Mujeres  judías,  artistas  
Por  Santiago  Raigorodsky.  Director  Tarbut  Arte.   “En  un  mundo  dominado  por  los  hombres,  el  de  éstos  es,  por  definición,  un  mundo  de  poder.   Ese  poder  es  una  parte  estructurada  de  nuestras  economías  y  sistemas  de  organización  política   y  social;  hace  parte  del  núcleo  de  la  religión,  la  familia,  las  expresiones  lúdicas  y  la  vida   intelectual.  Individualmente  mucho  de  lo  que  nosotros  asociamos  con  la  masculinidad  gira   sobre  la  capacidad  del  hombre  para  ejercer  poder  y  control...”   Este  breve  texto  es  la  introducción  de  un  artículo  del  Prof.  Michael  Kaufman,  editado  en  1994   o  sea,  hace  poco  más  de  quince  años,  pero  posiblemente,  podría  haber  sido  escrito  ayer  y   pareciera  ser,  que  desde  hace  cientos  (por  no  decir  miles)  de  años,  estos  aspectos  de  nuestra   sociedad,  de  nuestro  mundo  occidental,  poco  han  cambiado.   No  obstante,  el  hecho  de  denunciar  esta  situación,  no  nos  aleja  del  objetivo  de  nuestro   artículo,  que  no  es  el  de  hacer  un  análisis  sociológico,  antropológico  o  sicológico  en  el  campo   de  las  relaciones  humanas,  en  el  campo  de  las  relaciones  entre  mujeres  y  hombres.  Aunque  no   podemos,  ni  debemos  soslayar  esta  realidad,  que  afecta  directamente  a  nuestro  tema,  que  es   mucho  más  simple.  Nuestra  intención  es  destacar  la  contribución  de  la  mujer  al  mundo  de  la   creación,  al  mundo  de  las  artes  plásticas  y  en  particular,  el  de  la  participación  de  las  artistas   judías.   Sin  duda  alguna,  las  mujeres  son  las  grandes  ausentes  de  los  libros  de  texto  de  la  Historia  del   Arte,  puesto  que  la  pintura,  como  la  escultura,  el  dibujo  y  las  demás  disciplinas  artísticas,  hasta   hace  poco  más  de  un  siglo  y  medio,  han  sido  consideradas  como  una  creación  exclusivamente   masculina.     Es  sabido  que  desde  el  principio  de  los  tiempos  las  mujeres  han  realizado  sus  propios  diseños,   sea  en  la  elaboración  de  piezas  utilitarias  u  ornamentales,  en  los  diseños  de  los  bordados  y   tapices,  han  iluminado  manuscritos  y  realizado  pinturas  al  fresco  en  conventos  y  monasterios   en  la  Edad  Media.  Si  hasta  finales  del  siglo  XIX  las  artistas  fueron  escasas,  se  debe  a  que  las   mujeres  no  tuvieron  apenas  acceso  a  la  cultura.  En  Occidente,  la  única  excepción  estaría  en  la   aristocracia  francesa  del  siglo  XVIII.  Pero  en  el  resto  del  mundo,  a  la  casi  totalidad  de  las   mujeres  se  les  han  asignado  tareas  únicamente  relacionadas  o  derivadas  de  su  propia  biología,   es  decir,  el  cuidado  de  los  hijos  y  en  consecuencia,  también  las  tareas  domésticas,  el  cuidar  de   la  casa  y  del  marido.  De  esta  forma  es  comprensible  que  tampoco  encontremos  ni  médicas,  ni   abogadas,  ni  arquitectas,  hasta  prácticamente  el  siglo  XX.     Esta  reclusión  de  las  mujeres  en  el  espacio  doméstico  no  es  propia  de  una  sola  cultura  sino   que,  con  variantes,  ha  pasado  de  una  a  otra  cultura  (cosa  que  en  algunas,  hasta  el  día  de  hoy,   sigue  sucediendo),  de  ahí  su  permanencia  en  el  tiempo.  En  el  occidente  europeo  las  influencias   culturales  más  importantes  han  sido  las  de  Grecia  y  Roma,  con  el  añadido  posterior  de  la   religión  judeo  cristiana  y  más  tarde,  la  musulmana.  

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Obviamente,  las  mujeres,  igual  que  los  hombres,  han  dependido  de  su  situación  económica  y   de  su  clase  social.  No  era  la  misma  forma  de  vida  la  de  una  dama  medieval  que  la  de  una   campesina,  ni  el  de  una  mujer  burguesa  que  el  de  una  obrera  fabril.   Si  bien  el  ámbito  de  la  práctica  artística  les  estaba  permitido  solo  a  ciertas  mujeres,  por   necesidad  o  tradición,  había  otros  que  les  estaban  vedados,  especialmente  los  relacionados   con  la  política,  con  lo  económico  y  en  definitiva  con  todo  aquello  que  significaba  poder.     En  el  ámbito  de  las  artes  son  pocas  las  mujeres  que  trabajaron  solas,  pues  por  lo  general  lo   hacían  junto  a  sus  padres,  esposos  o  hermanos  en  los  estudios  de  pintura  y  escultura  de  éstos.   A  una  pequeña  parte  de  mujeres,  pertenecientes  a  las  clases  sociales  más  elevadas.  se  les   permitía  aprender  pintura  como  parte  de  la  educación  Renacentista.  En  pocos  casos  algunas   de  ellas  llegaron  a  ser  pintoras  profesionales  de  gran  prestigio.   Pero  muchos  de  los  trabajos  de  estas  mujeres  permanecieron  anónimos  o  han  sido  atribuidos   a  otros  artistas,  y  de  las  pocas  obras  de  mujeres  que  se  han  conservado,  se  las  han   considerado,  injustamente,  de  menor  categoría  que  la  realizada  por  hombres.   En  ese  tiempo,  a  las  pintoras  o  escultoras  se  les  limitaba  en  su  formación  pues  no  se  les   permitía  la  práctica  del  dibujo  del  natural,  ya  que  la  base  de  las  enseñanzas  académicas  se   realizaba  con  modelo  desnudo.  Ese  criterio  se  extendió  desde  el  siglo  XVI  al  XVIII.  Los  temas   que  podían  ser  tratados  por  mujeres  habían  de  circunscribirse  a  retratos,  interiores  y   bodegones  (flores,  frutas  y  utensilios).  Con  pocas  excepciones,  las  mujeres  no  pintaron   paisajes  hasta  el  siglo  XVIII.   Uno  de  los  temas  mas  tratado  por  mujeres  han  sido  los  retratos,  hermanas  y  hermanos,  padres   e  hijos,  todas  personas  cercanas  a  su  entorno.  La  fama  de  algunas  de  estas  artistas  las  llevaban   a  pintar  retratos  de  nobles  y  monarcas,  que  les  encargaban  esa  tarea.  Además  de  ensalzar  la   belleza  y  virtudes  de  los  retratados,  en  muchos  casos,  esos  retratos  se  utilizaban  con  el  fin  de   ser  intercambiados  entre  posibles  futuros  esposos  o  esposas.  Muchas  alianzas  matrimoniales   se  establecían  sin  que  los  interesados  se  conocieran  personalmente.     Paradójicamente,  muchas  mujeres  han  sido  objetos  del  arte  (eso  hasta  el  día  de  hoy),  es  decir   que  han  sido  representadas  en  muchas  facetas  de  su  vida,  reinas,  madres  y  realizando  trabajos   relacionados  con  el  estereotipo  femenino  y  con  otros  múltiples  objetivos.  Sin  embargo,  pocas   veces  aparecían  como  sujetos  del  arte,  es  decir  como  autoras  de  la  obra  de  arte.  En  el   autorretratro  es  una  de  las  oportunidades  en  que  se  funden  y  confunden  los  dos  conceptos,   sujeto  y  objeto.,     Una  de  las  primeras  obras  conocidas  firmadas  por  una  mujer,  Ende,  es  una  miniatura  del  año   975  que  se  encuentra  en  un  códice  que  contiene  los  comentarios  del  Beato  de  Liébana  del   libro  del  Apocalipsis  en  el  Nuevo  Testamento  y  se  encuentra  en  la  Catedral  de  Girona.  Pero  es   recién  a  partir  del  siglo  XVI  cuando  comienzan  a  surgir  de  manera  progresiva  algunas  mujeres   artistas.     Sin  duda  alguna,  hoy  son  muchas  más  que  las  que  aquí  aparecerán,  las  que  deberían  figurar  en   este  escrito,  pero  lamentablemente  esto  escapa  a  las  posibilidades  de  este  breve  texto,  que   2    

   

 

   

sólo  pretende  ser  una  aproximación  al  tema.  En  todo  caso,  es  promesa,  volver  sobre  muchas   de  sus  protagonistas  debido  a  su  importancia  y  la  relevancia  de  sus  obras  y  posicionamientos.     De  las  primeras  mujeres  artistas  podemos  mencionar  a  Properzia  de  Rossi  (1490  -­‐1530),   pintora  y  escultora  italiana  y  a  Levina  Teerling  (1510-­‐1576)  artista  flamenca  de  la  que,  en   secreto,  fue  profesor  Hans  Holbein.  Sofonisba  Anguissola  (1531-­‐1626)  que  nació  en  Cremona   (Italia)  fue  una  mujer  cuyos  retratos  fueron  característicos  del  humanismo  renacentista.     Entre  sus  retratos  se  destacan  los  de  Felipe  II  y  el  de  la  reina  de  España,  Isabel  de  Valois.  Se   sabe  que  cuatro  de  sus  cinco  hermanas  fueron  también  pintoras  y  que  muchas  de  sus  obras   fueron  destruidas  por  considerarse  impropias  de  mujeres.  Muchas  obras  de  esta  pintora  han   sido  atribuidas  a  Tiziano  o  a  Antonio  Moro   A  Diana  Scultori  Ghisi  (1547-­‐1612),  precedida  por  una  fama  muy  grande,  le  fue  concedido  el   deseo  de  poder  firmar  sus  propios  cuadros  con  el  nombre  de  Diana  Mantuana  o  Diana   Mantovana.  También  mencionamos  a  Marietta  Robusti  Tintoretto  (La  Tintoretta)  (1560-­‐1590),   veneciana,  hija  de  Jacobo  Robusti  mas  conocido  como  Tintoretto.  Fue  también  pintora  y   compositora,  pero  su  carrera  se  vio  truncada  a  los  30  años  por  un  parto  prematuro.  Artemisia   Gentileschi  (1593-­‐1653?)  fue  una  pintora  de  temas  bíblicos  y  una  de  las  primeras  feministas  de   la  época.  Judith  Leyster,  nacida  en  1609  en  Haarlem  (Holanda)  fue  una  de  las  pocas  mujeres   reconocidas  de  su  tiempo.  Se  sabe  que  estudió  con  Frans  Hals  y  muchas  de  las  obras  de  la   artista  se  supusieron  de  éste.   No  obstante,  estas  artistas  y  algunas  otras  que  se  hicieron  famosas,  los  estudios  sobre  mujeres   artistas,  podemos  decir  que  son  recientes.  El  manual  más  utilizado  en  las  universidades   occidentales,  La  Historia  del  Arte  (1959)  de  H.W.  Janson,  no  citaba  ni  a  una  sola  artista.  Solo   desde  que  en  1971  Linda  Nochlin  escribiera  en  su  artículo  “Why  Have  There  Been  No  Great   Women  Artist”  (“Porque  no  ha  habido  grandes  mujeres  artistas”)  en  la  revista  Artnews,   empezaron  a  aparecer  textos  destinados  a  rescatar  del  olvido  a  muchas  artistas.     Sin  embargo,  aún,  en  muchas  publicaciones  actuales  de  arte,  incluso  en  sus  ediciones  más   populares  y  accesibles  al  gran  público,  como  el  libro  “Los  maestros  de  la  pintura  Occidental”   publicado  en  el  año  2000  por  la  Editorial  Taschen  y  dirigida  por  Ingo  F.Walther,  verificamos   que,  entre  los  muchos  centenares  de  biografías  existentes,  con  esfuerzo,  nos  encontramos  con   diez  nombres  de  mujeres.  Y  como  no  podía  ser  una  excepción,  en  el  libro  de  Karl  Schwartz  de   1950  (en  su  edición  en  castellano)  titulado  “Pintores  y  escultores  judíos  de  los  siglos  XIX  y  XX”,   entre  los  casi  cincuenta  artistas  tratados  no  existe  una  sola  mujer.   En  realidad  fue  sólo  en  el  siglo  XX  cuando  aparecieron  muchísimas  mujeres  artistas  de   vanguardia  y  no  son  pocas  las  voces  críticas  que  hablan  de  un  siglo  XIX  como  profundamente   misógino.  No  olvidemos  el  largo  y  difícil  proceso  vivido  para  que  las  mujeres  alcanzaran  el   derecho  al  sufragio,  que  suponía  la  igualdad  política,  así  como  la  igualdad  de  derechos  y   deberes.  Algo  que  por  desgracia,  aún  no  se  ha  alcanzado  en  muchos  países.   Pero  hoy,  y  desde  hace  unas  pocas  décadas,  estamos  asistiendo  a  uno  de  los  períodos  más   intensos  y  dinámicos  en  cuanto  a  la  presencia  de  la  mujer  en  el  arte  actual.     3    

   

 

   

Es  ahora  que  las  obras  de  artistas  mujeres  están  presentes  en  infinidad  de  exposiciones  y   eventos  artísticos  que  se  realizan.  La  relación  entre  arte  y  feminismo  ha  adoptado  distintas   posiciones  y  matices  y  no  pocas  controversias  en  relación  a  una  búsqueda  identitaria  de  la   mujer  y  del  arte  protagonizado  por  ella.  Es  obvio  que,  tanto  en  el  proceso  actual  de   construcción  social  como  en  el  acto  creativo,  no  existen  diferencias  entre  mujeres  y  hombres,   como  tampoco  la  creatividad  en  arte,  ni  en  ningún  otro  campo,  está  regida  o  es  exclusiva  de   una  edad,  de  un  estamento  religioso  o  depende  del  color  de  una  piel.   Hoy,  la  presencia  de  la  mujer  en  el  arte  contemporáneo  es  de  tal  peso  y  magnitud  que  es   imposible  contar  la  historia  del  arte  sin  invocar  lo  agudo  de  su  visión,  la  fuerza  de  sus  imágenes   y  el  enorme  aporte  cultural  de  ellas  al  arte  actual.  En  el  terreno  fértil  de  la  creación,  las   mujeres  han  ido  ganando  un  espacio  invaluable  en  la  educación  artística,  en  la  crítica  y  el   análisis  del  hecho  artístico,  y  en  la  literatura  que  el  arte  genera.  Actualmente  es  incontable  la   cantidad  de  mujeres  que  participan  de  la  vida  de  las  grandes  instituciones  museísticas,  de  las   galerías  de  arte,  de  las  bienales  y  de  los  grandes  acontecimientos  de  la  vida  artística.   Y  todo  esto,  no  podía  ser  diferente  en  el  caso  de  mujeres  artistas  y  judías.  Vemos,  que  a  pesar   de  tratarse  de  una  minoría  (por  judías),  dentro  de  otra  minoría  (por  artistas),  la  mujer  judía  se   destaca  por  su  valioso  aporte  a  este  mundo,  en  los  innumerables  y  diversos  campos  que  el  arte   implica.     Como  señalamos  anteriormente,  es  imposible,  por  la  incontable  cantidad  de  mujeres  judías   integradas  al  mundo  del  arte,  mencionar  a  todas  ellas.  Estas  que  presentamos  son  sólo   algunas,  representativas,  unas,  por  la  trascendencia  de  su  obra  y  otras  por  su  particular   significado  histórico.  Cabe  reseñar  que  particularmente  en  el  caso  de  las  mujeres  judías,  los   nombres,  las  obras  e  incluso  las  vidas  de  muchas  ellas,  han  sido  destruidas,  un  motivo  más  por   el  cual  no  han  llegado  a  nosotros..            

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    REBECCA  SALOMÓN       Nació  en  la  localidad  de  Bishopsgate  en   Londres  en  1832.  Como  era  común  en  la   época,  Rebecca  realizó  sus  primeros   aprendizajes  en  arte  junto  a  su  hermano   mayor,  Abraham  y  posteriormente  fue   aceptada  como  alumna  en  la  Escuela  de   Diseño  of  Art.  Sorprendentemente  se  le   permitió  exhibir  sus  pinturas  en  la   Academia  Real  de  Arte  entre  1851  y   1869.  Si  bien  no  fue  miembro  de  la   Hermandad  Pre-­‐Raphaelite  se  la  podría   considerar  una  mas  de  esta  escuela.   Trabajó  en  el  estudio  de  John  Everett   Millais  fundador  de  la  Hermandad  Pre-­‐ Raphaelite.  Rebecca  Salomón  murió  en   un  accidente  en  el  año  1886.       MARIA  DILLON     Fue  una  excelente  escultora  rusa  nacida  en   l858  y  que  falleció  en  1932.  Hija  de  padres   judíos,  tuvo  la  fortuna  de  nacer  en  la  época   de  las  grandes  reformas  que  proclamó  el   entonces  Zar  Alejandro  II,  lo  que  permitió   ciertos  derechos  civiles  para  algunas   categorías  de  judíos  rusos.  .   De  familia  holgada,  esto  le  permitió  ser  la   primera  estudiante  admitida  en  la  Academia   de  Bellas  Artes  de  San  Petesburgo  y  también   una  de  las  primeras  mujeres  escultoras  de   Rusia.  María  se  graduó  con  medalla  de  oro   en  l988      

 

   

Peg  Woffington  visita  a  Triplet  -­‐  R.  Salomon  

 

 

Dreams  –  1909  –  María  Dillon    

 

Su  obra  escultórica  se  basó  fundamentalmente  en  la  representación  de  temas  alegóricos  y   mitológicos,  así  como  en  retratos  de  diversas  personalidades  de  la  historia  de  Rusia.    Retratos,  desnudos  femeninos,  esculturas  monumentales  y  decorativas,  tratadas  con  el   academicismo  que  imperaba  en  los  finales  de  ese  siglo  son  el  signo  distintivo  de  su  obra.   Trabajos  de  esta  artista  se  pueden  admirar  en  las  colecciones  del  Museo  Ruso,  en  el  Gornyi   Museum  de  San  Petesburgo  (que  le  dedicó  una  importante  retrospectiva  con  motivo  del  150   aniversario  de  su  nacimiento)  y  en  la  Galería  Tretyakov  de  Moscú.      

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    MELA  MUTER   Nació  en  Varsovia  en  el  año  l876  y  su  nombre   real  era  María  Melania  Klingsberg.  Mela   nació  en  el  seno  de  una  familia  judía   acomodada  asimilada  a  la  cultura  polaca.  La   artista  vivió  gran  parte  del  tiempo  fuera  de   su  país,  principalmente  en  Francia  y  también   en  España.  Su  formación  inicial  la  recibió  en   la  Escuela  de  Dibujo  y  Pintura  de  Mujeres   fundada  por  Milosz  Korbatinski  en  Varsovia,   la  única  escuela  a  la  que  podían  asistir   mujeres.  

 

   

En  1899  Mela  se  casó  con  Michal  Mutermilch   (de  allí  la  adopción  del  Muter),  un  esteticista   y  corresponsal  de  París  para  la  prensa  polaca.   Soledad  –  Mela  Muter   En  1901  se  trasladó  con  su  familia  a  París   donde  continuó  su  formación  artística  en  la   Academia  Colarosi  y  en  la  Academie  de  la   Grande  Chaumière.   En  1902  comenzó  a  presentar  sus  obras  en  los  Salones  de  París  y  también  expuso  en  varias   colectivas  que  tuvieron  lugar  en  Cracovia,  Lvov  y  Varsovia.     Sus  primeras  muestras  individuales  se  iniciaron  en  1912  con  una  exposición  en  la  Galería   Dalmau  de  Barcelona  y  ese  mismo  año  se  convirtió  en  miembro  de  la  parisina  Societé   Nationale  de  Beaux-­‐Arts.  En  1914  la  artista  reside  por  un  tiempo  en  la  ciudad  de  Gerona  donde   su  pintura  siente  la  fuerte  influencia  del  impresionismo.  Su  trabajo  es  intenso  luego  de  esa   estadía  en  España  y  realiza  en  Francia  numerosas  exposiciones  como  su  individual  en  1918  en   la  Galería  Chéron  y  años  mas  tarde  en  la  galería  Druet.  También  expone  en  Munich,  Alemania  y   Pittsburg,  en  los  Estados  Unidos.   Mela  Muter  se  hace  ciudadana  francesa  en  1927,  allí  y  con  el  tiempo,  la  artista  se  relaciona  con   numerosas  figuras  de  la  élite  artística  e  intelectual  parisina,  Gottlieb,  Artur  Honneger,  Diego   Rivera,  Romain  Rolland,  Henri  Barbusse  y  Reiner  Maria  Rilke  son  amigos  de  la  artista.,  y   muchos  retratos  de  ellos  son  realizados  por  ella.  En  1937  obtiene  una  medalla  de  oro  en  la   Exposición  Universal  de  París.  Mela  Muter  falleció  en  París  en  1967.    

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SONIA  DELAUNAY     Nace  con  el  nombre  de  Sonia  Terk  en  Odesa,   Ucrania,  en  el  año  1885.  Sonia  nació  en  el   seno  de  una  familia  judía,  que  a  los  cinco   años  dejó  a  su  hija  en  adopción  con  unos  tíos   maternos,  de  buena  posición,  gracias  a  lo  cual   pudo  vivir  una  vida  más  holgada.  Sus   primeros  años  se  desarrollaron  en  San   Petesburgo.  Pero  fue  en  Alemania  y  luego  en   París  donde  Sonia  se  desarrolló   artísticamente.  Su  primera  etapa  artística  se   ve  fuertemente  influenciada  por  los  post   impresionistas,  principalmente  por  Van  Gogh   y  Gaugin,  también  por  los  fauvistas,  que  era   la  pintura  de  moda.  En  1910  su  vida  cambia   radicalmente  al  conocer  a  Robert  Delaunay,   Untitled,  1972   con  quien  se  casaría  en  1910.            Ambos  trabajaron  en  equipo  y  dieron  lugar  a  una  variante  del  cubismo,  mucho  más  abstracto   y  colorido,  que  Apollinaire  llamó  “Orfismo”.  Este  estilo  estaba  basado  en  la  yuxtaposición  o   “contraste  simultáneo”  de  colores  puros.  Expuso  pinturas,  telas  pintadas  a  mano  que   revolucionaron  el  diseño  textil  (se  la  llamó  la  “reina  del  art  decó”)  y  diseñó  vestuarios  para   teatro.  En  1964,  el  Museo  Nacional  de  Arte  Moderno  de  París  recibió  una  donación  de  58  de   sus  obras  que  expuestas  en  el  Louvre,  la  convirtieron  en  la  primera  mujer  ,que  en  vida,  vio  allí   sus  cuadros  expuestos  .En  1975  fue  condecorada  con  la  Legión  de  Honor.  Sonia  nos  dejó  en   París,  en  1979.            

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CHANA  ORLOFF       Nació  en  la  ciudad  Ucraniana  de  Tsare   Constanstinovska  o  Konstantinovka,  el  12  de  julio  de   l888.Chana  fue  una  escultora  figurativa  que  a  muy   temprana  edad,  en  1905,  emigró  a  Palestina  cuando   aún  esta  formaba  parte  del  imperio  Otomano.   Seis  años  más  tarde  se  trasladó  a  París,  con  la   intención  de  aprender  costura.  Allí  trabajando  en   esto,  fue  animada  a  desarrollar  sus  dotes  artísticas.   Ingresó  en  la  Escuela  Nacional  de  Artes  Decorativas,  y   tras  esa  etapa  de  formación  se  inscribió  en  el  taller  de   escultura  de  Marie  Vassiliev,  en  la  Academia  Rusa  de   Montparnasse.  Allí,  entra  en  contacto  con  artistas  de   la  talla  de  Pablo  Picasso,  Jaim  Soutine,  Jules  Pascin,   Ossip  Zadkine  y  Moise  Kissling,  artistas  que   conformaron  la  llamada  Escuela  de  París.  Pero  su   Chana  Orloff   mayor  afinidad  fue  con  Amadeo  Modigliani,  a  quien  le   presentó  a  la  que  sería  la  pareja  de  éste,  Jeanne   Hébuterne.     Fue  en  1918  cuando  una  obra  de  Chana  fue  seleccionada  para  el  Salón  de  Otoño  y   posteriormente  realizó  su  primera  exposición  individual  en  la  Galería  Bernheim  Jeune.   Chana  trabajó  y  esculpió  en  todos  los  materiales  posibles,  piedra,  mármol,  madera,  bronce....   convirtiéndose  en  la  retratista  de  la  élite  parisina.  Fueron  numerosas  sus  obras  catalogadas   (495)  y  una  de  las  influencias  más  importantes  que  recibió  fue  la  del  cubismo.  Su  temática  fue   amplia  y  abarcó  desde  esculturas  de  mujeres  a  niños,  así  como  figuras  de  animales,  a  los  que   dotará  de  un  sentido  simbólico.  

 

De  sus  numerosas  exposiciones  mencionamos  la  de  1928  en  Estados  Unidos  y  en  1937  en  el   Petit  Palais  de  París.  La  guerra  interrumpió  su  trabajo  y  una  vez  más  se  vio  obligada  a  emigrar.   Esta  vez  se  refugió  en  Ginebra,  Suiza,  donde  prosiguió  su  intensa  labor.  Luego  de  la  guerra,   Chana  vuelve  a  París  y  se  inicia  un  periodo  de  grandes  retrospectivas,  tanto  en  Europa  como  en   Estados  Unidos  e  Israel.  En  1968,  el  18  de  diciembre,  Chana  Orloff  murió  mientras  preparaba  la   gran  exposición  retrospectiva  organizada  por  el  Museo  de  Tel  Aviv,  que  ya,  en  1949,  había   mostrado  una  gran  exposición  suya  con  37  de  sus  esculturas.            

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    MARCELLE  CAHN     Nació  el  1  de  marzo  de  1895  en  el  seno  de   una  familia  judía  de  Estrasburgo,  Alsacia   (Francia).     Marcelle  fue  una  pintora  sumamente  activa   en  toda  su  vida  y  su  obra  conjugó  las   numerosas  tendencias  plásticas  propias  del   cambiante  siglo  pasado.  Fue  una  de  las   alumnas  más  conocidas  de  la  Académie   Moderne,  donde  estudió  con  Fernand  Léger   y  Amédée  Ozenfat.  En  sus  primeras  obras  se   percibe  la  fuerte  vinculación  que  tenían,   primero  con  el  expresionismo  y   posteriormente  con  el  cubismo  

 

   

 

En  su  evolución  la  artista  se  ve  también  influenciada  por  el  constructivismo  y  luego  por  el   purismo,  que  se  caracteriza  por  su  fuerte  contenido  geométrico  que  la  artista,  con  el  pasar  del   tiempo,  fue  depurando  hasta  alcanzar  una  abstracción  total,  que  mantuvo  hasta  el  final  de  su   vida.   Cahn  expuso  sus  primeras  obras  en  una  exposición  colectiva  titulada“Art  d´Aujourd  hui”,  ella   era  la  única  mujer  presente.  Entre  los  otros  artistas  se  encontraban  Picasso,  Léger,  Juan  Gris  y   Moholy  –  Nagy.  En  1926  expuso  con  el  grupo  radical  “Societé  Anonyme”  en  el  Museo  de   Brooklin.  Ya  en  1928,  con  un  estilo  definido,  forma  parte  del  grupo  “Cercle  et  Carré”  que  había   sido  fundado  por  Michel  Seuphor.  En  1930  se  incorpora  al  más  internacional  “Abstraction-­‐ Création”,  grupo  fundado  por  August  Herbin.  Cahn,  de  esta  manera  expone  al  lado  de   importantes  artistas  modernos  como  Piet  Mondrian,Jean  Arp,  Albert  Gleizes  y  Theo  Van   Doesburg.     Durante  la  ocupación  de  París,  su  carrera  se  ve  interrumpida,  pero  ya  en  1944  floreció   nuevamente.  Marcelle  exhibió  sus  obras  y  su  arte  en  los  salones  más  importantes,  como  el   Salon  Des  Réalités  Nouvelles  y  realizó  numerosas  exposiciones  individuales  en  París,  Londres,   Milán,  Ginebra,  Zurich,  Estocolmo  y  Estrasburgo.     Al  final  de  su  dilatada  vida  Cahn  se  volcó  al  collage,  utilizando  una  gran  variedad  de  materiales   como  medio  creativo.  Marcelle  Cahn  buscó  nuevas  experiencias  hasta  su  muerte  que  acaeció   en  Neuilly-­‐sur-­‐Seine  un  20  de  setiembre  de  1981.    

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LOUISE  NEVELSON       Nació  en  Kiev  (Ucrania)  en  1899.  Su  verdadero  nombre   era  Leah  Berliawsky.  Junto  a  su  familia,  a  la  edad  de   siete  años  Louise  emigró  a  los  Estados  Unidos.  En  1920   se  casó  con  Charles  Nevelson  (de  quién  adoptó  el   apellido).  Junto  a  él  se  instaló  en  Nueva  York.  En  1929   comenzó  a  estudiar  en  la  Art´s  Students  League,   decisión  que  no  compartió  su  marido,  siendo  ésta  una   de  las  causas  de  su  posterior  separación.       Tras  una  breve  estancia  en  Alemania,  de  donde  tuvo   que  marcharse  precipitadamente  por  la  llegada  del   partido  nazi  al  poder,  se  estableció  en  París  donde   mantuvo  una  relación  sentimental  con  el  marchante   Georges  Wildenstein.    

  Royal  Tide  I  -­‐  Louise  Nevelson    

Comenzó  así  una  vida  bohemia,  en  la  cual  alternó  pintura  y  escultura.  En  1943  realizó  una  gran   exposición  en  la  Norlyst  Gallery,  con  gran  éxito  de  la  crítica.     Sus  diversos  trabajos  de  las  décadas  de  1930  y  1940  muestran  influencias  del  futurismo  y  las   simplificadas  formas  de  Constantin  Brancusi.  Sus  viajes  a  México  y  América  Latina  le  inspiraron   una  serie  de  obras  en  terracota.  A  comienzos  de  la  década  del  50  comenzó  a  trabajar  en   madera  y  obtuvo  un  gran  suceso  con  Black  Majesty  (1955  Museo  Whitney  de  Arte  Americano,   N.York).  Imitó  ruedas,  sillas,  grifos  y  otros  elementos,  agrupándolos  y  a  veces,  pintandolos  de   negro  o  dorado.  También  experimentó  con  numerosos  materiales  como  el  metal,  el  plexiglás,   plásticos  y  esmaltes.     En  1958  expuso  en  el  Museo  de  Arte  Moderno  de  Nueva  York  y  posteriormente  en  la  Pace   Gallery.  En  1977  creó  la  Capilla  del  Buen  Pastor,  ubicada  en  la  Iglesia  Luterana  de  San  Pedro  de   Nueva  York.  Una  de  las  obras  mas  famosas  de  Levenson  fue  su  “Homenaje  a  6.000.000”,   memorial  a  los  judíos  muertos  en  el  Holocausto.  Falleció  en  Nueva  York  en  1988.  En  el  año   2007  el  Jewish  Museum  de  esa  ciudad  le  dedicó  una  enorme  exposición  retrospectiva  titulada   “La  construcción  de  una  leyenda”.  

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LEE  KRASNER     Nació  el  28  de  octubre  de  1908  y  murió  en  1984.   Su  verdadero  nombre  era  Lena  Krasner  y  era  la   sexta  hija  de  un  matrimonio  judío  procedente  de   Rusia.  Lee  se  formó  en  la  Washington  Irving  High   School,  la  única  escuela  pública  en  donde  una   chica  podía  estudiar  arte.  También  estudió  en  la   Arts  Students  League  y  a  partir  de  1929  ingresa  en   la  National  Academy  of  Design.  Krasner  estudió   con  Hans  Hofman  a  partir  de  1937.  Fue  éste  quien   le  enseñó  obras  de  Picasso  y  Matisse,  además  de   otros  artistas  de  la  abstracción  europea,  lo  que   Seed,  Nº  21  -­‐1969   ejerció  una  gran  influencia  sobre  ella.           Su  obra  es  considerada  dentro  de  la  escuela  del  Expresionismo  Abstracto  americano,  escuela   en  la  que  participaba  un  numeroso  grupo  de  artistas,  entre  ellos  Jackson  Pollock,  con  quien   contrajo  matrimonio  en  1945.     Lee  Krasner  es  uno  de  los  numerosos  casos  en  que  una  artista  se  vio  eclipsada  por  la  figura  de   su  marido,  cuya  relevancia  artística  anuló  completamente  su  obra  y  su  trabajo.   No  obstante,  en  1955,  Lee,  realizó  una  exposición  individual  en  la  Stable  Gallery,  en  Manhattan   que  le  reportó  un  gran  reconocimiento.  Pero  su  mayor  prestigio  internacional  le  llegó  con  dos   grandes  exposiciones  retrospectivas,  la  primera  en  la  Whitechapel  Gallery  de  Londres  en  1965   y  la  segunda  en  el  Whitney  Museum  de  Nueva  York  en  1973.  Lee  Krasner  fue  una  de  las   principales  e  influyentes  figuras  de  la  abstracción  americana  por  méritos  propios  y  su  obra  está   representada  en  numerosos  museos  y  colecciones  del  mundo.     ESTHER  LURIE       Nació  en  Liepaja,  Letonia  en  1913.  Fue  miembro   de  una  familia  judía  religiosa  de  cinco  hijos.  En   1917  se  trasladaron  a  Riga.  Allí  Esther  se  graduó   en  el  Ezra  Gymnasium.  Entre  1931  y  1934   aprendió  escenografía  en  el  Institut  de  Arts   Decoratifs  de  Bruselas  y  más  tarde  estudió  dibujo   en  la  Académie  Royale  de  Beaux-­‐Arts  de   Amberes.       En  1934  Lurie  emigró  a  Palestina  con  parte  de  su    Ghetto  de  Kovno  –  Lituania  -­‐  1942   familia.  Allí  diseñó  decorados  para  el  Teatro   Hebreo  y  colaboró  en  la  exposición  dedicada  a   Bialik  y  en  la  Feria  oriental  de  1937.     En  1938  es  aceptada  como  miembro  de  la  Asociación  de  Pintores  y  Escultores  de  Palestina.   11    

   

   

 

   

Realizó  numerosas  individuales  en  Tel  Aviv,  Jerusalém  y  Haifa.  En  1938  gana  el  premio   Dizengoff  de  dibujo  (el  de  mayor  prestigio).      En  1939  viaja  a  Europa  para  continuar  sus  estudios  de  Arte.  Estando  en  Lituania  es  apresada   durante  la  ocupación  nazi  y  encerrada  en  el  Ghetto  de  Kovno.  Allí  realizó  numeroso  dibujos  de   la  vida  en  el  Ghetto  y  también  un  testimonio  literario  de  la  vida  en  el  mismo.  Posteriormente   fue  deportada  a  Alemania  y  liberada  por  el  ejército  ruso  en  enero  de  1945.     Lurie,  ese  año,  volvió  a  Israel  (Palestina)  donde  se  casó  y  tuvo  hijos.  Siguió  creando  y   exhibiendo  sus  obras  tanto  en  Israel  como  en  el  exterior.  Lurie  falleció  en  Tel  Aviv  en  1998.   DIANE  ARBUS  (Diane  Nemerov)       Nació  en  Nueva  York  en  1923  en  el  seno  de   una  tradicional  familia  judía.  Con  catorce   años,  Diane  comienza  su  relación  con  Allan   Arbus,  con  él  se  casa  a  los  18  años.  En  la   década  de  los  cuarenta  ambos  se  dedican  a  la   fotografía  de  modas  en  revistas  como   “Esquire”,  “Vogue”  y  “Harper´s  Bazaar”.  De   1955  a  1957  Diane  toma  clases  con  la   fotógrafa  austríaca  Lisette  Model,  quien   ejerce  una  gran  influencia  sobre  ella.    

  La  década  de  los  60  fue  la  más  productiva  para  la  artista,  recorría  los  peligrosos  barrios  de   Nueva  York  seleccionando  a  los  personajes  de  sus  fotos,  entre  ellos  enanos,  nudistas  y   prostitutas.  En  1967  realiza  su  exposición  “New  Documents”,  que  la  da  a  conocer  al  gran   público.  Continúa  trabajando  para  importantes  revistas  retratando  a  celebridades  como   Norman  Mailer,  Mae  West  y  Jorge  Luis  Borges.     Víctima  de  numerosas  crisis  nerviosas  y  profundas  depresiones,  Diane  pone  fin  a  su  vida  en   1971.  Un  año  más  tarde  su  trabajo  es  seleccionado  para  participar  en  la  Bienal  de  Venecia,   siendo  la  primera  fotógrafa  norteamericana  en  ser  seleccionada.  El  MOMA  de  Nueva  York  le   organizó  una  gran  retrospectiva  de  su  obra.   En  un  momento  de  su  vida,  Diane  Arbus  escribió:”No  sabía  que  era  judía  cuando  era  una  cría.   ¡No  sabía  que  era  desafortunado  serlo!  Como  me  crié  en  una  ciudad  judía  y  en  una  familia   judía,  y  como  mi  padre  era  un  judío  rico  y  yo  iba  a  un  colegio  judío,  adquirí  un  firme  sentido  de   irrealidad.  Lo  único  que  sentía  era  mi  sensación  de  irrealidad”.      

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    HELEN  FRANKENTHALER       Nació  en  Nueva  York,  el  12  de  diciembre  de   1928.  Es  la  tercera  hija  de  una  familia  judía,   culta  y  progresista.  Su  padre,  Alfred   Frankenthaler  era  Juez  del  Tribunal  Supremo   de  Nueva  York  y  su  madre  Martha   Lowenstein  era  de  familia  alemana.  Helen   estudió  en  la  Escuela  Dalton  con  Rufino   Tamayo  y  posteriormente  con  Hans  Hofmann   .También  estudió  en  el  Bennington  College  de   Vermont.    

 

   

  Sesame  –  1970  –  Helen  Frankenthaler     Helen  Frankenthaler  es  hoy  una  artista  sumamente  prestigiosa  y  considerada  como  una  de  las   líderes  del  “Color  Field”,  dentro  de  la  escuela  del  expresionismo  abstracto  americano.  En  sus   primeros  trabajos  sufre  numerosas  influencias,  pero  a  partir  de  1951  desarrolla  un  estilo   propio,  inspirada  en  Jackson  Pollock,  que  había  utilizado  lo  que  se  llamó  la  técnica  del   “dripping”,  que,  básicamente  consistía  en  salpicar  y  chorrear  la  pintura  sobre  la  tela.     Frankenthaler  utiliza  pintura  muy  diluida  para  empapar  o  manchar  sus  lienzos  sin  preparar,   con  lo  que  creaba  grandes  superficies  de  colores  muy  suaves,  evocando  lejanamente  a   paisajes.  En  otra  etapa,  deja  grandes  espacios  vacíos  procurando  que  “la  tela  respirara”,  a   partir  de  1962  comienza  a  utilizar  colores  acrílicos  más  fuertes  que  el  óleo.  Esta  artista  ejerce  a   su  vez  una  notable  influencia  en  otros  pintores  como  Morris  Louis  y  Kennet  Noland.  En  1978   Helen  se  casó  con  el  también  pintor  Robert  Motherwell,  de  quien  se  divorció  en  1971.   En  1999  fue  ganadora  del  Premio  Jerusalem  de  las  Artes  y  las  Letras,  proporcionado  por  la   Academia  Nacional  de  Arte  y  Diseño  de  Israel.  Innumerables  son  sus  exposiciones  alrededor   del  mundo  y  sus  obras  figuran  en  los  más  prestigiosos  museos  y  colecciones  públicas.  Solo   mencionaremos  algunos  como  el  Museo  de  Arte  Moderno  de  Nueva  York,  el  Guggenheim  de   Berlín,  la  National  Gallery  de  Wáshington  y  el  Museo  de  Arte  de  San  Francisco.  Actualmente   vive  y  trabaja  en  Nueva  York.    

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    EVA  HESSE     Nació  el  11  de  enero  de  1936  en  Hamburgo,   Alemania.  Nacida  en  el  seno  de  una  familia   judía  que,  ante  el  peligro  que  representaba   el  régimen  nazi,  decidieron  enviar  solas  a   Eva  con  dos  años,  y  a  su  hermana  mayor,  a   los  Países  Bajos.  Luego  de  unos  angustiosos   meses,  la  familia  pudo  reunirse  y  decidieron   ir  a  Inglaterra,  donde  vivieron  un  corto   tiempo.  Posteriormente  emigraron  a  los   Estados  Unidos.      

 

   

 Seven  poles  -­‐  Eva  Hesse  

 

Eva  creció  y  estudió  allí.  En  1952  se  graduó  en  el  High  School  of  Industrial  Arts  y  en  la  Escuela   de  Arte  y  Arquitectura  de  Yale  (1957-­‐59),  donde  estudió  con  Josef  Albers.  Hesse  se  casó  con  el   escultor  Tom  Doyle  en  1961.  En  1963  realiza  su  primera  exposición  en  la  Allan  Stone  Gallery,   en  Nueva  York.  Entre  1964  y  1965  el  matrimonio  estuvo  viviendo  en  la  cuenca  del  Ruhr,  en   Alemania.  Posteriormente  regresaron  a  Nueva  York,  donde  se  produjo  la  ruptura  de  la  pareja.   Eva,  en  principio  se  dedicó  a  dibujar,  pintar  y  también  hizo  escultura,  pero  fundamentalmente   fue  una  artista  que  no  se  cansó  de  experimentar  con  nuevos  procesos  técnicos  y  materiales.   Hesse  comenzó  en  1967  a  utilizar  diversos  elementos  como  cuerdas,  vidrio  o  materiales  de   deshecho.  También  empleó  látex  y  fibra  de  vidrio  con  los  que  recubría  objetos  encontrados.   Experimentó  con  estos  medios  plásticos  creando  objetos  transparentes,  translúcidos,  con  el   afán  de  capturar  la  luz  y  el  color.     Eva  expuso  en  1965  en  la  Kunsthalle  de  Dusseldorf,  Alemania.  Entre  1968  hasta  1970  mostró   muchas  de  sus  esculturas  en  la  Galería  Fishbach,  de  Nueva  York.  Su  última  obra,  poco  antes  de   morir  prematuramente  en  1970,  fue  “Seven  Poles”.  En  mayo  del  2006  el  Museo  Judío  de   Nueva  le  dedicó  una  magnífica  exposición  de  sus  obras.        

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    JUDY  CHICAGO  (Judy  Cohen)       Nació  en  1939  en  Chicago  (EEUU)   ciudad  de  la  que  toma  el  nombre.   Judy  se  graduó  con  un  máster  en  arte   por  la  Universidad  de  California,  en   1964.  Se  trata  de  una  artista  que  ha   explorado  una  inusual  y  amplia  gama   de  medios  de  comunicación  en  el   transcurso  de  su  carrera:  pintura,   escultura,  dibujo,  grabado,  pintura   china,  cerámica,  tapicería,  punto  e   incluso  vidrio.  Ha  escrito  y  es  autora   de  numerosas  instalaciones.        

 

   

   The  Dinner  Party  (1975  -­‐1979)  

 

Profundamente  comprometida  con  la  creación  de  contenido  basada  en  el  arte  al  servicio  del   cambio  social,  es  considerada  una  de  las  pioneras  del  arte  feminista  en  Estados  Unidos.  En  su   obra  realiza  un  ejercicio  de  reflexión  sobre  la  identidad  y  el  cuerpo,  además  de  ser  una   luchadora  por  la  libertad  de  expresión  de  la  mujer.   A  principios  de  los  años  setenta  imparte  un  programa  exclusivo  para  mujeres  en  la  California   State  University  (Fresno)  y  poco  después  en  el  California  Institute  of  Arts  establece  por  primera   vez  un  programa  de  Arte  Feminista.  Entre  sus  obras  más  importantes  figuran  “Womanhouse”   (1972),  que  era  una  metáfora  sobre  la  opresión  de  las  mujeres  en  sus  hogares.  Entre  1974  y   1979  crea  “The  Dinner  Party”,  su  obra  más  famosa  y  radical.  En  ella  la  artista  reconstruye  los   orígenes  sociales  y  el  declive  del  matriarcado,  su  sustitución  por  el  patriarcado,  la   institucionalización  de  la  opresión  masculina  y  la  respuesta  de  las  mujeres  a  ésta.  Entre  1980  y   1995  crea  otro  proyecto  monumental.”Birth  Project”,  una  serie  de  imágenes  relacionadas  con   la  creación  y  el  nacimiento.   En  “The  holocaust  Project”  la  artista  muestra  su  creciente  interés  en  su  herencia  judía.  Este   proyecto  fue  elaborado  en  ocho  años  y  contó  con  la  colaboración  del  fotógrafo  Donald   Woodman.  En  él  la  artista  nos  habla  del  Holocausto  como  un  punto  de  referencia  para  una   exploración  profunda  de  las  cuestiones  que  se  relacionan  con  la  condición  humana.     Gracias  a  su  postura  personal  y  a  la  realización  de  estos  proyectos,  así  como  a  su  tarea  en  la   formación  de  centros  artísticos  para  mujeres,  se  puede  decir  que  Judy  Chicago  ejerce  una  gran   influencia  en  muchas  artistas  de  la  actualidad.     Hoy,  las  mujeres,  judías,  artistas,  nos  hablan  con  voz  propia.           15    

          REFERENCIAS  BIBLIOGRÁFICAS  

 

   

Amazonas  con  pincel-­‐  Vida  y  obra  de  las  grandes  artistas  del  siglo  XVI  al  siglo  XXI-­‐  de  Victoria   Combalía  –  Ediciones  Destino  –  Barcelona  2006   Teorizando  las  masculinidades,  (co-­‐editado  con  Harry  Brod)  –  Thousand  Oaks,  CA:Sage   Publications  -­‐1994  –  Este  volumen  incluye  dos  ensayos  de  Kaufman:  “Los  hombres,  el   feminismo  y  contradictorias  experiencias  de  los  hombres  de  poder”.   “Dora  Maar  con  y  sin  Picasso”  –  Ediciones  Destino  –  Barcelona  –  2000   “El  arte  en  búsqueda  de  un  imaginario  en  femenino”-­‐Fund.Joan  Miró  (a  cura  de  Gladys  Fabré)   26  nov.2004  –  6  de  febrero  del  2005       PÁGINAS  WEBS  CONSULTADAS     http://goldenagepaintings.blogspot.com/2008/04/rebecca-­‐solomon.html   http://mujerespintoras.blogspot.com/   http://jwa.org/encyclopedia/article/artists-­‐russia-­‐and-­‐soviet-­‐union   http://en.wikipedia.org/wiki/Wikipedia:Jewish_Encyclopedia_topics/D   http://jwa.org/encyclopedia   http://portal.uam.es/portal/page/profesor/epd2_profesores/prof5152/docencia/Nochlin002. pdf  ¿Por  qué  no  ha  habido  grandes  mujeres  artistas?  –  Linda  Nochlin   http://www.michaelkaufman.com/articles/   http://www.femiteca.com/spip.php?article141   http://www.thejewishmuseum.org/exhibitions/nevelson   http://www.heterogenesis.com/Heterogenesis-­‐5/H-­‐40/Cas/art60.htm  -­‐“Mujeres  artistas  en   los  años  sesenta”  –  Roxana  Popelka   http://gradiva.es/pageID_8313352.html   http://info-­‐poland.buffalo.edu/web/arts_culture/painting/painters/Muter/link.shtml   http://www.judychicago.com/   http://www.fmujeresprogresistas.org/visibili4.htm   http://www.lamujerconstruye.org/actividades/es/otrosarticulos/mujerestbciudad.htm   http://www.lukor.com/literatura/noticias/0409/13171302.htm   http://www.ogigia.es/OGIGIA1_files/PASCUAL.pdf  (Una  aproximación  a  la  imagen  de  la  mujer   en  el  arte  español-­‐Jesús  Félix  Pascual  Molina)   http://imrm.es/UPLOAD/DOCUMENTO/mujeres_rompieron_estereotipo-­‐pintoras.pdf        

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