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Jakob Läser 3cF

Selbständige Arbeit

Die Entstehung einer Rock EP

Betreuungsperson: Herr B. Steffen NKSA 2007

Selbständige Arbeit: Die Entstehung einer Rock EP

Läser Jakob

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Inhaltsverzeichnis Theoretischer Teil 1. Motivation.............................................................................. Seite 2. Beteiligte Personen............................................................... Seite 3. Die Funktion einer EP........................................................... Seite 4. Definition: Progressiv-Alternativer Rock........................... Seite 4.I Allgemein...................................................................... Seite 4.II Vergleich zum kommerziellen Pop.............................. Seite Praktischer Teil 5. Der Entstehungsprozess...................................................... 5.I Vorgehensweise........................................................... 5.II Die Aufgabe des Schlagzeugers................................. 5.III Der Aufbau der Songs................................................ 5.IV Die Vorgaben für Bass und Gitarre............................ Seite Seite Seite Seite Seite

6. Die Aufnahmen...................................................................... Seite 6.I Methode........................................................................ Seite 6.II Technische Grenzen.................................................... Seite 7. Das Layout............................................................................ 7.I Das Betiteln der EP...................................................... 7.II Das Benennen der Songs............................................ 7.III Das Artwork................................................................ Seite Seite Seite Seite

8. Meine persönlichen Erfahrungen........................................ Seite 8.I Glücksmomente........................................................... Seite 8.II Die schwierigen Zeiten................................................ Seite 9. Verdankungen....................................................................... Seite 10. Anhang................................................................................ Seite 10.I Quellenangabe........................................................... Seite

Theoretischer Teil
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1. Motivation Im Radio, im Fernsehen, an Veranstaltungen oder in Filmen spielt die Musik eine zentrale Rolle. Mich interessierte, wie die Musik entsteht und wer dahinter steckt. Ich fragte mich, was eine Band tun muss, um eines Tages einen gewissen Bekanntheitsgrad zu erreichen, um so über die Medien an die Öffentlichkeit zu gelangen. Ich erkannte, dass der einzige Weg dahin zu gelangen, darin besteht, eine EP (Demo) zu erstellen und diese an ein CD-Label, einen Veranstalter oder an ein Radio zu senden. Das Ziel war deshalb, eine EP mit meiner Rockband (Thadeus) zu erstellen. Meine Arbeit beschränkt sich auf das Produkt (EP) und dessen Entstehungsprozess. 2. Beteiligte Personen Die Band Steckbrief Namen: Jeremias Keller Wohnort: Bern Alter: 22 Beruf: Schüler an der Jazzschule Bern Instrument: Bass

Namen: Jakob Läser Wohnort: Baden Alter: 19 Beruf: FMS-Schüler an der NKSA Instrument: Schlagzeug

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Namen: Christian Jenni Wohnort: Aarau Alter: 24 Beruf: Innendekorateur Instrument: Gitarre

3. Die Funktion einer EP „Extended Play“ wird mit EP abgekürzt und heisst auf Deutsch: ausgeweitetes, ausgedehntes Spiel. EP’s sind deutlich länger als Singles, jedoch zu kurz, um als LP (Album) deklariert zu werden. Normalerweise enthält eine EP 10-25 Minuten Musik, während eine Single bis 10 Minuten und eine LP 25-80 Minuten Spielzeit beinhaltet. Die Funktionen einer EP unterscheiden sich deutlich von Single’s und LP’s. EP’s können zusätzliche, spezielle Aufnahmen zu einem Album oder eines Projekts enthalten, daher der Name „erweitertes Spiel“. Die EP kann auch als eine Art „Demo-CD“ verwendet werden. Unbekannte Bands wählen in der Regel vier ihrer besten Songs aus und erstellen damit eine EP. Die EP kann ans Radio, an Veranstalter oder an ein CD-Label gesendet werden, in der Hoffnung, so an die Öffentlichkeit zu gelangen. Eine EP hat die Aufgabe, die Band möglichst gut zu präsentieren; die Songs sollten deshalb breit gefächert ausgewählt werden. Auf eine Single werden meistens verschiedene Versionen eines Liedes (Hits) eines Albums gebrannt. Die Single hat die Aufgabe, dem Käufer die LP schmackhaft zu machen.

4. Definition: Progressiv-Alternativer Rock

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4.I Allgemein Dieser Musikstil setzt sich aus zwei ähnlichen Musikrichtungen zusammen: aus dem progressiven und dem alternativen Rock. Während den späten 80er und frühen 90er Jahre wurden mehrere Bezeichnungen für das Adjektiv “alternativ” bekannt. In den Staaten nannte man den neuen Stil “College-Rock” und in England “Indie”, letzterer entwickelte sich dann schnell zum “Indie-Rock” weiter. Der Begriff alternativer Rock kam auf, als sich die Musik aus vielen verschiedenen Stilelementen anderer Musikrichtungen zusammenzusetzen begann. Mit dem Wort alternativ wurden Bands bezeichnet, welche nicht in das “MainstreamRock-Genre” ihrer Zeit eingestuft werden konnten. Eine der ersten Bands, welche als alternative Rock Band bekannt wurde, war R.E.M. Der Progressive Rock entstand rund 15 Jahre früher. Das Wort progressiv kommt aus dem Französischen und bedeutet, sich ständig entwickeln oder fortschreiten. Der Name lässt darauf schliessen, dass einige Rockbands versuchten, ihre auf simplen Bluesstrukturen beruhende und konventionelle, meist mit Gitarre, Bass und Schlagzeug geprägte Musik, mit neuen musikalischen und textlichen Dimensionen zu erweitern. Bis heute haben sich viele Subkulturen aus diesem Genre heraus gebildet. Zum Beispiel der progressive Metal (Dream Theater) oder der Post-Rock (Mogwai).

4.II Vergleich zum kommerziellen Pop Ich möchte mit diesem Projekt die Zuhörer darauf aufmerksam machen, dass die in der heutigen Gesellschaft am meisten verbreitete Musik, der
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kommerzielle Pop, sehr einfach strukturiert ist. Was nach meinem Geschmack angebracht sein kann oder eben auch nicht. Der Komponist, welcher Songs schreibt, muss sich strengen Normen unterwerfen, um die “Radiotauglichkeit” des Songs beizubehalten. Faktoren wie z. B. die Zeitdauer der Songs, die Taktart und der Aufbau, etc sind mehr oder weniger vorgegeben. Im “Prog-Alt-Rock” hingegen kann sich der Komponist frei bewegen. Die Band hat alle Spektren der vergangenen, gegenwärtigen und zukünftigen Musik offen und auch die Möglichkeit, sie zu nutzen. Somit entstehen - je nach Musiker oder Charakter und Gefühlsverfassung derselben- neue und andere Versionen. Das schönste an diesem “freien” Rock ist, dass neue, eigene Songs entstehen, welche beim ersten Mal vielleicht etwas seltsam klingen, aber beim mehrmaligen Hören, neue eingebaute Finessen bemerkbar werden. Diese Tatsachen liessen unsere Zuneigung gegenüber diesem Rock wachsen. Wir versuchten, jedes Lied mit unseren Ressourcen anders zu gestalten und waren bemüht, populäre Schema-Musik zu vermeiden. Mit dieser Einstellung dieser Musik gegenüber fallen wir fast automatisch in dieses Genre.

Praktischer Teil 5. Der Entstehungsprozess

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5.I Die Vorgehensweise Unser Vorgehen war dieses Mal ein bisschen anders. Normalerweise galt bei uns das Grundprinzip des kollektiven Aufbaus. Zusammen wurde der Song aufgebaut, jeder hatte das Recht Ideen einzubringen oder auch Einsprache gegen einen Vorschlag einzureichen. Fast nie hatte einer zu Hause einen Song geschrieben und dann zum Einstudieren mitgebracht. Wenn wir so gearbeitet hätten, wären wir möglicherweise in Gefahr gelaufen, dass sich eine Person als Leader der Band entwickelt hätte. So wären die anderen zwei in ihrer Kreativität und in der Ausübung ihrer Instrumente enorm eingeschränkt worden, was sich sicherlich in der ganzen Bandbreite und Klangfarbe unserer Musik widerspiegelt hätte. Für mich ist Musik ein Ausdruck von Kunst, in welcher der Künstler “frei” sein muss, um seine Emotionen, welche er nicht in Worte fassen kann, auszudrücken. Aus diesem Grunde versuchte ich ein Mittelmass zu finden, welche zwar die Führung des praktischen Projekts durch meine Person beinhaltete, aber so gestaltet, dass die künstlerische Freiheit des Bass- und Gitarristen nicht beeinträchtigt wurde. Deswegen habe ich von Anfang an die andere Möglichkeit, Bass- und Gitarreharmonien selber zu komponieren, ausgeschlossen; das ist der eine Grund. Der andere ist der, dass ich der Überzeugung bin, drei Köpfe seien kreativer als nur einer. Ich habe mich danach mit meiner Band in Verbindung gesetzt und wir haben uns darauf geeinigt, dass wir solange improvisieren, bis mir ein Motiv besonders auffällt und ich dieses - oder das Thema - passend für einen Song empfinde. So haben wir weitere, passende Teile (Einleitungen, Brücken und Brüche) für das vorhandene Motiv komponiert. Den so zusammen gewürfelten Song haben wir mehrmals eingespielt. Diese Aufnahmen dienten ganz einfach zur Erinnerung. Ich nahm die Aufnahmen nach Hause und machte mir nochmals Gedanken
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über Struktur und Tempo. Ich veränderte, was ich als störend empfand. Als nächstes habe ich ein Schlagzeug Play-Along nach dem neuen Aufbau eingespielt und danach mit anderen Informationen an den Bassund Gitaristen zurück geschickt. Die Idee bestand darin, dass sich meine Kollegen soweit auf die nächste Bandprobe vorbereiten konnten, dass sie ohne Probleme den Song nach Vorgabe auf das Aufnahmegerät einspielen konnten. Dieser Schritt war essenziell, weil wir keine Berufsmusiker sind, welche bereits nach dem ersten Anschauen des Notenblattes, den Song perfekt beherrschen und ihn ohne Patzer mit Metronom spielen können. So konnten wir ohne grosse Zeitverluste die Songs mehr oder weniger fehlerfrei auf das Aufnahmegerät aufnehmen. So sind ziemlich alle Songs entstanden; natürlich gäbe es noch andere Wege zum Ziel. 5.II Die Aufgabe des Schlagzeugers Das Schlagzeug ist ein Begleitinstrument. Die Grundaufgabe besteht darin, das Tempo zu halten. Das Schlagzeug sorgt für den Zusammenhalt und als Richtlinie, so wie der Dirigent im Orchester. Spielt der Schlagzeuger falsch fällt, das Ganze auseinander. Was heisst es ein guter Schlagzeuger zu sein? Ein guter Schlagzeuger ist nicht derjenige, der technisch hochanspruchsvolle Grooves spielt und sich so in den Vordergrund des Ganzen drängt. Ein guter Schlagzeuger ist jemand, der sich dem gespielten Groove der Melodie unterordnet, der auf die Harmonien Rücksicht nimmt und der sich bei schönen Melodien fragt, ob es tatsächlich einen solch komplexen Groove braucht und ob dieser nicht der endgültigen Version schadet. Manchmal wäre nämlich weniger mehr. Ein guter Schlagzeuger spürt genau, wo es einen ausgefüllten Beat braucht und wo er der Band “Luft” lassen sollte. Natürlich kommt es auch da wieder sehr stark auf
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die Musikrichtung an. Beim Funk zum Beispiel ist der Schlagzeuger meistens das auf zwei und vier betonende Metronom. Es kommt auch auf die Größe der Band an. Hier gilt die Faustregel: Je mehr Mitglieder die Band hat, desto mehr sollte der Schalgzeuger sich zurück halten. Natürlich gibt es wie überall Ausnahmen (z.B Dave Weckl Band). Wie ich meine Aufgabe sehe: Im “Alt-Prog-Rock” gelten zum grössten Teil dieselben Prinzipien wie oben aufgeführt. Jedoch werden mir (als Schlagzeuger) in diesem Genre mehr Freiheiten überlassen. Die Grösse der Band hat auch hier einen Einfluss, da sie in unserem Fall nur aus Bass, Gitarre und Schlagzeug besteht. Die Strukturen der Songs sind ziemlich komplex aufgebaut und somit ist die Virtuosität der Musiker mehr gefragt. Auch hier ist wieder Feingefühl gefragt, wo soll man sie ???? einsetzen und wo nicht. Weil wir nur zu dritt sind und auch nur instrumentale Musik, das heisst ohne Gesang spielen, ist jedes Instrument dem anderen gleichgestellt. Also darf und soll (!) auch der Schlagzeuger das Zepter ergreifen und durch den vorgegebenen Rhythmus die Melodie umgestalten. Solche “Drum-Inputs” können Spannungen erzeugen und den Song vielfältiger machen - was in unserer Band oft sehr willkommen ist.

5.III Der Aufbau der Songs Ich wählte den 1. Song der EP – unravelling a mind of the absentee – als Beispiel. Im vorigen Artikel (5.I) habe ich erklärt, worin meine Aufgabe bestand. Mir oblag es, die unstrukturierte Rohfassung der Songs richtig zu strukturieren und meine noch ungenügenden Grooves auszureifen, so dass am Schluss ein interessantes, kompaktes Stück entstand. Ich
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wusste sehr schnell, dass ich die verschiedenen Teile enorm kürzen musste. Erst beim Anhören wurde mir bewusst, wie viele Male wir die einzelnen Parts wiederholt haben, was beim Aufnehmen ganz und gar nicht aufgefallen war. Also begann ich ganz von vorne den einzelnen Parts Namen zu geben, um schon ein bisschen Struktur und Ordnung in das ganze Vorhaben zu bringen. Ich benannte sie ”Intro“, „Einleitung“, „Main Part (Refrain)“, „Hard Part“ und „Schluss.” Somit erhielt ich grob die Übersicht, aus wie vielen Teilen das Lied bestehen würde, nämlich aus fünf. Ich fing von vorne an. Ich überarbeitete das „Intro“ und überliess - nach Gehör - dem Bass den Vortritt. Der Bass musste beginnen, weil er einen “sauberen” Sound hat. Nach vier Takten wird dann der Bass durch das Anspielen des “Rims” vom Schlagzeug unterstützt. Die Gitarre kommt erst am Schluss mit demselben “Rhythmus-Riff” des Basses. Dieser Aufbau hat nur eine Aufgabe, nämlich den Ausdruck der Steigerung zu bewirken. Ein wenig dynamisch und im Takt zunehmend, d.h. mehr “ausfüllend”, so entsteht in der Regel eine Steigerung. Nach dieser Bereinigung ging ich zur „Einleitung“ über. Die Einleitung gefiel mir anfangs ganz gut auf der Rohaufnahme. Und doch war ich nicht zufrieden: Es fehlte irgendetwas oder gehörte nicht dazu. Den Groove, den ich gespielt hatte, gefiel mir gut: einfach aber passend. Dieser rollende und fliessende Groove ist ein sehr starker Kontrast zum „Intro“. Die Einleitung bestand aus vier Läufen, insgesamt 16-mal ein ¾ Takt. Würde ich jeden Lauf im letzten Takt um einen Viertel kürzen, würde der Fluss der Einleitung gebremst. Und so war es: Ich kürzte den Lauf der Einleitung, so dass er jetzt nur noch aus 3 Takten zu je ¾ und ein Takt zu 2/4 bestand. Dieser eingeschobene Taktwechsel bewirkte, dass die Einleitung plötzlich eine steigernde Wirkung bekam, welche den Ausdruck des Main Parts (Refrain) enorm verstärkte.
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Den Main Part hatte ich nur leicht verkürzt und mit einem komplexeren Beat ausgestattet. Mehr brauchte es nach meinem Geschmack nicht, da die Melodie ziemlich “ausgereift” war. Den Hard Part verkleinerte ich auf nur noch zwei Läufe. Wenn man ihn länger spielen würde, bekäme das Lied ein ganz anderes Gesicht. Ich wollte durch das kurze Einbringen des harten Teils primär den Song abwechslungsreicher machen, und sekundär eine wilde, aggressive Seite vom Leben dazu nehmen. Das Leben ist voller Stimmungsschwankungen und Gefühlsbäder, die man resilient lösen sollte. Deswegen kommt nach dem harten Teil, genau das Gegenteil, der Ausgleich zum Wilden, das Ruhige. Die Widerholung des Intros sollte die Aufmerksamkeit des Zuhörers nochmals Anregen. Denn das Intro wurde am Anfang mehrmals gespielt, also hatte es später im Song eine familiäre Wirkung. Der Schluss hat vom Klang her, eine warme auf das Ende zusteuernde Farbe. Man merkt, dass das Lied dem Ende zugeht. Diese Eigenschaft missbrauchte ich, um den Zuhörer ein bisschen hinters Licht zu führen. Ich fügte als Abschluss nochmals den Mainpart ein. Dieser Teil hat für mich die schönste Melodie, und weil der Teil zuvor schon vorgekommen war, hatte er auch wieder eine vertraute Wirkung. 5.IV Die Vorgaben für Bass und Gitarre Durch diese Kriterien (5.III.) habe ich den ganzen Ablauf neu strukturiert und auf ein etwas unkonventionelles Notenblatt notiert, welches ich an den Bass- und Gitarristen weiter gab. Tempo, Taktart und Aufbau waren die einzigen Vorgaben. Die Notation sah so aus: Unravelling a mind of the absentee
Tempo 125

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Selbständige Arbeit: Die Entstehung einer Rock EP B = Bass

Läser Jakob S = Schlagzeug INTRO G = Gitarre

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4x¾ B

4x¾ BS
EINLEITUNG

16 x ¾ BSG

4 x ( 3 x ¾ & 1 x 2/4 )
( ) = Lauf MAIN PART

5 x ( 4 x 6/4 )
( ) = Lauf HARD PART

2 x ( 4 x 6/4 )
( ) = Lauf

INTRO

4x¾ BS
SCHLUSS

4 x ( 4 x ¾)
( ) = Lauf

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Läser Jakob MAINPART (Achtung Schlussschlag)

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1 x Lauf

6. Die Aufnahmen 6.I Methode Preiswert, einfach und gut Aufnehmen: ein Leitfaden Jedes Instrument wird einzeln auf eine oder mehrere Spuren des Aufnahmegerätes eingespielt. Das Instrument wird von verschiedenen, speziell ausgerichteten Mikrophone abgenommen. Es ist wichtig möglichst alle Frequenzen des Instrumentes einzufangen (Höhen, Tiefen und Mitten). Es ist auch darauf zu achten, dass das Instrument auf den Aufnahmen nicht überschlägt, daher muss man das Instrument anfangs richtig einpegeln. Hat man die Mikrophone ausgerichtet, kann das eigentliche Aufnehmen beginnen. Der Schlagzeuger spielt normalerweise als erster auf das Aufnahmegerät ein. Ein Metronom kann helfen, das Tempo zu halten. Nicht selten spielt der Bassist als Unterstützung auf die Kopfhörer des Schlagzeugers. Wenn die Schlagzeug Spur keine Fehler enthält, spielt der Bassist seinen Teil auf eine andere Spur. Über den Kopfhörer hört er die Spur des Schlagzeugers über die er spielen muss. Auf neue Aufnahmegeräte kann Bass und Gitarre direkt eingespielt werden, somit können lästige Geräusche des Verstärkers oder andere akustische Störfaktoren vermieden werden. Bass und Schlagzeug müssen präzis übereinstimmen, ansonsten

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werden die Aufnahmen unbrauchbar. Sind Bass und Gitarre makellos eingespielt, spielt der Gitarrist seinen Teil auf eine neue, leere Spur. Er hat es am einfachsten, denn er hört Bass und Schlagzeug auf dem Kopfhörer, was der Normalsituation entspricht. Die Unterteilung der Instrumente auf verschiedene Tracks ist enorm wichtig. Denn beim Abmischen des Songs können die Instrumente einzeln angepasst werden. Der Sound des Instruments muss mit Hilfe eines Soundprogramms (Ableton, Logic , Garage Band) verbessert werden. Die Spuren, welche die Instrumente enthalten, müssen „gewarped“ werden. Die Lautstärke eines Instruments kann sogar nur in gewissen Stellen korrigiert werden. Normalerweise ordnet man ein Instrument einer Seite zu. Diese Eigenschaft lässt die Aufnahme echter wirken, denn auf der Bühne spielt der Gitarrist und Bassist auch auf einer Seite. Häufig werden auch Effekte beim Bearbeiten der Songs über die einzelnen Spuren gelegt. Der „Equalizer“ wird gebraucht, um dem Instrument Höhen, Mitten oder Tiefen zu geben. Andere übliche Effekte so wie „Reverb, Vocoder oder Phaser“ könnten verwendet werden. Die Unterteilung der Instrumente auf verschiedene Tracks ermöglicht die essenzielle Bearbeitung des „Sequencer-Tracks“. Das Aufnehmen und Abmischen der Songs sind Wissenschaften für sich, darum möchte ich nicht weiter darauf eingehen. 6.II Technische Grenzen Das Aufnehmen von Songs ist immer eine Frage des Budgets. Qualitativ gute Aufnahmen werden im professionellen Tonstudio eingespielt. Das Geld für die Kosten kann ein Amateur-Musiker kaum aufbringen. Das Kostenbudget hat die akustische Qualität der EP mitgeprägt. Preisgünstige Mikrophone und ein veraltetes Aufnahmegerät wurden verwendet. Viele Spuren und Buchsen des Aufnahmegerätes waren
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defekt. Dies hatte zur Folge, dass wir zu wenig Spuren zur Verfügung hatten, um jedes Instrument einzeln einzuspielen. Wir mussten kurzer Hand improvisieren und die Songs „live“ auf eine Spur aufnehmen. Ein gutes Abmischen war dadurch nicht mehr möglich, denn man konnte den Sound der einzelnen Instrumente nicht beeinflussen. Es war nur möglich eine akustische „Schadenskorrektur“ bei dem Sound der ganzen Band zu betreiben. Die Folgen davon sind natürlich hörbar. 7. Das Layout 7.I Das Betiteln der EP Was für eine Botschaft wollte ich mit dieser EP übermitteln? Diese Frage war ausschlaggebend für den Namen der EP. Ich war mir von Anfang an sicher, dass ich gewonnene Erfahrungen, Erkenntnisse und neue Ansichten vom letzten Jahr, welches ich in den Staaten verbracht hatte, in die SAR einfliessen lassen wollte. Als ich zurückkam, war ich sehr dem amerikanischen Lebensstil angewohnt und so wurden mir einige unangenehme Aspekte des schweizerischen Lebens sichtbar. Am meisten ist mir aufgefallen, wie konservativ und verhalten wir uns im Alltag geben. Unsere Mentalität, oder die zwischenmenschliche Basis, war für mich eine grosse Umstellung. In Amerika hatte ich auf dem Land gewohnt, und ich hatte keine Auseinandersetzung mit niemandem. Wenn man ein Problem hatte, fragten die Passanten zuerst ob alles in Ordnung wäre. Es war wirklich ein harmonisches Zusammenleben. Hier, wenn man bedroht wird, würde es doch keinem Mensch in den Sinn kommen, Fürsorge für einen Unbekannten zu leisten. Die Gesellschaft in der Schweiz hält nicht zusammen, man kümmert sich nicht, wie es dem anderen geht, Hauptsache es geht dem Individuum gut. Schlechte Erinnerungen, welche mit Jugendgewalt verbunden waren, kamen mir

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nach der ersten Eskalationszene nach dem Austauschjahr wieder auf. Wir leben in einem demokratischen Staat, wo das Volk das Sagen hat, die Gewaltbereitschaft ist deshalb nur eine Folge der heutigen Gesellschaft. Der Titel der EP bezieht sich exakt auf die oben angesprochene Thematik. Die sich in der Stadt entwickelnde Mentalität macht die Gewalt gleichgültig. Daher der Titel: “social urban decay”. Auf Deutsch übersetzt, heisst der Titel so viel wie: “sozialer, urbaner Zerfall”. Was damit gemeint ist, sollte jetzt klar sein. 5.II Das Benennen der Songs Die Songs reflektieren wiederum die Kernthemen der EP. Dadurch, dass wir keinen Sänger haben, können wir keine Geschichten, oder tiefgründige Botschaften im herkömmlichen Sinne an das Publikum übermitteln. Da uns die Lyrik fehlt, rückt der Name des Songs in eine wichtigere Situation vor. Der Song Name wird als Wegweiser der Geschichte, die das Lied erzählen wird, benutzt. Der Zuhörer kann sich durch den Titel ein Anfangsbild machen und die Geschichte wird dann durch die verschiedenen Stimmungen der Musik zu Ende erzählt. Es ist ab zu sehen, dass die unterschiedlichen Stimmungen vom Individuum immer anders interpretiert werden, so können Geschichten ganz verschiedene Wege einschlagen. Die Gefahr besteht jedoch, dass die Botschaft missinterpretiert wird. Was bedeuten die Songs auf Deutsch? 1. Unravelling a mind of the absentee; Einen Gedanken des Abwesenden entwirren. 2. The posterity will need excitement, If their lives don't provide'em this they'll incite violence; Die Nachwelt wird Aufregung brauchen, wenn ihre
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Leben sie nicht zur Verfügung stellt, werden sie Gewalt ansticheln. 3. Casey; Casey (Ein englischer Frauen Name) Wie entsteht der Name eines Songs? Erklärung an einem Beispiel. Unravelling a mind of the absentee. Dieser Song wurde durch die Kernthemen beim Entwurf und Aufbau schon stark geprägt. Wenn man diesen Song analysiert, merkt man dass es sich um eine Konfliktsituation handeln muss. Es geht um einen Mann, der sehr langsam in eine Problemsituation eingewickelt wird, der sich aber mit Müh und Not sich aber noch davon machen konnte. Der Song ist die musikalische Version, dessen was sich im Kopf des Abwesenden (in diesem Fall jemand, der nicht der Norm entspricht) abspielte. Im Song geht es darum, Krisen sinnvoll zu lösen. Die Resilienz spielt eine zentrale Rolle. Das Wort Resilienz kommt aus der Psychologie und bedeutet, dass man sehr schwierige Situationen im Leben trotz allem positiv lösen kann. Die Botschaft des Songs ist somit der Appell an die Gesellschaft, Problemsituationen resilient zu lösen. All diese Assoziationen waren nötig um dem Song den Namen zu geben. Das aller Wichtigste beim Betiteln der Songs ist, dass der Song Namen ein Konzept hat, und mit der Botschaft übereinstimmt. Für mich kommt es nicht darauf an, ob der Titel eins oder drei hundert Zeichen lang ist, ob auf Deutsch, Englisch oder Chinesisch, der Name muss durchdacht sein. 5. III Das Artwork So wie überall im Leben sei es beim Essen, bei der Liebe oder in der Musik, der erste Blick ist enorm wichtig. Ich persönlich liebe es, wenn Musik Bands auch ihre Kreativität in das Artwork einfliessen lassen. Deswegen hatte ich mich auch entschlossen, dem Artwork (“CD17

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Hülle”) einen hohen Stellenwert zu zu ordnen. Natürlich kann man eine CD nicht am Cover kategorisieren, aber es ist ein schöner optischer Zusatz zum Musikalischen. Ich machte mir Gedanken, ob ich eine gebräuchliche Plastikhülle brauchen, und einfach dazu ein passendes Booklet erstellen sollte. Die Idee war mir zu unpersönlich, ich entwarf ein Schnittmuster aus Karton und der erste Eindruck des Rohlings gefiel mir schon besser. Da etwas “eigenes” auch besser zum musikalischen Inhalt der EP passte. Nun dachte ich über die Methode um das Artwork zu gestalten nach. Ich wusste sofort, dass ich die CD im schwarz-weiss Ton bemalen werde. Ich malte mir noch mal die Kernthemen auf; Stadt – Landschaft, Mentalität, Gesellschaft, Gewalt. Ich hatte vier verschiedene Quadrate (13cm x13cm) mit einigen diesen Themen aus zu füllen. Ich begann mit der Front, die natürlich am wichtigsten ist. Ich skizzierte, und entwarf eine Illusions- - Stadt im groben 2D Stil, wie ich sie mir manchmal vorstelle. Das umkreiste “T” in der Mitte, unter der surrealen Stadt, stellt den Namen der Band dar. Thadeus. Wenn man sich auf die Symbolik achtet, erkannt man, dass das “T” von den realen Stadt von links und rechts fast zerdrückt wird. Dies sollte einmal mehr einen kleinen Denkanstoss darstellen. Wendet man das Artwork, findet man den Gegensatz, die Landschaft, die Weite von Tennessee und Kentucky, wie sie mir geblieben ist. Von der Unberührtheit, der Stille des Staates und der Liebe der Menschen gar nicht zu schweigen. Der Kontrast des Gegensatzes von Stadt und Land kann man auch symbolisch, für meinen Drang nach möglichst kontrasthaltiger Musik zu suchen, betrachten. Öffnet man es, findet man auf der linken Seite lauter Gewaltszenen. Davon sind einige fantasiert, und einige, welche ich mit
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eigenen Augen gesehen hatte; in der Stadt versteht sich. Die Schattenseite des urbanen Lebens wird hier aufgedeckt. Auch hier redet der Gegensatz wieder mit, vom Hass bis zur Liebe. Auch die Musik lebt von Gegensätzen. Denn wenn man von einem Gegensatz zum andern wechselt, entsteht die Abwechslung, wovon die Musik lebt. Auf der inneren rechten Seite kann man die Band erkennen. Ich hatte mir schon Gedanken gemacht, wie ich die Band einbringen sollte. Vielleicht nur mit Namen und Instrument? Aber ich verdankte, dem Gitarristen und Bassisten in der Vergangenheit sehr viel. Ich brachte uns als kleines Dankeschön für ihren geleisteten Einsatz ein, weil in es in diesen Zeiten wirklich nicht einfach war. Mehr dazu (8.II). Das Artwork hatte viel mehr Zeit in Anspruch genommen, als ich Anfangs geplant hatte. Ich hatte alle kleinen Zeichnungen auf Postkarten Format grob mit Bleistift vor gezeichnet und danach mühsam mit Graustufen mehr Kontrast rein gebracht. Danach wurde alles kopiert und auf die richtige Grösse verkleinert. Danach wurde nur noch schwarz umrahmt und passend zusammen gefügt. Ich mochte es jedoch, denn das Erstellen des Artworks hatte meine Arbeit um einiges Abwechslungsreicher gemacht.

8. Meine persönlichen Erfahrungen

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8.I Glücksmomente Im Grossen und Ganzen hat mir diese Arbeit sehr viel Spass gemacht, vor allem der praktische Teil. Ich empfand sie als sehr Abwechslungsreich. Es gibt eigentlich keinen einmaligen nennenswerten Glücksmoment. Es waren eher kleinere Erfolge, die sich eigentlich durch die ganze Arbeit zerstreuten. Das schöne an der Arbeit war, dass man das Resultat am Abend sehen, oder hören konnte. Das hatte meine Motivation verstärkt, sodass ich auch mehrere Dinge immer wieder perfektionierte, bis sie meinen Vorstellungen entsprachen. Besonders gefreut habe ich mich vor allem auch, dass ich in diesem kleinen Zeitraum, vieles erreicht hatte. Sei es diese Songs zu „komponieren“ und ein zu spielen, oder das Layout zu gestalten, weil es wirklich sehr viel Arbeit war, die nicht zu unterschätzen ist. Die praktische Arbeit mit dem Schlagzeug war natürlich mein persönlicher Favorit. Beats zu komponieren ist sowieso eine Beschäftigung, die ich ein Leben lang machen könnte. Freude machte auch das Vergleichen des Vorher und Nachher- Effekts, verschiedener Arbeitsschritte. Ich wollte schon immer einmal eine EP zu entwerfen. Aber dazu hätte mir das Durchsetzungsvermögen und das Selbstvertrauen gefehlt. Durch die SAR hatte ich keine Wahl, ich musste die EP in einem vorgegebenen Zeitrahmen fertig stellen. Also war diese Arbeit genau, was ich brauchte. Diese EP ist meine erste, aber ich weiss mit Sicherheit, dass es nicht die letzte sein wird. Diese EP hat noch eine sehr gute Seite, und wird mich in der Zukunft wahrscheinlich noch hoffentlich oft zum lachen bringen. Denn bisher hatte ich das Problem, dass die Musik, die ich machte nirgendwo „gespeichert“ ist. Das ist enorm Schade, weil es doch faszinierend und schön wäre, sich ab und zu etwas aus der Vergangenheit an zu hören. Etwas, dass ich zum
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Beispiel vor fünf Jahren gespielt hatte. Ich habe viele Freunde, die sehr begabte und ambitionierte Zeichner sind, die kennen dieses Problem nicht. Ich bin immer etwas eifersüchtig, wenn sie mir die ersten Zeichnungsversuche zeigen und dann die Alten mit denen aus der Gegenwart vergleichen. Um auf den Punkt zu kommen, ist diese Arbeit der erste feste Meilenstein in meiner persönlichen „Musikkarriere“. 8.II Die schwierigen Zeiten Es war wahrhaftig nicht immer einfach. Durch den ganzen Verlauf der SAR haben sich immer wieder kleinere und grössere Hindernisse in den Weg gestellt. Ich wusste, dass es schwer werden wird, das Projekt in dieser kurzen Frist fertig zu stellen. Die Ausgangslage für das Projekt war schon alles andere als optimal. Uns ist der Bandraum in der dümmsten Situation, also kurz vor Beginn der SAR, gekündigt worden. Das war ein enormer Dämpfer, denn der einzige Ort im Leben, wo man laut, kreativ und frei sein konnte, war plötzlich weg. Der Bassist spielt zum guten Glück noch in anderen Bands. Ihm verdanke ich, dass wir trotz des Verlusts, in einen ausgerüsteten Raum durften und Aufnahmen machen und Proben konnten. Dies hatte aber zur Folge dass, wir nur ganze drei mal uns zusammen setzen konnten, und die Songs an drei Abende kurz probten, und es danach ernst galt, sodass wir die Songs, auch wenn sie noch nicht perfektioniert waren, einspielen mussten. Die Zusammenarbeit, das Abstimmen der Instrumente wurde dadurch beeinträchtigt, was natürlich auf den Aufnahmen ohne Zweifel feststellbar ist. Dieses Problem war nur der Anfang. Da die Mitglieder der Band um einige Jahre älter sind als ich, sind sie dem entsprechend im Leben auch weiter und beschäftigter, sei es Beruf oder ein Studium. Die
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Flexibilität, welche ich gebraucht hätte, war nicht immer gegeben um so Arbeiten zu können, wie gewohnt. Es war immer schwierig ein Datum zu vereinbaren, an dem alle drei nicht verhindert waren. So beschränkten sich die Bandproben auf zwei mal, was natürlich im Vergleich zur Vergangenheit, überhaupt nichts ist. Dafür haben wir, wenn wir uns trafen richtig hart gearbeitet, sodass wir trotz allem die Ziele einhalten konnten. Für Spielereien und interessante Experimente verblieb leider keine Zeit. Die Technik kann einem bekanntlich auch einmal ein Bein stellen. Davon kann ich auch ein Lied singen. War es bei dem schriftlichen Teil, wo wichtige Texte einfach verschwanden, oder beim Fotokopieren des Artworks. Mehrere Male musste ich meine Zeitkalkulationen wieder nach oben korrigieren. Am schlimmsten war es bei der Aufnahme der Songs. Da wir einfach nicht das Budget für ein neues Aufnahmegerät und qualitativ bessere Mikrophone, geschweige für Schlagzeug- Mikrophone oder ein PA aufbringen konnten, mussten wir mehrmals gut eingespielte Aufnahmen wieder löschen. Weil z.B. plötzlich eine Spur des verjährten Korgs versagte, oder die Line-In Buchse Wackelkontakt hatte. Von solchen Ereignissen wurden wir leider nicht verschont. Aber im Grunde genommen muss man immer mit solchen Rückschlägen rechnen. Denn es wäre sehr merkwürdig gewesen, wenn alles ohne Komplikationen abgelaufen wäre. Mit einem kühlen Kopf und einer alternativen Idee, konnte für diese Probleme eigentlich immer eine Lösung gefunden werden. 9. Verdankungen Ich möchte mich ganz herzlich bei, meiner Betreuungsperson, Herr B. Steffen für die kooperative, optimistische Zusammenarbeit bedanken.

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Ein Danke geht an Christian Jenni und Jeremias Keller, vielen Dank, dass ihr mir geholfen habt, dieses Projekt zu realisieren. Ein Danke an die Band Phoebe aus Brugg, Danke für das zur Verfügung stellen des Proberaums und Sound Equipments.

10. Anhang 10.1 Quellenangabe
• •

http://en.wikipedia.org/wiki/Extended_play http://en.wikipedia.org/wiki/Progressive_rock

• http://en.wikipedia.org/wiki/Alternative_rock • Musikzeitschrift: Drumhead/ Interview with Denis Chambers/ March 07/ Seite 7-15  Alle anderen Angaben sind aus eigener Quelle entstanden. Erfahrungen, Wissensaustausch mit Musikern und Musikzeitschriften sind die Grundlagen meines Fachwissens.

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