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Aprende a Masterizar::..

INTRODUCCION:
El problema es que, durante el proceso de la mezcla, se tiende a equilibrar unas pistas con otras sin tener claro cómo debe sonar el conjunto ?acrecentado por la fatiga auditiva?. Esto se evitaría en gran medida teniendo una pista como referencia constante durante la mezcla o usando un analizador de espectros. Entonces, ¿cuál es el objetivo de la masterización? En primer lugar, conseguir uniformidad entre las pistas, de forma que no existan grandes diferencias de sonido dentro de un mismo trabajo; conseguir que suenen igual en cualquier equipo de audio, corrigiendo picos que han pasado desapercibidos en los monitores de referencia usados en las mezclas; y ganar algunos dB de volumen medio. En este último punto hay una gran polémica, pero esta nueva tendencia de apurar al máximo el volumen de una canción tiene su explicación en la psicoacústica. Para el oído humano, una canción que tiene más volumen que otra es percibida como mejor de forma inconsciente. Este curioso efecto es el motivo por el que se tiende a comprimir y limitar al máximo posible cada pista, consiguiendo, en muchos casos, que la pieza pierda toda la dinámica, siendo este un terrible error. Propongo una situación real y habitual: acabas de terminar de mezclar unos temas y te gustaría que sonasen correctamente en cualquier sistema de audio y que tuvieran coherencia entre ellas. Sin duda necesitan una masterización, un ajuste común y preciso. Por tanto, coges tus pistas y las cargas en tu editor de audio y te dispones con tus bien conocidos monitores de campo cercano a masterizarlas... Sin duda estás comiendo de entrada tres errores bastante importantes: primero, nunca se debe masterizar sin descansar los oidos. Unos oídos viciados tenderán a destacar frecuencias en la mezcla; en segundo lugar, unos monitores de campo cercano no son lo más apropiado para masterizar, al no ofrecer una respuesta clara y amplia de todo el espectro; y en tercer lugar, tú no deberías nunca masterizar tus propias mezclas, puesto que hay detalles que ya pasas por alto por el vicio de escucharlos una y otra vez. Por tanto, lo mejor es recurrir a un buen profesional siempre que se pueda. Las condiciones ideales de masterización distan en muchos casos de la mayoría de los estudios de grabación ?de cualquier categoría?. Para estos menesteres se requiere una sala tratada acústicamente, para ofrecer una respuesta equilibrada en todas las frecuencias. No se trata de crear una cámara anecoica; consiste en evitar realces de frecuencias y rebotes dañinos para una correcta audición. Los altavoces son un punto clave: necesitamos escuchar todas las frecuencias sin coloraciones. Es un error habitual en los monitores de campo cercano y, en menor medida, en los de medio campo, su incapacidad para reproducir frecuencias graves, siendo atenuadas las frecuencias por debajo de los 70 Hz. Por tanto, unos monitores de campo lejano, multivía y habitualmente empotrados, serían el punto de partida ideal para la masterización. Es muy importante, además, disponer de escuchas de distintos tamaños y calidades para poder chequear el material en condiciones cercanas a las que dispondrá el receptor final. La gran polémica surge en cuanto a qué elementos (y en qué orden son adecuados) para una masterización. En el artículo anterior se sugería el sistema del Finalizer. Sin duda hay cosas fundamentales que no deben faltar en una cadena de masterización: un ecualizador, un compresor y un limitador. Personalmente, no podría vivir sin un compresor multibanda y un par de

conversores M-S (este elemento lo analizaremos más adelante) y, sin duda, es muy socorrido un excitador aural, pero la gran pregunta es ¿software o hardware? La respuesta: da igual, pero ha de ser de primera calidad. En general, la alternativa software suele ser más barata a igual calidad. Hoy en día, la solución software es la que ofrece mejor calidad-precio. Existen numerosos paquetes de primerísima línea de Waves, Spectral Design y TC, entre otros. Un ecualizador mediocre o un compresor de baja calidad puede destrozar una mezcla. En cualquier caso, la clave de todo el proceso es que la masterización no arregla una mala mezcla. LA NORMALIZACIÓN Uno de los objetivos principales de la masterización de un disco es que las canciones sean percibidas a un mismo nivel medio. Cuando empiezas el ajuste de varias pistas, el primer paso lógico es normalizarlas de forma que el pico de volumen más grande coincida con el máximo permitido. En principio esto es innecesario puesto que, mediante la compresión y limitación, vamos a ajustar las pistas para que suenen todas a un volumen medio similar y al normalizar podemos perder sutilezas. Sólo cuando una pista muestre un volumen demasiado bajo se requeriría una normalización. Además, en ese caso, si la pista fue mezclada a 16 bits, la normalización puede aumentar el nivel general del ruido de la pista, con lo que es más conveniente volver a la mezcla y subir el nivel de la mezcla. COMPRESIÓN MULTUBANDA Con un compresor multibanda se pueden hacer ajustes muy precisos sobre las distintas bandas. Son útiles para destacar o atenuar instrumentos o frecuencias descontroladas. La diferencia más importante con la ecualización es que la ecualización recorta las frecuencias seleccionadas en todos los casos, mientras que un compresor ajustado a una banda de frecuencias sólo actuará cuando el volumen de esa banda supera el umbral establecido. El compresor multibanda es muy útil para retocar el equilibrio espectral, pero adquiere su mayor esplendor cuando se usa en modo M-S. EXCITADOR AURAL Este elemento fue en el pasado utilizado ampliamente. Cuando la tecnología musical estaba bajo mínimos, las mezclas eran bastante opacas y llegó a ser tan imprescindible que su inventor sólo los alquilaba. Su principio activo se basa en la restauración de armónicos perdidos durante el proceso de la mezcla, añadiendo brillo. En la actualidad, basándose en el mismo principio, han aparecido un nuevo tipo de excitadores que añaden presencia en el espectro de los graves o incluso los que permiten la selección de la frecuencia central. Con la mejora de los procesos de grabación y mezcla, su uso ya no está tan justificado, aunque en muy pequeña cantidad puede añadir ese brillo que suele faltar en los masters. Es un efecto con el que es muy fácil pasarse, porque el oido se acostumbra muy rápidamente y se tiende a añadir más de lo necesario. LOS MEDIDORES O VU METRERS Para poder ajustar el nivel entre canciones, es necesario usar medidores fiables. Los vúmetros incorporados en las mesas de mezclas y en los programas suelen ser medidores que reaccionan muy rápido a los transitorios, ideales para evitar distorsión y saturación que, por otro lado, es tan peligrosa en la grabación digital y aparece en cuanto superas los 0dBFS (FS = fondo de escala). Realmente, nuestro oído no escucha así. Aunque tengamos dos canciones cuyos picos máximos llegan al mismo nivel, el volumen medio puede ser diferente. Para poder medir eso, es necesario la utilización de medidores que funcionen en modo RMS (Root Mean Square). Una medidor en modo RMS proporciona el valor eficaz del volumen. Esta forma de medir es más parecida a la forma que

tiene el oído humano de escuchar, motivo, además, por el que los medidores analógicos se siguen usando aún en nuestros días. SOFTWARES DE MASTERIZACIÓN Como comenté al principio del artículo, las soluciones en software para masterización ofrecen mayores ventajas que sus equivalentes en hardware. Realmente, se puede masterizar con cualquier programa que permita añadir plugins de efectos y modificar sus parámetros en tiempo real, con lo que abre mucho nuestro abanico, pudiendo ser desde un secuenciador (Pro Tools, Nuendo, Logic, etc.) hasta un editor de audio (Spark, WaveLab, SoundForge, etc.) o un programa especializado (TRacks). Entre los editores de audio, los más especializados son Spark y WaveLab. Spark permite el ruteo de la señal a través de distintos efectos, pudiendo separar los canales y procesarlos independientemente de formas muy complejas. WaveLab trae un rack que permite la carga de varios efectos simultáneos y tienes opciones avanzadas de análisis del audio. Existen otras opciones como Peak o SoundForge, pero dan menos facilidades a la hora de masterizar. El T-Racks 24 es un programa de masterización integrado completamente autónomo. Se basa en la emulación de procesadores de válvulas y no soporta plugins de ningún tipo. Dentro de los paquetes de efectos en plugins, confesaré que tres son mis favoritos: DSP-FX, Steinberg Mastering Edition (diseñados por Spectral Design) y los de Waves. DSP-FX es un paquete con algunos años que funciona como plugin DirectX y Saw que contiene varios procesadores (reverbs, chorus, eco) y, en especial, un excitador aural (Enhancer) y un limitador (Optimizer) fabulosos. Su interfaz es bastante antiguo, pero su sonido es fantástico. En particular, el medidor del limitador es muy útil para ajustar el volumen relativo entre las pistas. El Steinberg Mastering Edition es un paquete de plugins DirectX, VST y WaveLab que contienen un buen surtido de procesadores especialmente dedicados para la masterización que contienen todos los elementos necesarios para realizar una masterización completa. Son plugins de primera calidad entre los que se encuentran el popular FreeFilter (un ecualizador gráfico con funciones de adaptación de curvas de ecualización), el Loudness Maximizar (un limitador bastante musical) y el MultiBand Compressor es un buen compresor/expansor multibanda. Waves proporciona varios paquetes de plugins, algunos de ellos muy apropiados para la masterización. En particular, es muy popular el L1-Ultramaximizer, un limitador maximizador para masterización y el Ressinance Compressor, un estupendo compresor que puede emular varios tipos de compresores, muy suave y cálido. El L1 me resulta demasiado bruto con la limitación y, de todos los limitadores comentados en este apartado, es el que más deteriora el sonido, cortando muchas veces los picos. Recientemente, Waves ha presentado el L2, descendiente de su versión en rack y que mejora mucho en musicalidad el resultado. Existen otras opciones de muy buena calidad, como el paquete de plugins TC Native Bundle, que ofrece un surtido de herramientas aptas para masterización y, en forma de programa autónomo, Emagic Waveburner Pro, ideado para la masterización y grabación de masters en CDs. HARDWARE DE MASTERIZACIÓN En este apartado existen numerosas opciones posibles, siendo muy habituales los equipos antiguos a válvulas. Últimamente han ido apareciendo algunas soluciones ?todo en uno? de mano de dbx (Quatum y Quatum II), Drawmer (Masterflow DC2476) y los más populares de TC Electronic con su gama Finalizer, Finalizer 96K y Plus. TIPS TECNICOS <<<

..::Eres Rapero y no grabas a doble voz? Léete estos tips y vaya aprendiendo::.. ¿Como grabar Hip Hop? 1ra Parte:: Comencemos primeramente citando aquellas grabaciones que usan desde doble y hasta 4 voces juntas en una sola fase de sincro. Eminem: este personaje blanco catalogado como uno de los mas duros del genero en los estados unidos desde que se tiene conocimiento graba a voces triples. 50 Cent usa en perfecto enfase esta técnica para la mayoría de sus temas y para citar un ejemplo de Venezuela… Bostas Brain en “La Corte Imperia” también graba el 95 de sus pedazos a doble voz y con apoyos. Si hasta lo que has leído aún no sabes de lo que estoy escribiendo pues amarrate bien la correa del pantalón porque de aquí en adelante explicare con detalles el secreto de cómo como hacer para aplicar esta técnica en tu Home Studio o Estudio de Grabación. Para obtener esa potencia que en el 80 de los discos nacionales de hip hop (no oyes) primero debes estar en los papeles “o sea” tienes que saber rapear rítmicamente y tener OIDO para poder montar una frase perfectamente sobre la otra. Ejemplo: “si tu lirica dice”: juanito alimaña / siempre con sus mañas / es todo un guerrero / de alta calaña, se supone que debes montar la doble voz en perfecto sincro rítmico para que puedas cuadrar la frase entera. Es por esto que debes tener OIDO!!, ojo, esto sin olvidar la técnica del ponche, o sea, si estas grabando a doble voz se supone que para poder ponchar debes tener 2 canales adicionales. Asi que se necesitan 4 canales por MC mas el canal del Talking, que es donde hablan y dicen cualquier cosa al principio, Intermedio y final y el canal de apoyos en el cual se refuerzan las frases claves de la lírica, estas y un montón de técnicas mas que le estaremos llevando a ustedes en la segunda entrega de este articulo el próximo mes son las que se aplican para que un disco de Hip Hop suene Profesional o aunque sea muy parecido a eso. Nota del editor: Cualquier duda, opinión o pregunta sobre este articulo (no te aflijas) y hazla aquí debajo para así formar un foro con interrogantes, acotaciones y opiniones del caso. Conceptos básicos sobre la mezcla La mezcla es uno de los procesos más delicados y creativos de la producción de una canción. El objetivo es conseguir un reparto equilibrado de las frecuencias, volúmenes y planos de los instrumentos/voces de forma que la escucha sea agradable y/o apropiada a lo que se intenta transmitir con cada canción. Para ello se controla el espectro de cada instrumento (ecualización), la dinámica (volumen, compresión, expansión, limitación) y la profundidad (reverberación, retardo). Hay varios factores a tener en cuenta, muy importantes, antes de adentrarnos en el proceso de la mezcla: Reproducción y monitorización Muchas veces olvidado, el sistema de reproducción y monitorización (tarjeta de sonido + amplificador + altavoces) es lo más importante del sistema. El tener una correcta referencia es la mejor de las ayudas para determinar el sonido de una pista. Debido a que cada sistema de escucha es diferente y no existe ni habitación perfecta ni monitores infalibles, en los estudios se suele tener varias parejas de monitores de diferentes tamaños y calidades para conseguir el mejor sonido posible. Un amplificador que no distorsione la señal (algunos monitores los trae incorporado) y una tarjeta de sonido con una buena señal ruido y respuesta en frecuencia (la mayoría) completan el

paquete. La colocación de los monitores y las reflexiones en la sala son factores muy importantes. Unos altavoces muy cerca de la pared sobrecargarán de graves tu escucha, de forma que las mezclas sonarán faltas de esas frecuencias. Así mismo, una habitación con reflexiones incontroladas creará eco o realzará alguna frecuencia. Los efectos Existen un grupo de efectos básicos y de su calidad dependerá en mayor o menor medida la calidad del resultado. Como antes se comentó, los más importantes son la dinámica, ecualización y retardo/reverberación, imprescindibles para acometer cualquier mezcla. Debido al auge de la informática, la mayoría de las veces se usan efectos software o la combinación de ambos. No existen reglas fijas sobre su uso, aunque daré a lo largo del tutorial ajustes “estándar”. Para profundizar más, recomiendo la lectura de otros artículos de la web. Los efectos se pueden usar de dos formas, como inserción o como envío. En el primer caso el efecto sólo actúa sobre la señal de entrada (una pista o un grupo de ellas). En el segundo caso, puedes elegir de cada pista qué cantidad de esta debe ser afectada por el efecto mediante un control de envío. Efectos de inserción suelen ser los compresores, la ecualización o distorsión. Efectos de envío suelen ser la reverberación, retardo (delay) o el coro (chorus), aunque insisto en que no hay reglas fijas. El factor humano La mezcla no es un proceso científico, depende del tipo de canción y del gusto del ejecutante. Además, hay otros factores importantes que influyen negativamente, como el cansancio auditivo o el consumo de drogas. El entrenamiento es el arma más poderosa y, en tiempos en donde la tecnología está al alcance de todos, decisiva. Preparación Hay una serie de pasos útiles antes de comenzar una mezcla. En primer lugar es muy recomendable escuchar unos minutos de tu música favorita para ir “calibrando” tu audición con respecto a los monitores que tengan. Esto es especialmente útil cuando el sistema a usar no es el habitual o no estás en tu estudio. Las pistas del tema deberían estar bien alineadas y organizadas dentro del sistema multipistas a utilizar. Para acelerar el proceso se puede preconfigurar algún efecto general, tipo reverb o delay. El primer paso antes de comenzar una buena mezcla es escuchar el material a mezclar. Esto es lo que se conoce comunmente como “subir faders“. Esta práctica te proporciona una visión global de la canción, muy útil para enfocar la mezcla en una u otra dirección. Hoy en día todo el material, exceptuando el dirigido a televisión o cine, suele estar mezclado en estéreo. Tras muchos años experiencia y varios centenares de mezclas a mis espaldas puedo decir sin temor a equivocarme que se debe mezclar siempre en mono. La razón es que en mono es más sencillo ajustar la ecualización y equilibro de todas las pistas. Además, se ocupa todo el espectro antes, de forma que al volver al estéreo el sonido es más amplio y espacioso. Si se realiza el proceso directamente en estéreo, la mezcla tenderá a sobrecargarse. Una vez que se haya ajustado los volúmenes y el espectro, se puede continuar en estéreo y hacer las correcciones pertinentes. Los pasos que voy a describir están orientados para una mezcla pop-rock más o menos estándar y pueden ser aplicados a todos los demás estilos. La mejor forma de aprender es trabajar con referencias, es decir, siguiendo estos pasos ir buscando el sonido de un disco con sonido similar a lo que buscas.

La batería. que suelen ser microfoneados indivudalmente (incluso con varios micrófonos. Un defecto importante es la silibancia.5 y 10 Khz para darle brillo. comprimiendo y ajustando todos los detalles hasta que suena de forma correcta y con un volumen más o menos constante. Aunque suelo cambiar el enfoque dependiendo del material a mezclar. cuando se produce el defecto. plato de charles (o hi-hat). Efectos (FX) recomendados: Reverberación tipo placas (Plate). Un poco de reverberación y retardo nunca le vienen mal. Ecualización (EQ) recomendada: un recorte de graves (filtro paso alto). se puede cortar más arriba (400-500 Hz). yo suelo empezar por esta última. consta habitualmente de los siguientes elementos: bombo. Dinámica (Din) recomendada: compresor. Deeser (tipo específico de compresor con ecualizador encadenado) para corregir la silibancia (seseo de la voz). ecualizando. por lo que será nuestro siguiente elemento a tener en cuenta. para adecuarla al estilo del tema. actúa el compresor. La percusión En la mayoría de los estilos musicales. la percusión y el bajo son los elementos que llevan el peso de la canción y más concretamente la batería. El deeser es un compresor encadenado ( side chain ). Recorte de graves de la reverberación hasta 400 Hz. cuando estamos mezclando una batería acústica contaremos con las señales de overhead (micros situados sobre la batería).5:1 a 4:1.¡Comencemos! La voz Hay muchas formas de enfrentar una mezcla. acústica o electrónica. Panoramización (Pan): La voz principal debe ir siempre al centro. De esta forma. con un ataque y desvanecimientos moderados. Los coros se suelen abrir en estéreo un poco. Además. como la caja o el bombo). predelay 30 ms y tiempo de reverberación de 1.5 segundos. . en el que la señal de disparo es la misma de entrada filtrada para resaltar la silibancia. caja. La voz suele ser el elemento principal. Esto hará que se empasten mejor. Hay quien prefiere empezar por la percusión y otros por la voz. que se corrige con un deeser . En el caso de los coros. Retardo estéreo sin realimentación ( feedback ). pero no demasiado. sobre 200 con una curva suave para mejora la definición y entre 7. La silibancia suele darse entre 5 y 8 Khz. por lo que es recomendable usar el mejor compresor y ecualizador disponible. Cuando la voz va haciendo coros lo mejor es tener un bus con todos las pistas y comprimirlos y ecualizarlos juntos. La voz puede llevar otros retardos o reverberaciones a la vez. timbales y platos. con tiempos de 20 y 30 ms. ambiente (mono o estéreo) y PZM (micrófonos piezoeléctricos que se usan para grabar ambientes). ratio de entre 2.

por lo que muchas veces se opta por colocar el ecualizador detrás para corregir dichas coloraciones. por ejemplo. por lo que habría que invertirla en uno de ellos. Los compresores a válvulas. suele chocar con el bajo. 1 – 5 Khz es ideal para darle presencia. el orden depende de la transparencia del compresor y del efecto a conseguir. Orden de la cadena EQ+compresor El orden entre la ecualización y el compresor puede ser crítico. En nuestro caso. EQ: 80Hz es la zona de la pegada. Din: Puerta de ruido y compresor. pero siempre es determinada por el estilo musical y el número de micros empleados. con el nacimiento del estéreo se situaba en alguno de los lados. si no que la saturan o la colorean. pero se puede obtener mejor resultado si tiene una función de encadenado (sidechain) ajustada para actuar sólo con las frecuencias graves. con un ratio alrededor de 4:1. Como regla general. por lo que se puede realzar si le falta. por lo que se puede recortar si vemos problemas. . no sólo comprimen la señal (cada uno con su personalidad). 250 Hz es una frecuencia bastante delicada. Como contrapartida puede ser que la señal previa contenga mucha energía en frecuencias que no nos interesan. Hoy en día sólo se hace cuando se busca un sonido retro. No existen ajustes mágicos. Antiguamente.Hay cientos de formas de mezclar una batería. Bombo Pan: Siempre al centro. pues a veces se producen cancelaciones entre los dos micros. Como transparencia entendemos cuando un compresor afecta únicamente a la dinámica y no altera el contenido espectral. por lo que convendría ecualizar también a la entrada para evitar que el compresor sobreactúe (o no actúe convenientemente). Un detalle a tener en cuenta es la fase. para evitar el cambio de peso de la canción. muy abiertos. tomaremos como ejemplo una mezcla compleja con muchos micros. uno para recoger la parte superior y otro para la bordonera y se tratan independientemente. El compresor debe tener ataque y decaimiento rápidos. La cadena de efectos es la misma al bombo y el tratamiento de dinámica es similar. El primer paso consiste en aplicarle al bombo la siguiente cadena de procesado: Puerta de ruido -> EQ -> Compresor La puerta de ruido sirve para cortar aislar los bombos y evitar que se cuele el resto de los instrumentos. La caja Suele grabarse con dos micrófonos.

pero se puede hacer para controlar más la dinámica o añadir más sostenimiento. se suele cortar por debajo de 250 Hz para evitar cancelaciones de fase o más arriba si se quiere sólo los platos. lo contendrá de forma más o menos equilibrada. Para el resto. Platos Pan: replicando su posición real. Din: Un poco de compresión con ataque y decaimiento largos y no mucho más de 3:1 de ratio mejoran la dinámica. .Pan: Al centro. Timbales Pan: Se recrea la posición natural de los timbales. Din: Puerta de ruido y compresor con valores similares a los del bombo. EQ: 100 Hz para darle cuerpo. FX: Un poco de reverberación brillante. 100 Hz para darle más cuerpo. Din: No precisan compresor en muchos casos. EQ: Recorte hasta 400 Hz. Todos se tratan de forma similar: se recorta hasta 400 Hz y un poco de reverberación. que corta la cola. EQ: Cada caja es un mundo. EQ: Se pueden reforzar sobre 8 Khz o más para darle más aire. entre 250 y 750 Hz para cajas que suenen acartonadas y 5 Khz para darle brillo. Parte del problema se resuelve mediante una puerta de ruido. Los overheads es una pista estéreo (o dos mono) que contiene el sonido de toda la batería desde arriba. pero hay frecuencias clave. Este tipo de reverb se hizo popular gracias a la canción “In the air tonight” de Phil Collins. Se puede reforzar entre 8 y 15 Khz para darles más brillo o aire. la misma que el bombo pero en mayor cantidad. Si tenemos pistas individuales para cada plato y para el charles. por lo que su utilidad es variada. el tratamiento es similar al de la caja. Consiste en una reverberación con una puerta de ruido. Overheads Pan: Totalmente abiertos o en estéreo. FX: Nada o un poco de reverb . Los timbales son bastante problemáticos debido a que esos micros recogen el resto del set . FX: Igual que la caja. podemos usarlas para reforzar los overheads . FX: Nada o un poco de reverberación. en combinación con los otros micros más lejanos. aunque lo más recomendable en un sistema por ordenador es editar cada pista recortando los momentos donde no aparezcan. Dependiendo de su colocación y del tipo del micro. Recortar entre 300 y 750 Hz para evitar que los timbales suenen acartonados. En muchos casos se usa sólo para recoger el sonido de los platos (cortando graves hasta 1 Khz) o para añadir ambiente al resto de los elementos. Dependiendo de su uso. En ciertos estilos se suele usar también una reverberación de tipo “ gated ” con un retardo de unos 40 ms.

la caja y la voz. se pueden usar totalmente panoramizadas. y en muchos casos sustituye a la adicción de reverberación. Un refuerzo en 100 Hz para darle más cuerpo y entre 2 y 3 Khz para darle más presencia en la mezcla. facilitan su integración en la mezcla. la mezcla se enturbia. Importante no forzar sobre 250 Hz demasiado porque. Entre 2 y 3 Khz para darle más presencia. a excepción en los momentos en los que son solistas. no hay que recortar nunca en graves (a menos que sature. sería muy difícil establecer reglas para colocarlas correctamente en la mezcla. Si no. son la base de la canción. claro). Si va de acompañamiento a un lado. El tratamiento es idéntico al de los overheads. ataque y decaimiento medios y ratio sobre 2:1 a 3:1. Al contrario de lo que muchos piensan. FX: Un poco de saturación de válvulas suele hacer mucho bien. FX: De todo un poco. junto al bombo. Si es un riff o un solo quizás al centro. se deben cortar por debajo de 150-200 Hz para evitar que choquen con el bajo y el bombo. estos instrumentos van acompañando al resto. Como norma general. que no le hace demasiado bien en la mayoría de los casos. EQ: 100 Hz para darle más cuerpo. por lo que suelen estar recortados en graves para que empasten mejor en la mezcla y panoramizados fuertemente para no restarle peso a la canción. El bajo El elemento conductor de la armonía y posiblemente uno de los más sencillos de mezclar. aunque en unos altavoces pequeños suene mejor. En algunos estilos en los años 80 se le agregaba efecto de coro o flanger. Din: Un poco de compresión. Demasiadas opciones J EQ: El recorte de graves le viene bien. Resto de instrumentos En general. Si son rítmicas y están grabadas dobles. Pan: Depende de su uso. Las guitarras eléctricas Debido a la diversidad de estilos y técnicas. etc. El resto de los ajustes de EQ depende del estilo y pueden ir desde la famosa curva en V del metal hasta las guitarras funky llenas de medios. embarraría la mezcla. La mezcla . exceptuando el wah-wah. Din: Ataque y decaimiento largos. Pan: Centrado.Las pistas de ambiente y PZM sitúan la batería en el contesto de la habitación donde fue grabada. Es muy importante que la grabación sea la correcta y aplicar una buena dosis de compresión durante la mezcla. 4:1 de ratio es un buen punto de partida.

por lo que prestaremos especial atención al balance voz-bombo-caja-bajo que es donde reside la magia de la canción Una vez que están equilibrados. En este punto lo ideal es agregar las guitarras y darles el protagonismo deseado. Rango dinámico El Rango Dinámico es una de las cosas que causan más problemas a los ingenieros de audio y que por lo regular terminan por arruinar el sonido de manera irreversible. Mi preferencia personal es comprimir un poco. las guitarras rítmicas suelen ir fuertemente panoramizadas. pero lo cierto es que el sonido del compresor es el sonido de muchos estilos musicales.Tal como comentábamos. podremos introducir los sintes. Después de introducir las guitarras. hasta unos -3dB de corrección y luego enviar la mezcla limpia a masterizar con mi pista original como referencia. podremos comprobar la fuerza relativa de la suma de las guitarras en comparación con la base rítmica + voz. por lo que procederemos a hacer las pertinentes correcciones. se suele automatizar muchos parámetros. etc. Este es un tema muy peliagudo. como las guitarras. es el momento de escucharlo en estéreo. desde el Rock hasta el Trip-Hop y. además. Cuando todo suene a nuestro gusto. Como estamos haciendo todo este proceso en mono. Como hemos comentado antes. o mover objetos en el panorama. que suenan demasiado alto y algunos efectos (reverberación y retardo. lo más importante de una mezcla es el equilibrio entre la voz y la parte rítmica. momento para introducir el bajo y tener el corazón de la canción. Compresión en el master. Trucos ¡Automatiza! Durante la mezcla. la mezcla será comprimida durante la masterización. situamos el resto de los elementos de la batería exceptuando los micros generales de ambiente. colchones de cuerdas. Cuando la mezcla suene correctamente y equilibrada. levantamos los overheads y ambientes poco a poco y se corrige el sonido del resto de los instrumentos para mantener el mismo equilibrio con la voz. excepto donde la compresión es fundamental para el sonido de mezcla. constituyendo a veces una desagradable sorpresa. Especialmente interesante es añadir eco o reverberación a ciertas palabras de la voz. simplemente. como volúmenes y envíos de efectos. comprobándolas constantemente en mono para tener una mezcla coherente en ambos formatos. Notaremos cómo hay ciertos instrumentos. por ejemplo) suenan demasiado evidentes. dándole énfasis a distintas partes o. El motivo de mezcla con compresión es que el balance de los instrumentos suele ser bastante diferente al aplicarla. e ir recortando su espectro acomodándolos con la ecualización. Para manejar estas "dinámicas" tenemos los siguientes procesadores que generalmente se encuentran en un mismo módulo ya sea de software o hardware y por ende los controles son casi los mismo para todos: Compresor: su función es reducir el rango dinámico comprimiendo el sonido en proporción al . sección o instrumento. En términos sencillos el Rango Dinámico es la distancia que existe entre la parte más suave y la más fuerte ya sea de una canción. equilibrando la dinámica.

Al igual que los dos anteriores un limitador contiene los mismos controles excepto que carece de "ratio" ya que no lo necesita. En textos subsecuentes veremos controladores de dinámicas más avanzados como los multibanda y los "upward compressors" Para efectos de esta explicación hemos tomado como ejemplo el G-Master Buss Compressor de . También existen casos en los que el ingeniero de mezcla utiliza el limitador. Usos en mastering: esta herramienta es usada rara vez pero es algo que puede devolver dinámica a un sonido comprimido principalmente en géneros que requieran un gran rango dinámico: clásico.original a partir de un punto establecido (threshold -umbral-). Malos usos: muchas veces se confunde con un compresor y resulta más destructivo que este. rock. Malos usos: es uno de los procesos más usados básicamente para subir volumen pues su acción hace posible que subamos el volumen sin llegar al pico digital (0 dBFS). jazz. El threshold puede colocarse a niveles menores y en diferentes etapas de la masterización pero esto ya requiere mas habilidad de parte del ingeniero. también podemos controlar la proporción en la que queremos que el sonido sea comprimido (ratio -proporción-). este uso no es muy recomendable ya que existe un gran número de aplicaciones y plug-ins que se encargan de la reducción de ruido. esto es poco profesional porque significa que sus señales están cerca del pico digital y una buena mezcla debe estar lejos de tal punto para que al llegar a la masterización se pueda trabajar el "high performance" y llevar a un mayor nivel de volumen. Malos usos: no tiene Limitador: su función es contener exaltaciones en la señal convirtiéndola a partir de un punto específico (threshold) en una onda cuadrada pero sin que el oído la perciba como tal. tiene los mismos controles que aquel excepto por el "ratio" el cual está al revés.1 dBFS. metal. El mal uso de un limitador puede derivar en daños irreversibles a la señal e incluso a las bocinas. electrónico o ska. se utiliza para contener exaltaciones en la señal y usualmente se coloca al final de la cadena de procesamiento de masterización para evitar tocar el pico digital (0 dBFS) con un "threshold" de 0. nosotros podemos controlar tanto el momento en el que va a hacer efecto (attack -ataque-) como el momento en el que dejará de afectar al sonido (release). Usos en mastering: el uso de los compresores nos permite reducir el rango dinámico en casos en los que la música no necesita tanto movimiento entre forte y piano como puede ser el pop. esto sólo hace crecer el sonido en una dimensión y ciertamente el volumen depende de todo el proceso de masterización. Y establecer los valores de "attack" y "release" puede resultar complicado ya que en estos casos estamos tratando con la mezcla completa y debemos cuidar que su efecto no se note. esto puede traer consecuencias catastróficas ya que literalmente aplastamos la música en busca de volumen. Esto significa que a partir del "threshold" el sonido se va a expandir en proporción al original tantas veces como nosotros lo indiquemos. Usos en mastering: como mencionábamos antes. Otro uso es la reducción de ruido ya que con un threshold muy bajo y un nivel de expansión muy alto podemos deshacernos de ruido como hiss y humming. progresivo. etc. Los compresores no se inventaron para subir volumen. al igual que todas las dinámicas el secreto está en los controles de attack y release. La función de los limitadores es en ocasiones sustituida por la normalización la cual es uno de los procedimientos más dañinos para el audio (eviten a toda costa la normalización). Expansor: es exactamente lo contrario al compresor.

limitador o expansor comenzará a trabajar. Ratio: es la proporción en la que se va a comprimir o expandir (según el caso) el sonido que pasa por encima del "threshold" su valor se expresa en notación estándar de proporcion: 1:X para el compresor y X:1 para el expansor. Un release muy largo puede producir un sonido muerto y un release muy corto puede destruir mucho una señal ya que generará una onda muy inestable. Su valor se expresa en dB negativos para la notación dBFS y en valores negativos y positivos para la notación dBVU 2. 9. todos los procesadores de cualquier tipo tienen este control. puede medirse en ms o en segundos enteros. G-Master Buss Compressor de Waves 1. su función es poder apagar el procesador y escuchar la señal "limpia" y prenderlo para escuchar la señal procesada sin necesidad de volver a colocar los controles como estaban o interrumpir el sonido. Release: es el tiempo que tarda en dejar de hacer efecto. 4. la música y el audio son un negocio así que cada fabricante establece sus propios botones y funcionalidad como en este caso en el que podemos hacer que el procesador simule uno anaógico o podemos habilitar y apagar la función Fade. como su nombre lo indica "desvanecida". es . In: es el equivalente (en el caso de Waves) al control de "bypass". Make Up: este control no es otra cosa más que volumen. 7. Scope: este es un visor gráfico en el cual podemos ver a manera de medidores VU el comportamiento del sonido en términos de voltaje. Otros controles no ilustrados: los controles listados son los básicos y en general los únicos que necesitamos (con la excepción del punto 6 y 9) pero en algunos casos podemos encontrar algunos como: Side Chain: este es un uso adoptado de procesadores dinámicos de banda limitada como el Deesser y su función es excluir del procesamiento la señal a partir de determinada frecuencia hacia abajo. 8. Sus valores se miden en Hertz (Hz) Knee: como su nombre lo indica es como una "rodilla" o punto de flexión y se utiliza para establecer como será el paso entre la señal comprimida. 3. 6. El limitador no cuenta con este control. Threshold: establece el valor en dB a partir del cual el compresor. Attack: es el tiempo que va a tardar en hacer efecto el procesador y se mide en milisegundos (ms). Si tenemos un release de 1 segundo significa que el procesador tendrá efecto durante 1 segundo después de haber sido activado. en otros casos podemos ver una línea diagonal con una "pelotita" que se mueve de acuerdo a la intensidad del sonido. Fade: en algunos procesadores de dinámicas podemos encontrar controles muy específicos como es el caso del "Fade" (o "Rate S" para este modelo específico) en el cual podemos "limar" el corte del proceso y hacer que tenga una salida menos abrupta. Sus valores se expresan en dB 5. Controles Varios: como en todo.Waves es cual además tiende a emular un sonido analógico. expandida o limitada y la señal limpia. Su uso no es muy recomendable ya que se inventó para evitar que los transitorios en frecuencias que no registran las bocinas (principalmente graves) "disparen" la función del procesador pero en realidad la única solución para este tipo de problemas es añadir un subwoofer a nuestro sistema de monitoreo. su función es aumentar o disminuir el volumen de la señal ya procesada. En masterización un ataque muy rápido puede derivar en un sonido muerto y apretado sin embargo en un limitador un ataque rápido se utiliza para lo conocido como "brick wall limiting".

veas como se pone en el rojo alguna vez (distorsión). imagina que grabas una voz muy sentida. sobrepasa el umbral máximo admitido) y que el nivel de ruido de fondo sea superado. pero sin tocarla). un pitido de silbato mantenido al mismo volumen no tendrá dinámica alguna). La compresión Ahora que hemos explicado estos conceptos elementales. Sus valores se expresan como "Soft". por "dinámica" entendemos las variaciones de nivel de una señal en el tiempo (una cantante de ópera que haga continuos crecendos y decrecendos tendrá una dinámica muy acusada.decir cómo será el paso en el threshold. desde el nivel de ruido hasta el nivel máximo. y muchos menos la usan con acierto. La verdad es que usar la compresión con eficiencia es un arte que sólo se aprende con el tiempo y la práctica. si estoy atento a los cambios de nivel. si prestas atención a tu indicador de señal. · Nivel nominal: sería el nivel más apropiado para grabar tu señal de manera que haya una mínima distorsión (el momento en que la señal "pica" en el rojo. el mal uso de este control puede resultar en un sonido un poco "pastoso". los ruidos eléctricos. Supongamos que estas en tu estudio grabando unas tomas de sintetizadores. · Nivel de ruido de fondo: este es el nivel donde encontramos el ruido de cinta y de línea. Look Ahead: este control es también para los limitadores. Es muy fácil que saltes al rojo en estas circunstancias. deberías estar cerca del nivel nominal (superando el ruido de fondo y cerca de la distorsión. Esto es un escenario ideal. con momentos de murmullo y repentinas subidas de nivel. etc. · Nivel máximo: se alcanza cuando la señal entrante comienza a distorsionar. y nosotros lo haremos por el principio. es decir. el último espacio que tienes antes de que suceda la distorsión. es decir. pero por alguna parte hay que empezar. Esto dependerá de la naturaleza de la fuente que estés grabando: por ejemplo. . · Headroom: la diferencia entre el nivel nominal y el nivel máximo. Has ajustado un nivel adecuado para grabarlos. Introducción: la dinámica de una señal¿Qué es lo básico? Antes siquiera de hablar de compresión. es tu "zona de seguridad". · Relación señal-ruido: la distancia entre el nivel de ruido y el nivel nominal. pero lo más normal es que. Si vamos a usar este control debemos tener presente que puede introducirnos cambios de fase que pueden alterar el resultado final. Este control debe ser utilizado solo cuando se sabe las consecuencias del "downsampling" y se cuenta con un buen "dither" mismos que explicaremos en otro momento. y sin embargo no todo el mundo la conoce demasiado. debemos dejar claros algunos conceptos sobre la dinámica de una señal de audio. voces o instrumentos. Podrías pensar "bueno. · Rango dinámico: todo el nivel que puede ocupar la señal. Quantization: este control lo encontramos en limitadores dirigidos a masterización y su función es facilitar el paso de 24 o 32 bits hacia 16 o 24 según se requiera. Aprende a comprimir tus señales La compresión es una de las claves de una buena mezcla. su función es introducir un pre-delay a la señal para "saber" si viene un clip (pico digital) y prepararse para manejarlo. para que este control nos beneficie en algo debe ser un procesador de dinámicas de muy alta calidad de lo contrario nos puede producir ondas cuadradas o movimiento de fase. podemos empezar a hablar de compresión. "Hard" o Normal aunque algunos utilizan números pero es una escala arbitraria.

Así pues. para completarla.. 3:1.. debes configurar un nivel de threshold lo bastante bajo. tan pronto como son tocados). más comprimiremos la señal. el threshold es una marca de referencia. ¿qué es eso del "ratio"? Es uno de los parámetros esenciales de un compresor. Quédate con la idea de que un fader colocado en la marca de 0 dB está dejando pasar toda la señal "tal cual". para este tipo de sonidos (como los de bajo o bombo). pero si está dejando pasar un decibelio cada vez. debemos hablar un momento de los niveles de una señal. Alto. · Ratio: se da en valores de proporción. podras jugar con ajustes más extremos. el "espacio de seguridad" al que nos referíamos. y el threshold está demasiado alto. Digamos que 0 dB se identifica con la imagen "real" del sonido que entra. pero no eres del todo práctico: deja que te ayude un compresor. entonces sobrepasará de todos modos el nivel de threshold". Ten clara una cosa: si tu señal es demasiado débil. etc. necesitarás que el compresor actúe rápidamente. y así irás descubriendo cómo funcionan (en la foto. Nos servirá para adaptar el funcionamiento del compresor a la naturaleza de la fuente de sonido. cuando veas que las distorsiones de la señal empiezan a desaparecer. o subiéndolo si la señal cae demasiado baja. . Se da por hecho que el threshold y el ratio deben ir relacionados... Por ello.) que estamos restándosela. y luego. Si tienes un headroom amplio. como 2:1.puedo anticiparme y subir y bajar el volumen de entrada cuando se requiera". Esta es la definición de andar por casa. cuanto mas bajemos el threshold. Esto te permite mantener la señal a un nivel manejable y grabable sin picos imprevistos. el Nanocompressor de Alesis) · Threshold: este es el nivel (en decibelios. · Ataque (attack): Este parámetro decide con qué rapidez actuará el compresor cuando aparezcan los picos (cuando la señal supere el umbral de threshold).. y luego ir moviendo el threshold hasta que notes que la señal empieza a comprimirse (esto lo verás fácilmente en los medidores de tu mesa. cuando la señal entrante alcance ese nivel. teniendo en cuenta el ratio. Si tu señal. Pasamos a explicarte cuáles son los controles básicos de los compresores. 4:1. nunca funcionará el compresor. Lo que sucederá es que por cada vez que tu señal entrante supere en 3 dB al nivel de threshold. Por ejemplo: algunos instrumentos tiene un ataque muy rápido (es decir. cayendo el nivel a un rango más uniforme). de acuerdo con el ratio de compresión que tú has configurado. sin restarle o añadirle ganancia. para que no se le escape ningun pico (tendrías que ajustar el ataque a un valor bajo o nulo).. es evidente que el compresor no actuará. no una "guillotina" que corta todo lo que pasa por ella. Si estás en trance permanente de distorsionar la señal. Aquí entra en juego el concepto de headroom. +2 dB. solo alcanza cotas de -5 dB y el threshold está a -2 dB. suenan de inmediato. digamos. Tu pensarás "de acuerdo. saliéndose por encima den? 0 dB. La técnica más recomendable es ajustar el ratio primero. y los negativos (-1 dB.) indican que estamos añadiendo ganancia a la señal original. Un compresor monitoriza la señal de entrada y actúa bajando el nivel cuando se alcanza la distorsión. Evidentemente. tendras que manejar estos controles con mayor precisión. podemos decir que el compresor lee la señal de entrada. Para que entiendas cómo actúa. para que los dB que pasen no lleguen a distorsionar. reduce la señal que de otra manera distorsionaría. Has pensado bien. empezará a ser comprimida. Los valores positivos (+1 dB. le estamos diciendo que. Supongamos que colocas el ratio en 3:1. Si ajustamos el threshold del compresor a -5 dB por ejemplo. dB) a partir del cual el compresor empieza a actuar. el compresor sólo permitirá que pase 1 dB de señal.

y usa un . · Percusión: Las señales de percusión se comprimen muy a menudo debido a sus ataques rápidos. y aumenta el ratio hasta que el sonido se sostenga tanto como deseabas. Si ajustas la liberación a un valor largo. Típicamente. pero no es raro encontrárselo. pero también depende del estilo. como el bajo y el bombo. consiguiendo así un sonido menos abrupto. El ajuste soft-knee hace esto de una manera más suave. Usa este ajuste con cuidado: aumentando de nuevo el nivel. · Knee: Este parámetro no lo llevan todos los compresores. Normalmente se prefiere la compresión hard-knee porque el sonido del bajo suele requerir pegada y potencia. despues de picar. estás aumentando también el nivel de ruido de fondo que llega aumentado después de la compresión. Para evitar esto.· Liberación (release): El parámetro de liberación marca la velocidad con que el compresor deja de actuar sobre la señal una vez que ésta. Intenta un ratio de 3:1. se escuchará con menor volumen. con un ataque rápido y liberación lenta. Algunos compresores te permiten también escoger valores intermedios entre estos dos extremos. para controlar mejor el sonido. o un 3:1 o 4:1 para guitarras distorsionadas. aplicando la compresión no toda de golpe. Prueba a comprimir la caja. aunque comprimida. conseguirás una señal más sostenida. intenta un ratio de 4:1 ratio. para distintos tipos de señales: · Bajo: Prueba a empezar con un ratio de 4:1 y un ataque y liberación rápidos. · Ganancia de salida (output gain): Cuando has ajustado ya el threshold y el compresor está actuando. Este parámetro se utiliza para corregir ese efecto y restablecer el nivel de nuevo. Una compresión extrema puede hacer una mezcla demasiado agresiva. una compresión escasa puede hacer muy "blando" el sonido. Para darte una guía. que es el sonido que más suele distorsionar porque cada gope de caja sobresale por encima de todos los demás con mucha facilidad. Para conseguir un sonido más sostenido. procura que llegue la mayor cantidad de señal pura posible al compresor. El ajuste hard-knee supone que la señal será comprimida de inmediato en la proporción marcada por el ratio tan pronto alcance el nivel de threshold. los sonidos que requieren pegada. Si es corto. · Guitarra: Empieza con un ratio de 2:1 para guitarras acústicas. Comprimiendo en la práctica El uso de la compresión dependerá mucho de tus gustos personales. y así la señal. ha bajado ya del nivel de threshold (cuando ya no necesita ser comprimida). tu nivel nominal se verá reducido dependiendo de la cantidad de compresión que apliques. Hay dos tipos de "knee" (rodilla): hard-knee y soft-knee. pero también. toca la nota que quieres sostener. Quizás te convenga una soft-knee para un bajo de jazz en un tema suave y tranquilo. en general. aquí tienes algunos ajustes recomendados. la solución está en probar distintas configuraciones hasta alcanzar un resultado que te satisfaga. la señal caerá de nivel más rapidamente. pero puede n?que tú no necesites eso. Cuando tengas esos ajustes preparados. Como siempre. En la música de baile actual y en ciertos estilos se utilizan configuraciones extremas para darle gran pegada a los sonidos. con el mínimo ruido. se comprimen con "hard-knee".

y para registrarlo lo más fielmente posible. o por lo menos cerca. Otros la utilizan también con intenciones creativas. para que a fin de cuentas. es la que nos hace sentir vivos y tomar conciencia de que el mundo es algo más que lo que podemos ver. o la temperatura. quien sabe . Eso depende sobre todo de vos. Para reproducir esa magia de la mejor forma posible es para lo que trabajamos nosotros día a día. · Voces: Como en la percusión.. Podría decirse que la compresión es un arte que solo dominarás con mucha práctica. Al final de esta entrada hay otro texto sobre la funcion del productor artistico en la producción de un disco. por decirlo de alguna manera. El resultado final de la grabación es una proyección de tu personalidad y de tus emociones. Es un poco largo. prueba ratios mayores (la foto que te incluimos aquí muestra un compresor de Logic configurado para una caja). pero tambien las cirsunstancias y el entorno colaboran. la música y su magia toman su camino y pueden llegar a tocarnos en lo más profundo. emocionarte. para mantener así el desvanecimiento natural del sonido de los platillos. y liberación media-larga. Y es eso lo que va a generar la magia que en otro momento y en otro formato será repoducida y quizas alcanzada por el oyente. Los cantantes que no hacen grandes altibajos con su voz tendrán una dinámica mas pequeña y requerirán por ello menos compresión. o para conseguir un efecto deliberado. El ratio varía con cada cantante. conectarte.. con el ataque rápido. En Eko))) estudios estamos para ayudarte en ese momento. palpar o escuchar. Hay muchas cosas interesantes para quienes recien empiezan en el mundo de la música y quieran grabar su primer disco. es habitual comprimir las señales de voz..blogspot. para darles la presencia necesaria y para dominar sus subidas y bajadas de nivel. elevarte. Para lon?s platillos. etc). esto tambien te puede servir para saber qué y cómo te puede ayudar alguien que desempeñe ese rol. Esta info la saque del blog de Eko))) Recording Studio (http://ekoestudios. o el lugar no te resulta agradable. dependiendo del tipo de voz (gritona y potente. pero si estas interesado te va a A Continuación te presentamos una serie de consejos y recomendaciones de profesionales del audio y la música que te pueden servir mucho a la hora en entrar a un estudio a grabar un disco profesionalmente. Tu oído será la mejor guía: prueba diferentes ajustes y configuraciones hasta alcanzar el sonido que estabas buscando. Una vez en el aire.ataque y liberación rápidos... o lo que sea. eso que sentis siempre y que te impulsa a seguir tocando. eso se va a reflejar en la grabación. debes usar la compresión para situar las señales correctamente en la mezcla. saber estas cosas te puede ayudar para que el resultado de tu proyecto sea como te gustaría y para sentirte más seguro y cómodo en el estudio. Prueba para empezar un ratio de 2:1. Aumenta luego el ratio hasta que tengas dominados los picos de distorsión. ese tipo de magia. Este método es válido también para los timbales. Si te sentís incómodo.. Si la señal continúa distorsionando... Es fundamental que en el momento de la toma logres.. tocar. prueba un ratio de 2:1 con ataque rápido y liberación lenta. porque esa magia.. ese momento quede inmortalizado por siempre. Ya sea que vengas a nuestro estudio o a otro. un estudio de grabación salteño. Conclusión En general. oler. como por ejemplo una gruesa y potente línea de bajo que marque el ritmo. suave y tranquila.com). Sabemos que esto es un paso importante en tu vida… es probable que dentro de 50 años quizás puedas seguir escuchando lo que grabes hoy.

Guias. Generalizando 3.c. aquí o abajo del todo hay un botón Publicar un comentario en la entrada Indice 1.Antes de la Grabación 1. ..e.1.1..f. 2. Para dejar tu comentario.Vientos 2.. Efectos 3. No vamos a pecar aquí de ser más papistas de lo normal y decir que lo único y mejor es el estudio profesional.Home Studio 1. cuando la mayoría de los que trabajamos profesionalmente en Estudios importantes venimos de los Home Studios o tienen su propio Estudio de Proyectos instalado en casa. Clacketas . Intros .Bases...Proceso de Grabación 2.....Comportamiento general.Estudio Profesional 2.1.Silencio . 2.b.1.Antes de grabar Actualmente enfrentarte a una grabación profesional si estás dentro de la música va a ser un trámite que hace unos años era casi un sueño.1. El Estudio Profesional o el Home Studio..Bateristas.1.a... Hoy en día cada vez son más los grupos que autopromocionan sus discos y pagan de su bolsillo las horas de un estudio de grabación.0.. Si bien se harán unas diferencias y explicaciones de que ventajas aporta cada situación. Para ello se plantean las dos opciones básicas que existen a la hora de grabar.Grabando.Voces 2.Mezcla de Temas 3. Seria interesante que en esta sección dejes tus aportes o dudas y que entre todos armemos un foro para mejorar nuestro incansable trabajo y aporte en el mundo de la música. 2. Guitarras..a.z. 2.Tus aportaciones . para presentar posteriormente el proyecto a una discográfica o directamente a una distribuidora con el fin de conseguir una distribución nacional o contrato profesional.2.Masterización 1.quien lo escuche.Teclas 2. No hace mucho tiempo sólo llegaban a grabar discos los grupos que conseguían contrato discográfico y acudían a los estudios con todo un proceso pagado y financiado.Cuerdas: Bajos . 2.1...1...b.d...Mediando en las mezclas 4. De esta forma una banda que lleve una trayectoria básica y unos años de ensayos y conciertos siente la necesidad de plasmar en unos cortes el trabajo realizado en ese tiempo.1.Consejos varios .

No es tan fácil como hacer una inversión de 1000 euros y empezar a producir tus maquetas. Aparte hay mucho material económico y muy cómodo de manejar. si te encuentras con gente profesional que entiende de qué hablas. y los gastos harán que las calidades mejoren. Aunque como en todo. las horas.1.. si ves equipos y backline que conoces. etc ) Fechas y horarios de disponibilidad. .Busca locales donde grupos similares a tu estilo hayan grabado sus temas. compara precios y calidades y concierta una visita.. No es la intención de este documento adentrarse en todo lo que implica la creación de un Estudio de Proyectos en tu casa o local. Que instrumentos son. ( guitarras. Es un proceso de aprendizaje como cualquier otra afición. si te dejan las ideas de precio claras. pero siempre con las ideas claras que no vas a conseguir un resultado profesional con ese tipo de inversiones.Explicar tu proyecto. Cuando quieras dar un paso importante en la promoción de tu trabajo tendrás que acudir a un estudio profesional para dejar constancia de tu existencia musical en este mundo. 1. ya que muchas aplicaciones las puedes encontrar gratuitas en internet como : Editores ( Ardour. Para que alguien que te acaba de conocer sepa qué es lo que quieres conseguir y a dónde quieres llegar es muy importante explicar bien qué es lo que quieres.El Estudio Profesional. Tiempo que llevas tocando esos temas o si lo piensas producir y armar en el estudio.) Secuenciadores ( RoseGarden . De que Backline dispones y que necesitas. Seguro que a primera vista... Cuántos integrantes son en el grupo. Reaper. Todo esto es recomendable enviarlo por escrito para que quede constancia.. De que edades. Si ves que las instalaciones son adecuadas y no se trata de un chamizo de fiestas con cartones de huevos. Simplemente se resume: Montarse un estudio en casa es sencillo y barato. te vas a dar cuenta si es lo que estás buscando. ya que con un poco de dedicación puedes empezar a tener tomas interesantes. Traverso. Las satisfacciones de hacer tus propios demos es muy alentador. y muy gratificante.Home Studio. y lo qué tienes.b.a. amplis.. Asimismo animamos a la gente a tomar este camino si se siente con ganas y tiempo libre. Comenta cuantos temas son los que vas a grabar. y como tal requiere de muchas horas de esfuerzo y dedicación. ¡ has encontrado tu estudio ! a. Pero tiene que quedar muy claro que es un oficio.. Duración de los temas. ) y un montón de plugins y efectos para descarga libre .

3 músicos. c. De esta forma puedes comparar el presupuesto que te pase el estudio con tu cálculo.. grandes disqueras o similares..Fechas de comienzo.Pedir un presupuesto. Se supone que antes de concertar cita con el estudio seleccionado has consultado lo que cuesta lo hora de grabación o si trabajan a presupuesto cerrado. ya que él no tendrá los medios suficientes o las ganas o conocimiento necesarios de implicarse en tu proyecto. b.. el coste de la mezcla y la masterización. Estos puntos son muy importantes porque puede que después de esa presentación empiecen algunos problemas. posiblemente el técnico no se quiera arriesgar y te envíe a otro Estudio más especializado.de la complejidad de los temas. y el Técnico ve viable en hacer un buen trabajo con tu grupo es momento de pedir un presupuesto. De esta forma el técnico del estudio se dará cuenta de varios puntos importantes. y has acudido con una maqueta de Trash metal. Por lo general los Estudios Medianos-Grandes son flexibles y pueden aceptar que grabes . tu maqueta suena bien. De esta forma puedes ir concretando con el Estudio como afrontar la grabación. Ejemplo: 2 canciones. En este momento viene muy bien presentar esa maqueta grabada en tu casa. Es una comparativa interesante. 25 pesos la hora. No hay mal ambiente que incite a pensar en una discusión importante durante la grabación xD ¿ no ? Si todo es correcto puedes hacer un cálculo aproximado de lo que puede costar la grabación. Quizá la política de ese estudio esté sólo en coger proyectos que vengan avalados por multinacionales.de tu nivel técnico. (* 2 temas 3 musicos * 2 Horas cada tema x músico )* 25 pesos la hora = 300 pesos + Mezcla + Mastering. También sirve cuando te envíen un presupuesto cerrado. Calcula a dos horas de trabajo por cada tema e instrumentista y a eso le sumas. o sólo problemillas. Si has acudido a un estudio de enormes proporciones y al escuchar tu maqueta el técnico observa que no estás a la altura de sus producciones. Es importante que hayas hablado con tu banda y hayan confirmado como están todos de fechas. .del estilo de tu música . te mirará a los ojos y te comentará que el no puede coger ese proyecto por tal o cual razón. .. Generalmente uno sabe cuando su trabajo tiene calidad suficiente o cuando aún no se está preparado. Si te has equivocado y has acudido a un estudio donde graban Hip Hop principalmente. Todo tu grupo está involucrado en la grabación y todos disponen de efectivo suficiente. Si estás en el estudio adecuado. turnos de trabajo etc.La elección de un estudio para grabar tus temas es como buscar un bar donde jugar tu partida de cartas.

Por lo general te tratarán mejor si te explicas con tranquilidad. ya que ellos se sienten capacitados de sacar el máximo rendimiento en cualquier situación. Haz una lista detallada del material del que dispones para grabar.. Cómo es trivial.. el que esté grabando en ese momento su toma y siempre alguien más para ayudarle.. Suele ser perjudicial.Material necesario. Cada vez menos y sólo en el mundo profesional se dedican varias semanas seguidas a la grabación de un disco. no hace falta gritar. Es recomendable que durante toda la grabación estén dos personas de cada grupo. Lo está .en diferentes turnos ya que simultáneamente ellos tengan otra grabación en curso... Aquí tienes que diferenciar si quieres sonar a ti mismo o ser un clon de tal o cual artista . vientos. Por lo general los estudios profesionales te aconsejarán que grabes con tu equipo.. . Haz los comentarios con educación y explica que problemas estás teniendo. Organiza bien el tiempo para la grabación para aprovechar lo mejor posible unas horas de estudio que estás pagando con tu dinero. Es un consejo personal que reniegues del estudio que te haga grabar sólo con su backline. darle apoyo moral. sino guiar al profesional de la mesa a una gama de sonidos y peculiaridades concretas.Respeto y respecto a la los técnicos. para pasar al siguiente corte. Por lo general la gente que se sienta delante de una mesa de mezclas suele tener mucha paciencia.Horarios de Grabación. A veces una banda tiene libre una semana al mes y la quieren dedicar a la grabación. Si no oyes la base rítmica. ya que es un trabajo de repetición. o si algo no te sale bien. si que es beneficioso que todos la escuchen en su globalidad. Sólo en casos puntuales te aconsejarán ( que no obligarán ) a que pruebes otros sonidos que con equipos de gama más alta pueden sonar mejor para lo que estés buscando. e. Una vez acabada la toma buena. Guitarras. vigilarle y como no.Los técnicos. charlando. Cierra bien estos horarios con el estudio y con el técnico que vaya a llevar tu grabación que puede ser o no el mismo que haga la mezcla. Siempre te indicará e incitará el probar otra cosa y sugerirá como enfocar el tema. ensayo prueba-error. Con ello demuestran que no se sienten capacitados o no quieren arriesgar lo suficiente en tu proyecto. amplificadores. y aconsejando. si te molesta algún cable enredado por las baquetas. Comentar con un Técnico que el sonido de Rolling es el que más te gusta para las guitarras no es querer sonar como Richards. quien le acompañará . Tienen cogidos y trabajados unos sonidos previos que saben que dan buenos resultados y no quieren experimentar o dedicarle tiempo a otras configuraciones.. Tu equipo influye en tu sonido. baterías. generalmente te cansarás tú antes que un técnico. Organiza a tu banda de cuando tiene que ir cada uno. Respeta a los técnicos del estudio como quieras que ellos te respeten a ti. Siempre hay que compaginar el trabajo de los músicos con las horas que se dedicará a la grabación. f. No es aconsejable que esté toda la banda por el estudio.. y tu sonido una proyección de tu personalidad. d..etc .

No tiene por qué saber tus temas.. no es que esté enfadado. ¿ a qué velocidad van las canciones ? Por lo general acostumbrados a tocar en directo y en el local. Bases. Generalmente se suele grabar un poco más lento de como suena un grupo en directo. Estudia entonces como han quedado tus temas grabados. De esta forma lo más aconsejable es poner un metrónomo a la velocidad que quieres que vaya la canción y grabar con un simple micrófono las guitarras.0. Vuelve a escuchar la canción en diferentes ocasiones y cuando veas que es la velocidad perfecta es el momento de preparar una pista de guía para la grabación. Así. Hay varias opciones básicas de como preparar unas bases rítmicas que sirvan para la grabación. Conoces el material que tienes que llevar. a la velocidad que se quieren grabar en el estudio. Como consejo. Clacketas. No lo olvides.. y por el bien del proyecto. Ya has quedado con los técnicos. Primer asunto importante y que marcará toda el proceso. Si alguna vez te diriges a un técnico y no te responde en 20 minutos. Tu grupo está involucrado en la grabación. el teclado o cualqueir otro instrumento que pueda servir a la base ritimica ( Baterías generalmente) para poder grabar su parte a una velocidad constante y no perderse en los cambios. para eso están tus acompañantes y tú. Sabes lo que te vas a gastar. a que prepararas tus temas con una clacketa o metronomo.Las Guias. Recuerda que el técnico no conoce tu trayectoria ni tus temas. 2. Una base ritmica consiste en la grabación de los temas ya sea con instrumentos completos o sólo un par de ellos. El mejor sistema para la grabación de estas pistas es colocar a los guitarristas el sonido del metrónomo por auriculares para que no se oiga durante la grabación. dialoga con tu banda y selecciona la velocidad de la grabación.Proceso de Grabación. es que está metido en un mundo de decibelios y watios y solo oye sus cosas: ¡ no te enfades con él ! ¡ volverá 2. 2..haciendo por tu bien. xD.0. siempre y cuando no esté afectando a tu sonido. Tienes la última palabra. Es el momento de empezar la grabación. las canciones tienen una fuerza y un ritmo que puede que no sea aconsejable en un disco. si no que sigan el ritmo de la clacketa. Has estado 2 días de hotel en plena concentración . Esas guitarras que grabemos antes de ir al estudio no hacen falta que estén perfectamente grabadas.a Grabándolas tu mismo. te invitamos a que hagas unos ensayos a lo que va a ser la velocidad de la grabación y lo que sería ideal. Para ello es muy importante que grabes unos directos y unos ensayos para ver como quedan tus temas grabados. así que es aconsejable dejarte guiar. Colocar un micrófono en medio de la sala y grabarlo directamente a cualquier . Este punto es muy importante y puede resultar crítico.

. y también en papel apuntando las velocidades. Guitarras. 2. ya que cada hora del estudio cuesta dinero.1. Esta toma no es necesaria que se haga perfecta por parte del grupo.. Grabar con unas nuevas y buenas cuerdas pueden sacar ese extra de brillo en las tomas. Ponlas entre 3 y 5 días antes de tu sesión y durante esos días no toques mucho . . 2. puedes programar las clacketas en un secuenciador o editor de audio. Si hace falta. sueltos. 2..y los compases que se dejan antes de sonar la claketa por primera vez. Para ello toda la banda o los integrantes implicados instalarán los instrumentos en la pecera y tocarán la canción a la velocidad seleccionada. Hazlo con varios días de antelación y afinándolos constantemente para que lleguen con la tensión perfecta a la grabación. Pon cuerdas nuevas varios días entes de entrar a grabar a tus instrumentos. 2. No te olvides del cantante para los temas vocales.b Programarlas Si tienes conocimientos musicales. Las cuerdas deben coger tensión.0. También hay ciertos programas gratuitos para hacer mapas de clacketas.. Las claketas llevarlas en midi y en audio.En caso de que la batería pertenezca al estudio. Los instrumentos tienen que sonar bien por si solos.reproductor. lo normal suele ser 8....b. cambia los parches de la batería. no tocar sin camisa y usar pantalón largo.Bateristas.Se Graba. pueden arruinar la toma.1. Siempre será mejor que realices este trabajo en tu local. Silencio .Cuerdas: Bajos . los cambios de claketa.c Grabándolas en el estudio.0.. Tema de Ruiditos y malos usos: . Si no dispones de medios suficientes se puede grabar en el estudio. no todo se arregla en la mezcla. Posteriormente se montará la batería que como base rítmica será el primer instrumento a grabar. así como el numero de golpes que habéis usado para iniciar la cuenta. y es un proceso fácil que además no es aconsejable hacerlo con prisas. No es broma ..a. pero si usáis 4 . tuerca. lo comentas.Cambiar el hardware dañado de la batería. El sudor puede dañar el hardware y es una guarrerida. 2. El sonido de un tornillo.Asegurarse de que las baquetas sean iguales. esto ultimo muy importante por si hay algún problema.1. sólo que lleve el ritmo constante. Que cuente bien las veces que se repite el esrtibillo o cuantas estrofas tienen la canción. y no el mismo dia. numero de compas donde se produce el cambio. etc.

Teclas 2. Y ahora una lista de recomendaciones varias: 1.c. es la técnica de hyperventilación que se usa al bucear a pulmón. no para tocar otras cosas con las que además de molestar no descansan tus dedos ni tu cabeza. Si grabas desde la sala de control.. uno que te hayan dejado o un equipo que no controles. cableado de repuesto.si se hace mas veces seguidas aumenta demasiado el nivel de oxigeno y puede haber mareo. partes donde se quede solo un instrumento o las voces.Consejos varios.. fuera del estuche claro esta. No es malo lo único que hace es aumentar la capacidad de retener aire del pulmón durante unos momentos.Si usas cables o equipos poco ortodoxos. lleva sus propias pilas de recambio.e. pero si a ratos y afinarlas constantemente. Mete en la pecera la guitarra.. Las fiestas es mejor guardarla para cuando termine la grabación. A veces puedes perder más tiempo buscando sonido que grabando una toma. Lo mismo. Duración de esos espacios. pero un grito no queda igual. Generalizando.Voces Para cantantes : una muy buena para los cantantes que tienen que pegar un grito largo. 3.Las horas de un estudio de Grabación son caras. 2. Ahora.Si te sientes más a gusto tocando con alguien de confianza. mejor para lo del grito pues el párrafo se puede pinchar.. si tu idea es buscar sonidos nuevos y no tienes problemas de tiempo y dinero. 6. No es aconsejable que lleves a una sesión un amplificador nuevo. por lo cual más aire mas capacidad de cantar. llaves.10 minutos..Vientos 2. por ello concientiza a tu grupo para que asistan a las sesiones en plenas condiciones.Toca sólo cuando el técnico te de la indicación de grabar.En los estudios de grabación no se permite fumar. Apunta configuraciones. gritar.1. llaveros. un poco antes de tocar +o... Se coge y se suelta aire hasta que los pulmones no dan mas de si 3 veces seguidas y después acto seguido se canta un párrafo largo o un grito bestial.. puedes invitarle a las grabaciones 5. Otra forma de trabajar es armar y producir las canciones en el estudio. Ademas es muuuuy molesto ..Las canciones que lleves al estudio tienen que ir ensayadas tal y como las quieres dejarlas.d.Aprovecha el tiempo entre canción y canción para descansar o para afinar tu instrumento... así que no entres a la pecera con un teléfono móvil..xD 7 . 2. Las voces se graban en un silencio sepulcral.. 4.1. cadenas o cualquier otra cosa que produzca ruiditos.. para que esté a la temperatura del estudio. no hay problema. Procura no hacer ruidos extraños . si el estilo lo requiere.con ellas. Se aconseja hacerlo 3 veces como mucho y luego descansar respirando normal. en este caso las cosas son muy diferentes.1.1... Estudia como suena tu amplificador en casa y cuando lo controles podrás grabar con él muy comodamente. 2.. Ensaya principios y finales de los temas hasta la saciedad.z.

Además se nos modifica el ánimo. o acompañando a la grabación de otro músico de tu grupo y se te ocurran ideas sobre las mezclas.. Háblalo con los técnicos y vuelves en otro momento. un armónico de una guitarra .. Un bajo que ha sonado menos un instante por una pulsación mal dada.Es muy recomendable que el día antes de ir al estudio.. Tampoco puede estar en modo avión. apúntalo todo..Si tienes los horarios de trabajo ajustados. 16.A veces asistir como público puede resultar divertido.Como norma general en los estudios de Grabación no se puede usar el teléfono celular ya que provoca interferencias con monitores y otros módulos del estudio.etc. Vas al estudio y todo sigue peor. la inspiración te ha dejado de lado ese día..etc 12. 20.. no te desesperes.. 13. . Tómate un descanso. En la palabra público está todo incluido aquel que no está grabando. algún efecto especial en voces o guitarras.... y exponlo a la hora de empezar con las mezclas. Hay días que no se puede hacer nada.. pero nunca pongas latas ni nada con liquido en la mesa de mezclas..Todos necesitamos beber. grabar puede ser estresante. 10.. Así que llévate algo de lectura o algún sistema de entretenimiento que no haga ruido.-Afinar mucho y constantemente. Cuando uno esta cansado no tiene la energía suficiente para sonar como quiere. duermas bien y que estés bien alimentado. es decir. 17. siempre se puede volver atrás y repetir sólo esa parte. no interrumpas en ese momento. No tengas conversaciones en la sala de control. a veces es un fallo insignificante y otras veces puede que se convierta en algo aprovechable.No te preocupes si te has equivocado en algún pasaje.Inspiración. pero en algunos casos. el gusto. afinas.. Cuando termines la toma deja las notas sonando hasta el final y no cortes repentinamente hasta que el técnico te avise.. intenta organizarte para grabar el mayor tiempo posible de día. 8. Si no. previos del estudio si no quieres ver una mirada asesina del técnico. escucha lo grabado. Si ves que te has levando con el pie izquierdo y todo te sale mal.Quizá haya partes o secuencias que no estén sonando para los técnicos como tu piensas. te vas a comer y cuando vienes debe estar afinado ¿ no ? pues no. ya sea con algún cambio en un amplificador. revisar. y en paradas largas. que luego hay sorpresas.No te obsesiones con una canción. el técnico tiene que hacer ajustes.antes de ello. algo muy común dependiendo del equipo.Utilizar todos el mismo afinador.. sobre todo de canción a canción. grabar sesiones. algún juego con los panorámicos para los esteréos. Es lo que se conoce como "pinchar" 9. cambiando una posición de microfonía.etc 11. Platos de una batería que tienen que sonar hasta el final. Simplemente apágalo. así que procura no molestarle y espera el aviso del técnico para escucharte por los auriculares si estás en la pecera o en monitores si estás en sala de control. 14.Cuando terminas una toma o un trozo grabado. Si el técnico no te dice que pares sigue tocando. 16. Hay veces que un ajuste para directo no funciona bien en una grabación. 15. Las noches se hacen más pesadas e incitan a otros menesteres..Cuando estés acudiendo como público o ayudante. no te la juegues así.. 19.Mirar los ruiditos de masa . el humor. puede ser un agobio. 18. Para charlar usa las salas que tienen los estudios para el descanso. si no os veréis con un cable al puente y otro al tobillo. Generalmente el técnico te guiará para subsanar ese error. cambiando acústicas del local. amplis. pasa a otra cosa si te has atascado en algún tramo. cosas por demás importantes al momento de grabar. acudiendo a otra zona de sala.

Es muy importante que en las primeras escuchas te fijes con mucha atención en tus partes de la canción. y si no hay nadie en ese papel. excitadores. y nada de quererlo matar luego por que de una opinión que no les guste a ninguno. ruiditos varios.. el sólo hace su trabajo lo mejor que puede.2. delays. Lo que no es aconsejable es que esté toda la banda en momentos en que hace falta todo el silencio y mucha atención. en mas de un estudio los miraran raro si le dan un pendrive para que lo metan en su .Mediando en las mezclas Les sugiero que al mezclar lleven a alguien que haga de mediador. sólo quedará hacerle unos ajustes.. Seguro que tiene una base de datos de samples con mucho material. así como tener bien claro lo que lleva intro o lo que no. Los efectos como viento. puertas de ruido. esto es aconsejable ya que puede trabajar tranquilo en procesos que llevan tiempo y paciencia. si hay empate. Es mejor meterlo in situ al mezclar que mezclar y pegarlo. sobre todo tu instrumento Hay que aprender a sacrificar en bien del sonido general. Si quieres tambien puedes estar en la mezcla desde el principio o la pueden realizar juntos el productor y el técnico. Ten en cuenta que es un proceso que lleva tantas horas como una grabación. explícale con tus palabras que es lo que estás buscando y seguro que él lo puede traducirlo en datos con cuatro botones. Si no tienes muy claro qué . echos. Quizás sea más personal. olvídate de tu instrumento y trata de escuchar ya el conjunto. Por favor llevar el archivo en formato wave. puede indicar a un técnico un camino a seguir que puede ser muy válido. Aunque es recomendable que los busquen ustedes o grabarlo en el estudio. explosiones. reverbs. decide el técnico. Aquí es donde las buenas manos y orejas del técnico se hacen notar. Estas comparaciones no son odiosas.3. no intentes quedar bien diciendo si un compresor en el bombo debe llevar un ratio de 5:1 porque lo has leído en Internet. no mp3 ni nada parecido. Comenta todo lo que se te ocurra con tus palabras. lluvia que lleven ustedes. 3. Pero si sabes exactamente qué necesitas explícaselo al técnico. es imposible que todo se escuche en todo momento. y cómo quieres que quede .Mezcla de los Temas Aunque tengas pocos conocimientos sobre sonido profesional sabrás que mezclar los temas no es sólo el ajuste de volumen para conseguir un LR ( pista completa estereo ) claro y compacto. Intros .. etc etc es la tarea que se realiza en lo que se llama "Mezcla".1. lo hacen ustedes con la mayoría.Tus aportaciones . Una vez que has visto que lo tuyo está bien. apunten desde donde hasta cuando debe sonar. La primera mezcla la puede realizar el técnico en solitario. Efectos. Cuando el técnico haya terminado su parte. Antes de empezar con la mezcla habla con el técnico sobre grupos similares a tu estilo y que suenen bien en un instrumento concreto. Muchas veces se quieren añadir a ciertos temas efectos.. que es donde entran tus opiniones y las de tu banda. mejor que no metas nada. como ustedes. 3. Cada instrumento y cada pista lleva una serie de procesos y-o efectos añadidos para conseguir ese sonido espectacular de los discos que nos gustan. Por cierto. Añadir: compresores.

confía en el estudio donde hayas grabado para que te hagan la masterización del disco... ésta palabra te puede sonar un poco raro. Nov 2007 Técnico de Sonido: neph . ( el que no esté de acuerdo con puntos en la redacción que lo comente y se procederá a su estudio y-o posterior modificiación. Todo el mundo puede usarlo citando fuentes. y un ecualizador de mastering. pero a falta de un pequeño retoque. son algunas de las características que convierten al productor artístico en una pieza clave en el proceso que transforma una idea en un disco. La Rioja . Dependiendo en que estudio te encuentres.es Estudio de Grabacion en Calahorra. la cadena de mastering va a ser de una forma u otra..) Sonosfera www..sonosfera. o a Chino !!.gruposriojanos. y Código Abierto. Una cadena básica de mastering consiste en un compresor. y la habilidad para tomar decisiones. Puede ser un Estudio Mediano en el que simplemente usan unos plugins de Software o pequeños efectos en Rack.Masterización Si no estás muy relacionado con el audio profesional. aportan. Modificado por Diego Mamani Di Giuseppe para Eko))) Estudios. tu trabajo terminado. O puedes estar en un estudio especializado en Mastering en el que la cadena de procesado valga varios miles de euros. colaboran . xxxx Dic 2007 Especial: Producción Artística La experiencia adquirida en estudios. cuentan en qué consiste la profesión de hacedor de discos. con licencia CC. Una vez terminada la mezcla de una canción se obtiene un resultado: El proyecto mezclado es una pista estéreo de tu canción.ordenador.. Logroño. Si tu proyecto consta con un presupuesto ajustado... (y a todos los colaboradores) añadir puntos y textos que aporten información. Los ordenadores suelen estar optimizados y suelen tener desactivados los antivirus. desde el portal www. : Guía realizada por técnicos del estudio Sonosfera™ (España) y en la que han colaborado técnicos de grabación de varios países.com. Masterizar es la "sal" de las grabaciónes. Si tienes una cuenta corriente más holgada puedes llevar tu trabajo a masterizar a un estudio especializado en este tema Reniega del técnico que te asegure puede mejorar tal o cual fallo con el proceso de Mastering !!! Este es un texto copyleft . lo veo normal. A comienzos de los años ´60s cuando George Martin aceptó grabar un simple de la .hispasonic.com . 4. Es decir. mejoran . el conocimiento de los instrumentos .Oct 2007 Colaboraciones : Estudio de Grabación de Proyectos www. Algunos de ellos. Por norma general todos los estudios que graban y mezclan se encargan también del proceso de Mastering. la capacidad para captar un concepto y también para transmitirlo.

La combinación fue un acierto que ya trascendió cuatro décadas y que sigue despertando admiración en todo el mundo. Después llegaría el tiempo de Phil Spector. así que fue como una cuestión natural para mí. En otras ocasiones se requieren los servicios de un tercero. Es un proceso que abarca varias etapas y que incluye la elaboración de los temas (preproducción). Sebastián Schachtel. la grabación (producción) y la mezcla (postproducción). A veces es el propio músico el que ocupa ese rol. Después Pablo se compró una portaestudio más grande y yo me compré una computadora y las cosas fueron saliendo mejores. y que quedó de manifiesto en la edición de Let it be . Desde que comenzó su trabajo como productor. de grabar básicamente nuestra banda".canción Love Me Do. Su escuela. Con el disco Sgt. Diego Vainer. han sido su hermano Martín (exCaballero de la Quema) y Pablo Romero. ya lleva unos 50 discos producidos marca los aciertos y fracasos. además de la prueba y el error. El acceso a la tecnología sin duda facilitó que cualquiera pudiera grabar y. La producción es la instancia que atraviesa toda idea musical antes de convertirse en un disco. cuenta. grabábamos todo el tiempo. hacíamos discos que sonaban bien casi sin la necesidad de presupuesto. de algún modo una nueva etapa se iniciaba en la historia de la música contemporánea. pero lo hacíamos por la necesidad de grabar. para el sello Parlophone.Naked. "Componía y armaba. utilizando dos consolas de cuatro canales. "Los demos salían bien y venían otras bandas para que les ayudemos a grabar". y que también ocuparía un lugar de respeto en el podio de los productores. arreglaba las canciones. producir su propio material. por ende. Aunque también provocó el enojo de Paul McCartney cuando decidió modificar el sonido de algunas canciones incorporándoles pistas de instrumentos y coros. de Arbol) también. al tiempo que genera un valioso caudal empírico para el desarrollo trabajo discográfico. Empezamos a grabar a full. Convertido en un referente en materia de producción. cuando pudimos tener un poco más de recurso. el primer larga duración. Por eso. y para Pablo (Romero. El éxito que tuvo ese material llevó a los cuatro de Liverpool a ponerse a las órdenes de Martin como productor para la grabación de Please. Era un trabajo muy artesanal al principio.. este mítico personaje logró hacer resplandecer a los Beatles con arreglos musicales. Pepper´s Lonely Hearts Club Band fue el primer productor en Inglaterra en realizar una grabación de ocho canales. Matías Mendez. los micrófonos que teníamos en ese momento eran pésimos. El recurso metodológico del ensayo y el error es el que Chavez empezó como productor grabando demos en una portaestudio de cuatro canales. La producción & los productores "George Martin. Esteban Serniotti. empezamos a hacer desastres.. Al tener una portaestudios éramos de gra-bar mucho. En Argentina no hay una gran tradición de productores artísticos. al comienzo de los Beatles es el modelo lo que era un productor artístico: una . la incorporación de nuevas técnicas de composición y de grabación. Pablo Guyot y Alfredo Toth. quien se hizo cargo de la producción del disco Let It Be. aunque su figura está en ascenso. Su oficio parte de la inquietud personal de estar en la cocina donde se elabora el disco. Su técnica de pared de sonido basada en la grabación de varias pistas de acompañamiento superponiéndolas hasta crear un sonido compacto logró influir en muchos músicos. pero ese fue nuestro aprendizaje. Please me. subsidiario de EMI. son algunos de los muchos músicos (aunque no tantos) que se calzan el traje de productores y se entregan a la tarea de hacer discos.

La idea en un disco es sumar todo". Algo que su socio. acomodar la estructura de la canción. es como un psicólogo". En el rock es importante rescatar la parte más emotiva y caliente y en el estudio se puede llegar a enfriar. En la pre-producción te involucrás con la música y en la producción.O. ni hace ninguna cosa que la banda no pida. El Otro Yo y La Portuaria. Sebastián Schachtel habla de una relación en la que influyen la experiencia de estudio que tenga el grupo y lo que la banda necesite del productor. porque sonar bien suena bien cualquier disco. A medida que la instancia de grabación se convierte más que en un momento de registro. Levitar y también tuvo a su cargo el disco Pappo Versionado con el que se relanzó el sello Iguana Records. Según su definición. "El músico tiene una idea de una canción muy en bruto. entre otros. Es como pulir un diamante. que suene bien. Esteban Serniotti. El proceso puede abarcar uno o varios meses. No descarto que pueda haber un excelente productor que no sepa pentagrama. Hyperstatic.persona que entendía de música -muchas veces un músico. en un momento de creación. o saber de máquinas para ser productor. "Mi trabajo es ayudar a hacer discos. pulir lo que no está pulido y abrir un poco el espectro". Pablo Guyot comparte.I. se autodenomina "hacedor de discos". tratás de generar un clima y un ambiente en el cual la gente ni se dé cuenta que está grabando porque la mayoría de los músicos tienden a ponerse nerviosos en la grabación. depende del tipo de . Matías Méndez. Actualmente está produciendo los discos de Smitten y El Ojo de Sánchez. cosas que no me gustan suenan perfectas. luego se pasa a estudios para registrar cada una de las tomas y finalmente se hacen las mezclas que darán lugar al disco. juntarme a trabajar con una banda y darle brillo a lo que no tiene brillo. sino que era un personaje con participación en lo que era la producción de ese producto". ese es un prejuicio. ese rol empieza a tomar otra dimensión. arreglar un poquito para que el tema tenga dinámica y que el sonido sea personal. Una postura similar es la que sostiene Alfredo Toth cuando declara que la producción consiste en " hacer que la canción brille más". ni manda. El productor es como el coordinador. sino ayudar a que la canción fluya. y a veces no tiene del todo claro qué es lo que quiere con esa canción.S. El productor tiene que generar una atmósfera y sacar lo mejor de cada persona. guitarrista y productor de Cabezones. se puede perder algo.I.. lo único realmente imprescindible es tener un buen oído". trabajó en los discos de bandas como D. pero también a partir del bueno oído. "Para mi es importantísimo no sólo el sonido.que tenía un empleo en una discográfica y que era la responsable de llevar adelante un proyecto. Lo que sí hace es ubicar y detectar ciertas cosas que la banda necesita y que no se da cuenta que las necesita: trabajar la estructura de los temas. la elección del repertorio. alias Chávez. La aclaración corre por cuenta de Diego Vainer. "Un productor ni ordena. Desde la sala de ensayo se trabaja en la pre-producción de los temas.S. El trabajo del productor comienza normalmente cuando el grupo decide grabar un disco. Desde su lugar de músico y productor de La Portuaria y Las Pelotas.I. de Rosario Bléfari. la producción "es una tarea que se realiza en forma consciente o inconsciente" y el productor se hace a partir de la experiencia en estudios.O. Schachtel explica que el trabajo del productor incluye opinar sobre el orden de los temas.N. productor de su propio proyecto Fantasías Animadas. El rol del productor es un poco descartar todo lo que está musicalmente de más sin perder la esencia de la canción. si eso no se revierte. ya no había que lograr una efectividad en el registro. la elección de donde se va a realizar el mastering y otras decisiones que hacen al armado del disco y no sólo el trabajo de estudio. me gusta más que tenga un estilo". "No hace falta saber tocar muy bien. titular de Nuca y uno de los principales productores de bandas de la zona Oeste. hacer que los músicos estén cómodos en el estudio porque el estudio es un lugar bastante artificial.

"Con los Decadentes -disco que están produciendo actualmente. en el ´92 empecé a producir a la Zimbawe. Eran los dos tercios de G. esa es la parte más difícil.Toth conforma un equipo de trabajo que ya lleva muchos años. Producción propia o externa La producción de un disco demanda mucha dedicación y un esfuerzo muy importante cuando está a cargo de alguno de los miembros del grupo. Hay ocasiones en las que el productor puede incorporarse a un trabajo ya iniciado o puede haber casos en los que el trabajo se abandone si no se llegó a lograr un buen trabajo en equipo. que me llevó bastante tiempo pero que vendió muchísimos discos. Serniotti se siente muy cómodo con su rol de músico y productor. Vainer sostiene que hay productores integrados a un grupo que pueden funcionar muy bien. En ese sentido. Ahí marqué que podía producir discos para las compañías". estas partes sobran. apunta Serniotti. una banda que se hizo escuchar en los ´80s.4. Muchas veces los músicos no ven a la banda como un todo sino que cada uno está preocupado por su parte. les hace ver cosas que antes no veían". después que suenen bien es algo en lo que ya tenemos experiencia porque estamos grabando todo el tiempo. La experiencia del grupo en el estudio y la claridad de las ideas también influyen. un EP o un disco. 1. pero a la vez es la chance de hacer realmente lo que quiero". Guyot y Toth han trabajado en la producción juntos y separados.I. La dupla Pablo Guyot . ahora se hacen escuchar a través de sus producidos. es cuestión de escucharla y más o menos armarla con los mismos elementos pero cambiándolos de lugar". sobre todo cuando nota que el resultado es mejor. es muy difícil ser productor desde adentro".2. fluimos". "Un productor puede ser una persona muy importante y si vos no das con la persona indicada. No descarta que el grupo pueda tener en algún momento otro productor. pero advierten que logran mejores resultados en conjunto. para la grabación del disco Cuestión de honor. La dupla Guyot . "Con los chicos de Nuca somos pares. por eso es muy difícil para mí "imponer" una dinámica de trabajo. "Trabajamos mucho en la preproducción.T.. "Hay cosas que el músico no se da cuenta. no estoy involucrado en todo". este tema que dura ocho minutos es aburridísimo. Fue difícil en un punto ser el productor y tocar.Alfredo Toth comienza a trabajar siempre desde los ensayos.Con Juanse estuvimos viendo la estructura de las canciones con guitarras acústicas y después recién fuimos a juntarnos con todos los Ratones. Los Piojos y muchos otros se han entregado a su experiencia. Menciona el caso de Brian Wilson de los Beach Boys y destaca el trabajo de Gabriel Ruiz Díaz de Catupecu. Desde la Mancha de Rolando hasta los Tipitos.estuvimos yendo a los ensayos dos meses antes. a buscar un audio. ya producía bandas de chicos que por ahí ni me pagaban. "En Cabezones hago lo que yo quiero.. está más abierto a los cambios. Des-pués. y señala que "con otras bandas es un poquito más relajado a nivel tensión porque hay cosas que me puedo dedicar más a producir. la estructura de la canción podría ser mejor.trabajo que se quiera registrar: un demo. admite que un productor externo puede aportar un poco de orden y una disciplina de trabajo que resulte una experiencia enriquecedora. escuchamos las canciones y a veces el armado. te puede arruinar un disco". Un productor dice esto es así. yo no tengo más o menos voz que el resto.T.discos . componer. explica Toth. confiesa Matías Mendez.3. Cuando el músico trabaja con un productor. De alguna manera. comenta Guyot.I. "Cuando estaba tocando con G. cuenta Pablo.

una vida propia. "Siempre me involucro -comenta Chávez-. Empecé un poco sin querer a estar en ese rol de productor. te traen algo muy básico. Ahora estoy produciendo una bocha. Sobre esa cuestión. Muchas veces el productor además de estar en todas las decisiones. yo sé que todo eso en algún momento vuelve". tratar de transmitirlo y que lo absorba el grupo. hasta que en el disco Eclipse ya me pusieron el título. Todo . En cambio. "Siempre le digo a los músicos. "Hay discos de productor. que no tenga nada que ver con su carrera. En el extremo está Chávez. declara el creador de Fantasías Animadas. El grado hasta donde se involucre con el proyecto y con el trabajo de la banda. Hay bandas que se parecen mucho a Nuca y eso no sé si es bueno o malo". admite Diego Vainer. a priori prefiero si imagino algo. "Producir es abocarte. "Al componer estás viéndola antes que otro y eso lo tenés que transmitir después al grupo para que suceda todo como lo pensaste. En estos momentos estoy terminando tres discos y en la mitad de dos y empezando otros dos. Guyot y Toth están terminando el disco de Decadentes. Las grabaciones tienen un proceso de maceración.Yo no puedo hacer producción personal ni producir varios discos a la vez". "Siempre que estoy grabando pienso en grande.Algunos productores no pueden hacer más de un disco a la vez. qué se te ocurre para cambiarlo. no me importa si estoy grabando una banda que no le vendió un disco a nadie. hay discos en donde el productor la mejor tarea que tiene para hacer es no intervenir -explica Vainer-. A mí eso mucho no me gusta porque este trabajo es también para mí un aprendizaje y por eso trato de elegir gente que ya tiene una identidad. Para Guyot la clave está en que la banda pueda indagar sobre su propia identidad. no lo veo como algo tan lejano. La verdad me gustaría producir menos. lo que le llega a la gente y no lo podés inventar". no hagan lo que yo les digo porque si no van a salir todos los discos iguales. Lo disfruto un montón. "Me hago de chicle a veces. les aviso dónde enfocar. A veces creo que cometo el error de poner demasiado en cada disco. "Por suerte hay cosas dando vueltas. señala Méndez: "Es delicado. Los discos que quiero hacer yo. "Suelo tardar bastante en hacer los discos porque soy muy detallista. trabajando con el disco solista de Juanse y empezando con La Zurda y ya tienen en lista de espera a Los Tipitos. la experiencia y lo que crea más adecuado para llegar al mejor resultado. La metodología de trabajo de cada productor varía de acuerdo con su propio estilo. no quiero hacer de cada disco un disco que no hice yo. Schachtel se ubica en el primer grupo. "A mí me tienen que empujar para que participe en el disco como músico. igual si me llama. es como estar dos pasos más atrás de todo lo que ocurre por las dudas". La composición de los temas de Cabezones fue la vía de entrada que llevó a Esteban Serniotti a la producción. Su desafío es hacer algo que sea atípico. Hasta dónde el producto resultante lleva impreso el sello del grupo o el del productor. Que un disco tenga eso es hasta más importante que tenga buen sonido. A veces eso tarda mucho en aparecer y lo siente el productor y lo siente el músico. Hay bandas que vienen con la idea de que vos hagas todo. les tiro una punta pero les digo. A partir de ahí comencé a tomarlo más en serio". mientras que otros pueden desarrollar varios proyectos juntos. los hago". esto está mal. termina sien do un invitado en el disco. Asegura que tiene muchas cosas para aportar en materia de producción. hay una instancia en la que empiezan a tener un alma. Pero sobre todo le gustaría producir a Cerati. la forma de organización. alternando los discos de La Portuaria y Las Pelotas. Me quiero foguear un poco más para afrontar esa situación. El músico confiesa que cada disco le lleva mucho tiempo. dependerá de la relación que se haya dado entre las partes. porque eso es lo que trasciende. voy". pero es una locura". Trato de buscar la manera de potenciarlos".

la meto. Es una negociación de dos partes y depende tanto del productor como de la banda. la situación se resuelve mucho más fácil. Hacer una canción nada comercial. no de cortarle las piernas. Hay instrumentos que son muy difíciles que suenen bien. porque capaz que hacés un par de cosas y ese instrumento no parece el que es. la más "comercial". No podes grabar Qué ocurre cuando uno de los integrantes del grupo no está listo para afrontar la grabación del disco. que cualquiera cante. Hay que plantear la situación de crecimiento. Pablo Guyot. los cantantes también. son las mejores y las más comerciales. Vamos a hacer el mejor disco que podamos porque en ese momento yo soy parte de la banda. generándole un clima de laburo bueno. pero se da básicamente en los instrumentos de viento". la convocatoria a un sesionista o en el caso más drástico. Hay bandas que te dicen hasta acá.I. Le explicás que aproveche la situación para estudiar y para que el próximo disco lo pueda grabar él.T. "Una buena canción para mí la logran los Beatles. Trato de disfrutar el momento con la banda que me elige para que los produzca -dice el guitarrista de Cabezones-. la banda sola se da cuenta. Chavez carga en su historia con la experiencia de haber salido de Arbol luego de que el grupo que formó se pusiera a las órdenes de Gustavo Santaolalla. horrible. También tiene que ver con la banda. puede quedar muy bien. Yo intento porque está bueno que sean los que son. y lo vi desde ese lado y dije qué groso. siempre hay un acuerdo". "El productor se puede meter hasta donde la banda lo deje. si se me ocurre una voz la canto. Cuando pasa eso. Jamás diría que un músico no puede estar en la banda. Fue una situación que lo marcó profundamente y que sin duda dio un giro en su carrera musical. Artístico o comercial El desafío para los productores es lograr un equilibrio entre un buen material y su capacidad para ser comercializado. Hay una cuestión ética de cada uno. Los instrumentos de viento son muy delicados. incentivándolo y después editando. si ese integrante forma parte de la propuesta porque a veces no influye en la interpretación pero influye en otra cosa". Depende de cómo esté inte-grada la banda. "Eso lo decido con la banda. hacer las dos cosas juntas es mucho más difícil. si se me ocurre parte de la letra. rarísima. También me di cuenta que en esa época yo no estaba para grabar ese disco. después llegás hasta donde podés -explica Guyot-. Yo trato de hacer la mejor canción. a llevarlos a buen puerto sin herir muchas susceptibilidades. el reemplazo del músico. Cuando hay una situación así trato de ser cuidadoso porque sé que es una instancia muy fuerte para el músico. con respeto". He tenido la situación de decir este pibe no puede grabar. y otras bandas que te dejan que te metas y por ahí el disco termina siendo más mío que de la banda". Hacer una canción comercial berreta es también facilísimo. Vainer también apuesta a la tecnología. buenos discos y que puedan sonar en la radio bien. no me gustaría decirle a la banda que un integrante tiene que desaparecer. "Lamentablemente estamos en una época en que la tecnología hace que cualquiera toque. "Con las bandas mucho no nos pasa porque si no nos gusta como tocan no creo que las produzcamos. y llamás a un sesionista. pero no . Si realmente escucho el disco y va para atrás. un pibe que toca la guitarra más o menos. La solución puede pasar por la edición. Para mí es una situación extrema. La meta es encontrar grandes canciones. lo hacemos de nuevo. aunque después no reclame el crédito. Es importante que con nuestra experiencia podamos ayudar a que todos funcionen. es facilísimo. Para el ex G. Prefiero hacer eso a decir este integrante no puede grabar.el tiempo si se me ocurre algo toco.

que hay algo que se genera que me despierta emociones. Me gusta ver dónde está aquello que funciona para el artista y qué es lo que más que proyectarlo lo ahoga". hasta el que toca en una banda o el que labura en un colegio viven de lo que producen con la música y el músico de rock también vive de eso y hacerse como el que no. que me sirva a mí. Cuando me entero que todos los discos pasan por esa instancia digo. Son cosas obvias pero que a veces no son tan obvias. Cuando estás mejor preparado para afrontar la cuestión.dice Chavez-. El disco es un producto comercial y hay que hacerse cargo de eso. las cosas se van decantando solas y eso tiene que ver con el grado de madurez de la banda. Un tema de ocho minutos en la radio no te lo pasan. que le sirva a la banda. y al resto darle más libertad". En cambio. "Trato de escuchar el contexto. pero fui entendiendo que es necesario. No tengo la formación para comprender al mercado. de descubrir cuál es la intención. Después. Serniotti apela primordialmente a hacer las cosas bien. lejísimo de hacer un Help". un tema que la voz está desafinada. sale solo". El músico se hace el boludo o la posición de pensar que no importa lo comercial es muy naif. del entorno. y si las hacés mal. sentirme bien con lo que estoy haciendo.es una cosa que calculamos. Pero la realidad es que todas las bandas necesitan que tenga difusión. Sebastián Schachtel y sus . Hay muchas bandas que vienen con la idea de "¿esto te parece que va a funcionar?" y para eso están las compañías. "Más que nada me preocupa la música. que me contacta todo el tiempo con el momento donde quise dedicarme a la música". es todo muy planificado. El estudio con todos sus equipamientos y la magia que se puede concentrar en ese lugar fue un imán para Diego Vainer. No hay que trabajar para eso. a la larga te va a ir bien. "Yo no soy nadie para hablar desde el punto de vista comercial. de sacar todo lo accesorio. hay gente que sí combina las dos cosas". es una actitud hipócrita". que lo pasen en las radios y hay ciertas normas que hay que cumplir. Obviamente. nos sale así". de algún modo ese magnetismo estaba latente desde sus primeros contactos con la música. ese gen se comenzaría a desarrollar con una portaestudio usada que le dio unas posibilidades de experimentación que para él fueron tramendas. Vainer también se aleja del costado mercantil del asunto. hacia dónde van. "Cuando producís hay varias instancias. lo anecdótico. vuelve al toque. El productor se concentra en su labor artística. de los músicos. pero no hay que hacer como si no pasara nada. Desde el músico que da clases. No sé de qué se trata pero quiero estar más tiempo acá. que tenga un alma . "Yo llego a la producción porque la primera vez que entré a un estudio quedé como hipnotizado. Yo tengo una disyuntiva con res-pecto a producir un tema para que sea corte o que sea radial. "Es un producto comercial porque el disco va a estar en las disquerías y alguien lo va a comprar. Todos cometemos errores Cuando Las Pelotas presentaba en Obras Esperando el milagro. bueno. Suele su-ceder que los cortes de difusión son los que más rápido te aburren porque están producidos de un modo que se repite el estribillo. hay que estar acá. Por eso está bueno decidir antes dos o tres temas que pueden llegar a ser corte. Me parece que el momento de estudio es muy sacro. Schachtel admite que la veta comercial no es un dato menor. antes boxeaba con eso. de todo. Si vos hacés las cosas bien. que esté bueno. No hay que desesperarse. "El momento de hacer producción lo relaciono mucho con el momento en que yo ponía un disco y decía por qué me pasa lo que me pasa. si es un pedazo de plástico. y ponía Help y me transformaba. Creo que la venta es una conclusión. tampoco.

Esas características fueron las que capitalizó para su trabajo con La Portuaria y posteriormente con Las Pelotas. que el momento de grabación devore a la música. Llegada cierta madurez del artista. Para algunos. Hay un montón de bandas que el productor es uno de la banda. cuando tenía veinte años y formaba parte de Clap. pero ya con los Beatles. no me avergüenzo". Es un productor de sus propios proyectos. Acá es como que todo lo hacemos desde abajo. Así. para Méndez no queda otra que hablarlo con el psicólogo. pero lo cierto es que hasta hace poco tiempo la demanda tampoco fue muy importante. sigue evolucionando. pero des-pués se hace larguísimo. terminan por convertir a los músicos en productores no sólo de lo propio sino también de lo a-jeno. Serniotti también se enfrenta a sus deslices. músicos de bandas que no tienen tanta trayectoria ofician de productores de otras aún más verdes. Quizá no sea muy abundante la oferta de productores. Cuando arranca la parte pesada. No obstante. "De ahí en adelante grabé muchos discos. "Ese tema era de una manera y yo hinché para cambiarlo. pero está bueno porque va marcando las etapas de uno. como Schachtel. pasé mucho tiempo en estudios y eso te da como cierta familiaridad y cierta destreza". el fenómeno es parte del proceso de maduración del rock argentino. La función del productor artístico adquiere una presencia más notoria en los discos editados por las bandas independientes. "Ahora el productor está como más de moda -dice Serniotti-. Sebastián Schachtel grabó su primer disco en 1985. pero por suerte también puedo ver los aciertos". mientras que los productores de renombre validan su título en los años de escenarios. uno de los errores que se cometen más frecuentemente en la grabación de un disco es "dejar de pensar en la música. y es que las mezclas nunca se terminan. se advierte una tendencia al cambio. El productor no está exento de los desaciertos.compañeros. El rock se está transformando en un movimiento más fuerte y las bandas están empezando a tomar consciencia de lo que significa un productor". todavía falta para que el productor ocupe el sitial reservado para el . propuse varias cosas que me gustan como que empiece sin la ba-tería y que des-pués arranque con todo. Serniotti menciona a la repetición como otro de los malos hábitos que tienen los músicos. El disco es como el retrato de la fiesta. Si bien el rock en Argentina tiene varios años. hay que armar la fiesta". el productor era el número uno. la decisión de buscar un productor se hace más frecuente. va agudizando el oído y va cambiando la manera de hacer las cosas. "Hay una frase que no es mía pero que es cierta. pero como productor. En otros casos. nadie supo como terminarlo". Yo hoy escucho el último disco de Cabezones o el anterior y me río porque hay un montón de cosas que o las haría muy distintas o no las haría. Para otros. "Hay una cuestión de repetir porque funcionó y no todo el mundo está para no repetir y eso marca una diferencia". Un productor tiene que facilitar todos los mecanismos para que las sesiones rindan. Acaso la fórmula de atarlo con alambre sea la que mejor funciona al principio. Si bien hay productores que trabajan para compañías. En vivo lo tuvimos que cambiar porque no está resuelto el final. "Me pasa todo el tiempo y la verdad que lo sufro mucho. Cuando una equivocación tiene lugar. Para Vainer. lo cierto es que desde que el movimiento under ha crecido considerablemente multiplicándose en incontable cantidad de bandas. advirtieron que algo estaba mal en el tema que da nombre al disco. la mayoría de las agrupaciones produce sus propios discos grabados en estudios caseros. es muy largo. La producción artística no es un área muy desarrollada en el rock vernáculo. uno las abandona. Uno va progresando día a día. complejos estudios de grabación y su trabajo con numerosos artistas. la experimentación y la inquietud por los secretos de la cocina del disco. se repite muchas veces.

se lo mira con desconfianza. hay dos visiones acerca de por qué las bandas lo buscan para que les produzca los discos. en vocal cerrada.. Los controles básicos de un compresor son los siguientes: Nivel de umbral (Threshold): Fija el nivel. La visión optimista es porque trabajo mucho.ejercicio de su función. "En Argentina el productor todavía no es alguien visto como super necesario para las bandas. consiguiendo así que no haya partes vocales que se pierdan o partes que se nos queden “fuera de mezcla”. quizá el próximo disco. con lo que se consigue que el sonido del tema musical esté bien balanceado y controlado en todo momento. Al contrario que sucedía con las puertas de ruido. Cuando la señal supera el nivel de umbral. Tambien es un control que . Tiempo de ataque (Attack): Determina el tiempo que tarda el compresor en empezar a atenuar una vez que la señal ha superado el umbral. son los procesadores de dinámica más usados durante una mezcla. "producir un disco es formar parte por tres meses de un grupo. si por ejemplo hacemos eso en un bombo eliminaremos mucha pegada. mi hermano Martín y no hay más que yo conozca y que están laburando mucho. sea la promesa para el reencuentro. medido en dBs.. Con un compresor insertado en la pista de voz podemos igualar de forma artificial la dinámica de la voz. ya que va a determinar el carácter del sonido. Es un parámetro muy importante. no hay tantos. los discos están buenos y siento que ayudo a que las bandas crezcan". era como imposible pensar que alguien iba a contratarlos si no había un productor. por encima del cual la señal va a ser atenuada. Como dice Vainer. y según su propia opinión. el productor muchas veces es un músico de la banda o de otras bandas que tienen experiencia de haber grabado muchos discos pero no hay tanto oficio de productor". Por tanto el compresor lo que hace es aplastar la señal. Juan Manuel de La Zurda. tengo todos los beneficios y todas las obligaciones. eCompresores Los compresores. Un uso muy típico de un compresor en una mezcla es el insertar uno en la pista de voz solista. Aunque después de haber compartido una rutina durante determinada cantidad de tiempo. en vocal abierta. Tiempo de relajación (Release): Determina el tiempo con el que el compresor deja de actuar una vez que la señal pasa a tener un nivel inferior del marcado en el umbral. es como un romance de verano ". manteniendo dentro de unos márgenes aceptables las variaciones de volumen. depende de si una palabra termina en consonante. un compresor se mantiene sin actuar siempre que la señal esté por debajo de lo marcado en el umbral. Acá en el Oeste hay muy pocos. Si usamos un tiempo de ataque muy corto por ejemplo lo que vamos a conseguir es eliminar el carácter transitorio de la pista. Estas variaciones de nivel son producidas por temas de entonación. Como esos amores. Chávez es uno de los productores que más trabajo tiene en la zona Oeste. el compresor produce una atenuación en el nivel de la señal. el trabajo del productor concluye cuando el disco está terminado. En términos generales. junto a las puertas de ruido. y bandas hay dos millones. estamos Pablo (Romero). Los Beatles desde el primer disco hasta el último lo grabaron con un productor. lo vivo muy intensamente. igualando las partes fuertes y las partes débiles. Acá es diferente. ya que mantienen controlada la dinámica de la señal. "La visión pesimista es que no hay productores. Tened en cuenta que es imposible que un cantante cante todas las sílabas con el mismo nivel. de pronunciación. el vínculo entre el productor y la banda no es fácil de disolver.

¿cuál es el objetivo de la masterización? En primer lugar. durante el proceso de la mezcla. Para el oído humano. En este último punto hay una gran polémica. Ratio: Determina la cantidad de atenuación que va a provocar el compresor. Cuanto más fuerte sea el nivel de entrada más atenuación vamos a tener. conseguir uniformidad entre las pistas. pero esta nueva tendencia de apurar al máximo el volumen de una canción tiene su explicación en la psicoacústica. Este curioso efecto es el motivo por el que se tiende a comprimir y limitar al máximo posible cada pista. coges tus pistas y las cargas en tu editor de audio y te dispones con tus bien conocidos monitores de campo cercano a masterizarlas. Sin duda estás comiendo de entrada tres errores bastante importantes: primero. Propongo una situación real y habitual: acabas de terminar de mezclar unos temas y te gustaría que sonasen correctamente en cualquier sistema de audio y que tuvieran coherencia entre ellas. Entonces. nunca se debe masterizar sin descansar los oidos. y va a depender del nivel que tenga la señal de entrada. Por tanto. una buena mezcla requiere un proceso posterior mínimo. Unos oídos viciados tenderán a destacar frecuencias en la mezcla. no deja de tener razón. En general. El problema es que.determina en gran medida el carácter del sonido. en muchos casos. Realmente. de forma que no existan grandes diferencias de sonido dentro de un mismo trabajo. Esto se debe a que ahora la reducción de ganancia va a ser dinámica. un ajuste común y preciso. puesto que hay detalles que .. corrigiendo picos que han pasado desapercibidos en los monitores de referencia usados en las mezclas. Esto se evitaría en gran medida teniendo una pista como referencia constante durante la mezcla o usando un analizador de espectros. consiguiendo. Sin duda necesitan una masterización. aunque no estoy totalmente de acuerdo. que la pieza pierda toda la dinámica. Los compresores suelen tener un control para coIntroducción Hay quien opina que la masterización no existe. unos monitores de campo cercano no son lo más apropiado para masterizar. Ganancia (Makeup): Una compresión implica una reducción del volumen general de la señal de audio. se tiende a equilibrar unas pistas con otras sin tener claro cómo debe sonar el conjunto acrecentado por la fatiga auditiva. conseguir que suenen igual en cualquier equipo de audio. una canción que tiene más volumen que otra es percibida como mejor de forma inconsciente. siendo este un terrible error. y ganar algunos dB de volumen medio. La forma de medir esta atenuación es un poco más complicada que en el caso en el que dejamos una atenuación fija (como lo que sucedía en las puertas de ruido).. y en tercer lugar. tú no deberías nunca masterizar tus propias mezclas. que es un parche a una mala mezcla. en segundo lugar. al no ofrecer una respuesta clara y amplia de todo el espectro.

sin duda. la alternativa software suele ser más barata a igual calidad. la solución software es la que ofrece mejor calidad-precio. unos monitores de campo lejano. La gran polémica surge en cuanto a qué elementos (y en qué orden son adecuados) para una masterización. pero la gran pregunta es ¿software o hardware? La respuesta: da igual. es muy socorrido un excitador aural. serían el punto de partida ideal para la masterización.ya pasas por alto por el vicio de escucharlos una y otra vez. La normalización Uno de los objetivos principales de la masterización de un disco es que las canciones sean percibidas a un mismo nivel medio. disponer de escuchas de distintos tamaños y calidades para poder chequear el material en condiciones cercanas a las que dispondrá el receptor final. además. En cualquier caso. en menor medida. Para estos menesteres se requiere una sala tratada acústicamente. en los de medio campo. Un ecualizador mediocre o un compresor de baja calidad puede destrozar una mezcla. Por tanto. consiste en evitar realces de frecuencias y rebotes dañinos para una correcta audición. En general. pero ha de ser de primera calidad. Personalmente. Hoy en día. Es un error habitual en los monitores de campo cercano y. entre otros. Sin duda hay cosas fundamentales que no deben faltar en una cadena de masterización: un ecualizador. su incapacidad para reproducir frecuencias graves. Es muy importante. no podría vivir sin un compresor multibanda y un par de conversores M-S(este elemento lo analizaremos más adelante) y. para ofrecer una respuesta equilibrada en todas las frecuencias. En el artículo anterior se sugería el sistema del Finalizer. la clave de todo el proceso es que la masterización no arregla una mala mezcla. No se trata de crear una cámara anecoica. multivía y habitualmente empotrados. lo mejor es recurrir a un buen profesional siempre que se pueda. Cuando empiezas el ajuste de varias pistas. Spectral Design y TC. Los altavoces son un punto clave: necesitamos escuchar todas las frecuencias sin coloraciones. un compresor y un limitador. siendo atenuadas las frecuencias por debajo de los 70 Hz. Por tanto. el primer paso lógico es normalizarlas de forma . Existen numerosos paquetes de primerísima línea de Waves. Las condiciones ideales de masterización distan en muchos casos de la mayoría de los estudios de grabación de cualquier categoría.

La diferencia más importante con la ecualización es que la ecualización recorta las frecuencias seleccionadas en todos los casos. en ese caso.que el pico de volumen más grande coincida con el máximo permitido. rebotes de los ecos. Supongamos que tenemos una mezcla en la que la voz suena demasiado alta. sólo hay que hacer pasar de nuevo el audio por otro conversor M-S. mediante la compresión y limitación. la caja y algún instrumento solista y en el canal del estéreo suelen estar charles. una mezcla estéreo normal) en el formato de dos canales M-S (centroestéreo). el bajo. El canal M es la suma de la señal resultante de sumar el resultado de restar a cada canal la señal S. con lo que es más conveniente volver a la mezcla y subir el nivel de la mezcla. M = (L-S)+(R-S) . mientras que un compresor ajustado a una banda de frecuencias sólo actuará cuando el volumen de esa banda supera el umbral establecido. Generalmente. El canal S consiste en la señal resultante de restar al canal izquierdo el derecho. es un gran problema. Son útiles para destacar o atenuar instrumentos o frecuencias descontroladas. el bombo. S= L-R Para devolverlo al formato L-R. Sólo cuando una pista muestre un volumen demasiado bajo se requeriría una normalización. Compresión multibanda Con un compresor multibanda se pueden hacer ajustes muy precisos sobre las distintas bandas. La conversión M-S consiste en convertir una mezcla de dos canales L-R (izquierda derecha. la normalización puede aumentar el nivel general del ruido de la pista. reverberación e instrumentos de adorno. vamos a ajustar las pistas para que suenen todas a un volumen medio similar y al normalizar podemos perder sutilezas. en una mezcla solemos disponer en el canal central de la voz. de forma que el canal M contiene la información que se escucha en el centro de la mezcla y el canal S sólo la información estéreo. En principio esto es innecesario puesto que. Además. Si intentamos . si la pista fue mezclada a 16 bits. El compresor multibanda es muy útil para retocar el equilibrio espectral. pero adquiere su ayor esplendor cuando se usa en modo M-S. Modo M-S Sin duda uno de los procesos más útiles para hurgar en las entrañas de la mezcla.

es necesario usar medidores fiables. es necesario la utilización de medidores que funcionen en modo RMS (Root Mean Square). por otro lado. Cuando la tecnología musical estaba bajo mínimos. el volumen medio puede ser diferente.atenuarla mediante ecualización. Una medidor en modo RMS proporciona el valor eficaz del volumen. su uso ya no está tan justificado. nuestro oído no escucha así.. añadiendo brillo. probablemente perdamos las guitarras panoramizadas a los lados. . Esta forma de medir es más parecida a la forma que tiene el oído humano de escuchar. Es un efecto con el que es muy fácil pasarse.. Los medidores Para poder ajustar el nivel entre canciones. En la actualidad. podremos atenuar únicamente la voz sin dañar el resto de los instrumentos. es tan peligrosa en la grabación digital y aparece en cuanto superas los 0dBFS (FS = fondo de escala).y ajustamos el compresor multibanda en la banda de la voz... Realmente. basándose en el mismo principio. Aunque tengamos dos canciones cuyos picos máximos llegan al mismo nivel. Excitador aural Este elemento fue en el pasado utilizado ampliamente. ideales para evitar distorsión y saturación que. han aparecido un nuevo tipo de excitadores que añaden presencia en el espectro de los graves o incluso los que permiten la selección de la frecuencia central. . las mezclas eran bastante opacas y llegó a ser tan imprescindible que su inventor sólo los alquilaba. Su principio activo se basa en la restauración de armónicos perdidos durante el proceso de la mezcla. aunque en muy pequeña cantidad puede añadir ese brillo que suele faltar en los masters. motivo. Si montamos la siguiente cadena. Con la mejora de los procesos de grabación y mezcla. Para poder medir eso. Los vúmetros incorporados en las mesas de mezclas y en los programas suelen ser medidores que reaccionan muy rápido a los transitorios. porque el oido se acostumbra muy rápidamente y se tiende a añadir más de lo necesario.

chorus. en especial. Son plugins de primera calidad entre los que se encuentran el popular FreeFilter (un ecualizador gráfico con funciones de . Nuendo. Steinberg Mastering Edition (diseñados por Spectral Design) y los de Waves. pudiendo ser desde un secuenciador (Pro Tools. eco) y. En particular. los más especializados son Spark y WaveLab. Existen otras opciones como Peak o SoundForge. Realmente. WaveLab trae un rack que permite la carga de varios efectos simultáneos y tienes opciones avanzadas de análisis del audio. etc. Logic. pero dan menos facilidades a la hora de masterizar.) hasta un editor de audio (Spark. etc. un excitador aural (Enhancer) y un limitador (Optimizer) fabulosos. Software de masterización Las soluciones en software para masterización ofrecen mayores ventajas que sus equivalentes en hardware. Su interfaz es bastante antiguo. Spark permite el ruteo de la señal a través de distintos efectos. Entre los editores de audio. WaveLab.además. confesaré que tres son mis favoritos: DSP-FX.) o un programa especializado (TRacks). SoundForge. con lo que abre mucho nuestro abanico. por el que los medidores analógicos se siguen usando aún en nuestros días. pudiendo separar los canales y procesarlos independientemente de formas muy complejas. Se basa en la emulación de procesadores de válvulas y no soporta plugins de ningún tipo. pero su sonido es fantástico. VST y WaveLab que contienen un buen surtido de procesadores especialmente dedicados para la masterización que contienen todos los elementos necesarios para realizar una masterización completa. El T-Racks 24 es un programa de masterización integrado completamente autónomo. El Steinberg Mastering Edition es un paquete de plugins DirectX. DSP-FX es un paquete con algunos años que funciona como plugin DirectX y Saw que contiene varios procesadores (reverbs. se puede masterizar con cualquier programa que permita añadir plugins de efectos y modificar sus parámetros en tiempo real. Dentro de los paquetes de efectos en plugins. el medidor del limitador es muy útil para ajustar el volumen relativo entre las pistas.

El L1 me resulta demasiado bruto con la limitación y. que ofrece un surtido de herramientas aptas para masterización y. es muy popular el L1-Ultramaximizer. descendiente de su versión en rack y que mejora mucho en musicalidad el resultado. Últimamente han ido apareciendo algunas soluciones todo en uno de mano de dbx (Quatum y Quatum II). en forma de programa autónomo. el Loudness Maximizer (un limitador bastante musical) y el MultiBand Compressor es un buen compresor/expansor multibanda. Existen otras opciones de muy buena calidad. Recientemente. Hardware de masterización En este apartado existen numerosas opciones posibles. un limitador maximizador para masterización y el Ressinance Compressor. es el que más deteriora el sonido. Waves ha presentado el L2. ideado para la masterización y grabación de masters en CDs. muy suave y cálido. un estupendo compresor que puede emular varios tipos de compresores.Emagic Waveburner Pro. siendo muy habituales los equipos antiguos a válvulas. como el paquete de plugins TC Native Bundle. Finalizer 96K y Plus. de todos los limitadores comentados en este apartado. Drawmer (Masterflow DC2476) y los más populares de TC Electronic con su gama Finalizer.adaptación de curvas de ecualización). y tomar decisiones sobre lo que es más importante en la música" . [/size] PARTE 2 La masterización La masterización es el arte del compromiso. Waves proporciona varios paquetes de plugins. algunos de ellos muy apropiados para la masterización. saber qué es lo posible y lo imposible. En particular. cortando muchas veces los picos.

el TC Electronic Finalizer: 1 e 2 se refieren a las inserciones de efectos que ofrece el Finalizer. difícilmente corregiremos los errores potenciaremos los aciertos. ¿qué es lo más importante en tu música? Quizás quieras destacar la voz. sin embargo. lo normal es aplicar una EQ general e incluso alguna puerta o de-esser para filtrar sibilantes o ruidos si están presentes. Un punto vital a la hora de masterizar es tener unos monitores que ofrezcan nitidez y precisión en el sonido. pero su manejo requiere cierta destreza y. La ecualización Como sabes.Bob Katz El proceso de masterización Así pues. El mastering actual usa cada vez más los compresores y limitadores multibanda. No hay una misma regla para todos. buscando mayor naturalidad. el mayor trabajo de EQ se lleva a cabo en la fase de mezcla. el proceso de masterización en general sigue unos pasos determinados. que afectan selectivamente a bandas de frecuencias seleccionadas. antes de pasar a la fase de compresión/limitación. De cualquier modo. los ajustes extremos pueden provocar fatiga auditiva con más facilidad que en ajustes suaves. Son muy eficaces. tu música y tus oídos son los que mandan. nosotros seguiremos el esquema que marca una de las unidades de mastering más reputadas. esto es particularmente importante a la hora de ecualizar. o a lo mejor trabajas un estilo muy rítmico y quieres primar la presencia de los bombos y bajos. hablando en general. aunque no lo notes al principio. resaltando las características deseadas . la EQ puede cambiar el trazado espectral del sonido. Si no escuchamos claramente todos los aspectos de la mezcla.

Como ves. equilibrándolas y situando cada cosa en su sitio sin producir confusión. medios y agudos. potenciar frecuencias que consiguen un sonido más natural. · Hacer que el nivel general de esas tres bandas de frecuencia suene más uniforme. seguramente ya será tarde para corregirlo. eso debe hacerse en la mezcla. ¿Poco cuerpo? Actúa sobre los rangos medios. se habrán producido cambios en la ganancia general del sonido. esto puede arreglarse a menudo aumentando el rango de 15 a 20 Khz.de cada pista. si no has hecho un buen trabajo con la EQ en la fase de mezcla. como hemos dicho. La normalización aumenta o reduce la amplitud general o nivel de loudness . la EQ nos servirá para darle un toque final al material. o al revés. no estamos hablando aquí de resaltar o solapar un instrumento concreto o una voz. Un truco es que el contraste de rangos tiene un efecto interactivo. La EQ en la masterización tiene tres objetivos primordiales: · Ajustar el nivel general de bajos. En el mastering. una pequeña atenuación en el rango inferior de medios (alrededor de 250 Hz) puede tener un efecto similar que potenciar el rango de presencia (alrededor de 5 Khz). considerado como un todo. Escoge pues una mezcla profesional que tenga características similares a la que tienes entre manos y pásale el FreeFilter. Pero una buena manera de aprender la ofrecen herramientas como el Steinberg Freefilter. un cuarto de dB puede solucionar las cosas. Ahora debes centrarte en el sonido general. Escucha atentamente la mezcla e intenta captar sus debilidades. No hay magia en esto. fíjate en los parámetros resultantes y adáptalos a tu mezcla. ¿demasiado oscura y sin aire? Haz pequeños ajustes en las frecuencias altas. ¿Están demasiado embarullados los graves o retumban los subgraves? Haz cortes o atenúa en esa zona. por ejemplo. · Atenuar ciertas frecuencias que causan distorsión. Otro truco es restaurar el "aire" que puede ser perdido incluso dando cortes de medio dB a 7 Khz. que "copia" los parámetros de EQ de una onda dada y te permite usarlos en tus producciones. La normalización Una vez que hemos ajustado la EQ. debes guiarte por tus oídos.

es mayor el rango de un archivo de 24 bit que el de otro a 16 bit).de una señal a un punto seleccionado. Prueba a escuchar el principio de tu mezcla. Para afectar a esa dinámica de la señal tendremos que acudir a la compresión. sirve para llevar el pico de amplitud más alto de la señal justo por debajo del nivel de distorsión (0 dB) Normalizando conseguimos sacar el máximo partido del rango dinámico que dispongamos (en audio digital. no afecta al rango dinámico relativo de la propia señal de audio. Generalmente. en otras palabras. Sin embargo. El expansor Un expansor funciona como una puerta y te ayudará a eliminar ruido de fondo. el rango dinámico entre el material de menor y mayor volumen de la propia señal queda inalterable. ¿hay algún ruido de grabación o de cinta? Si tiene algo de esto y quieres . pero la señal suena a más volumen en general (aumentan en la misma proporción las partes de poco y mucho volumen).

Ahora ajusta el umbral. los principios del compresor son los mismos. utiliza el expansor de la siguiente forma: ajusta el ratio a 1:32 (esto es. El expansor comienza a funcionar cuando la señal cae por debajo del punto de umbral. hasta que el inicio ya no contenga ruidos. Y cuidado: un ajuste de threshold muy bajo y un ratio demasiado alto hará que todo suene al mismo nivel constantemente. el objetivo es situar el threshold entre la dinámica mas baja y más alta.eliminarlo. aunque está orientado al proceso de mezcla. la profundidad del expansor). con un ratio alto y un tiempo de liberación rápido. quizás con algún reajuste en el threshold. Ahora se trata de ajustar con precisión el ataque. Si no estás familiarizado con los fundamentos de la compresión. tienes dos rutas a tomar: · La primera forma es modificar los niveles de banda. Entonces reduce el ratio a un ajuste muy bajo y coloca el tiempo de liberación a unos 250 ms para empezar. ¿hay demasiado extremo grave o agudo. liberación y ratio. usándolos como en un ecualizador · La segunda forma es . cuando estás aplicando una compresión multibanda tienes que analizar con más detalle la señal a procesar. o demasiado poco? ¿Está el rango medio bien definido? Si quieres realizar cambios en la relación global de las bandas grave. media y aguda usando el compresor multibanda. de manera que haya una alternancia constante entre compresión alta y baja (o no-compresión) en la música. Esto para los compresores simples. El compresor Un compresor añade pegada extra a tu material dándole cuerpo y ajustando la dinámica general. Un truco general para el ajuste del compresor a la hora de masterizar es este: busca el threshold aproximado en primer lugar. ve jugando con este parámetro mientras reproduces la música desde el principio un par de veces. Asegúrate de que el medidor de reducción de ganancia se mueve a medida que pasan las "sílabas" o partes que quieres afectar. puede que sea suficiente con utilizar un expansor multibanda en las bandas agudas. Si solo quieres eliminar el ruido de cinta.

El dejar que estos picos pasen por el compresor evita el que se produzca el sonido tensionado y sobrecomprimido. dado que esto permitirá que las transiciones de frecuencias altas pasen por el compresor. pero el tiempo de liberación debería ser algo más rápido dado que el oído humano es muy sensible en esta zona. En la banda de medios puedes usar prácticamente el mismo tiempo de ataque. por la misma razón. la banda grave actúa mejor con tiempos de ataque rápidos y con tiempos de liberaciónalgo lentos dado que las frecuencias graves tienen una longitud de onda larga. Si ajustas la liberación de medios demasiado larga sonará artificial. Es aquí donde oirás grandes diferencias. La banda de agudos actúa mejor con un tiempo de ataque un poco más lento que en las otras dos bandas. como el de los medios.comprimir individualmente las bandas. . El tiempo de liberación de la banda aguda debería ser rápido. Como regla de oro. para aumentar la apertura del compresor.

Masterizaciòn por Ron Tylor: Técnicamente hablando. que es sujetar el nivel de vez en cuando. mpensar esa reducción de ganancia . volumen. Si haces que los niveles de salida del bloque de compresor queden demasiado cerca del techo del limitador. En la masterización se colocara una colección de canciones dentro de un grabador. El proceso de masterización se convertirá en todo un arte . Juega con el bypass para observar los cambios que producen tus ajustes. Veamos entonces. especialmente usando los valores de ratio más suaves posibles. Déjale al limitador un poco de espacio para hacer el trabajo para el que está pensado. si te agotas perderás la noción de las cosas importantes y cometerás errores. Notas finales Utiliza tus oídos en todos los procesos. la masterización es bastante simple. haciendo que estas suenen como si todas las canciones pertenecieran al mismo tono. Un uso racional del limitador. confía en ellos cuando te dicen que la mezcla suena bien. hará que tu mezcla siempre suene natural. y Timing (espacio entre las canciones). tu mezcla sonará aplastada. Descansa cuando lleves demasiado tiempo trabajando en la mezcla. es el paso intermedio entre tomar una nueva cinta con la mezcla hecha en un estudio y preparar esta para la replicación. La masterización no es un conjunto de herramientas o un dispositivo mágico por el cual se pase la música para que salga masterizada.El limitador El limitador debe estar situado a continuación del compresor. harás que el limitador también vaya a tope... esto implica que si usas el compresor en ajustes extremos. Pero la masterización es mucho más que esto.

he querido a través de este informe de práctica. este tema durante el último periodo de mis estudios. pero no es menor la magia y los trucos que estos practican actualmente para formar y amoldar sutilmente las variaciones de frecuencias y dinámicas de un proyecto. Si este sonaba más intenso. el público general usualmente consideraba que este sonaba mejor. Los productores y artistas comenzaron a notar que ciertas discos realmente sonaban más intensos en la radio. alguna información sobre este misterioso proceso que se lleva a cabo en muy pocos lugares del país. casete. explicarles a mis compañeros de carrera. tales como Bernie Grundman. si el nivel era demasiado bajo. la experiencia que este tenga con los varios géneros musicales y el buen gusto. DVD. pero admiro mucho el trabajo de aquellos ingenieros que si lo son. No profundizare tan detalladamente como se realiza el proceso de masterización. Historia En los primeros días del vinilo. así quizás. Si el nivel aplicado al molde (lacquer) de vinilo era demasiado fuerte. si daré algunas pinceladas sobre este proceso. Greg Calbi. Glenn Meadows y Bob Katz. La masterización se puede llevar a cabo tanto en el medio análogo como en el medio digital. se conseguiría un disco ruidoso. etc. la masterización era una especie de magia negra practicada por técnicos poco sociables. Desde ese instante. Los ingenieros de masterización de hoy practican menos el arte negro (magia negra) del corte de disco. aunque perfectamente podría realizarse en ambos campos. no existía ninguna distinción entre los ingenieros de audio debido a que todo era grabado directamente dentro de un vinilo (todo disco era de 10-pulgadas o 25cm. se destrozaba el disco y quizas la aguja de corte también. como se discutirá en el capítulo dedicado a la producción de un CD) y que por lo tanto recomiendo. aplicando ecualización y compresión. Por el camino.cuando esta sea hecha conscientemente. quienes misteriosamente hacían la transferencia desde el medio electrónico de la cinta al medio físico del vinilo. ellos especulaban. En este proceso lo que más cuenta es la habilidad de quien la realice. Sin embargo. que el disco debería venderse mejor como resultado. Del vinilo al CD y más allá Hasta 1948. se convirtió en una gran pasión. Bob Ludwig. por nombrar algunos. Sin embargo. En este proceso existía un alto grado de dificultad. la masterización es un proceso muy artístico y creativo. algunos consejos y consideraciones a tener en cuenta antes de llevar a cabo la masterización. y reproducido a . una nueva clase de ingenieros de masterización estaba naciendo: un ingeniero de masterización con algún control creativo y la habilidad para influenciar el sonido final de un disco en lugar de solo ser un técnico de transferencia que maniobrara una grabación desde un medio a otro medio. Recuerde que WaveLab es la medula principal de esta parte del documento. por que es la plataforma que yo utilizo para realizar la masterización (llamada por algunos como pre-masterización. Debo antes que todo admitir que yo no soy un especialista en el rubro de la masterización. los ingenieros de masterización (antiguamente llamados técnicos de “transferencia”) encontraron formas para hacer los discos más intensos (y por lo tanto menos ruidosos). por lo tanto no existe ninguna formula milagrosa que sirva para todas las situaciones. debido a que el nivel aplicado al molde (lacquer) de vinilo era muy crucial. Es por esto que he tratado de interiorizarme en este tema y aunque no me considero un experto en este proceso. En este informe el proceso de masterización estará siempre evocado a la producción de un CD de audio y no a otros medios como por ejemplo un vinilo. por que al igual que el proceso de grabación y mezcla.

aquí. En 1957. que usted difícilmente sabrá lo que fue sucediendo. la primera encarnación del “ingeniero de masterización” tuvo su nacimiento. el CD. En 1999. la masterización gradualmente se fue desarrollando dentro del reciente campo digital. como usted podrá haberse dado cuenta. El ingeniero ha editado las partes malas tan bien que usted incluso no lo noto. El ingeniero ha secuenciado las canciones de tal modo. grueso. Un proyecto que ha sido masterizado (especialmente en una casa masterizadora con alta trayectoria) sonara absolutamente mejor. desconocido. el sonido surround 5. ahora sonara como una “grabación”. En 1955. El ingeniero de masterización también ha hecho y almacenado una copia de seguridad.1. la grabación estéreo llego a ser comercialmente disponible y realmente empujo a la industria a nuevas alturas sónicas. El ingeniero ha hecho que todas las canciones se combinen juntas dentro de una unida cohesiva. comenzó la era de los ingenieros de “transferencia”. sin embargo. que dio al grabador multipista la habilidad de grabar en overdub. El ingeniero ha igualado los niveles de cada canción de tal forma que todas ellas tengan el mismo nivel aparente. y terminado. que estas se sitúan en el orden correcto. ¿Por qué masterizar de cualquier modo? En Europa. para asegurase que este se encuentre libre de errores o ruido. Ampex lanzo “Sel-Sync” (Selective Synchronous Recording). Con la introducción del CD en 1982. una transferencia tenia que ser hecha a un master de vinilo para entregarla a la planta de prensado. La industria de grabación fue por siempre cambiada. Aunque ambas visiones son validas. llevo a los ingenieros de masterización dentro de un nuevo. transparentemente. Este proyecto sonara completo. la masterización es mirada como la primera fase del proceso de fabricación. sería una vergüenza pasar por alto el aspecto creativo del proceso de masterización. en caso de que algo le sucediera a su apreciado master. Por todo lo descrito anteriormente. Y todo esto iba tan rápido y fácilmente. El ingeniero ha fijado los fades de tal forma que ellos sean suaves y uniformes. gracias al juicioso y creativo uso de ecualización y compresión. El proyecto que podría haber sonado como una demo antes. Con más grabaciones ahora siendo hecha en cinta. En 1948. . Pero con la introducción en 1989 de la estación de trabajo Sonic Solutions con software de pre – masterización. las altas tasas de muestreo y largos de palabra de 24-bit. El ingeniero ha insertado los spreads (el tiempo entre cada canción) de tal manera. antes que usted enviara este al replicador. cuando Ampex introdujo su primer grabador de cinta comercial. un proyecto masterizado siempre sonora mejor que uno que no lo haya sido. sin embargo. y altamente creativo territorio (DVD). la masterización es considerada el último paso en el proceso creativo. y así comenzó la distinción real entre el ingeniero de grabación y el de masterización. el ingeniero de masterización fue forzado a entrar a la era digital mientras que todavía usaba herramientas desde el antiguo vinilo. debido a que este es el paso donde las impresiones electrónicas de una cinta son transferidas a un medio mecánico (como el vinilo) o a otro medio electrónico más adecuado para la producción en masa (como CDs o casetes). que las canciones ahora fluyen juntas. el ingeniero de masterización llego a ser más influyente. En ese punto. Esto se debe a que el ingeniero de masterización ha agregado una juiciosa cantidad de ecualización y compresión para hacer al proyecto más grande. ya que esta es la ultima oportunidad para pulir y arreglar un proyecto. y el tomo cuidado de todo lo relacionado al envío del master a la fabrica de duplicación deseada. La figura de arriba muestra el antiguo tocadiscos y su predecesor.78 rpm). En los estados unidos. pulido. rico y más intenso. El ingeniero de masterización corrigió su master.

y spreads (descrito más adelante). lo más intensa posible. esto no es así. suene más suave que el de sus competidores. pero con la experiencia para saber que tan lejos llevar estas operaciones. de los equipos. es más o menos mostrar los procesos que normalmente se desarrollan. La Mecánica de la Masterización El mecanismo actual de la masterización. ya que este es el verdadero truco: hacer la música lo más intensa posible (y por consiguiente competitiva con otros productos) mientras todavía suene natural. Como yo lo manifesté antes. Por lo tanto. mientras que el 60 % será dada por la practica y la experiencia del ingeniero. el cual muchas veces se mistifica demasiado. fades. Lo que realmente separa el escalón superior de los ingenieros de masterización desde el resto. de que consiste el proceso de masterización. Yo a través de este capítulo de manera humilde tratare de humanizar y aterrizar el proceso de masterización. y usar las funciones principales de un DAW (en este informe. cuando fue descubierto que si un disco se reproducía más intenso que los otros en la radio. Las siguientes descripciones no pretenden explicar como configurar los ajustes. por ejemplo. Las funciones del DAW (WaveLab). gracias a la venta de medios digitales (CDs y DVDs) que ahora usamos. un reproductor de múltiples CD o una rocola (gramófono con una ranura para echar una moneda que lo hace funcionar). en cuyo muchos de sus oyentes prefieren un amplio rango dinámico donde el máximo nivel no es un factor. para hacer cualquier canción proyectada para la radio. los oyentes percibían este como si fuera mejor y por lo tanto hacían de este un éxito (un super Hit). A pesar de eso. de seguro no desean que uno de sus lanzamientos. de la forma que se pueda. productores y sellos discográficos. por otra parte. son algo mecánicas. puede ser dividido en algunas funciones: la maximización de nivel. Bueno con las descripciones anteriores espero haberle dado más o menos una idea. Desde entonces. hay ingenieros que intentan apretar más y más el nivel sobre el disco para buscar terminar con un producto distorsionado o sobrecomprimido (escuche el . nada de esto. la guerra volumen/nivel comenzó su camino en la era del vinilo de los 50. una computadora PC con WaveLab instalado) tales como edición. esto ha sido lo más demandado de los ingenieros de masterización. y aunque en este existan trucos a veces complicadísimos.Aunque se podría pensar a través de las descripciones anteriores. es una de las cosas con la que la mayoría de los grandes ingenieros de masterización se enorgullecen. como realizar los procesos. Sea consciente de que esto es generalmente aplicable a géneros musicales modernos como el POP/ROCK/R&B y no en todos los géneros como la música clásica o el jazz. que la masterización solo se puede practicar en sofisticados estudios y con sofisticados equipos. Note las palabras calificativas sin distorsión. el mantenimiento del balance de frecuencias. En la siguiente página describiré algunos pasos y conceptos que generalmente forman parte de todo proceso de masterización. Tomando. El único motivo de estas descripciones. estas funciones usualmente no obtendrán la misma cantidad de atención que lo descrito anteriormente. al comenzar a masterizar un proyecto. que puedan. es la habilidad para hacer la música (cualquier tipo de música) lo más grande. Esta práctica ha sido sometida bajo fuego en los últimos años. Y por supuesto. puesto a que los ingenieros de masterización casi han topado la intensidad límite. Nivel La cantidad de nivel en un CD sin distorsión. esto también se aplica para otras situaciones distintas a la de la radio. intensa y tonalmente balanceada como sea posible. como ya lo dije anteriormente. ellos exprimirán cada pequeña porción o cantidad de nivel de una pista. el éxito del proceso de masterización en la practica dependerá casi en un 40 %. La mayoría de los artitas.

en muchas de las casas de masterización. Según el ingeniero de masterización Eddy Schreyer. que el ingeniero de masterización prácticamente no podrá hacer nada para ayudar a esta mezcla. En la búsqueda de conseguir el nivel más alto. Para la masterización de música popular. por ejemplo). usted estará probablemente dando en el palo. lo que por supuesto inducirá incluso más distorsión entre la ecualización y la compresión. mientras realiza un sorprendente ajuste de nivel. es poner un cuidado especial en la cantidad de compresión que se le aplique a la mezcla que se les enviara. al estar intentando conseguir más nivel aparente. El intercambio con excesiva compresión para este ingeniero. sino que las altas frecuencias también. lo que en la practica terminara haciendo que una vez que se escuchen una a tres canciones del disco. lo que significa que desplegaran el nivel promedio y peak. Cada decibel de nivel promedio incrementado significara. Si el medidor promedio alcanza el 0 en los típicos peak musicales. en la cual el ingeniero de mezcla se le ha pasado tanto la mano con la compresión. Uno de los problemas más importantes que se han presentado en los últimos años. es el que se acerca más con su forma de medir. ha sobrevivido por la forma en que este trabaja.tema “Californification” de Red Hot Chili Peppers. use el medidor promedio y en ocasiones dé un vistazo en el medidor de peak. ya que si el nivel no es regulado con cuidado. a continuación daré un ajuste moderado de calibración que ayudara a producir masters que serán comparables a los mejores CDs sonoros alguna vez hechos: con un tono de onda senoidal a -14 dBFS. mientras que los medidores de lectura de peaks de precisión de muestras no indicaran prácticamente nada. con la excepción de que indicaran si las capacidades del medio digital están siendo excedidas. este sea dejado de lado. Medidores En el año 1999 se marco el sexagésimo aniversario del estándar de medición VU (VU meter). Un programa sobrecomprimido sonará muy confuso. Por lo tanto mi consejo es que busque un nivel que sea adecuadamente fuerte y que aún así haga percibir la música lo más natural posible. El VU meter o medidor VU con su tiempo promedio constante de 300 milisegundos. ajuste el medidor promedio para que lea CERO. Es por esto que uno de los principales consejos que entregan las casas de masterización. ensuciara no solo la imagen estéreo. esto viola el código no escrito de los ingenieros de masterización de mantener las cosas sonando lo más natural e inalterado posible. varias casas de masterización están realmente sobrecomprimiendo algunos materiales. Mientras mezcle o masterize. Mientras esto podría ser el sonido que el artista o el productor está buscando. y ocasionalmente +3 o +4 en los peaks sostenidos en extremo. pese a esto aun existe mucha gente que todavía no sabe como lee un VU que a pesar de todos sus defectos. El nivel en la masterización es lejos uno de los mayores temas de debate que a menudo tienen los distintos ingenieros de masterización. al mismo tiempo (WaveLab entrega un medidor con doble escala). Algunos medidores tienen doble escala. que considerablemente más de 1 dB adicional . podrían en la práctica sonar con una diferencia de 10 dB (o más) en intensidad. a la percepción de intensidad que tiene el oído humano. Dos diferentes programas (materiales de audio). estas casas masterizadoras terminaran ecualizando tremendamente estas pistas. Esto convierte a un medidor promedio en un complemento esencial para los oídos del ingeniero de masterización. es que a veces llegan mezclas. que alcancen 0 dBFS en un medidor de peak. podría traer daños bastantes perjudiciales como por ejemplo: daños en los sistemas donde se reproduzcan estos discos o incluso un disco con sobre nivel podría causar una notable fatiga y stress en los oyentes.

Hasta ahora he explicado la importancia de un buen ajuste de nivel en un material de audio que se este masterizando y las herramientas (medidores) que podrán ayudar a nuestros oídos a obtener el mejor nivel posible de una mezcla. Así. El medidor de fase será explicado con más detalle. Pero conseguir el mayor nivel en un disco (CD) no es el único ajuste de nivel que el ingeniero de masterización deberá practicar. entre otras cosas. como música clásica. WaveLab entrega varios analizadores de frecuencia para este propósito. Esto probablemente no será un problema durante la música suene apropiadamente a los oídos. El oído será el juez final Material con un ancho rango dinámico. lo que terminara en la devolución del Master al ingeniero de masterización. lo que no es muy bueno para ninguna grabación y menos en la masterización. Otro medidor muy utilizado es el PhaseScope (visor de fase). Igual de importante es el factor que cada canción en un disco (CD) deberá ser percibida tan intensa como la próxima canción. Por lo tanto CUIDE LOS NIVELES. sobre el comportamiento de dos señales en un material de audio estéreo. los que entregan información muy importante. algo de jazz y otros estilos son a menudo masterizados sin ningún procesamiento dinámico en general. En algunos casos. Medidores no convencionales y analizadores En la masterización aparte de los medidores de nivel. que en la masterización. Percibida es la palabra clave ya que esto es algo que no podrá ser directamente medido y deberá ser hecho por el oído. dos diferentes programas que alcancen el 0 VU (promedio) podrían tener diferentes intensidades. Escuche y decida. o el resto reconoce que el medidor promedio podría leer bien debajo de 0 VU con este tipo de música. música folklórica. con el cual se podrá analizar el comportamiento estéreo de una mezcla. ya que con estos se podrá analizar y posteriormente corregir algunas imperfecciones que se presenten en el balance frecuencial general de una canción y un proyecto completo. Resumiendo. al contrario de la grabación donde una unidad puede hacer ambos trabajos . Algunos ingenieros de masterización que trabajan con música con un ancho rango. si los canales izquierdo y derecho de la mezcla tienen una fase invertida. más adelante en este capítulo. mientras que un medidor de peak será muy útil para controlar que no se produzcan demasiados clipeos y distorsiones. se necesitaran otros tipos de medidores como por ejemplo los diseñados para medir la correlación de fase. Otras herramientas importantes en la masterización son los analizadores de frecuencia. usted podría encontrar que el medidor promedio lee bien debajo de 0. recalibran sus medidores promedio a 20 dBFS = 0 VU. ¿Como obtener niveles intensos? La mayoría de los trabajos de nivel de hoy. También comprenda que los medidores son generalmente no sensitivos a las frecuencias. el compresor y el limitador. que basta que se produzca uno a dos clipeos en un Master para detener la preparación del glass master.de compresión ha sido aplicado. Algunas casas duplicadoras han llegado a tal punto. Con este medidor se podrá definir si una mezcla es mono. son hechos por una combinación de dos de las herramientas primarias de un ingeniero de masterización. un medidor promedio es más adecuado para juzgar el comportamiento de un material de audio que se este masterizando. lo que podría o no podría ser una cosa perfecta para su tipo de música. pero el oído humano juzga la intensidad por la distribución frecuencial así como por nivel.

Puesto que en un limitador digital con look-ahead no existe ninguna posibilidad de rebasar. Con un tiempo de ataque bastante rápido (1 o 2 muestras). Limitador L2. En general. el ingeniero de masterización podrá ganar por lo menos varios dB de nivel aparente sólo por el simple factor que los peaks (picos) en el programa serán ahora controlados. usted tendrá que comprender la composición de un programa musical típico primero. resultando en una señal con un alto nivel promedio. los niveles intensos son más fáciles de lograr que en algún tiempo atrás. ellos podrán ser usualmente reducidos en nivel. el peak (pico) más alto del programa fuente determinara el máximo nivel que podrá ser logrado desde una señal digital. Pero debido a que la mayoría de los peaks más altos son de muy corta duración. Debido a que si se pretende arreglar la caja con ecualización. se podrá usar un limitador digital que corte algo del peak sobresaliente de modo que se pueda apartar la dinámica de ese instrumento en particular de la mezcla. la señal no excederá un cierto nivel predeterminado y no existirá “sobrecarga” digital.(dependiendo de los ajustes). mientras que el limitador se usa para controlar los peaks (picos) instantáneos. el nivel entero del programa podrá ser subido en varios dB. • Considere la limitación cuando usted quiera subir la intensidad aparente del material sin afectar severamente su sonido. se estará bajando las voces y . Limitación En orden para comprender como un limitador trabaja en la masterización. La función Look-ahead retrasa la señal en una pequeña cantidad (alrededor de 2 milisegundos o por allí) para que el limitador pueda anticiparse a los peaks de tal forma. sin suprimirla en la ecualización. Controlando estos peaks. que este capture los peak antes que estos ocurran. ¿En que me ayudara un limitador al masterizar? La limitación es una interesante herramienta. Los limitadores análogos no trabajan casi también como un limitador digital. Uso de limitación: Supongamos que se cuenta con un programa que fue mezclado con una fuerte caja. incluso varios dB (decibeles) de limitación podrán ser transparentes al oído. Esto es gracias a la función “look-ahead” que casi todos los limitadores digitales de ahora emplean. El compresor es usado para incrementar las señales con niveles pequeños y medianos. Esto significa que no importando lo que suceda. Ajustando un limitador digital correctamente. Con la última generación de limitadores digitales. por varios dB con el mínimo efecto secundario audible. el limitador entonces comenzó a ser conocido como un limitador Brick Wall (tan limitante como un muro de ladrillo). un tiempo de release (relajo) bastante rápido (1 a 3 milisegundos).Ultramaximizer de Waves La mayoría de los limitadores digitales usados en la masterización son configurados como limitadores “brick wall”. debido a que estos controlan más eficientemente los peaks (picos). ya que una entrada análoga no puede predecir su entrada como un limitador digital con lookahead lo puede hacer. son realmente dos diferentes unidades. por ejemplo.

y causar cambios de volumen global en el programa. Consejos y Trucos de compresión a. la compresión realmente incrementara las señales de bajo nivel mientras que un limitador reducirá las intensas. la ganancia retornara a lo normal rápidamente pero puede tener el efecto audible de reducir algo del nivel global del programa y el ataque de la percusión (batería) en la mezcla. b. Si el release es configurado muy lento. Si se desea tratar un bombo que fue mezclado demasiado fuerte. 40 ciclos (Hz) o alguna frecuencia para bajar el bombo. Ajustes muy lentos de release. al ajustar los 80. realmente se sacrificara el fondo completo un poco. 60. lo que significa que el nivel de la mezcla se incrementara y entonces disminuirá notablemente. Si el release es configurado muy rápido. Generalmente hablando. Cambios de ganancia en el compresor. el cual en los últimos años en su versión plug-in ha ganado un gran reconocimiento (este por ser digital. Cada vez que el instrumento dominante comience o pare. de modo que en esta situación será mejor usar un limitador digital para limitar los peak de la excesiva dinámica en este caso en particular. c. Estos controles tienen un tremendo efecto global en una mezcla y es importante comprender su función. un ejemplo de esto es el limitador digital L2 de la empresa Waves (mostrado en la pagina anterior). Compresión Como el nombre lo da a entender. la competencia es amplia y son muchas las opciones que se podrán tener en mente cuando se desee limitar algún material. Release es el tiempo que este tomara para que la ganancia retorne a lo normal o a una reducción de ganancia cero. la respuesta de transiente y sonidos percusivos son afectados por el ajuste del control de ataque (en ingles Attack). . los cambios de ganancia que las percusiones (batería) causen podrían ser oídos como un “bombeo (pumping)”. Plug-in Los limitadores se encuentran tanto en hardware como en software. causadas por las percusiones pueden llevar hacia abajo el nivel de las voces y el bajo.posiblemente las guitarras tan bien. Limitador L2 de Waves en su versión plug-in Obviamente el plug-in anteriormente descrito es solo un ejemplo. este “bombeara” el nivel de la mezcla hacia arriba o hacia abajo. La clave para conseguir el máximo resultado de un compresor son los controles de ataque y release (a veces llamado recovery o recuperador). un rápido ajuste de ataque (attack) reaccionara a las percusiones (baterias) y reducirá la ganancia global. usualmente mantendrá los cambios de ganancia más inaudibles pero también bajara el volumen percibido. En una mezcla de un típico estilo pop. Los compresores que trabajan mejor en el material de programa completo tienen muy suaves curvas de release (relajación) y lentos tiempos de release para minimizar este efecto de bombeo (pumping). Un lento ajuste de ataque (attack) tendera a ignorar percusiones y otras señales rápidas pero todavía reaccionara a las voces y bajo. tiene la función lookahead).

Pasajes silenciosos que son demasiado intensos y ruidosos son usualmente una denuncia. o la caja. Los instrumentos que estaban en la parte de atrás del ensamble serán llevados hacia delante. y profundidad La compresión resaltara las voces interiores de un material musical. Aprenda a identificar los rangos de frecuencia de la música de modo que usted pueda escoger las mejores frecuencias de cruce (crossover). o una compresión ajustada inapropiadamente. Ahora se trata de ajustar con precisión el ataque. Truco general para el ajuste del compresor Encuentre el threshold (umbral) aproximado en primer lugar. Un rápido ajuste de ataque (attack) y un rápido ajuste de release tenderá a reducir transientes. de manera que haya una alternancia constante entre la compresión alta y baja (o no-compresión) en la música. Procesamiento multibanda ayudara en este proceso Las transientes (sonidos percusivos) contienen más energía en las altas frecuencias que los sonidos continuos. un threshold muy alto. La mayoría de la música necesita un poco de ambos. A veces un rápido ataque (attack) y un tiempo mediano de release ayudara a dominar las percusiones (batería). f. l. Practique escuchando el impacto de la percusión cuando usted cambie los tiempos de ataque del compresor. de que usted está sobrecomprimiendo seriamente. y el ambiente. el truco con la compresión en la masterización es usar un lento release y menos (usualmente mucho menos) de 5 dB de compresión. usted podría obtener el empuje. quizás con algún reajuste en el threshold. también. Entonces reduzca el ratio a un ajuste muy bajo y coloque el tiempo de liberación a unos 250 ms para empezar. pruebe ajustando los controles de ataque (attack) y release. Mientras más enérgicos los medidores parezcan. release y ratio. Usualmente solo los ajustes más rápidos podrán hacer que una unidad “bombee”. mientras aun “empuja” el sostenimiento de los subacentos o los sonidos continuos. imagen estéreo. Generalmente hablando. Si la fuente es demasiada percusiva o tiene intensas percusiones en la mezcla. g. Asegúrese de que el medidor de reducción de ganancia se mueve a medida que pasan las "sílabas" o partes que quieres afectar. Ajustes de release más lentos tenderán a ser la mayoría inaudibles. . Pero con sobrecompresión. que es para diferenciar las “silabas” de la música. un muy bajo ratio). La compresión multibanda también le permitirá resaltar ciertos elementos que aparezcan ser débiles en la mezcla. i. j. usted podrá tener empuje (punch) e impacto. k. Usando una suavísima compresión o ninguna compresión en las altas frecuencias (por ejemplo. ancho. Con cuidado. e. Nota: con un threshold demasiado bajo y una relación de compresión (ratio) demasiado alto se hará que TODO SUENE AL MISMO NIVEL CONSTANTE. Un threshold demasiado bajo invalidara el propósito. tales como el bajo o el bombo. Compresión. las voces o la guitarra. literalmente cambiando la mezcla. h. Un lento ajuste de ataque (attack) podría además permitir una transiente para deformar la siguiente pieza de equipamiento en la cadena. pero perder el impacto de la transiente. profundidad. El objetivo es situar el threshold (umbral) entre la dinámica mas baja y la más alta. con un ratio alto y un tiempo de liberación (release) rápido. usted podrá permitir que las transientes atraviesen.d. será más probable que la compresión sea audible.

antes de los bailarines? Recuerde. Asegúrese que la “cura” no sea más mala que la enfermedad. e intencionalmente crear una composición abstracta. lo que será probablemente contraproducente. entonces considere la limitación para subir el nivel promedio sin cambiar significativamente el sonido. experiencia.Retroceda a “Shooby dooby”. perdiendo el acento principal y anulara el propósito completo de la compresión. a menudo el golpe de una caja de batería. que requiere tiempo. quien pone un acento en la silaba errónea debido a que ellos han sido instruidos para “vigorizar” cada sentencia (“el tiempo PARA mañana será nublado”). Si el tiempo de release es demasiado largo. esto podría cambiar para: SHOOBY DOOBY DOO WOP…SHOOBY DOOBY DOO WOP…SHOOBY DOOBY DOO WOP Esto removerá completamente el sentimiento de acento desde la música. y todavía los niveles no están aproximándose a CERO (referencia -14 dBFS) en un medidor VU. Si usted comprime fuertemente esta pieza musical. Fortalecer los subacentos podría darle a la música incluso más interés. Pero no todo instrumento deberá ser “llevado al frente”. Si este suena apropiadamente “energético” cuando usted sube al máximo el control de monitoreo. ya que con una buena utilización de estos se podrá obtener el máximo nivel posible desde una mezcla y seguir manteniendo la naturalidad de esta. Este es un delicado proceso. por ejemplo. Este tipo de manipulación puede solo ser lograda con un cuidadoso ajuste de los umbrales. destreza. El punto de acento en este ritmo se produce en el backbeat (pulso acentuado WOP). Si el tiempo de ataque es demasiado breve. entonces quizás todo lo que usted necesitara hacer es subir el control de volumen en lugar de agregar otro proceso DSP (compresor). Una ligera cantidad de compresión podría lograr esto… shooby dooby doo WOP…shooby dooby doo WOP…shooby dooby doo WOP… lo que podría ser justo lo que el doctor haya ordenado para esta música. notara la música primero. incluyendo ninguna semejanza a los ataques naturales y decaimientos de los instrumentos musicales. más intenso que el material fuente (original). el sonido comenzara a distorsionarse. la transiente inicial de la caja de bateria podría ser suavizada. Si la música suena adecuadamente energética. es erróneo ir en contra de la dinámica natural de la música. Pero al igual que una persona que da el tiempo en un canal de televisión. A menos que usted este intentando obtener un efecto especial. . que representa una pieza de música pop moderna: Shooby dooby doo WOP…shooby dooby doo WOP…shooby dooby doo WOP. Preste atención en estos efectos cuando usted compare lo procesado con lo no procesado. En la siguiente pagina ya para terminar con el . que la posición de su control de volumen de monitoreo tendrá un tremendo efecto en los asuntos de discernimiento. Si la combinación del tiempo de ataque (attack) y release no es ideal para el ritmo de la música. pero “débilmente intenso” en lugar de una “intensidad enérgica”. La mayoría de la música hip hop. tiempos de ataque y release del compresor. el sonido será “apretado”. y un excelente sistema de monitoreo. Resumiendo la utilización de compresores y limitadores será muy importante en la masterización.y espacio serán degradados. entonces el compresor no se recuperara tan rápido desde la reducción de ganancia del acento principal para subir los subacentos. Si el tiempo de release es demasiado rápido. ¿En el ballet. La variedad es lo que sazona la vida. Manipulando dinámicas Consideremos este pasaje rítmico. es intencionalmente abstracta… nada anda.

324) • Configure un compresor para aumentar el nivel aparente. pag.tema del nivel. Agregando una generación de normalización precisamente se bajara la señal una generación (en términos de calidad). El sonido se pondrá más distorsionado. Tres reglas para obtener niveles fuertes • Configure un limitador digital para contener los peaks. Normalizar o no normalizar Los ingenieros de masterización profesionales no hacen uso de la función de normalización de un DAW (en este informe WaveLab) para ajustar el nivel. Aunque aquello parezca como muy simple y una fácil forma de ajustar niveles. Cada operación de DSP costara algo en términos de la calidad de sonido. La segunda razón es que la normalización no lograra nada. y esta realmente no hará tan bien el trabajo de crear niveles promedios en medio de las canciones como el oído humano. La normalización mira por los peaks más altos del archivo de audio y ajusta todos los niveles del archivo ascendentemente para igualarlos con ese nivel (peak más alto). Note la palabra tan malo. aunque debo decir a manera personal que el uso de manera moderada de la normalización en algunas ocasiones. He querido entregar la apreciación de los profesionales sobre el proceso de normalización. todo en perjuicio de la calidad del sonido definitivo. describiré tres reglas para obtener niveles fuertes y algunos puntos a considerar sobre la normalización. es estrictamente una razón sónica. El problema más grande de normalizar es que esta solo pondrá su atención en los números digitales envueltos y no en el contenido de la música. BOB KATZ: Yo le daré a usted dos razones sobre [por que yo no normalizo]. Incluso los más pequeños ajustes que se hagan dentro de un DAW (WaveLab) causaran alguna masiva recalculación de DSP. Finalmente. La razón por la que la normalización o plug-ins no son usados. ¡Normalice con cautela! . esto es rara vez. pag. por que reconozco que este proceso bajara la calidad del sonido en el archivo procesado. sino que se buscara iguales intensidades percibidas entre las canciones. Esto es algo que la normalización no puede lograr. y no existe maquina que pueda leer niveles peak y juzgar cuando algo es igualmente intenso. no debería ser algo tan malo. en la masterización no se buscara intensidades electrónicas iguales. usado. (vea los consejos. más frío.2dB para evitar sobrecargas digitales (clipeos). más limitado. esta no sonara bien. por ejemplo) de un modo demasiado intensas debido a la forma que ellas están electrónicamente más potenciadas (boosted). A continuación describiré un comentario que hizo el afamado ingeniero en masterización Bob Katz sobre la normalización. Como resultado usted terminara con algunas canciones (baladas. Backbeat: Un backbeat es un pulso acentuado regularmente dentro de un compás diferente al downbeat que es el primer golpe de un compás. El oído responde al nivel promedio y no a los niveles peak (picos). normalmente en el golpe 2 y 4 de un compás de cuatro golpes. La primera tiene que ver con la deterioración de señal de casi toda la vida. si alguna vez.324) • Configure su fader master en -. (vea los consejos. y áspero.

Pero no haga uso de la normalización para ajustar la intensidad relativa de las canciones. y no por los niveles peak de la música. el bajo. Todos nosotros hemos tenido la experiencia de mezclar en la noche. La conversión M-S consiste en convertir una mezcla de dos canales L-R (izquierda/derecha. ya que permite tener un poco más de control sobre la mezcla hecha en dos canales que entregue un cliente. la caja y algún instrumento solista y en los canales estéreo (izquierdo/derecho) suelen estar el charles. . y retornar en la mañana para encontrar que todo suena muy intenso. reverberación e instrumentos de adorno. Pero el oído puede ser engañado. sólo hay que hacer pasar de nuevo el audio por otro conversor MS. es un gran problema. probablemente perdamos las guitarras panoramizadas a los lados. Modo M-S La conversión M-S es sin duda uno de los procesos más útiles para hurgar en las entrañas de la mezcla. intensidad. El canal S consiste en la señal resultante de restar al canal izquierdo el derecho. una mezcla estéreo normal) en el formato de dos canales M-S (centro-estéreo). Supongamos que tenemos una mezcla en la que la voz suena demasiado alta. podremos atenuar únicamente la voz sin dañar el resto de los instrumentos. Hay que comprender que el oído juzga intensidades por niveles promedios. También hay que comprender que la compresión y la limitación cambia la intensidad de la música al cambiar la relación pico/promedio (en ingles conocida como Peak to average ratio). Generalmente.Secuenciación Niveles relativos. El canal M es la suma de la señal resultante de sumar el resultado de restar a cada canal la señal S. Si intentamos atenuarla mediante ecualización. Esta es la única forma. de forma que el canal M contenga la información que se escucha en el centro de la mezcla y el canal S sólo la información estéreo. que llevara a las canciones a un nivel superior. y subir la ganancia hasta que este alcance 0 dBFS. claro que esta técnica tampoco hará milagros. Piense en la masterización como un estado de la producción de un álbum musical. M = (L-S)+(R-S) . el bombo. Si montamos la siguiente cadena… y ajustamos un compresor multibanda en la banda de la voz. El modo M-S es bien útil y es muy utilizado por los ingenieros en masterización. La normalización es el proceso de encontrar el peak más alto. creativo y muy competitivo. S= L-R Para devolverlo al formato L-R. o terminara con algo sin sentido. de modo que no haga sus elecciones al “azar”… escuche el final de cada canción yendo dentro del comienzo de la siguiente canción. El oído es el árbitro final de la intensidad relativa de las canciones. los rebotes de los ecos. en una mezcla se suele ubicar en el centro (“canal central”) la voz. ya que este es mucho mejor haciendo ajustes relativos que ajustes absolutos. y normalización Secuenciar un álbum requiere el ajuste de niveles de cada uno de las canciones. Por consiguiente tampoco piense que la masterización va a solucionar o arreglar una mala mezcla.

Donde en la grabación usted podía usar grandes cantidades de ecualización (desde 3 a 15 dB) en una cierta frecuencia. Cuatro reglas para balancear frecuencias 1. Esto es hecho con un ecualizador.ArgCompo.audiomidilab. y +1 en los 12kHz.fu PASS: Dj$oda llvsti. provocado cuando se usa ecualizadores análogos y resultara en un sonido más suave. esto podría ser algo como + 1 en los 30Hz.com mercury . Por ejemplo. Note que lo anterior es un poco de lo que ocurre en muchos lugares.2 en los 120 Hz. Esto reducirá el cambio de fase. -. Esto significa que en lugar de aplicar una larga cantidad de ecualización en una única frecuencia. Use el conmutador A/B para comparar el sonido procesado con el sonido original. usted agregara +1.5 en los 800Hz.6 en los 8kHz.com www. PUse un poco de ecualización a la vez – un poco ecualizará bastante. 3. Suavizado (feathering) de frecuencias Otra técnica que es usada frecuentemente es conocida como “feathering o suavisado”. Conozca el sonido que usted este tratando. +. 2. -. además en muy pequeñas cantidades. la ecualización en la masterización es hecha casi siempre en muy pequeños incrementos (usualmente en décimas partes de un dB a 2 o 3 dB en lo más alto).5dB en los 80 y 120Hz. usted agregara pequeñas cantidades en las frecuencias anexas a la frecuencia principal.7 en los 2500Hz. Suavice (feather) las frecuencias (con la técnica explicada arriba).5dB en los 100Hz y +. Fuente: www. 4. Lo que vera son muchas pequeñas aplicaciones de ecualización a lo largo de la banda de frecuencia de audio. +. +. Un ejemplo de esto es que en lugar de agregar +3dB en los 100Hz.5 en los 60Hz.net PASS: www. pero el tipo usado y la forma en que este es manejado es generalmente muy diferente a lo usado en la grabación o en la mezcla.Balance de frecuencias Una de las más importantes obligaciones del ingeniero de masterización es arreglar el balance de frecuencias de un proyecto (si lo necesita).