombo).Un enorme y caótico collage bombardea- do por logotipos fluorescentes de la revista 13/20 (emblema de los jóvenes de principios de los noventa). silencio y concentración intento traer micromundos que están olvidados y que exigen una lectura muy lenta. . También. “¡Esto lo podría haber hecho mi hijo!” (mi halago preferido… ¿hay algo más pop que aquello que podemos hacer todos?). . . . Año: 2006. . Este trabajo y toda mi obra está in- . hilo. por una cuestión afectiva. pintura acrílica. y que consistía en una serie de objetos y acciones realizadas desde el año 1996 que incluía.Una pareja de muñequitos de cinta de cassette de audio.Una pulsera de tachas fotocopiada y ampliada a cuatro metros. tanza. “Papá y mamá” es una escultura realizada en tela. La realización de este trabajo me llevó un 39 O bra: “Papá y mamá” Técnica: tela rellena. el nacimiento.

Me interesa aquello que produce extrañeza en la percepción del espectador. Sí puedo citar mis preocupaciones a la hora de producir. entre el adentro y el afuera. en la lectura de la imagen. me permitió desarrollar una obra en la cual el espectador pudiese involucrarse activamente con el trabajo.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 40 año de producción. y desde ahí trabajo en la deconstrucción y construcción de la imagen. la anamorfosis. la tela. los espejos. conformando el espacio en distintas capas y perspectivas. en la que la estimulación de los sentidos generada por el color y por un material sensible remitiese a lo lúdico y a lo orgánico. fotografía e instalación. también como fin. los reflejos.nueva_r90_mayo-ok. Me propongo crear tensión en el límite entre lo real y lo virtual. Para conseguirlo utilizo varios recursos: las distorsiones. 40 . Cuando pinto tomo una foto o varias como disparador. Siempre tomo como punto de partida a la fotografía. y la combinación entre ellos. En el límite entre lo real y lo virtual Diego Mur S e me hace difícil elegir una sola obra que me represente ya que uso varios medios: pintura. La elección del material fue decisiva en su construcción. como soporte blando. aunque debo aclarar que no sólo como medio.

Con algunos compañeros colaboramos con un “merendero” donde los chicos de Constitución podían ir a comer algo y tomar la leche. La no presencia del alimento se concreta a través de la “evocación por ausencia”. el texto (en el mantel y volante). puesta por escrito.nueva_r90_mayo-ok. un mantel que la cubría y sobre ella: 110 platos blancos. Y es allí donde la obra. platos) en el gesto cotidiano de “preparar la mesa” para el momento rutinario de satisfacción de la necesidad básica: alimentarse. La combinación de elementos habituales (mesa. si no es ahora. el objeto estético expuesto en la calle sufre un intenso proceso de transformación a través de la palabra. de los chicos y del autor fuimos a la pesca de ayuda. Fue una de las pocas obras que pude hacer durante la crisis después de diciembre de 2001. que provenían de adultos.. expuse este paisaje con número telefónico. 110 textos iguales (impresos sobre el mantel) y 110 fibrones negros al lado de cada plato. jóvenes y niños que develan o evidencian lo que en cualquier trama social hay de enmascarado o subterráneo. en el juego con el resto de elementos de la obra. llevándose además comida para su casa. la bronca y la decepción colectiva plasmadas en la mesa nos alertan del sólido vehículo del arte como expresión simbólica para sostener demandas cuando las vías políticas se clausuran. Y la conseguimos generosa de mucha gente (entre ella León Ferrari lo cual cerraba perfectamente la hipótesis) gracias a la cual el merendero tuvo la provisión de gas y alimentos necesarios hasta su cierre por falta de necesidad un par de años más tarde. Resonancias: Registramos unos 1800 textos en total. La dimensión de la mesa. social.. 55 metros de largo. lo que convierte la imagen en denuncia e interrogación. para que la gente conociera y pudiera colaborar. aun de esta forma urgente y simple. Con dicha hipótesis y el reflejo en la obra de la triple experiencia sobre el merendero. Estaba armado en unos contenedores que conseguimos y tenía un horno donde se hacía pan y pizzas. abierta. El texto: “Yo me pregunto. Otros elementos de sentido en la obra: el espacio social (simbólico y material) que la sostiene. 41 .qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 41 Hablar de lo ausente Sandra Mutal I ntervención urbana: “la mesa” del colectivo Urbomaquia. Finales del 2001: Inestabilidad económica. Se generaron instancias de debate y fuertes discusiones entre la gente. mantel. Contradecir así el principio de Álvarez según Siquier de que “nunca una pintura de Berni le dio de comer una sopa a un chico”. Cuando el arte sí puede dar de comer Daniel Ontiveros “ El merendero”. Ante la posibilidad de una muestra gourmet-colectiva en el Centro Recoleta. loqueros. institucional. se muestra como una trama de lenguajes heterogéneos para hablar de lo ausente. La frustración.. con la hipótesis de la “utilidad del arte”. de la cocinera y organizadora. ¿cuándo se pierde el juicio?” Todos los elementos hacen de la mesa un espacio de respuesta. y la disposición y repetición de elementos. Esta obra tuvo amplia difusión en los medios de comunicación tanto en la televisión como en los diarios locales y nacionales.. y es justamente lo ausente. cual publicidad de “llame ya”.

qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 42 No me interesa la instantaneidad sino construir la forma Laura Ortego miento. Formalmente. no a los colegas. tratando de superar la contradicción que supone criticar el funcionamiento de la institución-arte haciendo obra y exhibiéndola como tal. que no considero una obra. la construcción de la identidad. Me identifica porque ahí veo condensadas las cosas que me motivan: Las relaciones inquietantes entre el sujeto y el espacio. Las obras derivadas dialogaban con las obras “originales” en la misma sala. de ensayo con esas ideas. y eso tenía especial sentido en ese marco. La delimitación entre “simple copia” y “obra derivada” se resolvía en la propuesta de la licencia. La nena posa acurrucada contra el suelo. no me interesa la instantaneidad sino construir la toma. El proceso de producción fue básicamente tomar algunas decisiones sobre la implementación del experimento. una idea. sino más bien un experimento sobre la autoría. sublime. ciertas reglas que impuse a los artistas (que la obra fuera objetual y preferiblemente para colgar. E lijo una foto sin título de la serie de “nenas II”. o bien. iluminada puntualmente. hecha desde una institución canónica: el Museo de Bellas Artes. ensamblando piezas: dejé que el fondo. ocupara gran parte del encuadre. donde se supone que aspiramos a ser reconocidos en nuestra originalidad. por pedido mío también. Su formato es.. 42 . no todos los participantes comprendieron qué era una “obra derivada”). representa lo que me interesa actualmente de las prácticas artísticas: llegar a alguna especie de equilibrio o coherencia entre forma y concepto. el género femenino. La infancia: el creci- Preguntarse sobre la autoría Lila Pagola E l proyecto “Derivadas”.. El tema del trabajo es la pregunta sobre la autoría. a veces amenazante. con un vestido blanco.nueva_r90_mayo-ok. en penumbras. porque se iba a mostrar en un museo) y otras que dejé sin especificar (por ejemplo. si el procedimiento es la cita. ésta se hace a los clásicos. Este proyecto es contingente respecto de ciertas discusiones acerca de la cultura libre y la redefinición de la idea de autor que propone: una suerte de diálogo en forma de experiencia. La naturaleza infinita. porque a partir de una propuesta mía un grupo de artistas realizó obras derivadas a partir de otras obras que se habían puesto bajo una licencia de contenido abierto (creative commons).

costado de la obra. los diseños parten siempre del trabajo con los tres ejes cartesianos: x. mientras trabajaba. No había obras separadas que dialogaban. cerámicas y que necesitaba. que van quedando de un proceso mayor. Y a partir de todo eso me puse a dibujar. viajes. Viajes…. La gente dora y empecé a hacer una edición de todo caminaba cerca de las paredes… Cerca de las obras. taller de respiración holotrópica que me lle- Mis obras están diseñadas para poder ser estampadas contra una pared y salir ilesas Agustín Pecchia CRISTAL. Por lo tanto. Ir a esos otros lugares a buscar. No existía eso de alejarse para ver mejor. lo mismo que en todas las que integran la serie “red”. utilicé manguera pvc cristal 7x9 –utilizada en construcción arquitectónica para medición de niveles–. pero confiando en que “TEMPO“TEMPORAL” es toda una muestra. Sin plan. al descomponerlo en sus diagonales. del espacio tridimensional graficado por geometría descriptiva. Fotos sucedió en la muestra. en tramos de 7cm unidas triangularmente mediante cordones elásticos blancos que a su vez proporcionan un gran efecto visual al 43 “ . Surgió a partir de lo que queda al Entonces todo se fue dando paralelamente. no hay una que no me represente Fue un poco juntar intuitivamente esos dos pero tampoco hay una que me represente. También en ese momento participé de un Era todo bastante íntimo. Viendo qué era lo que había ahí. Ayuda-memoria para después hacer otras cosas. y. Fue algo nuevo reo que las obras en realidad son evidencias para mí. El cubo es asimismo la representación tridimensional de un pixel en extrusión mientras que el triángulo equilátero es la forma geométrica bidimensional primaria y de mayor estabilidad estructural. genera 6 triángulos equiláteros. Basándome en estos parámetros en conjunto con la estructura molecular del cristal de agua y nieve. vale decir.7”: En esta obra. Está También me puse a trabajar unas cerámicas compuesta de fotos. da por resultado un gráfico cuyo perímetro dibuja un hexágono regular que a su vez. en perspectiva axonométrica. pero RAL” estaba ahí. que fue lo que después Registros de cosas….sino que más bien era un clima. Así pues. z. dibujos. preciso. en mi profesión. Sin pretender llegar a ningún lugar Entonces elijo la última.nueva_r90_mayo-ok. Me puse a buscar en cajas y en la computa. que eran bocetos. también funciona como una sola obra. podría decirse que todo diseño puede delimitarse en un cubo que. Fotos que iba sacando Se fue creando una especie de ambiente por diferentes razones. eso. el proceso de elaboración y síntesis deviene de la escenografía. o sin ninguna razón.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 43 No existe eso de alejarse para ver mejor Andrés Pasinovich C vó a experimentar con los estados no ordinarios de la conciencia. plantas.

La elección de la técnica. Durante el proceso. la iluminación. de aquí que todas mis obras estén diseñadas para poder ser literalmente estampadas contra una pared y salir ilesas. en sí. La pared curva funciona como una pantalla de cine: una pantalla de cine ciega. Mucho tiempo después. Paradójicamente. Aquí la luz no se proyecta sobre una pan- 44 . Buscaba “esa” imagen. La memoria de un ojo sometido a todas las imágenes Karina Peisajovich talla blanca sino sobre un campo oscuro que actúa como el negativo de una pantalla de cine normal. todos los colores y todas las formas. la alteración de sus proporciones dimensionales que da lugar a la interacción dinámica entre obra y espectador: la obra es para tocar. toda la luz y toda la oscuridad. Consiste en un espacio semicircular pintado de un gris 7. como de aspectos negativos de los materiales tradicionales que comencé a notar en mi trabajo como montajista. el punto justo de la obra. etc. era la imagen de la obra. Un sonido tenue y sordo vibra en volúmenes mínimos en consonancia con el movimiento y la intensidad de la luz configurando una situación espacial envolvente y desorientadora. Sobre ella se proyecta una mancha de luz ciega y difusa. en mi estudio. tanto como los materiales. espontaneidad. practicidad. peso. es decir. Diariamente. me pareció interesante el juego producido entre la fragmentación aleatoria de la manguera y la fragmentación de los datos de fabricación impresos en ella como metáfora del modo en que la tecnología digital almacena la información lo mismo que la naturaleza elástica que permite la compresión o expansión de la obra. en vez de aparecer. dinamismo. esta superficie en vez de mostrar la imagen parece estar absorbiendo todo lo que se proyecta en ella. sumada a una gran compresión que permite la utilización de elásticos como elemento conector. deviene tanto de parámetros lúdicos y escenográficos: plazos de realización.nueva_r90_mayo-ok. La relación espacio-tiempo se vincula al diseño de montaje. L a obra que elijo describir es “Todas las imágenes del mundo”. en la memoria de un ojo sometido a todas las imágenes. Buscaba realizar una operación cuya ambición era disolver todas las imágenes existentes en una sola. cuya pared interna funciona como una pantalla curva y oscura.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 44 trabajar el montaje con cámara negra y luz ultravioleta. sobre todo la fragilidad y el peso de las obras. pensaba en todas las imágenes que vi. La luz dimerizada al mínimo de su intensidad fluctúa neblinosa y casi imperceptiblemente. resistencia. Por otra parte. el entorno físico concreto –sitio específico– y la interacción del espectador. exponía los ojos a la oscuridad de una mancha de luz tratando de detectar cuánto podía ver. la imagen desaparece. llevando al ojo del observador a un estado exigente que perturba los límites de su visión. ya habiendo mostrado el trabajo. me di cuenta que el acto de ver. una obra que me gusta particularmente por su aparente levedad y su paradójica complejidad. Dejar madurar este trabajo tomó meses.

qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 45 En el amor estaba esperando la ansiedad Alina Perkins Y mientras tanto. La superposición generaba filtros distintos. Alina. marcadores. Nunca estático. En el amor estaba esperando la ansiedad. gritaba alguien que se sentía muy perdido entre la multitud. lapiceras. rompió el piso. Trabajé por capas de plásticos transparentes y contacts superpuestos entre sí. Los animales inventaban casas con cartón. Entonces tocaron música. recortados. me gusta como lugar de observación. lo que nace de lo que muere. Viví en el barrio de Once y el departamento en el cual crecí estaba lleno de humedad. translúcidos y un volumen transparente que se podía ver desde afuera y desde adentro. agujereados e intervenidos con dibujos en algunas partes. para olvidar la tragedia.nueva_r90_mayo-ok. me llamo Alina. Al comenzar a trabajar rompo lo que no me gusta y empiezo a armar conexiones entre distintos elementos hasta unirlos o reagruparlos. su descomposición. Las nenas empezaron a gritar. En su proceso de construcción intervienen datos concretos de la realidad combinados con otros imaginados. El perro cagó en sus miradas y las sorprendió. determinante (señala una interrupción de lo humano en la tierra). encerraba dibujos en las paredes que pienso ahora es algo que permanece hoy sobre mis imágenes. En mis obras siempre aparece el deterioro. las nenas caminaban perdidas por la calle Paysandú. Alina. que juntaban con los dientes. Ellas conocían algunos secretos que otros no. Elijo lo que escribí hoy a la mañana. telas alambradas. papeles) hasta industriales (plásticos. … La ansiedad se convirtió en hielos que caían del cielo. Se trata de un ejercicio de amplitud del campo perceptivo para visualizar qué fuerzas del mal (y sus posi45 . y nadie sabía con qué cubrirse. El deterioro como lugar de observación Débora Pierpaoli E lijo una instalación que realicé en el 2007 sobre uno de los vidrios de la Galería Crimson. Los materiales que elijo para trabajar varían desde elementos escolares (liquid paper. siendo íntima de un lado y más expansiva desde el exterior. Un rayo de luz irrumpió en la sala. Las nenas escribían poemas. Un supuesto fin del mundo Sebastián Pinciroli M i obra constituye un relato Sci-Fi progresivo en el que giran en torno al FUTURO metáforas de destrucción y muerte. que abarca un proceso de investigación en el que aún continúo. etc). Este futuro pensado es extremo. Aparecen variables y finales diversos.

generalmente de un solo color o combinaciones de dos. empecé a centrar mi atención en las fachadas de algunos . con la premisa de trabajar sobre la arquitectura como forma explícita de la transformación del aspecto de la ciudad. Partiendo de mi inquietud por la representación de la ausencia. mi interés por trabajar con la apariencia de determinados edificios de la ciu- dad tiene varias explicaciones posibles. graffitis que citan obras tanto de Fernanda Laguna como de otras/os artistas que mostraron en Belleza. Entonces. la intención de hacer ciertos comentarios sobre la historia hasta la aproximación con fines casi taxonómicos. Intenté una operación de tuneo y apropiación del objeto por parte de un posible fan de Belleza y Felicidad. La imagen de frente es un estampado en vinilo con el texto Belleza y Felicidad y el bolsillo exhibe la sigla ByF. Bolsillo y frente estampado.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 46 bles representaciones) terminarán con la vida de los hombres en un supuesto fin del mundo. Trabajé con lapiceras y marcadores escola- Leer la historia en las grietas de un hospital abandonado Santiago Porter E 46 lijo la obra “Hospital”. E lijo la mochila de Belleza y Felicidad. Tomé como referencia a las mochilas de distintas bandas de rock que suelen usar en mayor medida los adolescentes. deseos. dibujos. devociones. citas. de 2007.nueva_r90_mayo-ok. Desde la utilización metafórica. Tuneo y apropiación del objeto por parte de un posible fan de Belleza y Felicidad Leonel Pinola res en la superposición de inscripciones. Los materiales y la diagramación hacen referencia al tipo de resolución que podemos encontrar en los graffitis e inscripciones existentes tanto en los pupitres como en las carpetas del año lectivo o en los baños de muchos colegios de zonas urbanas. Mochilas de poliéster. En la pintura “El Hombre Lobo” se remezclan y resignifican estos datos visuales de fuentes múltiples. el espacio y las historias.50m de altura. Una fotografía en la que se ve el frente del edificio del Policlínico Ferroviario. Allí el conjunto de imá- genes que la componen pierde momentáneamente su singularidad para fundirse en un nuevo sentido total estructurado en la superficie pintada (óleo sobre lienzo) de 2m de base por 1.

47 . texto. Obra presentada semanalmente en funciones para ocho espectadores durante 2004. como monumentos obsoletos. 2006. 2008. Como las historias que se perciben en las arrugas de un rostro. les señala el sitio hacia donde deben dirigirse. Al concentrarme en los frentes específicamente y trabajarlos como si fueran retratos. en las grietas de este edificio abandonado. música (editada y en vivo). El primer ejemplo que después sirvió como patrón para el desarrollo del trabajo fue el Policlínico Ferroviario. máquinas luminosas y teatro de sombras. Con el cierre de ramales y la privatización de los servicios de trenes en la era menemista fue disminuyendo abruptamente la cantidad de empleados ferroviarios y mermaron los aportes a la obra social por lo que el hospital cerró en 1999. pero fundamentalmente por su historia. objetos. El hospital fue inaugurado por Perón en 1952. luego de cobrar una pequeña suma de dinero. Los visitantes deben reservar lugar por mail para ser citados de noche. La cáscara y el contenido. Un edificio que me llamó la atención por su monumentalidad. Desde nuestros inicios una de las mayores búsquedas del grupo fue generar el campo adecuado para poder apreciar nuestra producción. Dentro de la casa un nuevo personaje se ofrece de guía y los invita a recorrer las diferentes instalaciones. por sus dimensiones. a una hora exacta en una esquina particular del barrio. Duración: 70 minutos. todo aquello sobre lo que quería trabajar estaba allí. El trabajo conjuga video.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 47 edificios públicos. Técnica: Performance urbana. la hipervisibilidad funcionó como un recurso para evidenciar las distintas capas de historia acumuladas en esa arquitectura deteriorada y así producir fotografías de grandes dimensiones. En definitiva. Es una mole de nueve pisos y más de 10. 2005.nueva_r90_mayo-ok. Atraer espectadores hacia donde la obra brilla Provisorio Permanente “ Visitas a la Casa del Coleccionista” Obra performática desarrollada en los alrededores y dentro de una casa en el barrio de Villa Crespo en la ciudad de Buenos Aires. A la hora señalada son interceptados por un sujeto quien. La relación entre su historia y su aspecto.000 metros cuadrados que supo tener casi 700 camas para atender a casi 225. 2007. Fue en ese camino cómo dimos con el formato de “La casa de la Paternal” y el personaje de “el Dany” y poco a poco reconocimos el valor propio del gesto de “atraer” espectadores hacia donde la obra brilla. envuelto en una nube de escándalos y corrupción. muñecos.000 afiliados de la obra social de los ferroviarios.

si se pudiera. me obliga a tener un alto grado de paciencia. Otras veces con mucho cuidado y esmero. Me gusta hablar de algún pasado. podría rellenar más huecos si quisiera. y a lo que se supone que queda como la verosímil o fiel representación de la realidad. pintada de blanco con pintura para autos. 48 . Presentar lo importante al mismo nivel de lo no. del tiempo de los paraísos. También miré mucha estampa japonesa. por ejemplo. muy lentamente. con poca habilidad. Aislar un tiempo. el marco ventana de la foto o el cine). las fábulas. la narración.nueva_r90_mayo-ok. Lo intenso de tan laborioso. animales y también insectos. La única vez que leí el I Ching. y los libros de iluminaciones. Algunas veces. hecha de masilla epoxi. El tamaño de los detalles. trabajar a mano pelo por pelo y esas cosas. me hace entenderla del todo. sin nombrar ni el principio ni el final del cuento. Pero me sigue pareciendo rara. los cuentos. Empecé a pensar en esta obra desde lo “ material por un lado. El formato chico es algo que vengo manteniendo en todas mis obras. Un paisaje petrificado. Mezclado con el fondo la figura y todos son figura. porque de eso a todos algo nos suena. esa espacialidad rara que tienen (en realidad es rara sólo en comparación al arte clásico de occidente. Nunca es mucho lo que pasa. mirando mucho arte de relieve medieval. rosarios. y utilizar en el lenguaje una calidad que suene como de antaño. ninguna explicación de estética medieval de libro. Encontrar un punto. más que el que todo sea fondo. De estos referentes que nombro quise tomar para mi obra sobre todo la composición del espacio. que tiene mucha naturaleza. podría decir: esas veces trabajo casi hasta olvidar el motivo. cajitas. la biblia. por eso también sumo imágenes de los cuentos de hadas y las demás historias que nos son comunes a todos. copas. o si tuviera más tiempo. o pareciera que no pasa nada. una ínfima situación que implique una historia más larga a construir. por ejemplo. sagrarios. Es una mínima escena que narra: ése es otro punto que me interesa en mi obra. los mitos de las culturas que nos dieron origen y las leyendas. Pienso otra vez en la palabra Arcaico. en la memoria común.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 48 Un paisaje petrificado. y un librito que tengo de arte Folk coreano. pienso que mi método de producción es bastante arcaico. de escala relativamente pequeña. En la obra quiero alcanzar una especie de oscilación perceptiva en la interpretación de fondo y figura. me tocó: en lo pequeño es propio la perseverancia. Me viene muy bien esa frase. de pinturas. un plot point (no necesariamente el históricamente convencional) dentro de la narración. del tiempo de los paraísos Mercedes Pujana Paraíso 1” es una escultura.

juguetes o inflables.. relato.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 49 Realismo improbable Emilio Reato Paúl en vacaciones. sólo piensa en jugar a los naipes” y “Paúl y Paúl se fueron a juntar manzanas” se tratan de dos pinturas al óleo sobre tela de casi 2 metros de diámetro. etc. no es tan clara desde un principio y trata de que quede abierta a las impresiones del espectador. La temática.. pero es claro que cierta preocupación por la amenaza latente de una tormenta o el encuentro entre animales y muñecos. recuerdos. porque intenta generar una representación naturalista. y lo veía a él enfrascado en el juego como siempre lo imaginé preocupado por su producción pictórica. vagan. que tan desarrollada está en el “ título de los trabajos. que pueden leerse como una sola. en la otra pintura los imagino a los dos cómplices buscando belleza y abandonando a la suerte sus cuestiones. La resolución pictórica intenta ser de lo más cercano a la técnica tradicional de la pintura al óleo y la paleta de tierras me resulta ideal para estas imágenes porque le dan una pátina antigua a los elementos contemporáneos representados. la desconfianza o el descuido de dejar olvidado un inflable fueron los primeros disparadores. antiguos e imaginarios. formato y tratamiento.) y puestos en un paisaje (por lo general cercano y vivenciado) que los unifica espacialmente generan una tensión que me interesa investigar. El lugar en el que aparecen es un edificio abandonado con una temporalidad específica. fotos. en este punto me doy cuenta que toda interpretación auto referencial no debería ser pura casualidad. En cambio.nueva_r90_mayo-ok. una historia no lineal con personajes que sólo existen en la circunstancia de representar. sin tomar conciencia de todas las tensiones que se acumulaban a su alrededor y a su niño un poco desprotegido por esta obsesión del arte de su padre. pero que con el cruce de elementos recogidos de fuentes muy diversas (apuntes. repiten vestigios de un libreto que delimita acciones. Las fotos son archivos digitales de alta calidad manipulados extensivamente hasta alterar sus condiciones primeras. propias o de Internet. Una comunidad desarraigada de un posible origen. Tiempos superpuestos Florencia Rodríguez Giles Adaptación Orilla” son quince fotografías que presentan una ficción. dada por la historia representada y por el dispositivo de representación. En la obra se hace evidente una superposición temporal. En este caso “Paúl en vacaciones.” (la primera de las dos pinturas) se me figuraba que los personajes sentados en la camioneta eran Cezanne y su hijito Paúl. El estilo lo defino como realismo improbable. Pero a medida que ejecuto el trabajo la memoria me lleva a pensar y repensar en colegas u obras. la naturaleza los acompaña. a diferencia de los personajes que “ podrían ser medievales. Las fotos muestran congelamientos de sus acciones y dan cuenta del desencuentro entre éstas y un espacio “real” que subvierte su posición para aparecer como un fantasma dentro de la ficción. 49 . o dos fotogramas distantes de una misma película por su continuidad temporal. contemporáneos disfrazados.

inauguraciones.. planos. insultos. sus costumbres y eventos para poder vincularme con ellos y entrometerme en sus vidas. en cierta manera. que había sido elegido para que Peter Sarmiento realice una obra performática en su casa llamada "ROMPEPORTÓN". La parte que más me interesó fue todo el proceso. o el nombre de la playera de la estación de servicios del pueblo.. que cobran un subsidio por llevar adelante un local que pertenece al estado.. Con los datos que iba juntando armé un mapa de parentescos en el que me basé para escribir las cartas o elegir los regalos y objetos que les enviaría. se le cayó el portón..qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 50 Una enigmática correspondencia que convulsionó a varios vecinos Marisa Rubio oy a hablar del proyecto “Quehué” porque siento que es el trabajo en el que pude hacer tantas cosas como tuve ganas.. envíos de dinero. también los inventé a ellos mientras me imaginaba a quién le estaba escribiendo o enviándole algo.. […] la actitud de la población. incluso de varias personas en particular.nueva_r90_mayo-ok. Magalí. Voy a transcribir fragmentos de un mail que me envió Edith M. que constaba de acometer contra su hogar. y que es la esposa del panadero. que “desde que tenía siete años andaba entre bolsas de harina. como título: UNA ENIGMATICA CORRESPONDENCIA CONVULSIONÓ A VARIOS VECINOS DE QUEHUE LA EXTRAÑA HISTORIA DEL CONDE RUBIO […]” Todas las cartas fueron enviadas el mismo día y tuvieron un mismo remitente con mi dirección real y mi nombre completo. Hasta ese momento el intendente era Fernando Tuñón y luego Enrique López pasó a ocupar su lugar. está bien la dirección como la tenés desconozco porque aparece como incorrecta […] debo decirte que en el diario “La Arena” salió publicada una nota referente a tu trabajo realizado acá.. esto es porque para esa fecha habían sido las elecciones del intendente del pueblo.. armar listas. sino mucha información del pueblo en sí. o que tomaron el envío masivo como un complot del partido opuesto al que pertenecían. cartas amorosas.. que está fuertemente dividido entre peronistas y radicales. policía del lugar.. te transcribo algo de la misma. música.. Marta S. como el hecho de que dos días antes de recibir una carta en donde le informaba a Osvaldo H. Peter de la plaza fue llevado al Estadio de Fútbol y recibió todas las culpas porque el equipo el día domingo no pudo ganar y además se produjo una serie de disturbios dentro y fuera de la cancha!!!!!! […]” “Hola Marisa! está divertida la historia que la gente ha inventado con Peter no? Te cuento que la nota en el diario “La Arena” es del día Sábado 1º de Diciembre y la página es la Número 19. en general quedaron algo alarmados. V 50 . investigar a qué pueblo mandarle cartas que no fuera muy grande (no sólo para poder abarcar el proyecto sino para que se diera eso de que todos hablan con todos y conocen todo de todos). que ahora tiene treinta años y que trabaja con otras dos personas. por ejemplo el nombre del panadero del lugar. Fernando B. de ahí obtuve no sólo los contactos que me dieron acceso a las direcciones de los habitantes del pueblo. registrar todo. Casi todas mis investigaciones fueron a través de Internet. Jimena C. etc. Inventé gente para acceder a ellos y. hornos y masas”. Publicación que tengo guardada en casa y que en nuestro próximo contacto te contaré. buscar cosas que se relacionaran con lo que estaba haciendo.. conocer los hábitos del lugar. que tiene una hija de cuatro años. misivas legales. y Roxana D. comida. Hubo cartas personales. después varias cosas coincidieron bastante. a quien conocí durante las horas que estuve detenida en la comisaría con el propósito de velar por mi seguridad y la del pueblo: “Hola Marisa! Cómo estás? te contesto tu mensaje desde mi correo para que te quede grabado. A ellos también les escribí una carta desde el Estudio Jurídico de Peter Sarmiento.

Inicialmente estas obras estaban pensadas para ser mostradas a la intemperie. No tenía ni idea de cómo se hacía. monumental y si podía ser industrial mejor. pero no me animé a exponerlas así aún. antes que yo artista. Decididamente conocerla me cambió la concepción de muchas cosas y con parte de ese grupo y otros se armó la galería blanca y allí expuse seriamente mis obras por primera vez junto a Di Paola. Pintaba en tela con acrílico pero sobrevino la pintura en óleo bien clásica símil darger “vida espiritual”. Roberto Luis Duarte. En esa época había hecho todas escenas costumbristas de los 50 en tonos Nápoles y negro. No puedo seguirles el ritmo de entender bien qué esta pasando. La pintura ante todo. Me enrolé en mi segundo grupo de pertenencia: “cero barrado”. Comencé a usar este soporte y hasta hoy continúo investigando y sorprendiéndome de lo dúctil y maleable de la combinación esmalte / chapa. poca gente mucha gente. Estudié mucha composición y dibujo con él y color por supuesto para reforzar todo lo que allí había aprendido. Estudié con un maestro vieja escuela. Proponíamos abrirnos camino como fuere. S iempre fui un niño de burbuja de familia. importantes y no tanto. Allí conocimos a Florencia Braga por medio de Carolina Antoniadis pues yo cursaba el último año de la Pueyrredón con ella. esto nos dio rodaje y roce y empecé por esos 97/98 a hacer mis primeras obras que yo consideraba serias. cosa que sigue sucediendo hasta la fecha. de agujeros negros y de incertidumbres. Trato de trabajar mucho y ponerle pila todo el tiempo. ya que mi familia es de la rama veterinaria. Comenzamos a exponer en muchos lados. Series pixeladas. pero sobre todo. Mis cuadros actuales van más rápido que yo. Probé mi primera pintura en ellos y surgió el oso polar y nos entendimos bien. 51 . trabajé como ayudante en restauración de pintura de caballete por un año. Artista. Trato de acelerar la conexión interna y una vez que la encuentro sólo paro cuando estoy satisfecho. o cuando estoy muy cansado. La obra ante todo. cuadros y dibujos infantoagresivos símil Darío Argento. Lozano y Bertone. Aunque tengo mis momentos de bajas. La chapa comenzó por necesidad de soporte rígido ya hecho.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 51 Mis cuadros actuales van más rápido que yo Hernán Salamanco El día que fui al taller donde los hacen quise tenerlos todos.nueva_r90_mayo-ok. En el último año de la Pueyrredón viajé a Bélgica a hacer una especialización en litografía que luego se extendió y me di cuenta que eso era lo que quería ser. cascarrabias y bien aprendido que me hacía hacer escalas de color y valor en rollos de papel de caja registradora así la cantidad de tonalidades entre extremos pudiera ser tan larga como la sensibilidad del ojo pudiera decir basta.

casi imperceptiblemente. ¿Dónde se conserva el recuerdo? Como dice Bergson. Pero sobrevive y convive todo el tiempo en el devenir universal del que es parte. dejándose transformar en planos y detalles. una frase escrita cuadro a cuadro con rayado de negativo evoca la idea de que es necesaria la ausencia del otro para que la dedicatoria amorosa se consume. El arte como una manera frágil de pasar el tiempo Paula Senderowicz L a obra “Paisaje Frágil” es muy significativa para mí. “Nosotros no percibimos prácticamente más que el pasado siendo el presente puro el imperceptible progreso del pasado carcomiendo el porvenir”. perciban el vapor frío que emana del hielo.. cuadro a cuadro con una bolex. inmanencias. un film (16 mm) de un minuto de duración. la que se ausenta en los intervalos que le devuelven el movimiento (y el paso del tiempo) a la situación. el pasado no ha dejado de ser sino que ha dejado de ser útil. y permite que los espectadores.. Los museos suelen exhibir piezas de colección. Supuestamente se transfirió pero jamás pude verlo. pérdida. El trabajo refiere a nuestras relaciones con el territorio. El film se perdió en el laboratorio de revelado. vacío. Antes de la muestra en el museo. Malba. 7 de los 1440 fotogramas dejan. su impresión sobre el fotograma. Muchas veces pienso en el arte como una manera frágil de pasar el tiempo. y a nuestra propia fragilidad. Durante la muestra fue sufriendo transformaciones en función de los cambios de temperatura. intervalo. sale del negro previo del amanecer y vuelve al negro una vez anochecido. Aún queda pendiente la edición final. realizado en una sola jornada. Un espacio íntimo. presencia. habitándolo en diversas situaciones.nueva_r90_mayo-ok. y la presencia o ausencia de gente en la sala. Tuve que registrar en otra jornada. Por lo que no he visto el film proyectado tal como lo pensé.. el paso de otro día y la misma dedicatoria re-consumada. La cara superior de este freezer está abierta. todo el proceso de congelado incluyendo el montaje final fue dentro del museo. Es un paisaje de hielo en miniatura. dentro de un pozo exhibidor de frío que oficia de vitrina. Siempre me gustó la sensación de riesgo y fantasear con sorpresas e imprevistos. sin moverse la cámara ni los objetos dentro. El montaje implicó un riesgo. todas presencias reales. si fallaba la corriente eléctrica. en este caso el museo exhibe por un mes y medio un trabajo inasible. ausencia. Simultáneamente. realicé varias intervenciones temporales en espacios de la vía . la pieza fracasaría. mientras la recorren. Los moldes de la maqueta habían sido preparados con anterioridad en mi taller. Es un trabajo que no sólo se exhibe de manera temporal sino que im52 plica su temporalidad. Una recreación de un fragmento de un territorio en escala que refiere al imaginario del paisaje virgen e intransitable.. duró hasta finalizar la exhibición. luz.. Fotograma.. cuya protagonista es la luz.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 52 ¿Dónde se conserva el recuerdo? Victoria Sayago E n este momento es “el día que te escribo”. Fue exhibida en 2005 en Contemporáneo 13. que una pareja se inmiscuya.

Entiendo que hago lo que quiero ver. Micro ficciones dentro de mi taller. Si bien es una obra autónoma. eligiendo el hielo como material que trabaja en su propio tiempo. hace referencia a trabajos anteriores. Hago lo que quiero ver Lila Siegrist E lijo una obra que construí en 2006. Entonces así se filtran y circulan imágenes subversivas a lo pretendido. La relación con el espacio o el tiempo podía resultar muy confusa. reflexionar sobre cómo se mira. Inventar micro ficciones y re-situarlas en el espacio del taller es constitutivo a mi práctica. me parece súper acertada una frase de Federic Beigbeder de su libro Windows on the World que dice: “Fumar obliga a salir de los edificios antes de que exploten”. Algunos se llaman “Silenciosos” y otros “Afectos especiales”. o sea que comunica.nueva_r90_mayo-ok. realizada a partir de la grabación de la palabra paisaje emitida por diferentes personas. que luego resultaron ser fotos o videos. única e irrepetible. Y aparece la atemporalidad del tiempo fotográfico. 2003 – “Domínguez Dentrecasa”: Fotos y copetín en el living comedor de la casa de mi abuela. Caprichosamente miro y construyo desde y para lo que miro.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 53 pública. pequeños escenarios o sub-mundos. cada representación es lo mismo pero cada dibujo es particular. Es un concepto similar al de “Sintonía del Horizonte”. evidenciando su belleza mientras se desvanece y su condición de fugacidad en esta época de planificada obsolescencia. observado. Prolonga su estadía en mi retina. Entonces. 53 . Hay reflexiones que retomo en cada trabajo más allá de su particularidad. La experiencia perceptiva del paisaje es personal. una llama o un pororero (o pochoclero) en todos los cumpleaños de mi familia a lo largo de un año. Sumo data de tres proyectos anteriores: 2005 – “Pekineses y Salchichas”: Fotos de otros en una nueva aventura. Todo desde mi manipulada y frecuente torpeza. qué se mira y qué se hace con lo que se mira: pensar al trabajo como un ente visto. Sin dudas. 2003-2004 – “Convite_Convido”: apariciones en fiestas familiares. Encuentro en los instantes previos y en los posteriores de mis trabajos la sal del bife. Con esto quiero decir que hay en todas estas imágenes hechos casuales o provocados y ficciones amalgamados en un mismo espacio. Un pony. sobre todo por el grado de ficcionalidad o reficcionalidad (Neologismo de Lila) que estos trabajos estimulan. Casting fotográfico de perros Pekineses y Salchichas. se aglutina y cataliza en un solo espacio lo acopiado en paseos (así se gestan nuevas micro ficciones = reficcionalizaciones). Y en cuanto a este punto.

la boca de manzana y el pito”.” (“El árbol. Dentro de dicha urna un tiburón de peluche se encuentra sumergido en formol. 54 . “ Pensar las diferencias a partir de un tiburón de peluche Alejandra Tavolini Tiburón (o ‘Acerca del estudio de los protagonistas. Sus dimensiones totales son: 65 x 110 x 30 cm. 2008).. entre otras cosas.. colocada sobre una base de madera blanca para facilitar la visualización de la misma al observador. En “tiburón (o ‘Acerca del estudio de los protagonistas.’)” es la obra elegida.. Lo que me interesa de este trabajo.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 54 Ocupar el espacio con poco y transformarlo Laura Spivak Si me dieran a elegir preferiría ser gigante" (2008) es uno de mis últimos trabajos. de grandes dimensiones. consta de una urna de cristal reforzada con madera laqueada. Hago así referencia a la diferencias entre dos realidades: La de Damien Hirst creador de obras de tamaño monumental.. Y mi propia situación como artista. Está formada por una serie de piezas caladas en madera y pintadas. de enorme costo de producción.’)” realizo dos operaciones: Convierto a un muñeco de peluche en ‘objeto científico’ al sumergirlo en formol y exponerlo a la observación escrupulosa y reflexiono acerca de mi situación como artista. Florencia Braga Menéndez. si bien mantienen su condición “bidimensional”. Es una instalación diseñada como un juego para armar. La escena: dos personajes en un parque. Ocupar el espacio con poco.nueva_r90_mayo-ok. Damien Hirst en su obra “Physical Impossibility of Death in the Mind of Someone Living” (1991) de la serie “Natural History” coloca en formol un tiburón tigre en una urna de características semejantes a la reproducida por mí para contener el tiburón/peluche. Esta obra. que se sostienen en el espacio mediante sistemas de encastre. Esto último materializado a través “ de la cita “a escala peluche” de la obra de uno de los artistas paradigmáticos del arte contemporáneo: Damien Hirst (www. se proyectan en la tridimensión. cotizadas en millones de libras esterlinas. es la síntesis y el cambio de escala.damienhirst.com). “…son tan niños como puede serlo cualquiera de nosotros conectado con las representaciones simples de nuestros deseos y primeras expectativas antes de sentir el mundo como una imposibilidad. Llevar el dibujo y la pintura a piezas que. realizada en el año 2006. y transformarlo. “la persona más influyente del mundo del arte” según la selección realizada por la revista Art Review en el año 2005.

La propuesta de ese espacio fue la investigación plástica. existía un camino (dificilísimo de dar) donde la canica salía del laberinto. respetando exactamente su ubicación después de la caída. en donde marqué la forma de cada pedazo roto. Cuando se utilizan estrategias que cambian el uso de códigos y se encuentra una lógica que los defina de nuevo.nueva_r90_mayo-ok. prefijo operaciones. Es como dotar a los objetos de una historia particular. Me gusta decir que hago lo que quiero ver y me moviliza la búsqueda de métodos para resolverlo. hasta dar con un destino final. haciéndoles vivir metódicamente una situación violenta y después de todo. creo un sistema para cada trabajo. y que a lo largo del tiempo la fui rearmando de distintas maneras. pues podía suceder que las bolitas desbarrancaran. con sencillez. En este caso rompí un jarrón. o se perdieran. se pasa del mundo de lo familiar a lo que no es familiar. de modo tal que el espectador pueda seguir leyendo lo que eso era para entender lo que es y vivir ese trayecto como un viaje cómodo y natural. tirándolo sobre un gran papel que previamente había puesto en el piso. Justamente con este trabajo quería exagerar la situación de romper algo y en vez de tirar todo lo que se rompe. hasta un día serrucharla por completo por falta de auténtico espacio en nuestro depto nuevo de moderadas dimensiones. el abordaje de materiales atípicos (para cada uno). y sin dejar de ser lo que eran. formando estructuras de las cuales la conciencia no tenía ni noticias. luego utilicé este molde para calar una madera y fabriqué un estuche para guardarlo. Una canica. poniendo en evidencia las nuevas reglas que lo animan. imágenes y situaciones. animarlos. si bien no es representativa del grueso de mi obra (donde predomina el fotocollage). sí habla de lo que es mi intención en cuanto al quehacer artístico. la creación in situ. Me gustó también que fuera hecha con materiales “pobres” (cartón y madera que fui encontrando en la calle). y por cierto carácter orgánico de la pieza. se llama “Después de todo”. elegir conservar ese momento tal cual fue. combinaciones y acepto los resultados de ese nuevo orden como si fuesen naturales y lógicos. La pieza que realicé fue un laberinto donde cada visitante podía tirar una o varias canicas de barro por un camino-comienzo (ubicado en la parte superior) y luego seguir con la vista el recorrido imprevisible por un entramado de caminos y desviaciones. La obra se llamó “Ciudad de los caminos que se bifurcan” (2002) y fue realizada en el contexto de un espacio autogestionado por artistas (incluido) llamado Vytah. o se atrancaran en zonas no siempre reparadas o de fácil acceso. pero en todos los recorridos. Por supuesto. infinitos destinos Julián Teubal H ay una obra que realicé hace un par de años que tuvo cierta significación para mí y que.. limito medios y materiales..qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 55 Desordenar las piezas de lo cotidiano Mariana Telleria E lijo un trabajo que hice en el 2006. trampas y circuitos. el visitante no podía modificar el curso natural de la caída y sus accidentes. por su capacidad de interacción. 55 . sobre todo por su carácter lúdico. La mayoría de mis trabajos está atravesada por la idea de intervenir y generar el devenir de objetos. Éste es el punto que más me atrae: el desafío de desordenar las piezas de lo cotidiano. Esta obra me gustó especialmente. devolverlos a una delicada calma.

Son series fotográficas que sintetizan el planteamiento conceptual de mi trabajo. se torna siniestro. la acción. que podemos reconocer como indicio de lo habitable. incertidumbre y fragilidad. la nieve. ominoso (Freud). la resistencia. Son latas de pintura a las que les fui sumando banditas elásticas. Extrañamiento en la percepción de lo cotidiano Paula Toto Blake La casa como amenaza” en 22 Jason Street. Creo que al final mi obra es una intención de obra. en otras. tomo el mobiliario como sustitución de un sujeto o prótesis de un cuerpo. 56 . las tapas saltaban más de un metro acompañadas de pintura. Ese sistema no tiene un fin controlado pero sí está desarrollado sobre decisiones mecánicas. tomé la ciudad como escena de condensación de miedos. La elijo porque creo que refleja mi proceso de trabajo en el que el tiempo. algunas se desgarraban y derramaban su contenido. El mobiliario es lo más palpable e inmediato. 2006. La casa es el refugio deseado. El mueble. parte de la producción realizada durante mi residencia en El Basilisco. sometido al vaciamiento de su memoria trastocando los límites entre el interior y el exterior. ligo el mobiliario como cuerpo expuesto o violentado a un extrañamiento. generando así corrimientos en los órdenes de vida y modificaciones en la percepción de lo cotidiano. New York. sin embargo la casa es el lugar de aquello que siendo hogareño. realizadas durante una residencia artística en Sculpture Space. por la presión. A partir de allí mi trabajo se convierte en acciones que derivan en reacciones. la observación. Pongo mi atención sobre objetos excedentes del consumo que representan cierta corporalidad. me apropio de “ una situación encontrada. la incertidumbre.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 56 Mi obra es una intención de obra Jorge Tirner U na obra que me gusta mucho es “Derrame”. como por ejemplo un sillón. la fluidez y la suma de eventos determinan un sistema.nueva_r90_mayo-ok. la tensión. es transformado en elemento residual. lo público y lo privado. dentro del ámbito doméstico y cotidiano. como elemento utilitario denotativo. violencia. comencé a generar un pensamiento que tiene que ver con el límite entre ficción y realidad. NY. donde mi intención es dejar fluir los eventos. donde la naturaleza fija una exposición máxima mediante un mecanismo de camuflaje de una segunda piel.

Quiero crear una reflexión sobre un estado sexual de la mente. en donde las 11 mujeres tuvieron participación. para realizar la “ obra “11 mujeres sanadoras mexicanas”. de carácter nómade y mutable. su arquetipo de mujer sanadora. durante el año 2004. posteriormente. Actualmente me encuentro en pleno proceso de “11 hombres de sanación” con artistas argentinos. diferente del erotismo. Se realizó una performance. En un principio. su personalidad. también es el interior de la situación. mexicanos y uruguayos… Continuará. Comenzaría el entramado México-Argentina. La sexualidad. Yo mismo como un ser sexual. Mi trabajo se inspira en la sexualidad. hacen la situación “desnudo”. como el de allí que se estaba iniciando. En mayo de 2005. A cada una de ellas se le otorgó el poder de sanar una dolencia del orden físico. Se conectó a cada mujer de color de Argentina con su par en México y junto conmigo ambas enriquecieron el proyecto tanto local que continuaba creciendo.nueva_r90_mayo-ok. Reflexionar sobre un estado sexual de la mente Rob Verf Woman In A Mirror Reflection” (2007) Una obra de arte es un estado de la mente. En junio de 2005 se presentaron las 11 muñecas dentro de una vitrina (intervención de microespacios) en el CCEBA (Centro Cultural de España en Buenos Aires) creadas a partir del registro fotográfico de la performance anteriormente mencionada y una performance en vivo el día de la inauguración en la vidriera de entrada del Centro. los sábados comenzó un taller de creación de muñecas donde cada una de las mujeres materializó su muñecaautorretrato como fetiche de sí misma. Ella no es sólo el exterior de la pose. El desnudo es la energía en el espacio y el espacio es la energía del desnudo. su elemento de poder. generó una acción referida a su poder. Es un estado completo. psíquico o espiritual que eligieran. síntesis de un lábil entramado que habito como tejedora y tejido. cada una de las mujeres. El espejo. Con mi arte yo no “ quiero seducir. vestida íntegramente de su color. 57 . Su construcción se realiza con la energía de una circunstancia en la que algo sucede. los objetos.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 57 Mujeres poderosas Anabel Vanoni 11 seres de sanación”. Un momento creado por situaciones. A cada una de ellas le designé un color. Es una pieza multidisciplinaria. el espacio. Una mujer desnuda frente a un espejo es una energía. Tuvieron que construir su atuendo. viajé invitada a México DF para participar de “Emanaciones Peformativas” Jornadas de Performance Latinoamericana en el ExTeresa. once mujeres de edades y ámbitos cotidianos diferentes fueron convocadas a participar del proyecto “11 mujeres de sanación”.

de la infancia de mi papá. las completa. Simplemente superada por la tentación de meter mis manos empezó el juego. nuestra familia dejó en mis manos todas sus fotos. tantas imágenes en mis manos eran una provocación y quería correrme del lugar de la nostalgia. mandé algunas a enmarcar y terminó de cerrar como nunca me había pasado con una foto. Me transmite algo sereno e inquietante a la vez. estaba muy descuidado. el vidrio… Pero con esta serie es como que las termina. según el caso. Intenté agregar material. busqué entre otras fotos pero no encajaba. Algo al borde de estallar Juan Andrés Videla AVB”. más bien las descuarticé. alterando lo menos posible. El collage que elegí describir es una obra pequeña. Cuando ella murió. ella y el espíritu de sus viajes son parte del carácter y la personalidad del proyecto. ver la falla como parte e invitarla al diálogo o a la confrontación. Son unos collages que estuve armando con la herencia de una de mis abuelas. Algo que aparece como sencillo y directo y que a la vez se sugiere como inasible y escondido. Tenía la necesidad de cambiar el modo en que venía trabajando y de ponerle un toque de humor al asunto. algo al borde de estallar. en la cual fui pintando las imágenes que iba captando con mi cámara de fotos desde mi auto en mi camino desde Longchamps al centro de la ciudad. aquello que se presentara a mi lado. Intenté trabajar con las blanco y negro. pero sería claramente otro capítulo. Una característica fundamental que le da un plus a la serie: no se conservaron los negativos. Cuando ya tuve bastantes y fue pertinente. Desde ese momento sentí que algo tenía que hacer con todo eso. Pertenece a la serie “Onda Roja entre Cons- “ titución y Longchamps”. Como lugar común en ellos está la búsqueda de provocar al medio. habitualmente me estorban el enmarcado. un tanto sacrílego. con el fin de manipular un poco más el resultado. Inicialmente ordené y clasifiqué el material. Pero cortarlas era impensable y cambiar el soporte haciendo reproducciones les hacía perder gran parte de su encanto. por resumir algunas de las razones que me desmotivaron. Tratando de captar. cada vez que era detenido por un semáforo. No es que lo descarte. que se vuelve obsesivo. de recortar y pe- gar.nueva_r90_mayo-ok. Fue pintada en óleo sobre tela utilizando la imagen en la pantalla de mi computadora como modelo y sirviéndome de una grilla tanto en la foto como en la tela para copiar la imagen. respeta el tamaño de la copia que tomé como punto de partida (10 x 15 cm). montado sobre un soporte forrado en liencillo natural. 58 . Como punto de inflexión está el primer proyecto en el que no hice fotos. Está hecho exclusivamente con fotos originales que fueron tomadas y copiadas entre los años 60 y 80. en contraste con un tratamiento que la hace desconocida y hasta misteriosa como si perteneciera más al mundo fugaz de la ilusión que el de la materialidad. Es más. Intentando así generar imágenes que sortearan un poco al menos mi propia selección.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 58 Quería correrme del lugar de la nostalgia Constanza Vicco D e modos diferentes pienso que todos mis trabajos me representan. les da carácter y las protege. Esta obra tiene para mí esa mezcla de solidez casi grosera en su materialidad y en lo trillado y casi desangelado de una imagen tan común como vulgar. Es un trabajo muy minucioso por la escala.

nueva_r90_mayo-ok. no naturalista. El protagonista de toda esta serie es el tajo del horizonte. haciendo hincapié en la híper visibilidad de la escuela holandesa. 110 x 15 cm. por considerarla punto de convergencia de muchos de mis intereses que aún hoy persisten. Sensación que se intensificó tanto por el contraste entre la integridad de los personajes y la diversidad de la topografía miniaturista que habitan.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 59 Ese tajo que organiza la mirada Ana Lía Werthein E lijo la serie “Al Campo” que tiene su punto de partida en la muestra realizada en la galería Atica en el 2003. chata. La intención latente durante todo el proceso constructivo fue que la imagen resultante que a primera vista se presenta como una totalidad orgánica transparente su artificiosidad sosteniendo la extrañeza y contradiciendo la aparente integridad del conjunto.escena compuesto de varios planos de realidad. Del espíritu que ellos manifiestan surge el relato y el manejo de las escalas se rige por una valoración afectiva de la realidad. intentando mantenerlos ingrávidos. Corte neto que genera un espacio imaginario para el ojo dado que. Dicha muestra estuvo curada por Rodrigo Alonso y se concibió como una instalación que ya prefiguró la mayor parte de los ejes conceptuales y temáticos que se fueron desarrollando hasta el día de hoy. la escena se construye a partir de una toma fotográfica de mis perros. 59 . concebidos como horizontes superpuestos. Relacionando situaciones espacio temporales disímiles genero un paisaje . chimango. a diferencia de sus antecesoras. al igual que en “La travesía” –realizada en la reserva ecológica del Faro Querandí– y “La espera” –realizada en el recreo El Tropezón–. Justo el recorte del “tajo” que organiza la mirada. Que la imagen deje transparentar su artificiosidad Margarita Wilson-Rae E lijo “Guardianes”. el paisaje se generó a partir de la fusión de un sinfín de geografías muy dispares pero portadoras de un espíritu común. entre la realidad reconocible y la realidad generada. el horizonte es una construcción escópica que formalmente no existe. En esta obra. Mantuve hasta el final cierta tensión entre los personajes y su mundo. que recorren toda la imaginería de la obra. reconocí y exploré un rango vasto de recursos tradicionales. donde el espacio se desenvuelve en un vaivén entre lo inmenso y lo diminuto. Su evolución va generando a lo largo del desarrollo de la obra la serie “Banderas de la Patria”. un montaje digital de grandes dimensiones. se pintaron con acrílico y conceptualmente se estructuran como una mirada minimalista. Fue durante su construcción que entendí. como por el contraste entre su estado extático y la inestable fluctuación del paisaje. Además del juego con lo sonoro y lo olfativo aparecen por primera vez los horizontes que recorren toda la muestra y en ellos los íconos. poste. tal vez un conceptualismo blando en relación al trabajo con íconos. silo. tanque australiano etc. En esta obra. como se sabe. La concepción del formato no es me- nor. Los primeros horizontes se concibieron sobre lona de campo. dimensionándose todo a partir de los personajes. sustraídos del contexto.

Me parece que en ciertos casos me gustaría no guiarme por referencias sino sólo por recuerdos. cinta autoadhesiva. Reinos de aprendizaje. puedes hacerlo en un sentido aparentemente no convencional. el triángulo comienza flojo y desinflado. Emergencia de las formas. El espectador transeúnte pasa por dentro o por fuera del triángulo. Puede una sensación ser representada.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 60 Se abre la galería. Mumi. Probar lo más horrible. Instancia 3: Cierra la galería. Me voy a encontrar siendo dueño de una poderosa idea Osias Yanov L a obra que elijo es “Rosa Chancho”. las cintas se extienden y se crea el triángulo rojo. El contact y la cinta autoadhesiva se adhieren a la fachada. Instancia 2: Abre la galería. Este mes necesito ideas moto. Cintas mosquera “ contiguas unidas en el extremo superior a la persiana y en el extremo inferior sumergidas en la vereda. cintas desparramadas en la vereda. Javier Villa y Tomás Lerner. baja la persiana. Voy a comentar entonces mi perspectiva de ella transcribiendo algunas anotaciones que realicé durante agosto y septiembre de 2008: Módulos de pensamiento. se crea el triángulo Noelia Yagmourian Triple instancia” surge de una invitación de Rosa Chancho. Tengo que aclarar que no es obra propia ya que la comparto junto con Julieta García Vázquez. goma. Un plano rectangular rojo en la vereda como indicio de que al día siguiente el ciclo se repetirá. Trabajé sobre la obra de Luciana Lamothe (artista anterior dentro del formato del proyecto). la diagonal se tensiona. Cinta mosquera. De una charla grupal ¿qué cosa siempre estás pensando solo? 60 . baja el triángulo. contact. La obra está estrechamente vinculada con la galería en el aspecto espacial y temporal.nueva_r90_mayo-ok. Instancia 1: persiana cerrada. ventana y pared. la persiana se levanta. Los materiales externos a los elementos arquitectónicos del espacio que componen la obra son rojos. En el arte te podés correr de ciertos discursos para poder comunicarte. Me voy a encontrar siendo dueño de una poderosa idea. Piso de goma cubre una superficie de la vereda desde la pared hacia la calle. se resguardan las cintas.

“Proxemia” fue producido en el 2005 con el apoyo de la Fundación Telefónica y exhibido en el espacio de dicha institución. a no menos de un metro de distancia entre una y otra. tienden a “ desviar su trayectoria cuando se produce cualquier contacto físico. lo que resulta son imágenes fotográficas de 12 x 16 mm cada una. dejando al descubierto la estructura arquitectónica. La versión fílmica de “Locus solus” fue realizada en formato super8 b/n y editada digitalmente. Su instalación en el espacio de exhibición tiende a la imperceptibilidad de la imagen. el motivo de la imagen es la luz en el bosque (en diferentes tipos de bosques). 61 . el problema de la escala (humana) en relación a la percepción. La luz en un bosque es lo que ocurre durante 4 horas capturadas en menos de 3 minutos de película. con memoria central de los comportamientos y de las derivas particulares de cada una de las esferas. El formato fotográfico como herramienta de sentido Pablo Ziccarello “ Locus solus”: En su versión fotográfica consiste en una serie de 20 fotografías tomadas en película de negativo color 110 y copiadas por contacto. límites físicos u otras esferas). Lo que motivó esta serie era plantear preguntas acerca del proyecto de representación del mundo en manos del dispositivo fotográfico. Cada una de las fotografías ha sido montada sobre aluminio y fijada bajo vidrio de 2 milímetros acentuando su cualidad de objeto fotográfico. “Proxemia” es un proyecto de investigación y experimentación en el campo de la robótica. las fotografías deben fijarse a la pared a la altura de un observador promedio (1.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 61 Comunidad robótica autosuficiente Mariela Yeregui Proxemia” es una instalación robótica interactiva basada en sistemas de multiagentes autónomos en forma de esferas. soporte y parte de la obra. espacio arquitectónico conteniendo una idea de espacio no arquitectónico (bosque) y el formato fotográfico como herramienta de sentido. A raíz de viajes realizados por motivos ajenos a la obra. Las esferas ruedan libremente por medio de dispositivos mecánicos y. Se trata de una comunidad de robots que reacciona a la presencia de agentes externos (espectadores.70 m aprox.nueva_r90_mayo-ok.). a través de desarrollos sensoriales de detección. la serie de fotografías fue completada al cabo de unos años en 2004 y exhibida por primera vez en 2005. cuyo objetivo final es articular un sistema dinámico y autosuficiente.

05 13.06 24. Miguel Harte. Castagnino. Gerardo Repetto. J.04 al 17.06 04.05 23.05 al 31.05 al 28.04 al 15.05 24.05 al 29. Pablo Mattioli.05 01. y otros arteBA 09 . Víctor Grippo. Florido. M.04 al 16. Conlazo. R.05 31.04 al 29.04 al 14.04 al 17.03 al 10.04 al 31.07 27.05 al 03.06 30. Dolores Cáceres Museo Caraffa (Córdoba) Pinturas 1980 .03 al 15.05 24.06 12. Henri Michaux Jorge Mara . Conlazo. Claudia Mazzucchelli.05 23. Hartavi y R.04 al 20.04 al 30.05 16. Gutiérrez.05 al 26. Schliebener Espacios urbanos: Geografía.04 al 06.05 al 19. vidriera / Lía Dansker Meridión Pinturelas / Dan Waisman Caja de fotos / F.05 al 10. Mustafá.06 22.05 al 16. Cosin.05 24.03 al 30.05 29. J.05 17.04 al 16.04 al 15.05 14. O.04 al 31. Gandolfo.05 23. I. M.04 al 23. Potenza.03 al 25.04 al 11. Alberto Goldstein Inside-Installation en América Latina / León Ferrari Obras 1900-1960. Ernesto Berra. R.05 26.La Ruche La Casona de los Olivera (Parque Avellaneda) Infancia / Laura Ortego. Gutierrez.05 01.05 12.05 17. y otros Barraca Vorticista Miguel Kulianos.07 13.05 16. Guido Ignatti.06 22. Emiliano Serra Pabellón 4 Swingers / E.03 al 16.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 65 muestras muestra / artista Color Temporal / Eliana Heredia Lugares Mentales / Leila Tschopp Benito Laren.03 al 25.05 07. Merk. y otros FNA Leo Battistelli.05 05.05 16.04 al 15.5 05. Scian.05 al 29.2004 / Marcelo Villegas Museo Castagnino (Rosario) Constructor de Artificios / Ruben Baldemar LIII Salón de Artes Plásticas Manuel Belgrano Museo Sívori Martín Castillo Morales.05 07.04 al 30.05 01.05 16.05 30.07 07.05 al 29.03 al 30.04 al 30. E.06 16. Diego Mur.04 al 15.05 17. Daly.18 Feria de Arte Contemporáneo La Rural Su´ombría 2 / Alejo Campos LDF Pablo Rosa.05 21.04 al 16. F.05 al 30.06 13. Las formas de la melancolía Esteban Pastorino Dabbah Torrejón Sos un sueño / Mariela Scafati Daniel Abate Solo Show / Mara Facchin Del Infinito Blue Sky / Francisco Ruiz de Infante Espacio Fundación Telefónica Provisorio Permanente / M. Identidad.03 al 28.06 07.05 al 30.04 al 29.05 11. I.04 al 29.05 al 29.05 al 30.05 01.nueva_r90_mayo-ok. E.05 15.05 al 28.05 65 . Elba Bairon.05 05. Hernán Salamanco Braga Menéndez Leónidas Gambartes Casa de la Cultura FNA Zona de Luz / Claudia Aranovich CC Recoleta Temperatura perfecta / Carlos Herrera CC Rojas Taller de Re: Presentaciones BlueSky / Francisco Ruiz de Infante CCEBA Los Cielos del Cielo + Astroboy tiene un plan CCEC (Córdoba) Bilis Negra.03 al 30.05 al 26.04 al 25. Emilio Reato MAC (Salta) Maquinaciones / Edgardo Antonio Vigo macro Residencias Melincué 2008 / José Ignacio Pfaffen. Gabriela Gutiérrez Jardín Oculto Un diálogo de signos / León Ferrari. C.05 26.Galería Rural Carla Bertone.03 al 14.05 30.04 al 15.05 al 23. Roviral masotta-torres Tejido Interno / Josefina Laratro y Tadeo Muleiro Yo. Bazán y otros Adelantados / Lucial Portabales Mite A moi / Lucila Rastellini Arte originario: diversidad y memoria MNBA Juan C. Belén Romero Gunset 3-60 arte (Neuquén) El pedimento / Ana Gallardo Alberto Sendrós Obra reciente / Adriana Ramos Taboada Arcimboldo Sin perder el hilo Barbarie . Colección pictórica del Banco Nacional de México Malba Fotografías / Manuel Álvarez Bravo Catástrofe / R. Rivero. Hoffmann.05 07. Urbanismo Proa Matiné / Liliana Porter Ruth Benzacar Ser polvo / Walter Álvarez Sapo Pena de muerte en Rosario / Mariano Lucano Taller Oculto Tansición / Laura Muslender Vasari Marcas / Eduardo Gil VVVgallery Gabriel Grün Wussmann espacio 713 fecha 23. Opazo Ellic. Orunescu y A. V.04 al 15. Verónica Di Toro.03 al 16.05 07. Gustavo Daniel Rios.05 14.05 27.05 al 26. Ariadna Pastorini Fundación Klemm El futuro ya no es lo que era Fundación OSDE Luz oculta / Isabel Picasso Isidro Miranda Rizoma 4 / V. Oller Jacques Martínez San Poggio.04 al 29.07 30.05 29.06 20.06 14.

SA-DO: 13 a 19hs.30 a 20hs. San Martín Sarmiento y el río Paraná Junín 1930 Av.M de Arte de Tigre (Tigre) Mite MNAD . DO: 17 a 20. SA: 11a 13hs MI-VI: 16 a 20hs.30hs y 15 a 19. SA: 11 a 13.Museo Nacional de Bellas Artes Muntref .M de Arte Contemporáneo de la UNL (Santa Fe) MAC .Espacio de Arte MAC .30hs. SA: 10. Directorio y Av.30hs LU-VI: 10 a 18hs LU-VI: 11 a 20hs LU-SA: 12 a 20hs MA-DO: 11 a 19hs MA-DO : 12 a 19hs LU -VI: 11:30 a 20hs SA: 10:30 a 13:30hs MA -DO: 12 a 20hs LU-VI: 11 a 13. Revol Rufino de Elizalde 2831 Viamonte esq.30 a 20hs. Santa Fe 2729 . SA-DO: 11. Gálvez 1578 Zuviría 90 50 entre 6 y 7 Sarmiento 450 Av.1° Av.Fondo Nacional de las Artes CC Borges CC Parque de España (Rosario) CC Recoleta CC Rojas CC San Martín CCEBA . SA: 15.30 a 14hs LU-VI: 11 a 20hs. SA: 9 a 18hs MA-DO: 10 a 20hs LU-VI: 14 a 20hs.Fondo Nacional de las Artes Fundación Klemm Fundacion OSDE Proa Isidro Miranda Jacques Martínez Jardín Oculto Jorge Mara . del Libertador 1902 Av. del Libertador 2475 Av. SA-DO: 12 a 19hs LU-VI: 12 a 21hs MA-DO: 14 a 19hs MA-VI: 12.30hs MA-VI: 14 a 20hs. SA: 11 a 15hs LU-VI: 12 a 19hs LU-VI: 11 a 20hs.Sede Florida CCEBA . SA: 11 a 20hs DO: 19 a 22hs MA-DO: 15 a 20hs LU-SA: 10 a 21hs. SA: 11 a 14hs 66 .PB Arévalo 1748 Carlos Pellegrini 1255 Guido 1725 Honduras 4882 Arenales 1540 Alsina 673 Marcelo T. SA-DO: 11 a 20hs MI-VI: 17.CC de España en Buenos Aires .30 a 20hs MA-VI: 9 a 13 y 16 a 20hs. Infanta Isabel 555 Defensa 1455 Niceto Vega 5181 Uriarte 1332 Posadas 1725 Florida 1000 Esmeralda 1357 Aguirre 1153 . Corrientes 1543 Sarmiento 1551 Florida 943 Paraná 1159 Entre Ríos 40 El Salvador 5176 Pasaje Bollini 2170 Av. Tres Sargentos 359 Juncal 685 . Hipólito Irigoyen 651 Av. SA: 10 a 13hs LU-VI: 12.30hs MA-VI: 10 a 20hs .2º Venezuela 570 Venezuela 571 MA-SA: 13 a 19hs LU-VI: 12 a 20hs.30 a 20hs . SA-DO: 16 a 20hs JU-LU: 12 a 20hs . Pellegrini 2202 Av.30 a 19. MA: cerrado LU-SA: 10 a 18hs MI-VI: 10 a 19hs.30 a 20hs.30 a 18. del Libertador 1473 Valentín Gómez 4828 Av.M de Arte Contemporáneo Latinoamericano (La Plata) macro .30hs.Sede Paraná CCEC . SA: 10. Quintana 325 . Figueroa Alcorta 3415 México 459 Paseo Victorica 972 Av.30hs LU-VI: 11a 20hs.Museo Nacional de Artes Decorativas MNBA .CC de España en Buenos Aires .30 a 20. SA: 16 a 20.30hs.30hs LU-DO: 11 a 21hs LU-VI: 10.Local 30 Av.La Ruche La Casona de los Olivera (Parque Avellaneda) LDF .Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires masotta-torres MAT .30hs LU-VI: 10. SA: 11a 19hs LU-VI: 11 a 20hs.30 a 20. SA-DO: 9.M de Arte Contemporáneo de Rosario (Rosario) Malba . de Mayo 1130 4to G Venezuela 926 Paraná 1133 Av.Museo Universidad Tres de Febrero (Caseros) Museo Caraffa (Córdoba) Museo Castagnino (Rosario) Museo Sívori Niundíasinunalínea Objeto a Pabellón 4 Palais de Glace Ruth Benzacar Vasari VVVgallery Wussmann Zavaleta Lab Defensa 713 Libertad 1389 Pje. DO: 12 a 21hs MA-DO: 15 a 20hs LU-SA: 11 a 22hs LU-SA: 11a 22hs.M de Arte Contemporáneo de Salta (Salta) MACLA .30 a 13.nueva_r90_mayo-ok. SA-DO: 10 a 20hs MA-VI: 15. SA: 11 a 14hs LU-VI: 11 a 20hs. Pedro de Mendoza 1929 Estados Unidos 726 Av.30 a 19.CC de España en Córdoba (Córdoba) Dabbah Torrejón Daniel Abate Daniel Maman Del Infinito Elsi del Río Empatía Enlace Ernesto Catena Espacio Fundación Telefónica FNA . MA: cerrado MA-VI: 12 a 20hs. Lacarra Perú 711. SA: a combinar MA-VI: 15 a 20hs. SA-DO: 17 a 20.30 a 14hs LU-VI: 10 a 14 y 16 a 20.30hs LU-SA: 10 a 19hs LU-SA: 16 a 20hs MA-DO: 14 a 20hs LU-VI: 11.30hs LU-VI: 10 a 20hs LU a VI: 15 a 20hs.30hs. SA-DO: 16 a 20hs MA-VI: 9 a 13 y 17 a 20. SA: 11 a 13. 1º N2 Bv.30hs LU-VI: 8 a 21hs. MI: 12 a 21hs.30hs LU-VI: 14 a 20hs LU-VI: 10 a 19hs LU-SA: 14 a 19hs LU-SA: 13 a 19hs LU-VI: 11 a 20hs. de Alvear 626 Suipacha 658 . SA: 13 a 16hs MA-SA: 12 a 20hs MA-DO: 14 a 20. SA: 10.PB Chacabuco 551 Lavalleja 1062 Humboldt 1574 Belgrano y Pje.qxd:ramona 4/24/09 11:27 AM Page 66 espacios 713 Agalma Alberto Sendrós Ápice Arte Appetite Arte x Arte Braga Menéndez Casa 13 (Córdoba) Casa de la Cultura FNA . SA-DO: 15 a 22hs LU-VI: 14 a 20hs.30hs.

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